Les meilleurs films de 2024 (jusqu'à présent)

Photo : avec l’aimable autorisation de Focus Features. © /Avec l'aimable autorisation de Focus Features. ©

celui d'Edouard BergerConclaveest adapté, assez fidèlement, du livre de Robert Harris Roman de 2016, et il combine la vitesse pulpeuse d'une grande lecture d'aéroport avec la gravité d'un drame de grande envergure. Cela fait suite aux coups de poignard rituels Cela se produit lors de l’élection d’un nouveau pape alors qu’un groupe d’hommes ancrés dans la tradition tentent avec diligence d’exclure le monde moderne – même si ce monde est toujours là, derrière les fenêtres du Vatican, et se ressent constamment dans tout ce qu’ils font. Le film présente un rôle parfait pour Ralph Fiennes en tant que doyen du Collège des cardinaux, un homme profondément conflictuel qui admet qu'il valorise le doute et déteste la certitude, même s'il devient de plus en plus obsédé par le contrôle du résultat des élections. Au milieu de la cérémonie majestueuse, Berger trouve des moyens d'insérer un tumulte et une méchanceté qui s'intensifient progressivement. Le fragile isolement des prêtres n'est pas qu'un élément psychologique. Nous sentons partout que le monde extérieur est en proie à des bouleversements, dont ces hommes ignorent pour la plupart – même si nous soupçonnons qu’ils le seront bientôt, à la fois métaphoriquement et physiquement. Berger traite cette anticipation de manière experte, puis cloue plusieurs points culminants astucieusement chauffés et animés.—Cale Deux

➽Lire La cale Ebiri est pleineexamen deConclave et celui de Louis Peitzmanregardez de près la fin du twist.

Le deuxième long métrage de Mati Diop est un documentaire sur le rapatriement de 26 objets royaux de France au Bénin, même si cette description ne rend pas justice à son film urgent et mystérieux. En seulement 68 minutes, il évoque un monologue intérieur onirique pour les trésors pillés, décrit leur voyage à travers l'océan pour être exposé et célébré à Cotonou, et se lance dans un débat houleux entre étudiants universitaires sur la signification de ces objets.Dahomeytisse des considérations sur l'histoire, le colonialisme et les réparations, tout en donnant raison à la présence énigmatique d'œuvres d'art restaurées dans une patrie qui, aussi modifiée soit-elle, reste à sa place. —Alison Willmore

➽Lire l'intégralité de Alison Willmoreexamen deDahomey et celui de Jasmine Vojdanientretien avec le réalisateur Mati Diop.

Sean BakerAnoraest un film sur la façon dont les gens se regardent, même si cela ne semble pas être le cas à première vue. Il suit quelques semaines mouvementées dans la vie d'une strip-teaseuse qui épouse le jeune fils d'un oligarque russe millionnaire, et il dégage une énergie contagieuse et libre qui ressemble à une comédie de haut niveau qui a merveilleusement déraillé. Cela pourrait être un film farfelu du 21e siècle, mais c'est aussi un film sur l'exploitation et le travail. Baker passe un temps inhabituel à nous montrerle fonctionnement du cluboù danse notre héros, Ani (Mikey Madison); il y a une authenticité vécue dans le cadre qui vient clairement de recherches approfondies. On y voit la façon dont ces femmes, toujours extrêmement polies et accommodantes, capables de mettre leurs clients à l'aise, interagissent les unes avec les autres, leurs moments de solidarité tranquille ainsi que leurs rivalités occasionnelles. Lorsque le jeune milliardaire sauvage, charismatique et totalement peu fiable Ivan (Mark Eydelshteyn) commence à consacrer une quantité insensée de temps et d'argent à Ani, Baker se précipite à travers ces scènes dans une frénésie presque hallucinatoire, nous entraînant sur le chemin qu'Ani elle-même a été. emporté. Mais la vérité est qu’Ani a plus en commun avec la machinerie humaine qui entoure Ivan. Nous passons une grande partie deAnoraavec un trou toujours grandissant au creux de notre estomac, en attendant l’inévitable. Et tandis que les hommes qui viennent mettre fin à ce mariage correspondent au stéréotype des crétins meurtriers que nous connaissons, aimons et craignons dans de nombreux films de genre, Baker, un humaniste dans l'âme, comprend qu'eux aussi sont des travailleurs qui tentent juste de passer au travers de leur vie. jour et ne pas me faire virer. C'est alors que la magie deAnoraentre vraiment en jeu, alors que les choses deviennent incontrôlables et que le tableau s’étend de manière peu orthodoxe.-ÊTRE

➽Lire Cale Deuxexamen complet deAnora,celui d'Ebirientretien avec la star Mark Eydelshteyn,Rachel Handlerentretien avec le casting de soutien,Madeline Leung Colemanlecture attentive de la politique du cinéaste Sean Baker,et AA Dowd surla fin du film.

Photo de : Bleecker Street Media

AvecRumeurs, le légendaire réalisateur canadien Guy Maddin, en collaboration avec ses collaborateurs réguliers Evan et Galen Johnson, a réalisé ce qui pourrait être son film le plus drôle à ce jour. Mais, comme toujours chez Maddin, l'humour est quelque peu raréfié.Rumeurssuit les dirigeants du G7 alors qu'ils se perdent dans une forêt allemande et sont assaillis par de mystérieux personnages anciens tout en étant également consumés par leurs propres passions étranges. L'humour nécessite une vague familiarité avec la façon dont ces réunions publiques internationales – qu'il s'agisse du sommet du G7, du sommet de l'OTAN ou de diverses réunions de l'ONU – n'aboutissent jamais à rien qui ressemble à de véritables actions ou solutions, mais publient plutôt d'innombrables déclarations communes sans volonté. et des documents de travail et d’autres formes de bavardages diplomatiques. Et tandis que le danger des films basés sur l'esprit conceptuel est qu'ils s'essoufflent à mesure que les choses avancent et que les cinéastes sont à court d'idées, Maddin et les Johnson développent heureusement leur histoire - aussi loufoque et absurde soit-elle - de sorte que ces fouilles constantes nos dirigeants inefficaces fusionnent en quelque chose de significatif et d’alarmant. Mais toujours hilarant : ce n’est pas parce que nous nous étouffons de rire que nous ne rions plus.-ÊTRE

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Photo : Sony Pictures Classiques

Saoirse Ronan donne l'une de ses performances les plus transcendantes dans le drame balayé par le vent de Nora Fingscheidt, dans le rôle d'une femme essayant de reconstruire sa vie après son retour dans sa maison d'enfance dans les îles Orcades. Le film, basé sur les mémoires d'Amy Liptrot sur la dépendance et le rétablissement de 2016, oscille entre le présent de sa protagoniste et son passé d'alcoolique incontrôlable à Londres. Il passe également par différentes périodes de sa rééducation, sans jamais vraiment suivre une ligne narrative claire et régulière, ce qui confère une certaine responsabilité à la performance de Ronan. Nous retraçons la progression de son personnage à travers sa physicalité. Et la lumière spectrale dans celui de Ronan les yeux en disent long ; cette jeune femme est terrifiée par le monde qui l'entoure. C'est peut-être aussi la raison pour laquelle le film est rempli de détails sur le monde naturel, y compris des séquences animées impliquant des bêtes marines mythiques qui résideraient dans les eaux au large des Orcades. De telles légendes parlent de l’impuissance fondamentale des humains au milieu de la nature, mais elles font également allusion à un fantasme de pouvoir : si un autre être peut exercer un tel contrôle sur nos mondes, alors peut-être que nous le pouvons aussi. Cette idée – pleine de tension, de frustration, de possibilités – alimente tout le film et la performance de Ronan en particulier.Le dépassementIl s’agit en fin de compte de la façon dont notre recherche de certitude et de contrôle aboutit trop souvent à la perte du peu que nous possédons.

➽Lire La cale Ebiri est pleineexamen deLe dépassement.

Photo : Libération d’aimants/Collection Everett

Sournois, sombre et sournoisement bien construit, le premier long métrage de Jason Yu est une comédie d'horreur sur le somnambulisme qui porte en réalité davantage sur le mariage. Soo-jin (Jung Yu-mi) est une employée de bureau et Hyun-su (Lee Sun-kyun) est un acteur en difficulté. Alors que le couple approche de l'arrivée de leur premier enfant, leur engagement l'un envers l'autre est remis en question par les tensions de plus en plus grandes. Un état de somnambulisme alarmant se développe chez Hyun-su. La détermination de Soo-jin à protéger son mari commence à se transformer en une envie de protéger les autres de lui une fois leur bébé arrivé, et Yu augmente habilement la peur tout en montrant comment la malheureuse menace endormie de Hyun-su rencontre l'anxiété sans sommeil de Soo-jin.—Alison Willmore

➽Lire celui d'Alison Willmoreexamen deDormir.

Photo : DreamWorks Animation/Universal Pictures/Everett Collection

Basé sur le livre pour enfants de Peter Brown, le nouveau film d'animation de Chris Sanders présente une histoire quelque peu familière, réconfortante et chaleureuse. Mais ensuite, vous regardez le film – regardez-le vraiment, comme vous le feriez pour un tableau – et un tout nouveau monde s’ouvre. En racontant l'histoire d'un robot implacablement orienté vers une tâche (exprimé avec brio par Lupita Nyong'o) qui se retrouve à la lisière d'une forêt dense sur une île isolée au milieu de nulle part, Sanders crée une dissonance visuelle qui insinue presque inconsciemment son chemin dans notre cerveau et nourrit l’idée centrale du film. Et c'est hypnotique. L'environnement et les créatures ont été peints avec des coups de pinceau bruts, allant à l'encontre de l'aspect soigné des films d'animation par ordinateur modernes. Le robot, cependant, est composé d'angles vifs et de surfaces lisses - jusqu'à ce qu'elle commence à changer et à apprendre ce qu'il faut pour devenir la mère d'un oison orphelin qui est tout aussi exclu qu'elle. L’histoire du robot devient une histoire d’incapacité profondément racontable : jusqu’où notre désir d’aimer peut-il nous mener si le monde refuse de le reconnaître et si nous n’avons nous-mêmes pas les moyens de l’exprimer ? L'imagination visuelle du film, combinée à la performance vocale de Nyong'o, transforme un film familial réconfortant en un film inoubliable. —Cale Deux

➽Lire La cale Ebiri est pleineexamen deLe robot sauvageet celui d'Ebirientretien avec le réalisateur Chris Sanders.

Film très drôle sur deux comédiens coincés ensemble dans un road trip et qui se trouve également être un tendre portrait documentaire sur l'amitié entre Will Ferrell et son meilleur ami trans Harper Steele, le film de Josh Greenbaum pourrait potentiellement trouver un écho auprès d'un public qui autrement éviterait un film avec un sujet comme celui-ci. Ferrell et Steele ont tous deux débuté en même tempsSamedi soir en direct" bière de merde »et faire de l'auto-stop et des voyages en voiture à travers le pays. L'idée du documentaire est née du désir de Ferrell d'accompagner Steele lors de son premier voyage à travers le pays après sa transition. Greenbaum, qui a réalisé celui de 2021 Barb & Star vont à Vista del Mar et celui de l'année dernière Animaux errants, a clairement un goût pour les comédies entre copains et les road movie. La réalisation la plus puissante du film est peut-être aussi la plus fondamentale : la simple vision de deux amis parlant ouvertement et doucement de tout ce qui les préoccupe. -ÊTRE

➽Lire La cale Ebiri est pleineexamen deWill et Harper.

L'inclassable sujet de conversation d'Aaron Schimberg est en partie noir, en partie science-fiction, en partie comédie, en partie drame. Sebastian Stan incarne Edward Lemuel, un acteur timide et en difficulté avec une défiguration faciale dont la vie change lorsqu'un traitement expérimental enlève miraculeusement les tumeurs qui recouvrent sa tête. Puis il rencontre Oswald d'Adam Pearson, qui souffre du même problème. Contrairement à Edward, cependant, Oswald est un bon vivant bien dans sa peau - un grand danseur, un maître de karaoké et un homme à femmes qui prend poliment tout d'Edward, désormais beau mais de plus en plus hargneux et plein de ressentiment. C'est un tournant décisif pour Pearson, un acteur atteint de fibromatose, dont la charmante personnalité a directement inspiré le film de Schimberg. Stan, également merveilleux, apparaît dans ses premières scènes dans un masque prothétique savamment fabriqué ; Lorsque Pearson apparaît, c'est une délicieuse surprise non seulement pour les personnages à l'écran mais aussi pour le public. Le film devient essentiellement une conversation sur la représentation du handicap à l’écran – une représentation hilarante, émouvante et atmosphérique. —ÊTRE

➽Lire celui d'Alison Willmoreexamen deUn homme différentet celui de Bilge Ebirientretien avec la star Adam Pearson.

Photo : MUBI/Everett Collection

Les haineux, éloignez-vous - quiconque veut se plaindre du féminisme brutal du film d'horreur corporelle de Coralie Fargeat devrait considérer qu'il s'intéresse en réalité davantage à la dépendance et aux relations que nous formons avec les choses qui nous nuisent. Et il y a tellement de choses comme ça dansLe fond, de la drogue éponyme qui divise la célébrité vieillissante Elisabeth Sparkle (Demi Moore) en deux à l'attention dont sa nouvelle et plus jeune personne, Sue (Margaret Qualley), se prélasse. Le film de Fargeat est impétueux, admirablement dégoûtant et totalement hilarant (cette photo de la petite fille dans le public de l'émission du Nouvel An à la fin !), mais c'est aussi une représentation émotionnellement crue de ce que c'est que d'être en guerre contre soi-même, d'emprunter à son avenir avec des crises de boulimie et plus tard, d'en vouloir à la personne que l'on était la veille au soir.—AW

➽Lire celui d'Alison Willmorelecture attentive deLe fondet Rachel Handler sur leréaction au film qui divise au Festival de Cannes.

Photo : Juno Films/Everett Collection

Un drame indien subtilement puissant qui était probablement le meilleur film que j'ai vu àle Festival du film de Sundanceplus tôt cette année, Shuchi TalatiLes filles seront des fillesraconte ce qui pourrait être une simple histoire de passage à l'âge adulte, mais il a été écrit, réalisé et joué avec un tel sentiment, une telle observation, que chaque instant palpite de vie. La meilleure élève de son école d'élite près de l'Himalaya, l'adolescente Mira (Preeti Panigrahi) est charmée par le nouveau garçon de l'école, un garçon joyeux et beau nommé Srinivas (Kesav Binoy Kiron) qui vient de déménager de Hong Kong. Il commence à venir chez Mira, avec l'aide joyeusement conspiratrice de sa mère Anila (Kani Kusruti). Mais Mira commence également à soupçonner que sa mère montre plus d'intérêt pour Sri qu'il ne devrait l'être. C'est le genre de retournement d'intrigue qui pourrait donner lieu à un mélodrame sordide – peut-être quelque chose des romans de poche qu'Anila aime lire – mais Talati laisse planer l'incertitude sur les intentions de ces gens. Elle jongle habilement avec tous ces sujets risqués, évitant à la fois les clichés courants sur le passage à l’âge adulte et les pièges du mélodrame bon marché. Il y a une hésitation délicieuse et parfaite dans les performances. Tout le monde semble marcher sur des œufs, car ils naviguent tous dans des sentiments dont ils ne sont pas sûrs dans un cadre qui ne permet pas l'incertitude, la fantaisie, le plaisir – ou même la véritable douleur.Les filles seront des fillesest une œuvre modeste, mais comme certains des plus grands films, elle prend vie sous nos yeux.-ÊTRE

➽Lire La cale Ebiri est pleineexamen deLes filles seront des filles.

Je n'ai pas cliqué avec le dernier film de Kazik Radwanski,Anne à 13 000 pieds., avec sa représentation d'une jeune femme atteinte d'une maladie mentale non diagnostiquée qui m'a semblé un peu trop proche des souvenirs de quelqu'un sur son ex « fou ». MaisMatt et Mara, son nouveau long métrage, parvient à être une bête bien différente tout en réunissant le réalisateur canadien avecAnnevedette Deragh Campbell. Elle incarne Mara, une professeure de poésie, tandis que le cinéaste Matt Johnson incarne son ami d'université Matt, qui est maintenant un romancier à succès (bien qu'aussi quelque peu notoire). La différence, je pense, c'est queMatt et Maraexiste beaucoup avec son protagoniste féminin, plutôt que de l'observer comme un papillon épinglé sur un tableau en liège, examinant son agitation dans son mariage avec un musicien nommé Samir (Mounir Al Shami), son état d'esprit en tant que nouvelle mère et ses insécurités à l'égard de sa carrière d'écrivain au point mort. En retrouvant Matt et en entamant un flirt ambigu avec lui, Radwanski dépeint habilement quelqu'un qui joue à faire exploser sa vie, le tout à travers des courants sous-jacents dans des conversations délicatement réalistes.—AW

Photo : Marni Grossman/Amazon Prime Video/Everett Collection

Le film sur le passage à l'âge adulte de Megan Park repose sur un principe réaliste et magique : et si vous pouviez revenir en arrière et donner des conseils à votre jeune moi ? – et le suit d’une manière étonnamment sincère. Une formidable Maisy Stella est Elliott, 18 ans, qui, lors de son dernier été à la maison avant l'université, se connecte de manière inattendue avec elle-même, âgée de 39 ans (jouée par Aubrey Plaza) grâce à des champignons psychédéliques. Plutôt que d'étoffer le potentiel de science-fiction de cette prémisse, Park l'utilise pour explorer son jeune protagoniste et se pencher sur la question de savoir s'il vaut mieux éviter le chagrin lorsque ce chagrin survient à la fin de quelque chose de merveilleux. En prime,Mon vieux culest situé dans la communauté canadienne au bord d'un lac la plus idyllique que vous puissiez imaginer.—AW

➽Lire l'intégralité de Alison Willmoreexamen deMon vieux cul.

Le titre du thriller déroutant du réalisateur canadien Pascal Plante fait référence aux horribles cachots imbibés de sang où, semble-t-il, un tueur en série jugé (interprété sans un mot par Maxwell McCabe-Lokos avec un calme prédateur aux yeux de soucoupe) mutilait ses victimes adolescentes tout en diffuser le massacre en direct pour de l'argent. Nous assistons à des éclairs lointains d'une telle pièce à un moment donné, mais l'idée plane principalement sur le film comme une dimension invisible, une réalité alternative psychotique au-dessous et au-delà de la morosité étrange et vide de la vie moderne. L'intérêt de Plante ne réside pas tant dans le criminel ou ses victimes que dans les personnes obsédées par lui. Le film suit Kelly-Anne (Juliette Gariépy), une mannequin professionnelle sculpturale et pour la plupart inexpressive qui fait la queue tôt chaque soir pour s'asseoir dans la petite salle d'audience le matin. Plongée dans le monde du dark web, Kelly-Anne passe une grande partie de son temps à jouer au poker en ligne avec Bitcoin et à pirater la vie privée des autres. Il n'y a pas de véritable effusion de sang dansChambres rouges,mais il y a une sorte de sauvagerie spirituelle. Kelly-Anne est-elle attirée par Chevalier et ses actes présumés ou repoussée par ceux-ci ? C’est l’une des nombreuses questions qui restent en suspens la plupart du temps.Chambres rougesLa durée de l'histoire et le mystère troublant de la psyché de cette femme, combinés à la facilité avec laquelle elle se déplace dans les coins ombragés d'Internet, présentent le portrait d'une âme très moderne – illisible, instable et troublante. Et les questions que nous posons à Kelly-Anne pourraient également être posées à nous tous, amateurs de genre. Le regard inexpressif et fasciné qui est au cœur de ce film n'est finalement pas celui du protagoniste mais le nôtre.-ÊTRE

➽Lire La cale Ebiri est pleineexamen deChambres rouges.

Photo : Allyson Riggs/Netflix

Jeremy Saulnier est notre maître actuel du film d'action à combustion lente, etCrête rebellepourrait être son œuvre la plus serrée et la plus caractéristique à ce jour. Il s'agit d'un homme qui essaie d'éviter la violence – et plus il l'évite, plus la soif de sang du spectateur grandit. Nous voyons d'abord l'ancien marine Terry Richmond (Aaron Pierre) rouler à vélo sur une route de campagne avant que les flics locaux ne le renversent avec une voiture et ne l'arrêtent. La police saisit une liasse géante d'argent dans son sac à dos – de l'argent qu'il se précipite pour renflouer son cousin, qui est détenu pour une accusation mineure de drogue. C'est assez exaspérant, surtout quand on découvre que ce que font les flics est tout à fait légal.Crête rebelleparfois, cela semble avoir été fait spécifiquement pour informer le public américain des injustices de la confiscation des biens civils ; Terry a même un acolyte en herbe, Summer (AnnaSophia Robb), qui travaille pour le greffier du comté et explique commodément la situation chaque fois que le contexte est requis. Saulnier crée bien la tension, mais il chorégraphie aussi avec élégance les ravages lorsqu'ils surviennent. Et l’anticipation mène à l’investissement.Crête rebellen'est même pas si violent, mais les membres brisés et les coups de visage dans ce film sont parmi les plus satisfaisants de mémoire récente. —ÊTRE

➽Lire La cale Ebiri est pleineexamen deCrête rebelle et celui de Roxana Hadadientretien avec le cinéaste Jeremy Saulnier sur la fin du film.

Le film de Zia Anger est un documentaire et un drame qui réfléchit sur le passé tout en le recréant sous forme scénarisée. C'est un retour sur un film indépendant inachevé qu'Anger a décidé de réaliser à bas prix avec des amis alors qu'elle avait 20 ans, avec Odessa Young jouant le bébé cinéaste et d'autres acteurs représentant son casting, son équipe et son petit-ami. C'est une représentation triste d'être jeune et insouciant avec soi-même et avec la sécurité et le temps des autres, de se lancer dans un art que personne ne voit jamais et de penser à un film comme quelque chose que l'on utilise les autres pour faire plutôt que comme une collaboration. Mais la chose la plus audacieuse qu'il fasse est d'établir un lien entre le long métrage raté d'Anger et l'avortement qu'elle a subi à cette époque, un lien audacieux et incroyablement tendre qui met en évidence l'aspect nourricier des fins respectives. —AW

Photo : Mouvement cinématographique/Collection Everett

Le légendaire réalisateur espagnol Victor EriceLe quatrième long métrage de est une histoire émouvante sur la mémoire, l'identité et l'amitié, et elle semble profondément personnelle, presque alarmante. Le film suit un réalisateur à la retraite (Manolo Solo) alors qu'il recherche son acteur et meilleur ami (Jose Coronado) qui a quitté le tournage d'un film il y a des décennies et n'a jamais été revu. Il est clair qu'Erice se voit beaucoup dans ces deux personnages, chacun s'étant retiré du monde pour des raisons différentes. Le film se termine par une exploration du cinéma comme mémoire et de la valeur relative de cette mémoire. La dernière section de l’image demande, d’une manière fascinante et insupportablement touchante, ce qui fait réellement une vie. Est-ce la mémoire et l'identité, le pouvoir cumulatif de toutes nos expériences, la connaissance de nos amis et de notre famille ? Ou est-ce simplement la capacité d’être heureux et présent ? Erice suggère que c'est dans le regard des autres que nous nous connaissons. C'est quelque chose qu'un cinéaste comprend. Et c'est quelque chose qu'un cinéaste qui n'a pas été capable de faire un film comprend vraiment. —Cale Deux

➽Lisez la critique complète de Bilge Ebiri sur Fermez les yeux et celui d'Ebirientretien avec le réalisateur Victor Erice.

Photo : Christine Tamalet/Universal Studios/Paon

John Woo a finalement sorti ce remake américain deLe tueurc'est en préparation presque depuis la première du premier en 1989. Mais il serait fou de s'attendre à ce que Woo, 77 ans, essaie de refaire le même film. Heureusement, ce n'est pas le cas. Cette nouvelle version à moitié inversée deLe tueur, qui se déroule en France et met en vedette Nathalie Emmanuel dans le rôle de l'assassin expert et Omar Sy dans le rôle du flic qui la poursuit de manière obsessionnelle, a à peu près le même schéma d'intrigue que l'original mais une ambiance totalement différente. Il évite le romantisme fleuri, l’atmosphère épaisse, la grande création de mythes, optant plutôt pour une modestie légère et idiote. C'est amusant, ridicule et délirant en soi.-ÊTRE

➽Lire Bilge Twoexamen complet deLe tueur.

Photo : Allyson Riggs/Magenta Light Studios/Everett Collection

Le thriller de JT Mollner se déroule en chapitres racontés dans le désordre, un dispositif qui donne au premier abord l'impression qu'il est destiné à évoquer l'apogée des années 90.Pulp Fictiondes contrefaçons mais s'avère avoir un but sournois. Il y a une femme jouée par Willa Fitzgerald et un homme joué par Kyle Gallner, et tandis que le film commence avec la première fuyant, ensanglantée, le second, chaque nouvelle section nous fait réévaluer la relation entre les deux personnages ainsi que qui nous pensons. ils sont.Étrange chérieest porté par les solides performances de son leader, mais ce qui en fait une merveille si gratifiante, c'est sa construction ingénieuse, qui parvient à vous maintenir en déséquilibre jusqu'à la toute fin.—Alison Willmore

Photo : Sean Price Williams/Sony Pictures/Everett Collection

Dans le dernier film du prolifique cinéaste indépendant Nathan Silver, Jason Schwartzman incarne Benjamin Gottlieb, un chantre du nord de l'État qui a perdu la voix parce qu'il est embourbé dans le chagrin. Après une tentative de suicide et une altercation dans un bar, il est réconforté par la présence presque angélique de Carla O'Connor (Carol Kane), qui était son professeur de musique à l'école primaire. Il s’avère qu’elle veut enfin avoir sa bat-mitsva, car elle n’en a jamais eu lorsqu’elle était enfant. La proximité croissante entre Ben et Carla finit par poser un problème à presque tout le monde autour d'eux. Cela pourrait facilement devenir l'objet de manigances de haut niveau, mais le lien croissant de Ben avec Carla lui sert en fait de moyen de fuir l'humiliation qui semble se cacher à chaque coin de rue. Associer Schwartzman avec Kane s'avère être un casting inspiré : ici, deux excentriques emblématiques de différentes époques du cinéma américain se retrouvent soudainement, et leur chimie combinée envoie le film dans des directions émotionnelles surprenantes.-ÊTRE

➽Lire Bilge Twoexamen complet deEntre les Temples.

Le nouveau documentaire NetflixFilles, réalisé par Angela Patton et Natalie Rae, suit l'organisation d'une danse père-fille entre des détenus d'une prison de Washington, DC et leurs filles, âgées de 5 ans à la mi-adolescence. Cela aurait facilement pu être un document de processus standard, sur la logistique et la bureaucratie impliquées dans l'organisation de quelque chose comme celui-ci, et cela aurait pu être intéressant en tant que tel. Mais Patton et Rae choisissent plutôt de se concentrer sur les visages indélébiles au cœur de leur histoire alors que les filles et les papas attendent et se préparent avec impatience pour leur grand jour. L'accumulation de détails humains porte ses fruits magistralement lorsque l'on arrive à la danse elle-même, surtout lorsque les filles voient leur père pour la première fois. Ce n'est que dans l'acte final du film qu'on découvre queFillesa toujours été un documentaire longitudinal – que cette danse a eu lieu en 2019 et que ces filles et leurs pères ont vécu plus d’années depuis lors. On peut dire que ces scènes finales sont les plus dévastatrices car elles soulignent la vérité fondamentale sur laquelle tout le film s’est construit : le temps est la chose la plus précieuse que nous ayons.-ÊTRE

➽Lire Bilge Twoexamen complet deFilles.

C'est toujours agréable quand M. Night Shyamalan se souvient de s'amuser. La récente renaissance de sa carrière a été marquée par une approche plus ludique des thèmes sombres que les œuvres plus sérieuses et sombres de ses premiers succès. DansPiège, il jette papa fille obséquieuse et le tueur en série occasionnel Josh Hartnett à un concert pop avec son superfan fille, révèle alors que le concert est une énorme opération destinée à l'attraper. Le concept est ridicule et Shyamalan le sait. Il orne le film de choix stylistiques étranges (gros plans adressés à la caméra, de manière conviviale) et de scènes sauvages et narrativement invraisemblables. Le film est ridicule, mais le réalisateur n'a rien perdu de son cœur : la pop star est interprétée par sa propre fille, et dansPiègeDans les séquences au suspense loufoque, on sent les angoisses d'un homme qui craint de ne pas avoir prêté suffisamment d'attention à sa famille dans sa quête du succès.-ÊTRE

 ➽Lire celui d'Alison Willmoreexamen dePiège,Matt Zoller Seitzessai sur la carrière de M. Night Shyamalan,et celui de Roxana Hadadilecture attentive de la performance de Josh Hartnett.

Le premier film de Sean Wang est à la fois tendre et franc sur la difficulté d'avoir 13 ans. Chris Wang (Izaac Wang), le protagoniste, passe l'été entre le collège et le lycée à bombarder son béguin, à s'aliéner ses amis et à éliminer sa frustration. sur les membres de sa famille immédiate. Imprégné de la texture en ligne et du monde réel de la région d'East Bay en 2008, le film est un portrait douloureusement reconnaissable de l'adolescence qui est également une représentation détaillée et gratifiante de la vie dans une banlieue californienne à majorité asiatique. Et en tant que mère de Chris, femme partie pour gérer la maison pendant que son mari travaille à Taiwan et artiste contrariée essayant de garder vivant ses rêves de peinture, Joan Chen donne l'une des plus belles performances de l'année. —Alison Willmore

➽Lire celui d'Alison Willmoreexamen complet deDidi.

Photo : Colm Hogan/IFC Films et Shudder

Quiconque a vu le film d’horreur de 2020Mise en gardesait que le réalisateur Damian McCarthy a un faible pour les poupées effrayantes. Celui de son nouveau long-métrage,Singularité, est tellement outrageusement dérangeant – un mannequin en bois grandeur nature avec un visage sculpté dans un cri perpétuel – que sa vue est en fait assez drôle. Ce qui est intentionnel :Singularitéest aussi prêt à faire une blague sombre qu'à vous faire sursauter. La construction complexe de ce refroidisseur reflète celle de sa maison de campagne irlandaise restaurée, mêlant un meurtre, une vengeance, un frère psychique, un établissement psychique et bien sûr cette poupée, et ce avec une telle habileté et des images saisissantes que le résultat est aussi satisfaisant car effrayant.

La première partie deKévin CostnerL'épopée western massive de 's ressemble aux premiers chapitres d'un grand roman qui se mettent patiemment en place, délimitant soigneusement les personnages et offrant un aperçu révélateur de leur vie. Cela dit, qui saitquand nous pourrons voir le reste. Cette partie du film est riche en détails d’époque et remplie de vues majestueuses qui semblent correspondre à l’étendue de son histoire. Mais cela peut aussi être une malédiction, du moins tant que l'image n'existe que dans cet épisode : le pouvoir de ces grandes histoires romanesques (pensezColombe solitaire) réside dans la façon dont nous regardons ces personnages changer, dans la façon dont le destin les rassemble et les sépare. Quelque chose de cette taille a besoin d'une forme, et maintenantHorizonest fondamentalement juste une ligne ascendante. Bien que le film ne fonctionne pas entièrement tout seul, ce qui est à l'écran est plutôt prometteur et de bon augure pour les prochains versements. Le rythme majestueux ne semble jamais ennuyeux. C’est une explosion magnifique, tentaculaire et parfois émouvante de narration à l’ancienne – même si, pour l’instant, ce n’est que la moitié (ou peut-être un quart) d’un film.—Cale Deux

➽Lire Bilge Twoexamen complet deHorizon : une saga américaine, première partie.

Photo : avec l'aimable autorisation d'Everett Collection

Aucun réalisateur n'est mieux placé pour réaliser un film inquiétant sur une femme plus âgée et un homme plus jeune que Catherine Breillat, la provocatrice régnante de la France, qui avecL'été dernierfait un retour triomphal au cinéma après une pause d’une décennie. Léa Drucker apporte un charme fascinant à son personnage d'Anne, une avocate dont le travail auprès de jeunes victimes d'abus sexuels ne l'empêche pas de coucher avec son beau-fils de 17 ans, Théo (Samuel Kircher). Anne et Théo se retrouvent dans la bulle onirique de l'été, mais le film devient plus intéressant lorsque le monde réel s'immisce dans leur idylle et qu'Anne prouve que, pour se protéger, elle est capable d'utiliser le même langage utilisé pour discréditer les victimes qu'elle représente. —AW

➽Lire celui d'Alison Willmoreexamen complet deL'été dernier.

Photo de : Kino Lorber/Everett Collection

Agnieszka HollandBordure vertenous oblige à affronter un comportement humain brut, dépourvu de toute subtilité et de toute posture. Son nouveau film épique aborde la crise des réfugiés européens sous plusieurs angles alors qu'un jeu de football politique particulièrement cruel se joue entre la Pologne et la Biélorussie avec de vrais humains terrifiés – la plupart fuyant les guerres en Afghanistan, en Syrie et ailleurs au Moyen-Orient et en Afrique – capturés. au milieu. Construites à partir de recherches exhaustives sur des incidents réels, les cruautés infligées aux personnes dans cette image sont au-delà du mal : des réfugiés affamés contraints à des pots-de-vin et volés à l'aveugle ; des hommes assoiffés obligés de boire du verre brisé ; des enfants arrachés à leurs familles ; des vieillards malades battus en bouillie ; une femme très enceinte jetée par-dessus une clôture comme un sac de pommes de terre ; le gel et les blessés laissés mourir dans le froid. Holland est une humaniste, pas une sadique, elle ne s'attarde donc pas sur ces actions. Mais elle n’hésite pas à nous laisser assister à de telles horreurs dans l’urgence intime de son cinéma. Sa structure reproduit le processus de déshumanisation que subissent ces personnes. Ainsi, la forme du film nous oblige à nous confronter à notre propre inaction. C'est un film inoubliable dans tous les sens du terme.-ÊTRE

➽Lire Bilge Twoexamen complet deBordure verte.

Photo : avec l'aimable autorisation d'Everett Collection

Le premier film merveilleusement délicat d'Annie Bakerparvient à être à la fois mystérieux et pertinent – ​​une représentation d’un âge adulte agité vu à travers les yeux d’une fille à l’aube de l’adolescence. Dans le rôle de Lacy, qui passe l'été à la dérive chez elle après avoir trouvé un moyen de revenir tôt du camp, Zoe Ziegler est une jeune fille de 11 ans d'une précision douloureuse dont les angoisses concernant l'avenir sont contrebalancées par une solennité au-delà de ses années. Mais c'est Julianne Nicholson qui donne la meilleure performance de sa carrière dans le rôle de Janet, la mère hippie vieillissante de Lacy, dont l'amour pour sa fille n'élimine pas son besoin de continuer à chercher un sens à l'extérieur - une quête qui mène à une série d'amants et d'amis. la cabane de l'ouest du Massachusetts qu'elle et Lacy partagent, chaque visiteur apportant un nouvel éclairage sur la relation entre mère et fille. —AW

➽Lire celui d'Alison Willmoreexamen complet deJanet Planèteet celui de Jackson McHenryentretien avec la réalisatrice Annie Baker.

Photo : Magnolia Pictures/Courtesy Everett Collection

Le film du scénariste-réalisateur Josh Margolin suit une femme de 94 ans qui part à la recherche des escrocs qui l'ont arnaquée de 10 000 $. D'une manière ou d'une autre, il parvient à être si charmant et sincère que les rires ne semblent jamais paresseux, bon marché ou cruels. Il est ancré par un délicieuxreprésentation de June Squibb, un acteur merveilleux qui n'a jamais obtenu un rôle principal comme celui-ci ; elle transforme ce qui est par ailleurs une configuration assez simple et mignonne en quelque chose de beaucoup plus profond. La quête du protagoniste pour retrouver les personnes qui lui ont fait ça ne se limite pas à réparer un tort ou à récupérer son argent ; c'est une façon de prouver à tout le monde (et à elle-même) qu'elle a toujours du pouvoir dans sa vie. Cela n'empêche pas Margolin de riffer sur les films d'espionnage et les films d'action. L'une des inspirations de Thelma est le spectacle de Tom Cruise courant sur les toits de Londres enMission : Impossible – Retombées. Pour elle, il devient un symbole de persévérance et de résilience au fil des années, et pour nous, elle devient la même. Il y a une universalité convaincante dans le film : à mesure que le monde avance sans cesse, nous finissons tous par en perdre le contact assez tôt. —ÊTRE

➽Lire Bilge Twoexamen complet deThélma et celui de Rachel Handlerentretien avec la star June Squibb.

Photo : Collection Everett / Collection Everett

Je me suis promené dansLumière fantômeen début d'après-midi en janvier dernier au Sundance Film Festival. Je ne savais rien de la photo ;je t'exhortevoir les choses de cette façon aussi. Mais si vous avez besoin de plus d'informations, voici la suite : le film suit une famille traumatisée, en particulier le père, Dan (Keith Kupferer), un routier costaud, facilement distrait et au caractère colérique. Un jour, après une autre explosion de Dan au travail, une femme curieuse, Rita (Dolly De Leon), lui fait signe d'entrer dans la devanture à moitié abandonnée où elle et un groupe d'acteurs hétéroclites sont occupés à répéter une production amateur sans budget deRoméo et Juliette. Il est vite attiré par la camaraderie décontractée de cette troupe de théâtre de fortune et par la puissance élégante de la prose de Shakespeare, même s'il admet ne rien comprendre à tout cela. Pendant une grande partie de sa durée, le film ne fait que faire allusion à ce qui trouble réellement Dan et sa famille. Ce n’est pas exactement un secret – les indices sont assez faciles à rassembler – mais la révélation de leur tragédie fait toujours mal comme un coup de pied aux dents. Malgré tout le réalisme sourd de ses performances et de son environnement quotidien,Lumière fantômejoue parfois comme une sorte de fantaisie spectrale. Ou plus précisément, comme l’une de ces expériences où la vraie vie donne brièvement l’impression de se transformer en un fantasme spectral. En fin de compte, cela devient un film sur le pouvoir révolutionnaire de la communion artistique, sur la façon dont la créativité, la compassion et le pardon – de soi-même et des autres – sont tous des étapes du même voyage humain. —ÊTRE

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Photo de : Neon/Everett Collection

L'animation de Pablo Bergeradaptation du livre de Sara Varon de 2007, l'histoire d'un chien et de son robot domestique au milieu des années 1980 à New York, a été nominé pour l'Oscar du meilleur long métrage d'animation plus tôt cette année. Mais son style fable dessiné à la main, ainsi que sa beauté envoûtante et mélancolique, semblent démodés dans un monde d’animation contemporain largement défini par le désordre et l’intelligence.Sans aucun dialogue, le film suit un chien solitaire (connu simplement sous le nom de Dog) qui achète un robot compagnon par courrier. Dog assemble Robot, et tous deux passent un merveilleux été dans la ville surpeuplée et en sueur. Mais ensuite, ils sont soudainement séparés et leurs vies divergent. Le Chien, toujours maladroit, trouve un autre compagnon tandis que Robot fait des rencontres avec le reste du monde qui sont parfois des rêves, parfois des réalités. Bien que l’histoire semble se dérouler sur une année, nous voyons également New York changer autour de ces personnages. RegarderRêves de robots, nous nous retrouvons à réfléchir à la façon dont nos propres vies ont changé à mesure que nous avons grandi : les amis que nous avons laissés derrière nous mais que nous n'avons pas oubliés, les villes qui se sont transformées autour de nous, la sagesse que nous avons accumulée et toutes les façons dont dans lequel nous sommes encore légèrement endommagés par toute cette vie. —ÊTRE

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Photo : Jasin Boland/Warner Bros.

Une préquelle, une histoire de vengeance et même une sorte de bildungsroman, la préquelle de George Miller àMad Max : La route de la fureursuit les difficultés de la jeune Furiosa (jouée enfant par Alyla Browne, adulte par Anya Taylor-Joy) alors qu'elle est kidnappée par unSeigneur de guerre moto nommé Dementus(Chris Hemsworth) et plus tard cédé à Immortan Joe (le méchant deRoute de la fureur, joué ici par Lachy Hulme, sous une forme légèrement plus jeune et moins remplie de pustules). Jusqu'à présent, les personnages duMad Maxles films – oui, même les enfants – sont arrivés pour la plupart complètement formés, leur esprit et leurs attitudes étant façonnés par ce monde mort. Ici, cependant, nous voyons une jeune et brillante innocente perdre tout ce qui a toujours signifié quelque chose pour elle, et son cœur se durcit. Un voile de désespoir plane sur le film alors que nous absorbons les leçons du désert avec notre héroïne. Mais le film est aussi passionnant en soi. Les séquences d'action avancent et se construisent et se construisent, laissant négligemment toutes sortes de corps dans leur sillage. Le réalisateur cède également à son penchant pour la filature, comme il l'avait fait dans son film précédent, lemagistralTrois mille ans de désir(2022). Ilce ne sera peut-être pas un énorme succès, mais il est bon de savoir qu'après toutes ces années, George Miller semble déterminé à rester fidèle à lui-même. —ÊTRE

➽Lire Bilge Twoexamen complet deFuriosa : Une saga Mad Max; celui d'Ebiriregarde attentivement la fin; Celui de Fran Hoepfnerdiscuter avec l'acteur Tom Burke; et James Grebeysur la cape de Dementus.

« Combien d’entre vous se connaissent vraiment ? » Le professeur de philosophie Gary Johnson (Glen Powell) pose cette question dès le début de l'ouvrage de Richard Linklater.Tueur à gage. « Et si votre moi était une construction, une illusion… un rôle que vous jouez depuis le jour de votre naissance ? Il s'avère qu'il est sur le point de devenir une réponse ambulante à la question, alors que cet aimable Everyman qui observe les oiseaux se fait passer pour un assassin pour les opérations d'infiltration du département de police de la Nouvelle-Orléans. En tant que faux tueur à gages, Gary incarne en fait un personnage sorti de notre imagination collective – et cela le libère. Il peut inventer le personnage comme il l'entend car les personnes qu'il incarne n'existent tout simplement pas.Tueur à gagefonctionne à la fois comme une indulgence et une déconstruction de la transaction fondamentale de la célébrité : il nous présente un gars que nous ne pourrons jamais être, puis nous fait croire un instant que nous pouvons être lui, même s'il nous dit qu'un tel gars ne le fait pas. ça n'existe pas en premier lieu. Si Glen Powell n'est pas déjà une star, cette photo pourrait bien en faire une. —ÊTRE

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Photo : Groupe Cohen Media

Un certain nombre de cinéastes, dont Steven Spielberg, ont tenté au fil des années d'adapter l'histoire vraie et remarquable d'Edgardo Mortara, un jeune garçon juif de Bologne qui a été enlevé à sa famille par les autorités papales au milieu du XIXe siècle et a été élevé dans la religion catholique. . Mais il est peut-être approprié que le film ait finalement été réalisé par le légendaire réalisateur italien Marco Bellocchio, un homme qui a passé toute sa carrière à remettre en question le pouvoir des institutions sociales. Bellocchio est également passé maître dans l’art de décrire la façon dont la folie fonctionne dans les familles comme une force à la fois externe et interne. Dans le vaste et mélodramatiqueKidnappé, il montre non seulement ce qui est arrivé à Edgar, mais aussi les conséquences que cela a eu sur sa famille. Il s'agit d'une saga à plusieurs personnages à la fois divertissante et terrifiante. —ÊTRE

Photo : Spencer Pazer/A24

Obsédant, troublant et si brut émotionnellement qu'il ressemble à une plaie ouverte, le film de Jane Schoenbrun est une exploration de la dysphorie, de l'isolement des banlieues et du refuge imparfait qu'est le fandom. C'est facilevoir des traces deBuffy contre les vampiresetPics jumeauxdansLe rose opaque, le drame surnaturel onirique qui exclut Owen (Justice Smith) et Maddy (Brigette Lundy-Paine) qui se concentrent et se lient au lycée. Mais tandis que la mythologie de la série s'infiltre dans leur vie et sert de métaphore qu'Owen refuse catégoriquement de reconnaître, le moment le plus convaincant est celui où, un peu plus âgé, Owen revisite la source de son obsession et découvre qu'elle est loin d'être aussi convaincante qu'elle. était dans sa mémoire. La culture pop peut servir de radeau de sauvetage et de refuge, mais le film de Schoenbrun montre clairement qu'Owen doit prendre les mesures nécessaires pour se sauver dans le monde réel. —AW

➽Lire celui d'Alison Willmoreexamen complet deJ'ai vu la télé briller; Esther Zuckermanentretien avec la cinéaste Jane Schoenbrun; et celui de Rachel Handlerentretien avec Caroline Polachekà propos de sa chanson pour la bande originale.

Le dernier film des frères Ross est une autre création libre habitant un vide entre fiction et non, où les nouveaux acteurs incarnent des personnages inspirés – mais sans s'y limiter – de leur propre vie, improvisant des scènes dans les limites d'un scénario scénarisé. DansEssence Rainbaïe,l'histoire prend la forme d'un road trip vers la côte entrepris par un groupe de cinq amis de longue date fraîchement sortis du lycée, bien que le voyage soit moins une question de destination que d'aventures picaresques que le groupe vit en cours de route, comme le les enfants rencontrent des crust punks qui sautent sur les rails, des skateurs enclins au nautisme etSeigneur des Anneaux-des métalleux amoureux. C'est décousu et exaltant, comme si on prenait un coup au sentiment d'avoir 18 ans et d'être sûr que son vrai soi est là, attendant d'être découvert. —AW

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La qualité elliptique et tranquille des premières scènes de Ryūsuke Hamaguchic'estLe mal n'existe paspourrait donner l'impression de s'éloigner duConduire ma voiturel'œuvre récente et la plus connue du réalisateur. Nous passons du temps avec le veuf Takumi (Hitoshi Omika), qui vit avec sa fille Hana (Ryo Nishikawa) et gagne sa vie en faisant de petits boulots dans et autour du village de Mizubiki, coupant du bois de chauffage, récoltant des plantes, collectant l'eau des sources pour les habitants. joint de ramen. La vie paisible de ce village est interrompue par l'arrivée de deux représentants d'une agence artistique qui envisage d'ouvrir une entreprise de « glamping » à proximité. Dans la scène la plus courageuse du film, une présentation à un groupe d'habitants locaux se transforme en une confrontation prolongée lorsque les villageois commencent à poser des questions sur diverses préoccupations, notamment l'emplacement de la nouvelle fosse septique du site, qui est trop petite pour le nombre. des clients attendus et également en amont de la source d'eau douce de la ville.Le mal n'existe passonne d’une vérité troublante dans ses détails, depuis les compagnons de lit bizarres créés par le capitalisme moderne jusqu’au mépris discret avec lequel les citadins traitent les villageois les plus pauvres. Mais Hamaguchi ne nous donne pas non plus de méchants évidents, mais dépeint plutôt différentes personnes provenant de mondes différents, chacune essayant de survivre à sa manière. Pourtant, à sa manière discrète et modeste, le film nous laisse le sentiment obsédant d’une apocalypse personnelle et écologique. —ÊTRE

➽Lire Bilge Twoexamen complet deLe mal n'existe paset celui de Rachel Handlerdépêche de la Mostra de Venise.

Photo : Éric Laciste/Universal Pictures

La romance mystérieuse de comédie d'action de David Leitch se déroulant dans le monde des cascadeurs professionnels est un acte de pur amour cinématographique, mélangeant et associant les genres tout en jetant des blagues et des références à ses illustres (et moins illustres) ancêtres.Ryan Gosling, dont les talents comiques étaient criminellement sous-évalués jusqu'àle succès fulgurant de l'année dernièreBarbie, arrive à les fléchir à nouveau ici, apportant son charme impassible et affablement sombre au rôle de Colt Seavers, un doublé chaud pourTom Ryder, star de cinéma mégawatt(Aaron Taylor-Johnson). Après qu'un accident semble mettre fin à sa carrière, Colt, désespéré, reçoit un appel pour venir réaliser une cascade sur le tournage à Sydney d'un nouveau film réalisé par Jody Moreno (Emily Blunt), la femme qu'il aimait autrefois, et se retrouve aspiré dans un lit hirsute. -Affaire des personnes disparues avec un chien.Les cascades sont spectaculaireset Gosling est très drôle, mais la chose la plus surprenante dans le film est peut-être à quel point il est véritablement romantique. Blunt et Gosling ont une alchimie splendide – le genre de magnétisme à l’écran partagé par des gens qui sont non seulement incroyablement chauds, mais qui savent aussi simplement comment se regarder. Le film nous incite à vouloir que Colt et Jody se remettent ensemble ; nous sommes prêts à accepter n'importe quelle situation ridicule à condition qu'elle les réunisse. —ÊTRE

➽Lire Bilge Twoexamen complet deLe gars de l'automne;celui d'Ebirivisite des coulisses avec l'équipe de cascadeurs;et celui d'Ebiriconversation avec le réalisateur David Leitch.

Les conversations autour de la Palestine et d'Israël ne laissent souvent pas beaucoup de place aux nuances, mais le film émouvant sur le passage à l'âge adulte de Firaz Khoury propose un correctif. Tout le monde ne se rend pas compte qu'il y a des Palestiniens en Israël, vivant dans des quartiers palestiniens, fréquentant des écoles avec des enseignants palestiniens – mais on leur enseigne l'histoire israélienne, vue du point de vue d'Israël, le tout sous un drapeau israélien (alamest un mot arabe pour bannière). Ils découvrent ainsi la bataille d'Israël pour l'indépendance, même si pour eux elle est connue sous le nom de Nakba – la « catastrophe », dans laquelle leurs familles ont été déplacées en 1948.Alam, un groupe d'étudiants de la classe moyenne lutte contre la romance, l'autorité et l'éveil politique dans les jours qui précèdent le Jour de l'Indépendance d'Israël. Ce sont des enfants qui ont des moyens et des perspectives, dont les familles et les enseignants veulent qu’ils gardent les mains propres. Pour eux, les batailles politiques (et physiques) menées pour leur pays d'origine semblent parfois abstraites, et pourtant ils ne peuvent s'empêcher de chercher des moyens de s'impliquer. C'est un film merveilleux et fascinant qui n'offre pas de réponses faciles. —ÊTRE

C'est sexy, c'est en sueur, c'est méchant, et c'est justetellement amusant—La romance tennistique de Luca Guadagninoest l'un des régals de l'année, un film qui se délecte des qualités de bébé-star de cinéma du protagoniste Mike Faist,Josh O'Connor, etZendaya, leur permettant d'être plus grands que nature même si leurs personnages agissent désespérément mesquins. Un drame BDSM raconté à travers des événements sportifs,Challengersparvient àrendre le tennis chaudet transformer les manœuvres romantiques entre les trois personnages en compétitions sportives. Tout ça,un score punch-oomph, eten finalecela inclut les tirs du POV du ballon ? Qu'avons-nous fait pour mériter cela et comment pouvons-nous le faire à nouveau ? —AW

➽Lire celui d'Angélica Jade Bastiénexamen deChallengers; L'avis de Matt Zoller Seitz surLa performance cinématographique de Zendaya;et l'explication de Joe Reid surqui a gagné dans la scène finale.

Le premier long métrage de Joanna Arnow est une comédie impassible inclassable sur une femme de Brooklyn, Ann (jouée par Arnow elle-même), dont toute la vie semble tourner autour de l'humiliation : elle est dans une relation subdom avec un homme plus âgé dont l'approche réticente et désaffectée à son égard. les besoins peuvent faire partie de leur tout ; elle endure constamment des conversations gênantes avec ses parents (joués par les propres parents du réalisateur) ; elle est complètement ignorée au travail, même lorsqu'elle reçoit un prix. Il y a une qualité surréaliste dans le film, et pourtant tout semble si vrai. Arnow a capturé quelque chose sur l'absurdité authentique et mortifiante de la vie moderne – et elle l'a fait d'une manière tout à fait divertissante. Son style cinématographique est épisodique, mais pas dans le style épuisant et indulgent de tant d'autres drames sans intrigue : ses vignettes varient de séquences prolongées à des extraits comiquement brefs, donnant à l'image une cadence unique et irrésistible. —ÊTRE

Qu'est-ce qui faitAlex GuirlandeLe nouveau film controversé de , si diaboliquement intelligent, est la façon dont il se délecte et abhorre notre fascination pour l'idée deL'Amérique comme champ de bataille. Le film se déroule dans ce qui semble être le présent, mais dans cette version du présent, une combinaison de tactiques d'homme fort et de mouvements sécessionnistes a divisé les États-Unis en plusieurs factions armées et politiquement non spécifiées. La fumée s'élève des villes ; les autoroutes sont remplies de murs de voitures accidentées ; des kamikazes plongent dans une foule faisant la queue pour obtenir des rations d'eau ; des escadrons de la mort, des tireurs d’élite et des charniers parsèment la campagne. Comment nous en sommes arrivés là, ou ce pour quoi ces gens se battent, n'a pour l'essentiel aucune signification pour les journalistes qui couvrent cette guerre, qui se rassemblent dans les bars des hôtels, se saoulent et hurlent bruyamment avec la bonhomie survoltée que nous pourrions reconnaître dans les films se déroulant dans des terres étrangères commeLe champ de la morts,Sous le feu, etSalvador. Ils sont pour la plupart insensibles aux horreurs qu’ils racontent. Lele film manque d'un point de vue politiquea reçu des critiques compréhensibles, mais l'idée ici est de dépeindre les Américains agissant de la même manière que nous avons vu des gens agir dans d'autres conflits internationaux, que ce soit au Vietnam ou au Liban ou dans l'ex-Yougoslavie ou en Irak ou à Gaza ou… eh bien, la liste est longue. Il ne veut pas nous faire ressentir tant de choses, mais plutôt nous demander pourquoi nous ne ressentons rien. —ÊTRE

➽Lire Bilge Twoexamen complet deGuerre civile; Matt Zoller Seitzentretien avec le réalisateur Alex Garland; et celui de Roxana Hadadiessai sur le plan final du film.

Photo : Médias Lumières de la ville

Pourrions-nous appelerEn flammes, la candidature du Pakistan pour l'Oscar du meilleur film international de l'année dernière, un film d'horreur ? Comment pourrions-nouspas? Il retrace la vie d'une jeune femme de Karachi dont le monde est bouleversé après la mort de son père : les hommes la regardent, l'attaquent, sont obsédés par elle, l'ignorent. Les regards indiscrets d’une société patriarcale la voient à la fois comme une victime et une proie. Une brève relation apparemment prometteuse se termine par une tragédie. Elle est poursuivie par des visions obsédantes alors qu'elle commence à perdre la frontière entre réalité et illusion. Le réalisateur Zarrar Khan dépeint à la fois les chocs surnaturels et les terreurs réelles avec la même bravade effrayante, mais le fait sans jamais compromettre le drame très réel au cœur du film. —ÊTRE

L'épopée de science-fiction de Bertrand Bonello est Henry James à travers David Lynch, une création séduisante et glissante qui s'étend sur trois périodes et décors, et qui parvient à constamment surprendre et déstabiliser. Dans le rôle de Gabrielle, Léa Seydoux est une héroïne de drame costumé tragique, une traqueuse dans un film d'horreur et une chercheuse frustrée dans un paysage futur distant, et elle parvient à créer un sentiment de continuité entre ces vies très différentes, dans lesquelles Louis (George MacKay ) apparaît inévitablement.La Bêteest mélancolique, effrayant et troublant, et plus que tout, c'est un grand tournant – un film sur la peur de la vulnérabilité qui est en soi intrépide. —AW

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Photo de : 20th Century Studios

Réalisé par Arkasha Stevenson, ce préquel du film de 1976Le présageest un autre film d'horreur moderne qui parle de notre moment actuel tout en racontant une histoire fantastique enracinée dans le passé. Dans ce cas, nous sommes en 1971, et la jeune noviciale Margaret Daino (Nell Tiger Free) vient d'arriver dans une Rome turbulente pour travailler dans un orphelinat. Elle devient intriguée par l'étrange et introvertie Carlita Skianna (Nicole Sorace), l'une des orphelines. Elle voit quelque chose d'elle-même chez la fille et essaie de nouer un lien avec elle. Puis un prêtre voyou l'avertit que Carlita pourrait avoir été élevée par l'église spécifiquement pourdonner naissance à l'Antéchrist— c'est, après tout,unPrésagefilm– et notre protagoniste devient déterminé à sauver la fille. Le film vous laissera sûrement plus de questions qu'il n'en répond, mais comme les meilleurs réalisateurs d'horreur en studio, Stevenson comprend que nous ne sommes pas là pour la logique. Le film est imprégné de style et d’ambiance avec des images à la fois texturées et choquantes et qui exploitent des peurs viscérales alléchantes. Si l’horreur est avant tout une question de perte de contrôle, de sentiments d’impuissance évoqués chez le public pour refléter l’impuissance des personnages, alors c’est un véritable film d’horreur. —ÊTRE

➽Lire l'intégralité de Bilge Ebiriexamen deLe premier présage.

Le film d'Alice Rohrwacher suit Arthur Harrison (Josh O'Connor), un homme étrange doté d'un étrange don pour piller les tombes, trouver et soulever les bibelots antiques que les anciens Étrusques de l'Italie centrale enterraient avec leurs morts. Ancien archéologue, il semble hanté par ses propres exploits, et la logique onirique et nauséabonde de ce film parfois décousu, souvent magnifique, suggère que nous regardons un homme à mi-chemin entre ce monde et l'autre, luttant pour trouver sa place. Rohrwacher, l'un des plus grands cinéastes italiens, réalise des films terreux avec une touche de ce que l'on pourrait appeler un réalisme magique. Les performances sont naturalistes, les lieux de tournage authentiques et au ras du sol, mais les histoires oscillent souvent à la limite du fantastique. Le réalisateur remplit le tableau de ballades folkloriques, d'art naïf, d'apartés ludiques avec la caméra et de salves de burlesques accélérées, lui donnant toute la qualité d'une opérette délabrée. Mais l'attitude concave et mélancolique d'O'Connor sape la légèreté de l'image, probablement à dessein : plus le film avance et plus il devient fantaisiste, plus Arthur semble incapable de se réconcilier avec le monde qui l'entoure. Il est une incarnation triste et vivante de l'idée selon laquelle ceux qui passent leur temps à s'inquiéter de leur prochaine vie ne ressentiront jamais la paix dans celle-ci. —ÊTRE

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Caustique et brillant, le dernier film de Radu Jude est une comédie sur la terrible absurdité de la vie sous le capitalisme tardif qui comprend parmi ses larges références le haïku classique, Goethe, le schlockmeister allemand Uwe Boll, et une série d'enregistrements TikToks profanes de son personnage principal. , une PA surmenée nommée Angela (Ilinca Manolache).N'attendez pas trop de la fin du mondese compose principalement des rencontres d'Angela alors qu'elle conduit autour d'auditionner des sujets possibles pour une vidéo sur la sécurité des employés de l'entreprise, une production blâmant les travailleurs, rendue encore plus absurdement sombre par le fait qu'Angela a passé de si longues heures qu'elle risque de s'endormir sur la route. . Mais entrelacés avec brio, des extraits d'un film de l'ère communiste sur une conductrice de taxi, également nommée Angela (Dorina Lazar), dont les drames sanctionnés par l'État sous le régime de Ceaușescu offrent un contrepoint à la vie actuelle d'Angela dans l'économie des petits boulots, jusqu'à ce que les deux personnages convergent pour l'acte final, qui implique le tournage de la production d'entreprise, et constitue l'une des séquences les plus drôles que vous verrez cette année. —AW

➽Lire l'intégralité de Alison Willmoreexamen deN'attendez pas trop de la fin du monde.

Quelques mois avant sa mort en mars 2023, Ryuichi Sakamoto a enregistré ce qu'il soupçonnait être son dernier concert solo. Il a été créé en quelques jours à partir de segments préenregistrés qui ont ensuite été assemblés et diffusés dans le monde entier. Une version étendue de ce concert existe désormais sous forme de long métrage réalisé par le fils du défunt musicien, Neo Sora, et c'est une œuvre émouvante, sobre et introspective. Sakamoto était un artiste avisé et réfléchi, toujours conscient de son public et en conversation ludique avec lui. Maintenant, alors qu'il communie avec sa musique, nous avons l'impression de nous immiscer dans un requiem privé. Il ne semble pas particulièrement fragile lors de cette performance ; la fragilité réside dans la musique, dans la vulnérabilité avec laquelle il la joue et dans la présentation cinématographique austère. La photographie en noir et blanc chatoyante et les mouvements élégants de la caméra renforcent l’intimité de la performance. —ÊTRE

➽Lire l'intégralité de Bilge Ebiriexamen deRyuichi Sakamoto : Opus.

Photo : Niko Tavernise/Warner Bros.

Si le premierDuneétait le film de Timothée Chalamet, le deuxième appartient à Zendaya, et il est meilleur et plus accessible émotionnellement. L'adaptation de Frank Herbert de Denis Villeneuve continue d'être une épopée spectaculaire et véritablement extraterrestre sur des figures de messie génétiquement modifiées, des sorcières de l'espace, d'énormes vers de sable et des planètes gothiques fascistes aux influences BDSM. Mais c'est le personnage de Zendaya, le guerrier Fremen Chani, qui constitue le cœur du film, en tant que rebelle au cœur féroce qui a été conquis par Paul de Chalamet bien qu'il le sache mieux et bien qu'il soit conscient qu'il dit toutes les bonnes choses pour gagner sa communauté à ses côtés. pour ce qui peut être ses propres objectifs.Dune : deuxième partiea une portée incroyable, mais il parvient également à avoir un drame humain reconnaissable, et cela vient entièrement du point de vue de Chani en tant que représentant d'un peuple dont les propres désirs sont à jamais subsumés par les machinations de puissances beaucoup plus grandes. —AW

➽Lire l'intégralité de Alison Willmoreexamen deDune : deuxième partie; Matt Zoller Seitzregard dans les coulisses avec le directeur de la photographie Greig Fraser; et celui de Roxana Hadadianalyse de la fin.