Les meilleurs films de 2023

Photo-Illustration : Franziska Barczyk ; Photos : Focus Features, MUBI, Neon, Marvel Studios, François Duhamel/Netflix, Universal Pictures, HBO, Seacia Pavao/Focus Features, Cinedigm

• Haut de Bilge Two
• Le top 10 d'Alison Willmore

Photo de : Universal Pictures

Le drame judiciaire lauréat de la Palme d'Or de Justine Triet, sur une femme accusée du meurtre de son mari après sa mort de manière suspecte, serait suffisamment captivant en tant que procédure. Mais elle gagne en transcendance à mesure qu’elle commence à remettre en question la nature même de la vérité. La réalité, nous le comprenons, est quelque chose de différent pour chaque individu, une idée qui a un pouvoir particulier dans le monde d’aujourd’hui.Anatomie d'une chute, cependant, n'est pas nécessairement une grande déclaration sur notre époque ; Triet et son co-scénariste et partenaire, Arthur Harari, ont sûrement imaginé cela plus comme une exploration des conflits domestiques qu'autre chose. Mais leur acuité d'observation, leur fidélité à la vie telle qu'elle est vécue – ainsi que la performance envoûtante de Sandra Huller – aboutissent à quelque chose qui continue d'exploser dans l'esprit longtemps après le générique.

LireLa critique complète de Bilge Ebiri surAnatomie d'une chute.

Il aurait dû être évident il y a longtemps que la fantaisie hyper contrôlée de Wes Anderson n’était qu’une tentative de faire face à la folie désarticulée du monde. Et aucun d’entre nous n’aurait dû être surpris que son travail devienne encore plus particulier et plus précis à mesure que le monde devenait de plus en plus fou. C'est peut-être pour çaVille d'astéroïdescela ressemble à une œuvre si emblématique. Anderson double son style (comment est-ce possible à ce stade ?) et nous propose un réseau labyrinthique de dispositifs de cadrage pour raconter l'histoire d'un groupe de scientifiques adolescents et de leurs parents traumatisés confrontés à une forme de vie extraterrestre dans les années 1950. . Ou attendez, s'agit-il en réalité d'une histoire sur l'Actors Studio et la tentative du théâtre américain du début du siècle de lutter avec les subtilités du cœur humain ? Ou peut-être que c'est la même chose. Anderson utilise toute la technique à sa disposition pour créer un magnifique diorama d'un monde qu'il ne peut pas comprendre. En fin de compte, n’est-ce pas là le rôle du grand art ?

Lire Bilge Twoexamen complet deVille d'astéroïdes et celui de Matt Zoller Seitzvisite révélatrice du bureau de Wes Anderson.

Ira Sachs maîtrise parfaitement les petits gestes délicats qui finissent par avoir des répercussions sismiques dans nos vies. DansPassages, qui pourrait être son chef-d'œuvre, il façonne le triangle amoureux le plus délicieusement ruineux. Un cinéaste allemand (Franz Rogowski) trompe son mari (Ben Whishaw) avec une femme (Adèle Exarchopoulos), tombe amoureux d'elle, puis commence à hésiter alors que le spectre de l'engagement se profile. Le personnage de Rogowski est un narcissique total – un agent du chaos nécessiteux, insensible, pathétique et égoïste – mais allez comprendre, il est aussi assez irrésistible. Nous sommes attirés par cet homme malgré la dévastation émotionnelle qu'il provoque, peut-être parce que nous sentons quelque chose de nous-mêmes en lui. Son immaturité destructrice est captivante et accessible.

LireLa critique complète d'Alison Willmore surPassages.

Beaucoup des meilleurs films de l'année capturent l'incertitude nauséabonde de vivre ce moment présent, mais rares sont ceux qui le font avec un charme aussi oblique qu'Aki Kaurismaki dans cette romance discrète qui suit deux âmes solitaires et mal assorties qui ne cessent de se manquer. Le style de Kaurismaki – à la fois impassible et tendre – est intemporel, et on pourrait affirmer que ses histoires pourraient se dérouler à tout moment de l’histoire. Mais regardez comment ses personnages semblent constamment sur le point d'être mis de côté par le paysage industriel post-humain d'Helsinki, et écoutez la façon dont la musique à la radio a été remplacée par des reportages sur la guerre en Helsinki. Ukraine. Le monde n’a pas de place pour l’individu. Et pourtant, nous sommes toujours là, persistant, aspirant, buvant, mijotant et tâtonnant pour nous frayer un chemin.

Ava Duvernay a été si présente aux yeux du public qu'il est fou de penser qu'il s'agit de son premier long métrage en cinq ans, sans parler de son premier drame – le genre dans lequel elle excelle vraiment – ​​en près d'une décennie. Elle adapte l'étude monumentale de non-fiction d'Isabel WilkersonCastecomme un croisement entre un mystère historique et un mémoire, faisant de l'écrivain (Aunjanue Ellis-Taylor) son protagoniste. Ainsi, nous voyons les tragédies personnelles auxquelles Wilkerson a été confrontée au cours de ses recherches, ce qui ajoute une urgence émotionnelle à son voyage. Mais le véritable pouvoir du film réside dans la capacité de Duvernay à parcourir des événements historiques, des anecdotes et des images, tissant des liens parfois révélateurs et dévastateurs, créant quelque chose qui ressemble parfois à la fois à un film d'essai et à un mélodrame.

LireLa critique complète de Bilge Ebiri surOrigine.

Les films de Nuri Bilge Ceylan n'ont jamais été sans ambition, mais ils le sont devenus encore plus au fil des années, tout en restant cantonnés aux petites villes rurales turques dont le réalisateur raconte si bien la vie. Son dernier film, d'une durée fascinante de 197 minutes, suit un professeur de collège (Deniz Celiloglu) dont l'attitude envers les gens qui l'entourent – ​​qu'il s'agisse d'élèves, de collègues enseignants ou de citoyens ordinaires – est tour à tour condescendante, compatissante et méprisante. Un peu comme avecPassages, on se demande parfois si ce film aurait pu s'intitulerLa pire personne au monde, même s'il est clair que le cinéaste se reconnaît en grande partie dans le protagoniste. Ceylan n'a jamais été un cinéaste directement politique, maisÀ propos des herbes sèchesfournit une analyse astucieuse de la place de l'intellectuel turc moderne dans la société, dans toutes ses complications exaspérantes, sa paralysie sociale et son égocentrisme voué à l'échec.

Wim Wenders a sorti cette année deux merveilleux films (son documentaire en 3DAnselmeétait un autre triomphe, même s'il a raté de peu ma liste) et j'espère qu'il fera au moins une douzaine de photos supplémentaires avant d'avoir terminé. Mais d'une certaine manière,Des jours parfaitsreprésente le point culminant du parcours du réalisateur. Les protagonistes agités et angoissés de Wenders ont toujours été à la recherche d’un oubli bienheureux. Il ne s'agissait pas de personnages ambitieux mais plutôt de gens en quête d'un centre. Tous ces road movie, où allaient-ils ?Des jours parfaitsapporte une sorte de réponse. Un homme calme d'âge moyen vit dans une modeste maison de Tokyo, se lève tous les matins et passe sa journée à nettoyer les toilettes de la ville. Il y a des allusions à un chagrin passé, mais ce ne sont rien de plus que de doux clins d'œil au fait que nous venons tous de quelque part. On n’a pas l’impression que cette personne doit faire plus, on n’a pas l’impression que sa vie est gâchée. Au contraire, il est plus conscient de la chance qu’il a d’être ici que n’importe lequel d’entre nous. Est-ce à ça que ressemble le bonheur ?

LireEntretien de Bilge Ebiri avec Wim Wenders.

Il était une fois le roi de la beauté composée – un réalisateur aux cadrages impeccables, aux postures révélatrices, aux ambiances éthérées. Au fil des années, surtout lorsqu'il a commencé à expérimenter la vidéo numérique, son travail est devenu plus frénétique, plus abstrait, plus reflétant la cacophonie de notre culture visuelle multi-écrans. DansFerrari, un projet qu'il tente de réaliser depuis plusieurs décennies, il rassemble les différentes facettes de sa personnalité de réalisateur, créant un film qui oscille entre le classicisme dans ses scènes domestiques et le cinétique déchirant dans ses scènes de course. Tout est magnifiquement tenu ensemble par Adam Driver dans le rôle du vieillissant Enzo Ferrari et Penélope Cruz dans le rôle de sa femme, Laura, des parents en deuil et des conjoints en conflit engagés dans un combat émotionnel serré.

LireLa critique complète de Bilge Ebiri surFerrari,entretien avec Michael Mann, etLe reportage de Rachel Handler à la Mostra de Venise.

Telle une couverture chaude faite d'amiante, la comédie dramatique d'Alexander Payne sur les vacances d'hiver dans un internat pour garçons a une surface familière et confortable qui se révèle peu à peu toxique. Paul Giamatti – un acteur qui ne peut être comparé à aucun autre acteur de l’histoire humaine, quel que soit le médium – incarne un professeur d’histoire vivant résolument dans le passé. La star Da'Vine Joy Randolph est le chef cuisinier en deuil qui ne peut ni avancer ni regarder en arrière, et le nouveau venu fulgurant Dominic Sessa est un adolescent troublé et mal-aimé qui se précipite tête baissée vers un avenir incertain. Le penchant de Payne pour les moments calmes et décontractés se marie bien avec l'esthétique lo-fi du film, qui imite les textures d'une image des années 1970. Cela signifie également que formellement, le film est obsédé par le passé, tout comme le personnage de Giamatti. Même les clins d’œil à la guerre du Vietnam tout au long du film jouent comme des références timides à un sujet controversé, comme ils l’auraient été en 1970. Néanmoins, une croissance est possible. Dans le travail de Payne, les faiblesses et les échecs d'un individu peuvent ouvrir la perception d'un autre ; ses humains ne montrent pas l'exemple, mais à travers leurs défauts. C'est l'un des plus grands films du réalisateur.

LireLa critique complète d'Alison Willmore surLes restesetEntretien de Matthew Jacobs avec Da'Vine Joy Randolph.

De nombreux biopics ont essayé cette année de ne pas être des biopics, au point que les publicistes des films ont poliment mais fermement demandé que nous ne les appelions pas des biopics. Christopher Nolan ne semblait pas avoir de telles inquiétudes.Oppenheimerest un fier biopic : un condensé dense et puissant d'une biographie de 600 pages sur l'un des hommes les plus importants du 20e siècle et sur (selon les propres mots du film) « la putain de chose la plus importante qui soit jamais arrivée dans l'histoire ». du monde. » MaisOppenheimerest également à l'opposé d'un film standard de Great Man : l'exploit ici est monstrueux, et la dissolution psychique du personnage principal sous nos yeux est déchirante. Nolan veut entrer dans l'esprit de J. Robert Oppenheimer, voir « l'univers caché » que la physique quantique a ouvert et ainsi transmettre la prison psychique dans laquelle le scientifique s'est retrouvé après avoir inauguré l'ère nucléaire. Que le réalisateur ait transformé cette histoire la plus dévastatrice en un phénomène fascinant de la culture pop sans céder un pouce sur ses dimensions tragiques est sûrement un exploit pour les âges.

LireLa critique complète d'Alison Willmore surOppenheimer etL'explication de Bilge Ebiri sur la fin avec Christopher Nolan.

Tous les développements les plus vivants de l’horreur ont jailli des limites du genre cette année – et, plus que tout, d’Internet. Le coup de l'A24Parle moiétait le produit de deux YouTubers australiens, tandis que celui de Kyle Edward BallMarque cutanéeest né de tropes de pâtes effrayantes et de vidéos d'espaces liminaires. Mais c'est un autre début, les images trouvées de Robbie Banfitch paniquent dans le désert de MojaveLes Outwaters, cela me tient obstinément depuis des mois, et j'en ai entendu parler seulement à cause de la polarisation des fans d'horreur en ligne. Réalisé pour 15 000 $ et fortement improvisé,Les Outwatersdes sonsBlair Sorcière–comme sur le papier, jusqu'au voyage de camping que fait son groupe de quatre amis. Mais l’expérience réelle de le regarder est un éventail étonnant d’images oniriques alors que le voyage passe du banal au macabre. Les membres ensanglantés d'un étranger aperçus la nuit par une lampe de poche cèdent la place à des images encore plus troublantes dans la lumière du jour, et Banfitch, qui joue également dans le film, apparaît à différents moments comme une victime de tout ce qui se passe et comme l'un de ses auteurs. Il ne travaille peut-être pas avec beaucoup de ressources, mais ce qu'il accomplit dans ce film expérimental limite m'a fait tomber les chaussettes - jamais plus que le moment où son protagoniste se retrouve d'une manière ou d'une autre sur l'aile d'un avion comme celui qu'il ramène chez lui. au début du film, comme s'il avait toujours été pris dans ce cauchemar et qu'il ne le voyait que maintenant.

James Gunn s'est lancé dans la tâche peu enviable de mettre de l'ordre dans une autre maison de super-héros dans une société prête à s'éthériser.même son propre filmà des fins fiscales. Mais avant de le faire, il a démontré qu'il était la meilleure chose qui soit jamais arrivée au MCU – pas que j'avais vraiment besoin de ce rappel en tant que personne qui a toujours été extrêmement sensible à son mélange caractéristique de profane, de brutal, de sentimental et d'inattendu. sublime. Le genre le plus dominant de la décennie s'est transformé non seulement en une formule, mais en une publicité continue pour laquelle les téléspectateurs sont censés être reconnaissants de payer, et face à cela,Les Gardiens de la Galaxie Vol. 3parvient à être plus qu'un divertissement honnête envers Dieu, un divertissement qui a l'étrangeté libérée du matériel (comme un film furtifNous3adaptation) qui ne devrait jamais trouver un public de masse. Cela rend même Chris Pratt sympathique car il boucle la boucle de Star-Lord, d'un enfant qui fuit le chagrin au développement éternel arrêté d'un space opera à un adulte qui rentre enfin chez lui.

Lire l'intégralité de Bilge Ebiriexamen deLes Gardiens de la Galaxie Vol. 3 et celui de Siddhant Adlakhaexplication de la fin.

La plupart des films tournés pendant la pandémie conservent une certaine essence de la pandémie, que cela ait quelque chose à voir avec ce qui est à l’écran ou non. Mais ce long métrage de 62 minutes, aussi enveloppant que la nuit luxuriante dans laquelle il se déroule, ne l'est pas, bien qu'il ait été tourné en 2020 après le retour du cinéaste Tyler Taormina dans sa maison d'enfance à Long Island.La comète de Happerse sent, au contraire, détaché de tout moment particulier, un hommage sans dialogue à l'isolement de la banlieue qui parvient à se sentir aussi luxueux que solitaire. Le film saute dans l’espace, capturant des instantanés plutôt que d’essayer d’assembler quoi que ce soit qui ressemble à une histoire. Une femme plus âgée prend une pause après avoir feuilleté un dépliant pour poser sa tête sur la table de sa salle à manger et sourire ; un mécanicien travaillant dans un atelier de carrosserie automobile, sans autre compagnie que le son métallique d'une radio, descend et commence à faire des pompes ; un chien est assis dans un salon et regarde une télévision hors écran. Les images de Taormina sont indéniablement aussi belles qu'étranges - les réverbères et les feux arrière d'une voiture garée brillent avec la même chaleur sur une route calme - mais c'est la solitude qu'elles dégagent qui les rend si invitantes, comme si elles donnaient un aperçu d'un million de moments privés. . Alors que les personnages enfilent des patins à roulettes et se promènent dans les rues sombres, on ne sait pas vraiment si ce qui les motive est le désir de compagnie ou l'occasion de se délecter de l'indulgence de tous ces espaces vides.

Le premier film d'AV Rockwell a l'envergure d'un roman et l'esprit le plus féroce, et il est ancré par une performance remarquable de Teyana Taylor dans le rôle de la résolue Inez de la Paz. Fraîchement sortie de Rikers en 1994, Inez kidnappe rapidement son fils, Terry, dans une famille d'accueil négligente à Brooklyn et l'emmène dans les quartiers chics de Harlem, où elle a grandi et où elle finira par se lier avec un ex, Lucky (William Catlett). , dans un développement qui, comme la plupart de ceux du film, ne mène pas du tout là où on pourrait s'y attendre.Mille et unest une œuvre magnifique et émouvante sur des gens qui tentent de se forger une vie de famille sans modèles sur lesquels s'appuyer et face à une ville qui devient de plus en plus hostile à leur existence à chaque amélioration supposée et qui se foutent en l'air et se font du mal. continuez, car la seule autre option est d’abandonner. Même lorsqu'elle traite de thèmes plus larges, Rockwell laisse toujours ses personnages montrer la voie - ils ne sont jamais que vivants alors qu'ils se frayent un chemin à travers une métropole grouillante dans laquelle il est trop facile de disparaître.

Lire celui d'Alison Willmoreexamen deMille et un.

Il y a une rigueur formelle dans le premier film de la dramaturge Tina Satter qui contraste fortement avec l'expérience paniquée et palpitante du visionnage réel. Satter a pris son dialogue textuellement à partir des transcriptions de l'interrogatoire du lanceur d'alerte Reality Winner par le FBI le 3 juin 2017, le jour de son arrestation, expurgations et tout - lorsque le film arrive à une ligne qui a été masquée, les acteurs s'éteignent et brièvement disparaître du cadre, comme si leurs performances réelles avaient été temporairement supprimées par l'État. Et pourtant, il n'y a rien de supprimé dans la performance de Sydney Sweeney dans le rôle de Reality, qui se déroule dans des micro-expressions alors que son personnage essaie de prétendre – ou veut croire lui-même – que ce qui lui arrive n'est pas si grave. Alors que les hommes affluent dans la maison de location merdique de Reality à Augusta, en Géorgie et commencent à documenter les détails de sa vie, la caméra se rapproche du visage de plus en plus frappé de Sweeney comme si elle essayait de scruter la tête de son personnage. C'est une œuvre claustrophobe et magistrale qui, en l'espace de 82 minutes, permet d'assister dans l'intimité à la vie d'une jeune femme implosée par la puissance de l'État.

LireLa critique complète d'Alison Willmore surRéalité.

Le film de Jonathan Glazer présente un personnage clé de la Shoah non pas comme l'incarnation d'une haine virulente mais comme le produit d'un cloisonnement et d'une ambition, ce qui s'avère encore plus inquiétant. Je ne suis pas sûr qu'il existe cette année une expérience visuelle qui soit à la fois aussi étonnante et étouffante queLa zone d'intérêt, qui vous soumet aux aspirations bourgeoises et à l'angoisse carriériste de Rudolf (Christian Friedel) et Hedwig Höss (Sandra Hüller), qui ont réalisé la maison de leurs rêves juste à côté du camp de la mort d'Auschwitz, que supervise Rudolf. L'austérité de l'approche de Glazer est impitoyable, présentant la banalité des préoccupations des Höss, de la fierté d'Hedwige dans son jardin au transfert donné à Rudolf alors qu'Hedwige refuse de l'accompagner pendant, dans un contexte toujours présent mais jamais vu. d'atrocité. L’horreur d’à côté ne parvient qu’occasionnellement à s’immiscer dans les consciences soigneusement cloisonnées de la famille, comme lorsqu’une sortie à la piscine avec les enfants est interrompue par une rencontre avec certains des sous-produits horribles du camp. Mais dans une scène tardive qui relie son film au documentaire crucial de Joshua OppenheimerL'acte de tuer, Glazer postule que parfois le corps peut se révolter contre les vérités brutales que l'esprit tente d'apaiser.

LireLa critique complète de Bilge Ebiri surLa zone d'intérêt.

Laissez à Hayao Miyazaki le soin d'emballer tant de deuil, de doute de soi, de ressentiment et d'espoir dans un film sur un royaume secret rempli d'oiseaux anthropomorphes séduisants et voraces. Il y a plus à faireLe garçon et le héronque cela, bien sûr, avec en toile de fond le Japon de la Seconde Guerre mondiale, des résonances autobiographiques, une belle-mère enceinte qui est aussi une tante, un héron cendré qui est aussi un homme grincheux, et la logique onirique d'un autre monde dominé par l'océan où les âmes s'élèvent comme des âmes. des esprits adorables à naître dans notre réalité. Mais ce qui est si convaincant dans la dernière épopée de Miyazaki, qui, espérons-le, ne sera pas non plus la dernière, c'est la façon dont la magie sert d'allégorie émotionnelle à ce que traverse Mahito (Soma Santoki), 12 ans, plutôt que quelque chose de littéral. Le grand-oncle sorcier de Mahito s'est retiré de la réalité pour créer un univers alternatif séduisant mais instable qu'il a besoin de quelqu'un « exempt de méchanceté » pour prendre le relais.Le garçon et le héronc'est accepter la perte mais aussi accepter de faire partie du monde, dans toute sa fragilité et tout son potentiel.

LireLa critique complète d'Alison Willmore surLe garçon et le héron.

L'éblouissant drame familial de Lila Avilés se déroule sur une seule journée, au cours de laquelle les proches d'une petite fille de 7 ans nommée Sol (Naíma Sentíes) se réunissent chez son grand-père pour organiser une fête d'anniversaire surprise pour son père, Tona (Mateo García Elizondo ). Que Tona mourra probablement bientôt du cancer qui l'a réduit à l'état d'enveloppe est clair pour tout le monde saufTotemLa jeune protagoniste de , qui a du mal à comprendre pourquoi son père ne veut pas toujours la voir (ou qui que ce soit) et tente de donner un sens au comportement des adultes en deuil qui l'entourent. Le film d'Avilés combine la curiosité avide d'un enfant avec la sagesse constante d'un adulte, et alors qu'il tourbillonne entre les préparatifs de fête et les querelles des membres de la famille – autour d'un gâteau, à propos des toilettes, à propos de la décision de Tona de renoncer à un traitement, à propos d'un spiritualiste amené venu nettoyer la maison - il aborde son grand ensemble de personnages avec une tendresse presque insupportable. Sans jamais friser l'écoeurant, c'est un film sur la mort qui devient une célébration sincère de la vie.

Le dernier de Todd Haynes est une brillante ode à la toxicité féminine qui commence dans un lieu de camp et se termine dans un lieu plus proche de l'horreur. Gracie Atherton-Yoo (Julianne Moore), inspirée de Mary Kay Letourneau, zézaie, prépare et renforce l'illusion désirée d'une vie domestique de conte de fées au moyen d'un terrorisme hautement féminin qui implique des larmes militarisées et des barbes de velours ailées sur les membres de sa famille. Dans le rôle d'Elizabeth Berry, l'actrice qui incarnera Gracie dans un prochain film, Natalie Portman n'est que platitudes prudentes et yeux affamés, parlant d'un grand jeu pour rendre justice à l'histoire de la façon dont Gracie, 36 ans, a séduit Joe, alors âgé de 13 ans. Yoo (Charles Melton), qu'elle a épousé plus tard, tout en cachant à peine sa joie vorace face à la maturité du matériau qu'elle récolte. Haynes présente ces personnages en duel et les performances démesurées derrière eux avec une ironie reconnaissante qui est trompeuse (alors que Moore ouvre le réfrigérateur, la partition se déchaîne avec un accent dramatique avant d'observer "Je ne pense pas que nous ayons assez de hot-dogs"). C'est Joe qui apparaît comme l'âme blessée du film, joué par un impressionnant Melton dans le rôle d'un homme d'une trentaine d'années figé quelque part dans l'adolescence par ses expériences, clignant des yeux d'incrédulité face à la vie dans laquelle il s'est retrouvé comme s'il venait juste de se réveiller à la réalité de ce qui s'est passé. à lui. C'est un tournant déchirant, et la façon dont il est déployé à l'écran rendmai décembrela montre la plus complexe et la plus complexe de l'année.

LireL'avis complet de Bilge Ebiri surmai décembreetEntretien de Madeline Leung Coleman avec Todd Haynes.

Cette année m’a donné beaucoup de sentiments « l’ancien monde se meurt et le nouveau monde peine à naître » à propos du cinéma, entre la contraction du modèle du streaming (qui n’avait peut-être jamais de sens au départ en termes de rentabilité ? ), l’effondrement de Disney, l’effondrement de franchises autrefois massives, les mouvements ouvriers triomphants et l’incursion des pop stars dans les multiplexes. Je ne pleure guère les structures d’entreprise qui ont dominé la dernière décennie, mais je n’ai aucune idée de ce qui va suivre. Je sais juste qu'il n'y a pas eu de meilleur film pour résumer l'année, et pas de meilleur film, point final, que l'inégalable de Kelly Reichardt.Se présenter, qui consiste à créer de l'art dans un monde qui nécessite également de gagner de l'argent. En tant que Lizzy, sculpteur et assistante administrative dans une véritable école d'art qui (un peu trop à juste titre) a fait faillite il y a quelques années pour des raisons financières, Michelle Williams a l'aura parfaitement pincée d'un bas-bleu tombé dans l'actuel Portland ensoleillé. Mais ses inquiétudes – sa capacité à réaliser ses délicates sculptures en argile de petites dames tout en équilibrant un travail quotidien, l'intérêt personnel enviable de son artiste-propriétaire rival, Jo (une charmante Hong Chau) – sont suffisamment palpables pour avoir l'impression qu'elles pourrait appartenir à Reichardt elle-même, le pressant étant étroitement lié au mesquin d'une manière profondément pertinente. Est-il possible de subvenir à ses besoins tout en ayant encore suffisamment d’argent pour faire le travail que l’on aime ?Se présenter, qui présente également un tour du flûtiste du projet passion André Benjamin, n'a pas de réponse. Ce qu’il contient, c’est une affirmation inexprimablement belle du sens de la création artistique en laquelle vous croyez, même si elle n’atteint qu’un public sélectionné mais reconnaissant.Bon travail, les filles.

LireLa critique complète d'Alison Willmore surSe présenter.

Photo-Illustration : Franziska Barczyk ; Photos : Apple Original Films, Jessica Miglio/Marvel, Melinda Sue Gordon/Universal Pictures

Cette année, plusieurs films de super-héros majeurs ont fait faillite (et au moment d'écrire ces lignes, nous ne savons pas siAquamance sera un autre). Cela a vu Disney livrer un véritable flop animé (Souhait) et un autre qui existe dans l'espace liminal entre le flop et le coup (Élémentaire). Nous avons également vu Netflix commencer à retirer les montagnes d’argent qu’il consacre à la production cinématographique. Beaucoup d’entre nous attendaient (peut-être même espéraient) la fin de l’ère de la franchise. Mais maintenant que cela pourrait se produire, qu’y a-t-il de l’autre côté ?

LireTable ronde complète de Bilge Ebiri et Alison Willmore sur une année de fin de film – et tous les dénouements de 2023 hors écran également.

Le maître d'action à petit budget Jessie V. Johnson a dirigé ce massacre d'une période sale sur une femme qui devient un puissant guerrier après que son mari, le chef des Iceni, soit tué par les Romains. En tant que personnage principal, figure légendaire de l'histoire britannique ancienne, la grande Olga Kurylenko passe de manière convaincante de douce, tendre et déférente à folle, hargneuse et meurtrière. Ne vous attendez pas à beaucoup d’analyses historiques, de précision sur la période ou de nuances émotionnelles ; celui-ci fonctionne sur votre cerveau de lézard. C'est comme un magasin de dix sousUn cœur brave: Il n'a peut-être pas l'ampleur de ces films d'action de la vieille école, mais il reste passionnant, passionné et rempli de violence à glacer le sang, mur à mur.-ÊTRE

Le documentaire hybride de Kaouther Ben Hania a une conception remarquable, racontant l'histoire d'Olfa Hamrouni, une mère tunisienne, et de ses quatre filles en reconstituant des scènes de leur vie mouvementée et terrifiante. Deux des filles jouent elles-mêmes ; les deux autres sont joués par des actrices car, comme le dit Olfa, ils « ont été dévorés par les loups ». Ce qu'elle veut réellement dire par là devient clair au cours du film (même si les Tunisiens qui se souviennent de ce fait divers de l'histoire récente savent peut-être où va l'histoire), à ​​mesure que nous apprenons le mariage d'Olfa, les abus dans sa famille et comment ses filles ont progressivement adopté une forme d’islam militant et fondamentaliste qui a déchiré leur famille. Une actrice est embauchée pour jouer Olfa pendant les scènes les plus difficiles, et nous voyons des images sèchement drôles et sournoisement terrifiantes de la vraie Olfa expliquant à son double comment agir. En racontant l'histoire d'Olfa et de ses filles, Ben Hania (dont le film de 2019L'homme qui a vendu sa peaua été nominé aux Oscars) raconte également l'histoire tumultueuse de la Tunisie au lendemain du Printemps arabe, un mouvement prometteur qui a débuté dans ce pays avant de s'étendre au reste de l'Afrique du Nord et du Moyen-Orient.-ÊTRE

Photo : Melinda Sue Gordon

Il serait tentant de dire queTueurs de la Lune des Fleursest la tentative de western de Martin Scorsese, et on pourrait aussi y voir une énième épopée de gangsters de la part d'un homme qui en a fait sa part. Mais en adaptant l'histoire non-fictionnelle acclamée de David Grann en 2017, sur une conspiration de plusieurs années visant à assassiner des membres de la nation Osage dans le but d'accroître leur richesse pétrolière, Scorsese et le scénariste Eric Roth en ont fait la chose la plus simple et la plus glissante : l'histoire d'un mariage. Le film est à son meilleur lorsqu'il montre la relation grandissante entre Mollie Brown (Lily Gladstone), membre d'une grande et riche famille Osage, et Ernest Burkhart (Leonardo DiCaprio), un vétéran de la Première Guerre mondiale qui arrive en ville pour travailler pour son oncle, William Hale (Robert De Niro), un type de parrain local. L'aspect le plus inconfortable deTueurs de la Lune des Fleursce n'est pas la criminalité spectaculaire exposée, mais plutôt la façon dont elle est traitée par tant de personnages comme ce n'est pas grave. Ce sont des idées typiquement scorsésiennes : notre capacité désinvolte à faire le mal, la violence inhérente aux relations, la tension de servir deux maîtres. À bien des égards, cependant, c'est le film de Lily Gladstone. Elle incarne Mollie avec un mélange de distance et d'espoir épuisé. Alors que les horreurs s'accumulent autour d'elle, elle navigue dans ses nausées, rassemblant ses soupçons ainsi que son affection pour son mari. Quand il dit à Mollie qu'il l'aime, elle le croit. Et nous aussi. C’est, à bien des égards, la grande, cruelle et irréconciliable tragédie qui est au cœur de ce récit.-ÊTRE

LireLa critique complète de Bilge Ebiri surTueurs de la Lune des FleursetProfil d'Alison Willmore de Lily Gladstone.

Le film du réalisateur argentin Rodrigo Moreno est présenté comme un film de braquage, ce qui n'est pas techniquement incorrect ; il s'agit en fait d'un homme qui braque une banque puis incite un collègue à mettre en place un plan élaboré pour s'en sortir sans problème. Mais au fond,Les délinquantsIl s'agit de laisser derrière soi un monde oppressif et de découvrir la possibilité de liberté dans un nouveau. Les voleurs ici ne cherchent pas à s’enrichir. « Trois ans et demi de prison, ou 25 ans à la banque ? C'est ainsi que Morán (Daniel Elias) le présente à son collègue Román (Esteban Bigliardi), expliquant pourquoi il a eu recours au crime. Le plan est assez simple : Morán avouera le vol et écopera de trois ans de prison. En attendant, Román cachera l'argent. Par la suite, les deux hommes auront juste de quoi ne pas avoir à travailler pour gagner leur vie. Mais un tel objectif, un tel monde, est-il possible ? Le film de Moreno parle vraiment de l'attente entre les deux, de ce qui se passe pendant que ces deux hommes attendent leur heure. D'une durée de 183 minutes, c'est un film de détours à la fois narratif et formel. Mais ce n'est jamais ennuyeux ou fastidieux.Les délinquantsopère sa magie sur nous de la même manière que la promesse de liberté opère sur ses personnages. C'est une vision d'une vie non vécue – aussi impossible qu'enivrante.-ÊTRE

LireLa critique complète de Bilge Ebiri surLes Délinquants.

Photo de : Shudder et IFC Film

Ce film d'horreur argentin brutal se déroule dans une réalité dans laquelle les possessions sont à la fois connues et transmissibles, transformant les infectés en masses de chair malveillantes et suintantes appelées « Pourris ». Mais ce qui rend le film de Demián Rugna si efficace n'est pas le gore (qui est à juste titre grossier !) ou l'idée d'une contagion démoniaque — c'est la manière dont les faiblesses de la nature humaine, tant au niveau personnel que systémique, font mettre un terme à la corruption. presque impossible une fois qu'il apparaît. Lorsqu'un Pourri débarque sur un terrain près de la ferme des frères Pedro (Ezequiel Rodríguez) et Jaime (Demián Salomon), les autorités locales se renvoient la balle en insistant sur le fait que tout le monde réagit de manière excessive. Mais Pedro, ce qui se rapproche le plus du héros dans le film, est tout sauf le cas. Il finit par faire encore plus de dégâts dans ses efforts pour aider et sauver ses enfants, une séquence qui ressemble à une sombre comédie d'erreurs. Rugna a apparemment été inspiré par les problèmes de santé causés par les pesticides dans son pays natal, même si la combinaison de désinformation, de déni et d'échecs institutionnels du film rappelle invariablement les premiers jours du COVID.—AW

Photo de : 20th Century Studios

Le cadre de l’intelligence artificielle n’est qu’un appât : les robots de cette épopée de science-fiction n’ont pas vraiment d’impact sur nos conversations actuelles sur ChatGPT. Ce sont plutôt des métaphores aux multiples facettes pour toutes sortes de groupes qui sont altérés, et le film étonnamment adulte de Gareth Edwards se concentre moins sur les IA elles-mêmes que sur la façon dont elles sont traitées par les forces américaines qui se battent pour les effacer de l'existence. .Le Créateurdes riffs sur les films sur la guerre du Vietnam etCoureur de lamecar il envoie un John David Washington jamais meilleur dans une Asie du Sud-Est déchirée par la guerre à la recherche de la femme (Gemma Chan) qu'il a aimé et trahie, ne semblant jamais sûr de ce qu'il dirait s'il la retrouvait. Edwards, toujours doué pour les effets visuels, offre des paysages époustouflants et habités dans lesquels des tours métalliques brutalistes cohabitent avec des rizières et des villages.—AW

LireLa critique complète d'Alison Wilmore surLe Créateur.

La documentariste Claire Simon explique ce qu'elle compte faire au début de l'étonnantNotre corps— pour explorer « l'univers majoritairement féminin » du service de santé des femmes d'un hôpital parisien, « soignant les pathologies gynécologiques qui pèsent sur nos vies, sur nos amours, sur nos espoirs, sur nos désirs ». Au cours de son film de près de trois heures, elle tourne sa caméra vers des moments de vulnérabilité, de chagrin et de joie alors qu'une femme enregistre la voix de son nouveau-né qui pleure après avoir accouché seule, alors qu'un adolescent trans apprend qu'il devra attendre jusqu'à l'âge de 18 ans pour procéder aux procédures médicales auxquelles son père refuse de consentir, et alors qu'elle est une jeune femme, elle pleure en parlant de la douleur qu'elle a commencé à ressentir lors des rapports sexuels avec son nouveau mari. Il y a une grande générosité dans le film et dans la volonté de ses sujets de permettre que ces moments soient documentés, qui se heurte à la même ouverture de Simon lorsqu'un diagnostic signifie qu'elle n'est plus seulement la réalisatrice mais elle-même une patiente.—AW

Le thriller lent de Sébastien Marnier tisse une telle ambiance de duplicité sinistre qu'on aurait peut-être envie de prendre une douche après. Il suit Stéphane (Laure Calamy), un ouvrier de conserverie avec une petite amie en prison, qui renoue avec Serge (Jacques Weber), le riche homme d'affaires qu'elle prétend être son père. La famille de Serge est immédiatement méfiante, mais il est clair qu'elle a ses propres desseins sur la richesse de l'homme. Tout le monde dans ce film semble mentir entre ses dents. Entre des mains moins sûres, cela aurait pu entraîner des ennuis. Mais Marnier et son formidable casting savent exactement ce qu'il faut révéler et quand. Ils nous maintiennent délicieusement amarrés.-ÊTRE

Photo de : 20th Century Studios

Les mystères d'Hercule Poirot de Kenneth Branagh n'ont pas vraiment enflammé le monde du cinéma, donc le fait que le réalisateur-star continue de les réaliser témoigne clairement de son amour pour ces histoires et ce personnage. Dans le dernier,Une hantise à Venise, il abandonne les caméras plongeantes, les vues épiques et le rythme effréné des films précédents pour quelque chose d'étrange, de plus insulaire et peut-être encore plus raffiné. Il prend le roman peu discuté d'Agatha Christie de 1969,Fête d'Halloween,et le transforme en un thriller maussade et saccadé sur l'inconnu. Il prend également pas mal de libertés avec l'original en cours de route, transportant l'histoire à Venise en 1947 et y introduisant un courant sous-jacent surnaturel. Cela permet quelques frayeurs, mais cela rend également Poirot plus intrigant : son refus de croire aux questions spirituelles n'est pas seulement dû à son dévouement à la science et à la raison – c'est aussi une mesure de son brisement.-ÊTRE

LireLa critique complète de Bilge Ebiri surUne hantise à Venise.

Photo : Pablo Larraín/Netflix

Le dernier film de Pablo Larraín présente le général Augusto Pinochet, le dictateur militaire brutal soutenu par les États-Unis qui a dirigé le Chili de 1973 à 1990 et est mort en 2006, toujours avec le sang de milliers de personnes sur les mains, comme un véritable vampire. Alors, qu'est-ce que c'est ? Horreur? Satire? Allégorie? Un thriller politique ? Un drame familial ? Il contient tous ces éléments, mais c'est aussi quelque chose qui lui est propre : un film élégamment tourné dont les tons concurrents créent quelque chose de délirant et de nouveau. Mais derrière toute cette théâtralité de genre, ce qui ressort le plus clairement dansLe Comtesont la tristesse et la colère de Larraín face à ce qui est arrivé à son pays.-ÊTRE

LireLa critique complète de Bilge Ebiri surLe Comte.

Au contraire, le suivi d'Emma Seligman àShiva bébéCela pourrait être encore plus anarchique, mais tel quel, c'est une époque parfaitement idiote, sans vergogne violente et souvent audacieuse. Rachel Sennott et Ayo Edebiri forment un duo comique de longue date dans le rôle de PJ et Josie, des parias lesbiennes qui ont fondé un cours d'autodéfense/club de combat pour femmes dans leur lycée et ont accidentellement créé un espace de solidarité féministe, même si elles ne sont que deux. essayer de s'envoyer en l'air. Les deux sont très drôles, et le casting présente également d'autres vedettes, comme Marshawn Lynch en tant que conseiller du club sur le point de divorcer et Kaia Gerber en tant que deuxième pom-pom girl la plus populaire de l'école.—AW

LireLa critique complète d'Alison Willmore surBas.

Photo de : Greenwich Entertainment

Dans ce drame captivant et plein de suspense de Rodrigo Sorogoyen, un couple français tente de démarrer une ferme biologique et de réhabiliter une propriété désolée dans un village rural espagnol. Mais les habitants, qui tentent de vendre leurs terres pour les développer par une société d'énergie éolienne, considèrent le couple comme des étrangers coincés qui tentent de les empêcher de gagner de l'argent et de quitter cet endroit. Sorogoyen fait peut-être semblant de parler des réalités économiques qui sous-tendent le conflit foncier, mais il n'a pas non plus peur de prendre parti et de divertir. Alors que l'hostilité croissante entre l'homme et la femme et leurs voisins finit par atteindreChiens de paille–Dans ces proportions, il devient clair que le réalisateur veut nous faire ressentir l'impuissance croissante de ses protagonistes et la tension tenace de vivre juste à côté de gens qui pourraient vraiment vouloir vous tuer. —ÊTRE

Photo : Warner Bros. Pictures/YouTube

Réalisé et co-écrit par Greta Gerwig,Barbieest devenu un test de pureté Rorschach sur le féminisme, la féminité et l’état de l’industrie elle-même. EstBarbieféministe ou est-ce simplement un marqueur de la ruse du capitalisme, reprenant les emblèmes mais pas l'âme du mouvement féministe ? S'agit-il simplement d'une publicité de jouets astucieuse ou tient-il réellement compte du poids culturel de Barbie avec esprit ? Je pense que la vérité est plutôt complexe, ce qui fait queBarbiefonctionner comme une image de femme, un argument féministe et un film défini par son intérêt délirant pour le principe de plaisir. Peu importe où vous avez tracé vos limites sur ce champ de bataille culturel, il est difficile de le nier.Barbiec'est amusant comme l'enfer. Mené par la productrice vedette Margot Robbie,Barbieest un funhouse rose débordant de numéros de danse scintillants, de monologues sincères et d'une véritable curiosité non seulement pour la féminité mais pour l'humanité elle-même. Tout le monde dans le casting apporte son A-game. Ryan Gosling a sans aucun doute la performance la plus audacieuse en tant que Himbo Ken, dont toute l'existence est au service du regard chaleureux de Barbie. Issa Rae et Hari Nef sont des délices égaux rien que pour certaines lectures de lignes dérangées. America Ferrera est la MVP furtive pour son monologue juteux qui vante les restrictions imposées aux femmes. Robbie consolide sa position de véritable nouvelle star au firmament d'Hollywood en aidant à créer un film doté d'une grande curiosité et d'une esthétique joyeuse qui parle de la nature sauvage et ardente de la vie. —AJB

LireLa critique complète d'Alison Willmore surBarbieetEssai d'Allison P. Davis sur les films de Greta Gerwig.

Photo : Parrish Lewis/Netflix/Parrish Lewis/Netflix

Le premier film de Juel Taylor, qui change de genre, est un mélange vibrant et vif de concepts de science-fiction, de commentaires sociaux et d'hommage à la blaxploitation avec John Boyega, Jamie Foxx et Teyonah Parris dans le rôle de types largement dessinés - un trafiquant de drogue, un proxénète et un travailleuses du sexe – qui découvrent que les schémas apparemment inévitables de leur vie dans un quartier appelé Glen ne sont pas accidentels et sont en réalité le résultat d'une conspiration gouvernementale. Avec autant de films originaux Netflix ces jours-ci qui ressemblent à des remplissages algorithmiques,Ils ont cloné Tyroneest l'offre rare qui donne non seulement l'impression qu'elle a été faite par une personne, mais par quelqu'un avec un œil pour le visuel, une voix distinctive et un sens de l'humour aiguisé. —AW

Les incendies de forêt font rage au loin dans le film envoûtant de Christian Petzold, qui n'arrête pas ses personnages : le romancier Leon (Thomas Schubert), le photographe Felix (Langston Uibel), la travailleuse saisonnière Nadja (Paula Beer) et le nageur-sauveteur Devid (Enno Trebs). - de flirter et de se battre pour des repas partagés à l'extérieur de la maison de plage, c'estEn feuLe paramètre principal de. Tout au long du film, c'est la nervosité de Léon face aux échecs de son deuxième manuscrit qui menace de faire dérailler l'idylle balnéaire, mais le potentiel d'un danger plus grave se cache toujours en arrière-plan. La merveille de l'œuvre de Petzold est qu'elle se délecte de la jeunesse sans tache de ses personnages tout en admettant que, pour faire du grand art, il est utile d'avoir enduré une certaine douleur. —AW

LireLa critique complète d'Alison Willmore surEn feu.

La plongée en apnée – essayer d'atteindre des profondeurs records en retenant simplement sa respiration et en plongeant aussi loin que possible – est l'un des sports les plus meurtriers à la surface de la Terre, et le documentaire de Laura McGann relève un véritable défi : comment raconter son histoire sans l'impression d'exploiter une tragédie potentielle. Le film s'ouvre avec la championne de plongée italienne Alessia Zecchini qui s'évanouit à la fin d'une de ses plongées, puis revient à travers les années pour montrer son amour pour le sport et son ascension vers le sommet, tout en entrelaçant l'histoire de Stephen Keenan, un apnéiste irlandais qui est finalement devenu un plongeur expert en sécurité et un entraîneur. Ceux qui connaissent l’histoire sauront où tout cela nous mène. D’autres – probablement la plupart des téléspectateurs – se demanderont comment ces deux vies finiront par se croiser. Les puristes du documentaire qui rechignent à regarder les films en cachant jusqu'à la fin des tragédies réelles à leurs spectateurs risquent d'éclater en urticaire. Mais McGann ne cache pas vraiment la nature de son histoire. Il est clair assez tôt que nous assistons à quelque chose de déchirant. C’est finalement une image élégante et profondément émouvante. —ÊTRE

Photo : Paramount Pictures.

Le dernierMission : ImpossibleLe film, comme le suggère cette inquiétante «première partie», semble se soucier un peu plus de son intrigue que les entrées précédentes, et il n'est pas difficile de comprendre pourquoi. Cette fois, Ethan Hunt de Tom Cruise ne combat pas des terroristes nihilistes ou des réseaux d'espionnage internationaux vaporeux, mais une intelligence artificielle toute-puissante connue sous le nom de « l'Entité », une variation sur le thème de l'homme contre la machine que Cruise a poursuivi dans l'année dernière.Top Gun : Maverick. C'est aussi une métaphore plutôt convaincante pour le dévouement très médiatisé de l'acteur au cinéma d'action à l'ancienne et aux cascades réelles. Mais siÀ l'estimepasse un peu trop de temps à expliquer lentement (et à plusieurs reprises) ce qu'est l'entité et ce qu'elle peut faire et pourquoi c'est capital.BMauvais, cela peut être pardonné, car toute cette exposition sert comme une sorte de justification spirituelle à la bravade affichée. Et le film est rempli de décors d'action incroyables, y compris le saut en parachute en moto très médiatisé de la star, défiant la mort, au-dessus - ou plutôt dans - un immense canyon norvégien ainsi que le déraillement de train le plus effrayant jamais filmé. Chaque fois qu'il s'agit de faire courir, sauter, conduire et voler Tom Cruise dans et hors des choses,À l'estimeparvient à étonner. —ÊTRE

LireLa critique complète de Bilge Ebiri surMission : Impossible – Dead Reckoning, première partieetLe classement de Jason Bailey des meilleures séquences d'action de l'ensembleMIfranchise.

Malgré le spectacle d'un Harrison Ford effectivement vieilli en train de frapper les nazis au sommet d'un train pendant la Seconde Guerre mondiale dans ses scènes d'ouverture, le film de James Mangold ne parle pas du jeune Indiana Jones mais du Dr Henry Jones vieillissant et plutôt pathétique, maintenant en ligne. sur le point de prendre sa retraite après avoir enseigné l'archéologie à des étudiants endormis du Hunter College, se saoulant bêtement dans un appartement crasseux de New York. Dans sa vie entre sa filleule, Helena Shaw (Phoebe Waller-Bridge), la progéniture aventureuse d'un ancien collègue, pour l'entraîner dans sa quête d'un engin capable de prédire les fissures dans la structure même du temps, lui permettant ainsi de voyager dans le monde. passé. Un peu commeLe réveil de la forcefait avec l'originalGuerres des étoiles,Cadran du destinressemble parfois à un remix, offrant des variations sur des éléments antérieursIndiana Jonesfilms. Mangold n'a peut-être pas le flair musical du jeune Steven Spielberg pour les chorégraphies d'action extravagantes (qui l'a ?), mais c'est un réalisateur plus dur et plus maigre, utilisant un cadre plus serré et gardant sa caméra proche. Cela peut nuire à l’atmosphère d’évasion et à l’exotisme évocateur du matériau, mais cela apporte une immédiateté au niveau du sol à l’action. De plus, tout le chaos des véhicules convient probablement à cette version plus ancienne et plus lente d'Indy, qui se bat moins mais se retrouve souvent au milieu d'un certain nombre de poursuites « ne serait-ce pas cool si » : des motos et des tuk-tuks et des trains et des Jaguars et des chevaux et des avions dans toutes sortes d'arrangements et de réarrangements ainsi qu'une séquence finale délirante qui m'a fait rire de plaisir. Non, ce n'est pas le casLes aventuriers de l'arche perdue; aucun film ne l'est. Mais c'est trop amusant pour être écarté. —ÊTRE

Lire Bilge Twoexamen complet deIndiana Jones et le cadran du destin.

Photo : Blue Jean Productions, avec l’aimable autorisation de Magnolia Pictures

Le premier long métrage de Georgia Oakley est un regard angoissé sur la vie dans le placard dans le nord-est de l'Angleterre en 1988 – l'année où l'administration Thatcher a introduit un ensemble de lois interdisant la « promotion de l'homosexualité » au nom de la protection des enfants. Jean, interprétée par une formidable Rosy McEwen dans son premier rôle principal, a minutieusement compartimenté son existence. La nuit, elle traîne dans un bar lesbien avec sa petite amie, Viv (Kerrie Hayes), une partie d'elle-même qu'elle cache à ses collègues et aux élèves de l'école où elle travaille comme professeur de gym le jour.Jean bleuest un film maussade et délicatement travaillé sur la façon dont Jean, endommagée par ses expériences passées et sa propre homophobie intériorisée, est incapable de se sentir appartenir à l'un ou l'autre des mondes qu'elle s'est créé. La justification de la législation imminente en arrière-plan du film peut sembler trop familière, maisJean bleuLe véritable pouvoir de cette approche vient de son examen des coûts humains liés à la vie dans la peur. —AW

Photo : Sony Pictures Animation

Je ne veux pas être ringard, mais j'ai pleuré à plusieurs reprises pendant les scènes d'ouverture de cette suite de 2018.Dans le Spider-Versejuste à cause de la beauté de tout cela. D'une manière ou d'une autre, l'animation est encore plus impressionnante et imaginative, car le film nous offre de nouveaux univers réalisés avec des aquarelles douces et des détails futuristes tout en nous ramenant à l'étreinte du Brooklyn vibrant et inspiré de la bande dessinée que son héros adolescent, Miles. Morales (Shameik Moore), habite.À travers le Spider-Versese termine sur une suite, mais il est difficile de s'en plaindre quand il est si riche en détails et si magnifiquement conçu - un riff sur la narration multivers qui devient également une exploration sincère de la parentalité et de l'acceptation que grandir signifie que votre enfant est vont rencontrer une douleur dont vous ne pouvez pas les protéger. —AW

Lire l'intégralité de Alison Willmoreexamen deSpider-Man : à travers le Spider-Verse et celui de Richard Newbyexplication de la fin à couper le souffle.

Basé sur un cas réel, le thriller de Dominik Moll suit la longue enquête sur la mort effroyable et brûlante d'une jeune femme dans une petite ville près de Grenoble. Un titre d'ouverture nous informe qu'il ne s'agit que d'un des nombreux meurtres non résolus en France, une information inquiétante pour lancer un mystère, nous disant qu'il n'y aura pas de solution définitive à l'affaire. Cela attire subtilement notre attention sur d'autres aspects de l'histoire : sur les interactions entre les flics qui enquêtent sur l'affaire, sur la bureaucratie monotone du travail policier et sur un sentiment général de désolation hantée dans cette région provinciale nichée à côté des Alpes françaises. Le film a remporté six prix aux César de cette année, dont ceux du meilleur film, du meilleur réalisateur et du meilleur scénario, mais il semble y avoir très peu de buzz autour de sa sortie aux États-Unis. Malgré tout, cela semble majeur, avec une ambiance inquiétante qui rappelle des événements antérieurs.policierdes chefs-d'œuvre comme celui de David FincherZodiaqueet Bong Joon HoSouvenirs de meurtre. Ses mystères du monde réel finissent par devenir existentiels, mais le film ne cesse de vous faire froid dans le dos.-ÊTRE

Lire l'intégralité de Bilge Ebiriexamen deNuit du 12.

Comme les personnages deMontagne de Brokeback, les hommes de ce drame de Felix van Groeningen et Charlotte Vandermeersch se lient pendant un été édénique dans la nature, et bien que leur relation soit platonique, le film n'en est pas moins une histoire d'amour. Pietro (Luca Marinelli) et Bruno (Alessandro Borghi) sont des amis d'enfance qui se réunissent à l'âge adulte pour construire une cabane dans les montagnes où Bruno a grandi et où la famille de Pietro passait les étés - un endroit à couper le souffle qui devient un endroit où les deux retournent. à mesure que les années passent.Les huit montagnespropose toutes sortes de séquences d'une beauté extatique sur les Alpes italiennes, mais il raconte également une histoire délicate et triste sur la tentative de trouver un équilibre entre la nature et le travail, alors que ses deux personnages empruntent des itinéraires divergents dans leur recherche d'une vie pleine de sens. —AW

Photo de : Searchlight Pictures

Letroupe de comédie Broken LizardJe me suis rencontré à Colgate en 1989 et je n'ai jamais quitté spirituellement l'université. Merci à Dieu pour cela. Leur travail donne toujours l'impression qu'un groupe d'aimables stoners de l'autre côté du couloir ont eu un tas d'idées stupides et amusantes à mettre dans un film et ont ensuite tout filmé le lendemain matin. Un riff surLe Bossu de Notre-Dame,QuasiC'est peut-être leur première pièce d'époque, mais c'est fondamentalement la même bêtise basée sur les vibrations. Steve Lemme incarne Quasimodo, un employé d'une chambre de torture qui se retrouve pris dans une querelle mesquine mais meurtrière entre le pape et le roi. On peut facilement imaginer une version de ce film où l’intrigue serait traitée avec urgence, authenticité et suspense, mais alors que vous resterait-il ? Les gars de Broken Lizard comprennent que leur humour bon enfant fait à la main ne fonctionne pas vraiment avec une narration plus serrée ou un jeu d'acteur plus précis, et ils ont bien affiné leur approche au fil des ans. Ils nous font toujours un clin d’œil parce qu’ils savent que leur style de comédie est fondamentalement participatif ; le processus fait partie de la plaisanterie. Ils continuent de faire des films cultes pour que lorsque vous les regardez, vous ayez l'impression d'être là quand ils les ont réalisés. Broken Lizard, c'est nous tous. —ÊTRE

Lire l'intégralité de Bilge Ebiriexamen deQuasiet une transcription dePanneau Lézard Brisé du Festival des Vautours.

Photo de : Suzume Film Partners

Le dernier de Makoto Shinkaiest un autre desfantasmes romantiques à cœur ouvert pour lesquels il est si doué, une aventure en voiture sur une adolescente orpheline qui aide à sauver le Japon d'un ver mythique dont les intrusions dans notre monde provoquent d'énormes tremblements de terre. Mais malgré le fait qu'il présente à la fois un mystérieux intérêt amoureux et un chat qui parle,Suzumeest une affaire plus réfléchie qu’il n’y paraît à première vue, qui reflète ce que signifie devenir majeur alors que l’avenir semble si incertain. Suzume (Nanoka Hara) et son compagnon Souta (Hokuto Matsumura) – un bateau de rêve qui, de manière hilarante, passe la plupart de son temps transformé comme par magie en une chaise à trois pieds – traversent le pays en essayant de fermer les portails qui s'ouvrent dans des zones qui ont été abandonnées à cause de catastrophes ou de la diminution de la population, comme pour réparer les déchirures d'un tissu social qui se détériore de partout. C'est un film évanoui et magnifiquement animé qui mérite sa tristesse ainsi que ses éclats d'espoir extatiques. —AW

Lire celui d'Alison Willmoreexamen complet deSuzumeet celui de Rafael Motamayorentretien avec Makoto Shinkai.

Il est possible qu'aucune scène cette année ne soit plus divertissante que celle dans laquelle Signe (Kristine Kujath Thorp), une Norvégienne ayant un besoin pathologique d'être au centre de l'attention, ment au chef lors d'un dîner chic au sujet de ses graves allergies aux noix. , puis oublie qu'elle a dit cela et mange quelque chose avec des noix tandis que toute la table regarde avec horreur. Mais alors, tout ce film de Kristoffer Borgli est comme ça – une comédie noire amèrement drôle sur le narcissisme et les chemins que les gens tentent de prendre pour devenir célèbres. Lorsque le petit ami de Signe, Thomas (Eirik Sæther), s'élève grâce à une carrière artistique douteuse impliquant des meubles volés, Signe riposte en prenant un médicament russe rappelé dont les effets secondaires incluent une horrible maladie de peau. Les sociopathes parfaitement appariés ricochent à travers Oslo comme si chacun était impliqué dans sa propre cascade élaborée qui ne finit jamais. —AW

Photo : Ana Carballosa/Prime

Air,Le drame d'entreprise extrêmement divertissant de Ben Affleck sur Les efforts de Nike pour recruter Michael Jordan peuvent sembler à première vue une idée ridicule pour un film, mais ils sont en fait ingénieux. La création de la sneaker Air Jordan a changé pour toujours la culture pop, et l'accord de partage des bénéfices sans précédent entre Jordan et Nike donnerait aux athlètes une participation équitable dans les produits qu'ils étaient utilisés pour vendre. Le film situe la Air Jordan comme un produit du consumérisme effréné des années 1980, mais il fait également allusion à l’émergence d’un nouveau monde complexe et sans limites. Dans ce qui restera sûrement dans l'histoire comme l'un des grands discours de films sportifs, Sonny Vaccaro (Matt Damon), le responsable de la sensibilisation au basket-ball de l'entreprise de chaussures, fait valoir à Michael lui-même que le joueur existe pratiquement en dehors de l'espace. et le temps. «Tout le monde autour de cette table sera oublié», dit-il en soulignant tous les cadres rassemblés autour d'eux. "Sauf toi." —ÊTRE

Lire Bilge Twoexamen deAir, celui de Chris Leehistoire des coulisses du scénariste Alex Convery, et celui de Derek Lawrenceentretien avec l'acteur Chris Messina.