Les meilleurs films de 2022

Illustration photographique : Illustration photographique : Rowena Lloyd et Susanna Hayward ; Photos : avec l’aimable autorisation des Studios

Cette année, l’emprise du streaming sur notre culture semble s’être un peu relâchée.Netflixetplusieursdec'est concurrentsa subi un coup financier en 2022 ; pendant ce temps, certains publics ont exprimé leur épuisement à l’idée de regarder des films à la maison comme option par défaut. Les amateurs deProie, Désabusé, etOignon en verrea déploré les sorties en salles complètes qui auraient pu être. Les amateurs de Top Gun : Maverick, Tout partout en même temps, et€€€a embrassé avec joie l’intérieur des cinémas après les avoir évités depuis la pandémie (ou, pour certains, même avant). L’avenir des théâtres reste incertain, mais nos critiques se montrent prudemment optimistes. Hé, il y a peut-être un inconvénient à considérer les plateformes de streaming comme des tubes à partir desquels les gens consomment du contenu indifférencié, à tout moment, à condition qu'il soit nouveau. Peut-être que cela finit par dévaloriser l’expérience de regarder des films au point que le travail ne semble plus aussi urgent ou précieux ?

Bien sûr, personne ne se sent entièrement heureux que tant d’investissements sans précédent dans le streaming leur explosent au visage. (Surtout lorsque les principales victimes de l'effondrement du streaming finissent par être les parties non coupables : les cinéastes.) Et devoir se soucier du box-office comme si la forme d'art dans son ensemble était en jeu en fonction des retours sur investissement.Train à grande vitesseest loin d’être idéal. (Cela a par inadvertance transformé les critiques en pom-pom girls de l'industrie, ce qui n'est pas leur travail.) Néanmoins, en dressant leur liste des meilleurs films de l'année, nos critiques ont trouvé un certain réconfort dans le fait que même si 2022 n'a pas été exactement une bonne année pour films, il y avait des expériences théâtrales mémorables, provocantes et même spectaculaires à vivre.

Les Banshees d'Inisherinest un film de rêve panique, bien qu'il soit si astucieusement construit par le scénariste-réalisateur Martin McDonagh qu'il faut un certain temps pour que l'horreur de ses prémisses s'imprègne. En tant que Pádraic Súilleabháin doux et ennuyeux, Colin Farrell est l'image d'un contentement simple. , heureux de passer du temps avec sa sœur Siobhán (Kerry Condon) et son poney miniature, Jenny, et d'aller au pub tous les jours avec son meilleur ami Colm (Brendan Gleeson) — jusqu'au jour où Colm l'informe brusquement qu'ils ne sont plus amis. Grâce à l'écriture sombre et drôle de McDonagh et aux dialogues moelleux, ce film nous fait passer du choc de l'univers secoué de Pádraic à la sympathie pour la façon dont Siobhán et Colm ont trouvé leur existence insulaire étouffante. L'incompréhension joyeuse de Pádraic et l'engagement apocalyptique de Colm les ont mis sur la voie d'une catastrophe quiLes Banshees d'Inisherinse connecte légèrement à la guerre civile en cours sur le continent, mais le film est tout aussi efficace qu'une brochette impitoyable de chaque romantisation teintée d'émeraude de la vie rurale irlandaise.

Lire celui d'Alison Willmorecritique des Banshees d'Inisherin.

À la fois le moins invitant et le meilleur des trois longs métrages que Jordan Peele a réalisés jusqu'à présent,Nonfait flotter une parabole étrange et capitale depuis la périphérie d’Hollywood et la fin du monde. SiNonsemble résister à toute lecture soignée, c'est peut-être parce qu'il doit être pris au pied de la lettre - comme l'histoire de trois personnes qui, confrontées à la preuve incontestable de la vie extraterrestre, ne pensent qu'à l'utiliser pour progresser dans le show business. Dingo et effrayant : le ciel du directeur de la photographie Hoyte van Hoytema est aussi magnifique et oppressant que l'eauMâchoires—Noncela ressemble aussi à un film extraterrestre pour une société en déclin. Le pauvre Jupe brisé de Steven Yeun peut éprouver un sentiment d'émerveillement illusoire lorsqu'il regarde ce qu'il pense être un vaisseau spatial, mais les frères et sœurs pragmatiques Haywood (joués par Daniel Kaluuya et un Keke Palmer merveilleusement cinétique) comprennent que c'est l'image de la chose. et, plus important encore, à qui appartient cette image qui compte vraiment.

Lire celui d'Alison Willmoreexamen deNon,Le guide du film de Katie RifeOeufs de Pâques et références,et celui de Roxana Hadadihistoire des coulisses avec le directeur de la photographie Hoyte van Hoytema.

Le personnage de Grégoire Colin s'approche de l'horizon comme quelque chose de légendaire dans le drame romantique brillant et meurtrier de Claire Denis, mais au moment où nous pouvons l'apercevoir de près, il ne ressemble à rien de spécial - beau, bien sûr, mais aussi un peu idiot avec ses démonstrations de domination dans un magasin à dix sous. Rien pour détruire une maison, mais alorsLes deux côtés de la lamen'est pas tant un film sur un triangle amoureux que sur des adultes d'âge moyen qui sautent sur une excuse pour faire exploser leur vie apparemment stable. Sara (Juliette Binoche) et Jean (Vincent Lindon) s'effondrent à la vue de cette figure issue de leur passé commun comme deux personnages secondaires enfin réunis avec un protagoniste. Le film de Denis est une merveille d'exploration de la façon dont nous pouvons vieillir sans nécessairement devenir plus sage, culminant dans une série de combats angoissants, émotionnellement malhonnêtes et douloureusement crédibles qui transforment l'appartement parisien aéré du couple en un champ de bataille claustrophobe.

Lire celui d'Alison Willmoreexamen deLes deux côtés de la lame.

L'épopée d'action du SS Rajamouli a donné l'impression que toutes les tentatives de divertissement grand public d'Hollywood cette année faisaient le mort. Un acte audacieux de fan fiction historique qui imaginait une amitié entre de vrais révolutionnaires indiens (interprété par les stars Telugu NT Rama Rao Jr. et Ram Charan),€€€contient trois décors d'action exagérés avant le générique du titre, tout en regorgeant de séquences de comédie romantique, de mélodrame, d'un numéro de chant et de danse, d'un sauvetage impliquant le ferroutage et d'une attaque contre le manoir d'un gouverneur colonial qui implique une douzaine d'animaux sauvages. Il y a une critique légitime à formuler à propos du nationalisme déchaîné du film, même si au cours d'une année où le public américain a afflué versTop Gun : Maverick, il est difficile de se sentir en mesure de juger. La vérité est que€€€Les excès de nous rappellent le pouvoir du médium cinématographique à offrir un plaisir pur et exaltant, quelque chose que l'on peut vraiment avoir l'impression d'avoir oublié.

Les oiseaux que les frères du magnifique documentaire de Shaunak Sen passent leur temps à essayer de sauver ne sont pas en voie de disparition ni même particulièrement appréciés. Les milans noirs tournent couramment au-dessus de Delhi, ce qui confère une dimension spirituelle supplémentaire au travail que Nadeem Shehzad et Mohammad Saud effectuent pour ramasser les blessés et les malades et tenter de guérir les rapaces qu'ils trouvent malades dans la ville. Dans le cadre méditatif de Sen, les frères et sœurs sont engagés dans une sorte d'effort futile mais passionné pour équilibrer les fardeaux de l'existence humaine industrialisée – Delhi, avec sa forte pollution et son ciel de plus en plus encombré, s'avère un environnement hostile pour les oiseaux et, en tant que sectaire. la violence éclate à proximité, pour les sujets du film. Mais comme l’attestent les images de singes, de rats et de mouches s’installant dans ou au-dessus des rues urbaines, la nature a une façon de s’adapter. Ce sont les gens qui risquent de s'avérer plus fragiles au final.

Lydia Tár ne peut pasêtre réel, mais bon sang, Todd Field vous fait croire qu'elle pourrait l'être, grâce àEntrepôtLe monde superbement rendu d'organisations des arts du spectacle, d'avions privés et de satire quasi subliminale. Ensuite, bien sûr, il y a cette performance imposante de Cate Blanchett, qui convoque tous les souvenirs de fanfaronnade charmante et d'impériosité royale des rôles passés pour incarner un personnage dont la grandeur musicale s'accompagne d'une quantité fatale d'auto-mythification. Field's est un film fascinant sur le pouvoir et les abus, sur une chef d'orchestre pionnière qui préfère classer ses succès parmi ceux des hommes qui ont dominé son domaine et qui a également repris certaines des mêmes tendances toxiques. En un an avec deux films traitant directement deThèmes Moi aussi, c'est en faitEntrepôtLa vision détournée de l'inconduite est celle qui laisse la plus grande marque, car elle est prête à être la plus cynique. Field montre que tout le monde se plie pour accueillir Lydia dans ses caprices, ses tirades et ses exploitations, et quand ils s'arrêtent, ce n'est pas parce qu'elle a profité des femmes plus jeunes, mais parce que la nouvelle qu'elle l'a fait a terni sa marque soigneusement aiguisée.

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Il y a une scène dans le premier film incomparablement délicat de Charlotte Wells dans laquelle Sophie (Frankie Corio), 11 ans, monte chanter au karaoké dans le cadre de ce qui est clairement une tradition pour elle et son père, Calum (Paul Mescal) - mais cette fois , il refuse de la rejoindre. Seule sous les projecteurs, hésitant dans «Losing My Religion», elle semble avoir pour la première fois une grande gêne, comme si son adolescence imminente jetait soudainement une longue ombre sur le moment. C'est à la fois triste et exaspérant, un exemple miniature de colère parentale laissant une marque sur une jeune fille, même si au-dessus du souvenir de cet incident se trouve la conscience de Sophie, désormais adulte, que son père traversait une crise de dépression à partir de laquelle il faisait de son mieux pour la protéger.Après le soleilest une merveille mélancolique de rythmes comme celui-là, évoquant la mémoire sensorielle d'un enfant et la perspective plus mesurée d'une femme essayant de regarder en arrière et de percevoir son père comme un autre adulte, d'en quelque sorte rassembler les années et le rencontrer au même niveau. .

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Il y a plus de dix ans, en 2010, Jafar Panahi a été condamné à six ans de prison et à 20 ans d'interdiction de réaliser des films. Depuis, il a réalisé cinq longs métrages ; la difficulté insondable de cet exploit est aussi étonnante que la vitalité et la qualité de son travail.Pas d'oursest peut-être le meilleur de tous – un film glissant et douloureusement ambivalent remettant en question la valeur de l’art qu’il continue de poursuivre malgré des obstacles incroyables. Panahi joue lui-même, ayant trouvé un logement dans un village isolé, voulant être à proximité de sa dernière production, qui se tourne juste de l'autre côté de la frontière turque, même s'il n'est pas autorisé à s'y rendre personnellement. Alors qu'il guide ses acteurs à distance à travers un docudrame basé sur leurs propres luttes d'immigration, Panahi se retrouve mêlé à un drame local impliquant une jeune femme essayant de s'éloigner de l'homme avec qui elle était fiancée à la naissance afin de s'enfuir avec celui qu'elle aime. Le fait de capturer des images de personnes, d’enregistrer leur vie ou quelque chose du genre devant une caméra, devient un exercice difficile dans ces deux histoires, non pas neutre mais une position de privilège potentiellement accablante. Paradoxalement, le cinéma n’a jamais été aussi puissant cette année –Pas d'oursest un cinéma passionnant et nauséabond.

Photo : Paramount Pictures/YouTube

Âne pour toujoursest un plus gentil, plus douxÂne, mais heureusement, ce n’est pas plus mature. Au contraire, Johnny Knoxville et sa joyeuse bande de gloutons de punition ont régressé, de la meilleure façon possible, en utilisant toute la gamme du cinéma moderne pour dépeindre certaines des choses les plus sophomoriques jamais mises à l'écran. Néanmoins, qu'est-ce qui fait qu'unÂnecascader unÂnela cascade n'est pas vraiment la difficulté, l'intelligence ou la grossièreté de l'activité, mais les interactions entre les auteurs, les victimes et les spectateurs. Vient d’abord la cascade, puis l’agonie et enfin la camaraderie. Il y a beaucoup de câlinsÂne pour toujours, croyez-le ou non, et la plupart semblent sincères. Bien qu'extrêmement amusant, c'est un film plus émouvant que les entrées précédentes. Vous le ressentez parmi les personnes à l’écran, et vous pourriez également le ressentir chez le public. Regarder ces masochistes d'âge moyen continuer à se faire du mal pour notre plaisir nous rappelle le passage du temps.- ÊTRE

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Le genre du passage à l'âge adulte est généralement réservé aux adolescents et aux personnes au tout début de la vingtaine, malgré le fait que la nature de l'être humain est d'être en constante évolution. C'est pourquoi je trouve les films de passage à l'âge adulte axés sur les décennies turbulentes de la véritable vie adulte si mûrs – lorsque l'accumulation de ruptures, de percées, de réalisations et de croyances commence à prendre de l'ampleur.La pire personne au monde, le dernier film de Joachim Trier dans sa trilogie Oslo, contourne les battements émotionnels qui définissent les histoires de très jeunes amoureux. Il retrace la croissance de Julie (Renate Reinsve) de la vingtaine à la trentaine et les relations qu'elle entretient avec deux hommes principaux dans son orbite : d'abord, Aksel (Anders Danielsen Lie), un artiste plus âgé, et ensuite, Eivind (Herbert Nordrum). , une barista qui attire son attention lors d'une fête à laquelle elle organise. Ces personnages ne sont pas vraiment de bonnes personnes avec une politique parfaite qui disent ce qu'ils pensent et pensent ce qu'ils disent. Ils font des conneries, de manière parfois glorieuse, et sont responsables de ces conneries. L'approche de Trier à l'égard de leurs histoires est parfaitement consciente des blessures que nous accumulons en essayant de devenir quelque chose de plus que nous-mêmes. L'histoire vous envahit tranquillement jusqu'à ce que vous réalisiez que vous vous noyez dans des vagues d'émotions aiguës.— Angelica Jade Bastién

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Photo : Matchboxfilmsuk/YouTube

Resté sans distributeur américain pendant des années, ce film mélancolique de Hirokazu Kore-eda de 2009 est le mythe de Galatée à travers un sex-shop, avec une sublime Bae Doona jouant une poupée gonflable qui prend vie lorsque son propriétaire est absent et finit par dériver dans un emploi à temps partiel et une relation avec un collègue. Comme l'extraterrestre dansSous la peau, le protagoniste dePoupée aérienneest un étranger d'un autre monde qui observe d'abord l'humanité, puis tente malheureuse d'en faire partie, s'exposant ainsi à la capacité de cruauté de l'humanité.-AW

Le dernier film de Steven Soderbergh est un film à suspense magnifiquement réalisé sur une entrepreneuse technologique agoraphobe qui entend ce qu'elle croit être un viol en analysant l'audio d'un concurrent d'Alexa. En tant qu'Angela Childs isolée, Zoë Kravitz est à la fois piquante et vulnérable, bouleversée de ne pas pouvoir surmonter son propre traumatisme et simplement revenir à la normale aux côtés du reste du monde - jusqu'à ce qu'elle pense qu'elle n'a d'autre choix que de se forcer à sortir et à sortir. dans une conspiration à la fois horrible et ridicule. —AW

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Photo : Films Nouvelle Vague/YouTube

Aire de jeuxcommence et se termine par une étreinte, mais entre ces deux exemples de tendresse se trouve un drame de 72 minutes incroyablement bien joué et déchirant, se déroulant dans le monde naïvement cruel des jeunes enfants. Il y a eu beaucoup de films sur l'intimidation, mais je ne suis pas sûr d'en avoir déjà vu un comme celui de Laura Wandel, qui est tourné, coupé et joué avec une immédiateté qui nous plonge dans l'esprit nauséeux et terrifié d'un enfant de sept ans. -vieille fille. La perspective enfantine du film est si implacable que nous ne voyons presque jamais le visage d'un parent ou d'un enseignant à moins qu'ils ne se penchent ou ne soient assis au niveau de notre protagoniste - un corrélatif visuel saisissant à l'impuissance générale des adultes autour de ces enfants.Aire de jeuxest une montre robuste, mais aussi essentielle.- ÊTRE

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Photo : Bandes-annonces de films Source/YouTube

Tout vrai fan de films catastrophes ferait bien de jeter un œil à cette version norvégienne, qui est présentée comme une sorte de suite aux classiques des temps modernes.La vague(2015) etLe tremblement de terre(2018) du même pays. Il partage un réalisateur avec ce dernier – John Andreas Andersen – mais c'est un film beaucoup plus sobre et intime que l'un ou l'autre de ses prédécesseurs, s'appuyant davantage sur la tension que sur la dévastation spectaculaire et exagérée. Cette fois, une société norvégienne de forage offshore est plongée dans une situation désespérée lorsqu’elle découvre qu’un horrible accident sur l’une de ses plates-formes pourrait en réalité être le début d’un événement sismique unique en son genre qui provoquerait une fuite massive de pétrole. Leur solution : mettre le feu à la mer du Nord afin de brûler tout le pétrole avant qu’il ne se propage et ne détruise le littoral européen pour des générations. Malheureusement, l'un de nos héros est coincé sur l'une des plates-formes au milieu de ce cataclysme enflammé. Les résultats sont intensément dramatiques – plus de films de survie que de porno catastrophe. —ÊTRE

Photo : Photos du Voile jaune/YouTube

Mélange séduisant de science-fiction, d'histoire de fantômes et de méditation spirituelle, le troisième long métrage de Mattie Do se déroule dans un village rural laotien où l'avenir a apporté une dispersion d'avancées technologiques mais peu de solutions à la stagnation économique qui pousse les nouvelles générations à vivre en ville. travail. Yannawoutthi Chanthalungsy est le protagoniste anonyme, un homme qui a toujours été capable de voir les morts mais qui n'apprend qu'en tant que vieil homme que le fantôme qui est son compagnon depuis qu'il est jeune a la capacité de le ramener dans le temps.La longue marcheIl s'agit de quelqu'un qui essaie de réparer le passé, avec toutes sortes de conséquences imprévues. Mais c'est aussi le portrait maussade de quelqu'un qui est tellement sûr de savoir comment aider ceux qui en ont besoin qu'il ne peut pas réellement voir la monstruosité de ses actions.-AW

Le dernier film de Kogodana est un film délicieusement mélancolique sur la vie et la mort d'un robot, mais il s'agit également de trouver une signification aux moments et aux textures d'une existence banale. Jake (Colin Farrell) et Kyra (Jodie Turner-Smith) ont acheté Yang (Justin H. Min) pour aider leur fille adoptive Mika (Malea Emma Tjandrawidjaja) à se connecter à son héritage chinois, mais n'ont jamais pleinement apprécié la place qu'il occupait dans leur famille jusqu'à ce que il arrête de travailler. En essayant de réparer l'androïde compagnon d'occasion, Jake découvre que Yang avait toute une vie intérieure et une histoire qui l'amènent à renouer avec sa propre existence.Après celaLe pouvoir méditatif de doit beaucoup à la vivacité du futur proche évoqué par le film, un monde baigné de soleil qui semble encore tendre à cause de schismes hors écran suffisamment lointains pour être des souvenirs mais suffisamment proches pour être encore ressentis.-AW

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Photo : Warner Bros. Pictures/YouTube

Vous auriez peut-être pensé que Batman ne pouvait pas devenir plus sombre, mais vous vous trompez : le Joker de Heath Ledger dansLe chevalier noira cousu un téléphone dans l'abdomen d'un homme en 2008 afin que le Riddler de Paul Dano puisse ensuite nourrir l'abdomen d'un autre homme dans une cage pleine de rats en 2022. Il s'agit d'un film de Batman réinventé comme un film macabre de tueur en série, mais cette fois, ce n'est pas seulement le un tueur en série qui surgit dans l'ombre, surveillant sa proie et attendant de bondir ; le héros aussi. Le sous-texte typique du film de super-héros sur les similitudes subtiles entre le bon et le méchant devient ici un texte manifeste, alors que le réalisateur Matt Reeves filme la poursuite de Batman vers ses cibles avec la même esthétique de point de vue psychotique et à respiration lourde avec laquelle il tire sur le Riddler. Maintenant, nous devons essayer de comprendre en quoi le héros diffère du méchant – Batman aussi. Cela fait partie du charme du film : regarder un super-héros familier et souvent filmé essayer de découvrir ce qui constitue l'héroïsme - une question qui trouve sa réponse lors d'un point culminant émouvant qui n'a presque rien à voir avec la traque des méchants ou le tabassage des gens. . Par conséquent,Le BatmanL'obscurité d'aujourd'hui ne semble jamais à la mode, ni opportuniste, ni bon marché. Reeves adore ces environnements apocalyptiques sans issue et se délecte des contes qui jouent avec le calcul moral des récits de héros typiques. Il nous a donné un Batman auquel il peut lui-même croire, sans parler d'un Batman qui convient à notre époque.- ÊTRE

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Photo : Madman Films/YouTube

Le drame poignant de Sebastian Meise suit la vie de Hans Hoffmann (Franz Rogowski, dans une performance obsédante), un homme gay et survivant d'un camp de prisonniers pour qui la libération de l'Allemagne après la Seconde Guerre mondiale ne semblait pas faire une grande différence. Le gouvernement allemand d’après-guerre maintenait toujours en vigueur les lois criminalisant l’homosexualité, ce qui lui valut d’être renvoyé directement en prison. En jonglant avec les époques et en limitant l'action à la vie derrière les barreaux, Meise a créé un film inhabituellement (et magnifiquement) étouffant. Alors que nous parcourons les scènes de l'incarcération de Hans dans les années 1940, 1950 et 1960, nous avons l'impression d'être vraiment coincés avec lui. Mais le film n'est pas dénué d'humanisme : une grande partie du film retrace l'amitié grandissante entre Hans et Viktor (Georg Friedrich), un toxicomane dont le dégoût initial envers son codétenu se transforme finalement en solidarité, respect et une sorte d'amour. —ÊTRE

Photo : IFC Films/YouTube

Le drame extrêmement captivant du réalisateur palestinien Hany Abu-Assad commence par une description factuelle d'une conspiration si étrange et choquante qu'il faut une seconde pour reprendre ses repères après en avoir été témoin. Reem (Maisa Abd Elhadi), une cliente d'un salon de coiffure dirigé par Huda (Manal Awad), est droguée avec désinvolture, déshabillée et photographiée dans une position compromettante. Ensuite, Huda utilise les photos pour forcer Reem à espionner pour le compte des services secrets israéliens, dans le cadre d'une opération en cours qui a attiré de nombreuses femmes terrifiées dans sa toile. Le système de chantage de Huda fonctionne pour une raison simple : ces femmes vivent dans un monde où le simple soupçon d'adultère – même s'il n'est pas prouvé, ou d'ailleurs réfuté – est bouleversant. Le film qui s'ensuit s'articule entre deux volets narratifs : Huda, prise par la résistance palestinienne, est interrogée dans un sous-sol sombre, tandis que Reem cherche désespérément un moyen de laver son nom. Abu-Assad a réalisé sa part de films sur la cruelle absurdité de la vie sous l’occupation israélienne, mais ici il laisse tout le monde s’en sortir. Ces femmes sont opprimées par tout le monde. Même si l'histoire se déroule dans un temps linéaire, alors que nous regardons les voyages de ces deux protagonistes féminines, nous commençons à réaliser que Reem vit une version de ce qu'Huda elle-même a fait autrefois. La frustration intime et lente des situations difficiles de ces deux femmes s'accumule et s'accumule jusqu'à ce que nous commencions nous-mêmes à nous sentir coincés dans une sombre prison de l'âme. —ÊTRE

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Aussi exubérant et résolument bizarre que son héroïne de 13 ans, le premier long métrage Pixar de Domee Shi combine sans effort traumatisme générationnel et réveils hormonaux adolescents, héritages ancestraux et fandom des boys bands, le tout dans un Toronto aux teintes pastel qui, pour une fois, arrive à jouer lui-même. Qu'est-ce qui faitDevenir rougesi joyeuse et aussi déchirante est la façon dont il prend les archétypes de l'immigration chinoise - la mère tigre, la bonne fille - et explore les individus derrière eux, trouvant une femme seule répétant les erreurs de sa propre mère malgré elle, et une jeune femme si déterminée à plaire au parent qu'elle adore qu'elle est prête à commencer à se punir pour ne pas être parfaite. De plus, le panda est adorable et la confrontation avec les grands pandas est un splendide mélange d'absurde et d'émotion. —AW

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Photo : Kino Lorber/YouTube

Le dernier drame moral abrasif du réalisateur israélien Nadav Lapid suit un réalisateur primé et primé, Y (Avshalom Pollak), alors qu'il s'envole vers la vallée poussiéreuse et reculée de l'Arava pour projeter un de ses films devant le public d'une petite ville. Il rencontre Yahalom (Nur Fibak), un jeune bureaucrate joyeux qui travaille au ministère de la Culture et lui demande de signer un formulaire déclarant le sujet du film qu'il projette. Le document n’est qu’une simple formalité, mais il décourage Y – qui est clairement un substitut de Lapid lui-même –. Non seulement à cause du dilemme moral auquel il est confronté en le signant, mais aussi à cause du paradoxe qu'il perçoit chez Yahalom, une jeune femme intelligente et gentille qui comprend la corruption inhérente à ce type de censure discrète mais qui accomplit néanmoins son travail avec une attitude agréable. professionnalisme. Configuration intéressante, mais qu'est-ce qui faitLe genou d'Ahedla façon dont le film explose sous nos yeux est si puissante. La rage et le doute qui rongent la conscience de Y se transforment en un long flash-back, de nombreuses séquences de danse et, finalement, un monologue torride – une chape apocalyptique semblable à une transe, tachetée de crachats, qui prend pratiquement le film en otage. Mais Lapid se réserve peut-être la plus grande condamnation, car Y se révèle également être un gâchis manipulateur, fourbe, voire hypocrite. Le film pose donc la question : à quel moment le ressentiment constant devient-il sa propre forme toxique d'agression ? A quel moment la rage devient-elle cruauté ? Et à quel point le simple fait de vaquer à ses occupations perpétue-t-il un grand mal ? L’humanité n’a jamais eu de réponses faciles à de telles questions, et ce film non plus. —ÊTRE

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Le sexe et la violence sont deux des spectacles les plus fiables du cinéma, et le dernier en date de Ti West – son premier en six ans – offre beaucoup des deux en envoyant une équipe de tournage amateur dans une ferme rurale du Texas pour tourner un film porno, sans en informer le public. un couple de personnes âgées énigmatiques qu'ils louent selon leurs projets. MaisXa plus en tête que de simplement se prélasser dans les tropes du slasher classique. Il interroge également le conservatisme au cœur du genre en faisant en sorte que son carnage soit alimenté par l'envie plutôt que par un sentiment de punition morale, Mia Goth faisant double emploi en tant qu'aspirante sex-symbol Maxine et en tant que femme âgée découragée Pearl.-AW

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Photo : Bandes-annonces de la Cinémathèque/YouTube

Le film le plus captivant que vous ayez jamais vu sur trois travailleurs sociaux roumains coincés dans la boue. Dans ce drame captivant et bizarre de Radu Muntean, une mission de livraison de nourriture dans une région isolée de Transylvanie déraille lorsque les travailleurs humanitaires décident de récupérer un villageois âgé, qui les envoie immédiatement sur le mauvais chemin, ce qui entraîne l'enlisement de leur SUV. en cours de route. Les tentatives diverses pour sortir la voiture de la boue ne font qu'empirer les choses, et la situation s'aggrave à la fois émotionnellement et physiquement. Tout cela ressemble à une métaphore de quelque chose – l’échec institutionnel, peut-être, ou le cocon des privilèges bourgeois, ou la futilité des gestes temporaires. Mais cela ne rend pas vraiment justice à l'acuité psychologique du film, à son sens dramatique vécu et à ses personnages bien dessinés. Muntean est passé maître dans l'art de placer les gens ordinaires dans des circonstances qui les obligent progressivement à révéler qui ils sont, sans jamais se sentir forcés, autoritaires ou opportunistes. —ÊTRE

Réduisez de dix à quinze pour cent le deuxième film de Dan Kwan et Daniel Scheinert et vous obtiendrez un chef-d'œuvre froid comme la pierre. Tel quel,Tout partout en même tempsest toujours aussi sacrément merveilleux, une bataille épique à travers plusieurs univers ainsi qu'un portrait étonnamment triste d'une famille d'immigrés au bord de l'effondrement. Michelle Yeoh est splendide dans le rôle d'Evelyn Wang, une propriétaire de laverie assiégée dont le mariage échoue, dont la fille Joy (Stephanie Hsu) s'éloigne et qui est en train de se faire auditer par une goule administrative sans joie jouée par Jamie Lee Curtis. Mais ce qui se démarque vraiment, c'estancien enfant acteur Ke Huy Quan, deIndiana Jones et le Temple mauditetLes Goonies. En tant que mari fantaisiste d'Evelyn, Waymond, il est au cœur du film et il est la star d'une bataille d'arts martiaux en sac banane qui sera certainement l'une des meilleures scènes d'action de l'année.-AW

Lire celui d'Alison Willmoreexamen deTout partout en même temps et celui de Bilge Ebirientretien avec la star Ke Huy Quan.

Photo : IFC Films/YouTube

Entre Adapté de Shakespeare et de jeux vidéo, Justin Kurzel est un chroniqueur fiable de l'histoire de la violence en Australie, à commencer parVille de neigeen 2011 et en poursuivantLa véritable histoire du Kelly Gangen 2019. MaisNitrame, un portrait de l'auteur de la fusillade de Port Arthur en 1996, semble être le point culminant des intérêts de Kurzel pour la banalité du mal. L'envoûtant Caleb Landry Jones incarne le personnage principal, un homme solitaire et perturbé avec un penchant pour les actes de provocation pervers.Nitrameplonge le spectateur dans ses expériences, qui oscillent entre le pathétique et le répulsif, un funambule d'empathie sans sympathie.-AW

Lire le r de Roxana Hadadiexamen deNitrame.

Photo : ATOMES & VOID/Films de SERGEI LOZNITSA/YouTube

Le réalisateur ukrainien Sergueï Loznitsa a fait la une des journaux il y a quelques semaines lorsqu'il a été expulsé de l'Académie ukrainienne du cinéma pour s'être opposé au boycott de tous les films et réalisateurs russes, après avoir lui-même démissionné de l'Académie européenne du cinéma pour sa faible réponse à l'invasion russe. de son pays. MaisLoznitsa lui-même soupçonneque la véritable raison de son expulsion était que certains étaient mécontents de ce documentaire dévastateur sur l'invasion nazie de l'Ukraine et le massacre notoire des Juifs de Kiev survenu au ravin de Babi Yar, à la périphérie de la ville. À l'aide d'images entièrement filmées par des caméramans de l'époque, Loznitsa raconte l'histoire de la prise de la ville et des événements monstrueux qui ont suivi, mais il montre également à quel point de nombreux citoyens ordinaires ont contribué à la perpétration des crimes nazis. En fin de compte, quoiBabi Yar. Contextemontre comment le poison incontrôlable de la guerre se propage toujours bien au-delà du champ de bataille et de ceux qui combattent sur les lignes de front.. - ÊTRE

Quelque part entre un film d'horreur et une histoire de passage à l'âge adulte, le film de Jane Schoenbrun présente une compréhension incroyablement complexe d'Internet en tant que moyen de connexion, de communauté, d'incompréhension et de performance. Casey (Anna Cobb), une adolescente solitaire, se lance dans un défi viral effrayant qui, selon la rumeur, aurait provoqué des changements physiques et psychologiques chez ses participants. Alors que les vidéos qu'elle publie deviennent de plus en plus inquiétantes, un homme solitaire d'âge moyen (Michael J. Rogers) lui tend la main, affirmant se soucier de son bien-être. Les échanges entre eux rappellent que les présences en ligne ne sont que la pointe des icebergs, seulement des aperçus de vies qui restent invisibles et inconnaissables hors écran. —AW.

Photo : kinolorber/YouTube

Il y a eu des performances d'enfants épiques cette année - voir le film de Céline Sciamma juste quelques éléments en dessous de celui-ci - mais rien n'est comparable au tour de Rayan Sarlak dans le rôle du plus jeune fils à la bouche motorisée dansPrenez la route. Le premier film du scénariste-réalisateur Panah Panahi, enfant du grand auteur iranien Jafar Panahi,Prenez la routeprésente de nombreux acteurs impressionnants, du rôle sec de chien pendu de Hasan Majuni en tant que patriarche blessé de la famille centrale à Pantea Panahiha en tant que mère essayant maniaque de cacher sa détresse alors qu'ils se dirigent vers la frontière turque pour faire sortir clandestinement son fils aîné Amin Simiar du pays. à un coût terrible. Mais Sarlak, joyeux, impulsif et chaotique, est une force de la nature qui ne peut être contrôlée, seulement rassemblée dans une direction particulière, un enfant extrêmement charismatique qui incarne les sautes audacieuses du film, de l'humour à l'angoisse. —AW

Lire celui de Roxana Hadadiexamen dePrenez la route.

Photo : Fonctionnalités Focus/YouTube

Donnez à Robert Eggers son dû - alors que le cinéaste a été acclamé pour les recherches approfondies qu'il a menées pour recréer des détails historiques à l'écran dans des œuvres commeLa sorcièreetLe phare, c'est la façon dont il recrée les mentalités du passé qui impressionne vraiment.Le Nordiste, adapté de la légende scandinave qui a inspiréHamlet, est une saga viking qui semble carrément étrangère dans ses priorités. En tant que prince en exil Amleth, Alexander Skarsgård est une force de vengeance imposante pour qui mourir au combat est le but même de l'existence. Dans la peau de sa mère, la reine Gudrún, Nicole Kidman propose un monologue délirant pour tous les âges. Il y a des cérémonies de berserker, des actes d'auto-marquage, des batailles avec des guerriers morts-vivants et un combat nu à l'ombre d'un volcan. De plus, Björk joue une sorcière. Il est difficile d'imaginer qu'un autre film soit aussi dur cette année. —AW

Lire celui d'Alison Willmorecritique de Le Northmanet l'interview de Nate Jones avec le réalisateur, les acteurs et l'équipe à propos deles jours les plus difficiles sur le plateau.

Photo : Madman Films/YouTube

Délicat, minuscule et parfait, lePetite Mamandéploie une prémisse simple à des fins dévastatrices. Lors d'un voyage pour nettoyer la maison de sa défunte grand-mère, la jeune Nelly (Joséphine Sanz) découvre qu'elle est capable, grâce à une sorte de magie heureusement laissée mystérieuse, de rendre visite à sa mère lorsqu'elle avait elle-même 8 ans. Adulte, incarnée par Nina Meurisse, Marion est aimante mais distante, baignée de mélancolie. Nelly a du mal à comprendre. Mais lorsqu'elle est enfant, interprétée par Gabrielle Sanz, elle est aussi ouverte que Nelly elle-même, sans se soucier de ses peurs et de ses rêves d'avenir. Sciamma obtient des performances miraculeusement bonnes de la part des sœurs Sanz, qui ne semblent souvent pas jouer du tout, mais simplement jouer. L'impossible intermède de leurs personnages est touchant sans jamais être écoeurant.

Lire celui d'Alison Willmoreexamen dePetite Maman.

Chez Gaspar NoéVortexest peut-être le film le plus humain qu'il ait jamais réalisé. Et pourtant, d’une certaine manière, c’est aussi le plus cruel. Il n'y a peut-être pas la violence extravagante de ses efforts antérieurs, mais il y a un acharnement sans faille, presque clinique, dans l'image. Inspiré en partie par des événements de la vie du réalisateur, le film suit un couple de personnes âgées confronté à la fragilité et à la démence. Le film se déroule en écran partagé, comme pour incarner la distance psychique croissante entre eux – chaque personnage étant effectivement dans son propre monde. C'est visuellement saisissant et plutôt beau, mais aussi profondément troublant. Trop souvent, les films sur de telles luttes tentent d’édulcorer leurs histoires, d’atténuer le sujet sombre (et très réel) avec une évasion timide et de l’élever grâce à une pensée magique et des connotations spirituelles. Noé, étant Noé, va dans le sens inverse : Il nous y frotte le visage. Mais ne confondez pas cet acharnement avec de la froideur ou de la distance. Chaque seconde bouillonne d’émotions d’une nature intensément personnelle. C'est un réalisateur confronté aux recoins les plus sombres et les plus tristes de son esprit. —ÊTRE

Lire Bilge Twoexamen deVortex et celui de Simon Abramsentretien avec la star Dario Argento.

Photo : IFC Films/YouTube

Le pouvoir d'Audrey Diwanthriller sur l'avortement, basé sur un roman d'Annie Ernaux, vient de la façon dont il plonge le spectateur dans le désespoir grandissant ressenti par son personnage principal, une étudiante douée nommée Anne (Anamaria Vartolomei) qui voit ses possibilités se réduire chaque semaine où elle reste enceinte. . L'avenir d'Anne est en jeu, mais sa situation difficile est traitée comme son problème et le sien seul par tous ceux à qui elle se confie, des médecins insensibles à l'ami qui essaie d'initier des relations sexuelles, lui disant qu'il n'y a aucun risque maintenant qu'elle est déjà en cloque. Les yeux de Vartolomei projettent une panique animale, exprimant ce que signifie se sentir piégé par son propre corps et par l'indifférence d'une société. —AW

Photo : Walt Disney Studios/YouTube

Bien qu'elle ne parvienne pas vraiment à faire sonner la Maison de la Souris, cette méta-comédie d'Akiva Schaffer de Lonely Island sur le duo de tamias fanfarons pourrait être aussi proche du subversif qu'une production Disney peut l'être. Andy Samberg interprète le goofball Dale, qui a subi une « opération CGI » afin de continuer à surmonter les vestiges déclinants de sa renommée lors des conventions de fans, tandis que John Mulaney joue le rôle de Chip, qui a quitté le showbiz pour un travail d'assurance. L'histoire qui réunit le couple sert de riff surQui a piégé Roger Rabbit, mais ce n'est en réalité qu'une excuse pour remplir le film de gags visuels intelligents et de références jetées, de la Vallée remplie d'étranges créations CGI au méchant étant un Peter Pan d'âge moyen qui est devenu trop grand pour son enfant star souple (animé). charme. —AW

Lire celui d'Alison Willmoreexamen deChip'n Dale : Sauvetage des Rangers.

Photo : kinolorber/YouTube

Le premier film du cinéaste autodidacte Ajitpal Singh possède l'habileté d'un artiste expérimenté et une nuance étonnante dans la façon dont il dépeint la vie de Chandra (Vinamrata Rai), une femme infatigable qui dirige une maison d'hôtes pour touristes dans un village himalayen à laquelle les progrès promis ne semblent jamais arriver. Chandra porte sa famille sur son dos – littéralement, dans le cas de son fils, qui fait semblant d'être immobile pour éviter de devoir retourner à l'école, où il est victime d'intimidation. Le mari de Chandra est un ivrogne téméraire et sa belle-sœur, veuve, est aigrie. Et pourtant, c'est à travers sa relation avec sa fille adolescente Kanchan (Harshita Tiwari) que le film montre une réelle complexité. Chandra comprend peut-être l'injustice de sa position et des structures patriarcales qui la maintiennent, mais elle ne peut pas se résoudre à encourager Kanchan dans ses réussites académiques, à cause d'un ressentiment désordonné à l'idée que la jeune fille puisse réellement atteindre le sommet. quelque chose de plus. —AW

Photo : Paramount Pictures/YouTube

La première chose à savoirTop Gun : Maverickc'est qu'il est extrêmement divertissant, avec des cascades aériennes spectaculaires qui ne ressemblent à rien de ce qui a été filmé auparavant. Mais regarder cette suite d’un blockbuster vieux de 36 ans constitue également une expérience étonnamment émotionnelle. Cela est dû en partie à ce qui se passe à l'écran, en particulier au retour inhabituellement émouvant de Tom Cruise dans le rôle qui a initialement fait de lui une superstar mondiale. Mais cela a aussi à voir avec les souvenirs évoqués par le film – des souvenirs non seulement du premier film mais de tout ce qui est arrivé au monde et à nous en tant que spectateurs depuis lors. Le réalisateur Joseph Kosinski, qui dans des efforts précédents commeTron : l'héritageetOublitrouve une sorte de poésie cinématographique dans les espaces liminaires, imprègne les déserts vides et les terrains vacants contre lesquels planent les avions à réaction de ces pilotes d'une mélancolie qui devient presque symbolique. L'image de l'Amérique d'après l'originalTop Gunhante toujours les espaces vides du nouveau film. Ne soyez pas surpris si vous quittez le film en larmes. —ÊTRE

Lire Bilge Twoexamen deTop Gun : Maverick.

Photo : Forum du cinéma/YouTube

Réalisé à l'origine en 1984 par le réalisateur indépendant germano-américain Michael Roemer, ce drame familial obsédant sort enfin en salles. (À son époque, il a été diffusé sur l'American Playhouse de PBS avec de mauvaises critiques et peu d'intérêt des téléspectateurs.) Il suit Jo (Brooke Adams), une femme récemment divorcée qui retourne brièvement dans sa maison familiale dans une ville côtière de la Nouvelle-Angleterre après une longue absence. Exclue de sa propre famille, elle dérive bientôt vers la vie de la famille voisine, où elle découvre un chaudron bouillonnant de ressentiment et de maladie mentale. C'est de l'essence du grand mélodrame, mais c'est livré avec une sous-estimation astucieuse : le réalisateur Roemer comprend qu'en présence d'autres personnes, nous essayons de submerger notre agitation. Le film est une véritable découverte, et il donne à Roemer 3 sur 3 en matière d'appréciation tardive. Deux films précédents,Rien qu'un homme(1964) etLe complot contre Harry(1969), ont été largement oubliés à leur époque et sont devenus des classiques depuis.La vengeance est à moisemble voué au même sort. —ÊTRE

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Photo : Roadsideflix/YouTube

Celui de Terence DaviesBénédictionsuit la vie du poète britannique Siegfried Sassoon, dont les expériences déchirantes pendant la Première Guerre mondiale ont conduit à certains des plus beaux mots jamais écrits en anglais ainsi qu'à une lutte de toute une vie pour se connecter avec les autres. Mais appeler cela un biopic serait donner un peu trop de crédit aux biopics. Davies est l'un des réalisateurs les plus expressifs, mais il gratte toujours quelque chose qui semble inexprimable. Au début, nous voyons le jeune Siegfried (Jack Lowden) assister à une représentation en 1914 de la pièce de Stravinsky.Le Sacre du Printemps,et le rideau du théâtre se lève pour révéler un effet spécial : des séquences de film muet de scènes britanniques idylliques qui cèdent ensuite la place à des images d'actualités de jeunes hommes s'enrôlant pour le service militaire, tandis que l'on entend la poésie de Sassoon en voix off. Nous sentons la tristesse et le malheur qui s’annonce, bien sûr, mais il y a quelque chose de plus ici. Le film suggère que les éventuels sentiments de perte, d’insignifiance et d’insuffisance de l’écrivain étaient générationnels, historiques, peut-être même métaphysiques. Sa solitude pourrait remplacer l'immense solitude de toutes les générations prises dans l'onde de choc sans fin du vieux monde qui se fait exploser la cervelle. Mais comme beaucoup d’autres, sa solitude était également aggravée par une société qui refusait de l’accepter tel qu’il était. —ÊTRE

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Photo : PalaceFilms/YouTube

La belle adaptation par Xavier Giannoli du roman d'Honoré de Balzac du milieu du XIXe siècle a remporté de nombreux Césars en France, dont celui du meilleur film. Et même si un tel pedigree peut suggérer quelque chose de majestueux, de manières et, franchement, un peu ennuyeux, le film s'avère être un mélodrame au rythme rapide et étonnamment plat avec au moins un pied spirituel dans le présent. Le film suit la fortune de Lucien de Rubempré (Benjamin Voisin), un poète de province en herbe qui décroche un emploi dans l'un des petits journaux parisiens florissants, où il reçoit une introduction plutôt décourageante au fonctionnement du journalisme : divers clients paient pour prendre vicieusement vers le bas ou promouvoir avec effusion différents sujets, et chaque article est attribué au plus offrant. Mais l'industrie de la presse n'est pas la seule à fonctionner de cette manière. De haut en bas de la chaîne sociale, différentes factions politiques, tribus, journaux, écrivains et maisons d'édition se font constamment la guerre les uns contre les autres, tous participant allègrement à la pourriture morale au cœur de cette culture - même si chacun adhère à des codes de comportement et de bienséance stricts. . Giannoli nous emmène dans un voyage agréable à travers le fonctionnement de cette société de la manière dont il pourrait montrer une machine complexe et inédite, avec à parts égales fascination et indignation. Les résultats sont extrêmement amusants. —ÊTRE

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Dans le film de Joseph Kosinski sur la nouvelle de George Saunders « Escape From Spiderhead » (adapté par Paul Wernick et Rhett Reese, probablement mieux connus pour leur scénario deDead Pool), un groupe de détenus dans une prison futuriste se soumettent volontairement à des expériences sur leurs émotions, se voyant administrer des composés qui peuvent les faire rire à l'idée d'un génocide, découvrir une beauté indescriptible dans une décharge de déchets toxiques ou se recroqueviller de peur à la vue d'une agrafeuse. . Parmi ces détenus se trouve Jeff (Miles Teller), qui participe visiblement à de telles expériences depuis si longtemps que c'est devenu une routine pour lui. Son passé nous renseigne sur la nature des personnes sur lesquelles les expériences sont faites : elles n'ont pas seulement été condamnées pour leurs crimes ; ils se sont eux-mêmes condamnés. Ils sont rongés par la culpabilité, ayant causé la mort et la ruine par l’exercice de leur libre arbitre. Et superviser tout cela est le copain Steve Abnesti (Chris Hemsworth), un frère technique qui se targue d'avoir créé un pénitencier humain. Interprété par Hemsworth, Abnesti est un prophète paresseux et désinvolte, et un individu profondément brisé, un enfant abandonné déterminé à rendre le monde meilleur. Il est aussi assez drôle, et sa performance ici pourrait bien être la meilleure chose qu'il ait faite. Une partie du plaisir de regarder cette photo réside simplement dans l’attente de voir ce que Hemsworth fera ensuite. —ÊTRE

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Photo : SearchlightPictures/YouTube

Emma Thompson et Daryl McCormack sont drôles, vulnérables et, oui, totalement chauds ensemble en tant que veuve d'âge moyen et travailleuse du sexe qu'elle engage dans le faible espoir de poursuivre son tout premier orgasme. Le niveau de difficulté de ce que tentent la réalisatrice Sophie Hyde et l'écrivain Katy Brand est élevé, c'est un euphémisme, mais ils réussissent quelque chose de généreux sur le plan émotionnel sans jamais être proche d'être écoeurant - un film positif pour le sexe (et les travailleuses du sexe) qui souligne que il n'est jamais trop tard pour apprendre à aimer son propre corps. —AW

Lire celui d'Alison Willmoreexamen deBonne chance à toi, Lion Grande.

Marcel la coquille avec des chaussuresest née en 2010 sous la forme d'une série de vidéos YouTube sans budget et sans budget créées par Jenny Slate et son mari de l'époque, Dean Fleischer Camp, mettant en vedette Slate exprimant les réflexions d'un coquillage borgne grossièrement animé sur la vie. Cela peut sembler une idée plutôt mince sur laquelle accrocher une fonctionnalité entière. Mais le film fait de sa propre insignifiance une vertu, puis l’utilise pour nous glisser dans une histoire étonnamment émouvante. Il est structuré comme un faux documentaire dans lequel Camp aurait découvert Marcel et sa grand-mère gentille et aimante (exprimée par Isabella Rossellini) traînant dans son Airbnb. Un peu comme les courts métrages, le long métrage tire beaucoup d'importance de brefs aperçus de la vie miniature de Marcel et des façons ingénieuses dont il survit et se divertit. Mais malgré tous ses aperçus surréalistes du monde d'une petite coquille bavarde, le véritable pouvoir du film vient de ses incursions dans les absurdités de l'existence humaine. Lentement mais sûrement, cela passe de Marcel à nous tous. —ÊTRE

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Contrairement à de nombreux films d'animation modernes, qui s'inspirent de la fantaisie et nous présentent des designs uniques et fantaisistes, le monde dece film d'animation Netflix- qui se déroule en haute mer à une époque où les navires se battaient contre des monstres marins gigantesques et terrifiants - est rendu de manière si réaliste, si détaillée et physique, qu'il ressemble souvent à une aventure en direct. C'est tellement immersif qu'on pourrait croire aux monstres marins. Emprunter généreusement à Moby Dicket L'île mystérieuse avec quelquesComment dresser votre dragonetPirates des CaraïbesL'histoire suit une jeune orpheline qui s'embarque clandestinement sur un légendaire navire de chasse aux monstres et se retrouve bloquée sur une île où elle et un célèbre harponneur se retrouvent face à face avec le Red Bluster, le plus redoutable et insaisissable des les monstres de l'époque. Bien sûr, Red (comme la créature est bientôt surnommée) ne se révèle pas du tout être un monstre mais juste un monstre incompris qui combat les humains parce que les humains le combattent. Alors ne vous inquiétez pas, c'est un film familial après tout. Même s'il y a certainement quelque chose de familier dansLa bête marine, c'est une familiarité bienvenue. Cela ressemble au genre d’aventure maritime en direct à l’ancienne et déchirante qu’Hollywood promet souvent mais tient rarement.-ÊTRE

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Photo : National Geographic/YouTube

Katia et Maurice Krafft étaient des volcanologues français mariés qui ont parcouru le monde pour filmer les éruptions en gros plan et de manière précaire, et le documentaire de Sara Dosa est parfaitement calibré pour capturer à la fois leur passion et la nature fantaisiste de leurs personnages. Les Krafft sont le genre de sujets qui cela semble trop s'ils étaient maquillés, mais ils étaient bien réels, dans leurs costumes argentés réfléchissants et leurs bonnets rouges identiques, s'approchant sans crainte des coulées de lave et des cratères fumants. La voix off solennelle de Miranda July met en valeur le dévouement du couple à leur travail tout en offrant une pointe de sourire en comblant les lacunes de l'histoire ou en racontant le moment où Maurice a insisté pour sortir dans un lac d'acide sur un radeau. Les images des Krafft sont remarquables, mais c'est leur histoire qui fait la différence. Feu d'Amourinoubliable. —AW

Bien sûr, il y a des nuances deSortiràBonne Madame, un film d'horreur sud-africain sur une femme noire retrouvant son ex-mère, une femme de ménage qui est terriblement dévouée à son employeur blanc de longue date. Mais le film de Jenna Cato Bass s'inscrit aussi dans une tradition d'horreur gothique, avec son héroïne, Tsidi (Chumisa Cosa), ramenée à contrecœur dans la maison oppressante de la banlieue du Cap dans laquelle elle a grandi mais n'a jamais appartenu, comme si elle était incapable d'échapper à sa propre enfance traumatisante. Sa mère, elle aussi, semble incapable de se libérer de la dynamique de l'époque de l'apartheid, même si, commeBonne MadameSi la tension augmente, il devient clair que des forces plus obscures sont à l’œuvre et renforcent les schémas du passé.—AW

Il y a toutes sortes d'explications pour lesquelles le réalisateur Joe Hunting a placé son documentaire entièrement sur la plateforme VRChat, interviews et tout, et n'a jamais montré les visages IRL de l'éventail de personnes qu'il choisit de suivre. Mais le plus simple et le meilleur est que le film ne donne jamais à ses sujets un aspect ridicule en contrastant leur riche vie en ligne avec des images d'eux dans leur salon avec des casques attachés à leur visage. Des danseurs exotiques virtuels aux professeurs de langue des signes,Nous nous sommes rencontrés en réalité virtuelleplace les personnes qu'il met à l'écran et les relations qu'elles nouent en VR, admirablement au niveau, et, ce faisant, il fait valoir que l'Internet organique sera toujours plus étrange et plus dynamique que n'importe quelle vision corporatisée du métaverse.—AW

Photo : Altitude Films/YouTube

Directeur Clio Barnard s'est spécialisée dans le croisement du réalisme ouvrier avec des envolées cinématographiques surprenantes, et elle charge cette romance de mai à décembre entre un DJ pakistanais britannique et un professeur irlandais britannique d'une musicalité à la fois enivrante et pathologique. Ali (Adeel Akhtar) a été récemment séparé de sa femme, même si sa famille—avec qui ils vivent encore — ne le sait pas encore. Ava (Claire Rushbrook) a quatre enfants adultes, mais son fils mauvais payeur, qui vient tout juste de devenir père, vit toujours avec elle. Le fils semble également avoir hérité du racisme et des tendances abusives de son défunt mari. Naturellement, chaque protagoniste suit un cours intensif avec la réalité de l’autre. Mais Ali et Ava sont également bien ensemble, et nous nous émerveillons du charme de leur affection grandissante, même si nous reconnaissons que toutes les choses qu'ils évitent finiront par consumer cette relation. Le penchant de Barnard pour les comportements imprévisibles, sa capacité à diriger les acteurs d'une manière qui va à l'encontre de nos attentes, parviennent à rendre à peu près chaque scène de ce film complètement captivante. Même les éclats de musique du film, si délicieux au début, finissent par prendre une tournure étonnamment sombre et compliquée.-ÊTRE

Lire celui d'Alison Willmoreguide des films indépendants de cet été.

Photo : rue Bleecker/YouTube

Comme une nouvelle timide et concise que vous vous souvenez peut-être avoir lue il y a des années, Une chanson d'amourest une petite romance simple contenant un univers complexe de nostalgie. Cela vient en grande partie grâce à ses deux stars, Dale Dickey et Wes Studi, deux de nos plus grands acteurs de soutien qui ont la rare chance d'occuper le devant de la scène, en tant que femme et homme qui étaient des amis proches il y a de nombreuses années et qui ont décidé, avec hésitation , pour essayer de raviver leur passion l'un pour l'autre maintenant que leurs proches sont décédés. Dickey et Studi sont réputés pour leur caractère dur, mais ici, grâce à la patience attentive et persistante du réalisateur Max Walker-Silverman, nous voyons une véritable tendresse. Alors que ces deux personnages dansent doucement autour de leurs sentiments, nous avons des aperçus de leurs vies passées. Il y a très peu d'exposition ou de trame de fond, mais il y en a juste assez – un mot ici, un souvenir là – pour que les gens à l'écran apparaissent comme de vrais humains, à la fois identifiables et mystérieux. Un petit bijou. -ÊTRE

Photo : IFC Films/YouTube

Vers la moitié du thriller psychologiqueRésurrection, Rebecca Hall livre un monologue de près de huit minutes sur le passé de son personnage qui est si fascinant, si mystifiant et terrifiant, que vous ne devriez pas être surpris s'il apparaît dans tous les cours de théâtre dans un avenir proche. Pièces de théâtre Margaret, une mère célibataire exigeante et cadre en biotechnologie vivant à Albany avec sa fille adolescente de plus en plus indépendante. Un jour, elle aperçoit un visage de son passé qui déchire son monde : David (un Tim Roth délicieusement suffisant et menaçant), un homme avec qui elle a eu une relation démente et abusive 22 ans auparavant. Presque immédiatement, cette femme qui semblait si confiante se transforme en un nerf exposé. Et dès qu'elle se dévoile, on comprend pourquoi elle a été si prudente, si autonome, jusqu'à présent. Le charme deRésurrection réside dans le fait qu’au bout d’un moment, vous n’avez aucune idée de la direction que prend le film ni de la manière dont il va se résoudre. Scénariste-réalisateur Andrew Semans crée une ambiance de suspense cosmique dans laquelle nous devinons non seulement ce qui va se passer ensuite, mais aussi quel genre de film nous regardons. Et malgré tous ses rebondissements outranciers, le film entretient jusqu’au bout son inébranlable ambiguïté existentielle.-ÊTRE

Lire Bilge Twoexamen deRésurrection.

Photo de : Xenon Pictures

À première vue, les Angelenos du nouveau film onirique et merveilleux de Bernard Rose agissent comme des extraterrestres : ils sont tous incroyablement étranges mais pourtant embarrassants et familiers. L'histoire dérivante et à plusieurs personnages nous ramène à l'été 2020. Elle suit un chauffeur Uber (Tony Todd) et les différentes personnes qu'il transporte - à travers des rues désertes et désertes - à une fête où un groupe de types hollywoodiens se réuniront pour un peu de pleine conscience, une certaine unité spirituelle avec le cosmos et un hédonisme incontrôlé. Tout le monde est dans les affaires de tout le monde, et pourtant chacun de ces personnages est résolument, paralysant, égocentrique et seul. Toutes leurs interactions semblent empoisonnées. À l’été du COVID, de George Floyd et de l’effondrement sociopolitique, on a l’impression que toute l’expérience humaine a échoué. Le film prend de la force au fur et à mesure de son déroulement et délivre un dernier choc vers la fin, suggérant que ceux qui semblent parfois se soucier le moins du monde sont, secrètement, les plus submergés par celui-ci.-ÊTRE

Lire Bilge Twocritique de Voyager léger.

Ridicule, élaboré et extrêmement amusant, le film de David Leitch se déroule dans un train roulant à toute vitesse de Tokyo à Morioka vers lequel ont convergé de nombreux criminels. Brad Pitt joue Ladybug (c'est un nom de code), qui a été embauché pour arracher et saisir une mallette sans aucune idée de ce qu'elle contient, à qui il la vole ou à qui elle appartient finalement. Le film remonte constamment dans le temps – se plongeant parfois dans des digressions narratives approfondies, parfois sautant de brefs flashbacks – pour nous situer dans le présent et expliquer diverses motivations et histoires. Pour le réalisateur Leitch et le scénariste Zak Olkewicz, adaptant le roman de Kōtarō Isaka de 2010, ces flashbacks sont autant d'éléments stylistiques que de dispositifs narratifs. Ils n'expliquent pas grand-chose mais créent un rythme dubstep unique au film, aussi frappant à sa manière que les fracas, les coups de poing, les coups de pied et les rebonds syncopés des scènes de combat. Le résultat ressemble à quelqu'un de croisementTuer Billavec unDestination finalefilm.-ÊTRE

Lire Bilge Twoexamen deTrain à grande vitesse.

La comédie grinçante complètement tordue de James Morosini (basée, apparemment, sur un incident réel impliquant le cinéaste et son père) suit un père quelque peu mauvais payeur (Patton Oswalt) qui crée un faux profil en ligne pour garder un œil sur son fils suicidaire et se retrouve entraînant par inadvertance le jeune homme dans une relation imaginaire avec une fausse petite amie. Morosini, qui joue également le rôle du protagoniste-chat-poisson, n'a pas peur de présenter des scènes qui vous feront tous les deux rire aux éclats et vous tortiller inconfortablement dans votre siège, mais il gère également habilement les éléments émotionnels les plus sombres du film. Oswalt est extrêmement convaincant dans le rôle du parent malheureux qui a de bonnes intentions mais qui semble toujours tout gâcher.-ÊTRE

Lisez celui de Chris Leeentretien avec le scénariste-réalisateur-star James Morosini.

Photo de : Attractions routières/Divertissement vertical

Ce portrait nerveux d'un décrocheur d'une école d'art avec une condamnation pour crime et une dette universitaire d'une valeur de 70 000 $ constitue un argument éloquent en faveur de l'annulation de son prêt, mais qu'est-ce qui donne vraimentEmily la criminelleson punch est l'engagement d'Aubrey Plaza à permettre à son personnage d'être empathique tout en restant résolument rebutant. En tant qu'Emily, Plaza bouillonne de rage face à l'injustice de la position insurmontable dans laquelle elle se trouve, mais saute également sur l'occasion de grimper sur les autres pour se sortir de ce trou. Le scénariste-réalisateur John Patton Ford trouve beaucoup de tension dans les excursions de son protagoniste dans la fraude par carte de crédit, mais à mesure que le film avance, la peur de ce dont elle pourrait se révéler capable commence à dominer la menace qu'elle puisse se faire prendre ou blesser. —AW

Lire celui d'Alison Willmoreexamen deEmily la criminelle.

Photo : Lauren Mulligan/Universal Studios

Dans le petit thriller animalier du réalisateur islandais Baltasar Kormákur, Idris Elba incarne un médecin veuf qui voyage avec ses deux filles dans le village natal de sa femme récemment décédée en Afrique du Sud lorsqu'ils sont poursuivis par un lion déterminé à se venger des humains qui ont anéanti son fierté. Kormákur met en scène le film comme une série de longs plans pleins de suspense qui suivent les personnages tout en nous permettant de voir ce qui se passe derrière et autour d'eux ; nos yeux dérivent avec la caméra et les personnages dans des décors en constante évolution. Les sensations fortes sont solides et le casting élève encore plus le matériau – en particulier Elba, qui semble porter le poids du monde sur ses épaules. Et à 93 minutes (générique compris), le film évite les mécanismes d'intrigue trop lourds, de ceux qui pourraient encombrer nos cerveaux de questions de logique et de motivation des personnages. Après tout, si tout le monde agissait toujours de manière rationnelle, nous n'aurions pas de films commeBête, et ce ne serait pas amusant du tout.-ÊTRE

Lire Bilge Twoexamen deBête.

Photo : Groupe Cohen Media

Le titre de la nouvelle comédie/allégorie corporate du réalisateur espagnol Fernando León de Aranoa se veut ironique – mais seulement jusqu'à un certain point. Julio Blanco de Javier Bardem, propriétaire doux et bienveillant d'une entreprise qui produit des balances, est considéré par lui-même et par la plupart de son entourage comme l'image même d'un leader juste et compréhensif. Mais les signes avant-coureurs abondent. Blanco a consacré tous ses efforts à l’idée d’équilibre – ou plutôt à l’apparence d’équilibre. Et s’il faut de plus en plus de duplicité, de corruption et même de violence pour parvenir à cet équilibre, qu’il en soit ainsi. Bardem est parfait en tant qu'homme pleinement centré, confiant et calme dans ses mouvements, mais il devient ensuite les yeux écarquillés et agité lorsque le sol glisse sous lui. Peu à peu, nous nous rendrons peut-être compte que ce qui est ici doucement embrouillé n’est pas un homme ou une entreprise mais une civilisation entière.-ÊTRE

Lire Bilge Twoexamen deLe bon patron.

Photo de : 20th Century Studios

Les plaisirs de ce long métrage de créature aux pieds légers, réalisé par Zach Cregger, membre de The Whitest Kids U' Know, sont dus en partie à la légèreté avec laquelle il porte ses thèmes. S’agit-il de violences masculines envers les femmes ? Sur le fait que le fléau urbain d’un quartier de Détroit n’a rien à voir avec les cauchemars qui se cachent toujours à l’intérieur de la seule maison immaculée qui reste dans le quartier ? Bien sûr et bien sûr, mais ces idées n'empiètent jamais sur le fait queBarbareavant tout veut garder son public sur ses gardes, hurlant d'appréhension et de plaisir à chaque rebondissement. Ce n'est jamais plus clair que lorsqu'il met en scène une descente dans le sous-sol cauchemardesque de la maison en question – une propriété Airbnb cachant de sombres secrets – à deux reprises : la première comme une pure peur du « s'il vous plaît, ne faites pas ça » et la seconde comme une inconscience hilarante.—AW

Lire celui de Wolfgang Ruthentretien avecBarbarestar Justin Long.

Photo : La Guilde du cinéma/YouTube

Le scénariste-réalisateur Juan Pablo González a travaillé dans le documentaire avant de réaliserDeux saisons, ses débuts scénarisés, et le film conserve la qualité immersive de la non-fiction en plongeant dans le fonctionnement d'une autrefois grande usine de tequila à Jalisco, au Mexique. Les rythmes de récolte, de distillation et de mise en bouteille de l'agave, menacés par les sociétés internationales et les maladies, servent de toile de fond au portrait de María (Teresa Sánchez), qui lutte pour empêcher l'endroit de sombrer. María, avec son look androgyne et son air stoïque, est une femme qui a cultivé une aura particulière pour être la patronne dans un monde d'hommes, pour ensuite se retrouver emprisonnée par celle-ci. La performance de Sánchez est empreinte d'un pathos subtil, surtout après avoir embauché une assistante, Rafaela (Rafaela Fuentes), pour qui elle développe clairement des sentiments tout en étant incapable de se résoudre à agir en conséquence.—AW

Pour son premier long métrage ironique et triste, l'artiste visuelle Martine Syms évoque un programme de maîtrise en beaux-arts dans le nord de l'État de New York, un peu comme celui qu'elle a elle-même suivi : un paysage de pelouses vertes, de Blancs et de jargon incompréhensible. "Putain, je déteste ça ici", dit le sculpteur Palace (joué par son collègue artiste Diamond Stingily) à un ami alors qu'elle commence une période de 24 heures à faire ses valises et à faire la fête avant de rentrer chez elle à Chicago. Le mélange d'éloges excessifs et de ressentiment à peine déguisé envers elle par les professeurs lors de la révision de sa thèse dans les scènes d'ouverture donne une idée de l'aliénation de son séjour sur le campus. Et pourtant, alors queLe désespéré africainse moque des absurdités du monde de l'art et de ses habitués, affiche des mèmes à l'écran et met en lumière des cas de malentendus ahurissants, il n'est pas à l'abri de l'attrait de sa bulle académique bucolique. L'art n'est pas tout, mais quel luxe ridicule de prétendre le contraire… même brièvement.—AW

Andrew DominiqueBlondest, en fait, un puzzle sur Norma Jeane et Marilyn Monroe qui a été volontairement laissé incomplet, vu en fragments captivants et terrifiants. Des flashes aux lumières Klieg et aux câbles entourant Monroe qui ouvrent le film sur l'infinicruautés infligées à son corpset l'âme, c'est un film sur la création et la fragmentation de l'identité. La recherche répétitive et obsessionnelle de la protagoniste pour son père – et ses relations tordues avec les figures paternelles – est plus une quête existentielle d'appartenance qu'un récit simpliste sur les « problèmes de papa ». Mais le film est brutal. Chargé de provocations, ilne prétend pas être factuel. Au lieu de cela, il oscille entre mythe et cauchemar. Dominik a structuré le film en grande partie autour de recréations magnifiques et impeccables d'images de la carrière de Monroe, mais chacune d'elles cède la place à quelque chose de terrifiant – des fantasmes d'usine à rêves magnifiquement filmés se transformant en horreurs labyrinthiques. Entre-temps,La prestation d'Ana de Armasn'est pas tout à fait ce à quoi on pourrait s'attendre : elle est certainement pleinement engagée dans un rôle qui nécessite une activité physique intense, et elle imite habilement le style de parole à moitié essoufflé de Monroe. Mais elle porte encore des traces de son accent, que le film ne cache pas. Cela donne à l’ensemble une qualité quelque peu performative… ce qui, bien sûr, est le but du film.Ana de Armas n'habite pas le rôlede Marilyn Monroe. Le rôle de Marilyn Monroe habite plutôt Ana de Armas – comme un esprit torturé, peut-être malveillant. Les résultats peuvent être bouleversants, maisBlondest beau, fascinant et, parfois, profondément émouvant.-ÊTRE

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Photo : Alex Bailey/Prime Vidéo

Lena Dunham devient médiévale pour cette adaptation du roman pour enfants primé de Karen Cushman, et les résultats sont étonnamment merveilleux. Cela ne devrait peut-être pas être une telle surprise, cependant – malgré ses attributs historiques, l'aristocrate du XIIIe siècle Birdy (Game of Thronesancienne Bella Ramsey) est une héroïne très Dunhamesque, une adolescente qui s'insurge contre les forces sociétales qui dictent son avenir tout en restant aveugle quant à la relative qualité de ses choses. Empathique, bruyant et insouciant, Birdy est un personnage charmant joué avec exubérance par Ramsey d'une manière qui permet à Birdy de grandir sans passer pour une figure moderne des costumes d'époque.—AW

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Photo de : Universal Pictures

Peut-être que nous considérerons la tournée de presse de Billy Eichner comme un nadir pour le marketing des questions de représentation d'entreprise, avec le battement de tambour incessant sur la signification historique du film qui n'a pas réussi à attirer le public vers les cinémas. Mais libéré de tout ce contexte écrasant,Frèresen soi, c'est une histoire d'amour drôle et douce-salée entre une grande gueule épineuse et un himbo musclé qui, après des vies séparées de célibat sédentaire, se retrouvent à essayer de comprendre à quoi ressemblerait une relation qu'ils pourraient réellement vouloir.—AW

Lire celui d'Alison Willmoreexamen deFrères,et écoutez celui de Sam SandersDedansentretien podcast avec Guy Branum.

Commequelques autres films cette année, le troisième long métrage de Ricky D'Ambrose est une exploration semi-autobiographique d'une jeunesse passée, dans son cas, dans la banlieue de Long Island. L'avatar de D'Ambrose, Jesse, est joué par plusieurs acteurs différents à mesure qu'il grandit et développe une affinité pour la capture d'images devant la caméra. Pendant ce temps, ses parents (Monica Barbaro et Brian d'Arcy James) s'éloignent et finissent par divorcer ; les membres de la famille se battent, se querellent et meurent ; et la guerre, les élections présidentielles et les catastrophes se déroulent en arrière-plan. Le tout est présenté dans un style singulier, avec une voix off impartiale qui raconte ce qui se passe dans la vie des personnages, qui apparaissent dans des tableaux soigneusement disposés. C'est comme si D'Ambrose essayait de voir son enfance de l'extérieur, avec distance, pour la traiter comme de l'histoire – comme si cela lui offrait un certain rembourrage protecteur contre les expériences du passé.—AW.

Photo : Anne Joyce/Focus Features

Les films de James Gray ont toujours eu une touche profondément personnelle, mais il n'en a jamais réalisé un aussi nu que ce triste drame familial qui se déroule dans le Queens en 1980. Le substitut du réalisateur ici est un jeune garçon nommé Paul Graff (Banks Repeta), un élève de sixième qui a des problèmes à l'école et qui a des liens avec son camarade fauteur de troubles Jonathan Davis (Jaylin Webb), avec qui il est généralement choisi pour être puni. Il n’y a pas vraiment d’histoire centrale ici. Au lieu de cela, Gray s’appuie sur l’accumulation de petites interactions et incidents pour former lentement le portrait d’un monde impitoyable. Il passe de l'amitié qui se développe lentement entre Paul et Johnny à la vie au domicile de Paul, où le souvenir et la peur d'être victime sont encore très vifs pour sa famille juive. En chemin, nous pouvons remarquer que, même si elles semblent en apparence libérales, les attitudes de la famille à l'égard de ceux qu'elles considèrent comme inférieurs à elles, en particulier les Noirs, sont plutôt réactionnaires. On voit leur racisme, leur classisme, leur égocentrisme, mais ces gens ne sont pas grotesques. Gray a intégré dans la forme du film une exploration discrète de l’échec générationnel, et il n’a aucun intérêt à se laisser aller, même maintenant. —ÊTRE

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Photo : Eric Zachanowich/Searchlight Pictures/Studios du 20e siècle

Bien sûr, ce thriller satirique de Mark Mylod est aussi soigneusement composé qu'un hors-d'œuvre assemblé avec une pince à épiler. Mais ce qu'il ne faut pas perdre, lorsqu'on apprécie le rythme méthodique de son voyage vers le menaçant, c'est à quel point cette foutue chose est aussi incroyablement amusante. Dans la peau du légendaire chef Julian Slowik, Ralph Fiennes est ricanant, énervé et hilarant, et le restaurant culte haut de gamme qu'il supervise est le sanctuaire d'une idée impossible du luxe qui a conduit tous ceux qui y travaillent à un découragement apocalyptique. Avec son ensemble de figurine de cauchemar gourmandoui, le menuest un mélange de culture gastronomique haut de gamme, mais c'est aussi un meilleur riff sur le désespoir capitaliste claustrophobe quele gagnant de la Palme d'Or de cette année.—AW.

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Le suivi de Rian Johnson à sonpolar inattenduÀ couteaux tirésest plus grand, plus étrange et plus satisfaisant, en partie grâce à son cadre – une île grecque privée où un groupe d'anciens amis devenus ennemis pleins de ressentiment (plus un certain détective frit du Sud) se rassemblent à la demande du génie technologique apparent Miles Bron ( un Edward Norton bien connard) pour leur réunion annuelle voyante. La construction de Johnson est plus complexe, mais son toucher est plus léger ce tour-ci, ou peut-être n'est-il pas nécessaire de se moquer des perturbateurs alors que vous pouvez simplement citer longuement les vrais et atteindre des objectifs similaires. L'amusant Elon Muskiness de Miles est indéniable, maisOignon en verrerassemble également un éventail convaincant de suspects lâches qui n'ont pas pu échapper à son orbite, du fournisseur de pantalons de survêtement annulé à plusieurs reprises de Kate Hudson au politicien compromis et dur au discours de Kathryn Hahn.—AW.

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Photo : Wilson Webb/Netflix

En regardant l'adaptation par Noah Baumbach du roman classique de Don DeLillo, jusqu'alors infilmable, on sent que notre monde a enfin rattrapé celui de l'auteur. À la base, c'est l'histoire d'une petite ville universitaire secouée par la panique lorsqu'un déraillement de train libère un produit chimique menaçant et dangereux dans le ciel, et les scènes du film d'une famille précoce essayant de se frayer un chemin à travers une terrifiante alerte de santé publique. ont un coup de pied plus universel de nos jours. Les échos contemporains sont vraiment frappants, d'autant plus que Baumbach parvient à être fidèle à l'original de DeLillo, enfermant autant de détails denses et d'observations désinvoltes du livre que possible dans la durée de plus de deux heures du film. Bien sûr, Baumbach ne peut pas reproduire la prose angélique de l'auteur, mais il fait autre chose de tout à fait fascinant. Il se tourneBruit blancdans un pastiche de l'action fantastique spielbergienne des années 1980, avec son portrait carrément nostalgique d'un désastre dans une petite ville. Après tout, l’auteur est obsédé par l’idée du spectacle, alors pourquoi ne pas transformer son œuvre la plus appréciée en un véritable spectacle ? Pourquoi ne pas en faire un film populaire qui aurait pu être projeté dans les salles de cinéma au moment de la sortie du livre ? —ÊTRE

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Photo de : Paramount Pictures

Babylones'ouvre avec un éléphant qui fait une énorme décharge sur un gars, puis passe à une starlette qui fait pipi sur un autre gars tout en l'appelant « cochon ». Dans l'épopée décadente du vieux Hollywood de Damien Chazelle, nous voyons la bacchanale ouverte et pleine de désir de Tinseltown de l'ère muette - un monde où les humains et les animaux ne sont qu'à un degré les uns des autres - alors qu'il se transforme en le monde étouffant et moraliste des films parlants. et la convenance, un monde où les pulsions animales ne sont pas réellement vaincues mais poussées de plus en plus profondément dans des cavernes de plus en plus sombres (à la fois littérales et symboliques). L'histoire estChanter sous la pluierencontreSoirées BoogierencontreCasinorencontreCinéma Paradiso, avec Margot Robbie en actrice ambitieuse en pleine ascension, Brad Pitt en homme de premier plan vétéran qui sait parfaitement jouer le jeu des célébrités, Diego Calva en modeste gofer dont la débrouillardise ouvre les portes, et Jovan Adepo en jazzman pour qui l'arrivée du son devient un ticket pour la célébrité. Et bien sûr, pour tous nos héros, la chute arrive encore plus vite que la montée. Dans une année de lettres d'amour au cinéma, celle de Chazelle est la plus perverse à ce jour – une célébration et un exposé de la débauche extravagante du travail créatif et de la créativité extravagante de la débauche. —ÊTRE

Photo : Michael Gibson/Orion Pictures

J'aurais aimé que Sarah Polley n'ait pas choisi de désaturer les couleurs deFemmes qui parlent, car en dehors de ce choix, le film est presque parfait en tant que discussion sans crainte et sérieuse sur la manière de procéder à la suite d'un abus.Une histoire de Me Too racontée avec des personnages qui n'ont jamais entendu parler de Me Too,Femmes qui parlentse déroule dans une communauté mennonite insulaire dont les femmes ont été la cible de drogues et de viols répétés par certains des hommes avec lesquels elles vivent. Leur débat – mené par des acteurs comme Rooney Mara, Claire Foy et Jessie Buckley – couvre le terrain difficile de ce qu'il faut faire lorsqu'on a subi un préjudice, comment lutter contre la colère, si le pardon est possible et comment empêcher les mêmes choses. qui arrive aux autres. L’ennui esthétique ne rend pas service aux personnages en suggérant qu’ils vivent dans un monde moins vivant, car même si leur vie est en décalage avec le temps, leurs préoccupations sont incroyablement pertinentes.—AW.