Vérification des films originaux de Netflix : édition de décembre 2022

Nous avons tous dû être très bons cette année, car Netflix a jugé bon de vider son sac magique et ses somptueux abonnés avec un embarras de friandises alors que nous nous dirigeons vers la période des fêtes.Chevaux récompensés par cotesd'auteurs de renom comme Guillermo del Toro et Alejandro Gonzalez Iñárritu sont arrivés juste sous la ligne d'éligibilité, et la dernière semaine du mois apportera unadaptation ambitieuse de DeLillo de Noah Baumbachainsi que celui de Rian Johnsonune suite qui plaira à tousÀ couteaux tirés. Mais cela laisse encore des joyaux moins médiatisés, parmi lesquels une adaptation littéraire avec un feu primaire brûlant à l'intérieur, une réimagination stylisée deun classique de Noël, et une comédie romantique argentine avec un crochet diabolique. Offrez-vous un deuxième lait de poule et jetez un œil aux offres de films originalesNetflix en décembre.

Netflixdépensé 1 milliard de dollars pour entrer dans leÀ couteaux tirésentreprise, et en échange,Rian Johnson a livré beaucoup de films: plus grand, plus long et plus ambitieux, ce dernier polar fait monter les enjeux sur le sort du monde tel que nous le connaissons. Mais les plaisirs primaires de l'humour mécanique complexe, des intrigues diaboliquement intelligentes et des tours de soutien claquants des lèvres de l'ensemble des suspects sont restés inchangés, canalisés vers une critique pointue du système de douche-à-perturbateur de la Silicon Valley. Un plaisir du public à quatre quadrants comme on n'en voit pas trop souvent ces jours-ci, ce fourré d'enquête s'amuse bien à jouer son jeu méchant avec Johnson renversant les règles du scénariste dans chaqueconfiguration et révélation méticuleusement plantées. Il s'inspire d'une lignée d'ancêtres gumshoe, notamment Columbo, le grand-père maladroit et brillant du détective au poulet frit de Daniel Craig, Benoit Blanc, un rôle qui rivalisera bientôt avec James Bond en termes d'identification avec l'acteur qui le joue. À l’image du détective qui avait toujours quelque chose en plus, cette franchise a trouvé une formule au potentiel de renouvellement infini.

Le mérite revient à la réalisatrice Laure de Clermont-Tonnerre : elle livre la marchandise dans son interprétation fidèle du tristement célèbre roman scandaleux de DH Lawrence sur les effets transformateurs et salvateurs de l'excitation dévorante d'une femme. La chaleur a été augmentée à un niveau élevé dans leaffaire de coeurentre Lady « Connie » Chatterley (Emma Corrin, de la série Netflix)La Couronne) et son robuste garde-chasse, Oliver (Jack O'Connell), ses besoins charnels non satisfaits par le mari qui souffre depuis longtemps (Matthew Duckett) qui s'est retrouvé avec des organes génitaux mutilés par la Première Guerre mondiale. Tandis que les mœurs sociales interdisant leur attirance deviennent de plus en plus étranges. à notre modernité désensibilisée, la force brute et primitive du désir de Connie sonne toujours clairement, renforcée par la prose immaculée de Lawrence et un équivalent visuel de bon goût dans Benôit. La cinématographie luxuriante et suggestive de Delhomme. Dans cette époque actuelle de clin d'œildes riffs du passé est présent commeLa Chronique des Bridgerton, c'est un baume de voir un film comprenant comment et pourquoi cette époque cloîtrée pourrait être sexy sans le handicap des mises à jour anachroniques.

Considérant le point de vue de Don DeLillo sur l'anxiété postmoderne dans son roman – selon lequel nous avons été aliénés de la sensation et de l'expérience directes par notre présent trépidant, laissés dans un monde abrutissant de noms de marques et de théorie des médias – il est peut-être textuellement approprié que l'adaptation de Noah Baumbach semble dénuée de sens. l'humanité, hermétiquement enfermée dans ses propres idées. Aussi inattendu et passionnant que cela puisse être de voir un modeste réalisateur indépendant réquisitionner une somme colossale d'argent de Netflix pour sa version spectaculairement non commerciale du blockbuster de style Amblin, le style de performance maniéré et les dialogues rigoureusement fidèles depuis la page contribuent à une guinée. cela fait que cette parabole familiale apocalyptique ressemble plus à un ensemble de thèses à méditer qu'à un film. L'exception se faufile juste à la fin, la rupture la plus significative de Baumbach par rapport au matériau source étant un numéro musical transcendant ; il nous invite à imaginer une alternative plus souple au sujet que le réalisateur réitère servilement.

La fable de Roald Dahl sur un moppet télékinésique précoce reçoit un traitement musical inédit avec des sensibilités classiques, associant des chansons pop polies et des mouvements de danse adjacents à TikTok avec l'enthousiasme naïf qui permet au théâtre d'alchimiser le maïs en or. Un casting incroyablement talentueux de jeunes interprètes (dirigé par Alisha Weir dans le rôle titre) vend l'enfer de la chorégraphie couverte par la caméra agile du réalisateur Matthew Warchus, restant après avoir mené la production scénique du West End au statut de phénomène. . Bien que, pour les téléspectateurs non-enfants, le véritable régal soit le casting de soutien - Andrea Riseborough et Stephen Graham dans le rôle des méchants parents de Matilda et une Emma Thompson grunge dans le rôle de la draconienne Miss Trunchbull - légèrement plus proche des illustrations de livres d'images que celles de Danny DeVito. -battre l'adaptation de 1996. Mais le charme exubérant du chœur rempli de prodiges porte le film, élevant les numéros de production dans un royaume fantastique que Warchus dépeint de manière fleurie avec la magie du cinéma travaillant en harmonie avec l'ingéniosité apportée par la scène.

Dans la énième version de la fable du pantin de bois qui rêve d'être un vrai garçon,Guillermo del Toromet à jour la tendance politique du texte source en situant son adaptation en stop motion techniquement sophistiquée au cœur du fascisme italien pendant la Seconde Guerre mondiale. Les touches pointues – un détour qui voit le jouet enchanté sauter dans la division jeunesse de l'armée, une pièce de théâtre jouée pour narguer Il Duce lui-même – renforcent l'air adulte d'un projet destiné aux enfants avec des idées d'une maturité inhabituelle sur l'inévitabilité de mortalité, déroulée dans une belle coda au côté sombre. Avant cela, cependant, Pinocchio est un crétin joyeux qui grince dans la poignée de numéros musicaux écoeurants gracieuseté d'Alexandre Desplat. La conception détaillée des personnages (l'esprit de la mort, correctement exprimé par Tilda Swinton, est remarquable) et l'animation fluide compensent avec précision ce qui manque à la conception de production concrète en termes d'imagination texturale, un sens adulte d'accomplissement rigoureux qui brouille cela. sentiment enfantin.

Alejandro Gonzalez Iñárritu a beaucoup de choses en tête, de quoi écraser les téléspectateurs decette odyssée à travers un subconscient singulièrement égocentrique. Dans de grandes métaphores se déroulant à une échelle épique pour l'objectif aux yeux de poisson du directeur de la photographie Darius Khondji - une reconstitution de la bataille de Chapultepec, un flash mob d'étrangers symboliquement évanouis, un tête-à-tête avec Hernán Cortés au sommet d'une pyramide de cadavres. - le réalisateur est aux prises avec des angoisses coupables concernant son héritage divisé entre autochtones et blancs, ses succès récompensés aux Oscars et ses défauts en tant que parent. Une telle introspection a déjà fait l'objet de films d'art légendaires (les allusions constantes à Federico Fellini garantissent que nous le savons), mais la combinaison de pitié narcissique et de hurlements, d'une évidence littérale anathème à la logique du rêve, rend cette séance de thérapie fastidieuse malgré son aspect visuel. élan. De plus, les efforts d'Iñárritu pour anticiper et neutraliser ces critiques par la voix d'un détracteur qui est ensuite réduit au silence se révèlent au mieux défensifs et au pire lâches, une manipulation du jeu dans laquelle il est le seul joueur autorisé.

Une journaliste d'investigation (Bárbara Lennie, une présence à l'écran plus captivante que le film la retenant captive) s'enregistre dans un asile psychiatrique espagnol en 1979, s'infiltrant pour découvrir le coupable d'un meurtre chaotique auquel personne d'autre ne touchera. Du moins, c'est ce qu'elledit, une prémisse que ce thriller psycho soulève avec le doute de la subjectivité alors que les sinistres administrateurs la poussent à remettre en question sa propre santé mentale. Mais en deux heures et demie, le réalisateur et co-scénariste Oriol Paulo a largement surjoué, enchaînant les rebondissements jusqu'à ce que le dernier arrive comme une conclusion décevante. De plus, sa sensibilité envers les patients de cet établissement abject laisse beaucoup à désirer, et son vocabulaire visuel prosaïque ne parvient pas à capturer la paranoïa claustrophobe si savamment invoquée par Steven Soderbergh dans son film sur un sujet identique. Ou, en d'autres termes :Insenséen Espagne, c'est plutôt simple.

C'est une de ces idées si bonnes qu'on ne peut pas croire que personne ne l'a encore fait : les conjoints stagnants Federico (Juan Minujín) et Belén (Luisana Lopilato) espèrent raviver leur étincelle avec Equilibrium, une entreprise qui gamifie le mariage en attribuant des valeurs en points aux actes. de dévouement désintéressé. (Changer le bac à glaçons, par exemple, vous fait parcourir « trois miles » pour vous rencontrer ostensiblement au milieu.) Ainsi commence une volée de romance performative alors que tous deux se rendent compte que gagner un surplus de « miles » leur donnerait une marge de manœuvre pour tout avenir. indulgence et commencez désespérément à encaisser de bonnes faveurs pour les dépenser plus tard en vacances en solo. Aussi large que puisse être l'humour de la bataille des sexes, il y a toujours une intelligence fondamentale dans ce cadrage d'une émotivité inconstante comme un remplissage de bars précisément enrégimenté avec la causalité brutale de travail et de récompense deLes Sims. Dans cette configuration farfelue, nous arrivons à des conclusions très réelles sur les relations : que l'influence sur l'apparence d'un bon conjoint peut être utilisée comme couverture pour être en réalité un mauvais conjoint, et que de petites faveurs peuvent servir de gourdin lorsqu'il est temps de se disputer.

Au canon étrangement encombré des biopics de célébrités d’occasion –Ma semaine avec Marilyn,Moi et Orson Welles, et coll. — nous pouvons ajouter ce portrait partiel de Pablo Neruda (Claudio Arredondo) raconté par le jeune facteur de l'écrivain estimé, Mario (Andrew Bargsted). Bien que le scénario de Guillermo Calderón fasse preuve d'une compréhension rudimentaire des œuvres de Neruda, limitée à son talent pour la romance, une surprise étant donné que le producteur Pablo Larraín a réalisé le scénario plus nuancéNeruda, Mario s'appuie sur l'expertise de son nouveau mentor dans sa propre quête de sa bien-aimée, Beatriz (Vivanne Dietz). Sa routine Cyrano à l'esprit littéraire occupe la substance du film, mais étant la première production chilienne de Netflix, il y a aussi une certaine couleur locale obligatoire liée à l'instabilité des années pré-Pinochet dans les marges. Savoureux et poli, il dégage la même note de nostalgie impressionnée pour les dieux de l’art que le reste de son étrange petit sous-genre.

Tout le monde connaît l'histoire de Charles Dickens, de l'avare qui tourne une nouvelle page le matin de Noël en réalisant que sinon les gens parleraient de lui après sa mort. Cette fois-ci, les facteurs distinctifs sont faciles à énumérer : l'animation par ordinateur plonge plus profondément dans le fantastique que les itérations précédentes d'action réelle ne pouvaient l'être ; les orteils brillants et sucrés écrits par la légende de la chanson Leslie Bricusse ; et un casting de voix de grand prestige comprenant Luke Evans dans le rôle du vieil Ebenezer, Olivia Colman dans le rôle du fantôme de Christmas Past et Jonathan Pryce dans le rôle du cataclysme Jacob Marley. Cumulativement, c'est plus que suffisant pour justifier un autre montage du classique de Noël le plus fait à mort, même si le dialogue piétonnier sacrifie une grande partie de la beauté baroque de la prose de Dickens. Tout cela est parfaitement utilisable dans le vide, et pourtant, comparé à l'arriéré d'adaptations supérieures, même celles destinées aux enfants (c'est le territoire des Muppet, après tout), le dernier modèle a une légèreté inessentielle.

La tradition nigériane veut qu'à la mort du roi, son bras droit doit se suicider rituellement pour assurer le passage en toute sécurité de son dirigeant dans l'au-delà et la prospérité continue de sa communauté. Dans la ville d'Oyo, au sud-ouest, vers 1946, les colonisateurs britanniques ont fait obstacle à cette coutume pour un certain Elesin Oba (Odunlade Adekola), un épisode dramatisé d'abord dans une pièce du prix Nobel Wole Soyinka et maintenant dans l'excellent film tourmenté de Biyi Bandele. Elesin se retrouve déchiré entre les désirs terrestres qui lui font craindre la mort et le sentiment d'honneur d'une obligation culturelle renforcé par l'opposition des envahisseurs blancs. Bandele accorde un poids égal à ces deux motivations opposées, rejetant la notion de barbarie présumée par les forces d’occupation tout en reconnaissant la gravité du sacrifice consenti. Il crée une tension entre l'héritage du passé et la modernisation souvent hostile qui se précipite vers le présent, et la scène finale, d'une indicible tragédie, montre clairement que ces idées belligérantes peuvent faire des victimes terriblement réelles.

En s'associant à Netflix, la société d'animation irlandaise Cartoon Saloon n'a fait aucun compromis sur la conviction environnementaliste, la sophistication stylistique et la maturité émotionnelle trompeuse qui ont fait sa renommée (voir les titres précédentsMarcheurs de loupsetLa vie secrète de Kells). Le récit d'un garçon de la ville (voix de Jacob Tremblay, sûrement au bout de sa fenêtre de vadrouille) s'enfuyant vers une île isolée et se liant d'amitié avec un dragon (voix de Gaten Matarazzo, l'un desChoses étrangeskids) semble aussi simpliste qu’un livre d’images, et l’animation en papier découpé évoque ce sentiment enfantin primordial. Mais le lien parfois difficile entre les deux personnages anxieux et incertains vient d’un lieu plus adulte, tout comme le respect discret pour les merveilles et la puissance du monde naturel. Renforcé par une distribution de voix qui fait que l'approche « A-lister pot-pourri » fonctionne mieux que la plupart – Jackie Earle Haley en tant que tarsier aux yeux écarquillés est inspirée – le film exerce sa sincérité assez adroitement pour que ses instructions sur la gentillesse et la patience sonnent vraies.

Dans ce techno-thriller paranoïaque, la réalisatrice Annemarie van de Mond troque l'astuce critique contre le kitsch virtuel. Malgré une prémisse hitchcockienne diaboliquement intelligente – un pirate informatique au chapeau blanc sur le point de dénoncer un syndicat criminel est accusé de meurtre via une vidéo profondément fausse, une éventualité terriblement plausible – il n'y a pas grand-chose pour accuser notre état de surveillance incontournable dans cette illustration simple. de ses dangers. Mais nous avons droit à un jargon informatique sublimement idiot, à des personnages disant «Je suis dedans» en néerlandais, à une visualisation d'Internet vers l'an 2000 sous la forme de tubes de lumière psychédélique et à une programmation inexplicablement représentée par des pochoirs animés au néon. Des chaudières à bas prix de cette classe pourraient se prendre un peu moins au sérieux, la vertu la plus attachante dans ce qui serait autrement une course de relais en fuite à travers divers biomes de la morosité européenne. Van de Mond ne capitalise pas pleinement sur l'horreur existentielle de se connecter pour réaliser que son visage a été volé, le go-go étant plus occupé par la peur elle-même que par ses causes insidieuses.

Leaventures de la courageuse sœur adolescente de Sherlock Holmes- une étiquette qu'Enola a hâte de se débarrasser maintenant qu'elle a ouvert sa propre agence de détectives, où les clients saisis par le sexisme de l'ère victorienne viennent chercher son grand frère plus connu - continuez, en doublant tout ce que les fans ont approuvé dansle premier versement. LeSac à pucesLes apartés devant la caméra sont plus fréquents, le profil visuel est devenu encore plus plat dans la présentation d'Old Blighty, et la tendance à résoudre les préjugés du passé avec la boussole politique d'aujourd'hui est plus prononcée que jamais. Rompre avec les livres sources pour situer ce chapitre dans la grève réelle des matchgirls de 1888 constitue une feinte vers une critique plus fondée de la misogynie rampante de l'époque, mais c'est le même châtiment général des non-éclairés du point de vue confortable du présent. . Il y a quelque chose d'antisportif dans ce genre de réveil rétrospectif, comme si tout ce que les femmes de l'époque devaient faire pour obtenir le respect était de l'exiger ; bien sûr, c'est facile à dire pour nous.

Un public séduit par le pitch de"Comédie romantique de vacances dirigée par Lindsay Lohan et motivée par l'amnésie"sont très probablement entrés dans cette expérience avec la barre déjà abaissée juste en dessous de la norme Hallmark. Ceux qui recherchent quelque chose de minable, d'illogique et de faible loyer ne seront pas déçus par le couplage prosaïque de Lohan avecJoieChord Overstreet, ancien élève (bien interprété dans la mesure où son nom sonne déjà comme s'il appartenait à quelqu'un qui vit dans un village de Noël). Mais même le bon et le mauvais s'améliorent, l'ennui général dépassant le facteur de stupéfaction inhérent à une actrice une fois sur la bonne voie pour devenir la prochaine star de cinéma d'Hollywood apparaissant dans son premier rôle principal dans un film depuis 2013. À cette époque,Les canyonsetJe sais qui m'a tuéa postulé que la portée limitée et les manières forcées de Lohan pourraient être canalisées dans le bon registre du non-réalisme, un concept perverti jusqu'à des extrémités saupoudrées de neige et souriantes par la falsification de chipper qui orne ces salles.

CommeLes Banshees d'Inisherintraîne au cinéma une amitié soudain caillée, Netflix rétorque avec ce drame turc sur une relation amoureuse coupée avec la même brusquerie inattendue. Bien que l’inconnaissabilité d’un choix radical ne soit pas le sujet ici ; bien au contraire, alors que Semih (Burak Deniz) fait un inventaire personnel principalement articulé dans de nombreux flashbacks pour comprendre pourquoi sa petite amie Defne (Dilan Çiçek Deniz, aucun lien de parenté) l'a quitté. Ce n'est pas vraiment un casse-tête - une impulsivité fantaisiste comme la sienne peut être électrisante lors d'un premier rendez-vous, mais exaspérante à ramener à la maison pour s'installer - et à la fin, il a fait des améliorations évidentes en termes de suivi personnel et de soi. -contrôle. Il essaie de comprendre son point de vue, mais le film ne fait aucun effort pour faire de même, avec la présence fantomatique de Defne filtrée à travers son nombril. Dans une tentative d'avoir une vision plus claire de la femme qu'il a détournée, il la transforme en un prisme à travers lequel il peut se regarder.

L'adaptation de Sebastián Lelio deChambreLe roman de l'auteure Emma Donoghue n'est jamais à la hauteur de l'éclat déconstructionniste de ses premières minutes : sur fond de scène sonore, la narration en voix off transmet la sagesse selon laquelle nous choisissons tous en fin de compte de croire ou non les histoires que nous entendons, un guide abrégé pour analyser le épisode historique dramatisé qui suit. Florence Pugh (rétablissant son impressionnante capacité àmontre le reste du film autour d'elle) incarne une infirmière qui s'occupe d'une des « filles à jeun » de l'Irlande du XIXe siècle, dont on dit qu'elle survit pendant des durées impossibles sans manger grâce à la faveur de Dieu. La découverte de ce qui se passe réellement avec la jeune femme affligée (Kíla Lord Cassidy) mettra en effet à l'épreuve la foi de toutes les personnes impliquées, mais la composition formelle simple ne correspond pas aux défis conceptuels de nos hypothèses annoncées au départ. Malgré quelques fioritures étranges et intrigantes dans les marges, ce drame d’époque navigue néanmoins vers une destination conventionnelle.

Pour un film se déroulant principalement dans les rêves, cette réimagination des anciennes bandes dessinées Little Nemo n'est pas particulièrement rêveuse. Une orpheline précoce (Marlow Barkley) se réfugie de sa vie sans intérêt dans la dimension surréaliste du titre, mais ce n'est qu'un terrain de jeu de CGI brillants et tordus comme les autres, épargné par l'illogique désorientant de l'onirique. (Cela n'aide pas que les scénaristes David Guion et Michael Handelman se concentrent sur l'imposition de l'ordre dans ce domaine en l'organisant autour d'une bureaucratie enchantée. Vous savez, pour les enfants !) Après avoir suivi Jennifer Lawrence dans le sexpionnage peu judicieux de Red Sparrow, le réalisateur Francis Lawrence revient au fantasme brillant qu'il a codifié avec la franchise The Hunger Games, et il ne peut s'empêcher de reproduire ce même sentiment de morosité apocalyptique dans ce qui est censé être un monde d'émerveillement. En tant que guide spirituel aux cornes de bélier de Nemo, Jason Momoa s'amuse plus que le film qui l'entoure, qui parle tant de magie et évoque si peu de choses propres.

C'est la dernière année, et un malheureux bêta doit abandonner sa virginité avant le jour de la remise des diplômes - même avec l'action transposée au Mexique, quiconque est familier avec les comédies pour adolescents torrides connaît l'exercice. L'articulation spécifique de la dynamique de genre est également assez old-school, à tel point qu'elle est choquante à voir dans un film sorti en 2022 : Chema (Sebastian Dante, fidèle à la grande tradition des jeunes d'une vingtaine d'années représentant des lycéens) veut baise la nouvelle fille sexy (Sirena Ortiz), mais sa gentillesse excessive le fait devenir ami ! Il se rend progressivement compte qu'être un chien de poche minaudeur (d'où le titre) n'est pas le chemin vers le cœur d'une femme, mais le chemin vers cette révélation est pavé de gags dégoûtants sur les Fleshlights et la masturbation. Et qu’est-ce qu’il apprend, vraiment ? Qu'être un connard est essentiel pour construire l'image d'un partenaire sexuel potentiel ? Même si la physique contre-intuitive du désir pouvait rendre cela vrai, c’est la dernière chose qu’un homme a besoin d’entendre.

Les hymnes du Top 40 écrits par Sia dans ce drame qui fait la une des journaux nous font découvrir une sensibilité pop qui a parfois du mal à porter le sujet lourd : l'histoire vraie des filles syriennes Yusra et Sara Mardini (interprétées par les sœurs Nathalie et Manal Issa, dont l'aisance infaillible l'un avec l'autre est un atout majeur du film), qui a nagé aux côtés d'un canot en perdition jusqu'à l'île de Lesbos et, en Yusra, aux Jeux olympiques de 2016 en tant que membre de la nouvelle équipe de réfugiés. Ce récit de leur voyage pour surmonter l’adversité veut atteindre une note inspirante, ce qu’il fait très certainement, haut et fort, à plusieurs reprises. Mais la direction générale de Sally El Hosaini ne comprend jamais le réalisme plus dur qui fait partie intégrante d’un récit géopolitiquement chargé comme celui-ci, démontrant une timidité face à la tragédie qui doit accompagner le triomphe.

La légende de l'animation Henry Selick – le véritable cerveau derrièreLe cauchemar avant Noël(ne vous laissez pas berner par les fidèles de Tim Burton) - a réalisé sa première fantaisie en stop-motion depuis plus d'une décennie, et son effort herculéen transparaît dans chaque cadre inventif, magnifique et délicieusement texturé. Faisant vieillir l'esthétique kiddie-goth jusqu'à la fin de l'adolescence pour une fable magique-réaliste via Hot Topic, Selick tisse la fortune de l'orpheline hargneuse Kat (exprimée par Lyric Ross), sa ville sur le point d'être rasée au bulldozer pour céder la place. pour le complexe privé-prison-industriel, et une paire de démons (exprimés par Keegan-Michael Key et le co-scénariste et producteur Jordan Peele - leur rapport aussi frais que jamais) déterminé à ouvrir un parc à thème dément. Cela fait beaucoup de choses, et le scénario déséquilibré ne le maintient pas toujours en ordre, mais entre le niveau étonnant de savoir-faire exposé et une bande-son meurtrière remplie d'actes de rock et de punk à front noir, il y a plus qu'assez à garder. nous dans ce monde excentrique pendant 100 minutes.

La première importation Netflix d'Uruguay offreun complot de geri-actiondans la tradition deSouhait de mortetLa dernière douzaine de films de Liam Neesonsur un acteur plus que à la hauteur. Diego Alonso, avec un regard qui pourrait flétrir les produits frais, combine une détermination inébranlable et un paternalisme bienveillant avec toute la dextérité et les muscles bruts de ses homologues du genre américain. Sa mission générique de protéger son territoire contre des trafiquants de drogue encore plus sommairement définis gagne en spécificité grâce à sa carrière de gardien de voiture polyvalent, de brigadier scolaire à parts égales, d'homme à la raclette et d'agent de la circulation. Le film nous demande de prendre au sérieux ce travail souvent négligé en mettant une assistante junior (Catalina Arillaga) à l'épreuve, leur dynamique standard agrémentée d'un peu par ses particularités. Mais c'est le spectacle d'Alonso, bien mérité pour une physicalité qui transmet à la fois la fragilité et la volonté qui la sous-tend.

Pour son premier long métrage en anglais, le Danois Tobias Lindholm s'attaque à un incident plus étrange que fiction survenu en 2003, au cours duquel une infirmière du New Jersey a dénoncé l'un de ses collègues comme un meurtrier en série. Mais il n'y a pas trop de drame dans cette dramatisation - un récit simple avec un aperçu psychologique venant compléter les problèmes de maman et une tentative hâtive et sans enthousiasme de présenter le tout comme un acte d'accusation contre les grands soins de santé. Le véritable objectif est de voir les deux protagonistes présenter leurs performances sur des sièges bon marché. Jessica Chastain se comporte de manière respectable dans un autre de ses exploits visiblement laborieux de levage de poids lourds, mais en tant que maniaque secret, Eddie Redmayne devient voyou et suragit avec une telle imprudence qu'on se demande ce qui a fait de lui une star de cinéma en premier lieu. Manquant de l'intrigue perverse du vrai crime ou de l'intériorité de l'étude de double personnage qu'il souhaite être, le film se contente d'une sécurité à faible risque et à faible récompense.

L'adaptation de 1930 du roman d'Erich Maria Remarque sur la Première Guerre mondiale affirmait que la guerre était un enfer, mais dans la nouvelle version tachetée de sang et de courage d'Edward Berger, il veut que nous ressentions la chaleur. Rappel de scènes de champ de bataille montées de manière épique1917(et, dans un sens plus profond, l'axiome de Truffaut selon lequel tous les films anti-guerre glorifient par inadvertance ce qu'ils souhaitent dénoncer), en se concentrant sur la qualité viscérale de ce qui est censé être une expérience émotionnellement dévastatrice. Berger et ses co-scénaristes Ian Stokell et Lesley Paterson prennent des libertés judicieusement choisies avec le matériel source, peaufinant la fin pour souligner la futilité arbitraire du combat armé. Un message aussi éternel ne nécessite pas beaucoup de mise à jour, et comme Berger laisse largement l'essence de l'histoire tranquille, son remake semble motivé par le désir de créer une itération plus grande et plus brutale du texte - une contradiction flagrante avec son caractère pacifiste. cœur.

Cet étéLe téléphone noir a adapté une histoire de Stephen King sur un téléphone qui aide un jeune homme solitaire et sans mère à tuer son ennemi juré ; La réplique de Netflix adapte un récit de Stephen King sur un téléphone qui va droit devant et tue pour lui les ennemis du jeune homme solitaire et sans mère. Ceux qui connaissent le sac à malices du maestro du suspense ne seront pas trop déconcertés par le principe : un enfant impopulaire (Jaeden Martell, un vétéran de King deles deuxIlversements) envoie ses pulsions les plus sombres au millionnaire récemment décédé (Donald Sutherland) qu'il avait l'habitude de lui tenir compagnie, pour ensuite découvrir que ses souhaits étaient exaucés par l'esprit du vieil homme. L'élément le plus fascinant et étonnamment poignant dans une liasse de contenu par ailleurs fade est la performance de Sutherland, qui ne se lève plus d'une position assise mais possède toujours toute l'énergie rusée qu'il a entretenue au cours des 50 dernières années. Le film se concentre sur le thème du chagrin, articulé naïvement dans la catharsis obligatoire de sa scène finale, mais la douleur de la perte se cristallise plus élégamment dans le métatexte.

À la suite de la mort de son amie, Sole (Federica Torchetti), une femme souffrant d'anxiété chronique, réalise à quel point la vie peut être limitée et entreprend de découvrir toutes les splendeurs que sa santé mentale lui a cachées – pensez-y comme un riff surLa liste des choses à faireavec un des copains déjà mort, plus une bonne dose deSac à puces-des cassures de quatrième mur de style. La performance de Torchetti est parfaitement sympathique malgré la représentation immature du film d'une subjectivité anxieuse, qui laisse entendre que Sole est nerveuse de la voir s'éloigner d'une fenêtre comme une agoraphobe. Elle sortira de sa coquille, même si la victoire semble à peine méritée lorsque le scénario ne parvient pas à rencontrer la star à mi-chemin dans la vente de la détresse de son protagoniste. Le réalisateur Andrea Jublin traite un problème de santé comme un problème dont il suffit de se débarrasser, sa prescription étant de prendre deux appréciations pour tous nos hauts et nos bas et de l'appeler le matin.

Le zillionièmeÀ propos d'un garçonl'imitation pour peupler la bibliothèque de contenu Netflix présente quelques vertus remarquables dans son jumelage vermifugé d'un adulte irresponsable avec un enfant de compagnie précoce. Le premier est la star Baron Geisler, si beau et si grossièrement charmant que nous sommes prêts à le croire comme un rocker échoué, là où la plupart des films comparables se contentent d'une ombre de cinq heures pour le dire. Deuxièmement, le tournage se déroule à Rotterdam, une ville peu représentée au cinéma et présentée ici comme un hub européen moderne pour les jeunes élégants et artistiquement enclins et les enclaves d'immigrés. (Produit en coopération avec un office du tourisme ? Peut-être ! Mais ils font un argumentaire convaincant.) Cela dit, il n'y a pas grand-chose de nouveau ici à part l'histoire du cadre de mélasse qui rejoint le couple principal à un âge plus avancé pour prouver que l'amour de la famille peut résister. toute tragédie. Quelqu'un emmène Geisler dans un avion pour Hollywood – ou simplement dans de meilleures productions – stat.

Dans ce drame psychologique terriblement malavisé, la différence entre le contenu et la forme se transforme en un vaste gouffre entre le film que ses créateurs pensaient faire et le désastre qu'ils ont réellement provoqué. Sur le papier, il n'y a rien de mal à l'histoire d'une femme de carrière new-yorkaise (Mila Kunis) qui accepte la vérité selon laquelle elle ne peut pas enterrer un passé chargé de traumatismes sous une façade de bonheur et de réussite. Le problème de son parcours vers l'honnêteté personnelle réside dans le « comment », ses horreurs formatrices – un trouble de l'alimentation, un viol collectif, une fusillade dans une école – rendues avec une brutalité si sensationnelle qu'on a l'impression que le réalisateur Mike Barker essaie de nous mettre en scène. dans le même bateau de détresse mentale que son protagoniste. Nous avons affaire à des expériences humaines profondes et immenses, mais personne ici ne se comporte comme une personne réelle, jusqu'aux dernières lignes de dialogue étrangement vindicatives. Ce film veut utiliser toute l'intensité de son sujet brûlant, mais ne réalise pas que des images aussi puissantes comportent leurs propres responsabilités.

Il y a eu une certaine tension de gérontophobie dans l'air ces derniers temps, des films comme l'acquisition de la langue espagnoleLes personnes âgéestraduire l’insouciance des baby-boomers, qui tue la planète, en une soif de sang plus immédiate. Dans son homologue allemand, le scénariste-réalisateur Andy Fetcher imagine également des personnes âgées zombifiées en masse dans un état de fugue violente, bien qu'il soit plus préoccupé par les fléaux imminents de la maltraitance des personnes âgées dans des goulags de retraite abandonnés, loin des yeux et loin de l'esprit. qu'autre chose. Une famille se regroupe lors d'un assaut de bébés presque morts, le rythme lent de la horde n'indiquant pas la gravité de leurs attaques, qui s'aventurent jusqu'à des extrêmes dégoûtants (vomissements, ah !) et macabres. Fetcher orchestre ses scènes de poursuite lentes avec compétence, sans l'aide du style maison de Netflix, caractérisé par une obscurité stérile, mais il ne semble pas sûr de ce que tout cela est censé dire, son anxiété face à la malveillance de la génération précédente étant subsumée par l'idée qu'ils ne font que passer à l'acte. parce que nous les avons maltraités.

Il y a quelques octobre, Netflixa dépassé les attentes avecHalloween, qui a connu un succès effrayant en associant un comique bien-aimé à de bonnes frayeurs à l'ancienne en mousse et en caoutchouc dans une poche pittoresque de la Nouvelle-Angleterre automnale. Alors pourquoi la formule ne fonctionnerait-elle pas une seconde fois, avec Marlon Wayans dans le rôle de notre père de famille combattant une armée de squelettes, de sorcières et de clowns tueurs ? L'excès de savoir nécessaire pour expliquer comment ces costumes et décorations ont pris vie - sa fille,Priah Ferguson deChoses étrangessynergie, ramassé une vieille lanterne avec une quantité inacceptable d'histoire - parle des scripts superflus qui gomment les œuvres d'un repas familial agréable. Les voleurs de scènes Rob Riggle, Lauren Lapkus et Nia Vardalos se présentent tous et participent au travail, mais le film ne parvient pas à rencontrer son ensemble compétent à mi-chemin en les étouffant avec le genre de piffle CGI très soigné qui interfère avec tant de talent dans productions en studio de nos jours.

Si la génération Z attendaitunMéchantes fillesde leur propre, cette comédie lycéenne de Jennifer Kaytin Robinson (beaucoup améliorée depuis2019Quelqu'un de formidable) est certainementprêt à répondre à ce besoinà mi-chemin. Jouant sur les cruautés que commettent les enfants au nom de la popularité, leDes inconnus dans un trainriff voit détrôner la reine des abeilles Drea (Riverdale(il s'agit de Camila Mendes, encore adolescente à 28 ans) et la nouvelle fille de la ville, Eleanor (Choses des étrangers' Maya Hawke) acceptent de saboter les intimidateurs de chacun, même si l'hypothèse qu'ils tomberaient amoureux l'un de l'autre au cours du processus est erronée. Une étincelle notable d'attraction entre eux s'éteint alors que les pitreries les guident dans les bras d'autres opposés romantiques, une feinte sourde dans un film par ailleurs soigneusement calculé pour une traction virale auprès de la jeunesse d'aujourd'hui. Une maîtrise de leur langue vernaculaire sur Twitter – parler de « choisir la violence », un chapeau qui dit « Je déteste ça ici », un titre qui semble jouer sur leAdage « Soyez gay, commettez un crime »- indique exactement qui est censé apprécier ça, même s'il s'agit d'un film conscient du termegrincer des dentstombe parfois dans le grincheux lui-même.

Romain Gavras opensson film de banlieue qui agite la populaceavecune longue séquence ininterrompue techniquement éblouissantequi survole un commissariat de police rattrapé par des manifestants, dépasse la mêlée environnante avec les policiers anti-émeutes et descend un long tronçon de route qui mène finalement au bastion rebelle dans un parking réquisitionné. C'est un exploit impressionnant de coordination de mise en scène, et de plus, les sensations cinétiques brutes s'accordent avec un penchant anti-autoritaire vivifiant donnant un but à la pyrotechnie visuelle et littérale. On ne peut pas en dire autant du reste du chaos chorégraphié, qui a apparemment été conçu pour saper la juste fureur du plan d'ouverture. Un complot complètement farfelu impliquant un trio de frères traçant un spectre moral simpliste – un soldat de l’armée, un trafiquant de drogue, un militant communautaire – transforme le politique en personnel, recherchant la rédemption dans la classe des brutalistes et des défauts chez les opprimés. Le co-scénariste Ladj Ly (primé à Cannes pour le film tout aussi confusLes Miserables) trahit son désir naïf de voir tout le monde s'entendre dans la scène finale, ce qui confirme que le film ne sait même pas qui sont réellement ses ennemis.

Elle est morte depuis 60 ans, mais Marilyn Monroea connu des jours meilleurs. DansL'adaptation d'Andrew DominikDans le roman de Joyce Carol Oates, l'actrice et icône du glamour du milieu du siècle se nourrit d'une prédation masculine, son père profondément enraciné lui délivre la clé supposée déverrouillant sa psychologie tourmentée. Au contraire, sa recherche constante de l'approbation des hommes dans son attraction gravitationnelle – les deux playboys népotistes qu'elle aimait, les maris avec lesquels elle s'est battue, les patrons de studio montrés en train de la violer dans des scènes impitoyablement photographiées, et le plus étonnant de tous, les fœtus qu'elle avorté - retourne une femme humainedans un concept mince. La vie de Monroe a en effet été gâchée par les abus, mais Dominik est beaucoup trop fasciné par ses détails et n'a aucun intérêt à la conceptualiser en dehors de cette douleur. Elle est traitée comme un vaisseau de souffrance (et, dans ses nombreuses scènes de nu, un objet à regarder), reproduisant en fait la cruauté exacte que le film voudrait nous faire croire qu'il critique.

Tyler Perry n'a pas évolué de manière trop drastique avec son récent accrochage au wagon Netflix, le principal point de départ de sa tragédie gothique du sud étant une augmentation de la valeur de production par rapport à ses incursions passées en territoire « sérieux ». En réalité, il y a très peu de choses à prendre au sérieux dans ce mélodrame trop cuit qui reprend les mêmes vieux penchants de Perry pour la misère excessive, la piété chrétienne périmée et les tensions amères au sein de la communauté afro-américaine. Dans un coin ravissant de la Géorgie drapée de mousse espagnole, une saga de plusieurs décennies d'amour et de perte interdits prend au piège le tendre Bayou (Joshua Boone), son amoureuse Leanne (Solea Pfeiffer) et son demi-frère courroucé Willie Earl. (Austin Scott), emmenant finalement les frères dans une Chicago folle de jazz pour une seconde chance dans la vie. L'inceste, le viol, les préjugés, les lynchages et la dépendance à l'héroïne conspirent ici contre la collection d'âmes malchanceuses, toutes leurs tribulations équivalant à une révélation ridicule dans les dernières minutes. Le scénario de ce film était le premier que Perry ait jamais écrit, il y a toutes ces années ; aujourd'hui, il est éclairant non pas pour le changement qu'il illustre, mais pour son absence.

Avec autant d’articles appelant à la réintégration de la comédie romantique dans sa pertinence culturelle, il peut être facile de perdre de vue pourquoi tout le monde s’est tourné vers ce genre en premier lieu. C'est pourquoi nous avons cet embarras sans effort en son genre, une excuse pour que l'équipe de production parte en vacances en Italie qui n'utilise « être un film » que comme couverture. Chaque élément de la comédie romantique se manifeste comme la pire version d'elle-même, au point que nous avons même un meilleur ami gay à peine présent qui semble être tombé d'un trou de ver qui l'a aspiré dans les années 90. Pour prouver que notre malheureuse héroïne Julie (Kat Graham deLe journal des vampires) a l'amour dans son cœur, elle s'extasie sur sa mauvaise lecture deRoméo et Juliettecomme une histoire d'amour classique pour sa classe d'élèves de troisième année ; l'intrigue qui la met en relation avec Charlie (Tom Hopper, le résultat de la saisie de « Glen Powell » dans un générateur d'art IA) ne pourrait pas être plus paresseuse : les deux ont tous deux réservé la même villa pour des vacances à Vérone. Il n'y a rien de l'esprit vif de Nora Ephron ou de Nancy Meyers dans leur couplage ennuyeux, juste l'hypothèse insultante selon laquelle les fans affamés de comédies romantiques mangeront ce qu'on leur donne et l'aimeront.

Une parodie en espagnol deCrépuscule-la manie apparaît environ une décennie et demie trop tard,le boom des vampires de la culture popjusqu'à présent dans notre rétrospective collective, les blagues de cette horreur atterrissent mortes à l'arrivée. Javi (Óscar Casas), une lycéenne sans particularité, veut gagner le cœur de sa camarade de classe Sara (Isa Montalbán), mais elle est obsédée par les beaux mecs morts-vivants de sa franchise YA préférée, qui ont plus une ambiance Fabio-livre de poche que la curieuse combinaison de chasteté et excitation qui rendent le travail de Stephanie Meyer si singulièrement étrange. Lorsqu'elle en vient à croire à tort qu'il est un vampire, il le laisse monter et une intrigue comique prend forme, aucun d'eux ne se rend compte qu'un vrai sangsue est parmi eux et n'est pas content de sa représentation à l'écran. Ce qui aurait été une prémisse avant-gardiste au début des années 10 ne semble ici que plus moisi en raison de l'absence de véritables frayeurs ou de tout humour qui fait couler le sang - l'idée de l'écrivain José María Pérez Quintero d'un bon morceau est un malentendu joué entre un père et le fils qu'il pense être gay.

Queen Latifah obtient sa propre image « Je tuerai pour récupérer mon enfant » à la Liam Neeson avec ce film d'action B banal, renforçant la réputation de non-prestige de la bibliothèque de streaming direct de Netflix. Elle et son frère Reggie (Chris « Ludacris » Bridges, réitérant la fiction perpétuée par leRapide et furieuxdes films dans lesquels l'un des gars les plus cool d'Amérique est en réalité une source stupide de soulagement comique) ont emballé leurs enfants et mis le cap sur la région de Houston, où leur famille bouleversée peut prendre un nouveau départ. Mais quand Reggie vole un sac d'argent de la drogue sur une scène de crime - n'ayant clairement rien appris dePas de pays pour les vieillards- leur road trip se transforme en une course folle pour la survie à travers le désert du Nouveau-Mexique avec des tueurs à gages et des flics corrompus à leur poursuite. Les couleurs du profil visuel strié de néon n'ont jamais vraiment atteint l'esthétique sinistre recherchée par le réalisateur Millicent Shelton, et il en va de même pour le film dans son ensemble, ne trouvant jamais vraiment sa propre identité dans son adhésion aux tendances bancables.

Ce qui est bien avec les films, c'est la façon dont ils nous montrent des poches d'humanité que nous ne verrions jamais autrement, comme le monde impitoyable de la plongée libre de compétition française. Sans l'aide de bouteilles de plongée, en utilisant uniquement leur contrôle respiratoire surhumain, les nageurs sondent les profondeurs de l'océan alors que l'environnement sous pression pousse leurs poumons à l'extrême. Ce milieu hautement compétitif est le théâtre d'un amour fou entre le détenteur du record Pascal (Sofiane Zermani) et la jeune prometteuse Roxana (Camille Rowe), qu'il prend comme élève et partenaire sexuelle. Leur relation a une intensité athlétique sans fin avant même qu'il ne commence à l'étouffer pendant les rapports sexuels, signe de combien plus qu'un avantage professionnel il tire de sa privation d'oxygène. Malgré toute la nouveauté de sa configuration basée sur une histoire vraie, sans parler du suivi vigoureux de son virage vers l'érotique, un manque de définition sur Roxana neutralise une fin qui vise la dévastation mais ne laisse qu'un léger essoufflement.

Autrefois réclamé par des hordes de fans en adoration sous le nom de « Vinnie D » du boys band Stereo Dream, Vincent (Ed Skrein, un Nicholas Hoult à petit budget) joue désormais son EDM optimiste pour les retraités et les passants dans le parc. Il est amer que son camarade de groupe (Eoin Macken) le laisse dans la poussière pour se lancer en solo, sans parler de la mort prématurée de son frère, et ne retrouve son goût pour la musique qu'en faisant équipe avec un batteur autiste nommé Stevie (Leo Long, un acteur neurodivergent ). Leur acte improbable explose en ligne après la diffusion en direct d'une performance, renvoyant Vincent aux échelons les plus élevés de la gloire et Stevie dans une industrie écrasante que sa mère (Eleanor Matsuura) craint de ne pas pouvoir gérer. Pourtant, l’amitié entre les deux talents mal assortis leur permet de se réaliser. Les spectateurs qui ne sont pas écœurés par cette douceur peuvent encore pâlir devant la condescendance d'un film qui prétend défendre les handicapés mentaux tout en les méprisant avec pitié, comme dans la phrase révélatrice « Tout ce dont il avait besoin, c'était d'un ami ».

Tuva Novotny — l'actrice-réalisatrice suédoise que vous connaissez peut-êtreAnnihilationet j'espère que je le saurai bientôtLe Royaume : Exode —n'est pas la première à comparer les tendances romantiques de l'homo sapiens au comportement du reste du règne animal, mais au moins, elle est drôle à ce sujet. Pour les parents et conjoints Bjorn (David Dencik) et Frida (Pia Tjelta), la monogamie s'est transformée en monotonie, et leurs efforts respectifs pour donner un coup de pouce à leur mariage en déclin reçoivent un contrepoint absurde grâce à une troupe de théâtre de rongeurs et de coqs. ponctuant l’intrigue principale. Ils commentent la testostérone et les appétits sexuels biologiques à partir de costumes grossiers à la Gondry, une fioriture bizarre qui anime les flirts avec l'infidélité des deux moitiés de la relation principale. Le toujours grand Dencik porte l'insécurité masculine sans aucune réserve ; voyez comment ses névroses sont mises à nu lorsque sa femme commence à suggérer une séparation provisoire ou à en mettre un troisième au lit, comme un Albert Brooks scandinave.

Hee Ching « Nina » Paw – un trésor de longue date du cinéma hongkongais avec une notoriété indûment minime aux États-Unis – brille ici dans le rôle d'une mère en crise, portant le drame de CJ Wang sur son dos tout comme son personnage porte sa famille. Elle est fatiguée par les années passées à s'occuper de son mari et de ses enfants adultes, mais ne peut nier son besoin de plaire aux gens, une tendance qui menace de l'écraser une fois qu'elle commence à chercher une maison plus grande. Aussi compatissant envers la femme mûre que Douglas Sirk, rendu non pas dans sa gaze rêveuse mais avec une clarté surprenante, ce portrait finement ombré donne à une interprète puissante un rôle qui la met à l'épreuve. Derrière chaque sourire rassurant qu'elle adresse à sa progéniture d'ingrats, on peut voir des éclats de tristesse, et derrière cela, un regret plus profond. Sans une conclusion tâtonnante qui recourt à des jeux narratifs bon marché pour trouver la clôture, cela serait l'une des meilleures versions originales de Netflix cette année.

Tout le monde veut juste que ses parents arrêtent de les harceler pour trouver quelqu'un avec qui s'installer - c'est la seule chose qui nous relie tous, comme le suggère la nouvelle comédie romantique qui greffe les prémisses du récentPlus unet celui de NetflixVacances sur un couple amérindien. L'économiste Asha (Pallavi Sharda) et le musicien en herbe Ravi (Suraj Sharma) sont tous deux des types modernes et indépendants, hérissés par les commentaires constants sur le mariage, alors ils acceptent de se faire passer pour des proches pour survivre à la batterie de réceptions de l'été. Évidemment, ils tombent amoureux l'un de l'autre, une fatalité qui n'est pas si gênante quand on peut profiter de la compagnie de deux interprètes sympathiques. Le problème vient de l'effort du film pour affirmer une spécificité culturelle, qui limite finalement la représentation de la jeunesse indienne d'aujourd'hui en les confinant dans les paramètres du mariage arrangé. Même lorsqu’elle s’y oppose, l’histoire adhère toujours aux termes clichés dans lesquels le cinéma peut imaginer l’identité indienne.

Le non-conformiste de l'action sud-coréen Jung Byung-gil continue de développer sa fascination pour les mécanismes du jeu vidéo dans cet excellent shoot-'em-up ultraviolent sur un agent secret amnésique. Son précédent filmLa méchantea expérimenté la cinématographie POV à la première personne, et il n'a pas abandonné les techniques de caméra cinétiques à la limite et écoeurantes qui semblent faire un panoramique et fondre à la vitesse d'une balle. Mais il est devenu plus ludique dans son écriture, la première moitié du film s'articulant sur des instructions données à l'imparable Carter (Joo Won, une bête) via une oreillette comme analogue pour un joueur contrôlant un personnage. Mis à part le métatexte astucieux, Jung a forgé une vitrine de scène de combat combustible avec une touche politique surprenante, imaginant un avenir pas si lointain dans lequel la Corée du Nord et la Corée du Sud se sont unies contre un ennemi commun, le virus zombie. Avec de la nitroglycérine pompant dans ses veines, le film établit une nouvelle norme en matière de force de propulsion.

Vous devez donner des points au réalisateur et co-scénariste Jasmeet K. Reen pour l'audace seule ; tout le monde n’accepterait pas une comédie noire sur la violence domestique avec des connotations deLooney Tunes, mais elle saisit une prémisse dangereuse à deux mains et la soumet presque. Dans un chawl indien comme les autres, l'épouse assiégée Badru (Alia Bhatt) souffre sous la main cruelle de son mari violent Hamza (Vijay Varma), jusqu'au jour où il va trop loin et elle décide de se venger. Signalez des blagues! Cela semble plein de risques de faux pas désagréables, mais Reen fait preuve de prudence en jouant les scènes de violence de Hamza avec le plus grand sérieux, au point qu'elle va un peu trop loin dans l'autre sens et se vautre parfois dans la misère de Badru. Mais le plus souvent, ses intrigues avec sa mère (la remarquable Shefali Shah) tendent vers la farce, rafraîchissante dans ses railleries de tabous. L’autonomisation est le point central, ses aspects les plus musclés sont dé-cornifiés par l’hilarité morbide.

Il existe toute une tradition cinématographique d'hommes niant l'ambiguïté éthique de leur travail douteux et légal, pour ensuite développer leur conscience après avoir ressenti le contact galvanisant d'une bonne femme. (Voir:Bébé conducteur,Conduire,Le conducteur, une poignée de films qui ne parlent pas de conduite.) Jorge Coira voudrait infliger le même traitement de turpitude à l'agent des services secrets espagnols Juan (Luis Tosar, plutôt bon dans le film de l'année dernière).Œil pour œil), mais ne comprend pas totalement comment fonctionne cette physique délicate des personnages. Après des années d'espionnage politique vraisemblablement louche pour le compte de l'État, Juan devrait savoir dans quoi il s'embarque lorsqu'on lui confie une mission de diffamation contre un candidat contestant le statu quo. Coira et Tosar jouent néanmoins son réveil comme une rupture soudaine avec la naïveté plutôt que comme un abandon du déni, comme s'il n'avait jamais envisagé la possibilité qu'il puisse être complice de sales actes. Les tensions du tic-tac s'accumulent avec une confiance angoissante, dont aucune ne s'étend à l'arc de transformation personnelle qui est censé maintenir tout le reste ensemble.

Pendant des décennies, de minuscules abrutis de théâtre se sont retrouvés (enfin, nous-mêmes) dans des spectaclesà propos des ouvriers du ranchethumanoïdes félins; ces derniers temps, il semble de plus en plus que les comédies musicales préfèrent rencontrer des adolescents excités sur leur propre terrain, avec des films récentsLe bal et Cher Evan Hansense concentrer directement sur les années de puberté. Cette adaptation d'une pièce de Jason Robert Brown (deLes cinq dernières années notabilité) poursuit la tendance de toutes les manières les plus malheureuses, au premier rang desquelles l'esthétique visuelle plate et endormie remplaçant la morosité des banlieues. Il y a peu de piquant dans ce qui devrait être une période passionnante pour le jeune Evan (Eli Golden), alors qu'il se prépare pour sa bar-mitsva et apprend les dépenses sociales du hameau de l'Indiana où il vient de déménager. Les vers d'oreille pleins d'entrain de Brown ont résisté à l'épreuve du temps, mais leur luminosité exubérante ne fait qu'amplifier à quel point le film semble stérile et sans vie ; en présentant une version plus ennuyeuse de la vie réelle au lieu d’une version plus brillante, le film contredit la raison même de l’existence des comédies musicales.

Netflix s'est lancé dans l'aventurele train des vampiresvous vous souvenez peut-être de la fin des années 2000, même si ces sangsues ne sont pas du genrela variété pailletée-hearthrob.Des films comme celui de l'automne dernierDents de nuitet cette comédie d'action entre amis réalisée par le vétéran cascadeur JJ Perry concentre plutôt ses énergies sur la mythologie, décrivant une société complexe orientée autour de l'existence clandestine des monstres.Collatéral-mode Jamie Foxx n'est pas seulement un chasseur de vampires ; il est un ancien membre du syndicat des Slayers, autorisé à revenir sur une base probatoire tant qu'il adhère à ses nombreux codes de protocole et accepte un partenaire dweeby (Dave Franco) chargé de le maintenir dans le droit chemin. Bien que l'intérêt inattendu pour les réalités du travail et de l'argent donne à la première moitié quelque chose dans lequel enfoncer ses incisives - et que les séquences d'action répondent aux normes élevées que Perry s'est fixées - tout nous ramène à un endroit familier, à un non-esprit vermifugé. (quelqu'un, expliquez les cartes de démarrage de style McG avec le dialogue intitulé à l'écran) et à une inimitié plus conventionnelle entre les humains et nos frères hématophages.

"Il s'agit de ce délicieux petit mystère que j'appelle la vie", a déclaré30 Rocher» est Pete d'une chanson qu'il a écrite, à la réponse rapide de « Oh mon Dieu, ça craint ! La blague pourrait résonner aux oreilles de ceux qui regardent çaPortes coulissantesriff, un système de livraison élaboré pour des perles banales de sagesse de magasin sur la façon dont la vie peut avoir ses hauts et ses bas, mais nous finissons toujours là où nous appartenons. À la veille de l'obtention de son diplôme universitaire, Natalie (RiverdaleetLes arnaqueursLili Reinhart, sa tentative de pivot de star de cinéma DOA) a une peur de grossesse qui se prolonge dans des chronologies alternatives : une lecture négative l'envoie à Los Angeles pour poursuivre une carrière dans l'animation sous un type de Miranda Priestly (Nia Long), tandis que le positif la retient. chez moi au Texas pour travailler sous l'angle des mères célibataires. Les deux univers lui accordent toujours amour et succès malgré un charisme ou un talent minimal, la validité des grandes idées du film sur le destin et le hasard étant paralysée par un manque d'intelligence émotionnelle (et d'intelligence régulière). Entre le Reinhart, souvent délicieux, et leUn amiréalisateur Wanuri Kahiu, toutes les personnes impliquées méritent mieux.

La campagne de Kevin Hart pour prouver qu'il est le père de l'année à l'écran se poursuit avec une comédie entre amis qui améliore son exécrablePaternitétout en terminant par « modérément drôle ». Dans ce projet quasi-vanitaire, il est un mari au foyer qui se voit accorder un rare week-end gratuit par sa femme qui lui apporte du bacon (Regina Hall), alors il appelle son ancien partenaire criminel (Mark Wahlberg) pour la première fois en années - des pitreries incontrôlables impliquant la consommation de drogue, un animal dans un endroit où il ne devrait pas être et une somme due à des gangsters désireux de collectionner. Les blagues dépassent le lamentable standard de Netflix grâce au scénariste-réalisateur John Hamburg (deJe t'aime, mecrenommée), mais il n'est pas à la hauteur de Hart et de son ego, livrés ici avec un portrait qui fait de lui un saint et un persécuté. La conclusion le flatte au détriment de la logique de base du personnage, sa fin heureuse laissant entendre involontairement qu'élever des enfants à plein temps n'était même pas ce qu'il voulait en premier lieu.

D'abord est venu l'amour (sous la forme d'un enlèvement que Stockholm a transformé en séduction), puis est venu le mariage (avec un mariage qui s'est terminé par des coups de feu, laissant la vie de notre héroïne dans la balance). Mais peu importe les landaus, trop peu sexy de toute façon : le troisième volet de ce humpapalooza polonais teste l'union entre la convalescente Laura (Anna-Maria Sieklucka) et Massimo (Michele Morrone) dans un triangle amoureux, tournant la tête en direction du sensible Nacho (Simone Susinna). Malgré toute la chaleur qui couve soi-disant entre les fils ciselés, l'étincelle semble avoir disparu dans une franchise à court de boutons à appuyer. La perversion effrontée du premier opus a cédé la place à des non-drames domestiques lourds, son flair pour le pervers ayant perdu de sa nouveauté malgré quelques séquences d'orgie obligatoires. Bien sûr, Laura et Massimo retrouvent leur rythme, mais les réalisateurs Barbara Bialowas et Tomasz Mandes ne font que passer à l'action.

Une multitude de bêtes fantastiques rafraîchit le genre quelque peu démodé de l'aventure maritime dans le film de Chris Williams.charmeur animé par ordinateur, peut-être le meilleur joint d'animation Netflix à ce jour. Il échantillonne généreusement les siens Moanadans le fil d'un fringant bretteur (exprimé par Karl Urban) et la fille orpheline (exprimé par Zaris-Ange Hator) il prend sous son aile alors qu'ils se lient d'amitié avec un adorable Léviathan rouge et une mignonne petite chose bleue, apprenant en cours de route que Les « monstres » ne sont pas aussi monstrueux qu’ils le prétendent. La direction artistique évoque une époque révolue en optant pour le vernis numérique et en adoptant le style des séries vintage de bravoure qui ont précédemment inspiréPirates des Caraïbes, une autre influence évidente. L'action craque, l'humour ne grince jamais (une bénédiction particulière dans le cinéma pour enfants), et les trucs plus gluants partagés entre nos leads mal assortis ne sont pas surestimés. Même si l'ampleur de ses décors aqueux peut atteindre la hauteur d'un raz-de-marée, le film réussit grâce à la modestie bienvenue de ses ambitions.

Obtenez ceci : C'est une version modernisée du roman françaisLes Liaisons Dangereuses, avec la noblesse sexuellement manipulatrice remplacée par des adolescents obscènement riches de la couche supérieure. La seule chose que cette mise à jour française se déroulant dans un lycée d'élite de Biarritz a à peu près identiqueIntentions cruelles C'est l'avènement des médias sociaux, un crochet sur lequel l'histoire s'appuie beaucoup trop fort. Le demi-frère l'angle a été abandonné, les complices maintenant une paire de personnalités Instagram à sept chiffres (Simon Rérolle et Ella Pellegrini) loin d'être aussi drôlement sadique comme n'importe quelle itération de leurs ancêtres, même s'ils exécutent un pari similaire sur une bonne fille sans méfiance (Paola Locatelli). Des représentations ringardes à l'écran du nombre croissant et décroissant de followers à la leçon idiote selon laquelle il y a plus dans la vie que les likes, la compréhension de la sociologie en ligne est loin d'être suffisamment développée pour servir de raison d'être au film.

Préfabriqué Les films de série B catalysés par les macabres expériences scientifiques nazies qui ont mal tourné sont généralement un bon moment (voirNeige morteet Ils ont sauvé le cerveau d'Hitler), même si le plafond de grandeur est relativement bas. Ce déflecteur de chair espagnol à propos d'une invasion de Troisième Reich Les zombies interférant avec la guerre civile en 1938 ne font pas exception, méchants et divertissants tout en étant aussi rapidement digérés que la viande d'un membre. Ce qui nous colle vraiment aux côtes, c'est le sous-texte politique incohérent, sous lequel la menace d'un SS La course effrénée unit les forces républicaines et franquistes sous un ennemi commun. De manière confuse, le cessez-le-feu entre Les Espagnols promeuvent une vision d’unité nationaliste, une idée perdue trop rapidement alors qu’une autre vague d’ennemis affamés s’abat sur nos héros aux larges épaules. Pendant ce temps, les mêlées bec et ongles entre les vivants et les morts-vivants, ils ont coupé la moutarde selon leurs propres conditions, plus tactiques dans leur penchant militaire que sanglant.Vive la cannibalisme!

La fascination récurrente de Netflix teensploitation pour les activités se manifeste ici avec toute sa force, avec cette romance grinçante dans laquelle deux adolescents amoureux (Jordan Fisher et Talia Ryder) organisent un «dernier rendez-vous épique» avant de se rendre dans différentes universités. Ils finissent par se rendre compte que leurs sentiments sont trop forts pour être séparés à l'amiable et apprennent à cesser de se nier pour une rationalité cool et d'autres types de choses indifférentes - nous sommes plus concentrés sur la façon dont leurs expressions d'amour sont étrangement chorégraphiées et consciemment mises en scène. Ils sont le dernier couple YA-cinémapour coordonner des sorties élaborées et hautement instagrammablesau lieu de simplement traîner chez quelqu'un comme de vrais humains, un artifice curieux et proliférant avec un fondement incertain dans le comportement réel de la génération Z. Quelqu'un est-il vraiment assez boiteux pour organiser une promenade dans le passé sous la forme d'une nuit de magie en plusieurs phases, avec costumes et performances musicales ? Quelle que soit la pathologie qui motive quelqu'un à enregistrer une vidéo de promotion flash-mob, elle s'est infiltrée dans le cinéma et nous a apporté une démonstration de dévotion qui n'est que geste.

Dans notre article-La Chronique des Bridgerton Dans le monde entier, l'intérêt pour l'esthétique et le style de vie de l'époque de la Régence – robes superposées, constitutions de l'après-midi, potins sur les célibataires les plus nantis – a augmenté. Mais çaappréciation au niveau de la surfacedevient un problème dans cette adaptation de Jane Austen qui se concentre surl'appel superficieltout en perdant la trace de tout l'esprit, de la critique sociale et des nuances de caractère qui font la grandeur de la prose du romancier canonisé. Anne « célibataire et épanouie » (Dakota Johnson) et son groupe parlent dans un patois de bienséance à l'ancienne et de néologismes sur Pinterest, leur infraction la plus largement citée étant une ligne d'environ un cinq à Londres et un dix à Bath. (Sa sœur lance des conneries sur la pratique des « soins personnels » et le fait d'être « empathique ».) L'esprit proto-féministe d'autodétermination disparaît, remplacé par une attitude profane dans la mesure où il fait des femmes d'Austen des dispensatrices de slogans basiques et avares de vin. Une vie de loisirs peut être séduisante, mais elle est censée préparer le terrain pour des délibérations émotionnelles plus profondes plutôt que de servir d'entrée complète.

Dans les années 2020Sous le soleil de Riccione, des chaudasses bronzées gambadaient et flirtaient entre les fêtes lors de l'escapade à la plage la plus trash que l'Europe puisse offrir. Cette suite migre vers la rive opposée de l'Italie et se dirige vers le sud jusqu'à la côte amalfitaine, un lieu qui n'a rien de distinct du décor précédent, mis à part le fait que c'est là que vivent plusieurs nouveaux personnages. Et pourtant, toutes les manigances cornues sont à peu près les mêmes : le malheureux perdant Furio (Davide Calgaro) est toujours incapable de conclure l'affaire, tandis que le beau Vincenzo (Lorenzo Zurzolo) retient la majorité de l’attention des femmes. Il n'y a rien de nouveau dans les diverses tentatives pour trouver le cul – ou peut-être même l'amour – dans ce paradis d'évasion. La possibilité de faire l’expérience du soleil, du surf et du sexe par procuration se révèle comme l’attrait dans son ensemble plutôt que comme une facette de celui-ci. Mais en profiter pleinement est déjà assez difficile lorsque nous avons affaire à un ensemble de personnages si insensibles que nous ne nous soucions même pas de savoir s'ils trouvent le bonheur.

La tendance des images trouvées a commencé à décliner une fois que les cinéastes ont perdu de vue les techniques formelles peu orthodoxes qui imprégnaientLe projet Blair Witchavec une telle terreur; trop de successeurs potentiels se sont contentés de réaliser une image d’horreur standard, filmée avec des caméras vidéo bon marché. Cette importation de Taiwan, où il s'est empressé de devenir le film d'horreur le plus rentable de tous les temps dans le pays, donne en fait le sentiment qu'un artefact interdit a été déterré. L'inclinaison extrême des angles de caméra et la profondeur de champ agressivement plate confèrent toutes deux l'apparence d'un véritable objet étranger, une atmosphère troublante en phase avec l'histoire d'une femme défendant sa fille d'un démon qu'elle a involontairement libéré des années plus tôt. L'esprit bouddhiste malveillant, qui dévore votre âme dès qu'il apprend votre nom, s'aventure plus loin dans l'inconnu que les différents fantômes généralisés hantant ce sous-genre. Vous aurez envie d’allumer les lumières – je vous mets au défi de ne pas le faire.

Ce filma un titre plus approprié que les réalisateurs Joe et Anthony Russo (le duo qui a surmonté de manière inspirante le manque de sensibilité artistique individuelle pour gérer certains des acteurs de l'histoire).films les plus rentables) peut se rendre compte. Chaque élément de ce jeu d'espionnage surbudgétisé a un goût de gris cendré sans saveur, à commencer par la cinématographie endormie qui fait que partout dans l'intrigue du globe-trotter ne ressemble à nulle part. La chasse à l'homme du chat et de la souris agent de la CIA empêtrant Dani (Ana de Armas), l'assassin noir Sierra Six (Ryan Gosling, conserver ses énergies de charisme pour le prochainBarbie), et un agent voyou sociopathe Lloyd (Chris Evans) tourne en rond, ce qui ne sert qu'à signaler un problème encore immérité.suite déjà confirmée. À la fois cher et bon marché, regorgeant de talents inexploités, sous-éclairés et sous-exposés, c’est la distillation la plus pure à ce jour du style maison Netflix.

Voilà la preuve que l'originalité n'est pas forcément une bonne chose. Les scénaristes Kyle Jarrow et Liz W. Garcia ont formulé une prémisse qui est certainement nouvelle, mais peut-être parce que tout le monde y a pensé mieux : la barmaid de gauche Cassie (Sofia Carson) ne peut pas payer ses paiements d'insuline sans assurance, et a fait le ménage. Luke (Nicholas Galitzine), recrue des Marines, doit 15 000 gros dollars à son ancienne vie de toxicomane. La solution logique à leurs deux problèmes, bien sûr, est de se marier afin qu'elle puisse bénéficier du régime d'assurance militaire et qu'il puisse profiter de l'augmentation de salaire d'un père de famille. Alors que les deux hommes poursuivent la mascarade à distance pendant qu'il est en service, les inévitables inévitables comédies romantiques qui les guident l'un vers l'autre prennent une fausse équivalence politique ennuyeuse. Il en vient à accepter les principes du féminisme, alors qu'elle en vient à admettre que peut-être la guerre n'est pas si mauvaise, une affaire narrative brute qui postule un centrisme de cohérence comme la seule vraie voie vers l'amour.

Dans le troisième volet de la franchise policière-procédurale qui suit le dur à cuire Pipa (Luisana Lopilato), réalisateur de retour Alejandro Montiel semble avoir finalement déchiffré le code et mis fin à sa série d'enquêtes douloureusement génériques. Alors que Pipa se penche sur une lutte de pouvoir et un corps brûlé vif dans les montagnes des Andes, l'intrigue noueuse intègre pour la première fois le décor argentin de manière significative, enrichissant une intrigue de machinations familiales par ailleurs standard avec les tensions historiques latentes entre les colonisateurs et les colons. les résidents autochtones de la région. Loin de toute nuance politique, le contexte plus large de ces transactions sordides donne toujours au film une identité distincte des autres dans sa série et son genre. Sans oublier que Lopilato semble plus détendue et confiante que jamais dans le rôle principal, meilleure lorsqu'elle livre un dialogue sur le lieu de travail coupé et dur que de chercher des nuances, comme elle l'a fait dans la préquelle. Ce film donne un air de clôture à la trilogie, alors qu'elle commençait à prendre son envol.

L'alliance contre nature d'Adam Sandler avec Netflixn'a pas toujours été synonyme de qualité, mais cette pièce de personnage se déroulant dans le monde du dépistage du basket-ball se rapproche beaucoup plus deLes histoires de MeyerowitzqueLes six ridicules. Le Sandman, souvent lent, apparaît véritablement comme Stanley Sugerman, chasseur de talents pour les Sixers et le genre de gars qui a pris quelques coups de langue dans la vie, comme nous pouvons le constater d'après le casting permanent qui tient sa main cicatrisée ensemble. Une fois qu'il a trouvé la prochaine grande nouveauté de la NBA dans une échasse espagnole nommée Bo (Juancho Hernangómez), l'arc de la double rédemption devient presque trop ordonné, alors que Stanley a une seconde chance de créer la carrière qu'il a dilapidée pour lui-même tandis que Bo obtient la figure paternelle qu'il n'a jamais été. avait. Mais toute trace de maïs se fond dans l'esprit général d'élévation d'un film qui se débrouille sur des fondamentaux sonores : des performances sympathiques, des blagues occasionnelles qui se connectent, des séquences de jeu suffisamment agiles pour vous casser les chevilles. Ajoutez à cela la bande-son maximaliste kaléidoscopique de Dan Deacon, et n'importe quel front office accepterait cet accord.

L'article d'Alanna Brown sur quatre femmes qui se sont réfugiées dans une cachette souterraine après le génocide rwandais a de bonnes intentions, mais s'appuie trop sur ses bonnes intentions. Les captifs viennent d'horizons sociaux opposés : un Tutsi persécuté (Bola Koleosho), un Hutu modéré (Eliane Umuhire) qui n'est pas d'accord avec la campagne de destruction de son peuple, une religieuse (Charmaine Bingwa) qui répand la bonne parole et un travailleur humanitaire américain. (Ella Cannon) – et le dialogue dramatiquement artificiel de Brown suggère facilement qu'ils s'entendraient tous s'ils pouvaient simplement parler de leurs problèmes. En transformant un conflit géopolitique en un conflit interpersonnel plus facilement résolu, Brown néglige la complexité d’un bourbier qu’elle semble considérer davantage comme un concept que comme un événement historique. Voyez comment les coups de feu ci-dessus arrivent juste au bon moment pour apaiser les petits désaccords dans le bunker ; tout cela n’est qu’un exercice de diplomatie, mais Brown utilise toutes les parties comme porte-parole coopératifs pour des idées minces.

Des décennies de thrillers nucléaires en liberté voudraient nous faire croire que des couches de sécurité protègent l’Amérique du feu Armageddon, mais il s’avère que la seule chose qui nous sépare d’une annihilation certaine n’est en réalité qu’une seule dame. Heureusement pour nous, elle est jouée parRapide et furieuxElsa Pataky, une habituée de la franchise, dans ce film d'action à la fois stupide et sympathique. Même si les ogives en question ne provenaient pas des Russes (elles ont été volées par des terroristes anti-américains voyous, mais c'est un exploit), il y aurait une saveur distincte des années 80 dans le courage militaire perlé de sueur dans son dernier recours. effort pour éviter la fin du monde, enveloppé comme il l’est dans des concessions agréables pour le moment. (Nous apprenons que notre fille a été postée dans ce détail de merde en guise de punition pour avoir signalé son agression sexuelle en service, un détail non développé épinglé sur le scénario comme une queue sur un âne.) Mais le talent brut de Pataky avec la chorégraphie de combat et la tension incessante de les comptes à rebours en plus des comptes à rebours font avancer les choses à un rythme vif, le rare Netflick qui se termine avant que vous vous en rendiez compte.

Joseph Kosinski a réalisé le meilleur film d'action américain de l'année – ce qui devrait lui permettre d'accepter plus facilement que son non-Top Gun : Maverickla sortie de 2022 est une véritable galère. Cette expérience de pensée de science-fiction est toujours reconnaissable comme la sienne, avec la passion du cinéaste pour l'architecture évidente dans la conception brutaliste accrocheuse du pénitencier et du centre de recherche de Spiderhead. Mais le cachet de George Saunders, auteur duNew-YorkaisLa nouvelle sur laquelle le film est basé n'a pas été gardée aussi consciencieusement. Sans l'élégance et la ironie de sa prose, il n'y a aucun sous-texte dans la parabole futuriste d'une prison dans laquelle les détenus (comme Jeff de Miles Teller) peuvent commuer leur peine en participant à des essais de médicaments modifiant l'humeur contrôlés par le directeur (Chris Hemsworth). Tous les battements de gomme à propos de Big Themes en disent en fait moins avec leurs soliloques pseudo-philosophiques que ne l'auraient fait des insinuations tacites, et l'acte final transforme les fondements théoriques du texte en un didacticiel d'action fade, pas plus abouti que toute autre chose dans le réservoir de contenu de Netflix.

Comme le disent les prémisses de l’horreur : « Et si Stephen King s’en prenait systématiquement à vos proches ? » a beaucoup de potentiel – pour des dispositifs narratifs intelligents, une atmosphère littéraire archaïque et, à tout le moins, un humour romancier. C’est l’essentiel de ce mystère de meurtre argentin, avec ses connotations sourdes d’horreur qui ne parviennent à tenir ses promesses sur aucun des fronts susmentionnés. Luciana (Macarena Achaga) craint que la série de décès dans sa famille ne soit pas une simple coïncidence mais plutôt l'œuvre diabolique d'un homme versé dans le diabolique : le romancier à suspense sadique (Diego Peretti) pour lequel elle travaillait. Passer près de la moitié du film en flashbacks qui auraient pu être laissés comme exposition du troisième acte - combiné à la difficulté d'intégrer pleinement l'écrivain rival transformé en enquêteur Esteban (Juan Minujín) dans une histoire qui lui est peu utile - révèle que cette histoire n'est nulle part. presque aussi bien conçu que les fictifs auxquels il fait allusion.

Chaque année, Cracovie organise un défilé de teckels attirant les propriétaires de saucisses de toute la Pologne pour montrer leurs toutous primés et surprendre ceux des autres. Je ne vois pas de meilleur endroit pour tourner un film. Dans ce milieu mûr, la comédie de Filip Zylber impose une intrigue farfelue sur une journaliste en dérapage, Magda (Anna Próchniak), se faisant plaisir auprès d'un graveur de pierre tombale au cœur honnête (Michal Czernecki) et de son enfant incroyablement doux (Iwo Rajski) qui sont en compétition. pour le premier prix du festival. Pendant ce temps, Magda fait face à sa phobie du teckel, conséquence d'un incident survenu dans sa jeunesse ! C'est la classe du ridicule qui serait juste assez ridicule pour fonctionner, sans le dévouement inébranlable de Zylber à ne pas être drôle. Le réalisateur n'a montré aucune amélioration depuis son précédent emploi (orienté journaliste) sur Netflix,Amour au carré. Le ton direct du milieu n'embrasse jamais sa propre absurdité, et les blagues, appelons-les charitablement, n'ont aucun du piquant identifié avec le genre qui aurait amené cette prémisse quelque part qui en valait la peine.

Et voilà : Netflix a enfin atteint le point où les idées qu’il recycle sans vergogne lui appartiennent. Ce thriller policier espagnol sur le thème de la moto se retrouve coincé dans une ornière sur le même chemin de terre déjà ravagé par le franco-belge.Griller,à partir de 2019, c'est sûrement la première fois que Netflix refait l'un des succès algorithmiques qui a lui-même commencé comme un Netflix Original. Le portrait précédent d'un coureur extrême forcé de travailler au noir alors qu'un coursier illicite avait du mal à se distinguer de la horde d'action DTV similaire, et si vous pouvez le croire, ce problème n'a pas été apaisé par un film qui est franc sur son intention de le faire. plus de la même chose. Mêmes cartels colombiens qui ne sont pas à leur place compte tenu du pays de production, même cinématographie qui se déroule d'une manière ou d'une autre sans vraiment nous mener nulle part, même performance principale de regard noir interchangeable d'une scène à l'autre. Il existe des Netflicks pires, mais en termes simples d’épuisement créatif, cela pourrait-il être le fond du baril ?

L'épopée de balles et de sable de Raj Singh Chaudhary est un double hommage, un clin d'œil aux extravagances de genre qui ont inondé les cinémas indiens dans les années 80, qui étaient elles-mêmes un hommage aux westerns et films noirs classiques d'Hollywood. Il fait honneur à ses influences avec un mystère ensoleillé riche dans le style Peckinpah durement mordu, du jeu d'acteur crachant des ongles à la durée d'exécution rapide, ce qui est particulièrement surprenant dans le cinéma en langue hindi. Nous avons un homme au chapeau blanc – l'inspecteur Surekha Singh (le grand acteur-producteur Anil Kapoor), le shérif des environs – et un homme au chapeau noir, l'antiquaire sadique Siddharth (Harshvardhan Kapoor) qui errent dans les environs. désert et laissant derrière lui une traînée de cadavres. Une bande d’anciens militaires pakistanais se cache dans cet arrière-pays du nord, constituant une grande poudrière que Chaudhary enflamme de façon glorieuse. L'action impitoyable louable et l'inflexion savante de l'iconographie connue trop bien des téléspectateurs américains en font un point d'entrée invitant pour les néophytes curieux de l'univers bouillonnant de Bollywood et un point de données édifiant pour les fans de longue date intéressés à voir les effets de sa mondialisation.

Les fans du Dogue Allemand turbulent et salissant seront déconcertés et horrifiés de découvrir que leur chien bien-aimé a été muté au point de devenir méconnaissable par une animation informatique minable dans ce véhicule de long métrage profondément maudit. Dans son mouvement, ses textures, sa profondeur de champ et son design angulaire bizarre (le rapport hanches/taille du personnage de maman fait honte à Mme Incroyable), le style cheapo dépasse toute prétention au réalisme sans trouver d'alternative réalisable. Au lieu de cela, l'esthétique difficile à regarder va de pair avec tous les autres aspects dans une offense contre l'art, le goût et la logique fondamentale qui culmine lorsque le nuage vert de flatulences de Marmaduke pousse une foule de spectateurs à vomir et à mourir. Au moins cette scène gravement mal calculée a l'avantage d'être drôle (pour les mauvaises raisons mais quand même), alors que le reste du film se termine sur une source perverse de fascination épouvantable comme un poisson né avec trop d'yeux.

Le chef vedette César (Erick Elias) a finalement réussi à se faire remarquer en décrochant une place au Grand Prix des concours de cuisine, une confrontation qui se déroule dans un Cancún touristique et joliment photographié. La victoire exigera toute sa concentration, c'est pourquoi il ne pourrait y avoir de moment plus inopportun pour lui d'apprendre que le fils (Ricardo Zertuche) qu'il a élevé pendant dix ans a été conçu avec un autre homme. Alors qu'il tente de mettre ses bagages de côté et de cuisiner malgré l'angoisse, il est aidé par une aventure de vacances rusée (Gaby Espino) trop parfaite pour exister dans la vie de tous les jours. Leur romance taquine, son traitement de sentiments lourds et la vaste comédie qui les relie tous souffrent d'un manque d'assaisonnement dans les dialogues sans imagination et d'une cinématographie suréclairée aussi fade et sans saveur qu'une poitrine de poulet bouillie. Le pire, c'est que le food porn n'est même pas si appétissant, ses couleurs sont trop criardes pour être crédibles comme fraîches. Il devrait être renvoyé à la cuisine.

L'égalité des sexes signifie que les téléspectateurs de YA dreck devraient avoir leur juste part de Manic Pixie Dream Boys pour correspondre aux filles, une initiative entreprise par la scénariste-réalisatrice Sofia Alvarez dans son adaptation émotionnellement rabougrie du roman de Sarah Dessen. Auden (Emma Pasarow), insomniaque excentrique et récemment diplômée du secondaire, passe un été magique chez son père (Dermot Mulroney) dans une charmante ville balnéaire, où elle rencontre son compatriote Eli (Belmont Cameli). Il fait le truc superficiel et typique d'un adolescent qui consiste à fixer toute sa vie avec son attirance, tellement attiré par cet idiot en grande partie banal qu'il prend sur lui de lui donner toutes les expériences de vie qu'elle n'a pas été assez sociale pour avoir pour elle-même. . En ce qui concerne les fantasmes de réalisation de souhaits d'adolescents, celui-ci est plus immature que la plupart, en particulier dans la manière insensible dont il utilise la mort d'un personnage invisible comme moyen pour donner une profondeur non méritée à Eli unidimensionnel. Netflix a fixé une norme basse pour les rendez-vous entre adolescents, mais Alvarez parvient à la faire baisser d'un cran.

Cette itération française du film standard Buddy-Flic pourrait techniquement être une suite au film de 2012.De l'autre côté des pistes, mais l’intrigue autonome en fait une entité pleinement formée en soi. Le duo du réalisateur Louis Leterrier (qui vient de trébucher dans le fauteuil du réalisateurle dixièmeRapide et furieuxfilm) avec la star Omar Sy marque plutôt cela comme une suite dans l'esprit algorithmique du succès de leur série de braquagesLupin. Sy et Laurent Lafitte (ancienne star deElle) se jouent habilement l'un de l'autre alors que deux flics se rassemblent après avoir trouvé des moitiés distinctes d'un seul cadavre, les conduisant dans une ville sous la coupe d'un gang local de suprémacistes blancs. Mais leur chimie est gaspillée dans un scénario qui transforme l'ambiance rétro des années 80 en une simple pensée rétrograde avec des prises de panique gay et de lubrique lorgnante vieille de quelques décennies.

Apparemment, la zillionième pièce d'époque de Netflix s'étendant sur une intrigue secondaire mineure de la Seconde Guerre mondiale -Munich : au bord de la guerrec'était il y a seulement quelques mois! - ce récit d'une stratégie d'espionnage visant à repousser les forces nazies lors de l'invasion de la Sicile ne contribue pas beaucoup à enrichir les faits de détails dramatiques. Laissant de côté l’hilarité évidente de Colin Firth, totalement peu casher, jouant le rôle du juif dans le rôle de l’avocat devenu espion Ewen Montagu, le scénario tente de l’humaniser à travers un triangle amoureux mou avec une secrétaire veuve (Kelly Macdonald) et l’autre officier du renseignement (Matthew « Tom » depuisSuccession" Macfadyen) point de départ de la mission. Des lèvres raides et un peu de courage britannique leur permettent de s'en sortir, mais il y a peu de choses dans lesquelles investir au niveau international ou interpersonnel, les clichés de l'écriture de scénario étant tout aussi prédéterminés que les événements de l'histoire. Jusqu'au déception inévitable dans une opération qui repose sur des actions indirectes, il n'y a rien de l'intensité au cœur de lion que les amateurs de History Channel motivant ce sous-genre de niche exigeraient d'une histoire de guerre.

Rebel Wilson, si adroit dans le mode impassible deDemoiselles d'honneuretComment être célibataireet mêmePitch parfait, tâtonne dans son pivot de carrière pour devenir une femme de premier plan souriante et vive. En tant que pom-pom girl fraîchement sortie d'un coma de 20 ans et désireuse de reprendre là où elle s'était arrêtée à 18 ans, elle se fraye un chemin à travers la naïveté des filles qui alimente cette prémisse de poisson hors de l'eau comme si essayant de nous convaincre qu'elle est moins drôle qu'elle ne l'a déjà prouvé. Et le programme ici est suffisamment familier pour que nous le connaissions par cœur : elle se rendra compte que l'ancienne bombasse de la classe (Justin Hartley) est un gros zéro et que le nerd au caractère doux (Sam Richardson) mérite davantage le statut de béguin avec des commentaires sur comment les temps ont changé la hiérarchie sociale du lycée tout droit sorti de21 rue du saut. Décevant et normale alors qu'elle devrait se lancer dans l'excentrique, la fille qui n'est pas la « it » de Wilson, Stephanie, n'est pas apte à tenir les manuels de Jerri Blank.

C'est l'algorithme en action : le documentaire du sommelier 2012Lundia fait des chiffres monstres pendant son séjour dans la bibliothèque Netflix, et bien que ses droits de licence se soient déplacés vers des pâturages plus mûrs, son succès a libéré un flot de vin. La terne d'Amy PoehlerPays du vinet le drame de 2020Débouchésont maintenant rejoints par cette comédie romantique peu recommandable se déroulant dans le monde de l'importation de vin, une tentative d'améliorer la saveur d'une formule fade en ajoutant quelques tanins. En vain cependant - l'attrait impeccable de Victoria Justice se heurte à la non-présence intensément inoubliable de son opposé, Adam Demos, et aux conditions fatales de leur couplage (fille d'affaires d'une grande ville, garçon de ferme en tricot torsadé). ) se sont détériorées depuis longtemps. Même le B-roll pornographique du vignoble ne fait pas mouche – sa cinématographie fonctionnelle est incapable de capturer le rafraîchissement d'un rosé frais ou l'étreinte chaleureuse d'un Bordeaux parfait. Même arrosé de vin, il n'y a pas grand-chose à savourer ici.

Un petit Gordon Ramsay avec plus qu'une pincée du personnage de Jon Favreau dans un style nettement similaire.Cuisinier, danois grincheuxmaître de cuisineTheo (Anders Matthesen) a besoin d’un ajustement d’attitude. Il en recevra un en apprenant que son père, dont il s'est longtemps séparé, est décédé et lui a légué une vaste villa toscane avec son propre restaurant – qu'il a l'intention de vendre afin de pouvoir ouvrir un établissement au Danemark, mais qui, bien sûr, le transformera avec sa simplicité et sa sincérité rurale. La femme avenante et incroyablement patiente qui dirige le restaurant (Cristiana Dell'Anna) aide les choses en redonnant à Theo le plaisir immédiat de la bonne nourriture, que Theo surintellectualise et pinaille en signe qu'il est aussi éloigné de lui-même que de son défunt papa. Les deux hommes vont ensemble comme des sardines et du beurre de cacahuète, son agitation résolue ne méritant jamais vraiment toute la gentillesse rurale avec laquelle elle le rencontre, mais au moins la photographie culinaire colle aux côtes longtemps après que l'arc personnel mince et gruau ait été digéré.

Au fil des voyages entrepris par deux amis, celui-ci a des nuances plus sombres que la plupart : l'amputé Salih (Engin Akyürek) souffre de tout un désordre de SSPT dû à la guerre non précisée qui lui a coûté la jambe et décide que la meilleure façon de se sentir à nouveau lui-même. serait un long voyage à travers la Turquie avec son ancien camarade de l'armée Kerim (Tolga Sarıtaş) pour mettre fin au mariage arrangé de l'ex de Kerim (Oyku Naz Altay). (Également en remorque : une perdrix en cage – pour des raisons métaphoriques.) Leurs intentions confuses se régleront d'elles-mêmes tout au long de leur voyage rempli d'accidents, bien que toutes les révélations personnelles fragiles soient annulées par la tournure ridicule de l'acte final, un piège qui est ni intelligent ni narratif productif. Sans parler du rendu littéral et loufoque du syndrome du membre fantôme – l’extrémité absente narguant Salih avec la peur qu’il ne soit plus jamais l’homme qu’il était autrefois. Le réalisateur Mehmet Ada Öztekin souhaite une profonde odyssée de rédemption et de croissance, mais il ne peut pas creuser plus de quelques mètres.