Les meilleurs albums de 2022

Illustration photographique : Rowena Lloyd et Susanna Hayward ; Photos : gracieuseté des étiquettes

Enregistré dans la solitude inattendue de la quarantaine, dans les affres de la nostalgie des soirées entre amis,Caprisongs— la première mixtape de la chanteuse FKA Twigs et la suite de son superbe album studio de 2019Madeleine- accomplit avec le son ce que la star ne pouvait pas gérer seule, évoquant des scènes nocturnes mondiales vitales en équilibrant la musique électronique cristalline, le R&B de chambre, le drill britannique, le dancehall et les Afrobeats. Travaillant avec le musicien espagnol El Guincho, le beatmaker hip-hop Mike Dean, l'artiste vénézuélien Arca, les rappeurs britanniques Unknown T et Shygirl et les chanteurs Jorja Smith and the Weeknd, FKA Twigs rend visite à ses amis sur tous les continents et constate que tout le monde aspire à la même chose. confort simple et communautaire.

Tandis que ses amis d'Odd Future, Frank Ocean et Tyler, le Créateur a passé la dernière décennie à travailler à la majesté cinématographique de sorties tentaculaires comme celle de Frank.Blondet celui de TylerAppelle-moi quand tu es perdu,Sweat-shirt Earlreculé dans les limites de son propre esprit. SurJe n'aime pas la merde, je ne sors pasetQuelques chansons de rap, il a rappé avec compétence sur le chagrin, la dépression et les mécanismes d'adaptation défaillants sur des rythmes insulaires. Avec celui de cette annéeMALADE!, une réaction tacite à une année émotionnellement éprouvante,Sweatshirt essaie à nouveau de se souleversortir du marasme. La musique est un peu plus légère, mais non moins lasse, beaucoup plus proche dans sa portée et se mélange aux récits douloureux et à la netteté surprenante des débuts du rappeur/producteur sur un major en 2012,Doris. C'est un voyage pour observer un maître de son métier déterminer à quel point il doit être accessible.

Dans l'esprit des chansons effrayantes et satiriques surCelui de Kendrick LamarPimper un papilloncomme « Wesley's Theory » ou « For Free », le nouvel album de Saba s'attaque àles pièges de la prospérité. Le rappeur de Chicago a enfin atteint la stabilité financière dont on pouvait l’entendre rêver dans les mixtapes du début des années 2010. Maintenant le jeu est de ne jamais glisser, car il y en a aussi de nombreuses bouches à nourrir et aucun filet de sécurité pour protéger contre l'échec.Peu de bonnes chosesil s’agit d’attendre que l’autre chaussure tombe et de paniquer à l’idée que les choses se passent bien. Les chansons sont trompeusement douces et mélodieuses mais en proie à une anxiété incroyable. Un écrivain moins expérimenté aurait peut-être trouvé un moyen de faire grincer ces hymnes inquiets et coûteux ; un rimeur et chanteur de moindre importance aurait pu évoluer dans les virages serrés de la soul psychédélique au pop rock pétillant pour percer le rap. C'est un témoignage du talent et de la polyvalence de Saba quiPeu de bonnes chosesest une conduite en douceur.

Pendant des années, vous pouviez imaginer à quoi pourrait ressembler un disque de Big Thief avant même d'appuyer sur la lecture : un country-rock cosmique issu des classiques de Neil Young des années 70, des souvenirs rustiques de l'auteure-compositrice-interprète Adrienne Lenker, un voile de bruit ambiant. Pour cet hiverDragon Nouvelle Montagne Chaude, le cinquième album de Big Thief, le groupe a bouleversé le processus en enregistrant sur les côtes est et ouest et dans les sites pittoresques intermédiaires. Le même le son est là, mais il évolue, de plus en plus complexe dans ses arrangements, passant du country pur au folk indie, des arrangements excentriques au rock alternatif pur et simple. Ces chansons prennent des risques et l'écriture de Lenker reste intense et impressionniste. "Que faudra-t-il", demande-t-elle dans "Spud Infinity" distingué et réfléchi, "pour libérer le corps céleste?"

Lisez celui de Justin Curtoentretien avec Grand Voleur.

Mélodie une fois deux fois,le premier double albumdes vétérans de la dream-pop Beach House, a été déployé sur trois mois en quatre tranches, facilitant les auditeurs dans son étalement décontracté quelques chansons à la fois.Une fois deux foisfait un usage admirable de sa durée de 85 minutes en faisant découvrir à l'auditeur des panoramas surréalistes et des scènes d'amoureux se séparant et se réconciliant. Se produisant pour la première fois, le duo composé de Victoria Legrand et Alex Scally explore des airs dance-pop massifs dans l'esprit de M83, des jams indie-rock tintants rappelant les succès passés comme « Space Song » et « Lemon Glow », et des chansons folk majestueuses. , conforté ici autant par le chant spectral et le lyrisme mystique de Legrand que par l'accompagnement brumeux et enveloppant de Scally.

Le quatuor de death metal du Colorado, Blood Incantation, excelle dans les compositions sinueuses et infernales aux rebondissements audacieux. Le punitif « Hidden Species (Vitrification of Blood, Pt. 2) », issu des débuts du groupe en 2016Apparition d'étoiles, se transforme en jam de shoegaze à mi-parcours ; « La centrale électrique de Gizeh », tirée du film acclamé de 2019Histoire cachée de la race humaine, passe sept minutes à passer de rythmes chaotiques à une longue coda psychédélique. Sur son troisième album, le groupe met le feu à son propre playbook. celui de marsOnde temporelle zéro, du nom de la théorie unifiée de l'histoire du philosophe et explorateur psychotrope Terence McKenna, troque les riffs incessants et les changements brusques contre des synthés braillants et un silence lourd. Deux compositions obliques, « Io » et « Ea », évoluent avec une délicatesse presque fantomatique, évoquant une randonnée à travers un désert ou une plongée dans les paysages extraterrestres deMétroïde.

Le quintette punk de Boston, Vein.fm, s'éclaircit… un peu. SurCe monde va vous ruiner, il y a des clairières plus paisibles qui brisent les fourrés de screamo et de mathcore interdits sur lesquels le groupe s'est bâti un nom au cours de ses débuts en 2018.Zone d'erreur. Il y a un gros crochet du chanteur de jeudi Geoff Rickly pour libérer les tensions qui montent dans le single « Fear in Non Fiction » ; la confection metalcore du dernier album «Magazine Beach» pourrait en fait tenir sur un album du jeudi. Des morceaux plus lents et plus atmosphériques comme « Wherever You Are » et « Wavery » qui côtoient les riffs et les pannes de force brute de « Lights Out » et « Inside Design » donnentCe monde va vous ruinerune tension dynamique déjà évoquée dans l'album de remix de 2020Anciennes données dans une nouvelle machine. L'ajout du platiniste et du spécialiste des échantillons Benno Levine rapproche encore plus le son de Vein du nu metal, et c'est amusant d'entendre le groupe équilibrer ce son avec le punk hardcore qu'il tire d'ailleurs dans l'album. Ce n'est pas nécessairement le "pivot vers l'accessibilité" classique que nous voyons parfois lorsqu'un groupe veut attirer de nouveaux fans. C'est plutôt comme si Vein cherchait plus d'outils avec lesquels nous casser la tête.

Après une décennie dealbums avant-gardistesqui a presque certainement donné de grandes idées à ses pairs, la chanteuse pop britannique Charli XCX plonge dans le revival des années 80 surAccident, son cinquième album. Les gros crochets et les textures lisses du nouvel album sont loin des miniatures faites maison délicieusement excentriques présentées sur son album 2020.Comment je me sens maintenant.Accidentse sent construit pour les pistes de danse de la même manièreComment je me sens maintenantsemblait construit pour les soirées dansantes dans le salon. La production est somptueuse et complexe ; même les claviers d'Eurythmics ressemblent à « Good Ones » et semblent costauds. L'équilibre entre les textures synthétiques froides et le funk chaud au cœur de chansons comme « Baby » et la pop robot sirupeuse de « Lightning » et « Every Rule » sont convaincants en tant que répliques du son des succès radio des années 80, mais aussi astucieusement en phase. avec l'énergie de voyage dans le temps des récents phénomènes Hot 100 comme « Stay » de Justin Bieber et Kid Laroi et « Save Your Tears » de The Weeknd.Accidentobtient ce que ces disques ont obtenu : donnez-nous une voix cool et une touche de chagrin, et nous tombons à chaque fois.

Motomami— où l'auteure-compositrice-interprète et productrice espagnole Rosalía a achevé sa transformation en une star internationale de la musique urbaine après des collaborations de haut niveau avec des poids lourds comme J Balvin, Ozuna,et mauvais lapin- est un coffre à jouets rempli de sons et de concepts discordants et moqueurs. Il tue sur des chansons qui le jouent directement, comme « Candy » et « La Combi Versace », deux succès radiophoniques printaniers aériens qui attendent d'être produits. C'est plus intriguant quand on bouscule les conventions, en jouant avec le son de la voix incroyable du chanteur et en puisant dans des sources décalées. "Diablo" fait une apparition majestueuse de James Blake au milieu d'un morceau où l'artiste principale anime par ailleurs un duo ludique avec sa propre voix accélérée. La chanson titre présente une production de Pharrell qui frise le Nintendocore ; "Hentai", une autre équipe de Skateboard P, est une ballade sexuelle qui ressemble à la maison autour de la chambre emportée par un ouragan. Étudiez le générique d'encore plus près et la présence de joueurs comme Michael Uzowuru et El Guincho (dont l'œuvre collective comprend la production de disques de Frank Ocean, Beyoncé et FKA Twigs), et vous commencez à avoir l'impression queMotomamivise à forger une sorte de scène internationale à plusieurs bras et à cheval sur le son. Les questions de propriété que cela soulève sont sensées. Les optiques sont incertaines, mais les sons sont jolis.

Lisez celui de Craig Jenkinsexamen deMotomami.

Parcourant la surface et captant les crochets légers et brillants et les airs de guitare acoustique émouvants à la racine deDoué, le premier album du chanteur jamaïcain Koffee, vous pourriez confondre ce disque avec un album plus optimiste qu'il ne l'est en réalité. Koffee a un don pour les mélodies accrocheuses et réconfortantes (et une facilité à adopter et à augmenter les flux et les cadences du hip-hop et du R&B américains) qui contrebalancent le chaos abordé dans ses vers. Penchez-vous et vous entendez de dures vérités imprégnées de sensibilités pop. La douleur qui coule à travers des chansons comme le pétillant single « Shine » – « Sun's out, it's a siren / Gun violence fating / Rise up, it's a crime scene » – parle de l'espace entre les perceptions et la réalité, des troubles qui tourmentent une nation. le reste du monde la considère comme une destination de vacances. Koffee veut être heureuse, trouver l'amour et garder ses amis proches, comme elle l'explique dans des morceaux comme "Run Away" et "Lonely". Mais aussi souvent qu'il s'agit de la fierté de la chanteuse pour l'endroit où elle a grandi,Douése demande pourquoi le monde paisible dont rêve Koffee n'est pas celui dans lequel elle vit.

ÉcouterÉthiopiensetÉglise, longs métrages consécutifs du rappeur indépendant chevronné Billy Woods, vous êtes transporté à travers les continents et dans le temps, entraîné dans la vision du monde intercontinentale et décalée dans le temps de l'artiste énigmatique. Une minute, vous êtes émerveillé par l'efficacité des magasins d'herbe familiaux qui poussent à Morningside Heights ; plus tard, vous observez les champs de canne à sucre en feu à travers les yeux d'un ancêtre. Travailler avec le producteur de Baltimore, Messiah Musik, surÉglise, Woods traite la foi et la perte, jonglant avec les sombres histoires new-yorkaises et les traumatismes déconcertants. SurÉthiopiens, avec Yasiin Bey et Preservation, collaborateur de KA, Woods combine des contes populaires caribéens, des tragédies historiques et des fragments de sa propre histoire familiale. "Asylum" jongle entre paranoïa et splendeur royale : "Je pense que Mengistu Haile Mariam est mon voisin / Celui qui l'a emménagé et a installé un portail automatisé." Il y a de fortes chances que le rappeur, fils d'un professeur d'anglais jamaïcain et d'un écrivain et activiste marxiste du Zimbabwe, ne plaisante pas.

La décennie que des collectifs hip-hop comme Odd Future, Dreamville Records et Top Dawg Entertainment ont consacrée à combler le fossé entre le boom bap de la vieille école et le trap de la nouvelle école – et entre le rap indie entêtant et la musique mainstream immédiate et accrocheuse – est synthétisée dans le catalogue croissant du producteur et rappeur du Maryland Redveil, dont les disques imprègnent un lyrisme douloureux, sérieux et introspectif avec des mélodies et des rythmes décontractés équilibrant des échantillons et des tambours trap. Avec celui de maiApprendre 2 nager, son troisième album, l'artiste de 18 ans a réalisé de quoi rivaliser avec ses aînés. Sur des sons cinématographiques luxuriants, Redveil se demande pourquoi il n'a pas pu profiter de l'adolescence insouciante que chaque enfant mérite, délivrant des lignes déchirantes comme celles-ci de l'épaule brumeuse et réfléchie : « Je fais face au regret pour mes années de formation / La dette que je tenir est toujours proche de mon cœur / Ne jamais laisser mon cœur déborder / Un n- - - - n'a jamais pu jouer, mais a quand même joué mon rôle.

En tant que moitié du duo de rap de Virginie The Clipse, Pusha T a partagé des histoires effrayantes sur la vente de cocaïne sur une production discordante et minimaliste des Neptunes. Naviguant dans une carrière solo depuis que Malice, son frère et partenaire de rime, a pris une pause dans le jeu, Push a beaucoup travaillé avec Ye.C'est presque sec, le quatrième album solo de Pusha, rassemble Pharrell et West à la table pour une collection de chansons qui incarnent des rythmes sinistres et squelettiques de Skateboard P comme « Call My Bluff » et « Open Air » aux côtés d'un lot de morceaux de Ye qui couvrent toute la gamme du nu. -bones échantillonne des côtelettes comme « Diet Coke » à des productions grandioses comme « I Pray for You », des joyaux rares dans une année où le rappeur-producteur a détruit presque tout ce qu'il touchait.Push est à l'aise dans tous les contextes;C'est presque secbénéficie de décennies d’histoire et de raffinement. Les rythmes sont froids, les performances sont délicieusement méchantes et Malice apporte un superbe couplet à « I Pray for You », le meilleur scénario pour un album de cette équipe de rêve.

L'année dernièreLes bandes Marfaétait un peu une boule de courbe, un album plein de magnifiques enregistrements de feu de camp de Miranda Lambert, normalement plus raffinée, la voix et la plume derrière de nombreux succès country tels que « Kerosene » et « Gunpowder & Lead ». Chanter dans le désert avec des amis de longue date a ramené la star de l'Est du Texas à ses racines d'auteure-compositrice-interprète qui a appris à jouer de la guitare pour ne pas avoir à enregistrer des disques schmaltzy écrits pour elle par un comité. Lambert apporteMarfal'esprit de changement de et quelques-unes de ses chansons, pourPalomino, son neuvième album solo. Les nouveaux morceaux font mal, tremblent et se pavanent. "L'argent du pays" etMarfale reste « Geraldene » mélange des phrasés country, une syncope soul et des leads de guitare en duel ; "Music City Queen" invite les B-52 dans un groove country-soul tandis que Miranda s'assure de souligner les similitudes dans les parcours professionnels de Tina Turner et Dolly Parton. Elle sait ce qu'elle fait.

Chaz Bear crée une musique qui rappelle l'été dans son projet phare glissant et imprévisible, Toro y Moi. La chillwave venteuse bat lors de ses débuts en 2011,Les causes de ceci,évoqué une chaleur étouffante; des morceaux récents tels que « Ordinary Pleasure » et « Freelance » résonnent comme des soirées club euphoriques. Sur les nouveautés de ce printempsMahal, le septième album de Toro y Moi, Chaz travaille toujours sur les ambiances psychédéliques-rock des années 2015.Pourquoi?mais aussi planifier de nouveaux mouvements. Le calme « Goes By So Fast » ressemble à la chanson thème d'une sitcom des années 70 venue d'une autre dimension ; « Postman » et « The Loop » se délectent des formidables talents de joueur de funk/soul de ce rockeur et producteur de dance. Ce qui est impressionnant, c'est qu'il joue la plupart de cette musique tout seul.

Partageant ses années de formation entre la ville portuaire nigériane de Calabar et l'Université des Arts de Norwich, dans l'est de l'Angleterre, Steven Umoh, 28 ans, a appris à aimer le rap, le rock et l'Afrobeat, et à mépriser les structures de pouvoir injustes. Ces intérêts se rejoignent dans la musique qu’Umoh fait en tant qu’Obongjayar. Après une série alléchante d'EP et d'apparitions sur d'excellents albums de l'adorable excentrique de Détroit Danny Brown et du rappeur-chanteur britannique Little Simz, Obongjayar brille sur ses débuts,Certaines nuits je rêve de portes. Avec une voix de couteau suisse et un jeu de plume tout aussi aiguisé, il chante l'amour et la mort avec la même fascination, critiquant les médecins et les fonctionnaires corrompus sur un ton grossier et grave dans "Parasite" et "Message in a Hammer". et se glissant dans un fausset doux pour « Sugar » et « I Wish It Was Me », des chants de foi et de dévotion.Portesdérive à travers le hip-hop et l'Afropop dans sa quête incessante de paix personnelle.

Le rappeur et producteur vétéran de Détroit Quelle Chris est un brillant satiriste et un beat-maker capable de créer des boucles intrigantes à partir de sources improbables.Célébrité de la mort, son huitième projet solo, se débat avec une question intimidante : comment atteindre le respect universel dont bénéficient les rappeurs lorsqu'ils meurent… sans passer par la chambre haute ?Célébrité de la mortexplore les paradoxes de la célébrité, parfois avec un sourire narquois et parfois sérieusement, en faisant le clown avec des musiciens qui exploiteront leur intégrité pour gagner un salaire d'un coup, et dans le suivant, déplorez le sentiment que le butin du succès est rarement profité par des personnes qui méritent légitimement la victoire. . Sur la chanson titre, Quelle Chris donne de sombres conseils aux rappeurs potentiels à venir : "La vie bouge comme des mouvements légers, vite, alors financez de l'argent / Ou espérez le dépenser, quelque chose de splendide avant qu'ils ne vous cassent le cul."

Le chanteur de Chicago Ravyn Lenae a fait ses armes sur des chansons avec des stars locales comme Noname et Smino, pour finalement faire la première partie deSZA 2017Ctrl tournée et sortie du prometteurÉcraserEP en 2018. Le jeune homme de 23 ans dévoile de nouveaux dons surHypnose, son premier album, où les voix vaporeuses tombent doucement sur des productions complexes comme une légère pluie d'été enveloppe les gratte-ciel et les trottoirs des villes. Sur les rythmes de Phoelix (Noname'sSalle 25), Monte Booker (Lena'sChaussures de luneetClair de lune de minuitEPs) et Steve Lacy, Lenae propose une magnifique collection de chansons pétillantes et intimes sur la recherche de la paix et la respiration de nouvelles relations.

Tierra Umi Wilson chante les petits moments privés qui unissent les amoureux et les divisions imperceptibles qui les séparent.La forêt en ville, son premier album, regorge de chansons sur les énergies correspondantes et les connexions manquées. "Whatever U Like" s'engage à cesser de lutter contre une attraction croissante ; plus tard, "Hard Feelings" se renforce à travers une romance qui s'essouffle. La plume d'UMI nous guide à travers ces sommets et ces vallées, qui est sûre d'elle sauf lorsqu'elle a besoin de faire preuve d'introspection et de douceur ; sa voix, qui peut être puissante mais aussi diminutive ; et une série de productions aériennes et aqueuses qui évoquent la juxtaposition de la nature et de la vie urbaine évoquée dans le titre de l'album, une référence au déménagement de la chanteuse de son Seattle natal à Los Angeles.

Progressant à travers des chansons folk lo-fi, des ébats indie-rock bruyants et des jams synth-pop audacieux dans une série d'albums studio accomplis et créatifs, l'auteur-compositeur-interprète natif de Saint-Louis, Angel Olsen, s'est forgé une réputation de séjour, de musicienne engagée non seulement à s'exprimer mais aussi à se mettre au défi. Mais le tumulte de l'année dernière s'est avéré intimidant même pour une pionnière de longue date : Olsen s'est révélée homosexuelle et a perdu ses deux parents coup sur coup. Elle a mis ses sentiments dans la musique et s'est tournée vers la country.Grand moment, le sixième album d'Olsen, traite la douleur en rapprochant les êtres chers restants et en embrassant une vérité déchirante. "Le monde change, vous ne pouvez pas l'inverser", chante Olsen dans le volcanique "Go Home". "La vérité est avec vous, vous ne pouvez pas la répéter." La musique sous les pieds rappelle les ballades countrypolitan des années 60, les Cowboy Junkies.La séance de la Trinité, et le Velvet UndergroundLe Velvet Underground,qui s'avèrent être de très bons ajustements.

Sophie Allison et Daniel Lopatinsont des collaborateurs peu probables; le travail de l'auteur-compositeur-interprète de Nashville en tant qu'interprète de rock indépendant Soccer Mommy et les disques ambiants de Lopatin sous le nom de Oneohtrix Point Never sont peut-être des mondes éloignés en termes de son et de portée, mais ils écrivent tous deux leurs propres règles. Les synthés de Lopatin ont fait leur chemin dans les disques Weeknd ; Soccer Mommy va également à l'encontre de la tradition, en évitant la plus grande exportation de chansons rock douloureuses de Music City qui pourraient entrer dans les archives.120 minutesdiffuse tel quel.Parfois, pour toujours, le troisième album studio d'Allison, laisse Lopatin faire faillite ; elle écrit des chansons douloureuses sur l'amour et la tristesse, et il renforce les solides fondations rock de son groupe avec des piles de bruits de guitare chatoyants, cliquetants et magnifiques.

Il y a deux étés, sur la déchiqueteuse, vaniteux Ho, pourquoi es-tu ici ? mixtape, Mobile, Alabama, rappeurFlo Milli semblait arriver complètement formée, prouvant qu'il y avait bien plus à l'origine du joyau narquois et arrogant de 2019 « Beef FloMix », comme des chansons comme "Not Friendly" et "Scuse Me" ont complété une demi-heure de ce genre de musique qui joue comme une bosse dans un club se transforme en bagarre. Cette annéeTu es toujours là, hein ?, le premier album studio de Flo Milli, affiche une croissance et une dimensionnalité impressionnantes sur un lot de rythmes qui lui permettent de briser les attentes en équilibrant les flux modernes du sud et du Midwest, la basse de Miami des années 90 et les grooves pop-rap des années 2000, les ballades R&B et les chansons rock, et une arrogance comique et un sérieux émotionnel.

Lire Tirhakah Loveentretien avec Flo Milli.

Le pays de Dieu, le premier album du quatuor sludge-metal d'Oklahoma City Chat Pile, émule une poignée de pierres de touche noise-rock des années 90 -Pur-ère Godflesh dans les moments les plus lents et infernaux et Drive Like Jehu'sCrime amerquand il accélère le rythme et fait une pause après avoir étouffé ses mélodies dans un son claquant et interdit. Mais les sensibilités exposées dans les paroles criées par le chanteur Raygun Busch du milieu de la boue ressemblent distinctement à des évaluations de 2022. «Pourquoi» est un discours sarcastique sur à quel point il est absurde d'avoir une crise de sans-abri et de nombreux bureaux vides, "Anywhere" s'interroge sur la terreur d'échapper à une fusillade de masse en cours, et "The Mask (2022)" et "Tropical Beaches, Inc." examinez des crimes moins connus du XXe siècle, comme les documents Netflix. Le carnaval de la douleur qu'occupent les protagonistes de Busch, les récits de films d'horreur et les histoires sur la dépendance, s'accordent main dans la main avec le sifflement et le fuzz armés de ces chansons.

Photo : Fusionner les enregistrements

Auteur-compositeur de métier, John Darnielleaborde son art comme un scientifique, spécialiste de la culture des boîtes de Pétri. Ses albums examinent leurs sujets à un niveau granulaire. Il pourrait réfléchir à un match de lutte auquel il a assisté lorsqu'il était enfant et se retrouver avec un album concept sur les luchadores et les kayfabe. Pendant le processus d'écriture de ce qui allait devenir le film austère et nerveux de cet étéSaigner, le 21e album du groupe de John, The Mountain Goats, l'artiste s'est assis avec ses films d'action et de justicier préférés du XXe siècle, et ils ont transmis leur rythme nerveux et leurs thèmes d'insatisfaction et de vengeance sur des chansons comme « Extraction Point » et « Need More Bandages ». ", où le coût émotionnel de l'ultraviolence dans des produits de base commeSouhait de mortest compté. Vous pouvez trop réfléchirSaigneret philosopher sur l'idée qui sous-tend l'examen des relations entre la violence réelle et fictive, ou vous pouvez la recevoir comme une série d'études de personnages rapides humanisant les kilomètres de idiots dansRambofilms, ou vous pouvez l’apprécier comme une fin de carrière astucieuse. Ses riffs rock épurés semblent à la fois surprenants et totalement naturels pour cet acte, comme les embellissements de synthé dans celui de Leonard Cohen.Je suis ton homme.

Lisez celui de Craig Jenkinsentretien avec John Darnielle.

En tant qu'âmes sœurs de côtes opposées qui partagent un goût pour le lyrisme bourru et le travail d'échantillons inspiré (ainsi qu'un certain nombre d'amis de l'industrie), le producteur et rappeur de Long Island, Roc Marciano, et le polymathe californien The Alchemist auraient probablement dû faire un album ensemble il y a des années. , s'appuyant sur l'incroyable alchimie exposée dans les chansons de Marci'sRechargéalbum et Action BronsonLustres raresmixtape. Cet étéLes os de l'Elephant Manpropose enfin une combinaison d'un album des chroniques de gangsters de Marci et des échantillons experts de l'Alchemist. Comme d'habitude, le discours dur de Marciano séduit, mais le triomphe irrégulier de la chanson titre ressort : "Mon aura est une essence, elle est fluorescente / C'est pourquoi j'appartiens, tout cela était destiné, l'histoire était épique." Il semble à l’aise au milieu des sombres boucles de piano, des tambours assourdis et des couplets de Bronson et Boldy James.

$oul $old $séparément, le premier album du rimeur de l'Indiana Freddie Gibbs sur Warner Records, est un exploit qui a mis près de 15 ans à aboutir. Au milieu du mois, Gibbs a été signé et assez brusquement exclu d'Interscope Records, ce qui a mis un frein au premier album studio sur lequel il travaillait. Gibbs a parcouru un long chemin pour revenir vers les majors, se connectant avec l'empreinte CTE World du rappeur d'Atlanta Jeezy et créant plus tard une série dealbums indépendants acclamés par la critiqueavec des vétéranscomme Madlibet alchimiste.$$$trouve l'artiste au sommet de sa puissance, pulvérisant un lot polyvalent de rythmes de hitmakers dont DJ Dahi (Kendrick Lamar, ScHoolboy Q) et Boi-1da (Drake, Nicki Minaj) et d'auteurs tels que James Blake et Kaytranada. Le timing parfait de Gibbs, ses couplets sérieux et ses vantardises diaboliques maintiennent ensemble cette collection d'échantillons alléchants et d'embellissements de groupe live, taquinant de nouvelles mélodies et cadences à partir de morceaux familiers, comme le fait « Too Much » avec le hit de 1982 du groupe familial R&B DeBarge « All This ». Love », et revisiter des souvenirs douloureux, comme le fait Gibbs dans le mélancolique mais résolu « Rabbit Vision » : « Beaucoup de merde, ça m'a brisé le cœur, mais ça a réparé ma vision.

Lisez 2021 de Craig Jenkinsentretien avec Freddie Gibbs.

Au cours de la décennie qui s'est écoulée depuis la sortie de leur premier album acclamé en 2008,L’expression des griefs, les rockeurs de la région des trois États, Titus Andronicus, ont fusionné une musique corporelle anthémique, des thèmes enivrants et des allégories historiques pour un effet désorientant.Griefsréfléchit à la solitude d'Albert CamusL'étranger, et les années 2010Le moniteurjuxtapose les conflits américains du 21e siècle avec les rêves des ancêtres de la nation. Les gros changements s'avèrent payants pour Titus, et celui de cette annéeLa volonté de vivrefrappe fort, réfléchissant aux questions de moralité et de foi tout en faisant signe au punk, au rock progressif et aux chansons de combat irlandaises – parfois dans un seul morceau, comme c'est le cas avec « Bridge and Tunnel », un voyage de sept minutes de scènes guerrières à un coda cathartique. Le concis « Une Anomalie » rappelle grossièrement que « c’est Dieu qui a créé le Diable » ; "Give Me Grief" et "(I'm) Screwed" traitent la douleur et la mort avec un courage provocateur.La volonté de vivreest un album concept sur ce qu'il faut faire en période de chaos, sur ce qui nous permet de continuer lorsque la chance ne nous coupe pas la route. C'est à la fois une réaction à la perte soudaine du meilleur ami, cousin et collaborateur musical du chanteur-guitariste Patrick Stickles, Matt Miller, et un instantané de ce que l'on ressent d'être en vie en ce moment. Cette année, c'est un peu comme l'enfer se déchaînant sur Terre, une série de scènes de cauchemar qui se réalisent minutieusement.La volonté de vivresouligne que nous gagnons en restant ensemble.

Lisez celui de Craig Jenkinsentretien avec l'auteur-compositeur-interprète de Titus Andronicus, Patrick Stickles.

Les creuseurs, le dixième album studio de l'auteur-compositeur-interprète et producteur islandais Björk, est un succès que seul un dixième album pourrait produire, évoluant avec confiance à travers le territoire musical que le chanteur a tracé lors de ses sorties précédentes. Le chant haché de « Mycelia » et les harmonies chorales de « Sorrowful Soil » rappellent les expériences avec la voix humaine tentées sur le film de 2004.Moelle; les arrangements complexes de « Autoriser » et « Fungal City » semblent informés par lefioritures orchestrales de 2017utopie, tandis que « Ovule » et « Ancestress » revisitent la musique dance chaotique d'albums bien-aimés comme celui de 1998.Homogèneet les années 2001Dans la soirée.Les creuseursréorganise ces idées sous de nouvelles formes alors que Björk réfléchit à l'amour, à la famille et à la sagesse héritée des ancêtres, créant une musique à la fois fraîche et familière près de 30 ans après son single « Human Behaviour ».

Lisez celui de Jason P. Frankguide de BjörkLes creuseurs.

Super producteur Danger Mouseet le leader des Shins, James Mercer, venait de terminer la tournée 2014 pourAprès la discothèque, le deuxième album de leur projet collaboratif Broken Bells, lorsque le travail sur un suivi a commencé. Mais ensuite la vie est arrivée. Mercer s'est enveloppé dans sa tenue phareVers du cœuralbum, et Danger Mouse s'est penché sur plusieurs projets différents. DoncDans le bleu, le nouvel album de Broken Bells, a connu une période de gestation de plusieurs années qui semble cruciale pour la relative facilité avec laquelle les chansons traversent les sous-genres, se mêlant au psych-rock pétillant d'Elephant 6 sur "Saturdays", et soul douce dans la combustion lente de « Love on the Run » et la morosité gothique de The Cure dans « Fade Away » plus proche. Le résultat est un voyage à travers une demi-douzaine de permutations de musique psychédélique, le genre de disque auquel seuls ces hommes d'État pop-rock âgés pourraient penser. Le titre éponyme de Broken Bells en 2010 est un accord délicieusement simple, comme un sandwich au beurre de cacahuète et à la gelée ;Dans le bleuest un soufflé, un délice aérien qui nécessite une planification minutieuse.

Lisez celui de Craig Jenkinsentretien avec Danger Mouse.

Originaire de Chicago et tombé dans le sens du mot sorciers dans Project Blowed lorsqu'il a déménagé à Los Angeles, le mathématicien du rap Open Mike Eagle est un artiste souple, à la fois un humoriste doué et un pourvoyeur de grands larmes, un mélodiste naturel mais aussi un parolier dont le réconfort avec un mélange de syllabes suggère des décennies au poste. Son huitième album est une vitrine de cette polyvalence. « 79th and Stony Island » et « Crenshaw and Homeland » réconcilient une éducation de l'Illinois avec le présent SoCal. "Burner Account" et "Multi-Game Arcade Cabinet" font rebondir les barres sur des sommités du rap indépendant telles que Billy Woods et RAP Ferriera, tandis que "For DOOM" et "I Retired Then I Changed My Mind" comptent sur la perte d'un hip-hop. héros du houblon et l'annulation du spectacle Mike's Comedy Central,Les nouveaux nègres, dans la solitude cérébrale, en poussant à chaque fois de l'avant parce que l'amour du métier et des gens qu'il touche ne lui permet pas d'abandonner.

Photo de : Mavi 4 Mayor Music

"Les bons jours sont une lame à double tranchant, Ginsu", déclare Mavi, rappeur de Caroline du Nord âgé de 23 ans, sur "Doves", extrait de son deuxième album.Rire si fort que ça fait mal, une tentative sérieuse de traiter les montagnes russes des dernières années. Il se prépare à des rebondissements encore plus choquants, cherchant la compréhension au milieu des hauts et des bas de la vie. "My Good Ghosts" adopte une approche macro : "Peut-être que nous sommes simplement déprimés parce que les arbres sont déprimés / Et les mers déprimées, la seule chose que nous voyons est la mort / Et donc l'herbe est la meilleure, le seul espoir, un sursis." « Hemlock » est plus personnel : « Je garde un blick mais je ne peux pas échapper à la pensée de ce qui reste derrière / Les nouvelles m'ont rendu le genre de malade que j'ai quand ma mère et moi nous disputons. » Vous maintenir à flot dans ce tourbillon de victoires professionnelles et de douleurs de chagrin est l'écriture, fleurie et enivrante mais jamais autoritaire. Ces chansons vont et viennent comme des fronts de tempête qui approchent rapidement, vous laissant en ébullition longtemps après leur passage.

Minuitsest unle geste par excellence de Taylor Swift, un album qui remporte d'énormes succès autour de moments mémorables dans le catalogue de l'auteur-compositeur-interprète, de sorte qu'il constitue une excellente excuse pour sortir sur la route etrevisiter les époques anciennesaux côtés de la nouvelle musique.C'est un rendement calculéà la synth-pop mordante et romantique de la publicité de Swift du milieu des années 2010 dans la forme et le sujet, mais un travail qui bénéficie de sa décennie et demie de travail, avec des crochets aussi gros que des lunes de récolte et des barres remplies d'images vives etbons mots mordants: "Je t'ai donné mon monde / As-tu entendu dire que je peux récupérer la terre ?" "Ma ville était un terrain vague / Pleine de cages, pleine de clôtures / Reines du concours et grands prétendants." Les artistes moins performants pourraient s’effondrer dans l’auto-parodie en parcourant leur passé créatif et romantique. Swift le gère avec une précision digne d'une usine.

Lire Celui de Craig Jenkinsexamen deMinuits.

Rimant sous le nom de Milo dans les années 2010, le rappeur et producteur du Wisconsin Rory Ferriera utilisait les mots comme des coups de pinceau dans un tableau impressionniste, prenant grand soin à construire des phrases qui pourraient, de loin, sembler conçues pour confondre. Si l'on s'en tient au matériau, l'écriture de Ferreira se révèle comme une floraison d'intérêts disparates, un lien reliant les appréciations croisées de l'art, de la musique, de la littérature et de la politique tourbillonnant dans la tête de l'artiste.5 à l'oeil avec des étoiles, le quatrième album de Ferreira sous son nom gouvernemental – peu de rappeurs peuvent dire que « RAP » est dans leurs initiales – jongle avec des jeux de mots abstraits, des réflexions personnelles et des clins d'œil aux poètes modernes, aux légendes de la NBA et aux personnages deLe fil. Les rebondissements ne détournent jamais le message. « Ours » est un pot-pourri de rimes internes mais aussi une nécrologie cinglante pour 2022 : « J'étais apiculteur à une époque d'incendies criminels et de pillages / Ces enfoirés aboyaient en jurant qu'ils construisaient. »

Le cinquième album de l'auteur-compositeur-interprète folk-rock Weyes Blood et le deuxième d'une trilogie proposée qui a commencé avecLa montée du Titanic, son album mythique et orchestral de 2019 ressemble à un discours sur l’état de l’union pour les masses débordées. Les paroles s’adressent souvent à un « nous » fatigué. "Nous sommes tous devenus des étrangers." "Oh, nous n'avons plus le temps d'avoir peur." «Nous sommes bien plus que la douleur.» L'artiste née Natalie Mering – dont le ton vocal semblable à celui d'une flûte fait souvent des comparaisons avec Joni Mitchell et Aimee Mann mais dont le nouvel album explosif ressemble plus, esthétiquement, à Carole King qui se lance dans les psychédéliques – essaie de comprendre ce qui, dans ce monde en désintégration, vaut encore sa peine. attention et comment mieux y consacrer son temps. Alerte spoiler : le baume à notre douleur est la camaraderie. "Hearts Aglow" l'explique en quelque sorte : "Ça a été une marche de la mort / Le monde entier s'effondre / Oh, bébé, dansons dans le sable."