Chaque film A24, classé

Un nouveau tic verbal s’est emparé des milieux cinéphiles. Les gens ordinaires s’efforcent d’appeler un film « un film A24 », alors que seul unVariétéLe journaliste dit que quelque chose est « un film Sony » ou une « sortie Searchlight ». Pourquoi? Parce que pour les cinéphiles,le badge du studio indépendant signifie quelque chose. C'est un gage de qualité, mais plus que cela, c'est la promesse d'une certaine singularité. Un film A24 est axé sur l'auteur et visuellement époustouflant avec un sens de l'humour décalé et un décor ou une perspective que vous n'avez jamais vu auparavant. Le studio ne réalise pas seulement un « film de lycée », il réalise un « film sur une école catholique de Sacramento au printemps 2003 ».

Cette distinction est d'autant plus remarquable que jusqu'en 2016, A24 n'était qu'un simple distributeur qui n'intervenait dans aucun des titres qu'il sortait. Et bien que les films qu'il a produits depuis lors incluent bon nombre de ses meilleurs et des plus célèbres projets -Clair de lune,Héréditaire,Pierres précieuses non taillées— ceux-ci représentent encore une part relativement faible de la production totale de l'entreprise. Le fait qu’au cours de ses dix années d’existence, A24 ait réussi à bâtir l’une des marques les plus fortes du secteur est autant un exploit de conservation que de production artistique.

Exemple concret : le premier succès du studio, celui de 2013Brise-ressorts, un film qu'il n'a pas réalisé mais qui apparaît désormais comme la clé de voûte de ce qui allait devenir son style maison - cinématographie hypersaturée, jeunes qui se comportent mal, rien à foutre - et un guide pour des films aussi divers queLa bague scintillante, Miel américain,Bon moment,Le projet Floride,Milieu des années 90,Flots, etZola. Au milieu de ce premier succès, la société s'est établie en marge de la science-fiction européenne intelligente (Sous la peau,Ex Machina,Le homard) et une horreur sans hâte (La sorcière,Il vient la nuit,Sainte Maud). Celui de Barry JenkinsClair de lune, une surpriseGagnant du meilleur filmet le premier film coproduit par A24, a marqué le début d’une nouvelle ère. À l’avenir, le studio développerait des talents en interne, créant ainsi une écurie de «A24 garçons» dont Ari Aster, Robert Eggers, les frères Safdie et les Daniels.

Ce qui unit la centaine de films d'A24, c'est que, bons ou mauvais, la plupart d'entre eux ont l'impression que personne d'autre n'aurait pu les sortir. Le studio permet aux réalisateurs de suivre leur muse partout où elle les mène, une stratégie qui mène à des chefs-d’œuvre durables et à des ratés complaisants. Les deux types font partie intégrante de l’expérience A24 ; les vrais moutons noirs de sa filmographie sont les anonymes, des films commeLa femme marche devantouLes journaux d'Adderall, qui ne portent aucune marque d’auteur, n’inspirent aucun culte à contre-courant. La plupart d'entre eux sont transférés sur DirecTV avant que leur manque de fraîcheur ne souille la marque, vous ne les avez donc probablement pas vus.

Mais je l'ai fait – parce que j'ai vu tous les films d'A24. Les chouchous du festival et les horribles flops, les appâts les plus toniques aux Oscars et les slashers les plus sordides. En parcourant toute la filmographie du studio, j'ai appris quelques choses, comme ce qui différencie un film A24 de Floride d'un film A24 de New York et combien de fois Margaret Qualley apparaît comme l'incarnation de la richesse et du privilège. (Deux fois.) Dans cette liste, je les ai tous classés du pire au meilleur. Il ne s'agit pas d'un classement allant du « moins A24 » au « plus A24 » – même si cela serait aussi amusant – mais déterminé par cette vieille maxime d'Ebert : dans quelle mesure ce film réussit-il ce qu'il entreprend ? Comme vous pouvez peut-être le deviner, des dizaines d’entre eux le font, souvent de manière extravagante. Mais la nature de ce format signifie qu’avant de pouvoir trouver les bons, nous devons surmonter les mauvais. Et bébé, tu ferais mieux de croire qu'il y en a de mauvais. Attachez votre collier Furby, préparez une assiette de spaghetti et préparez-vous à vivre délicieusement.

Remarque : Cette liste couvre uniquement les fonctionnalités narratives. Si tu cherchesAmy, vous ne le trouverez pas ici.

Avec autant de décisions créatives erronées à prendre en compte, il est difficile de savoir par où commencer avec ce long métrage qui témoigne des illusions de l'ego masculin. Est-ce la conviction du film que le prodige littéraire Sidney (Logan Lerman) est un charmant iconoclaste, alors qu'en réalité il est un imbécile insupportable ? Est-ce le fait que chaque femme dans sa vie est présentée comme totalement dépourvue de pensée indépendante ? Est-ce lerebondissements du troisième acteque même M. Night Shyamalan pourrait considérer un peu trop, ou les façons déconcertantes dont plusieurs personnages meurent, ou le récit fracturé qui tente d'ajouter de la gravité en sautant trois périodes différentes - dont une où notre héros est un reclus barbu chevauchant les rails et brûler ses propres livres ? Il y a quand même une bonne chose : les cinéastes ont la sagesse de ne pas nous donner trop de prose soi-disant brillante de Sidney. Le peu que nous en entendons est bien sûr terrible.

Peu de films A24 sont pires que le tout premier.Romain CoppolaLe film de est un travail apathique à travers l'imagination hyperactive d'un graphiste (Charlie Sheen) pleurant son ex en se retirant dans des fantasmes sur les filles folles qu'il ne peut s'empêcher d'aimer. Avec son ambiance géniale et sa cavalcade de camées,Charles Cygnevise à être un film de détente libre ; l'effet ressemble plus à une séance de thérapie de 90 minutes pour un homme inintéressant et désagréable. Sheen réalise une performance finalement ennuyeuse, tandis que le casting de soutien étoilé apporte l'effort et l'intensité de quelqu'un qui prête une tasse de sucre à son voisin. Coppola fait preuve d'une certaine verve visuelle et les valeurs de production sont clairement élevées, mais cela ne fait que rendre le film encore plus paresseux. Avec un budget et des connexions dont la plupart des cinéastes ne pouvaient que rêver, c'est tout ce qu'il a pu proposer ?

Ce projet vaniteux se déroule comme un jeu coûteux d'Exquisite Corpse : dans une ville construite au sommet d'un ancien asile… qui a été rasé au bulldozer et transformé en centre commercial… les esprits des anciens habitants vivent dans un quartier appelé Ghost Town… où les livraisons de pizzas des gars sont assassinés… et les flics veulent accuser un loup-garou local… joué par Chance the Rapper !Trancheest une production amateur qui rivalise avec les moins indispensablesOriginaux Netflixdans l'inutilité et, pire encore, cela n'a même pas de sens en soi. (Si ce sont des fantômes, pourquoi ressemblent-ils et agissent-ils davantage comme des zombies ?) Vous pourriez pardonner tout cela si le film était drôle. Au lieu de cela, c'est un désert sans rire qui semble deux fois plus long que sa maigre durée d'exécution de 83 minutes. Quant à Chance, regardez-le face à Zazie Beetz pour une illustration de la différence entre jouer et avoir un personnage.

Même les séquences les plus chaudes doivent parfois s'arrêter, et pour Matthew McConaughey, sa renaissance à mi-carrière s'est terminée avec cela.bombe notoire. L'un des rares ratés de l'A24 résultant d'un pari sur un cinéaste de premier plan après son apogée,La mer des arbrestrouve McConaughey et le réalisateur Gus Van Sant se promenant dans Aokigahara, la « forêt du suicide » du Japon, dans une visite qui n'est qu'un peu plus de bon goût queLogan Paul. McConaughey incarne un universitaire qui se rend dans la forêt pour mettre fin à ses jours après la fin de son mariage avec Naomi Watts de manière incroyablement manipulatrice. Là-bas, il rencontre un inconnu, joué par Ken Watanabe, qui le convainc qu'il veut vivre – si tous les deux parviennent un jour à sortir de cette foutue forêt ! La combinaison du film de drame domestique, d'aventure de survie et de mysticisme woo-woo va de pair comme le ketchup, la salade et la merde de chien, et sa place généreuse sur cette liste est due à sa seule bonne scène, un monologue au coin du feu dans lequel McConaughey se réveille enfin. de sa performance somnambulante.

Un Américain d'origine chinoiseLes Affranchisbasé sur unNew-Yorkaishistoire, co-dirigé parAffaires infernales" Andrew Lau et Martin Scorsese lui-même produit par Martin ? Ce film devrait être bien meilleur que le cheesefest au ralenti. Chaque rythme est quelque chose que vous avez vu des milliers de fois auparavant, à la différence près que la version que vous obtenez ici est la pire absolue. Même Ray Liotta, qui sert une assiette de jambon en tant qu'agent du FBI, ne peut pas sortir le film de son malaise, et seulementSalle Sidneyl'empêche d'être leFilm A24 le moins bien noté sur RottenTomatoes.Marty,Dragons verts, je n'ai pas aimé !

Mec, qu'est-il arrivé àAtome Egoyan? L'esprit est ahurissant de voir comment le même gars a fait les deuxLe doux au-delàet cet épisode très spécial deSVU : Canada. Cela commence de manière assez prometteuse, avec Egoyan apportant sa signature chronologique brouillée à l'histoire d'un couple (Ryan Reynolds et Mireille Enos) dont le mariage s'est effondré après la disparition de leur fille, et des détectives (Rosario Dawson et Scott Speedman) qui n'ont pas réussi. Je n’ai pas abandonné l’affaire. Leur monde semble réel et vécu, c'est pourquoi il est si surprenant lorsqu'Egoyan introduit une cabale de pédophiles virevoltants de moustaches qui ont les ressources et l'ingéniosité d'un méchant de Bond. Face à des méchants aussi ridicules, la seule chose à faire est de rire d’incrédulité. C’est préférable à la réaction que suscite le reste du film : le bâillement.

Un autre voyage au pays de la banane depuis Egoyan, au cours duquel un vieux survivant de l'Holocauste (Christopher Plummer) tente de retrouver le nazi qui a tué sa famille. Sauf qu'il souffre de démence, vous voyez, donc il doit garder une lettre avec des instructions lui rappelant qui il est et qui il essaie de tuer. Dire que cela met à rude épreuve la crédulité est un euphémisme. Dans ses bons jours, Egoyan peut encore livrer une séquence géniale, et il réussit une rencontre tendue avec un flic (Dean Norris) qui est un peu trop impliqué dans l'histoire militaire allemande. Le grandsurprise du troisième acteestCaptif-le niveau est mauvais, cependant, et ce n'est pas moins ridicule car il est entièrement prévisible.

Le seul échec de l'univers cinématographique de Gillian Flynn,Lieux sombresest la définition de « il se passe beaucoup de choses ». Commencez par Charlize Theron en tant que survivante adulte d'un massacre familial qui se mêle à un club de passionnés de vrais crimes convaincus que son frère, qui a été reconnu coupable sur la base de son témoignage, est innocent. Ajoutez à cela une panique satanique, des bébés secrets, des meurtriers adolescents et un tueur en série qui fait signer des autorisations à ses victimes. Une fois que la motivation d'un personnage secondaire s'avère être son histoire de pyromane adolescent, il est clair qu'il peut effectivement exister une chose telle quetropspécificité.

À l'extrémité arrière duL'engouement pour les films de zombiesest venue cette romance décalée entre un jeune homme (un Dane DeHaan extra-hanté) et sa petite amie décédée (Aubrey Plaza) qui est mystérieusement revenue à la vie. Sauf qu'elle revient mal : super forte, avec un caractère épouvantable, et elle ne peut être apaisée que par les sons du smooth jazz. Ce n’est pas le pire concept au monde, mais l’énergie est éteinte et le scénario sans but continue de s’égarer dans des impasses narratives. Au moment où l'intrigue atteint sa conclusion élevée, le film est coincé aussi désagréablement entre les deux que Beth elle-même : pas assez drôle pour fonctionner comme une comédie, pas assez effrayant pour fonctionner comme une horreur.

Le premier film des créatrices de Rodarte, Kate et Laura Mulleavy,Choc de boisest rempli de visuels magnifiquement trippants, mais mon Dieu, c'est lent. Leur muse, Kirsten Dunst, incarne une femme en deuil qui perd lentement contact avec la réalité au milieu des séquoias et des dispensaires du nord de la Californie, sa folie exacerbée par de puissants psychotropes et l'odeur d'un complot impliquant un joint empoisonné. Amie de longue date des sœurs, Dunst a joué un rôle moteur dans la réalisation du film et elle aurait passé un an à se préparer psychologiquement pour le rôle. Elle présente une vitrine d'acteur, mais en tant que réalisateurs, les Mulleavy sont bien meilleurs pour créer une ambiance que pour assembler des scènes dans une histoire fascinante. La meilleure chose que vous puissiez dire surChoc de boisc'est qu'il jouerait probablement bien en sourdine en arrière-plan dans un bar.

Beaucoup de films d’horreur A24 sont considérés comme plus effrayants qu’effrayants, mais dansLe monstrenous avons un véritable trait de créature, alors qu'une mère alcoolique (Zoe Kazan) et sa jeune fille (Ella Ballentine) se retrouvent menacées par une monstruosité meurtrière alors qu'elles conduisent à travers les bois. Le scénariste-réalisateur Bryan Bertino a également réaliséLes étrangers, et il sait dessiner des personnages pour que nous nous en souciions lorsqu'ils sont en péril. Cependant, cela dépend beaucoup du monstre, et celui-ci est un duff – une bête noire générique qui ne répond pas aux attentes tant dans le concept que dans l'exécution. Pas terrible pour un film de série B, mais cela vient d'une époque où le distributeur commençait déjà à viser plus haut.

Pourquoi l'auteure indépendante ultrasérieuse Josephine Decker a-t-elle fait une adaptation YA couleur bonbon ?Pour voir à quoi ça ressemblait, essentiellement. Je ne reprocherais jamais à un cinéaste de sortir de sa zone de confort, mais cette expérience est bien pire que les contes de passage à l'âge adulte plus fondés d'A24. Une romance sur une adolescente en deuil (Grace Kaufman) dans un triangle amoureux avec deux garçons mignons,Cielest un film beaucoup plus léger et plus large que ceux sur lesquels Decker s'est fait un nom. La cinématographie sursaturée et les effets spéciaux lo-fi du film regorgent de savoir-faire, mais malheureusement, deux décennies de publicités télévisées ont déjà essoré ce langage visuel.

Bite longueoccupe une place gênante dans l'histoire d'A24 : c'est le film que Daniel Scheinert, la moitié des Daniels, a réalisé entreHomme de l'armée suisseetTout partout en même temps, seulement pour que le succès de ce dernier l'efface des archives comme un malheureux apparatchik soviétique. Scheinert incarne le titulaire Dick, un Alabaman d'une petite ville qui périt après une soirée avec ses copains idiots (Michael Abbott Jr. et Andre Hyland). Les tentatives maladroites des idiots pour garder une longueur d'avance sur la loi s'avèrent rapidement fastidieuses, même si la réponse à ce qui est exactement arrivé au pauvre Dick a au moins une valeur de choc. Je ne vais pas gâcher cela, sauf pour noter qu'il s'agit d'une obsession artistique familière aux deuxHomme de l'armée suisseetTout partoutque Freud aurait probablementquelque chose à dire sur.

La meilleure partie de cette aventure criminelle dans une petite ville du Montana est la façon dont elle donne à une collection d'acteurs bizarres – John Malkovich, Michael Stuhlbarg, Billy Bob Thornton et Bruce Dern – la chance de vraiment cuisiner. Aucun d'entre eux ne semble être des résidents particulièrement plausibles de Treasure State, ou même du même film, mais ce n'est pas flagrant comparé au poids mort du vide de charisme Liam Hemsworth en tant qu'intrigant au centre de tout cela. C'est comme je dis toujours : n'envoyez jamais un Hemsworth faire le travail de William H. Macy.

Si nous attribuions des points uniquement pour l'ambition, ce néo-noir de Los Angeles serait bien plus haut sur la liste. Le film de David Robert Mitchell tente de faire pour le hipster du 21e siècle ce queVelours bleua fait pour la banlieue des années 50, et le mélange du scénario de paranoïa pynchonienne, de théorie des fans de Reddit et de macabre du vieux Hollywood a dû être irrésistible. Mais en termes de ce qui est à l'écran, Mitchell ne livre rien d'intéressant avant près de deux heures, bien après le moment où les téléspectateurs à la maison ont succombé à la tentation de leur téléphone. Andrew Garfield incarne un fainéant à la recherche de son voisin disparu (Riley Keough) et rencontrant une collection de scénographes qui ont trois choses en commun : ils sont impliqués dans une conspiration occulte, ils se tiennent dans d'interminables plans moyens, et aucun d'entre eux agit comme des êtres humains reconnaissables. Il y a une qualité cloîtrée et sans air dans les débats ainsi qu'une approche odieuse du type « prenez votre gâteau et mangez-le aussi » de l'objectivation des jeunes actrices par l'industrie. A24 n’a pas beaucoup apprécié le film, retardant sa sortie à plusieurs reprises avant de l’enterrer. Ce sort ignoble a faitSous le lac d'argentun objet de fascination culte, mais c'est un film bien plus amusant à lire qu'à regarder.

Le premier film de Jonah Hill illustre les pires habitudes d'un certain type de film A24 bien connecté et à la mode : un drame plombé sur un skateur de petite taille (Sunny Suljic) qui se laisse guider par des notions reçues d'authenticité et une bande-son plaquée or. cela dément son humble 16 mm. prétentions. Il est difficile de gâcher les scènes de patinage, et Hill ne le fait pas, mais le reste oscille entre la réalisation des souhaits des adolescents et les spéciaux après l'école.

Un film irlandais sans lutins,des accents terribles, ou des références aux Troubles - cependant, comme il s'agit d'un film d'horreur, noussonteu droit à une version de«La tourbière Rattlin»par une chorale d'enfants effrayante. Il s'agit d'une version moderne du mythe changeling dans lequel une rencontre avec le trou titulaire conduit une mère (Seána Kerslake) à soupçonner que son jeune fils (James Quinn Markey) n'est plus lui-même. Plus un effort de genre intermédiaire que la plupart des films d'horreur A24, il est marqué par une surabondance de séquences de rêve et de frayeurs, bien qu'une ou deux frayeurs aient le jus de rester avec vous.

Un des A24tentatives périodiquespour faire revivre le western et une vitrine de fin de carrière pour Bill Pullman, qui joue le rôle d'un acolyte ivre d'un flingueur légendaire qui est soudainement plongé dans le rôle du héros. Pullman réalise une performance aussi grande que le ciel du Montana, huant et criant partout, mais le film est un peu plus lié au sol, trop long et prévisible. (Si vous voulez que la révélation du méchant ultime soit une surprise, il est utile de ne pas le déguiser comme Snidely Whiplash.) Le thème central du film – comment gérer le fait d'être un personnage secondaire dans l'histoire de quelqu'un d'autre – serait mieux exploré dans un autre film. ouest plus bas dans cette liste.

Cette version moderne du roman de Richard Wright de 1940, acheté par HBO à Sundance et porté en streaming, vise à mettre en lumière l'ampleur des progrès raciaux que nous n'avons pas réalisés au cours des décennies qui ont suivi. Parfois, cela fonctionne : l’autosatisfaction d’un magnat (Bill Camp) chaque fois qu’il interagit avec son chauffeur noir (Ashton Sanders) est une dynamique sociale aussi vieille que le libéralisme lui-même. Mais la décision du film de jouer le livre fondamentalement directement le met sur une longueur d'onde étrange. L’intrigue est un mélodrame du milieu du siècle, complété par un fourneau métaphorique inquiétant, tandis que le réalisateur Rashid Johnson sert l’austérité indépendante. Chaque fois que ses deux univers entrent en collision – comme au moment où un assaut culminant est interrompu par deux hipsters qui passent – ​​le film semble perdu dans le temps.

Dix ans après un effondrement sociétal inexpliqué, un solitaire joué par Guy Pearce tente de retrouver les hommes qui ont volé sa berline, pour finalement rejoindre un type de « petit frère sensible » (Robert Pattinson, marquant le début de ce qui allait devenir un relation fructueuse avec le studio) dans une quête violente à travers l'arrière-pays post-apocalyptique.Le Roverest plein de constructions mondiales intrigantes mais pas beaucoup de variations tonales ou narrativespunch. J'ai trouvé une place pour une scène dans laquelle Pattinsondanse sur "Pretty Girl Rock",le seul moment de légèreté dans ce qui est par ailleurs un film incroyablement austère.

Le film en robe tueuse de Peter Strickland a une saveur d'horreur différente de celle que A24 sort habituellement, et comme son sujet, il y a une qualité artisanale et vintage dans le film que vous ne pouvez pas vous empêcher d'admirer. C'est un film qui aurait pu être réalisé par une seule personne. Mais une qualité essentielle de l'esthétique de Strickland est une distance qui frise le plat, sans vie et, oserais-je dire, parfois ennuyeuse - ce qui n'est pas un mot que je penserais appliquer à un film dans lequel une robe flottante tue presque Brienne de Terre mi-cunnilingus.

Un drame postapocalyptique effrayant et prémonitoire dans lequel un changement sociétal soudain oblige tout le monde à rester à la maison avec sa famille. Les nerfs s'effilochent et les rumeurs fusent, mais le bon côté des choses, c'est que les gens apprennent aussi de nouveaux passe-temps ! (Dans ce cas, la cueillette de baies et l'abattage de porcs.) Elliot Page et Evan Rachel Wood jouent des sœurs dans le Canada rural, où une panne de courant à l'échelle du continent les oblige à abandonner la vie qu'ils avaient planifiée et à vivre des expériences un peu plus élémentaires ainsi que l'un l'autre. Bien que la dynamique fraternelle soit bien observée, des détails tenaces s'imposent – ​​par exemple, le fait qu'ils sont censés être adolescents alors que les deux acteurs ont clairement la vingtaine. De plus, plus d'un an après le début de cette panne, ils ont toujours une coiffure et un maquillage parfaits ?

Au milieu de l'ère des girlboss de Jessica Chastain, elle et son accent suisse ont joué dans ce biopic peu vu de la militante des droits des Indiens Caroline Weldon, qui, dans les années 1890, s'est rendue à Standing Rock pour peindre un portrait de Sitting Bull (Michael Greyeyes) et a fini par rejoindre le cercle restreint du chef. En tant qu'œuvre de féminisme hollywoodien bien intentionné, le film résume habilement les complexités politiques en jeu dans la réserve. Néanmoins, il ne peut s'empêcher de poncer l'histoire pour s'adapter à un moule familier, au point d'écrire le fils de Weldon et la femme de Sitting Bull afin que les séances de portraits puissent inclure un frisson de tension érotique. C'est un bon frisson, mais sinon le titre est approprié. C'est un film qui marche plutôt que court.

Une comédie d'horreur sur une fête à la maison de Zoomers réveillés qui se font éliminer un par un alors qu'ils sont trop occupés à se traiter de « toxiques » pour découvrir le tueur ? Et l'un d'eux est joué par Pete Davidson ? Dommage que Jordan Peele ait déjà fait un film intituléNon.Corps Corps Corpsest aussi épuisant que de lire le fil Twitter de votre collègue le moins préféré pendant 90 minutes. Pourtant, je mentirais si je disais que jejamaisa ri. La satire d’une cohorte dont les instincts de conservation conduisent à des signaux de vertu, à un profilage et à des coups (littéraux) dans le dos est parfois suffisamment acerbe pour faire couler le sang. Mais vous avez le sentiment persistant que le film était moins une vision personnelle que le travail d'une séance de stratégie de marque.

Combien faitL'équipe Killn'existe pas ? Pendant un certain temps, il n'était même pas inclus dans la liste Wikipédia des films A24 que j'utilisais pour suivre mes progrès – peut-être en partie parce que l'intérêt du public pour les films sur les atrocités de la guerre contre le terrorisme, jamais élevé au départ, avait diminué. largement évaporé en 2019. Nat Wolff incarne un jeune soldat aux yeux brillants en Afghanistan dont l'équipe tombe sous l'emprise d'un sergent charismatique (Alexander Skarsgård) avec un penchant pour le meurtre. civils. En adaptant son documentaire du même nom de 2013, le réalisateur Dan Krauss met en avant le conflit moral de Wolff, et Skarsgård a un diable effrayant sur son épaule. Mais la représentation de l'Afghanistan dans le film n'est jamais tout à fait convaincante : remplie de CGI bon marché et d'argot anachronique, elle n'a pas l'intensité viscérale des meilleurs films de guerre. Krauss se lance sur la pointe des pieds en posant des questions plus larges sur nos aventures impériales, mais en fin de compte, ce n'est qu'une histoire de quelques pommes pourries.

Les adolescentes Dirtbag Maia Mitchell et Camila Morrone tentent de gagner de l'argent pour leur loyer dans les débuts débraillés d'Augustine Frizzell. Des comédies à petit budget comme celle-ci remplissent Sundance chaque année, et malgré un admirable défi aux conventions masculines du genre, beaucoup de bons coups ici n'arrivent pas. Tout le monde à l’écran ressemble plus à un personnage d’un scénario qu’à une personne réelle. Heureusement que le film reprend à mesure qu'il devient de plus en plus audacieux, surtout lorsqu'un gag courant sur le système digestif de Morrone obtient un gain explosif.

Déplacez-vous sur Albert Speer – il y a un nouveau nazi qui a dit « désolé ». Il s'agit de Bryon Widner (Jamie Bell), un suprémaciste blanc qui a quitté le mouvement et a subi le processus ardu consistant à enlever les tatouages ​​​​haineux qui parsemaient tout son corps. La manière dont le réalisateur israélien Guy Nattiv traite le racisme est ici bien moins embarrassante que dans sonCourt métrage oscarisé du même nom, et il mérite des performances convaincantes de Bell et Danielle Macdonald dans le rôle de la femme qui convainc Bryon d'aller tout droit. Ironiquement, cependant,PeauLe drame humain de s'étend rarement sous la surface. Lorsque le générique de fin indique que le vrai Widner est toujours ami avec l'activiste qui l'a aidé à s'en sortir (joué par Mike Colter), la surprise ne vient pas de son histoire de raciste violent mais de l'hypothèse du film qui nous avait fait investir dans leur relation personnelle.

LeGuerres des étoilesdes préquelles renaissent sous la forme d'un thriller policier australien : le jailbreaker espiègle d'Ewan McGregor acquiert un protégé sans gormless (Brenton Thwaites), puis passe au second plan dans la relation secrète du garçon avec une future lauréate d'un Oscar (Alicia Vikander). Le regarder pour cette liste peut être l'éclairage le plus favorable pour voir le film, ne serait-ce que parce qu'il est bien meilleur queHors-la-loi.Vieux coquincontient une performance charismatique de McGregor, ses séquences d'action sont véritablement pleines de suspense et il utilise mieux l'abondance d'acteurs australiens queHors-la-loi(à l'exception de Matt Nable susmentionné, qui a plus à faire dans l'autre). Rien de tout cela n’a empêché le film d’établir le record du box-office national le plus bas de tous les films A24 sortis en salles : la somme énorme de 1 411 $.

Vous êtes un aspirant punk de la fin des années 70 à Londres qui organise une fête à la maison où tout le monde porte des combinaisons en plastique colorées et parle de choses que vous ne comprenez pas : sont-ils des extraterrestres ou simplement des fans de Brian Eno ? Dans le film de John Cameron Mitchell, adapté d'une nouvelle de Neil Gaiman, c'est la première, une prémisse prometteuse dont le film ne sait que faire. Le film donne une représentation vivante (bien que aseptisée) de la scène punk à son apogée, et Elle Fanning est dans une belle forme comique en tant que fille de rêve extraterrestre, mais l'intrigue s'enlise dans des mythes et des métaphores incohérents qui ne se figent jamais. Mitchell nous offre un opéra rock alors que trois accords suffiraient.

Vous connaissez les films Florida A24 : un carnaval au néon traverse les entrailles de l’Amérique. Et vous connaissez les films New York A24 : granuleux des projets de style vérité remplis de freakazoids. Mais il existe aussi des films LA A24, dont un certain nombre suivent des mecs créatifs qui portent des vêtements cool et sont irrésistibles pour les femmes.Charles Cygne,Sous le lac d'argent, etMilieu des années 90tous sont admissibles (tout commeSalle Sidney, même s'il a été tourné au Nouveau-Mexique), mais le comble de ce sous-genre estMojave, un passage rare derrière la caméra pour le scénariste oscarisé William Monahan. C'est l'histoire d'un cinéaste (Garrett Hedlund) qui part en voyage dans le désert pour se vider la tête et se retrouve mêlé à un jeu du chat et de la souris avec un vagabond meurtrier (Oscar Isaac) qui veut sa vie. Prétentieux et étrangement lésé – vous pouvez lire le film en tant que vétéran du showbiz laissant échapper des décennies de frustration avec des aspirants lui disant qu'ils auraient pu le faire aussi –Mojaveest un aperçu d'une partie peu flatteuse de la psyché hollywoodienne. Mais une performance saisissante peut racheter beaucoup, et Isaac est diablement bon dans ce domaine. Il réaliseLe rêve de Pacinode faire à lui seul un mauvais film médiocre.

Grâce à son aspect vaporeux et suréclairé et à son dilemme éthique typique de la semaine, la première heure deLa loi sur les enfantsse joue comme un épisode très pédigrée d’une procédure médicale. (C'est une coproduction avec la BBC.) Emma Thompson est une juge froide du tribunal de la famille appelée à juger le cas d'un témoin de Jéhovah de 17 ans (Fionn Whitehead) qui refuse une transfusion sanguine vitale. Jusqu'à présent, doncChicago Med, jusqu'à ce qu'un tournant du deuxième acte secoue l'intrigue hors de ses rythmes prévisibles. Malheureusement, le film reste trop majestueux et trop moyen pour plonger dans son étrange nouvelle dynamique. Si vous n'avez pas compris que c'est basé sur un roman de Ian McEwan, vous pourriez probablement le deviner.

Les Allemands ont inventé l'histoire du passage à l'âge adulte, il est donc normal que cette histoire de poisson hors de l'eau d'un jeune rappeur américain (Markees Christmas) ayant grandi à l'étranger se déroule à Heidelberg. Le lieu rend les chagrins du jeune Morris plus explicites – il ne parle littéralement pas la même langue que tout le monde autour de lui – mais pour chaque scène de différences culturelles bien observée, nous en obtenons deux dans une intrigue romantique qui esttrès usé. Heureusement que Craig Robinson est là pour ajouter un peu de caractère poignant en tant que père bien intentionné de Morris.

Imaginez un avenir dystopique dans lequel les sentiments sont interdits, les tenues blanches sont obligatoires et tout le monde parle sur un ton monotone et coupé. Qu'est ce que c'est? Vous pouvez très facilement ? Roulez les yeux sur cette romance de science-fiction si vous le devez, et vous devriez probablement le faire : c'est un film incroyablement évident. Mais pas mauvais. Visuellement, c'est un repas – un monde de modernisme en granit mélangé aux excès du jardin botanique. (Il a été tourné au Japon et à Singapour.) Et les visages ardents des stars de cinéma de Nicholas Hoult et Kristen Stewart ont une chimie benzoate qui est en fait plutôt chaude.

Le drame policier d'Adam Smith (pas celui-là) a eu droit à certainscritiques cinglanteslors de sa première au TIFF - etaprèsaussi – mais regardez-le en dehors de cette atmosphère de serre et vous trouverez un film de genre parfaitement correct. J'admets que Michael Fassbender n'est peut-être pas lela plupartchoix crédible pour incarner un voyageur irlandais qui aspire à abandonner les intrigues et les vols et à aller tout droit, et parfois les débats ont l'air de luvvies chics qui se grognent et montent un spectacle. Quand même,Intrusion contre nouspropose également des poursuites en voiture crackerjack, une performance agréablement dégueulasse de Brendan Gleeson dans le rôle de la pop de Fassbender et une chance de s'immerger dans une sous-culture rarement vue à l'écran. Parfois, cela suffit.

Faisant partie de ces films « filmés avant l'évasion mais sortis après », ce véhicule de Timothée Chalamet estEntreprise risquéerenaît comme un pastiche de Scorsese avec des notes deSoirées BoogieetSuicides vierges. C'est un peu dérivé, c'est ce que j'essaie de dire. C'est aussi le genre de film dans lequel chaque personnage féminin est vu dans des plans de cheesecake au ralenti, l'arrivée imminente d'un ouragan sert de métaphore de mauvais augure, et des durs à cuire se regardent et se disent : « Comment pensiez-vous que ça se passait ? pour finir ? Pourtant, j'ai trouvé un certain charme dans son impudeur. Même Léo a dû faireLa plage.

A24 n'a pas inventéle phénomène « métaphore », maisLe film d'Alex Garlands'est avéré être celui qui a déclenché la réaction grâce à son intrigue traumatisante à propos d'une veuve (Jessie Buckley) dont l'escapade solo est assaillie de tous côtés par des interruptions masculines. Ils se déclinent en différentes saveurs – certains sont officieux, certains sont méchants, certains sont des incarnations nues de la haine primale – mais ils ont tous le même visage (un jeu de Rory Kinnear). Ils se révèlent également tous horribles à peu près exactement de la même manière, donc malgré le plaisir bizarre de la configuration, tout ce que Garland essaie de faire valoir sur les spécificités du sexisme semble vague et sans ancrage. C'est un film qui offense à la fois les misandristes et les militants des droits des hommes.

Qu'est-ce que ça fait ici ?L'exceptionest le genre de belle pièce d'époque que l'on s'attend à voir dans Searchlight ou Miramax, avec une intrigue dérivée d'une note historique : l'empereur Guillaume II a survécu à la Seconde Guerre mondiale et vivait en exil aux Pays-Bas lorsque les Allemands ont envahi. Il est interprété ici par Christopher Plummer dans le rôle d'un charmant vieux foulque – à condition que vous puissiez passer outre ses diatribes sur les bolcheviks et les juifs – qui agit comme le parrain féerique de la romance interdite entre un gentil gars de la Wehrmacht. capitaine (Jai Courtney) et une femme de chambre pleine de secrets (Lily James). Pour un drame de guerre de niveau moyen, le film est réalisé avec compétence, avec une attitude européenne rafraîchissante envers la nudité frontale. Cependant, le point culminant étrangement fantaisiste peut vous laisser sceptique quant au fait que le chef du Second Reich mérite une telle réhabilitation historique.

En riantétait le premier film que j'ai regardé pour cette liste, et sa simple adéquation est devenue une référence mentale utile. Pour les 112 films A24 suivants, la question fondamentale que je me suis posée était : est-ce meilleur ou pire queEn riant?

Un premier effort A24 parfeu Lynn Shelton, cette comédie romantique à faibles enjeux met en vedette Keira Knightley dans le rôle d'une jeune femme d'une vingtaine d'années qui ne va nulle part et qui noue une amitié avec une adolescente (Chloë Grace Moretz), puis décide d'échapper à ses problèmes en se reposant chez Moretz pendant une semaine, où des étincelles voler avec le père avocat laconique de la fille (Sam Rockwell). Charmant par intermittence,En riantest également gâché par certains types de personnages éculés et par une intrigue qui permet à son héroïne de s'en tirer. Il n'y a guère de point noir sur le curriculum vitae, mais toutes les personnes impliquées feraient un meilleur travail à l'avenir.

D'accord, c'est donc un « film sur les problèmes », mais c'est l'un des meilleurs. Mandy (Rhianne Barreto), 16 ans, s'évanouit lors d'une fête et se réveille le lendemain matin pour découvrir qu'une vidéo de son agression sexuelle circule dans l'école. Alors que la nouvelle se propage à travers la ville, les rouages ​​inexorables de la bureaucratie qui se cache le cul la transforment en paria. Ce qui sauvePartagerde me sentir comme unDégrassiL'épisode est l'installation de la réalisatrice Pippa Bianco avec une texture psychologique - nous vivons dans l'isolement de Mandy, ressentons son incertitude nauséabonde.

Nous sommes en 1962, cette époque transitoireimmortalisé par Philip Larkin, alors que les années 60 commencent tout juste à prendre de l'ampleur en Grande-Bretagne. Mais les choses ne sont pas encore géniales pour Ginger, 17 ans (Encore Elle Fanning) : maman (Christina Hendricks) est une femme au foyer désespérée, papa (Alessandro Nivola) et BFF Rosa (Alice Englert) commencent à se faire des yeux, et pour couronner le tout, nous vivons les jours sombres de la crise des missiles de Cuba, lorsque l'anéantissement nucléaire semble proche. La réalisatrice Sally Potter et le directeur de la photographie Robbie Ryan dressent un portrait oniriquement évocateur du Londres du début des années 60, et bien que le film oscille à la limite du mélodrame, il s'appuie sur une performance courageuse de Fanning. Elle a un partenaire compétent en Nivola en tant que narcissique qui a avalé tellement de ses propres conneries qu'il pense que c'est nutritif.

Azazel JacobsLa comédie de a un décor tout droit sorti d'une farce française : alors qu'un couple d'âge moyen sur le point de divorcer (Tracy Letts et Debra Winger) se lasse de leurs liaisons extraconjugales, leurs yeux vagabonds commencent à se tourner un peu plus vers chez eux. Dansles paroles immortelles de Kevin Smith, c'est presque comme s'ils se trompaientavecl'un l'autre! j'ai aiméLes amoureuxbien, mais c'est le prosecco des films – pétillant et effervescent et manquant de la profondeur qui laisserait plus qu'un arrière-goût.

Le charbon peut-il être de l'art ? Peut-être qu'une meilleure question est,devraitest-ce que c'est ? Dans le retour en arrière de Ti West, une équipe de porno des années 70 se présente dans un ranch en ruine avec le rêve de transformer le sexe en réalisation de soi. Le réalisateur singe la Nouvelle Vague française, le producteur sordide rêve de dollars et, comme Dirk Diggler avant elle, Maxine Minx (Mia Goth) veut être une grande étoile brillante. Il n'y a qu'un seul problème : la frustration sexuelle a transformé le couple de personnes âgées propriétaire du ranch en maniaques meurtriers enflammés par la vue de la chair jeune !Xne s'excuse pas des plaisirs du sexe et de la violence à l'écran, même si West proteste peut-être trop : sa stratégie consistant à maquiller Goth de vieillesse pour jouer le rôle de la femme prouve que même lui ne peut pas résister à la tentation d'injecter un peu d'art dans son sordide. .

Sofia CoppolaLa satire qui a fait la une des journaux sur les adolescents de Los Angeles qui volent les maisons des célébrités est mieux appréciée en tant que film.Graffitis américains– portrait de style du passé récent – ​​dans ce cas, 2009, une époque où les franges étaient souples, les téléphones toujours retournés et chaque A-lister avait une arrestation pour conduite en état d’ébriété et un bronzage en spray.La bague scintillantej'ai eu la malchance de sortir quelques mois aprèsSpring Breakers, et il aurait pu bénéficier d'une dose de l'énergie sinistre de ce film : en tant que réalisateur, Coppola garde une distance froide avec les débats, et bien qu'Emma Watson s'amuse en tant que membre le plus insipide du gang, le film souffre de son manque de performance centrale centrale. Mais il est également conscient de la façon dont ces adolescents de la classe moyenne, pour la plupart blancs, s'approprient la culture hip-hop, vont de pair avec leurs cambriolages de riches et de célébrités. Dans les deux cas, si vouspeutprends-le, pourquoi pas ?

Ces fous islandais l'ont finalement fait – ils ont réalisé un film d'horreur A24 avec tous les éléments effrayants supprimés, ne laissant que des vibrations étranges. Les débuts de Valdimar Jóhannsson se déroulent dans une ferme de moutons isolée où Maria et Ingvar (Noomi Rapace et Hilmir Snær Guðnason) pourraient tout aussi bien être les deux seuls humains au monde. Lorsqu'un membre de leur troupeau donne naissance, disons, à ununiqueprogéniture, le couple sans enfant décide de l'élever comme le leur, une décision que Jóhannsson joue à la fois pour l'effroi interspécifique et la comédie pince-sans-rire. Par moments,Agneauil semble qu'il s'agisse d'un commentaire sur l'exploitation animale, la parentalité moderne ou le péché originel. Mais dans sa volonté de choquer, la fin enlève au film une grande partie de sa puissance métaphorique. Il s’avère que ce n’était qu’un film de monstres depuis le début.

La douce hagiographie de David Foster Wallace de James Ponsoldt offre désormais une expérience visuelle légèrement étrange, car la réputation de Wallace l'a fait.a changé de manière significativedans les années qui ont suivi sa sortie. Incarné par Jason Segel, il s'agit d'une vision édulcorée du défunt auteur comme un modèle d'authenticité sérieux et hyperarticulé : Bouddha dans un bandana, s'entraînant et se liant avec un interlocuteur jaloux (Jesse Eisenberg, dans le rôle pour lequel il est né ). Bien que la représentation de Wallace en tant que figure ambitieuse n'ait pas bien vieilli, la performance de Segal reste un fantasme convaincant du DFW que ses fans voulaient, et peut-être avaient besoin, d'exister.

Comparé à ses camarades A24, il peut être difficile de maîtriserTrey Edward Shults, dont les films varient énormément en termes de contenu et de ton. Mais ils partagent un intérêt pour les dynamiques familiales perturbées, la manière dont les problèmes des parents se répercutent sur leurs enfants. Les horreurs domestiques ici sont un peu plus littérales : au milieu d'une mystérieuse pandémie, une famille (Joel Edgerton, Carmen Ejogo et Kelvin Harrison, Jr.) est enfermée dans les bois. Une rencontre avec des étrangers (Christopher Abbott et Riley Keough) offre l'opportunité de mettre en commun les ressources tant que le module de quarantaine ne se brise pas sous la paranoïa collective de chacun. L'une des entrées d'horreur A24 les plus controversées, le film a été largement diffusé et présenté comme un festival d'effroi classique ; quand cela s'est avéré être quelque chose de plus récessif et de rétention, le public a presquerévolté. Bien que Shults maintienne efficacement un suspense lent, il y a des moments où vous souhaiteriez qu'il opte pour la jugulaire. (Quelque chose qu'il finirait effectivement par faire dans son prochain film, pour le meilleur ou pour le pire.)

Enfant évidentcomme la « comédie romantique sur l'avortement » la précède. Quelle surprise, alors, de découvrir que l'intrigue de l'avortement ne reprend qu'une poignée de scènes du film de Gillian Rospierre, la plupart remarquables par leur caractère concret. Le reste n'est que romance, alors que le sale stand-up de Jenny Slate découvre comment ouvrir son cœur à celui qui l'a accidentellement mise enceinte (Jake Lacy,créer le modèle pour le reste de sa carrière). Le discours autour du film a ajouté un poids politique quiEnfant évidentest un peu trop léger à assumer, mais ce n'est pas la faute de ce film si peu d'autres films sont assez courageux pour s'aventurer sur un tel territoire. Pas la version comique de Jamais Rarement Parfois Toujours– juste un indépendant charmant et discret.

Quiconque écrit quelque chose surLa chambre—y compris moi— doit compter avec le paradoxe de Tommy Wiseau : un cinéaste terrible qui a embrassé sa nouvelle identité comme une figure du plaisir mais aussi, siLa chambrey a-t-il une preuve, un homme avecune véritable obscurité pour lui.L'artiste du désastreévite la plupart du temps de s'attaquer à tout cela, transformant Wiseau en un simple clown et son histoire en une parabole sur le pouvoir de l'amitié. Heureusement, c'est aussi très drôle, ce qui pour lecomédie rare A24compte pour beaucoup. Au total, un film étonnamment conventionnel sur un film extrêmement non conventionnel.

Trois films, chacun se déroulant en Floride, sortis à trois ans d'intervalle.Flotsmarque le moment où la marque est devenue si forte que quelqu'un a pu se lancer consciemment dans la réalisation d'un « film A24 » – des adolescents qui se conduisent mal, un hip-hop engourdi, suffisamment de néons pour éclairer Times Square. La première moitié est un mélodrame à l'ancienne habillé de nouveaux vêtements branchés, suivant un athlète vedette (Kelvin Harrison Jr.) qui craque sous la pression de son père dictatorial (Sterling K. Brown). Le réalisateur Trey Edward Shults fait de cette spirale descendante une expérience sensorielle bouleversante avec une caméra itinérante qui rappelleCe spectacle des années 70, mais ses efforts sont surchauffés au point de parodier. Shults s'efforce tellement d'atteindre la grandeur, avec tellement de choses à dire sur l'excellence noire et la masculinité performative, qu'on peut presque le sentir transpirer. Heureusement, à mi-chemin,Flotsrétrograde dans un film de passage à l'âge adulte doucement naturaliste sur la sœur de Harrison (Taylor Russell). Les deux actes s'avèrent « plutôt bons », ce qui n'était pas suffisant pour faire sensation dans ce qui s'est avéré êtreune bannière tombe pour le cinéma indépendant. MaisFlotsaura toujours sa première à Telluride, où l'ambiance dans la salle était si extatique pour les fans brièvementse sont convaincusils avaient vu un drame marquant une génération.

Tenu pendant 18 mois après sa première au TIFF, la fille de Blackcoatest l’un des premiers exemples de l’horreur arty qui deviendra synonyme de la marque A24. DirecteurOz Perkinscombine les caractéristiques classiques du genre – écolières et satanistes, quoi de mieux – avec les tics structurels de Christopher Nolan. Dans une intrigue, deux adolescents d'un internat catholique (Kiernan Shipka et Lucy Boynton) se retrouvent sur le campus pendant les vacances ; dans l'autre, une vagabonde (Emma Roberts) fait du stop dans un but inconnu. Comme pour la plupart des productions ultérieures de l'entreprise, les traditionalistes peuvent se moquer du fait que les frayeurs réelles dans chaque fil sont rares. Cela ne me dérange pas. Ce sont les moments intermédiaires qui vous marquent, l'hiver désolé rempli d'une terreur qui monte lentement.

Juste un tout petit peu flashy : Un beau garçon blond (Joe Cole) est jeté dans une prison thaïlandaise, où son corps parfait est assailli de toutes parts par la drogue, les gangs et les agressions sexuelles. Le salut vient sous la forme de l'équipe de boxe de la prison, qui le laisse au moins se détruire pour une bonne cause. Heureusement, le réalisateur Jean-Stéphane Sauvaire n'a pas fait le pleinDernier samouraï– ce n’est pas l’histoire d’un occidental magique qui bat les Asiatiques du Sud-Est à leur propre jeu. Le film est plus intérieur que ça. Bien que la représentation directe du spectacle d'horreur pénal par Sauvaire soit parfois exagérée, son traitement du héros de Cole est tout aussi peu romantique.

Un grand « film d'émotions » dans lequel l'animateur radio de Joaquin Phoenix se lie d'amitié avec son neveu de 9 ans (Woody Norman) et apprend à quel point élever un enfant peut être frustrant et beau. Votre tolérance à l’idée de voir des personnes hautement thérapeutiques parler de leurs problèmes peut varier ; Je préfère les personnages de l'autre film A24 de Mike Mills, qui ont un peu plus de mordant. Mais cela vaut la peine de regarder occasionnellement les scènes dans lesquelles Mills réussit à nous faire voir le monde vaste et merveilleux à travers les yeux des écrivains qu'il aime.

Oui, le premier long métrage d'Owen Kline est un autre exemple de la façon dont A24 met ses jetons derrière quelqu'un dontles noms des parents sont bleus sur Wikipédia, mais c'est aussi le genre d'indie scabreux et artisanal que l'on ne voit plus beaucoup. Le film sur le passage à l'âge adulte suit un dessinateur adolescent (Daniel Zolghadri) qui abandonne ses études secondaires pour poursuivre une carrière d'artiste étranger, son idéalisme de jeunesse se réveillant dans les coins les plus sordides de la banlieue du New Jersey. Kline a joué dansLe calmar et la baleineenfant et a travaillé avec les Safdie à l'âge adulte, et ici il épouse les influences de ses aînés : il a le nez de Noah Baumbach pour les postures intellectuelles, plus le talent des frères pour escalader les décors comiques (ainsi que leur habitude d'empiler un casting avec visages bizarres).Pages drôlesest un film désordonné qui porte quelques marques de l'inexpérience de son réalisateur, mais comme pour les dessins animés que son héros admire, cela ne fait qu'ajouter à son attrait.

Le bilan des réalisateurs de vidéoclips qui se sont tournés vers le cinéma est mitigé. Parfois, vous avez David Fincher ; parfois tu as McG. Le premier long métrage du duo de réalisateurs Daniels («Refuser pour quoi») nous offre la plupart des avantages : une imagination naïve, des réserves infinies de fantaisie et un simple "Je n'arrive pas à croire qu'ils aient réellement essayé ça". C'est un film de copains sur un solitaire sur une île déserte (Paul Dano) et un cadavre qui s'échoue sur le rivage (Daniel Radcliffe), qui, découvre Dano, peut faire office de jet ski, de bouteille d'eau, de boussole, de mitrailleuse… etami. Mais cela nous donne aussi une touche de mauvais, le film s'essoufflant une fois les garçons sortis de leur bac à sable. Confrontés aux émotions humaines réelles, les réalisateurs ne savent pas quoi en faire. Un film d’adolescent maladroit mais le genre de bizarre attachant qui a donné sa bonne réputation à A24.

Si les progressistes du 21ème siècle ont toutes les bonnes opinions et font tous les bons choix, pourquoi sont-ils... d'accord,nous— si malheureux ? C'est la question qui taraude Sofia Coppola dans sa dernière exploration en mode mineur de l'ennui bourgeois. Rashida Jones incarne une maman de Tribeca vaguement frustrée par son style de vie pâle de Whole Foods et méfiante à l'égard de son mari (Marlon Wayans). Entrez son père dissolu (Bill Murray), qui se nomme shérif de la fidélité conjugale et la guide dans des escapades nocturnes qui rappellent une époque plus ancienne de la vie new-yorkaise. Ses leçons sont toutes assez terribles, mais Coppola résiste à la moralisation : elle est ouverte à l'idée que les générations précédentes auraient pu savoir quelque chose que nous ignorons (comme vous pourriez l'être si votre père avait faitLe parrain). C'est une rêverie magnifiquement tournée, et même si la fin s'essouffle, cela est vrai d'une certaine manière à l'ambiance de déception douce-amère du film.

C'est drôle : pour un studio si identifié aux connaisseurs du centre-ville, A24 est plus engagé que la plupart des autres à sortir des films se déroulant dans les rues et les backwaters de l'Amérique. Certains d’entre eux peuvent bien sûr ressembler à du tourisme culturel condescendant ou inauthentique. Mais beaucoup d'entre eux ne le font pas, parmi lesquels cette adaptation littéraire du réalisateur britannique Andrew Haigh, qui absorbe tellement de détails sur les coins minables de la scène des courses de chevaux de l'Oregon qu'on pourrait supposer que Haigh est né en selle. C'est un road movie sur un pauvre jeune de 16 ans (un Charlie Plummer guppy) et le cheval de course en panne qu'il essaie de sauver de l'abattoir. Tout le monde le prévient de ne pas trop s'attacher, mais ce qu'ils ne savent pas, c'est que l'enfant n'a personne d'autre. Comme beaucoup de quasi-westerns A24, le rythme est peut-être un peu trop posé, mais l'esprit est là. Haigh nous montre ce que signifie être fièrement indépendant dans un monde où cela ne vous mène pas aussi loin que vous le pensez.

À moins qu'ils soient, genre,Casino Royale, les films de jeu se déroulent souvent ensemble pour moi. Les cinéastes peuvent orchestrer le résultat qu’ils souhaitent, et le poids de leur pouce sur la balance n’est généralement que trop évident. Les bons réussissent grâce à leur caractère et à leur ton, comme dans ce récit de voyage hirsute deDemi Nelson's Anna Boden et Ryan Fleck, qui suit un joueur compulsif (Ben Mendelsohn) qui fait un road trip impromptu avec son copain de poker (Ryan Reynolds) dont il est convaincu qu'il lui portera chance. Les deux stars se jouent bien, le charme du chien battu de Mendelsohn contrecarrant le manque de sincérité naturelle de Reynolds, et ensemble, ils apportent une ambiance sordide et vécue à ce qui aurait autrement pu être une simple histoire de dépendance. Le film sait que peu importe la carte qui apparaît : gagner ou perdre ne sera pas la chose qui amènera ces gars à faire le ménage.

En tant que créateur, Noah Baumbach n’est pas sans rappeler le Dieu de l’Ancien Testament : il conçoit des personnages égoïstes et mesquins puis, par amour, les punit. À l'avenir, il adopterait une vision plus miséricordieuse de leurs faiblesses, mais il s'agit là d'un effort de transition, le chant du cygne de Salty Baumbach. Il suit deux membres vieillissants de la génération X (Ben Stiller et Naomi Watts) qui tombent sous le charme d'un millénaire invitant (Adam Driver) pour découvrir, commeLorrie MooreJe l'ai fait, que sous leurs fedoras et leurs vinyles, les jeunes sont des carriéristes superficiels comme tout le monde. (Comme toujours avec Baumbach, la tentation d’examiner les traces de l’autobiographie est irrésistible.) Le truc hipster ressemble déjà à une capsule temporelle de l’ère Obama, et il y a probablement trop de questions sur l’éthique du cinéma documentaire. Ce qui ressort, c'est l'écoute de Baumbach pour les platitudes de la classe moyenne. Vous riez et pensez,J'ai aussi dit quelque chose d'aussi stupide.

Avant que Robert Pattinson ne rejoigne le monde du cinéma en franchise, l'acteur et A24 entretenaient une relation symbiotique. La volonté de Pattinson de travailler avec des cinéastes d'art et d'essai estimés a donné au studio un talent de premier plan qui correspondait à sa marque ; en retour, le cachet d'A24 a aidé Pattinson à enterrer définitivement Edward Cullen. Exemple concret :Haute vie, le premier film anglophone de Claire Denis. C'est une idée que le réalisateur avait en tête depuis 15 ans avant l'arrivée de Pattinson, et elle est clairement intriguée par son pouvoir de star ; elle dessine ses traits comme une falaise de granit. Incarnant un condamné relevant le défi #NoFap le plus difficile au monde à bord d'un vaisseau spatial condamné, l'acteur passe une grande partie du film essentiellement seul, dernier vestige d'une expérience biologique dans laquelle Juliette Binoche récolte du sperme. Jamais prude, Denis ne se retient pas sur les fluides — appelez-le35 coups de sperme— et pourtant, tout comme le personnage de Pattinson préfère « l'abstinence à l'indulgence », son réalisateur aussi : c'est un film austère et retenu qui n'atteint jamais vraiment les sommets que l'on attend de son pedigree. Mais quand même, quel pedigree !

De l’ésotérique à l’adorable, c’est là que la notion de « film A24 » commence à se rassembler. Il s'agit notamment de films avec de petites ambitions qui les réussissent et de films avec de grandes ambitions qui n'y parviennent pas vraiment.

Pour paraphraser un autre film de cette liste : C'est ma merde. Un drame sur des forces invisibles reliant les événements à travers l’espace-temps ?Etun type ivre au hasard donne un monologue sur l'inévitable mort thermique de l'univers ? Inscrivez-moi. Pourtant, je ne vais pas nier que le film de David Lowery est une situation difficile : Casey Affleck reste debout dans un drap pendant 90 minutes, et son rythme est si lent que vous pourriez avoir l'impression que vous aussi avez été maudit de passer l'éternité à errer dans le monde. limites de votre vie mortelle. (La célèbre scène dans laquelleRooney Mara mange une tarteil arrive à neuf minutes.) Mais je creuse la façon dont Lowery applique une leçon personnelle – le changement est la seule constante – à une échelle épique. Ce n'est pas facile d'être Holocène.

Même avantLe pouvoir du chien, les cinéastes regardaient Kodi Smit-McPhee et pensaient :Voilà un type qui n'est pas à sa place dans un western.Ici, il incarne un riche garçon écossais qui traque son amour perdu (Caren Pistorius) au Colorado avec l'aide d'un chasseur de primes (Michael Fassbender) qui devient son Bronco Henry non sexuel. Leur aventure va de la comédie noire à l'ultraviolence, mais le mélange tonal joue grâce au sens visuel décalé du réalisateur John Maclean - sa mise en scène donne une sensation de fraîcheur aux scènes que nous avons vues un million de fois auparavant. Il est aidé par les lieux d'un autre monde néo-zélandais, qui évoquent l'Occident moins comme un lieu réel que comme une vision imaginaire.

De nombreuses adaptations modernes de Shakespeare s’efforcent d’ouvrir le matériel source. Joel Coen fait exactement le contraire dans sa version extravagante et scénique de la pièce écossaise, faite d'ombres lourdes et d'intérieurs austères. Cela peut paraître excessif, mais ceciMacbethbouge rapidement grâce à la décision de Coen de couper le texte presque au plus vite – peut-être trop vite : le roi Duncan a eu la gorge tranchée avant que vous ayez commencé à creuser dans le pop-corn. L'avantage qu'il y a ici vient de la vision agile de Denzel Washington de l'anglais du barde et des Macbeth grisonnants et d'âge moyen du film. Leur infécondité souligne le nihilisme de toute cette entreprise sanglante : après eux, le vide.

Qui aurait pu prévoir que Marcel the Shell était non seulement un personnage assez fort pour soutenir un long métrage entier, mais que le film se révélerait être l'une des réflexions les plus poignantes de l'ère COVID sur la perte ? Si vous ne le savez pas, Marcel était un optimiste aux yeux écarquillés créé par Jenny Slate et son mari de l'époque, Dean Fleischer-Camp, dans des vidéos YouTube devenues virales au début des années 2010. Mais lorsque le couple s’est séparé en 2016, cela semblait être sa fin. Le film aborde cette maladresse de front : Fleischer-Camp, nouvellement célibataire, emménage dans un Airbnb, où il découvre Marcel, qui vit uniquement avec sa grand-mère âgée (exprimée par Isabella Rossellini) pour compagnie après la disparition du reste de leur famille. Comme beaucoup d'entre nous, la coquille courageuse apprend à faire face à un isolement soudain, non seulement pour passer la journée, mais aussi pouren direct. Mais contrairement à nous, son mode de vie consiste à se rouler dans une balle de tennis et à utiliser un morceau de pâtes séchées comme trompette. C’est la façon la plus mignonne dont deux personnes aient jamais vécu leur divorce.

Dans le thriller psychologique de Denis Villaneuve, deux hommes, l'un un universitaire froissé et opprimé, l'autre un acteur bourgeois et dominateur, découvrent qu'ils sont la réplique exacte l'un de l'autre. (Jake Gyllenhaal joue les deux.) Sont-ils jumeaux ? Plusieurs personnalités ? La même personne divisée en deux ? Le film est moins intéressé à répondrepourquoiplutôt que de se prélasser dans l'étrangeté de tout cela. Si vous écoutez la longueur d'onde de Villaneuve, vous découvrirez un texte fascinant : un examen de la masculinité fracturée, peut-être, ou peut-être une parabole sur les effets aliénants de l'architecture moderne. Ne me demande pasà propos des araignées. Dans le message–Spring BreakersÀ l'époque, les plus grands succès de l'A24 sont venus du shopping dans l'allée d'art et d'essai du marché étranger, et aux côtésSous la peau(sorti le même printemps),Ennemise démarque comme un exemple de la première période du studio.

Le rôle principal dansChambre, une victime d'un enlèvement qui tentait d'empêcher son fils de 5 ans de comprendre la véritable horreur de sa situation, était une évidence si évidente que tous lesles meilleures jeunes actrices d'Hollywoodrivalisaient pour cela. La sagesse conventionnelle était juste : après avoir remporté le rôle, Brie Larson a remporté tous les trophées de la meilleure actrice existants, etChambreest devenu le premier film A24 nominé pour le meilleur film. Bizarrement, le succès du film aux Oscars a fini par nuire à sa réputation.Chambrec'est comme si on essayait de s'asseoir devant la classe pendant que les films A24 les plus froids se détendaient à l'arrière. Il est vrai que les ficelles tourbillonnantes du film et sa narration naïve crient pratiquement « gagnant du TIFF People's Choice Award », et le raconter depuis le point de vue d'un adorable enfant est en effet une légère triche. Mais le film de Lenny Abrahamson est lucide et sensible sur ce que ses personnages ont vécu. Le film mérite ses manipulations.

Le film de Steven Knight pourrait être né d'unCinq obstacles– expérience de style : pouvez-vous prendre un gars qui parle sur son téléphone de voiture pendant 90 minutes et rendre cela intéressant ? Tom Hardy (équipé d'un pull froissé, d'une barbe pelucheuse et d'un accent gallois délicieusement exagéré) est Ivan Locke, un contremaître de construction qui vit la conduite la plus stressante de sa vie. Il se rend à Londres, où une aventure d'un soir est sur le point d'accoucher, et en chemin, il doit non seulement parler de l'affaire à sa femme, mais aussi guider un assistant à travers « le plus grand coulage de béton d'Europe ». LeWhac-a-MoleLa tension du scénario de Knight fonctionne mieux que ses réflexions existentielles, mais la performance de Hardy évite au film de ressembler à un exercice. En tant qu'homme qui a toujours un plan d'urgence dans sa manche, il n'est jamais rien de moins que magnétique.

Dans leséquence de danseça démarreClimax, Gaspar Noé nous offre l'une des ouvertures les plus joyeuses du cinéma contemporain : un kaléidoscope hypnotique de corps se déplaçant dans l'espace alors que l'expression individuelle et le but collectif fusionnent pour créer quelque chose de vraiment beau. Nous sommes en 1996, et une troupe de danse européenne s'est retirée dans une école abandonnée pour faire ce qu'elle fait le mieux : s'entraîner, oui, mais aussi bavarder, flirter et baiser. C'est l'extase. Vient ensuite l’agonie : quelqu’un a dopé la sangria avec du LSD ! Il n'y a rien de la lente fusion des autres films d'horreur A24 ici. La seconde moitié deClimaxest une pure folie à couper le souffle alors que l'ensemble drogué se retourne vicieusement les uns contre les autres. Pour ajouter au chaos, le tout se déroule dans de longues séquences superbement chorégraphiées dans lesquelles Sam Mendes crémera son jean. Il s'agit d'un film comme d'un manège dans un parc d'attractions, et inversement. Scorsese, ce n'est pas toujours une mauvaise chose. Appelez ça une maison hantée.

Dans mes notes pourLe spectaculaire maintenant, je n’arrêtais pas de noter des variantes de l’expression « résiste obstinément aux clichés ». Mais ce n'est pas tout à fait vrai. Le film ne résiste pas tant au cliché qu'il l'invite à prendre un bon thé. Il s'agit d'une romance de lycée dans laquelle un mauvais garçon rencontre une bonne fille, une bonne fille empire légèrement (mais jamais si mauvaise) et un mauvais garçon s'améliore. Cependant, le filmse sentplus original qu'il ne l'est grâce aux performances étincelantes de Miles Teller et Shailene Woodley. Bien que les deux acteurs aient alors la vingtaine, ils ressemblent à de vrais adolescents : inarticulés, trébuchants, vulnérables, mais avec le sentiment que de grandes choses pourraient les réserver. Cela s'est également avéré vrai pour Teller et Woodley, même s'ils devaient chacun passer du temps embourbé dans la boue de la franchise en cours de route.

Pour certains cinéastes, il n'y a pas de meilleur sentiment que de ramasser une star abandonnée dans la poubelle des rabais et de lui donner une nouvelle couche de peinture brillante. Sean BakerProjet Floridela suite est un autre regard brut et semi-improvisé sur la vie en marge, mais cette fois, il a une arme secrète dans l'icône du début des années 2000Simon Rex. L'ancien mannequin-VJ-rappeur de comédie donne la performance de sa vie en tant que star du porno malchanceuse qui revient dans sa ville natale de la côte du Golfe comme un héros conquérant, malgré le fait que tout le monde le déteste. Pour cause : c’est un narcissique à la bouche motrice avec à peine un os honnête dans son corps. Le voir se frayer un chemin pour gagner leur confiance est néanmoins parfois drôle et parfois tragique, surtout avec les élections de 2016 qui se déroulent en arrière-plan. (Tu saisqui d'autreétait un menteur compulsif ?) C'est une étude de personnage d'un connard typiquement américain et d'un tour de star pour Rex, jouant une incarnation de la culture torride devenue avide et désespérée à l'âge mûr.

L’effet distanciant des sous-titres peut-il jouer en faveur d’un film ? Je n'aurais probablement pas autant apprécié ce drame d'évier de cuisine sur un veuf de Brooklyn naviguant dans la monoparentalité s'il avait joué Ben Foster et s'il s'était déroulé à Carroll Gardens. Mais il se trouve queMénachéest un aperçu de l'enclave Haredi de Borough Park. Tous les dialogues sont en yiddish et les acteurs sont pour la plupart de véritables membres de la communauté. Notre héros est une star yiddish de YouTubeMenashe Lustig, jouant une version de sa propre histoire : Parce que les rabbins disent que les enfants doivent être élevés dans un foyer biparental, Menashe, depuis la mort de sa femme, est obligé de vivre séparé de son jeune fils jusqu'à ce qu'il se remarie. Il est évident que ce n’est pas prévu. Menashe est un drôle de canard : un peu trop mou et un schlimazel confirmé.(Quand il s'essaye à faire du kugel, vous frémissez instinctivement.) Le vrai Lustig est une présence à l'écran invitante, quelle que soit la langue – son charisme défie la traduction.

L’idée selon laquelle nous sommes uniquement ciblés par Dieu est le miroir de l’idée selon laquelle nous sommes bénis : les deux sont des moyens d’éviter la vérité, à savoir que nous ne sommes pas pertinents. Mais c'est trop difficile à gérer pour Maude (Morfydd Clark), une infirmière qui trouve en Jésus la seule source de joie dans sa sombre ville balnéaire. Acceptant un emploi d'aide à domicile auprès d'une chorégraphe mourante (Jennifer Ehle), Maude se donne pour mission de sauver l'âme de la femme, que cela lui plaise ou non. Le gag deSainte Maudec'est que c'est un film culte A24 où le culte est le christianisme, mais tandis que la réalisatrice Rose Glass adhère consciencieusement aux commandements du genre – Tu auras une voix effrayante parlant le gallois – elle est à son meilleur en se plongeant de tout cœur dans la psyché fracturée de Maude, brisant le charme seulement dans un coup final impitoyable.

DirecteurGonadadanous a donné le tendre murmure d'un film où la voix de personne ne dépasse jamais un ton monotone et feutré.Certaines personnesJe trouve cela ennuyeux, mais cela correspond à l'ambiance de contemplation tranquille du film. Dans un futur légèrement dystopique, la mystérieuse fermeture d'un foyer « techno-sapien » (Justin H. Min) bouleverse sa famille. Pour les parents (Colin Farrell et Jodie Turner-Smith), il s'agit d'un inconvénient technologique mineur ; pour leur fille (Malea Emma Tjandrawidjaja), c'est la perte d'une meilleure amie. Les tentatives de papa pour remettre en ligne le membre de la famille de substitution le conduisent dans le trésor caché de souvenirs robotiques de Yang, ce qui suscite une rumination sur le chagrin et la douce beauté du quotidien qui me faisait pleurer comme un bébé. Nous avons augmenté quelques emplacements pour présenter de grandes quantités de thé.

Gloria Bell (Julianne Moore) essaie. La quinquagénaire divorcée s'expose, explore de nouveaux passe-temps, refusant de fermer la porte à la romance. Et pourtant, dans le remake de son propre film de 2013 réalisé par le réalisateur chilien Sebastián Lelio, il y a toujours une solitude fondamentale que Gloria ne peut pas ébranler. Même lorsqu’elle est entourée de monde, elle a l’impression d’être la seule dans la pièce. Alors, lorsqu'un nouveau prétendant (John Turturro) arrive sur les lieux, elle saute à pieds joints, même s'il pourrait tout aussi bien venir d'une planète extraterrestre. D'autres cinéastes pourraient se contenter d'une étude sociologique de la scène des rencontres d'âge moyen, mais Lelio et Moore vont plus loin, créant un portrait joyeux et poignant d'une femme qui affirme sa propre valeur quoi qu'en dise le monde. Ils méritent largement la catharsis de leur chute triomphale de l’aiguille de Laura Branigan.

Il y a une qualité de connaissance àZolaqui aurait pu déranger : une adaptation deA'Ziah Kingle fil Twitter viral de 2015, co-écrit parJeremy O. Harris, et mettant en vedette un tour de soutien deSuccessionSelon le cousin Greg, le film aurait pu être généré par une IA chargée de créer "Spring Breakerspour l’ère intersectionnelle. Heureusement, le travail réel n’est pas fluide sur le plan algorithmique. Entre les mains de la réalisatrice Janicza Bravo, l'histoire d'une excursion de strip-teaseuse que le titulaire Zola (Taylour Paige) entreprend avec une perfide fille blanche (Riley Keough) devient un mélange hérissé de changement de code, de provocation et d'humour mordant. On imagine facilement le genre de filmZolaaurait pu être entre les mains du réalisateur original James Franco, mais la version de Bravo est véritablement rebutante, une représentation brutale de ce qui semble avoir été une expérience incroyablement traumatisante pour son auteur. Et cela fonctionne toujours comme un complément de correction àSpring Breakers: Pour Franco, une soirée au club de strip-tease est un montage ; pour ces femmes, c'est une vie.

Mon ancien camarade de classeMike Sweeneyaime noter queMad Max : La route de la fureurest un grand film de l’ère Trump, antérieur à l’ère Trump elle-même. Il en va de même pourChambre verte, dans lequel un groupe punk dirigé par feu Anton Yelchin donne un concert de dernière minute dans la campagne de l'Oregon, pour découvrir qu'ils se produisent dans un repaire de skinheads. Après avoir été témoins d'une agression au couteau dans les coulisses, ils reçoivent une leçon de première main sur quelque chose que nous apprendrons bientôt : les nazis ne négocient pas de bonne foi ; ils vous tueront et vous blâmeront pour votre mort. Les autres films du réalisateur Jeremy Saulnier lui ont valu une réputation de seigneur du cinéma, mais il réalise ici un thriller qui incarne l'idéal punk. C'est court, percutant et sans compromis.

Lorsqu’un film est aussi esthétisé de manière extravagante, il est facile de dire qu’il a plus de style que de substance. Mais quel style ! Librement basé sur la vie de la star et co-scénariste Jimmy Fails, le film de Joe Talbot suit une version semi-fictionnelle de Fails qui restaure secrètement la maison ancestrale de sa famille sous les yeux du couple blanc d'âge moyen qui l'habite actuellement. Le film semble aussi monumental que ce vieux victorien, bénéficiant de la cinématographie picturale d'Adam Newport-Bera, de la partition majestueusement arpégée d'Emile Mosseri et d'une performance de carrière de Jonathan Majors dans le rôle du meilleur ami sensible de Fails. Une pièce d'ambiance mélancolique qui s'essouffle lorsqu'elle tente d'adhérer au récit traditionnel,Le dernier homme noirfonctionne mieux comme une exploration de qui et de quoi est laissé pour compte dans une ville en voie de gentrification. Dans une tournure sombre et appropriée, au moment où le film est sorti, bon nombre de ses lieux avaient étédéjà été démoli.

Le premier film d'Alex Garland est le mélange parfait d'intelligent et de stupide : un thriller sur un programmeur (Domnhall Gleeson) envoyé par un PDG de la technologie (Oscar Isaac) pour tester la conscience d'une robot sexy (Alicia Vikander). j'ai creuséEx Machina la première fois que je l'ai vu, mais il résiste un peu moins bien en revoyant. Je ne sais pas si le film a finalement grand-chose à dire sur l'intelligence artificielle, et toute question philosophique plus large passe bientôt au second plan par rapport à la question de savoir si on peut faire confiance aux filles sexy. Mais en tant que techno-noir sur un bouc émissaire qui se met au-dessus de sa tête, c'est du crack. Garland a eu la chance de choisir son trio au moment exact où chaque acteur apparaissait, mais le personnage qui se démarque clairement est Isaac, dont le mégalomane aux yeux morts est un méchant parfaitement adapté à son époque. Et aux mèmes : Sonsoirée disco dansantea été l'un des premiers bénéficiaires de la magie virale d'A24. (Fait amusant : c'était le premier film A24 à remporter un Oscar, lorsqu'il a battu de manière inattendueRoute de la fureuretLe revenantdans la catégorie des meilleurs effets visuels lors de la cérémonie de 2016.)

Quelque chose ne va pas dans l'appartement de Chinatown où les Blake célèbrent Thanksgiving. Ce n’est rien qu’ils aient fait : ce sont des gens chaleureux, au bon cœur, qui s’entendent assez bien. Néanmoins, leurs célébrations sont hantées par un malaise palpable. Des bruits étranges jaillissent du plafond. Les murs abritent des excroissances cancéreuses. Les clivages entre parents et enfants – géographie, classe sociale, religion – se creusent. Plus rien n'est aussi bon qu'avant et nous allons tous mourir seuls. Bonnes vacances ! Plutôt que d'étendre sa pièce gagnante aux Tony, Stephen Karam approfondit l'aliénation qui s'empare de cette famille la plus moyenne, créant un sentiment de terreur existentielle aussi effrayant que n'importe quel méchant slasher. Dommage que l'A24 soit enterréeLes humainssur Showtime, alors que cela aurait pu être le film de mauvaise humeur que mérite notre malaise pandémique.

Aussi déprimant que Thanksgiving àLes humainsc'est celui deKrishac'est pire. Les débuts de Trey Edward Shults suivent Krisha (Krisha Fairchild), une alcoolique d'une soixantaine d'années qui s'est présentée à la porte de sa famille, déterminée à se faire pardonner. C'est une blessure ouverte, et Shults tourne son inévitable effondrement comme un film d'horreur – il rend les chiens aboyants et les pitreries machistes de cette maison de banlieue de classe moyenne aussi bizarres que ce qui se passe à l'hôtel Overlook.Krishaa été réalisé pour seulement 30 000 $, mais son psychodrame cloîtré a une authenticité que l'argent ne peut pas acheter. (Fairchild est la vraie tante de Shults, et les autres membres de la distribution sont pour la plupart des membres de la famille ou des amis de la scène cinématographique texane.)Krishaa annoncé Shults comme un jeune réalisateur doué, et cela lui a valu à juste titre l'opportunité de réaliser des films plus grands et plus ambitieux. Mais il n'aurait pas pu le faire sans Fairchild, une petite comédienne et doubleuse qui profite au maximum de l'attention de son neveu. Même lorsque Krisha est la plus monstrueuse, elle ne nous laisse jamais perdre de vue la petite fille dans le besoin en dessous.

Belle société bourgeoise que vous avez là ; ce serait dommage si quelqu'un révélait la pourriture morale en son sein. Lanthimos apporte ses banalités impassibles à l'histoire d'un chirurgien cardiaque (Colin Farrell) mystérieusement redevable à un adolescent (un indélébile Barry Keoghan) dont le père est mort sur sa table d'opération. Le titre vient de la mythologie grecque, et il y a ici aussi une touche de mythe, à la fois dans le fonctionnement inexpliqué du personnage de Keoghan et dans la façon dont le patriarche sûr de lui de Farrell se révèle totalement inutile pour protéger sa famille d'eux. On a pensé queCerf sacrépourrait être le film où son réalisateur a fait le saut vers la respectabilité aux Oscars, mais cela devrait attendre son prochain projet, légèrement plus conventionnel. C’est une œuvre astringente, même pour Lanthimos – elle commence par un coup de cœur malade, et presque tous les personnages cachent de profondes réserves de cruauté, d’égoïsme ou de besoin. Tous doivent s'incliner devant des forces plus grandes qu'eux-mêmes, qu'il s'agisse d'un enfant au visage de pierre deDunkerqueou l'auteur grec qui a créé ce bocal à poissons moral.

Un film sur l'architecture. JC Chandor nous emmène du no man's land industriel en passant par les coulisses du quartier immigré de Brooklyn jusqu'à la luxueuse banlieue de Westchester, où un manoir moderniste à l'argent frais s'est effondré comme le monolithe de2001. Le magnat du fioul Abel Morales (Oscar Isaac), le superpouvoir, c'est de pouvoir parcourir tous ces espaces à volonté sans ébouriffer son pompadour ni salir son manteau de chameau immaculé. Son seul truc bizarre ? Se mentir – sur sa richesse, ses pratiques commerciales et sa propre moralité. Sa femme, incarnée par la délicieuse Jessica Chastain, a moins d'illusions, et alors que son empire commence à s'effondrer, l'écart entre l'image qu'il a de lui-même et la vérité est mis à nu en des termes terrifiants. «J'ai toujours choisi le chemin le plus juste», dit Abel après une rencontre particulièrement brutale, et ce qui est effrayant, c'est qu'il y croit réellement.

Bienvenue dans le multivers, où le destin de l'existence humaine revient à Evelyn Wang (Michelle Yeoh), une propriétaire de laverie d'âge moyen qui regrette tous les chemins que sa vie n'a pas empruntés. Pour sauver la situation, Evelyn doit acquérir des compétences à partir de versions d'elle-même dans des univers alternatifs : une où elle est une star de cinéma qui ressemble de façon frappante à Michelle Yeoh, une autre où l'évolution a donné des doigts de hot-dog aux humains. Oh, et pour débloquer cette capacité, une personne doit d'abord faire quelque chose de totalement aléatoire, comme mâcher un bâton. La fusion de l'humour gonzo et du langage thérapeutique de l'Internet millénaire du duo de réalisateurs Daniels s'est avérée plus gagnante que prévu :EEEAOse classe comme le champion de tous les temps au box-office de 24. Ses 90 premières minutes sont le film le plus drôle jamais réalisé par A24, et la maîtrise physique de Yeoh en fait le film le plus proche d'un Looney Tunes en direct. Mais le setup écrit aussi des chèques catharsis que le troisième acte sentimental et répétitif ne peut encaisser. (Il s'avère que l'existence humaine peut être sauvée par… un câlin ?) En ce qui concerne leurs intrigues, les Daniel font preuve d'une imagination sans limites ; peut-être qu’un jour leur palette émotionnelle le sera aussi. En attendant, leurs films ressemblent à de brillants dessins réalisés uniquement en couleurs primaires.

Des jalons durables, des succès déterminants en studio et quelques dormeurs qui méritaient mieux. Débarrassez-vous de toutes les absurdités entourant la marque A24, et voici le fondement : plus de 20 films qui comptent parmi les réalisations cinématographiques de leur époque.

Trois films, chacun se déroulant en Floride, sortis à trois ans d'intervalle.Spring Breakersétait le troisième film du studio, et c'est celui qui a présenté au public la marque singulière de provocation ostentatoire d'A24. (Dans un univers alternatif oùGingembre & Roseétait celui qui a frappé, nous aurions peut-être eu droit à une vague de films sur les écolières britanniques des années 60.)Spring BreakersLa sortie au printemps 2013 a marqué le moment où les enfants indépendants ont jeté leurs cardigans et tout est mort pour de bon. Peu importe qu'il ne se passe pas grand-chose dans le film, car son attrait venait de ce que nous n'appelions pas encore des « vibrations » : quatre étudiantes se dirigent vers le sud pendant les vacances de printemps et entrent dans un monde d'hédonisme joyeux, que le réalisateur Harmony Korine traite comme les cercles de l'enfer. Un moment, c'est des frat boys et des bangs à bière, le suivant, c'est un monde criminel où les armes sont des bites et les bites sont des armes. Une décennie plus tard, il est évident que c'était aussi la fin d'un autre micromoment, animé par l'éthos « putain, rien n'a d'importance » de la culture post-crash, qui se terminerait définitivement lorsque Miley Cyrus twerkait sur Robin Thicke et que tout à couptoutcomptait. Mais c’était avant cela, une époque plus innocente où l’on pouvait encore s’approprier culturellement sans se soucier d’avoir à en répondre. Comme beaucoup d'œuvres de ce type, il est difficile d'avoir une idée en revoyant à quel pointSpring Breakersalimente le Zeitgeist, mais ne sous-estime pas son impact. Chaque projet A24 ultérieur sur les jeunes qui se comportent mal devrait payer des redevances.

De nombreux cinéastes ont surmonté les obstacles liés au fait de grandir à l'ère d'Instagram, mais le génie deHuitième annéene condescend jamais envers son héroïne adolescente, Kayla (Elsie Fisher, dans une performance naïve). La multitude de moments grinçants du film ramènent la mortification de la jeunesse à la vie, en particulier pour tous ceux qui se souviennent d'avoir été trop gros ou trop maladroits au collège (c'est-à-dire la plupart d'entre nous). Ils fonctionnent si bien, cependant, parce que le scénariste-réalisateur Bo Burnham prend soin de les associer à une appréciation des véritables plaisirs de la vie de Kayla, ces petits moments de connexion et de bravoure. Fidèle à l'approche empathique de Burnham, le film est également remarquablement optimiste à l'égard d'Internet lui-même : dans un montage de Kayla sur son téléphone réglé surLe « flux de l'Orénoque » d'Enyale frisson banal de faire défiler le fil a rarement ressemblé à une telle aventure.

Le retour de Paul Schrader du désert de la VOD est aussi austère et sévère qu'un vieux banc d'église. On a l'impression que tout embellissement stylistique pourrait le blesser physiquement, ou au moins le détourner des grandes questions morales qu'il pose. Ethan Hawke incarne un prêtre appelé à s'occuper d'un militant écologiste convaincu que c'est une erreur d'impliquer un enfant dans une catastrophe climatique imminente. Initialement opposé au désespoir, le révérend le trouve vite contagieux : les compromis qu'implique le travail de l'Église lui deviennent de plus en plus intenables, et même son propre corps commence à se rebeller contre lui.Premier réformése déroule dans un monde gris, privé de toute joie ; dans ses gros plans rigides, le cadre lui-même devient une prison. Des années après sa sortie, la vision de Schrader de l'effondrement des anciennes méthodes semble plus prémonitoire que jamais. Comment vivre dans le désespoir sans le laisser gagner ?

Chaque fois que je regarde une pièce d'époque, je pense à une vieille citation de Roger Ebertsa critique deLe Nouveau Monde. Les événements de ce film, écrit-il, « semblent se produire pour la première fois. Personne ici n’a lu un livre d’histoire du futur. L'une des meilleures choses que je puisse dire à propos du film de Kelly Reichardt sur le territoire de l'Oregon, c'est que malgré un dispositif de cadrage moderne, il est également raconté au présent. Le mélange polyglotte du Nord-Ouest composé de Chinooks, de Britanniques, de Russes, d'Américains et de Chinois n'a aucune idée de l'endroit où la vague de l'histoire les mènera. Tout ce qu’ils peuvent faire, c’est le conduire du mieux qu’ils peuvent. Pour les meilleurs amis Cookie (John Magaro) et King Lu (Orion Lee), cela signifie faire fortune engâteaux grasavant que quiconque ne réalise que l'ingrédient secret est le lait qu'ils ont volé à la seule vache de la région. La narration de Reichardt est délicate et posée, un style doux pour les thèmes les plus lourds : le capitalisme faisant ses premiers pas ruineux vers l'état de nature. Dans cette tendre histoire d’amitié se cachent deux idées clés. Premièrement, le crime se cache au cœur de presque toutes les grandes fortunes ; et deuxièmement, une fois que la machinerie commerciale démarre, il est presque impossible de l’arrêter.

Une grande partie de la première réputation d'A24 s'est bâtie sur les efforts décalés d'auteurs européens établis. Dans le cas dLe homard, cela a failli ne pas se produire : le studio n'a pas pu acheter le film à Cannes et ne l'a récupéré que lorsque les personnes qui l'avaient acheté ont fait faillite. Quel match cela s’est avéré être. La comédie romantique absurde de Yorgos Lanthimos n'a pas été un énorme succès, mais c'était un signe de leur sensibilité, le genre de film auquel on pourrait se référer si quelqu'un demandait : « C'est quoi A24 ? Cela se déroule dans une dystopie où le célibat est interdit ; Toute personne larguée ou veuve est envoyée dans un complexe où elle a 45 jours pour trouver un nouveau partenaire, sous peine d'être transformée en animal. Dans ce qui allait devenir une marque de fabrique, les personnages parlent avec une franchise enfantine, et il est tenu pour acquis qu'un couple ne peut fonctionner que si leurs traits caractéristiques s'alignent exactement. Tel une bizarrerie extrême aurait pu être irritante, si les stars Colin Farrell et Rachel Weisz n'avaient pas été capables d'investir l'impasse de Lanthimos avec une telle âme et un tel esprit. Ils donnent vie à un univers qui fonctionne selon sa propre logique bizarrement calibrée.

L’un des aspects positifs de la saison des récompenses 2020 perturbée par la pandémie était qu’en l’absence d’appâts aux Oscars des grandes ligues, des prétendants de moindre envergure commeà la douleurreçu leur dû. Le drame autobiographique méditatif de Lee Isaac Chung suit une famille d'immigrants coréens (Steven Yeun et Yeri Han sont les parents, l'adorable remplaçant d'Alan Kim Chung) qui déménagent dans la campagne de l'Arkansas pour que papa puisse réaliser son rêve américain sur 50 acres de sol fertile. . Les habitants ne sont pas méchants, mais malgré cela, c'est une existence étrange et tendue – ce n'est pas pour cela que maman s'est inscrite. L'aide arrive sous la forme de sa mère (Youn Yuh-jung, lauréat d'un Oscar). « Elle n'est pas une vraie grand-mère », se plaint son petit-fils, et Dieu merci : directe et décomplexée, elle sort le cinéma et la famille de leur mélancolie. Chung a transformé l'histoire de sa famille en une douce larme, un profil de résilience à une époque où cette qualité étaitcruellement nécessaire.

Les frères Safdie réalisent des films qui vibrent au rythme de New York : d'une manière ou d'une autre, ils ont réussi à distiller sur celluloïd la sensation de jaywalking. Dans leurcoup d'évasion, devenue l'influence esthétique dominante de la scène du centre-ville new-yorkais, les choses se passent bien pour le Queens lowlife de Robert Pattinson pendant une dizaine de minutes. Les années 90 suivantes se succèdent, alors que Pattinson parcourt la nuit baignée de néons à la recherche d'un moyen de libérer de prison son frère handicapé mental (Benny Safdie).Bon momentestGemmes non tailléesCousin débraillé de banlieue, un thriller décousu qui se déroule sur un pur élan. Entre les mains des Safdies, l’échec a sa propre énergie implacable. C'est comme monter sur des montagnes russes qui ne font que descendre.

AdhésionMourir durAu rang des films de Noël sortis en juillet, l'adaptation par David Lowery du poème du XIVe siècle est une somptueuse épopée d'épées et de sorcellerie qui vise à nous plonger dans les valeurs de la légende arthurienne. Dans ce cas, cela signifie l’honneur, une qualité que Gawain, le callow de Dev Patel, cherche désespérément à obtenir tant qu’il peut garder la tête froide dans le processus. Alors que son compatriote Robert Eggers préfère maintenirKayfabéconcernant sa perspective du XXIe siècle, Lowery est un peu plus lâche ; nous pouvons sentir son sourire apparaître à travers les robes et la cotte de mailles. DansLe chevalier vert,il nous donne une représentation très moderne de l’honneur, qui troque les attentes rigides d’un ordre social médiéval contre une vision plus existentielle et parfois carrément surréaliste. Son élément marquant est une séquence de 15 minutes presque muette dans laquelle les conséquences de la lâcheté de Gauvain sont mises à nu :Peur droitepour la génération Plantagenêt.

Le road movie d'Andrea Arnold marque l'apogée du Berniecore des années 2010, une vague de drames d'évier de cuisine sur des jeunes dans une économie de merde essayant de s'en sortir comme ils le peuvent. Ici, une fille de l'Oklahoma sans issue (Sasha Lane) tombe amoureuse.Le Lothario à queue de rat de Shia LeBeouf, puis rejoint son équipe hétéroclite d'adolescents, qui parcourent les Grandes Plaines en vendant des abonnements à des magazines. On pourrait les appeler des burnouts, sauf qu’ils n’ont jamais été « à la mode ». (La plupart sont des non-professionnels qui jouent essentiellement eux-mêmes.) Naturaliste et sans fioritures, le film se présente comme un portrait documentaire des ruines de l'empire – un monde de voyous, d'excentriques et d'intrigants, de liens effilochés et de familles de fortune. Il faut du courage pour qu'un réalisateur britannique qualifie son film d'« américain », mais Arnold nous a mis à plat.

Écoutez ! Le conte de folie maritime de Robert Eggers voit leSorcièreLe réalisateur porte son obsession pour les effluves d'époque à de nouveaux sommets, à tel point qu'Eggers semble presque être en compétition avec lui-même sur le nombre de fluides corporels différents qu'il peut entasser dans un seul film. (La réponse : beaucoup !) Il s'agit d'un psychodrame dégoûtant sur deux gardiens de phare du début du siècle (Robert Pattinsonet Willem Dafoe) qui deviennent fous après avoir été coupés de la civilisation. Cela ressemble à une configuration pour un film d'horreur, mais la terreur surnaturelle n'est qu'un élément d'un mélange tonal qui comprend une comédie en couple étrange, des traditions marines salées et un dysfonctionnement sexuel masculin. C'est comme si quelqu'un avait jeté tout le programme du Bard College dans un mixeur et l'avait laissé déchirer. Comme à son habitude, Eggers tourne le tout dans un style qui rappelle les films muets allemands, même si je suppose que Conrad Veidt n'a pas eu à supporter autant de pets.

Pendant des années,Joanna Hoggavait la réputation d'être le meilleur réalisateur britannique dont les Américains n'avaient jamais entendu parler. Ce n’est que lorsque A24 a distribué ses mémoires cinématographiques intimes que le public américain a enfin pu comprendre de quoi il s’agissait. Dans la première partie, un étudiant naïf en cinéma (Honor Swinton-Byrne) dans le Londres des années 80 entame une romance avec un homme plus âgé (Tom Burke, dont le charme snob rappelle un Hugh Grant caillé), pour apprendre qu'il n'est peut-être pas entièrement ce qu'il semble. Dans la deuxième partie, elle tente de transformer cette romance en son film de thèse, pour découvrir que le processus de transmutation de la douleur en art n'est pas aussi simple que de simplement filmer exactement ce qui s'est passé… ce qui explique peut-être pourquoi il a fallu 30 ans à la réalisatrice elle-même. travaillez-y. Le style de Hogg est insaisissable et elliptique, car une grande partie du drame se déroule dans des angles obliques ou dans des espaces entre les scènes, ce qui convient à une relation où le terrain semble changer à chaque interaction. Même sans savoir combien de scènes sont tirées du passé du réalisateur, les films ont la texture d'un souvenir : des doigts sur une robe, des pas dans les escaliers. À la fin, c'est presque comme si vous l'aviez vécu aussi.

Dans son deuxième long métrage, Ari Aster met la pauvre Florence Pugh à rude épreuve : un meurtre-suicide, un petit ami indifférent et une dépression déchirante… et ce n'est que l'incident déclencheur ! Après toute cette tragédie, Pugh, affligé de chagrin, participe au voyage d'un frère à un festival folklorique suédois, ce qui se transforme en opportunité pour Aster de se livrer à ses impulsions les plus macabres. C'est trop : une orgie de crânes écrasés, d'origami d'organes internes et des prouesses franchement impressionnantes de taxidermie. Mais ces délices violents ne voudraient rien dire si, comme dans un païenCharlie et la chocolaterie, les laids Américains n’avaient pas d’abord démontré leur indignité individuelle. Égoïstes, non engagés et cupides, les Yankees contrastent mal avec les Suédois doux et communautaires (ainsi qu'un exemple hilarant d'A24 embrochant son public principal). Lorsque le spectacle d'horreur baigné de soleil commence, c'est une revanche appropriée pour les deux heures précédentes de violence émotionnelle. À la place de Pugh, qui ne négligerait pas un petit sacrifice humain si cela signifiait que quelqu'un vous écouterait enfin ?

Ce n’est pas le premier film d’horreur A24, mais certainement le plus influent. Avant cela, les fans avaient-ils déjà applaudi un film d’horreur pour son attachement à la vraisemblance historique ? Le thriller puritain de Robert Eggers fait l'objet de recherches si exhaustives que chaque personnage parle dans une diction d'époque presque incompréhensible et que même les décors ont été construits avec des outils du XVIIe siècle. Il s'agissait du premier test d'une idée qui allait devenir la signature d'Eggers, un voyage dans le passé non seulement physiquement, mais aussi mentalement : si le diable était aussi réel que la pluie pour ces gens, alors il le serait ici aussi. . L'un des premiers gros succès d'A24,La sorcièrea fini par définir le moule d'une grande partie de la production de genre ultérieure du studio, du général (décors ésotériques, une indifférence étudiée aux tendances dominantes du box-office) au spécifique (cultes païens, oiseaux effrayants, la suggestion que les bois sont pleins de terribles choses qui se cachent juste hors du cadre), à ​​la méta (transformant la chèvre malveillante Black Phillip en unSensation Twitter). Même la fin, dans laquelle Thomasin d'Anya Taylor-Joy cède finalement aux forces obscures qui tourmentent sa famille, serait plus ou moins répétée dans tous les autres films d'horreur A24 acclamés par la critique.

AprèsBon momentdevenuChiens de réservoirpour les putains de Canal Street, A24 s'est lancé à plein temps dans le business de Safdie en produisant leur suivi.Pierres précieusesjoue commeBon moment, au carré : des enjeux plus élevés, un rythme plus frénétique et une plus grande star. Pour utiliser une comparaison que Howard Ratner pourrait apprécier, ajouter Adam Sandler à l'écurie de cinglés des Safdies était comme ajouter Kevin Durant aux Warriors - un univers stylistique autonome a soudainement explosé de possibilités créatives. Sandler s'est avéré être le leader idéal des frères, employant chaque once de son charisme pour créer un personnage totalement repoussant, non seulement sympathique mais même charmant. Son Howard est tellement convaincu quecette foissera son gros score, vous ne pourrez pas vous empêcher de l'accompagner. Comparé au plus maigreBon moment,Pierres précieusesa certainement des plus bas plus bas. (Cette scène de sexting !) Mais tout comme ce pari culminant du triple parlay, l’ambition parle d’elle-même. Tout comme les résultats : jusqu'àTout partout en même temps, ce fut le plus gros succès national d'A24.

Les étoiles — elles sontpascomme nous. La science-fiction spartiate de Jonathan Glazer porte un extraterrestre joué par Scarlett Johansson dans le glam complet d'Elizabeth Taylor dans Glasgow gris et graveleux, où elle ramasse des hommes au hasard, puis les emprisonne dans un vide noir sans relief. (Un effet spécial tellement bon qu'il a été arraché en gros parChoses étranges.) Le fossé entre les stars de cinéma et les gens ordinaires n'a jamais été aussi profond, comme le sous-texte qui anime Hollywood depuis le début - et si vous, un homme normal, aviez une chance avecune femme comme ça– est transformé en un texte horrible. En conséquence, c'est aussi l'un des grands films sur les corps : l'hypervisibilité d'un corps féminin attrayant, la signification d'un corps « déformé », le fait que sous nos aspirations supérieures, nous ne sommes que des sacs de viande. Ce n’est pas un film avec la vision la plus rose de l’existence, mais il y a une pureté absolue dans son nihilisme.

CommentL'adieucontourner tous les clichés de l’intrigue de Snowball Lie ? Probablement parce que c'est basé sur un sujet réel : lorsque la grand-mère du réalisateur Lulu Wang a eu un cancer, la famille lui a vraiment caché le diagnostic. Dans le film de Wang, cette tromperie provoque un choc culturel entre Billi (Awkwafina, dans une tournure dramatique finement aiguisée) et sa famille chinoise, qui voit cacher la vérité comme un acte d'amour, une façon pour le groupe de porter le poids émotionnel. plutôt. Le film lui-même est en phase avec cet esprit communautaire. Dans le simulacre de mariage, c'est une excuse pour réunir tout le monde,L'adieudécrit la dynamique interne d'une grande réunion de famille : les potins, les blagues, les subtiles luttes pour la position. La confrontation autour du mensonge remplace l'Est contre l'Ouest, mais Wang est assez intelligente pour savoir qu'elle n'a pas à choisir un camp. Avec un humour chaleureux et une touche de réalisme magique, le monde qu'elle a créé semble à la fois très grand et très petit.

« Vous vous amusez trop et ce n'est pas censé être amusant », dit un adulte à quelques enfants au début de l'année.Le projet Floride. On pourrait dire la même chose du joyau néoréaliste de Sean Baker, qui se déroule à la périphérie de Disney World, dans une collection de motels en bord de route qui abritent des gens que le rêve américain a oubliés. L'un d'eux est Moonee (l'exubérantPrince de Brooklyn), une fillette de 7 ans qui passe ses journées à gambader, à tourmenter le gentil bricoleur (Willem Dafoe), et en général à être un adorable petit diable. Il y a moins d'intrigue, un chaos qui s'intensifie plus lentement – ​​en grande partie motivé par la mère instable de Moonee (Bria Vinite, casting d'Instagram) – mais la caméra de Baker a l'énergie nécessaire pour suivre leur imagination sans limites. Présentant une cinématographie aussi crémeuse et colorée qu'une coupe glacée,Le projet Florideest à la fois une esquisse magistrale de la vie en marge et une magnifique ode à la capacité des enfants à trouver la joie quelles que soient les circonstances.

Avec son ton doux-amer et sa narration omnisciente à la première personne,Femme du 20e siècleOn dirait l'adaptation cinématographique d'un recueil de nouvelles qui n'existe pas. Et pourtant, ce n'est jamais rien de moins que cinématographique, grâce à l'utilisation audacieuse du time-lapse et des images trouvées par le scénariste-réalisateur Mike Mills, qui nous plonge dans le Santa Barbara de la fin des années 70 comme une pierre dans le fleuve du temps. Annette Bening incarne Dorothea, une matriarche de pension qui fait face à sa perplexité croissante à propos de son fils adolescent (Lucas Jade Zumann) en enrôlant ses locataires (Greta Gerwig et Billy Crudup) et le béguin du garçon (Elle Fanning, une dernière fois) pour aidez-le à devenir un homme bon. Ils pensent que c'est une très mauvaise idée, mais ils décident quand même de l'essayer. Ce que j'aime chezLes femmes du 20e sièclec'est que c'est un film sur des gens qui essaient de se tendre la main, et qui échouent en grande partie… mais ils continuent de le faire quand même ! Mills nous a donné une vision de la famille retrouvée désordonnée, nuancée et surtout pleine de vie. En tant qu'exemple parfait de la vie imitant l'art, lorsque je l'ai montré à mes parents, ils l'ont détesté. Mais ce n'est pas leur liste. Quel beau film.

Résolument basique : une lettre d'amour aux banlieues, DMB, des compilations de grands succès etappeler ta mère. Mais la simplicité est un choix esthétique aussi valable qu’un autre. Le vrai problème, c'est d'être faux, ce qui, malgré leretraits viraux, ce film ne l'est pas. Il vient honnêtement de ses convictions. Les débuts solo de Greta Gerwig nous font revivre une année mouvementée dans la vie d'une lycéenne (Saoirse Ronan) qui aspire à échapper à sa vie de classe moyenne à Sacramento. Comme toute adolescente, elle est obsédée par elle-même et un peu performative, mais Gerwig prend l'ambition de Lady Bird au sérieux, voire au pied de la lettre - tout comme elle sait que maman (Laurie Metcalf) a raison sur le fait que sa fille est une gamine, mais pourrait aussi lui couper un coup. pause de temps en temps. Ce qu'il y a de remarquable dansDame Oiseauest son équilibre finement affûté : dans la dynamique push-pull entre mère et fille, la façon dont une dispute peut refluer puis reculer tout aussi soudainement ; dans le rythme de ses vignettes, qui sont esquissées avec l'adresse d'un conteur chevronné ; et dans le ton, mélancolique mais jamais indulgent. (C'est aussi l'un des meilleurs films récents sur la classe ; voyez comment l'enfant riche de Lucas Hedges révèle allègrement quelque chose qu'il ne devrait pas, à deux reprises.) Bien qu'A24 ait un bon palmarès auprès des réalisatrices, la clique de ses succès les plus en vogue a été un peu d'un club de garçons.Dame Oiseauest l'exception, et aux côtés des deux prochains films de cette liste, il a solidifié la réputation du studio en tant que rampe de lancement pour les prochains grands cinéastes américains.

Trois films, chacun se déroulant en Floride, sortis à trois ans d'intervalle.Clair de lunemarque l'apogée du style maison A24 : un expressionnisme pur et brut, livré avec une intimité inégalée. L'adaptation par Barry Jenkins de la pièce de Tarrell Alvin McCraney est en quelque sorte un retour aux mélodrames d'antan : un jeune homme noir gay tombe amoureux, est trahi et finit par s'accepter. (Il y a quelque chose de positivement sirkien dans l'utilisation de la couleur par Jenkins, ses bleus évanouis et ses roses déchaînés.) Son troisième acte en particulier est un cinéma presque parfait. Alors que les anciens amants Trevante Rhodes et André Holland se réunissent, leur plus petite interaction est lourde du poids de tout ce qui les a précédés. La scène du dîner entre eux est peut-être la plus romantique de la décennie : le rêve de quelqu'un qui brise toutes vos défenses et vous voit tel que vous êtes. Le premier film qu'A24 ait jamais produit lui-même,Clair de lunec'était un pari sur Jenkins, qui n'avait que celui de 2008Médecine contre la mélancolieà son nom. Son pari s'est avéré payant et plus encore : à ce jour, c'est le seul gagnant du meilleur film d'A24, l'une des rares occasions où Oscar a parfaitement compris.

Et pourtant, aussi magique queClair de lunec'est-à-dire que cela ressemble à un film qu'un certain nombre de studios auraient pu sortir. La première place revient à un film qui aurait pu être diffusé uniquement par A24, et bien, avez-vous vuHéréditaire? Les débuts d'Ari Aster sont l'une des caractéristiques de ce qui est devenu connu sous le nom d'« horreur élevée », mais vous n'avez pas besoin de souscrire à ce label pour apprécier l'extrémité émotionnelle qu'il apporte au genre. Au début, on dirait que ce sera l'histoire d'une mère en deuil (Toni Collette) et de son enfant effrayant… jusqu'à ce quecette scènese produit et nous réalisons à quel point Aster est prêt à s'enfouir dans le gouffre de la misère humaine.HéréditaireLe véritable sujet de est les blessures que les familles ne peuvent s'empêcher de s'infliger, une métaphore à travers laquelle Aster insuffle à l'esthétique kitsch de la banlieue de l'Utah son propre genre de terreur. Au centre de tout cela se trouve Collette, qui donne un tour de force mêlant rage, désolation et comédie noire. (Sa phrase « Tout ce que j'obtiens, c'est ce putain de visage sur ton visage ! » aurait dû lui valoir une nomination à elle seule.) Est-il important que le film ait essentiellement la même fin queLa sorcière? Seriez-vous en colère contre les Beatles pour avoir réutilisé des harmonies à quatre voix ? C'est juste A24 qui développe sa signature, jetant les téléspectateurs dans la bouche de la folie sans perspective de soulagement. Brut, foutu et rempli d'images que vous n'oublierez jamais, peu importe vos efforts,Héréditaireest un film A24 à son meilleur, A24, pas seulement un grand film, mais si puissant qu'il a défini tout un studio.

Et ce sont surtout des garçons. C’est aussi le nombre de fois où les personnages font référence aux bonobos dans une conversation sur l’amour. Kyle Chandler n'est pas un détective mais est en fait le rival littéraire de Sidney ! La bande cruciale contenait des preuves de pédophilie, mais la mère de Sidney l'a détruite ! Elle Fanning est morte d'une crise d'asthme dans un ascenseur ! Fils de Frances, frère de Sofia. L'auteur canadien qui, outre son travail nominé aux Oscars surLe doux au-delà, également réalisé en 1994Exotiqueet 2009Chloé. Il s'avère que c'est le nazi qu'il essaie de tuer ! Rien qu'en 2015, l'acteur est apparu dans 12 films. Le prochain projet de Wheatley estLe moi 2, ce qui est à peu près tout ce que vous pouvez obtenir de l'A24 tout en continuant à réaliser des films. Smith est depuis revenu dans les limites réconfortantes de son univers de vision de travers, qui – quoi que vous pensiez des films – semble au moins le rendre plus heureux que des films commeCop Outa fait. Pays des zombies,Guerre mondiale Z, etCorps chauds, parmi (beaucoup) d’autres. Voir aussi :Lentement vers l'ouest,La femme marche devant, etMojave. Son retour sur A24 après un séjour chez Paramount pendantAnnihilation. Fils du cinéaste expérimental Ken Jacobs. Fille de Frances, si tu ne le savais pas. Continuez à lire pourFlotsetKrisha. Alors que de nombreux films A24 comportent des moments amusants, d’après mes calculs, le studio n’a sorti que 12 films qui pourraient être considérés comme des comédies pures. Votre numéro peut différer. Outre les A24Le phareetPierres précieuses non taillées, il y avait aussiParasite,Portrait d'une dame en feu, etDouleur et gloire. Et c'est juste lepc'est! Le fils d'Anthony, qui a également joué l'ami ringard dansLégalement blonde. All-star discret de l'A24, l'acteur anglais apparaît également dansChoc de boisetChambre verte. Il s'agit de Kevin Kline et Phoebe Cates. Une actrice née en Afrique du Sud également vue dansGloria Bell. Sa filmographie clairsemée fait que les films A24 représentent près d'un quart de son CV. Cela fait trois pour Isaac. En raison des circonstances de sa sortie, c'est le film le mieux classé que je n'ai jamais vu sur grand écran, où je pense qu'il serait encore mieux joué. Si vous comptez, cela fait quatre Pattinson, une égalité à trois avec Riley Keough et Elle Fanning pour la première place.