Une année sur grand écran avec Brad Pitt,Petites femmes,Adam Sandler,Parasite,Robert De Niro, etL'adieu.Photo de : Vulture
L'année2019c'était comme un écran immense dont nous ne pouvions pas nous détourner. Ce n'était pas seulement qu'il y avait tellement de choses à regarder, c'était qu'il y avait tellement de choses qu'il semblait que nousdevraitregarder : Au milieu de tout cela, des centaines de films ont clignoté trop rapidement dans les cinémas et les plateformes. Tout le monde voulait notre attention, de Disney et Apple se lançant dans le streaming à Netflix prenantL'Irlandaisà Broadway. Il est difficile de croire qu'il y a quelques mois à peine, nous étions assis dans un multiplex subissant le poids deAvengers : Fin de partie, le film le plus rentable de tous les temps et le point culminant d'un arc de 22 films sur plus d'une décennie.
Un film peut-il un jour se présenter comme étant plus grand ? On essaiera sûrement, mais lorsque nous avons commencé à dresser nos listes respectives des meilleurs films de l'année, nous avons constaté que les choses que nous aimions le plus avaient tendance à être des histoires à l'échelle intime - aucun ajout de franchise ni aucune suite n'ont fait notre différence. des coupes (bien qu'une adaptation et un biopic l'aient fait). Voici les films qui nous ont rappelé qu'il existe toutes sortes de manières pour qu'un film devienne un événement, deune comédie noire acide venue de Corée du SudàLe point de vue de Greta GerwigPetites femmesàune romance sénégalaiseau retour deQuentin Tarantino.
Kent JonesDiane, un drame naturaliste avec une étrange touche expressionniste, est candidat au titre de plus déprimant jamais réalisé.Photo : IFC
Le siège d’Alep en 2016 (et les crimes de guerre commis en Syrie et en Russie) ont produit des traces indélébiles d’héroïsme et d’horreur, maisLe documentaire à la première personne de Waad Al-Khateab et Edward Wattscapture de la manière la plus frappante à la fois les spécificités de cette lutte et la tragédie plus large. Sama est la petite fille de Waad, dont l'existence hante la jeune femme alors qu'elle filme son mari, Hamza (l'un des rares médecins restants), dans ses tentatives pour sauver un autre, puis un autre, encore un autre enfant mutilé par la bombe. Une grande partie du film se déroule à l'intérieur de l'hôpital où Hamza effectuera 890 opérations en 20 jours, mais cela ne ressemble pas à des images brutes : elles ont été conçues pour vous forcer à témoigner. Vous pensez que ce serait un acte de lâcheté que de détourner le regard, même des sites les plus tragiques.
Adam Sandler trouve son point idéal étrangement abrasif en tant que bijoutier et joueur en phase terminale d'autodestruction dans le drame new-yorkais fiévreux des frères Safdie, qui se déroule dans le monde des vendeurs crasseux du Diamond District et des gangsters juifs. Le film, comme le personnage, est en mouvement constant qui provoque la nausée, ce qui, selon les Safdies, est la condition existentielle dans un monde sans centre de gravité moral. Ce que cela donne, je ne le sais pas, mais il vous faudra beaucoup de temps pour arrêter de trembler.
Tout clique là-dedansbiopic léger et ironiqueavec Eddie Murphy dans le rôle de Rudy Ray Moore, qui a stoppé une disparition à mi-carrière dans les années 1960 en développant un alter ego appelé « Dolemite », un proxénète, libertin et fabuliste ayant des racines dans le folklore noir américain. Réalisé par Craig Brewer à partir d'un scénario de Scott Alexander et Larry Karaszewski, le film a la sensation de monter un spectacle du film d'Alexander et Karaszewski.Ed Bois, qui célèbre également la réalisation de soi sur le talent réel et la dignité bien perdue au nom de la gloire.
Les princesses Disney devraient s'incliner devant Hatidze Muratova, la femme turque grossière qui préside un fragile écosystème d'abeilles dans une vallée macédonienne isolée et balayée par les vents.Le documentaire transportant de Tamara Kotevska et Ljubomir Stefanov. Son lien avec ce monde en voie de disparition semble inversement proportionnel à son éloignement de l'humanité, et sa solitude acquiert la luminosité du mythe. Un ouvrage magnifique.
Le vaste documentaire de Steve Bognar et Julia Reichertse déroule en grande partie à Dayton, dans l'Ohio, où une usine GM fermée renaît en tant qu'usine de pare-brise appartenant à des Chinois. Le film est hilarant dans la mesure où il décrit le choc culturel entre des Américains obstinément individualistes (lents, avec de « gros doigts », selon les dirigeants chinois) et des travailleurs chinois disciplinés et prêts à tout pour l’entreprise, mais la trajectoire sous-jacente est sombre. Il est probable que l’idée chinoise selon laquelle les travailleurs humains sont des pièces de machines cédera bientôt la place à de véritables machines effectuant tout le travail. Nous assistons donc au pire du communisme (devenir un rouage, un drone zombie) combiné au pire du capitalisme de libre marché (vous êtes remplaçable à tous égards).
Une famille sud-coréenne défavorisée s'insinue dans la maison d'un richeLa tragi-comédie extrêmement divertissante de Bong Joon Ho,qui a une métaphore originale de l’inégalité des revenus : les nantis vivent – inconsciemment – au-dessus des moins nantis, qui vivent au-dessus des nantis, même moins. Qui sont les parasites du titre ? Les pauvres qui s'attachent aux riches ou les riches qui sucent la moelle des pauvres ? Ou bien le système lui-même est-il un parasite, tirant son énergie de l’interaction turbulente entre riches et pauvres ? En droit, tout cela devrait vous empêcher de dormir la nuit.
Vous pouvez sentir la Greta Gerwig dynamique et galopante deFrances Hadans l'adaptation exaltante de Gerwig du classique pleureur du XIXe siècle de Louisa May Alcott, dans lequel Jo March (Saoirse Ronan) lutte pour trouver sa voix d'écrivain sans abandonner l'amour et l'amour sans abandonner sa perspective féminine pointue. L'humanisme débordant de Gerwig aurait pu submerger une histoire avec moins d'esprit et de spécificité, mais le scénario (qui oscille entre un passé somptueux et un présent dénudé) regorge de révélations, grandes et petites. C'est une vraie réalisatrice. Fait inhabituel, le film est volé par son Amy, la petite Florence Pugh à la voix rauque.
Critique, documentariste et directeur de festivalLe premier film de fiction de Kent Jonesse concentre sur l'expressivité exquisePlace Mary Kayen tant que bienfaitrice compulsive cherchant à expier ses péchés alors que tout le monde dans sa petite ville est soit en train de mourir, soit au bord du gouffre (même si nous sommes tous au bord du gouffre). Ce drame naturaliste avec une étrange touche expressionniste est candidat pour le plus déprimant jamais réalisé, mais une fois que vous acceptez sa ligne de base non transcendante et centrée sur la mort, il est étrangement exaltant. Les séquences sont interrompues par des plans à travers un pare-brise montrant des paysages ruraux qui défilent, son protagoniste allant – comme nous tous – d'un endroit à l'autre sur la route d'on ne sait où.
Formé autour du meurtre (présumé) du président des Teamsters, Jimmy Hoffa, en 1975,Le film de trois heures et demie de Martin Scorsesese distingue par ce qu'il n'a pas : des décors flashy, des fouets pour le carnage ou des chansons des Rolling Stones pour faire monter l'adrénaline. C'est une œuvre d'abnégation qui se déroule là où Scorsese fait habituellement des démonstrations, avec les vétérans vieillissants de Scorsese, Robert De Niro et Joe Pesci (qui est sublime), ainsi qu'une star invitée de l'autre film de gangsters emblématique de l'époque du réalisateur, Al Pacino. Raconté par le personnage principal âgé, autrefois tueur à gages, depuis un fauteuil roulant dans une maison de convalescence catholique, le film est imprégné de regret, pas tant pour ce qui a été fait que pour ce qui a été fait, mais pas tant pour ce qui a été fait.feutre. Scorsese veut que cela ressemble à un film de vieil homme : s'inspirant de ses personnages de plus en plus infirmes, il ne se laisse pas cacher derrière le mouvement. La paralysie de principe lui convient : c'est son plusexpressifcinéma en décennies.
Dans ceFarrago magnifiquement sinueux, deux hommes blancs vieillissants et de moins en moins pertinents de la télévision de cow-boy des années 50 retrouvent suffisamment leur mojo pour se défendre contre des filles hippies sales et ainsi sauver une princesse de cinéma blonde et enceinte du massacre. Sur le papier, cela semble un peu… réactionnaire. Mais le dixième film de Quentin Tarantino – avec Leonardo DiCaprio et Brad Pitt – est plus une chimère nostalgique qu'un manifeste. C'est avant tout un collage fétichiste du bric-à-brac des années 60 qui transcende ses inspirations, aboutissant à un dénouement à la fois euphorique et déchirant. Une fois de plus, Tarantino a créé un cadre unique dans lequel examiner (ou peut-être simplement vivre à l'intérieur) le monde du cinéma qui, pour le meilleur ou pour le pire, l'a façonné.
Le dernier de Jia Zhangke,La cendre est le blanc le plus pur, à pas de géant à travers une grande anti-romance.Photo : MK2 Productions
N'étant pas un grand adepte du roman de Louisa May Alcott, je me suis promené dansL'adaptation de Greta Gerwigse sentant, franchement, un peu réticent à une énième adaptation. Et puis cela m’a épuisé comme la montée de la mer use un littoral en érosion. Gerwig conserve l'essentiel du livre pour cette œuvre vibrante, mais elle rééquilibre doucement les personnages et la façon dont chacune des sœurs March – Meg (Emma Watson), Jo (Saoirse Ronan), Beth (Eliza Scanlen) et Amy (Florence Pugh). ) — poursuit son propre bonheur particulier. Il y a une sensation innée et réfléchie dans le féminisme du film, même s'il traite d'un matériel vieux d'un siècle et demi maintenant.Petites femmesadmire la volonté de Jo de s'opposer aux normes tout en refusant de décrire les choix plus traditionnels de Meg comme une défaite, et cela met en évidence la tendance à lier les histoires des femmes dans le mariage tout en permettant également que parfois nous ayons tous besoin d'une fin heureuse et romantique.
Les jeunes hommes deLe premier long métrage de Mati Diopsont des demi-fantômes bien avant de devenir de véritables fantômes. Méprisés par un employeur qui ne les paie pas depuis des mois, et tellement saisis par la possibilité de meilleures opportunités de l'autre côté de l'océan que cela ressemble presque à une sorte de possession, ils n'ont qu'un pied dans le monde dans lequel ils grandi. Le film de Diop ne parle pas de ces hommes, ni de la façon dont ils risquent leur vie pour tenter de trouver une vie meilleure pour eux-mêmes. Il s’agit plutôt des femmes laissées pour compte, du fait de vivre dans une communauté détruite par les forces de la mondialisation et d’être celles qui choisissent, ou n’ont d’autre choix que de rester. Le travail de Diop est un mélange superbement confiant de fable surnaturelle, de mystère et de romance, ainsi qu'un film qui aborde la crise des migrants sous un angle que nous ne voyons généralement pas.
Il y a un moment, tardLe néo-noir de Los Angeles de David Robert Mitchell, quand vous comprenez que ce que vous avez regardé n'est pas en réalité un drame conspirationniste surréaliste après tout, mais le portrait de quelqu'un qui est totalement à la dérive après un chagrin d'amour. Sam (Andrew Garfield), un trentenaire déprimé sur le point de se faire expulser de son appartement, devient détective amateur après la disparition de sa nouvelle voisine, Sarah (Riley Keough), dans la nuit. Mais les pistes merveilleusement étranges qu'il poursuit – le comique underground, le milliardaire disparu, le groupe branché – s'ajoutent pour la plupart à un reflet particulièrement déformé de la ville comme un lieu où les hommes puissants se sont toujours livrés à des actes d'ego monstrueux et où de belles femmes ont toujours été marchandisés. Au coeur deSous le lac d'argentn'est pas un mystère, mais comprendre que la recherche de modèles et de connexions est une forme de création de contrôle dans une vie qui semble en sortir. C'est un film qui consiste à essayer de créer une histoire dont vous pouvez être le héros parce que gérer les détails quotidiens de votre vie semble trop difficile.
Désolé,1917, mais le plus grand film tout-en-un sorti cette année était ce phénomène à petit budget de Shin'ichirô Ueda.Une coupe des morts commence comme un film de zombies curieusement guindé et minimaliste se déroulant dans une usine de filtration d’eau abandonnée. Ensuite, il remonte le temps et les coulisses pour raconter l'histoire des acteurs et de l'équipe qui l'ont réalisé et devient une comédie ingénieuse qui donne un contexte totalement différent à tout ce qui a précédé. C'est une lettre d'amour sincère au cinéma indépendant décousu, mais c'est aussi l'histoire étonnamment douce d'une famille de passionnés du showbiz qui essaient juste de réussir dans une industrie dont ils ne s'attendaient pas à ce qu'elle leur permette d'atteindre de grands sommets.
Au sujet des aspirants du showbiz… Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) et Cliff Booth (Brad Pitt) me trottent dans la tête depuis qu'ils ont vuLa saga de Quentin Tarantinode la façon dont leur amitié de la quarantaine conduit à leur intervention inconsciente dans les meurtres de Manson.Il était une fois à Hollywoodfait des choix qui méritent tout à fait d'être critiqués, et il a également des sommets pas comme les autres - comme le dévouement de Rick à son passage en tant que méchant surLancier, etFalaise préparant des macaronis au fromageen compagnie de son chien, et Sharon Tate (Margot Robbie) se rendant impulsivement en solo dans une salle de cinéma pour avoir le plaisir de se voir à l'écran dansL'équipe de démolition.C'est un film qui est adjacent à Charles Manson sans vraiment parler de lui - parce qu'il s'agit, à la base, d'un plaidoyer en faveur de la dignité tranquille de créer un divertissement schlock qui plaît aux gens et dont l'histoire ne se souvient pas.
Le visage de Zhao Tao peut traverser des décennies et briser votre cœur.Le dernier de Jia Zhangke, mon garçon, est-ce que ça fait les deux. Elle est Qiao, une femme vivant dans la ville industrielle de Datong, tandis que Liao Fan incarne son petit ami, Bin, un gangster et un gros poisson dans un petit étang. Ils romantisent leur vie de hors-la-loi provinciale jusqu'au moment où une altercation avec des rivaux se termine avec Qiao en prison - et à partir de là,Le frêne est le blanc le plus purdes pas de géant à travers une grande anti-romance dans laquelle les fortunes montent et descendent à mesure que la Chine change autour des personnages, les réduisant parfois à des spécifications sur de vastes paysages. Qiao devient une figure inoubliable et tragiquement noble, une personne qui croit réellement à l'honneur hors-la-loi qui s'est avéré n'être qu'une simple auto-mythification chez son amant, qui la laisse derrière elle et leur passé commun afin de rechercher la légitimité dans un pays qui s'accélère follement vers un avenir inconnu.
À mi-cheminL'adieu, Billi (Awkwafina) est réprimandée par son oncle pour avoir voulu dire à sa grand-mère (Zhao Shuzhen, 76 ans), le secret que la famille gardait – que la matriarche souffrait d'une maladie en phase terminale et qu'ils se sont réunis pour dire au revoir. « On pense que sa vie nous appartient », lui dit-il. « Mais c'est la différence entre l'Est et l'Ouest. En Orient, la vie d'une personne fait partie d'un tout.» C'est un moment totalement écœurant, une déclaration de l'étrangeté fondamentale de Billi. C'est aussi un exemple de la profondeur que le film de Lulu Wang apporte à son exploration de l'expérience sino-américaine.L'adieuest à la fois sèchement drôle et un drame à quatre mouchoirs, mais la nuance qu'il apporte à son traitement de la diaspora ne doit pas être sous-estimée. C'est un film qui ose être ambivalent sur l'immigration et sur la façon dont les opportunités s'équilibrent avec la perte de connexion et le temps précieux avec ceux que l'on aime.
AParasiteJe suis absent depuis assez longtemps pour que je fasse remarquer que les Kim ne le sont pas.vraimentdes escrocs ? Les membres des deux familles les plus pauvres de la dernière famille de Bong Joon Ho mentent absolument et manipulent leur chemin pour obtenir des emplois de tuteurs, de femmes de ménage et de chauffeurs pour les Parks les plus riches. Mais le problème, c'est qu'ilsfaire le travail, et ils le font bien, d'après ce qu'on nous montre : ce sont des employés solides, jusqu'à ce que tout aille en enfer.Parasite est un thriller brillamment conçu qui peut vous donner envie de manger les riches, mais ses idées les plus marquantes ont à voir avec la façon dont le capitalisme oppose la classe ouvrière à elle-même. Les Kim doivent faire des choses hilarantes et horribles juste pour avoir une chance de survivre, et c'est la rage face à cette indignité qui traverse tout le film et qui mène à sa conclusion brutale, puis terriblement triste.
Le cinéaste Brett Story a passé le mois d'août 2017 à voyager à travers New York pour discuter avec différents habitants de la ville. Elle a parlé à des syndicalistes accrochés à une fenêtre sur le côté de leur maison, à des skateurs dans un parc, à une femme travaillant dans un centre d'appels, à des fêtards vêtus de vêtements vintage lors d'un événement sur le thème des années 1920. Elle leur a tous posé des questions sur l'avenir, et elle a découpé l'interview qui a suivi en un collage estival étouffant qui se trouve également être une encapsulation documentaire donnant la chair de poule de notre humeur pré-apocalyptique actuelle. Bon nombre des personnes interrogées dansLe mois d'août le plus chaudl’avenir est sombre, même si tout le monde ne semble pas avoir eu le temps de lever la tête et de regarder aussi loin – la planification est en soi un privilège. Le film de Story est un texte d'une richesse indescriptible, mais c'est avant tout un document obsédant sur le changement climatique, et il est un peu trop facile de l'imaginer jouant contre le côté d'un bâtiment en ruine dans une ville qui n'est plus habitable par les humains.
Le drame Diamond District de Josh et Benny Safdie donne la sensation d'être un accro au jeu avec une telle force que j'ai eu envie de courir dans les rues après l'avoir vu, tellement j'étais excité par les effets secondaires qu'il offrait.Pierres précieuses non tailléescommence par un accident dans une mine d'opale éthiopienne et émerge peu de temps après du côlon de son personnage principal, liant directement les péchés mondialistes à la poursuite instinctive de Howard Ratner (Adam Sandler) des pièges du succès en matière d'ascension de classe. Howard a sa femme (Idina Menzel) et ses enfants installés dans un McMansion à Long Island, et sa maîtresse (Julia Fox) dans un appartement de Manhattan, et il est exploité jusqu'au bout et ne semble pas s'en soucier. La vérité est que ce sont les rouages et les transactions qu'il aime, les paris constants gros sur un score qui pourrait le faire ou le défaire, le fait de pousser les situations sociales jusqu'à ce qu'elles se transforment en cris. Les Safdie ont une affection pour un type de chaos de rue particulièrement new-yorkais, etPierres précieuses non tailléesen est la distillation la plus pure jusqu’à présent, un film qui souffle les vapeurs mourantes du capitalisme – et mec, quelle ruée.
Chez Gaspar NoéClimax,un paysage infernal sur lequel vous pouvez vogue.Photo de : Wild Bunch
La reconstitution évocatrice du Hollywood de la fin des années 1960 par Quentin Tarantino est la plus amusante qu'il ait eu depuis des années, mais c'est aussi son film le plus compatissant depuis plus d'une décennie. Présentant les histoires croisées d'un homme de premier plan dont le temps est révolu et d'une starlette pour qui tout semble frais et nouveau, le scénariste-réalisateur cherche à préserver un moment dans le temps qui représente la beauté des choses qui changent. Ce n’est pas tant un film conservateur qu’un film qui fétichise une Amérique en pleine décadence. A Cannes,J'ai dit que c'était génial, à part une fin malavisée. Après l'avoir revu plusieurs fois, j'aime désormais davantage la fin, mais je ne suis toujours pas sûr qu'elle soit la bonne pour ce film en particulier. Quoi qu'il en soit, j'espère qu'il y aura une coupure de neuf heures quelque part.
Les connards de Twitter toujours en colère contre Martin Scorsese pourdéprécier leurs franchises bien-aimées de super-héros costumésfaire une observation légitime : Scorseseaallé dans un puits bien trop familier pour son dernier. En effet, c'est le but deL'Irlandais, qui semble entretenir une conversation poignante avec certains des films précédents du réalisateur, faisant exploser le mythe romantique du gangstérisme dont certaines de ces œuvres ont fait l'objet d'un trafic. Le protagoniste lanceur d'alerte deLes bons garsIl a déploré d'avoir pu vivre le reste de sa vie comme un « schnook ». Eh bien, nous voyons maintenant la vie d'un gars qui a effectivement gardé la foi et a fait ce qu'on lui a dit : il s'avère que,sonla vie était encore plus triste.
C'est vraiment dommage qu'il n'y ait pas eu plus de fanfare autour d'un nouveau film de Zhang Yimou, l'un des plus grands réalisateurs de tous les temps. EtOmbre, un drame de guerre tourné dans le style de la peinture au pinceau chinoise, était un véritable humour : une image dont les rythmes calmes ont finalement cédé la place à des scènes de bataille impeccablement chorégraphiées, ingénieuses et horribles.
Mati DiopLe charmant premier long métrage de commence comme une romance sénégalaise maussade sur fond de vues oniriques sur l'océan, puis devient une sombre tragédie de vies perdues en mer, puis une histoire de fantômes anticapitaliste. La touche légère du réalisateur rend tous ces changements avec une telle simplicité et un tel lyrisme que vous sortez du film en vous demandant si vous n'avez peut-être pas tout rêvé.
Ne vous attendez pas à beaucoup de détails historiques dans le drame de Terrence Malick sur Franz Jägerstätter, un fervent fermier autrichien devenu objecteur de conscience méprisé lorsqu'il a refusé de prêter allégeance à Hitler. Au lieu de cela, Malick utilise la lumière, le mouvement, le son et la texture pour décrire une conscience oscillant entre réalité terrestre et certitude métaphysique. Le film parle de vivre une bonne vie dans un monde mauvais et, en tant que tel, il parle plus de la réalité d'aujourd'hui qu'autre chose.
L'histoire tentaculaire du réalisateur turc Nuri Bilge Ceylan sur un écrivain en herbe essayant de concilier son désir de créer une œuvre grande et ambitieuse avec la réalité étouffante et banale de son existence constituerait un double long métrage fascinant avec celui d'Almodóvar.Douleur et gloire: Les deux films parlent de créateurs en conflit – un jeune, un vieux – se rendant compte que leur grand sujet se trouve juste devant leurs yeux.
A la fois lele plus doux et le plus nu émotionnellementfilm que Pedro Almodóvar ait jamais réalisé, c'est unportrait pseudo-autobiographiqued'un artiste en crise créative alors qu'il revient sur plusieurs moments non résolus de sa vie. C'est aussi une belle démonstration de la maîtrise du ton et du style d'Almodóvar : le film danse au bord du sentiment profond jusqu'à la toute fin, puis fait finalement un énorme coup de poing. Aussi:Donnez son Oscar à Antonio Banderasou faire face aux conséquences.
Le bouton chaud de Bong Joon Ho en haut-en bas-en basthriller de bande dessinée noire - quiJ’ai qualifié de « chef-d’œuvre angoissant » la première fois que je l’ai vu à Cannes- est le genre de film en zigzag quand on zag qui ne cesse de définir des attentes narratives, puis d'y répondre simultanémentetles minant. Ce faisant, il incarne de manière poignante l’éthos capitaliste dans lequel il fait des trous. C'est un anti-foule-plaisir du public. Et sa toute dernière scène est la plus écrasante.
Le regard angoissant (mais aussi parfois hilarant) de Noah Baumbach sur un divorce bicoastal du showbiz, pas tout à fait différent du sien, n'est pas seulement le meilleur film américain de l'année, il pourrait aussi être le film le plus humain de l'année ; chaque décision, chaque mot, chaque émotion semble honnête et fidèle à la vie. Mais c'est aussi l'un des plus terrifiants. En fait, c'est une sorte deDr Folamourpour les couples mariés : vous le regardez et vous pensez : « Oui, c’est à peu près comme ça que tout pourrait se passer. »
Laissez à Gaspar Noé le soin de prendre une histoire sur une bande de danseurs et un bol de sangria épicée et d'en faire une techno-musicale surréaliste sur la mort d'une France multiculturelle - un paysage infernal sur lequel vous pouvez vogue. Caster des danseurs réels et les laisser, dans certains cas,improviser leurs répliques et leurs relations (ainsi que leurs mouvements), Noé intègre un sens du réalisme désinvolte, nouveau pour ce réalisateur maniaque du contrôle, dans l'un des jeux stylistiques les plus vivifiants de sa carrière.
*Une version de cet article paraît dans le numéro du 23 décembre 2019 deNew YorkRevue.Abonnez-vous maintenant !
