Les 39 plus grands films automobiles jamais réalisés

Photo : Columbia/TriStar, MGM, FilmDistrict, A24 Films et Universal Studios

Cette liste a été initialement publiée le 15 août 2017. Elle a été mise à jour pour inclure de nouveaux films, notammentFerrari.

Il y a fort à parier que le film automobile sera toujours avec nous. Bien sûr, un « film automobile » peut signifier beaucoup de choses – d’un film de course à un road movie en passant par un film qui se déroule simplement parmi les voitures en général. Quoi qu'il en soit, prenons du recul et regardons certains des meilleurs films automobiles au fil des ans, et faisons-le de manière globale et inclusive. Cette liste de films est assez éclectique – elle comprend des classiques réducteurs, des films cultes, des noirs, des superproductions modernes, des favoris d’art et essai et même de véritables obscurités. En cours de route, il nous est devenu clair qu’un « film automobile » est avant tout un film dans lequel une voiture joue un rôle clé dans la manière dont un personnage interagit avec le monde – que ce soit comme une arme, un outil, un un rêve, un décor ou une métaphore. Voici les 39 plus grands films automobiles. (Et comme d'habitude, nous nous en sommes tenus à un film par franchise, de peur que vous ne vous demandiez pourquoi il n'y en a pas une demi-douzaineRapide et furieuxfilms sur cette liste.)

C'est fondamentalementMâchoiresavec une voiture, et c'est aussi fou que ça en a l'air. Une automobile noire, vraisemblablement venue des profondeurs de l'Enfer, terrorise une petite ville, et c'est l'homme de loi local.James BrolinC'est le travail de l'arrêter. Complètement ridicule, parfois ridicule. Mais c'est aussi un peu son génie : parce que cette voiture fait toutes sortes de choses qu'une voiture ne pourrait jamais faire, on ne sait jamais vraiment à quoi s'attendre. Réalisé par Elliot Silverstein, ce film d'horreur culte était un pilier des émissions tardives : tout enfant changeant de chaîne tard dans la nuit dans les années 80 lorsque ces accords inquiétants de « Dies Irae » retentissaient savait qu'il allait vivre quelque chose de spécial.

Ce film n'est pas tout à fait le chef-d'œuvre pour lequel il était présenté à l'époque, mais c'est un mélange fascinant d'influences pop : les classiques laconiques des années 70, les styles New Age des années 80, l'ironie branchée du millénaire. ère. DirecteurNicolas Winding Refn sait filmer la violence, mais plus important encore, il sait commentanticiperviolence. Et en utilisant un langage presque comiquement inexpressifRyan Gosling(jouant un cascadeur-pilote d'escapade, un peu comme Ryan O'Neal dansLe conducteur), il construit des décors élaborés et pince-sans-rire qui sont troublants dans la manière dont ils promettent des horreurs graphiques et brutales que le film ne montre qu'occasionnellement. De plus, avouons-le, la bande-son est cool.

Dans ce film noir classique de 1958 se déroulant dans le monde des contrebandiers illégaux des montagnes, Robert Mitchum incarne un jeune vétérinaire travaillant comme transporteur – l'un de « ces hommes sauvages et imprudents qui transportent le whisky illégal de sa source à son point de distribution », en utilisant du soupe. -des voitures. Ce n’était pas une création cinématographique fantaisiste ; c'était une véritable sous-culture. Le film ne contient peut-être pas les détails authentiques de ces films de voitures classiques qui commenceraient à sortir une décennie plus tard, mais Mitchum est et sera toujours le chat le plus cool à l'écran. Donnez-lui un hot rod et il sera soudainement plus cool.

"Tu étais seulement censé faire sauter ces foutues portes !" L'escroc de Cockney, Michael Caine, récemment libéré du clink, organise un braquage vraiment ridicule pour voler 4 millions de dollars en lingots d'or de la mafia au centre de Turin à l'aide de Mini Coopers. C'est un petit film étrange et idiot, mais il est rempli de morceaux charmants, de Noel Coward en gangster aristocratique à Benny Hill en professeur pervers en passant par la partition jazzy de Quincy Jones. Plus important encore, le braquage central et ses conséquences ridicules sont délicieusement bien exécutés. Bien que très différent dans le ton et le style, leRapide et furieuxles films doivent beaucoup à ce classique culte et pétillant.

Jason Statham, qui a maintenant rejoint leRapide et furieuxfranchise, a décroché sa première franchise en incarnant un chauffeur expert payé pour transporter des marchandises – n'importe quel type de marchandises, sans poser de questions. Beaucoup d’entre nous ont sous-estimé ce film à l’époque ; la bêtise semblait tout simplement trop forte, et l'attitude stoïque de Statham semblait raide, malgré ses prouesses physiques considérables. Mais au fil des années, lui et le film ont grandi sur nous, acquérant un éclat merveilleusement surréaliste et rétroactif. Il s’agit d’un film d’action amusant, libre et tellement français – le genre de film qui peut ralentir pour ruminer les Madeleines et Proust avant de se lancer dans le chaos. C’est bien sûr le style de la maison EuropaCorp. La société de production dirigée par Luc Besson nous a également confié lePrisdes films,Lucie, et un certain nombre d'autres spectacles d'action dingues, ringards et parfaits.

PartieLes voleurs de vélos, partieLe vieil homme et la mer, ce joyau turc peu connu est l'histoire hilarante et poignante d'un pauvre villageois qui part travailler en Allemagne et économise pour s'acheter une Mercedes jaune bien-aimée. Dans l'espoir de profiter de la gloire de son succès durement gagné, il tente de le ramener dans son village, mais se heurte à de nombreux obstacles en cours de route – la plupart étant liés à sa propre vénalité et à son matérialisme, ainsi qu'à la tristement célèbre politique turque. des conducteurs horribles. Un conte très humain qui parvient aussi à être une vive satire sociale.

Pierre Fondaet Adam Roarke incarnent deux hold-ups/coureurs de zéro à 100 qui volent un immense supermarché, pour se retrouver aux prises avec la groupie NASCAR (Susan George) avec qui le personnage de Fonda a couché la nuit précédente. S'éloignant des flics à bord, d'abord, d'une Chevrolet Impala 68 gonflée, puis d'une Dodge Challenger criarde, le trio se chamaille et plaisante sans relâche. Pendant ce temps, l'homme de loi énervé et frustré (Kenneth Tobey) qui tente de coordonner la chasse à l'homme doit faire face à une incompétence abjecte et à une bureaucratie ahurissante, ainsi qu'à son propre désir de revivre sa jeunesse. Il n'y a pas une seule personne sensée dans ce film, mais les cascades formidables, combinées à l'atmosphère étonnamment décontractée du film, en ont fait un classique de l'automobile.

Tout d'abord, un mot sur l'original : Le 1974Parti en 60 secondes, réalisé par le cascadeur et imprésario de remorquage/saisie HB Halicki, est l'un des films les plus étranges de tous les temps, une série de scènes de voitures et de cascades assemblées avec des dialogues qui tentent de raconter l'histoire élaborée d'un groupe de voleurs volant un véhicule. tout un tas de voitures ; c'est à la limite inregardable. Le remake est à peu près exactement le contraire : un film incroyablement lisse,Jerry Bruckheimer– un film de braquage produit par des stars et qui se déroule en douceur et facilement.Nicolas Cageest le maître voleur qui doit voler 50 voitures en 96 minutes. Ses coéquipiers incluent Robert Duvall et Angelina Jolie. Les décors de voitures sont ridicules et ridiculement agréables.

À son meilleur, Will Ferrell peut sans effort déchiqueter le machisme délirant, presque psychotique, de l'homme américain.– et il peut le faire avec le sourire. En NASCAR, il a trouvé la cible idéale. L'un des plus grands et des meilleurs films de Ferrell était cette parodie de course hilarante, qui suivait l'ascension, la chute et l'ascension d'un champion de course suffisant, son amitié compliquée avec son meilleur ami et camarade de course John C. Reilly, et sa rivalité avec un Français effacé et morveux. joué par Sacha Baron Cohen. Le film oscille entre le triomphe du coq et l'humiliation totale avec une telle facilité que vous pourriez avoir le mal des transports.

Le classique hors-la-loi de Burt Reynolds et Hal Needham était l'opprimé proverbial du cinéma : il est sorti initialement dans les États du Sud, contournant les grands marchés médiatiques et les critiques, et n'a fait que progressivement son chemin vers le reste du pays ; cette sortie en salles populaire (que Steven Soderbergh a tenté de reproduire des années plus tard, avecLogan chanceux) a fini par faireFuméle deuxième plus gros succès de l'année, derrière seulementGuerres des étoiles. Reynolds incarne le Bandit, qui, avec sa Trans-Am, sert de leurre de haut vol à son ami Snowman (Jerry Reed), qui conduit un camion rempli de bière Coors illégale à travers les frontières de l'État. Sally Field est la mariée en fuite qui fait du stop avec eux, ce qui a pour conséquence que le shérif local (et son futur beau-père) Smokey Bear (Jackie Gleason !) les poursuit. Le réalisateur Needham était une légende dans le monde des cascades (le personnage de Brad Pitt dansIl était une fois à Hollywoodest en partie basé sur lui) et il remplit le film de voitures qui roulent à grande vitesse, se retournent et tournent. Mais ce qui le rend spécial, c'est la façon dont le voyage de Bandit, en particulier lorsqu'il se déroule sur la radio CB, rassemble des communautés entières, le transformant progressivement en héros populaire au fur et à mesure que le film avance.

En 1990, le réalisateur russeNikita Mikhalkov(qui gagnera plus tard un Oscar pourBrûlé par le soleil) a été engagé pour réaliser un court métrage promotionnel pour Fiat, mais a fini par créer ce court métrage magique. Dans ce conte évocateur et mélancolique, un champion de course italien est chargé de conduire une voiture depuis l'Italie jusqu'en Russie. En cours de route, alors que les routes propres d'Europe cèdent la place à la désolation enneigée et inhospitalière de la Russie, le film devient une méditation obsédante sur l'appartenance : cet homme solitaire, sans famille et apparemment sans vie, passe d'une vie insensée et insolite. interactions à créer involontairement une famille de substitution étrange et dysfonctionnelle pour lui-même. Et comme les meilleurs films automobiles, ce qui semblait être une histoire banale entre un homme et une machine devient une métaphore de la façon dont nous vivons nos vies.

Jeff Pontsa trouvé l'un de ses premiers grands rôles avec ce drame sur Junior Jackson, un jeune brillant coureur de contrebande qui se tourne vers le circuit des courses de stock-cars après que son père se soit retrouvé derrière les barreaux. Basé sur une histoire vraie, il s'agit autant d'un conte de passage à l'âge adulte qu'un film de course automobile - des derbys de démolition à domicile au grand circuit NASCAR, le parcours de Junior est un voyage d'ambition, de tentation et une conscience de soi croissante. Les scènes de voitures sont rudes, authentiques et souvent profondément convaincantes – principalement parce que le nouveau Bridges est tellement charismatique.

Tom Hardy est assis dans une voiture, jonglant avec diverses tâches: Une femme avec laquelle il a eu une liaison est sur le point d'accoucher et il essaie de se rendre à l'hôpital ; il doit superviser à distance un immense « coulage de béton » pour une nouvelle construction (c'est une affaire bien plus importante qu'il n'y paraît, croyez-nous) ; et il doit expliquer à sa famille pourquoi il ne sera pas à la maison pour assister à un grand match de football avec son fils. La tension du film ne vient pas de la voiture, mais de l'urgence croissante de toutes ces choses qui pèsent sur notre héros. Et Hardy, donnant l’une de ses plus grandes performances, est l’image même d’une compétence cool et calme. Alors que sa confiance commence à s'effilocher et que son véhicule qui roule doucement commence à ressembler de plus en plus à une prison, le film devient presque à couper le souffle.

Cet effort de John Frankenheimer de 1966 et celui de 1971Le Mans(voir entrée suivante) a d'abord commencé comme des épopées de courses de studio en compétition sur le circuit européen, et dans certains cas, les films se sont terminés terriblement similaires : une authenticité ridicule et des séquences de course impressionnantes tempérées par le pablum hollywoodien.Grand Prixest sans doute le plus « studio » des deux : Frankenheimer travaillait au sommet de ses pouvoirs, et les séquences de course qu'il a mises en place avec le légendaire Saul Bass sont d'une intensité et d'une beauté époustouflantes, tandis que la peinture par numéros le mélodrame, sur une variété de conducteurs se livrant à un sport dangereux et sur les femmes qui les aiment et les trahissent parfois, est rehaussé par de belles performances. (James Garner ! Yves Montand ! Toshiro Mifune ! Eva Marie Saint ! Jessica Walter !) C'est honnêtement le genre de film pour lequel le système de studio existait. Cela aurait-il été étonnant de voir cela en 70 mm sur le plus grand écran imaginable ?

Encore plus queGrand Prix, cela ressemble à deux films : l'un est essentiellement un documentaire sur la course des 24 Heures du Mans de 1970, présentant des images des voitures et des pilotes réels, combinées à des images impressionnantes des coulisses. (Les cinéastes auraient tourné une quantité impie de films, dont une grande partie a apparemment été perdue.) L'autre est un drame étrangement sous-développé sur Steve McQueen romançant la veuve du compagnon de route dont il craint d'avoir causé la mort enflammée. Bien sûr, McQueen était probablement distrait : il était lui-même un fou de course et voulait que le film ait autant d'authenticité que possible. D'une certaine manière, le récit pauvre sert à mettre en valeur les scènes de course étonnamment authentiques : tout s'effondre pour que nous puissions nous concentrer sur les voitures, ce qui est clairement ce que les cinéastes eux-mêmes ont fait.

Le réalisateur iranien Jafar Panahi a été interdit de cinéma par son gouvernement, même si cela ne l'a pas empêché de mener des enquêtes vraiment personnelles et changeantes de style documentaire sur sa propre vie. Ce film se déroule entièrement dans un taxi que Panahi conduit à travers Téhéran, alors que différentes personnes entrent et sortent de sa voiture avec leurs propres drames étranges et très personnels. Tout cela n’est pas aussi non-fictionnel qu’il y paraît à première vue : nombre de ces interactions semblent scénarisées et pointues – exposant subtilement des aspects troublants de la société iranienne, ainsi que du propre rôle de Panahi dans ce monde. C'est un film révélateur et captivant. Et c'est aussi une grande vision existentielle de l'intériorité : pour Panahi, le cocon créé par une automobile entre le conducteur et l'extérieur n'est pas sans rappeler celui entre un artiste et le monde.

Peu de gens considèrent ce classique réalisé par Ridley Scott et écrit par Callie Khouri comme un « film automobile », mais cela correspond tout à fait quand on y pense. Fuyant leur vie oppressante, nos héros, interprétés par Geena Davis et Susan Sarandon,prendre la trajectoire standard de libération incarnée par le road movie machiste et lui donner un coup de pied féministe. Ce faisant, ils assument et transforment également certains des éléments typiques de tels films – l’arme à feu, l’aventure d’un soir et, oui, la voiture. Et la finale controversée et très discutée du film - avec ses clins d'œil àButch Cassidy et le Sundance Kid, ainsi que les points culminants de classiques des réducteurs tels quePoint de fuiteetSale Mary, Larry le fou– prend une nouvelle teinte lorsque vous commencez à considérer le tout comme un film automobile.

John Carpentierl'adaptation deStephen KingLe roman classique de est à peu près le dernier mot en matière d'automobiles possédées. L'adolescent ringard et timide Keith Gordon devient obsédé par sa nouvelle Plymouth Fury de 1958 et commence à devenir plus agressif, impitoyable… différent. Est-ce la voiture ? (C'est totalement la voiture.) La prémisse farfelue de King était captivante sur la page, mais la mise en scène froidement efficace de Carpenter - avec l'acteur des jeunes stars Gordon et John Stockwell, qui allaient tous deux devenir eux-mêmes des cinéastes acclamés - en fait quelque chose. plus : un vilain cauchemar de réalisation de soi chez les adolescentes.

Walter CollineLe thriller tendu de sur un cascadeur stoïque (Ryan O'Neal) travaillant comme chauffeur d'escapade a eu une influence clé sur des films ultérieurs tels queConduire, mais il s'agit essentiellement d'un remake automobile américanisé du drame phare de Jean-Pierre Melville.Le Samourai. Comme dans le film de Melville, un professionnel pondéré qui veille à ne pas avoir d'attachements ou de bagages émotionnels se retrouve attiré par un semblable. Et peu à peu, son isolement (en l’occurrence représenté par sa voiture) commence à se dissoudre et il se retrouve plus vulnérable que jamais.

«C'est l'histoire vraie d'un homme, d'une arme à feu et d'une voiture. L'arme appartenait à l'homme. La voiture aurait pu être la vôtre… » L'un des plus grands films noirs de tous les temps, ce thriller de 1953 a été réalisé par la grande Ida Lupino. Deux hommes en route vers le Mexique pour un voyage de pêche attrapent un auto-stoppeur, qui s'avère être un tueur psychotique. L'homme les tient en otage et les oblige à le conduire en Californie. Oh, et il dit aux deux hommes qu'il les tuera une fois le voyage terminé. Le film est remarquable non seulement par sa tension claustrophobe et glaciale, mais aussi par la façon dont il joue subtilement avec la liberté de la culture automobile naissante de l'Amérique et de la route ouverte. Le tueur est un homme qui, malgré toutes ses illusions, s'en prend à la complaisance et à la domesticité des autres hommes - faisant de ce thriller un précurseur de tout, depuisCavalier facileàLe HitcheràCollatéral.

Le road movie culte surréaliste de Richard Sarafian met en scène un mystérieux maniaque de la vitesse (dans tous les sens du terme) menant la police de plusieurs États occidentaux dans une poursuite épique alors qu'il se heurte à un échantillon représentatif des effondrements post-années 60 et se souvient des divers événements de sa vie. (y compris un accident spectaculaire sur une piste de course). Pendant ce temps, un DJ radio aveugle d'une petite ville raconte, encourage et mythifie le voyage. À la fois art et essai et classique du fétichisme des voitures, le film fonctionne si bien grâce à la capacité du réalisateur Sarafian à filmer une poursuite, ainsi qu'à son sens du paysage.

Le biopic de Ron Howardsur la rivalité des années 70 entre les pilotes de Formule 1 Niki Lauda (Daniel Brühl) et James Hunt (Chris Hemsworth)est exagéré dans tous les sens du terme. Le réalisateur a toujours traité à grands traits, et il oppose ici ces deux hommes comme des opposés élémentaires : le Scrivener ringard contre l'hédoniste facile à vivre. Les deux pistes sont excellentes et maintiennent ancrée l’histoire quelque peu prévisible d’une concurrence obsessionnelle. Au fur et à mesure que leur rivalité se développe – et avec elle, bien sûr, leur amitié – le film nous propose également de grandes séquences audacieuses et folles qui capturent le danger et l'attrait de la course. Nous grimacons de terreur et continuons à en demander plus. C'est un film merveilleux qui, pour une raison quelconque, a été ignoré par le public.

L'ambitieuse épopée policière-romance-musicale-action d'Edgar Wright– à propos d'un jeune et brillant conducteur d'escapade obsédé par l'iPod (Ansel Elgort) essayant de se libérer du chef de la mafia (Kevin Spacey) pour lequel il travaille –présente certaines des poursuites en voiture les plus surréalistes de tous les temps, parfaitement chorégraphiées sur la bande-son rock la plus cool de tous les temps. Ce lien crucial entre les voitures et la musique a certainement été exploré par d'autres cinéastes au fil des années, mais Wright va plus loin : il trouve dans le lien primordial du protagoniste avec les voitures et la musique un symbole poignant de son isolement émotionnel, de son besoin de maintenir le monde à sa place. baie.

Réalisateur Francis Ford Coppolaet le producteur George Lucas se sont associés pour ce biopic fastueux, magnifique et étonnamment personnel sur l'inventeur d'après-guerre Preston Tucker (Jeff Bridges), qui s'est attaqué aux grands constructeurs automobiles en tant que constructeur automobile indépendant et s'est effectivement fait écraser. Mais selon Coppola et Lucas, Tucker a remporté une sorte de victoire. Beaucoup de ses inventions et innovations, telles que les ceintures de sécurité, sont monnaie courante aujourd'hui, et le film ne traite que quelque peu ironiquement son histoire comme une histoire de triomphe. Il est facile de voir comment ces deux cinéastes puissants et indépendants – en particulier Coppola, pour qui il s'agissait d'un projet de rêve à long terme – pourraient se reconnaître dans cette histoire d'un homme têtu et brillant qui tentait de jouer sur la même scène avec son plus puissant et impitoyable. concurrents. 

Stanley DonenLe drame romantique classique de présente Albert Finney et Audrey Hepburn dans le rôle d'un couple marié amer et riche conduisant leur Mercedes à travers la France alors qu'ils reviennent sur des événements clés de leur vie ensemble - dont beaucoup les impliquent également de conduire quelque part. Écrit par Frédéric Raphaël (qui avait écritChériet j'écrirais plus tardYeux grands fermés), le film est un portrait fascinant de la façon dont l'amour se décompose. Et dans son mouvement constant, avec son tempo presque effréné, il suggère que le temps, un peu comme cette Mercedes, est une sorte de prison quand il s'agit d'amour. Le ton étrange du film – propulsif mais mélancolique, tranchant mais réfléchi – semble incarner le fait que rien ne reste jamais pareil.

Dans la dramatisation épique du réalisateur James Mangold sur les tentatives de Carroll Shelby (Matt Damon) et Ken Miles (Christian Bale) au début des années 60 de construire une voiture de course américaine capable de battre Ferrari aux 24 heures du Mans, le langage techno des réducteurs savamment écrit coexiste avec des séquences de conduite intenses, vous y êtes. Bale donne l'une de ses meilleures performances en tant qu'ingénieur et pilote bavard, brillant et sans conneries, et le tour de Tracy Letts dans le rôle d'Henry Ford II alterne à couper le souffle entre fanfaronnades machistes et crainte faible, mais les vraies stars du spectacle sont les voitures, souvent filmé de l’intérieur pour créer une œuvre incroyablement immersive. Alors que d'autres films automobiles se dirigent vers des directions plus surréalistes et délibérément artificielles, celui-ci reste ancré, avec des résultats merveilleux : c'est le film automobile classique en tant que blockbuster moderne.

L'hommage de Quentin Tarantino aux films d'exploitation de qualité Z et aux films de voitures cultes— initialement présenté comme la moitié du film omnibusGrindhouse- est un excellent film d'horreur, le film de cascades automobiles ultime et un film de repaire bizarre, plein de longueurs brevetées par le réalisateur et de scènes prolongées de dialogues apparemment hors de propos. Tarantino nous donne un cascadeur (Kurt Russell) qui s'amuse à tuer des voitures entières de femmes sans méfiance. Dans la première moitié du film, on le voit traquer et consommer sa proie ; dans la seconde moitié, nous observons un groupe de victimes alors qu'elles ripostent. Le film est à la fois touchant, séduisant et passionnant – mais comme beaucoup des plus grands films de Tarantino, il a également la qualité ludique et expérimentale d’un puzzle narratif.

Le regretté réalisateur iranien Abbas Kiarostamia fait tellement de films se déroulant dans et autour des voitures que j'aurais parfois souhaité qu'il ait unRapide et furieuxtranche, juste pour voir quelle folie il aurait pu inventer. Dans ce drame récompensé par la Palme d'Or, un Iranien d'âge moyen circule en voiture à la recherche de quelqu'un qui l'enterrera après son suicide. C'est une configuration déprimante, mais le film est beaucoup plus doux. Kiarostami utilise la voiture à la fois comme un outil psychologique et sociologique : elle représente l'isolement de notre personnage, mais elle représente également un moyen permettant aux individus d'avoir des interactions privées dans cet État religieux fortement policier. Alors que Kiarostami nous offre de longues scènes de son protagoniste conduisant, le paysage glissant devant ses fenêtres, quelque chose de fascinant et même d'excitant émerge. À sa manière, c'est un film automobile aussi génial que quelque chose de plus emblématique, commePoint de fuiteouToit noir à deux voies.

Dans l'un des grands thrillers sous-estimés des deux dernières décennies, les frèresPaul WalkeretSteve Zahn(le premier est un romantique au visage frais, le second est un ancien détenu) rivalisent avec l'étudiante Leelee Sobieski alors qu'ils se heurtent à un camionneur psychopathe sans visage avec lequel ils ont joué sur la CB. Sexe et voitures : le réalisateur John Dahl fait ressortir les nuances troublantes alors même qu'il orchestre des décors fantastiquement terrifiants. Jouant un perdant sympathique mais égoïste, Zahn n'a jamais été aussi bon ; et le charmant et enfantin Walker panique comme si de rien n'était ; le plus grand atout du film est l'alchimie fraternelle entre ces deux-là.

Ce n'était pas tellement que plus tôtRapide et furieuxfilmsétaientréaliste. Mais à leur manière folle, ils avaient adhéré à un semblant de plausibilité. En se concentrant sur la sous-culture des courses de rue et sur les capacités spécifiques des voitures elles-mêmes, ils étaient des films d'exploitation automobile survoltés. Cependant, avec la cinquième entrée de la franchise, la série est devenue Bond – devenant une fantaisie internationale de décors de plus en plus fantastiques, chacun plus ridicule les uns que les autres. Il n'y avait aucune raison pour que ça marche, mais le réalisateurJustin Lin(qui a maintenant dirigé cinq de ces films, transformant ainsi cette franchise d'un box-office également à un phénomène international) a capturé juste le bon ton léger et caricatural pour tout faire chanter.Furieux 7a failli le dépasser – et qui sait, peut-être que ce sera le cas avec le temps – mais pour l'instant,Rapide cinqreste le summum de cette série.

Comment décrire l'adaptation par Lana et Lilly Wachowski de la populaire série animée des années 1960 ? Appeler cela « live-action » ne rendrait pas vraiment justice à son cinétique tourbillonnant, à ses couleurs éclatantes, à sa narration complexe et follement émotionnelle et à son rythme de démon de la vitesse ; c'est comme être piégé dans un kaléidoscope pendant deux heures, de la meilleure façon possible. Speed ​​Racer d'Emile Hirsch est tout à fait motivé alors qu'il tente de racheter l'héritage de son frère soi-disant mort, Rex – John Goodman et Susan Sarandon jouent ses parents, et Christina Ricci, sa petite amie, Trixie – et les Wachowski filment les affaires de famille avec le même frénétisme couleur bonbon. ils apportent aux séquences de course. Les réalisateurs comprennent que l'attrait de l'original n'avait rien à voir avec les voitures mais tout à voir avec le spectacle du dessin animé et l'émotion extrême. En conséquence, ils n’essaient en aucun cas de rendre les choses réalistes – au contraire, leurCoureur de vitessea l'air encore plus faux que la série. Mais les effets révolutionnaires créent pratiquement un autre niveau d’être : quelque chose au-delà de la simple animation ou de la simple action en direct. Vous n'avez jamais rien vu de pareil. Et ce fut un échec, donc vous ne reverrez probablement jamais quelque chose de pareil.

Bien qu'il ait été conçu pour la télévision, la plupart des gens considèrent que c'estSteven SpielbergC'est la première vraie fonctionnalité de. C'est certainement la première fois que nous avons une vue complète de son formidable talent. Dennis Weaver est un banlieusard aux manières douces coincé au volant d'une voiture terrorisé par un mystérieux semi-remorque sans raison perceptible. Ce qui commence comme un petit thriller serré devient une étude fascinante sur la masculinité. Weaver est l'Eternal Pushover, le gars qui se fait toujours piétiner et mettre de côté. Son poursuivant massif, bestial et apparemment indestructible est tout ce qu'il n'est pas. Le va-et-vient entre ces deux figures – entre, essentiellement, l’homme et le destin – a une touche existentielle délicieuse et délirante. De plus, ce film, écrit parRichard Matheson, est tout simplement excitant comme l'enfer.

Dans le chef-d'œuvre de Leos Carax, l'énigmatique Monsieur Oscar (Denis Lavant) traverse Paris dans une limousine, incarnant des personnages très différents en cours de route – chaque scène semble donner lieu à un grand moment émotionnellement cathartique… avant qu'Oscar ne passe simplement à l'étape suivante. . Nom de Dieu, qu'est-ce que c'est ? Une allégorie religieuse ? Une métaphore sur le jeu d’acteur et/ou le cinéma ? Une méditation sur la nature en constante évolution du monde moderne ? Une vision d’une âme à la dérive ? Une chose est sûre : dans cette image récurrente d'Oscar traversant la ville dans sa limousine,Carax capture une métaphore visuelle parfaite pour le voyage épisodique et légèrement distancié du personnage à travers cette existence bizarre et patchwork..

Le classique culte d'Alex Coxest une comédie inclassable sur un jeune punk de banlieue (Emilio Estevez) qui tombe avec un vétéran des pensions (Harry Dean Stanton) et apprend « le code des pensions », tandis qu'une histoire impliquant des extraterrestres volés, des criminels punk, des agents gouvernementaux, des télévangélistes, et d'anciens hippies tourbillonnent autour de lui. Le réalisateur Cox s'attaque au consumérisme, à la marchandisation, au capitalisme et au conformisme, mais il n'est pas un grondeur. Il a cette capacité unique de créer une satire pointue tout en évoquant des personnages ridiculement mémorables, ne laissant jamais sa juste colère entraver son humanisme. Le résultat est un film qui a défini la philosophie punk pour toute une génération de téléspectateurs.

Le thriller de Michael Mann sur un chauffeur de taxi de Los Angeles (Jamie Foxx) et son passager tueur à gages (Tom Croisière) est absolument un film automobile, au cas où vous vous poseriez la question : il s'agit de la façon dont le taxi de Foxx représente un cocon sûr à travers lequel il découvre le monde et qui l'empêche de saisir la vie qu'il pourrait vivre. Lorsque l'assassin aux cheveux blancs de Cruise entre dans ce cocon, il commence à s'en prendre au sens de soi prudent et contrôlé de Foxx ; le trajet en taxi depuis l'enfer s'avère être un rite de passage. Il est donc approprié que l'affirmation la plus importante de son identité par Foxx vienne lorsqu'il monte dans le taxi avec eux deux à l'intérieur. Pendant ce temps, les paysages urbains de Los Angeles bien-aimés de Mann n’ont jamais été aussi vivants et beaux.

Le road movie classique (et classiquement calme) de Monte Hellman sur un pilote (James Taylor), un mécanicien (Dennis Wilson) et une fille (Laurie Bird) pilotant un homme dans un cross-country GTO (Warren Oates) est le genre de maussade. , film séduisant qu'on a envie de revoir encore et encore — et qui en révèle un peu plus à chaque visionnage. Co-écrit par Rudy Wurlitzer, le film n’est ni exactement une métaphore, ni exactement un drame. Au lieu de cela, dans les interactions parfois déroutantes entre ces personnages, cela crée un étrange petit écosystème de compétition, de codépendance, de ressentiment et d’aliénation. Mais les plus inoubliables sont les séquences de conduite fantastiques et les performances presque fascinantes – avec James Taylor créant un rôle principal parfaitement intense (et étonnamment charismatique), un repoussoir idéal pour Oates bavard et légèrement impuissant.

Oh, regardez, c'est encore Michael Mann – cette fois dans un mode voiture-film totalement différent. Le réalisateur porte en fait une certaine responsabilité dans la création de Ferrari. Le Testarossa blanc dans les deux premières saisons deMiami ViceC'était probablement la première fois qu'une grande partie de la génération X entendait le nom « Ferrari ». Mais le biopic de Mann sur Enzo Ferrari (Adam Driver) porte moins sur les voitures que sur la course et la volonté autodestructrice d'être le meilleur. En se concentrant sur quelques mois cruciaux de l'année 1957,Ferrarialterne entre des scènes composées et intimes d'adoration domestique et de conflits d'un côté – alors qu'Enzo jongle avec la vie avec sa femme qui souffre depuis longtemps (Penelope Cruz) et la femme avec qui il a fondé une autre famille (Shailene Woodley) – et totalement déséquilibré, assourdissant et de l'autre, des séquences de courses époustouflantes. Que tout se termine par une tragédie indescriptible et horrible est historiquement exact, bien sûr, mais cela suggère peut-être aussi que vous ne pouvez pas distancer vos démons.

La série Mad Max a toujours été la plus grande des franchises de films automobiles – mélangeant les visions dystopiques noires du réalisateur George Miller avec des films hautement stylisés et des cascades automobiles réelles et époustouflantes. Le débat durera probablement une éternité quant à savoir siRoute de la fureur(la quatrième entrée) en têteLe guerrier de la route(le deuxième), mais il est difficile de nier que cet épisode le plus récent dynamise chacun des éléments susmentionnés :La dystopie est encore plus sombre, le cinéma plus stylisé et les cascades plus dingues. Même le rôle principal est plus sombre qu'avant, Tom Hardy dépassant facilement son prédécesseur Mel Gibson. Et, bien sûr, cette image est celle qui nous donne des personnages aussi indélébiles que l'Imperator Furiosa et Immortan Joe. Pourtant, qu'est-ce qu'il y a de vraiment incroyable dansRoute de la fureurC'est ainsi que, au milieu de séquences d'action implacables et propulsives – et c'est vraiment un film qui ne s'installe presque jamais – nous en apprenons beaucoup sur ces personnages et le monde terrifiant qu'ils habitent. C'est un cauchemar éveillé, une aventure à couper le souffle et une œuvre d'art déroutante.

Pas de plainte. C'est totalementestun film de voiture. Bien sûr,Le chef-d'œuvre de Martin Scorsesen'est pas un classique des réducteurs ; vous ne trouverez pas de fous de voitures qui le fétichisent ou quoi que ce soit du genre. Mais cette étude sur la solitude, la folie et la violence porte essentiellement sur la façon dont le chauffeur de taxi Travis Bickle (Robert De Niro) dérive à travers la ville – les rues humides et enfumées formant une vision de l’enfer alors qu’elles glissent devant son pare-brise. Dans la manière dont il crée une frontière apparemment imperméable entre Travis et le monde, et dans la manière dont les personnages qui montent dans son taxi, chacun à leur manière, pénètrent son sentiment d'identité, ce n'est pas seulement un film automobile ; c'est le film automobile ultime.