Le meilleur théâtre de 2024

Photo-Illustration : Mia Angioy. Source : Matthew Murphy, Maria Baranova, Emilio Madrid, Joan Marcus

Au cours de ma première année complète de retour au travail, j'ai été réconforté, surtout ces derniers jours sombres, de constater une collaboration partout. Les théâtres se tendent la main. Les producteurs font preuve de créativité et s’associent pour donner une première, voire une seconde vie à des productions inventives et extraordinaires. La moitié des pièces qui se sont retrouvées sur ma liste des meilleures de l'année étaient des coproductions, et non parmi les grands chiens – des institutions comme Transport Group, Clubbed Thumb, New Georges, En Garde Arts, HERE, Rattlestick et Theatre. pour un nouveau public se sont réunis pour mutualiser leurs ressources et partager des premières. Cela signifie que, malgré un climat de pénurie continue et malgré certainsdes pertes exaspérantes,plusart courageux. Pour moi, le miraculeux a souvent été décousu cette année, et vice versa. Le théâtre à son meilleur a répondu à cet appel, selon les mots deun de mes héros, pour « montrer ici sa propre petite lumière, sa pauvre petite flamme tremblante, en sachant que ce n'est pas la seule lumière qui brille dans les ténèbres, ni la seule que les ténèbres ne comprennent pas ».

Sur la liste des raccourcis vers une grande production, « Demandez à David Greenspan de le faire en solo » doit figurer au moins parmi les cinq premiers. Je dirais qu'en 2024, la meilleure Norma Desmond de New York n'a pas été jouée parNicole Scherzingeraprès tout, mais par Greenspan dans le personnage déformé par un miroir de funhouse de Theda Bara, un autre titan du cinéma muet aux yeux khôl qui regardait les images se rétrécir sous elle. Dans le film noir glissant et camp-lacé de Joey Merlo, Theda elle-même faisait partie d'un quatuor de personnages incarnés par Greenspan, un acteur pour qui assumer un personnage donne toujours plus l'impression d'être pris par un seul - la performance comme une sorte de grand spectacle semi-érotique. possession. Il a également joué un adolescent en fuite nommé Iras, obsédé par Theda et risquant de devenir le Joe de sa Norma; un organiste nommé Ulysse avec une voix tout droit sortie deLe son et la fureur; et l'un des pères adoptifs d'Iras, un détective nommé Détective Finale, qui possédait tout le vocabulaire de Sam Spade, sinon peut-être toute la dureté de son ébullition. Dans la production de Jack Serio, qui faisait son retour au Brick de Williamsburg, les miroirs et les longues ombres régnaient, l'identité était aussi glissante que la glace noire et aussi muette que l'eau, et entre les volutes imaginaires de la fumée de cigarette, il y avait une douceur subtile dans l'air, une histoire sur les enfants queer et les parents queer et les efforts étranges que nous faisons pour l'amour.

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Laissez votre ironie à la porte. Mise en scène par le réalisateur et chorégraphe Justin Peck de l'album indépendant révolutionnaire de 2005 de Sufjan StevensIllinoisC'était une affaire de sincérité, et j'étais là pour ça. Peck et le dramaturge Jackie Sibblies Drury ont conçu un récit interne flexible pour tisser certains arcs de personnages à travers la suite de chansons envolées et flottantes de Stevens sur l'État des Prairies, et dans les rôles centraux, Ricky Ubeda et Ben Cook ont ​​dansé magnifiquement, Ubeda canalisant Stevens lui-même avec une délicatesse qui , fidèle à la musique, profond (surtout si l'on considère lepropre chagrin récent). La chorégraphie de Peck a remporté un Tony lorsque le spectacle a été transféré à Broadway, et les arrangements orchestraux complets de Timo Andres sonnaient de manière luxuriante et scintillante sous les trois chanteurs stellaires de la production, dont Shara Nova de My Brightest Diamond. Qu'il s'agisse de Cook et Gaby Diaz partageant un duo dévastateur sur « Casimir Pulaski Day », ou de Byron Tittle explosant dans un tourbillon de claquettes dans « Jacksonville », les danseurs deIllinoiseje me sentais chargé de désir et de vie, brillant comme des lucioles dans la nuit noire de la prairie.

➼Lisez notreexamen complet deIllinoise etconversation avec le dramaturge Jackie Sibblies Drury.

Un contre-ténor, dix personnages principaux, plusieurs heures de musique parmi les plus appréciées de tout l’opéra – à quel point cela pourrait-il être difficile ? Sur la scène extérieure de Little Island, avec les lumières du New Jersey scintillant sur l'Hudson en arrière-plan, Anthony Roth Costanzo a réalisé l'aventure folle d'un seul chanteur.Mariage de Figaroregarde, sinon exactementfacile, alors certainement comme une explosion absolue. Réalisé avec la magie folle et laissant les coutures montrer par Dustin Wills - et mettant en vedette un quintette de merveilleux acteurs comiques dans le rôle d'une équipe de machinistes harcelés qui se sont finalement transformés en personnages, la voix de Costanzo s'échappant de chacun d'eux comme tant de Lena. Lamonts-ceFigaroétait une grande expérience de jeu anarchique. (Et grâce aux arrangements habiles de Dan Schlosberg, le tout s'est déroulé en 90 minutes environ.) Pourtant, à côté de la gymnastique vocale burlesque, des claquements de portes et des précaires, la production de Will a également accédé au caractère subversif de l'histoire originale, ainsi qu'à son chagrin. Dans une robe dorée et une couronne de fleurs, Daniel Liu habitait pleinement la comtesse Rosina au cœur malade, et lorsque la soprano de Costanzo coula du corps de Liu pendant« Porgi aime »et"Où sont-ils», Wills tira sur les rênes du chariot de course et nous laissa nous asseoir un moment dans une belle immobilité.

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Talking Band, la solide troupe de créateurs du centre-ville composée des malfaiteurs mariés Ellen Maddow et Paul Zimet ainsi que de leur collaboratrice Tina Shepard, a connu une année d'enfer. C'était le cinquantième anniversaire de l'entreprise et l'année 2024 a été remplie deproductions sournoises et fantaisistes, y compris cette collaboration visuellement sobre et profondément émouvante avec 600 Highwaymen. Comme Talking Band, 600 Highwaymen est une compagnie avec un couple en son sein : Abigail Browde et Michael Silverstone, des créateurs de théâtre qui ont à peu près la moitié de l'âge de Maddow et Zimet. Ils ont écrit et réalisé et ont finalement rejoint Maddow, qui est vif et fascinant, et Zimet, qui se déplace comme une cigogne réfléchie, sur scène, créant un duo intelligent et curieux des générations. Autant une œuvre de danse qu'une pièce de théâtre,La soirée suivanteJ'ai regardé quatre créateurs - une paire d'ancêtres et une paire de descendants - se reflétant mutuellement et plongeant doucement dans et hors des souvenirs et des incertitudes de chacun. Ce n'était pas nostalgique; au contraire, c'était en quelque sorte à la fois peu sentimental et infiniment délicat dans son adhésion à l'éphémère essentielle du théâtre. « Nous y sommes. Encore une fois, encore une fois, recommence, recommence », réfléchit Maddow alors qu'elle flottait à travers la scène. « Vous travaillez si dur pour que ce soit génial. Et c'était génial ? Qui sait.

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Une éventuelle étude anthropologique du théâtre du début des années 2020 mettra au jour une multitude de pièces sur le deuil, mais combien brilleront avec autant d'élégance, d'esprit et d'étrangeté que celle de Liza Birkenmeier.Hôtel du deuilest une autre question. En visite au public lors d'une représentation de rappel après sa première en 2023 avec Summerworks de Clubbed Thumb, la pièce de Birkenmeier avait une distribution phénoménale, une belle mise en scène de Tara Ahmadinejad qui chevauchait le comiquement précis et l'au-delà, et une finale de karaoké désordonnée et joyeuse qui devrait probablement aller dans le dictionnaire sous «catharsis». Au centre se trouvait la tante Bobbi de Susan Blommaert, une amoureuse des chiens du Midwest et une aspirante entrepreneure, qui nous présente son idée pour le Grief Hotel titulaire : « une expérience de luxe et sur mesure », nous promet-elle, où vous pouvez aller recevoir. une guérison d'origine éthique, à la manière de Brené Brown, « si votre frère ou sœur tombe gravement malade ou si vous découvrez que la personne que vous aimez ne vous aime pas en retour, ou si vous commettez un homicide involontaire ». L'humour de Birkenmeier est sec, et les acteurs d'Ahmadinejad l'ont parfaitement compris. Tout le monde dansHôtel du deuilest blessé, seul, perdu et bizarre, et d'une manière ou d'une autre, vous ne vouliez pas que votre temps avec eux se termine. (Remarque :Aidez à sauver le projet Wild ! Parmi une myriade d'autres projets étranges et brillants, Summerworks est installé dans ce joyau de l'East Village, et nous ne pouvons absolument pas nous permettre de perdre un autre espace comme celui-ci.)

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La merveille in situ de Sarah Gancher était sous-titrée « Une histoire sur le Sunny's Bar », mais elle contenait des éternités d'histoire et des couches sur des couches de terre riche et limoneuse dans son conteneur trompeusement local. Soutenu par En Garde Arts et le Vineyard Theatre et joué presque entièrement sur la vieille barge qui abrite le musée du front de mer de Red Hook,Ventraconte l'histoire de la famille Balzano, propriétaire depuis plus d'un siècle du bar voisin de Conover Street, aujourd'hui connu sous le nom de Sunny's en hommage à son plus récent philosophe-patriarche. Pete Simpson a parfaitement évoqué à la fois le charisme et les dangereuses faiblesses de ce poète autoproclamé, mais l'âme de la série appartenait à Jen Tullock, discrète et déchirante dans son portrait de la femme de Sunny, Tone. Tone (norvégien, sculpteur/musicien et prononcé « thon » comme le poisson) a permis à Sunny's et à tout ce qu'il représentait - y compris un rassemblement régulier de musiciens folk locaux, parmi lesquels Gancher - de rester vivants et à flot même pendant le cauchemar de l'ouragan Sandy, et la production sobre et gracieuse de Jared Mezzochi a à la fois célébré son héritage et s'est étendu au-delà. Cinq artistes nous ont emmenés à travers les eaux de Red Hook et nous ont ramenés à l'époque où il était un village de pêcheurs anglais, une colonie hollandaise, un terrain de chasse pour le Lenape et le Wickquasgeck, jusqu'à sa dormance sous un grand glacier. Gancher a empilé des couches de temps sur scène et nous a laissé les parcourir, créant une magnifique méditation teintée de musique sur ce qui se cache sous les endroits où nous vivons, sur la façon dont nous les changeons et comment ils nous changent.

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« Qu’ont en commun les dramaturges et les programmeurs informatiques ? » a demandé le dramaturge Ethan Lipton, bénin et discret, depuis la scène du Theatre for a New Audience. "Ils veulent tous les deux devenir musiciens." Si tel est le cas, Lipton vit actuellement son rêve enNous sommes vos robots, sa nouvelle pièce de concert exceptionnelle dans laquelle lui et ses vrais camarades de groupe – les extrêmement talentueux Vito Dieterle, Eben Levy et Ian Riggs – jouent une troupe de sympathiques robots musicaux, se joignant à nous pour une « démonstration » exploratoire de 80 minutes pour découvrir ce que nous, leurs « amis humains », attendons de nos machines. Sournois, intelligent comme diable, et d'une manière ou d'une autre à la fois extrêmement tendre et drôle, la vanité décalée de Lipton a plus que fonctionné : à sa manière sans prétention, elle nous a emmenés jusqu'au bord de l'abîme, puis a tendu une main douce à ramène-nous encore. Habillés comme un quatuor d'Elvis Costellos électroniques, les robots nous ont promis des chansons dans « une combinaison amusante de nombreux genres impopulaires », et bon sang, ils ont tenu leurs promesses. Les airs charmants du groupe et les paroles intelligentes de Lipton évoquaient un petit Tom Waits ici, un peu They Might Be Giants là, un peu Cake et Randy Newman là-bas. Pendant ce temps, le robot de Lipton nous a informé que nous pouvions faire confiance à l'étendue de son stockage de données, étant donné qu'il a lu chaque entrée de Wikipédia « ainsi que tous les romans numérisés – à l'exception deMon combatde Karl Ove Knausgård, ce que j'entends comme génial. Il nous a également présenté son grand-père Morrie, un Roomba sensible, et a partagé certaines des façons dont il a appris à traiter et à reproduire les émotions humaines. ("Je sais, par exemple, que si j'étais ton ami et que je te voyais dans une pièce de théâtre, qu'après, en te saluant dans la rue, ma mission serait de te dire que j'ai adoré.") Alors - rebondissement - il m'a presque fait pleurer avec une chanson qui offrait une traduction du gazouillis plaintif des baleines à bosse. Il y a beaucoup de théâtre qui s'attaqueIntelligencede laArtificielvariététout de suite, maisNous sommes vos robotsbrille parmi eux, un joyau rare et humain déguisé en androïde.

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Des marionnettes géantes en forme de poisson rouge ! Fantasmagorie! Walt Whitman! Cafards sexy, poneys BDSM et méta-manigances ! À la fois dans ses propres termes délicieusement loufoques et en guise d'adieu à l'espace de Soho Rep sur Walker Street, cecollaboration de Branden Jacobs-Jenkins et de l'artiste performance Alina Troyano(souvent connue sous le nom de son personnage de scène, Carmelita Tropicana) n'aurait pas pu se sentir plus bien. Parfois, vient le moment, vient la pièce de théâtre farfelue, et dans la sombre semaine qui a suivi les élections,Carmélite TropicanaC'était exactement le coup de feu dont j'avais besoin. Courageusement idiot, brillamment interprété et profondément généreux, le spectacle suivait les aventures vertigineuses d'Alina, jouée par elle-même, et de Branden, parfaitement interprété par Ugo Chukwu, après que celui-ci (son ancien élève) lui ait proposé d'acheter son alter ego encombrant. (Coup sur Chukwu, complètement possédé par Carmelita quelques scènes plus tard, balbutiant mollement au personnage cuivré qui s'est emparé de lui, "Je n'ai pas compris qu'il y avait tout un autre élément métaphysique là-dedans. Je pensais juste que nous parlions à propos de… vous savez… IP ? ») Dans l'ensemble uniformément excellent, Will Dagger se démarquait comme un cheval moustachu et apitoyé sur lui-même (l'une des créatures du vers fantastique d'Alina) et comme le manipulateur et la voix maniaque derrière une flotte toujours croissante de marionnettes de poissons rouges, conçues par Greg Corbino et en quelque sorte mignonnes, hilarantes et effrayantes à la fois. À la fois un voyage trippant dans le terrier du lapin et une protestation contre tout ce qui est « beige et non libre ».Donnez-moi Carmelita Tropicana !était – est toujours – le héros dont nous avons besoin.

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Le Prototype Festival d'opéra expérimental de janvier a été suffisamment généreux pour nous offrir une nouvelle pièce de la lumineuse compositrice Heather Christian, qui constitue ma très courte liste de véritables génies vivants. Au début de la pandémie, Christian – qui s’inspire souvent de son éducation mystique catholique du Sud – a créé une performance audio intituléePrime : un bréviaire pratique.Elle méditait sur la première messe de la journée dans la liturgie catholique, utilisant une structure sacrée pour explorer des tunnels personnels, spirituels et philosophiques qui s'étendent bien au-delà du cadre étroitement doctrinal.Troisième, du nom de la messe qui a lieu à 9 heures du matin, trois heures après Prime, était sa suite, conçue sur un an avec le réalisateur Keenan Tyler Oliphant et plus de 30 interprètes, et c'était sublime. J'ai eu la chance d'assister à un spectacle à l'heure éponyme et de me rendre dans l'ancien espace Irondale de Fort Greene tôt un samedi de janvier, avec la lumière froide et intense provenant des vitraux et les gens tapant du pied en se saluant. autour de tables pliantes remplies de café, de thé et de biscuits, c'était suffisant pour renouveler la foi. "Vous perdez la peau / C'est reparti", chantait Christian et son chœur de trente personnes, toutes mères ou soignantes, toutes rassemblées pour célébrerTroisièmeL'interprétation du Saint-Esprit comme le « Divin Féminin » – la « pièce mère » qui vit en chacun de nous, « un gardien, un générateur qui peut faire quelque chose à partir de rien ». Je vous salue Heather, pleine de grâce !

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Quand le fasciste commencera à parler, allez-vous le laisser faire ? Dans le jeu d'idées brechtien à couper le souffle du dramaturge et metteur en scène portugais Tiago Rodrigues, c'est un choix qu'il faut vraiment faire. Rodrigues, qui dirige le Festival d'Avignon, a commencé à travailler avec un groupe d'acteurs début 2020 pour créer une pièce sur une famille qui tue des fascistes. « C'est une vieille tradition que chaque membre de la famille a suivie », leur a-t-il expliqué. «Aujourd'hui... l'un des jeunes membres de la famille, Catarina, doit tuer son premier fasciste, qui a été kidnappé à cette fin. C'est un jour de fête, de beauté et de mort. Les résultats, quatre ans plus tard, étaient tout simplement étonnants. Mis en scène avec un immense souci du détail émotionnel et un œil théâtralement galvanisant pour l'abstraction,Catarinea emmené plus de 800 personnes confortablement nichées dans le Harvey Theatre de BAM et les a secouées dans une réaction physique et viscérale. Les huit acteurs de la pièce, tous aiguisés et merveilleux, ont commencé facilement : une famille à la campagne se préparant pour un repas partagé par une belle journée d'été. Toutes vêtues de longues robes sombres et de châles, comme tant d'héroïnes de Lorca, et toutes s'appelant « Catarina mon frère », « Catarina ma sœur » ou « Catarina mon oncle », elles semblaient à la fois familières et surréalistes, de notre époque et étrangement. retiré de celui-ci. Finalement, alors que le rituel de la journée a été bouleversé par le doute d'une certaine Catarina, nous avons appris toute l'histoire : il y a des années, sous la dictature de Salazar, un ancêtre de la famille a été témoin du meurtre de son amie Catarina par la police fasciste, tandis que la sienne mon mari, un soldat, restait là et regardait. Cette nuit-là, elle a abattu son mari pour sa complicité et a consacré sa famille au meurtre annuel d'un fasciste à perpétuité. « Dans cette maison, écrit-elle à ses descendants, vous serez tous Catarina : toutes femmes, toutes faucheuses, toutes rebelles. » Le scénario époustouflant de Rodrigues oppose ses personnages aux débats les plus urgents : à quoi ressemble la véritable résistance ? La violence est-elle au service des opprimés ? Quel est notre devoir ? Puis, il lâche sa bombe : pendant les vingt dernières minutes du spectacle, un homme politique fasciste, jusqu'ici resté silencieux sur scène, commence à parler. Et parler, parler et parler. Sa diatribe devient de plus en plus explicitement haineuse, de plus en plus raciste, manipulatrice et violente, et le public a un choix à faire : combien de temps allons-nous le laisser continuer sans être contesté ? Les gens huaient, criaient, criaient « Va te faire foutre ! » et « Tirez-lui dessus ! », se sont levés et ont tourné le dos, se sont levés et ont quitté le théâtre. C'était un véritable chaos, c'était incroyable, et c'était à la fois une démonstration sans faille et un démantèlement impitoyable des principes de Brecht en matière de responsabilité du public. Rodrigues appelle le théâtre « une antichambre de l’action », et dans la salle avec ses acteurs, nous avons dû répéter pour être courageux.

Il s’avère que 2024 a été une année de jeux consécutifs réussis, même mesurés par la mesure pour laquelle ils obtiennent traditionnellement de mauvais résultats : la vente de billets. Cela est dû en partie à l'afflux de stars hollywoodiennes venues à Broadway pour faire leurs preuves avec un travail « sérieux » alors que les industries du cinéma et de la télévision se contractent. Jeremy Strong, Jim Parsons (deux fois), Rachel McAdams (à mon avis, les débuts sur scène les plus impressionnants de l'année), Rachel Zegler et bien d'autres ont tous atterri à New York pour des engagements limités, certains plus réussis artistiquement que d'autres, mais tous faire de très bonnes affaires. Plus impressionnantes, cependant, ont été les pièces qui sont devenues des succès en raison de la force de leur travail réel et de leurs longues séries.Stéréophonique, la réimagination par David Adjmi de Fleetwood Mac'sRumeursles sessions, qui ont été transférées à Broadway au début de l'année, ont réussi sur le marché sans aucun nom de célébrité attaché, etÔ Marie !a fait de Cole Escola, auparavant connu uniquement des amateurs de cabaret et des fans de comédies sur Internet, le sujet de conversation de la saison, principalement grâce à la puissance des boucles de Mary Todd Lincoln.

Au fil des décennies, des couches de sédiments se sont accumulées à la suite des incidents décrits dans la farce d'auto-immolation de David Henry Hwang, jouée pour la première fois à Off Broadway en 2007, fournissant à cette production de Broadway encore plus d'allumage qu'auparavant. Le DHH de cette version, joué par Daniel Dae Kim de la télévision, réfléchit à plusieurs changements de discours dans la politique de représentation concernant son implication dans les manifestations contre le casting de Jonathan Pryce dans la série de Broadway de 1991Mademoiselle Saïgonet son propre flop ultérieurValeur nominale. Rempli d'histoire réelle (le MVP d'Off Broadway Shannon Tyo fait un Cameron Mackintosh hilarant) et d'invention (ce DHH lance sans le savoir la carrière d'un homme blanc qui prétend être asiatique), La production de Leigh Silverman était enjouée, avec une interprétation vrillée de l'estime de soi activiste de son héros, et elle a trouvé son cœur dans un incroyable Francis Jue, reprenant le rôle du père de DHH, un homme amoureux des promesses de l'Amérique (et un grandMademoiselle Saïgonfan) qui devient, d’un nouveau tour de vis, sa victime.

➼Lisez notreexamen complet deVisage jaune.

Les quelques minutes de théâtre les plus urgentes et les plus troublantes que j’ai vécues cette année se sont déroulées dans le cadre d’une autre représentation. La nuit où j'ai vuEnnemi du peuple, pendant les scènes de la mairie de la production du drame d'Ibsen par Sam Gold et Amy Herzog, trois manifestants du groupe Extinction Rebellion se sont levés un à un du public. "Je m'oppose à ce que les scientifiques soient réduits au silence !" cria l'un d'eux. Alors qu’ils étaient finalement expulsés de force par la sécurité, sous les acclamations d’une partie de la foule, les manifestants ont crié « pas de théâtre sur une planète morte ! » Avec les lumières allumées et Jeremy Strong, apparemment à la fois dans son personnage etjuste être lui-même, insistant pour que les gens écoutent les manifestants, le moment se lit, au départ, comme l'un des écarts de mise en scène méta-théâtraux de Gold. Mais la protestation était plus crue et plus sombre que la production elle-même, qui s'est transformée, après l'interruption, en un dénouement plus optimiste et un clin d'œil à une génération future qui pourrait sortir les personnages d'Ibsen du pétrin. L’intrusion, cependant, a rongé la chose, la compliquant et la remettant en question : quel avenir, quand ce public applaudit à la réduction au silence de la dissidence ?

➼Lisez notreexamen complet deUn ennemi du peuple,une conversation avec la dramaturge Amy Herzog et le metteur en scène Sam Gold, et notrearticle sur l'interruption d'Extinction Rebellion.

Nous avons la chance d'avoir Gabby Beans sur scène à New York. C'est une actrice dotée d'une sensibilité émotionnelle vive qui peut ancrer à peu près tout ce qui lui est lancé, et dans le film époustouflant de Rachel Bonds Dans le jeu, Beans était à la fois une adolescente au pensionnat sortant de sa coquille vers un nouveau béguin, une fille maltraitée cherchant du réconfort partout où elle pouvait le trouver et une femme adulte regardant en arrière. La vanité pourrait facilement se dissoudre en artifice, mais Beans, sous la direction de Danya Taymor, n'a jamais perdu le fil, liant les trois personnages en un tout, révélant les nombreux replis de soi.

➼Lisez notreexamen complet deJonas.

Une comédie musicale d'origine coréenne qui se situe quelque part entre la comédie romantique etKlara et le soleilavec une partition qui tresse Burt Bacharach et Joe Hisaishi,Peut-être une fin heureuseest une chose rare et délicate parmi le nombre déjà restreint de comédies musicales originales qui viennent chaque année à New York. Il plonge doucement dans le nouvel avenir où deux robots domestiques à la retraite (Darren Criss et la superbe nouvelle venue Helen J Shen) s'unissent autour d'un chargeur commun et se chamaillent à la manière deLe couple étrange, partez en road trip et tombez amoureux. Le réalisateur Michael Arden s'appuie fortement sur un décor incroyablement high-tech, mais ce qui fait le déclic de la série, c'est la façon dont sa fantaisie est coupée par des nuances de mélancolie, avec ses robots toujours conscients de leur obsolescence imminente et pourtant essayant toujours d'être humains.

➼Lisez notreexamen complet dePeut-être une fin heureuse.

Frères, qu'allons-nous faire face à notre crise de foi ? Dans la pièce théologiquement dense de T. Adamson sur les francisans du XIVe siècle, une clique de frères d'Avignon (répartis dans tout le continuum de genre mais se désignant tous comme « frère ») fait face à un schisme avec le pape, qui veut qu'ils abandonnent. leur désaveu de la propriété, bien que tous leurs débats se déroulent à travers l'argot contemporain, comme si les versets de la Bible étaient soumis à des guerres de Stan. Dans la production de Clubbed Thumb, sous la direction légère d'Emma Miller, la vanité s'est révélée comme un charme, je pense, parce qu'elle a investi sérieusement dans le poids lourd de ces arguments. Aussi, IntestinsC'est la seule pièce que j'ai vue dans laquelle un moine s'automutilait tandis que « Désolé » de Justin Bieber retentissait en arrière-plan.

Regarder la pièce de Ryan Drake, mise en scène par Ryan Dobrin, sur la relation chargée en grande partie électronique d'un adolescent gay avec un garçon plus âgé, c'était un peu comme être coincé avec des poignards empoisonnés - j'en ai quelques incisions psychiques qui ne sont pas encore guéries. Ceux-ci incluent la franchise troublante de la performance de Yaron Lotan, en tant que narrateur nerveux et peu fiable de « s'il vous plaît, aimez-moi », et le pur froid de Will Dagger en tant que figure plus âgée qui repousse les limites, prédatrice et pathétique, ainsi qu'une atmosphère qui, en termes d'ambiance. , était aussi troublant et pourtant sombrement drôle (une phrase sur les hommes homosexuels étant comme des chiens, parce qu'on ne sait jamais quand ils se rencontrent s'ils seront amis ou s'ils attaqueront, ça me colle vraiment) que le défilement via une application de rencontres à 2 heures du matin

➼Lisez notreexamen complet detu n'as rien à faire.

J'avais vu Nicholas Christopher comme un excellent Pirelli dansSweeney Todd, mais son tour en tant que Jelly Roll Morton était une supernova - qu'il s'agisse de chanter, de claquettes ou de se frayer un chemin en affirmant avoir inventé le jazz. Dans la version bio-musicale de George C. Wolfe, qui connaît une reprise passionnante via Encores ! et le réalisateur Robert O'Hara, Jelly fait face à une inquisition dans l'au-delà pour avoir obscurci son ascendance noire (menée par Billy Porter, en mode haut-dudgeon). Le livre de Wolfe est extrêmement ambitieux – et haletant lorsqu'il résume la dernière partie de la vie de Morton dans le second art – mais son ambition est passionnante lorsqu'il ne vise rien de moins que de mettre également à l'épreuve l'édifice de l'histoire musicale américaine. Regarder cela en février, au milieu d’un printemps hésitant d’ouvertures à Broadway, a rappelé que les comédies musicales peuvent fonctionner à la fois comme des œuvres de spectacle et comme des idées.

➼Lisez notreexamen complet deLa dernière confiture de Jelly.

Vous devez le confier à Andrew Lloyd Webber : il n'aime pas laisser les réalisateurs fouiller dans son catalogue. Cette année nous a apporté la reprise en haute définition et cascadeuse de la comédie musicale trouble par Jamie LloydBoulevard Sunset., avec la voyante Norma de Nicole Scherzinger. Plus efficace que cela, cependant, fut le remix de Zhailon Levingston et Bill Rauch deChatsdans une compétition de salle de bal. LeBoule de geléea localisé le chevauchement du diagramme de Venn entre les bathos des mégamusicales britanniques des années 1980 et l'histoire queer de ce moment - le glamour des salles de bal était, après tout, une farce déformée des excès reaganiens - et a remodelé le premier grâce à l'ingéniosité du second. Dans un nouveau contexte, l'illogique branlant deChats, avec ses félins en quête d'ascension vers le Heaviside Layer en répétant sans cesse leurs propres noms, est devenu parfaitement sensé : les gens, à force d'apparat, se transfigurent.

➼Lisez notreexamen complet deChats : La boule de gelée.

La musique de David Yazbek, Erik Della Penna et Itamar Moses se déroule avec le charme intime d'une émission radiophonique floue lors d'une nuit d'hiver dans la prairie. Un hors-la-loi disgracieux (Andrew Durand) rencontré dans le premier acte devient, après sa mort, une attraction de carnaval dans le second, son cadavre rebondissant à travers un Ouest américain rempli de colporteurs et de forains, accumulant plus d'exagérations que de faits. La véritable histoire de ce cadavre est un fil vrai d'une certaine manière incroyable, renforcé par la musique et les paroles concises et pince-sans-rire de Yazbek et Della Penna. (« Ta maman est morte, tu es mort papa, ton frère est mort et toi aussi », dit un refrain d'appel et de réponse.) Le MVP parmi les délicieux grotesques que vous rencontrez au cours de ce voyage devait être l'entrepreneur de pompes funèbres de Thom Sesma, qui a livré une ode à couper le souffle à – quoi d’autre ? — les joies de disséquer un cadavre.

➼Lisez notreexamen complet deHors-la-loi mort.

Cela fait des années que je n'ai pas été témoin d'un gag plus drôle que le moment où Mary Todd Lincoln de Cole Escola crie «mère!» devant un portrait de George Washington, et je ne rirai probablement plus autant avant longtemps. Escola, une artiste de cabaret de niche bien-aimée, s'est façonné un véhicule vedette en tant que Première Dame dérangée, décidée à revenir sur la scène des boîtes de nuit malgré les objections de son mari enfermé. Dans une sorte de prophétie auto-réalisatrice, les medleys fous de Mary Todd ont connu un succès retentissant lorsqueÔ Marie !a ouvert Off Broadway ce printemps, et la pièce est à la fois improbable et inévitablement devenue un succès à Broadway. Ses charmes résident dans le sérieux d'Escola et de l'engagement du réalisateur Sam Pinkleton envers les absurdités (des farces qui claquent des portes et des boxeurs géants à motif de cœur), une intrigue B étonnamment bien développée de rupture gay et le positionnement de la pièce du divadom comme une force d’autojustification dans l’univers, qui a plus de mordant qu’on ne le croit peut-être. Pour le meilleur ou pour le pire, ne laissez jamais rien faire obstacle à une star à qui on a dit (frémir) pour s'en tenir aux parties du personnage.

➼Lire celui de Jackson McHenryexamen complet deÔ Marie ! hors Broadway, chez Sara Holdrenexamen complet deÔ Marie !à Broadway, et unconversation avec Cole Escola.