Les 101 meilleurs films de New York, classés

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Un succès commercial qui a remporté les Oscars de cette année-là, l'adaptation cinématographique de Robert Wise de la fable de la tolérance racialeHistoire du côté ouestse sent démodé à certains égards (la représentation sérieuse mais stéréotypée de personnages portoricains au visage brun) et résolument moderne à d'autres, équilibré entre la fantaisie hollywoodienne ettourné sur placeimmédiateté. L'ouverturevues aériennesde l'Upper West Side de Manhattan, par exemple, commémorent l'époque où une grande partie de la zone, alors connue sous le nom de San Juan Hill, était rasée au bulldozer au nom de la rénovation urbaine. Mais Wise opte pour l'expressionnisme Technicolor et des décors délibérément théâtraux chaque fois qu'il se concentre sur leRoméo et Juliette– une histoire d'amour entre Tony (Richard Beymer), ancien membre d'un gang polonais-américain, et son véritable amour, Maria (Natalie Wood), née à Porto Rico. La musique de Leonard Bernstein et les paroles de Stephen Sondheim sont l'air que respire l'histoire et sur lequel marchent les danseurs. Ce film est un rêve de New York, si beau que même la tragédie ne peut briser le charme. —Matt Zoller Seitz

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Non, non, vous avez bien lu. Le plus oublié, soi-disant moindreChasseurs de fantômesla suite se trouve être un excellent film new-yorkais. Il n'est peut-être pas aussi vif ni aussi inventif que l'original, mais la suite d'Ivan Reitman de 1989 possède l'une des conceptions fantastiques cinématographiques les plus parfaites et les plus polyvalentes de tous les temps : toute l'énergie négative de la ville de New York s'infiltre dans les égouts et crée une rivière de limon paranormal qui menace désormais de consumer les habitants. Les bancs de parc prennent vie. Les manteaux de fourrure attaquent leurs propriétaires. Le fantôme de Fiorello La Guardia hante l'actuel maire. Et afin de générer suffisamment de bonne volonté pour vaincre le limon, les Ghostbusters doivent donner vie à la Statue de la Liberté le soir du Nouvel An et la mener au combat tout en jouant à "(Your Love Keeps Lifting Me) Higher and Higher". Tout est tellement dérangé conceptuellement queSOS Fantômes IIpourrait tout aussi bien être un film underground. (Honnêtement, tous les terribles effets spéciaux ne font probablement qu’ajouter à cet effet.) —Cale Deux

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Avec l'avènement du cinéma parlant à la fin des années 1920, le business bien établi du tournage dans les rues de New York — voirRapide,au n ° 72 sur cette liste – a presque disparu. Les micros étaient trop gênants et le bruit ambiant trop important. Pourtant, en 1947, le producteur Mark Hellinger et le réalisateur Jules Dassin exigent que leur procédure policière très explicative, initialement destinée à s'intitulerHomicide,être tourné sur place.La ville nueest profondément réaliste tant dans sa conception que dans son exécution : Hellinger avait été un chroniqueur et un homme de la ville très apprécié de New York avant de se rendre à Hollywood, et le titre et le look du film sont tirés des photographies d'actualité d'Arthur Fellig, alias Weegee. Les accents immigrés sont également les nôtres, du accent transplanté du détective de police ironique (Barry Fitzgerald) à la syntaxe yiddish de la propriétaire d'une fontaine à soda (Molly Picon). Une petite intrigue secondaire – un jeune flic se disputant gentiment avec sa femme pour savoir si donner la fessée à leur enfant est barbare – semble étonnamment moderne. Tout cela culmine dans une séquence de poursuite élaborée à pied, au sommet de la chaussée et dans les tours du pont de Williamsburg. De manière poignante, c'est la dernière chose que Hellinger a faite au cours de sa courte carrière : il est décédé à 44 ans, d'une maladie cardiaque, quelques jours après avoir vu le montage final. Les derniers mots de sa narration persistent dans la culture pop : « Il y a 8 millions d’histoires dans la ville nue. Celui-ci en fait partie. » —Christophe Bonanos

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De nombreux films ont présenté New York comme un véritable carburant de cauchemar, mais rares sont ceux qui l'ont fait avec autant d'enthousiasme queL'échelle de Jacob, un article d'époque sur un vétéran du Vietnam (Tim Robbins) qui commence à avoir des visions de démons et se demande s'il est victime d'un produit chimique semblable à l'agent Orange, s'il souffre d'une maladie mentale banale ou si les portes de l'Enfer ont réellement été fermées. ouvert. Écrit par Bruce Joel Rubin, qui a fait une sorte de « magie légère » sur ce matériau dans le smash de 1990.Fantôme, le film laisse le public constamment deviner ce qui se passe exactement, tout en proposant une hallucination/vision inquiétante teintée de surnaturel après l'autre, y compris une queue de démon émergeant du corps d'un danseur lors d'une fête et des visages de bête barbouillés à la Francis Bacon. hurlant au personnage de Robbins depuis un wagon de métro qui passait. L'accent mis sur une architecture de quartier essentiellement trapue et indescriptible maintient l'histoire près du sol, où elle peut avoir un accès plus facile à l'enfer. New York devient le labyrinthe de la psyché torturée du héros. —MZS

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Neil Simon – probablement le dramaturge ayant connu le plus de succès commercial à avoir jamais parcouru la Terre – est passé de mode, considéré comme la quintessence du milieu du siècle. Mais ses meilleures comédies des années 60 et 70, écrites pour la scène puis adaptées pour l'écran...Pieds nus dans le parc, Prisonnier de la Deuxième Avenue, Suite Plaza,et surtoutLes garçons du soleil- sont beaucoup plus artisanales que vous ne vous en souvenez peut-être, des configurations qui oscillent avec la précision d'un balancier Benrus et jouent avec le langage de manière vivante. Le roi parmi eux resteLe couple étrange.Est-ce le principe le plus à l’épreuve des balles ? Un névrosé soigné, nouvellement séparé, emménage avec un ami écrivain sportif crasseux, également divorcé ; il en résulte de l'hilarité et des assiettes jetées. Les blagues ("Je ne supporte pas les petites notes sur mon oreiller. 'Nous n'avons plus de cornflakes. FU' m'a fallu trois heures pour comprendre que FU était Felix Ungar") toujours,toujoursatterrir. Et quand il a été projeté à l'écran en 1965, avec Jack Lemmon dans le rôle de Felix et Walter Matthau (à son meilleur exaspéré) dans le rôle d'Oscar, il a donné naissance à la sitcom dont on se souvient le mieux. C’est, en fin de compte, un film sur l’incapacité de trouver rapidement un appartement décent – ​​qui, là, consolide sa place sur n’importe quelle liste de films new-yorkais. —CB

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La chose la plus importante que pense Oliver StoneWall Streeta été de donner naissance à Gordon Gekko, le manipulateur d’argent de Michael Douglas qui a juré, lors d’un discours, que « l’avidité est une bonne chose ». Dans une décennie d'excès,Wall Streetaurait dû servir de récit édifiant, et ce monologue de Gekko aurait dû être un exemple ironique de la façon de ne pas voir le capitalisme. Au lieu de cela, ce portrait d'un agent de change (Charlie Sheen) qui se plonge dans les délits d'initiés, s'enrichissant ainsi que Gekko, a créé une image du travail dans le quartier financier qui est devenue quelque chose à laquelle aspirer au lieu d'éviter. La cupidité est bonne et elle ne comprend apparemment pas l’ironie. En conséquence, ce film a, pour beaucoup, défini à quoi cela ressemble de travailler parmi les plus nécessiteux du Lower Manhattan depuis sa sortie à la fin des années 80. —Jen Chaney

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Le premier long métrage de Joan Micklin Silver est un plan épique avec un budget restreint – un film d'époque en noir et blanc à très petit budget sur les immigrants juifs du début du siècle à New York – et il est parfois aussi vaste et puissant queLe Parrain 2e partie. Carol Kane (nominée surprise aux Oscars cette année-là) est une révélation dans le rôle de l'épouse très traditionnelle qui quitte son vieux pays avec son enfant pour être avec son mari. Mais il est arrivé en Amérique avant eux et a déjà trouvé une maîtresse. Le film montre à la fois son désir d'assimilation – sa fascination pour la nouveauté et l'indépendance vivifiante de la vie en Amérique – et sa tristesse, sa confusion et sa terreur de se retrouver apparemment seule dans ce nouveau monde étrange. La mise en scène de Silver combine une sensibilité mélodramatique et muette avec l'austérité du film indépendant qui rend difficile l'identification de la période à laquelle appartient le film. En conséquence, il est presque littéralement intemporel. —ÊTRE

(Passez au deuxième film de Joan Micklin Silver sur cette liste.)

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Ce film d'horreur en images trouvées réalisé par Matt Reeves, écrit parPerduancien Drew Goddard et produit parPerduco-créateur et ami de longue date de Reeves, JJ Abrams, est à la fois démodé, actuel et avant-gardiste. Arrivant dans les salles un peu plus de six ans après le 11 septembre, ses représentations du chaos soudain sur cette île – des gens courant dans les rues, des passants couverts de cendres, des coupures de courant et une couverture médiatique ininterrompue – évoquent une sorte de traumatisme que beaucoup étaient encore en train de vivre. Ensuite tu regardesCloverfieldmaintenant et il est remarquable à quel point cela ressemble à des clips sur YouTube, Twitter ou TikTok qui apparaissent souvent dans la couverture médiatique nationale lorsqu'une catastrophe ou une manifestation est couverte. Ce que les critiques trouvaient vertigineux, désorientant et peut-être même désagréable il y a plus de dix ans, avant que l’iPhone ne soit doté de capacités vidéo et que les médias sociaux n’occupent l’espace culturel qu’il possède aujourd’hui, ressemble à quelque chose que nous voyons tout le temps.Cloverfieldétait un retour en arrière, un avertissement et un portrait de la panique de Manhattan qui, malheureusement, est trop facile à imaginer éclater à tout moment. —JC

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New York est composé d'un million d'univers miniatures avec leurs propres habitudes, règles et rythmes, et aucun film ne le montre aussi clairement que le thriller sautillant des frères Safdie, articulé sur une opale noire et un débat à six. Le marchand de pierres précieuses Howard Ratner (Adam Sandler) n'est pas seulement un avatar du chaos accro au jeu qui se dirige vers la richesse ou le désastre - il sert de guide à travers les dédales du Diamond District dans toute sa splendeur autonome et monobloc, un moyen de comprendre son rythme quotidien. Howard, avec ses multiples projets menaçant toujours de s'effondrer à tout moment, est un arnaqueur par excellence, mais il est aussi un moyen de comprendre une vérité sous-estimée de la ville, à savoir que le luxueux et le miteux ne font pas que coexister, mais le plus souvent, ils se chevauchent, aucun des deux n’annulant l’autre. —AW

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Miracle des miracles : un film sur le punk qui lui-même est à la hauteur de l'esthétique punk ! Le portrait de la scène musicale du centre-ville réalisé par Amos Poe et Ivan Kral en 1976 — tourné dans des endroits comme le CBGB, le Bottom Line et Max's Kansas City — présente certains des groupes emblématiques de l'époque, comme les Ramones, Blondie, Talking Heads, Patti Smith, et Télévision, en 16 mm brut et libre en noir et blanc. des images, accompagnées d'enregistrements rêches qui ne correspondent en aucun cas à ce qui est chanté. Le résultat est un concertdocumentairepas comme les autres - désorientant mais électrisant - et un film qui incarne la grandeur douloureuse et agitée à la fois de la métropole chaotique d'où il a émergé et de la chanson de Richard Hell qui lui a donné son nom. —ÊTRE

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Le film de Charles Lane de 1989 ne se déroule pas dans le passé, mais il est conçu pour l'évoquer, prenant le format d'un muet des années 1920 sans aucun son diégétique jusqu'à la toute fin. Plus précisément, il suit le format du film de Charlie Chaplin.L'enfant,avec lequel il est en conversation constante. Comme le Clochard dans ce film de 1921, Lane, la star, scénariste et réalisateur, incarne un personnage qui n'a pas tant de nom qu'une désignation : l'Artiste. Et comme le Clochard, l'Artiste se retrouve à s'occuper d'un enfant abandonné (joué par la propre fille de Lane, Nicole Alysia), bien que dans son cas, il ne devienne un père de substitution qu'après que l'enfant biologique du bambin se soit fait tirer dessus dans une ruelle du centre-ville. C'est là le charme audacieux du film de Lane : il utilise son mode nostalgique pour donner un charme fablesque à une histoire sur la pauvreté et la violence contre lesquelles la ville était aux prises à l'époque. Il place également son héros noir dans une tradition cinématographique qui ne comprenait presque aucun visage noir, puis demande au public de considérer que, dans un contexte réel, il est l'un des nombreux artistes de rue et musiciens ambulants qui passeraient inaperçus. —AW

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Celui de Charlie AhearnStyle sauvageétait le premier film hip-hop, mais à peine – des productions plus importantes commeEffraction'etBattre la rueétaient déjà en cours lorsque cet effort indépendant sans budget est sorti en 1983, diffusé et commercialisé via des méthodes locales. Mais son authenticité et sa chaleur ont permisStyle sauvageendurer. C'est l'histoire d'un graffeur extrêmement talentueux, Ray (interprété par la véritable légende du graffiti Lee Quinones), qui est embauché pour réaliser une immense fresque murale pour un grand spectacle de rap à venir par un point culminant de l'underground local (interprété par Fab 5 Freddie, qui a coproduit et co-écrit le film) tout en se languissant de son ex-petite amie et en envisageant de se lancer dans la peinture « respectable ». Le film est rempli de scènes impliquant de vrais rappeurs, artistes et équipes de breakdance. Il s'agit en fait d'une comédie musicale, mais il ne faudrait pas beaucoup de montage pour en faire un documentaire. Et c'est un film sur le monde de l'art, mais pas sur ce monde de l'art : nos héros écrivent la nuit dans les rames du métro, dans les gares ; le matin, ils regardent ces trains circuler dans la ville, des toiles itinérantes de leur travail se propageant dans tous les coins de New York. Mais qu'est-ce qui distingueStyle sauvageest que même s'il dépeint avec honnêteté le monde ouvrier et rude du Bronx, il n'essaie pas de nous vendre un récit de transcendance, ni de fétichiser la violence, la pauvreté ou le désespoir spirituel. Ses personnages veulent embellir leurs quartiers négligés en les remplissant de couleurs, de musique et de mouvement, mais ils ne veulent pas échapper à cet endroit. C'est la maison. —ÊTRE

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Il est notoire qu'aucun homme n'apparaît à l'écran dans la comédie mordante de George Cukor, bien que les personnages que nous voyons parlent constamment d'eux, qu'ils s'inquiètent et se disputent, moins pour leurs qualités de mari que comme sources de revenus, de stabilité et d'élévation de classe. En tant que portrait de riches conjoints de la haute société de Manhattan (et de quelques prétendants au trône) s'affrontant dans les salons pour femmes, les salons et les cabines d'essayage des couturiers,Les femmespourrait être considéré comme un prédécesseur élégant et délicieusement réalisé duLes vraies femmes au foyer de New York. Mais c'est aussi un regard sans cesse convaincant sur les échelons de l'Upper East Side comme une sorte de cour de prison somptueuse dont les personnages ne semblent pas pouvoir s'échapper. Cette société homosociale de jour dans laquelle ils évoluent est si terriblement claustrophobe que lorsque Mary Haines, au cœur brisé, interprétée par Norma Shearer, se rend à Reno pour divorcer rapidement, elle rencontre plusieurs femmes qu'elle connaît. —AW

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De nombreux New-Yorkais se languissent de l'aventure du « vieux » Times Square, mais peu partagent ce sentiment à propos du Bowery. L'avenue du centre-ville, un sentier Lenape avant la colonisation européenne, reliait plus tard diverses terres agricoles et tirait son nom d'un vieux mot néerlandais signifiant ferme. Sa notoriété auprès des ivrognes et des flophouses a commencé pendant la guerre civile, puis la construction du train surélevé de la Troisième Avenue l'a rendu littéralement plus sombre. Le docufiction de Lionel Rogosin au milieu des années 50 fonctionne dans l'esprit de Robert Flaherty, filmant des sujets réels dans des scénarios réels, mais ce n'est pas tout à fait ce que nous appellerions aujourd'hui un documentaire. Ray est un sudiste d'une trentaine d'années qui cherche du travail et essaie de rester à l'écart de la bouteille, et Gorman est le vieux crétin qui se sent coupable d'avoir profité de lui alors qu'il est trop occupé pour le remarquer. Les journées sont longues et les nuits plus longues car ces hommes désespérés boivent du muscat et de l'or du Rhin à 15 centimes le verre. L'intrigue, telle qu'elle est, existe à peine, comme c'est le cas pour toute histoire décousue d'ivrogne de bar. C'est un document fascinant et une fenêtre fascinante sur le passé d'un autre quartier embourgeoisé. —JH

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Controversé tant par la guerre stylisée qu'il dépeint à l'écran que par les affrontements qui ont éclaté entre de jeunes cinéphiles survoltés dans le public,Les guerrierstrouve le réalisateur d'action Walter Hill (48 heures.) envisageant le voyage nocturne d'un gang vers Coney Island comme un voyage homérique entrecoupé d'explosions de violence ballet. L'histoire commence par un sommet au parc Van Cortlandt au cours duquel une trêve est explorée, dans le but de permettre aux gangs, trois fois plus nombreux que les flics, de diriger la ville (un parfait reflet de la paranoïa des années 70 à propos des gangs de rue et des policiers). l'effondrement de l'ordre public dans les grandes villes). Mais le leader qui propose l'accord de partage du pouvoir est rapidement assassiné et sa mort imputée aux Warriors, qui passent le reste de la nuit à essayer de rentrer chez eux en un seul morceau. Vestige d'une époque où la ville n'était pas entièrement couverte par la vidéosurveillance, le film de Hill transforme les canyons de béton de New York en l'équivalent urbain d'une forêt hantée de conte de fées : un lieu où les manifestations jungiennes des personnages les angoisses jaillissent de l’obscurité, les crocs découverts. —MZS

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L'instantané documentaire obsédant de Brett Story sur la ville au cours du mois d'août 2017 pourrait très bien se révéler être une capsule temporelle d'un point de basculement, un moment de stabilisation juste avant que les choses ne commencent à sérieusement se détériorer. Ce n'est pas seulement un film sur le changement climatique, même si le changement climatique jette une ombre sur de nombreuses interviews défiant les attentes que Story réalise avec des New-Yorkais de tous les arrondissements, se prélassant sur les plages, travaillant dans des centres d'appels et vaquant à leur vie de travail et de loisirs. Non, quoiLe mois d'août le plus chaudparvient si habilement à évoquer ce sentiment plus grand et plus vague de catastrophe imminente qui peut donner l'impression qu'il pèse sur nos vies à tous ces jours-ci, un sentiment karmique de factures à venir qui a toujours fait partie de la vie en ville - tout en notant également que tout le monde n’a pas le luxe ou l’espace mental nécessaire pour contempler constamment une dystopie imminente. —AW

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"Elle a le meilleur timing depuis Mae West et est plus amusante à regarder que quiconque depuis la jeune Katharine Hepburn." C'est ce qu'écrivait le critique de cinéma Roger Ebert à propos de Barbra Streisand en 1968, lorsqu'elle faisait ses débuts au cinéma dansFille drôle(dans lequel elle avait joué à Broadway) dans le rôle de la jeune Fanny Brice après des années de succès en tant qu'interprète de scène et artiste d'enregistrement. Réalisé par le vétéran hollywoodien William Wyler dans l'une de ses dernières missions, et malheureusement révélateur d'une période où les comédies musicales devenaient pléthoriques, visuellement ennuyeuses et au rythme glacial, le film est surtout remarquable en tant que souvenir du moment où Streisand est devenu une superstar internationale. bien-aimé et suffisamment acclamé pour lier la grande Hepburn elle-même (alors en vedette dansLe Lion en hiver) de la meilleure actrice aux Oscars. ("Bonjour, magnifique", dit-elle en souriant devant la statuette.) Streisand est elle-même une légende new-yorkaise, et ses trois films en tant que réalisatrice (Yentl,Le prince des marées,Le miroir a deux visages)sont tous enracinés dans l’expérience physique, culturelle et émotionnelle de la ville de New York qu’elle a canalisée en tant qu’actrice et chanteuse. Dans le rôle de Brice, son mélange de fragilité, de vulnérabilité, de courage et de sentiments intenses la transforme en quelque chose qui s'apparente à l'esprit de la ville elle-même : une force de la nature juive, du Lower East Side et de la classe ouvrière, niant les normes précédentes en matière de beauté et de glamour et les remplaçant par sa propre fabulosité innée. —MZS

(Passez au deuxième film de William Wyler sur cette liste.)

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EstLa fièvre du samedi soir, basé sur leNew YorkArticle de magazine « Rites tribaux du nouveau samedi soir », important en raison du contenu du film lui-même, ou en raison de ce que le film en est venu à représenter ? Comme avecWall Street, il est difficile de dissocier les deux. L'histoire de Tony Manero (John Travolta dans le spectacle qui a fait de lui une star de cinéma), un gars de Brooklyn qui travaille dans une quincaillerie le jour et va dans les discothèques la nuit, établit le fantasme selon lequel frapper les pistes de danse illuminées en Manhattan est l'expérience nocturne ultime. Ce film a propulsé le mouvement disco pleinement dans le courant dominant, a produit une bande-son qui est pratiquement devenue la bande-son nationale à la fin des années 1970 et a fait du martèlement du trottoir à Brooklyn, comme le fait Travolta dans la célèbre séquence d'ouverture du film, une parade sexy emblématique. . Tony, comme beaucoup d'autres habitants des quartiers périphériques, a peut-être à peine survécu, maisLa fièvre du samedi soircela donnait l’impression d’être en vie. —JC

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Remarquable depuis toujours comme le premier et le seul long métrage classé X à avoir remporté l'Oscar du meilleur film, cette adaptation du roman de James Leo Herlihy mérite sa réputation de classique non pas grâce à ses rencontres sexuelles, qui sont apprivoisées et artistiques même selon les standards du porno des années 1960, mais sa représentation de l'amitié entre Joe Buck (Jon Voight), un gigolo en herbe du Texas, et Ratso Rizzo (Dustin Hoffman), un arnaqueur crasseux à la santé fragile. Tourné sur place à New York, souvent sans permis et avec des citoyens ordinaires servant de figurants sans le savoir (le moment « Je marche ici ! » où Ratso et Buck ont ​​failli se faire écraser par un taxi était une improvisation), le réalisateur John Schlesinger s'embrasse L'obsession alors récente du Nouvel Hollywood pour l'immédiateté documentaire et l'intensifie. Le produit final est un rare portrait de ce que l'on ressentsurvivre à New Yorkquand tu te gèles le cul et que tu n'as pas deux sous à frotter. L'une des scènes les plus puissantes est un moment inoubliable : Joe, momentanément séparé de Ratso, le voit à travers la vitre d'un café, et ils sont tous les deux si seuls et brutalisés par la ville qu'ils se sourient avec soulagement, oubliant ce dont ils étaient fous pendant deux secondes. —MZS

Lisez Brenda Vaccaro sur le cinéma de style documentaire de Schlesinger➼

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Si Beale Street pouvait parlerprouve que les plaisirs de tourner notre regard vers la vie intérieure des Noirs dans le Harlem des années 1970 sont infinis. Jenkins et ses collaborateurs (le compositeur Nicholas Britell, le directeur de la photographie James Laxton, l'acteur meurtrier Stephan James et la puissante Regina King) jettent le courage, la beauté et les textures du roman de James Baldwin dans une lueur ambrée, basculant dans un romantisme mélancolique qui reflète l'attrait de la ville elle-même. —Angélique Jade Bastien

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AvantAvant le lever du soleilcarillonnéL'horloge. Robert Walker incarne un soldat voyou qui a 48 heures à tuer à New York avant de s'envoler pour le théâtre européen. (Le film est sorti deux semaines après le VE Day, mais qui peut prédire ces choses ?) Déconcerté par les gratte-ciel de la ville, il se recroqueville à Penn Station, rencontrant Judy Garland après l'avoir fait trébucher par inadvertance. Une course folle pour réparer son talon avant qu'un cordonnier ne quitte son travail définit le thème récurrent : l'horloge tourne toujours. Le couple bavarde dans un bus à impériale de la Cinquième Avenue, à Central Park et au Metropolitan Museum of Art. (Tout cela a été recréé, à grands frais, par Vincente Minnelli sur le terrain de la MGM.) Un rendez-vous « sous l'horloge » de l'hôtel Astor – où l'on trouve aujourd'hui une maison en dalles de béton de style années 70. au théâtre Minskoff et aux studios donnant sur les fenêtres de MTV oùDemande totale en directun trafic encombré pendant une décennie - mène à une aventure toute la nuit avec un laitier bavard et Keenan Wynn. Si cela n’inspire pas une course de dernière minute pour un acte de mariage, qu’est-ce qui le fera ? Aussi : Si vous souhaitez voir un film similaire, mais avec trois militaires et encore plus de chansons de Leonard Bernstein, continuez à lire. —JH

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L'ancien journaliste et réalisateur indépendant pionnier Samuel Fuller a mis tout son cœur et son âme dans cette période noire enfiévrée – du nom de la rue du centre-ville où était basée l'industrie du journalisme de New York – sur un journaliste irascible qui crée un journal alternatif et dégueulasse après avoir été renvoyé du le grand quotidien de la ville. Parmi les nombreuses campagnes auxquelles se consacre le nouveau journal : récolter des fonds pour un piédestal pour la toute nouvelle Statue de la Liberté ! Rempli de clins d'œil aux icônes de l'histoire du journalisme, notamment Benjamin Franklin, John Philip Zenger et Horace Greeley, le film est une lettre d'amour aux journaux (il s'ouvre sur un appel nominal des journaux nationaux) ainsi qu'un drame terriblement passionné sur la moralité. , l’ambition et l’action collective. Les conflits dans le film entre accès et intégrité, entre provocation et honnêteté sont des conflits auxquels nous sommes encore confrontés aujourd'hui. —ÊTRE

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Le plus grand public de la première vague de films dits de 1991, celui de Mario Van Peebles.Nouvelle ville de JackL'influence de 's sur la culture pop ne peut être sous-estimée. Cela ne nous a pas seulement donné le mème pleurant de Wesley Snipes ; cela nous a donné Ice-T en tant que flic qui s'en soucie et a popularisé le chapeau Kangol auprès de la culture plus large. Situé à l'aube de l'ère du crack des années 80, Snipes et ses Cash Money Brothers créent une forteresse de trafic de drogue dans Graham Court de Harlem (les anciens résidents comprenaient Zora Neale Hurston et Hugh Masekela ;le prix de location moyen actuel est de 3 094 $). Ice-T, Van Peebles et Judd Nelson unissent leurs forces pour éliminer le chef de file du tueur de communauté. Ils enrôlent Chris Rock dans le rôle d'un ancien agresseur en difficulté dans un rôle décisif qui prouve le débutSNLl'étoile avait une portée énorme. La bande originale a fait sensation, avec « New Jack Hustler » d'Ice-T, ainsi que le medley « For the Love of Money/Living for the City » de Queen Latifah, Troop et LeVert comme points forts. Une fusillade majeure à Grant's Tomb (à la suite d'une performance de Keith Sweat) est l'un des nombreux moments formidables dans les quartiers chics, et la scène d'ouverture se classe parmi lesManhattanetHomme araignéepour la meilleure apparence près du pont Queensboro. —JH

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Ce qui place le drame perspicace de Wyler, mettant en vedette Olivia de Havilland et Montgomery Clift dans certains des tournants les plus mémorables de leur carrière dynamique, sur cette liste est son portrait chargé d'émotions des riches, explorant la manière dont les idées de pouvoir, de genre et de besoins personnels s'expriment ( et ruine) les échelons supérieurs de la ville de New York dans les années 1850 (et aujourd'hui, d'ailleurs).L'héritièreLa meilleure scène de est sans aucun doute sa fin triomphale, mais chaque instant précédent, la gentille célibataire Catherine Sloper (de Havilland) doit se battre avec son riche père (Ralph Richardson) qui la dénigre et un amant potentiel qui a des vues sur son argent ( Clift) est alléchant. Construire votre propre destin, même avec de l'argent dans une ville concentrée sur cet argent, est presque impossible jusqu'à ce que vous arrachiez le contrôle de la gueule patriarcale. —AJB

(Passez au premier film de William Wyler sur cette liste.)

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Avec la limite de deux films par réalisateur, on sait quel titre de Sidney Lumetse classe plus haut sur la liste, mais cela laisse de nombreux choix différents pour le n°2.Prince de la villen'est peut-être pas aussi célèbre queSerpico,Le prêteur sur gages,Le magicien, ouRéseau,mais c'est un film qui mérite un second regard. (C'est àSerpicocommeCasinoest deLes bons gars.) Traitez les stars de Williams comme un agent de la DEA au sein d'une équipe véreuse, secouée par la culpabilité. Il accepte une enquête sur les affaires internes, mais à une condition : il ne dénoncera pas ses partenaires. L'essentiel de cette image de 167 minutes est la prise de conscience au ralenti qu'il va devoir faire exactement cela. Le film est basé sur le best-seller non-fictionnel de l'ancien commissaire adjoint du NYPD, Robert Daley, et des images de capsules temporelles hardcore de New York économiquement en faillite jaillissent de chaque image. Les salles d’audience sont marron, les rues sont bleues et tout le monde a l’air misérable. Pré-Loi et ordreJerry Orbach dans le rôle du détective Gus Levy devrait être un tirage au sort suffisant, mais ailleurs dans le casting, vous trouverez Bob Balaban, James Tolkan et Cynthia Nixon. —JH

(Passez au deuxième film de Sidney Lumet sur cette liste.)

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Le délirant roman-com-fantastique-aventure-satire-drame de Terry Gilliam (oui, c'est toutes ces choses, et plus encore) commence au sommet de la ville de New York - dans le monde hermétiquement fermé du riche crétin-choc Jeff Bridges. — descend, puis descend encore plus bas : il tombe en disgrâce, devient gérant de vidéoclub alcoolique, puis, dans un moment de faiblesse suicidaire au pied du pont de Brooklyn, est sauvé par Robin Williams, chevalier-galant fou et sans abri, qui le présente aux véritables opprimés de la ville. En plus d'être un regard émotionnellement ruineux sur le système de classes brutal et carrément féodal de la ville et sur les barrières sociales invisibles entre les puissants et les dépossédés, il contient plusieurs des plus grands décors de films new-yorkais de tous les temps, y compris le spectacle de Grand Central se transformant soudainement en une salle de bal – un moment bref, éphémère (et, bien sûr, imaginaire) où une station remplie d'étrangers pressés parvient d'une manière ou d'une autre à s'arrêter et à se connecter. —ÊTRE

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Une influence sur les drames prolifiques ultérieurs de la côte Est allant deJoeetTout en familleà traversLes Soprano,Martyest la première des nombreuses adaptations cinématographiques de séries télévisées en direct des années 1950 qui sont devenues plus acclamées et emblématiques que leur source. Les deux versions ont été écrites par Paddy Chayefsky (Réseau) et réalisé par Delbert Mann (Amant reviens, cette touche de vison); il raconte l'histoire d'un boucher timide du Bronx nommé Marty (Ernest Borgnine, remplaçant Rod Steiger, star de la version télévisée) qui mène une existence modeste et répétitive avec sa mère, puis trouve un sens et un but grâce à son amour pour un professeur de sciences du lycée nommé Clara (Betsy Blair, en remplacement de Nancy Marchand, à l'origine du rôle ; c'était le retour de Blair dans l'industrie après avoir été sur liste noire). Les extérieurs ont été tournés sur place dans le Bronx et mettent en valeur les lignes de train surélevées du milieu du siècle. Ce fut également un succès majeur pour sa société de production, Hecht-Hil-Lancaster, cofondée par Burt Lancaster, ancien résident d'East Harlem ; la société continuera à produire de nombreux drames classiques tournés à New York, notammentLa douce odeur du succès. —MZS

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Jusque dans les années 1920, lorsqu'il s'est progressivement déplacé vers la Californie, le secteur cinématographique était centré sur la ville de New York, et Harold Lloyd – le troisième de la grande troïka des comédiens muets, avec Charlie Chaplin et Buster Keaton – a réaliséson dernier long métrage muetprincipalement dans nos rues. Son personnage, Harold « Speedy » Swift, occupe plusieurs emplois au cours du film (et une partie de l'humour vient de ses tentatives de s'y accrocher), mais dans les séquences centrales, il est d'abord chauffeur de taxi new-yorkais, puis tramway. conducteur affrontant un magnat infâme qui veut prendre le contrôle de la ligne de transport en commun. Il s'agit d'une comédie muette burlesque, ces configurations donnent lieu à tout un tas de poursuites en voiture, et même maintenant, c'est toujours un petit plaisir de voir ces premières automobiles branlantes se frayer un chemin dans la circulation, entre autres endroits, sur la 34e rue Est. (Certaines scènes semblent avoir été assemblées à l'aide de techniques de rétroprojection, mais bon nombre d'entre elles ont évidemment été filmées de manière troublante en temps réel dans de vraies rues et dans un trafic réel. Dans l'une d'elles, le tramway s'écrase contre un pilier du train électrique, une collision imprévue qui a été transformé en un point d'intrigue.) Dans la plus célèbre des poursuites, Speedy ramasse nul autre que Babe Ruth, qui était véritablement la plus grande célébrité d'Amérique à l'époque. Il conduit le Babe jusqu'au Yankee Stadium à une vitesse défiant la mort, discutant avec enthousiasme avec son célèbre passager par-dessus son épaule, s'écrasant presque à chaque tournant. On pourrait peut-être imaginer un ensemble de circonstances plus new-yorkaises que des chauffeurs de taxi imprudents, des pratiques commerciales néfastes et une mégastar du sport, mais j'en doute. —CB

Lire à proposRapidec'est une superbe scène de poursuite➼

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En 1986, le film de Susan Seidelman était très médiatisé en tant que premier long métrage d'une Madonna, et il constitue à la fois un excellent véhicule de star et un regard fascinant sur plusieurs sous-cultures de la région de New York. Rosanna Arquette est l'image même de la fabulosité submergée en tant que femme au foyer de Jersey qui s'ennuie et qui devient fascinée par une femme nommée Susan qui est une habituée des pages de rencontres d'un journal local. Madonna est Susan, une arnaqueuse du centre-ville qui s'est retrouvée mêlée à un vague scandale impliquant la mafia d'Atlantic City (une intrigue secondaire traitée avec une telle indifférence que le film devient pratiquement une polémique sur les priorités narratives). Un cas soudain d'amnésie plus tard, Arquette voyage à travers un pays des merveilles post-punk du Lower East Side et flirte avec le beau projectionniste de Bleecker Street, Aidan Quinn, tandis que Madonna se détend dans un cocon loufoque de splendeur de banlieue bourgeoise. Bien qu'il soit très actuel, le film semble avoir été réalisé avec un regard tourné vers la nostalgie ultérieure : en le regardant, on peut se perdre dans son environnement énergique, coloré et imprévisible, même si le monde présenté est une variation très idéalisée sur lui-même - de la façon dont on aimerait qu'on s'en souvienne, au lieu de la façon dont il était probablement.-ÊTRE

(Passez au deuxième film de Susan Seidelman sur cette liste.)

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Woodstock a longtemps été considéré comme l'événement musical de l'été 1969. Mais ce documentaire vibrant affirme que l'histoire n'a peut-être pas tous les faits. En utilisant des images du festival culturel de Harlem cachées depuis des décennies, Ahmir « Questlove » Thompson,fait ses débuts en tant que réalisateur, nous montre les nombreux artistes noirs qui ont amené la communauté de Harlem dans ce qui s'appelait alors Mt. Morris Park – Stevie Wonder, Nina Simone, Sly and the Family Stone, Mahalia Jackson, et plus encore. Si Questlove avait décidé de reconstituer les moments forts de leurs performances, cela aurait quand même été un film extraordinaire. Mais il va plus loin, non seulement en documentant le moment et ce qu'il signifiait pour un quartier marginalisé de New York, mais en recontextualisant les événements nationaux clés. Cela inclut l’alunissage, qui est souvent salué comme un moment galvanisant et optimiste pour l’ensemble du pays. Mais certaines personnes présentes au Harlem Cultural Festival ont vu les choses différemment. "Peu importe la lune", a déclaré un participant à un journaliste de CBS News. "Récupérons une partie de cet argent à Harlem." Cela tempère également la vénération singulière pour Woodstock, le célèbre festival hippie organisé à 100 miles de la ville et qui a longtemps été considéré comme le moment déterminant non seulement de l'été 69 mais de toute une génération. Le fait est que les générations ne sont pas monolithiques. Environ 300 000 personnes se sont rendues à Harlem pour voir certains des plus grands du rock, du gospel, du R&B, du blues et de l'afro-latino faire leur travail.L'été de l'âmes'assure que nous nous en souvenons et que nous puissions entendre ce qu'ils ont entendu lors de journées chaudes et spéciales qui méritent d'être préservées.—JC

Lisez Ahmir « Questlove » Thompson surMo'Better Blues➼

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Référentiel des craintes des années 1970 en matière de décadence urbaine, de violence aléatoire, de meurtres de masse, d'ovnis, de conspirations gouvernementales et de machinations sectaires, ce thriller du maestro schlock Larry Cohen (C'est vivant !, Q) commence avec un tireur d'élite tuant 15 piétons au hasard avec un fusil depuis son perchoir à Times Square et devient plus étrange à partir de là. Tony Lo Bianco incarne le détective Peter Nicholas, qui ne parvient pas à convaincre le tireur d'élite (« Dieu me l'a dit », dit l'homme avant de se précipiter vers la mort). Il soupçonne un lien entre cette tragédie et les meurtres de masse aléatoires qui ont suivi (dont deux autres fusillades de masse et une agression au couteau) et découvre finalement un mystère qui ressemble à une fusion impie deRencontres rapprochées du troisième type,Le bébé de Romarin,La fureur, et la moitié des thrillers complotistes sortis dans les années 70. New York est présentée comme la Mecque de la folie, le carrefour de toutes les pulsions chaotiques et sinistres qui obsèdent les Américains de cette époque. —MZS

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On s'en souvient surtout pour la superbe chanson titre de Bobby Womack. (Vous pouvez entendre son réenregistrement ultérieur au générique du film de Quentin Tarantino.Jackie Brown.) Mais si tu veux un dur - et je veux diredur—regardez la ville de New York des années 1970, cela faitLa connexion françaiseressemblerBambi. Trois hommes s'enfuient avec une énorme somme d'argent provenant d'une opération de bookmaking à Harlem, tuant cinq gangsters (dont deux mafieux) et deux flics. Le reste du film est une paire de chasses à l'homme : la police tente de retrouver les voleurs avant que les gangsters ne se vengent. Les gangsters noirs et italiens sont en ligue mais aussi en conflit, et il en va de même pour les flics noirs et italiens au centre du film, tout cela reflétant un changement démographique que subissait New York dans son ensemble. Le capitaine de police Mattelli (Anthony Quinn) est un opérateur vétéran, dépendant des puissants locaux et en décalage avec son temps, et il est défié par le jeune lieutenant noir (Yaphet Kotto), qui essaie de bien faire les choses, refusant de le faire. des pots-de-vin et un retrait de Mattelli lorsqu'il tente d'obtenir les aveux d'un jeune drogué. Les figures d’autorité blanches, qu’il s’agisse de la police ou des chefs du crime, sont ouvertement racistes. (Si vous avez du mal à gérer une utilisation intensive du mot N, ce film n'est peut-être pas fait pour vous.) À part le personnage de Kotto, pratiquement tous ceux qui ont un quelconque pouvoir sont une assez mauvaise nouvelle. Tout ce va-et-vient complexe se déroule peut-être dans l'ensemble de plans urbains les plus sales que vous ayez jamais vu : des immeubles délabrés et en sueur, des terrains vagues remplis d'ordures, une vieille maison de quartier sale, la plupart filmés dans le noir et le blanc. gros plan. La seule chose qui fait parfois lever la tristesse visuelle, ce sont les revers et les chapeaux exubérants, tout droit sortis du catalogue Flagg Bros. —CB

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Le personnage principal deAlice WuLe monument sino-américain méconnu de, une chirurgienne interprétée par Michelle Krusiec, est enfermée lorsqu'elle rentre chez elle à Flushing et s'aventure provisoirement, sinon confortablement, dans la vie qu'elle s'est faite à Brooklyn. Puis sa mère (Joan Chen) arrive à sa porte, enceinte et déshonorée, et ce cloisonnement prudent commence à s'effondrer alors que les deux femmes commencent à partager un petit espace avec tous leurs secrets respectifs. Le film de Wu est une comédie romantique sucrée-salée, mais c'est aussi une exploration durable et pointue d'un fossé générationnel entre immigrants rendu possible par tout ce que les deux côtés ne disent pas. Son héroïne vit peut-être encore dans la ville dans laquelle elle a grandi, mais combler la distance entre ce qu'elle est aujourd'hui et les attentes de la communauté dont elle est issue est bien plus compliqué que de simplement prendre le train 7. —AW

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L'un des premiers thrillers policiers à toucher le grand public en déplorant les protections minimales des droits civiques garanties par l'affaire de la Cour suprême.Mirandacontre.Arizona, ce riff brutal de William Friedkin sur une affaire réelle a balayé les Oscars et est devenu un succès. Il a également fait des héros populaires une source d'inspiration réelle pour ses héros copains-flics, les détectives des stupéfiants Eddie Egan et Sonny Grosso, qui ont dirigé une opération à la fin des années 60 qui a fait tomber un réseau d'héroïne français. Gene Hackman et Roy Scheider incarnent les avatars fictifs des détectives, le tyran instable Popeye Doyle et son partenaire relativement pondéré Sonny Grosso. Friedkin a tourné une grande partie du film (y compris la scène de poursuite à grande vitesse sous la plate-forme du train surélevé D de Brooklyn) sans permis, avec une verve insouciante qui aurait pu tuer des gens si une ou deux choses avaient mal tourné. L'intrigue est si dense queFouintitulé leur parodieQuel est le lien ?, mais ce n'est pas grave :ArbreLe scénario de l'écrivain Ernest Tidyman, la mise en scène de Friedkin et la performance de bouledogue enragé de Gene Hackman entraînent le spectateur comme un suspect terrifié menotté à l'arrière de la Pontiac LeMans marron de Popeye. La fin nihiliste et complètement dégonflante n’est pas seulement caractéristique des thrillers des années 70, mais ressemble aussi à une prémonition des slogans actuels de l’ACAB. Presque tous les officiers de ce film sont des brutes machistes qui traitent New York comme un terrain de jeu où les hommes adultes vont fracasser des voitures et des têtes. —MZS

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Le riff de Mike Nichols sur les fantasmes de princesse est centré sur Tess McGill de la classe ouvrière de Staten Island (Melanie Griffith), qui obtient son baccalauréat en commerce via des cours du soir et est sur le point de quitter son emploi actuel pour sexisme lorsqu'elle est embauchée comme assistante de Katherine. Parker (Sigourney Weaver), un commerçant qui brise le plafond de verre et qui trahit Tess en lui volant l'une des meilleures idées de Tess. Ce qui suit est une combinaison de vengeance/comédie de récompense et une histoire d'amour loufoque entre Tess et le courtier en investissement Jack Trainer (Harrison Ford), avec Tess recherchant sans relâche la reconnaissance et la récompense qu'elle croit avoir gagnée malgré le fait que sa classe et son sexe soient retenus contre elle. Le mélodrame Catfight est contrebalancé par une jolie scène finale montrant que Tess va être une pionnière des girlboss très différente de Katherine, encadrant la prochaine génération de femmes cadres et les traitant comme des alliées naturelles plutôt que des voleuses potentielles des largesses patriarcales. Il y a de superbes photographies d'hélicoptère du New York des années 1980 (y compris une photo de héros des Twin Towers) ; une chanson thème envoûtante et anthémique de Carly Simon (« Let the River Flow ») ; et une scène où Harrison Ford change de chemise dans un bureau vitré, suscitant les applaudissements du secrétariat. CommeLa fièvre du samedi soir, Fille qui travailleprésente Manhattan comme une ville d'émeraude sur l'Hudson que les rêveurs des quartiers périphériques considèrent comme à des millions de kilomètres, même si toute personne possédant un jeton pourrait s'y rendre en métro. —MZS

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Le premier long métrage de Darnell Martin est une explosion exubérante et colorée de vie, d'amour et de bruit new-yorkais. Lauren Velez et Jon Seda vivent dans le quartier le plus bruyant du Bronx, où les voisins vous applaudissent lorsque vous faites l'amour ou frappent au plafond avec un balai. Leurs trois enfants sont des tornades de chaos, capturant à quel point les enfants peuvent être à la fois drôles et frustrants. Une décision stupide lors d'une panne d'électricité envoie Chino de Seda en prison pendant une minute chaude, alors Lisette de Velez a besoin d'argent rapidement pour le renflouer. Une série d'événements tirés par les cheveux plus tard, elle se retrouve comme la nouvelle assistante (et interlocuteur Latinx) d'un directeur de disque joué par Griffin Dunne. La découverte de l'infidélité conjugale passée bouleverse alors encore davantage la maison déjà antique avec les montures de Martin débordantes d'énergie et de couleurs vives des années 90. (La chanson titre est interprétée par un supergroupe comprenant Ray Barretto, Sheila E., Tito Nieves, Tito Puente, Dave Valentin, Paquito D'Rivera et Grover Washington Jr.) Il convient de noter le tour de Jesse Borago en tant que sœur trans de Lisette, Alexis. Même si un homme cisgenre ne serait pas approprié pour ce rôle aujourd'hui, en 1994, le personnage a été traité avec profondeur et soin, et la performance de Borago est chaleureuse et sage. —JH

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Les Tenenbaum royauxCousin du monde réel, plus sordide et plus triste, ce drame produit par Wes Anderson et se déroulant dans les années 1980 par le scénariste-réalisateur Noah Baumbach met en scène une famille blanche de Park Slope de types créatifs et universitaires, dirigée par des écrivains mariés dont l'union est vouée à l'échec et dont les fils ont 16 ans. Walt (Jesse Eisenberg), 12 ans, et Frank (Owen Kline), 12 ans, sont déprimés et aliénés et ont commencé à passer à l'acte. Le père, Bernard Berkman (Jeff Daniels), se laisse toujours berner par les vapeurs de ses premiers succès ; sa femme mécontente Joan (Laura Linney) est sur une pente créative ascendante et a commencé à coucher avec l'instructeur de tennis de Walt (William Baldwin). Baumbach s'est inspiré de sa propre expérience en tant que fils de deux critiques de cinéma et universitaires new-yorkais, Jonathan Baumbach et Georgia Brown. Son sens de la prétention, de l'arrogance et de l'auto-tromperie est aiguisé comme un couteau à filet et les détails de l'ère Reagan sont impeccables, issus de la réutilisation d'un morceau de la partition de Tangerine Dream des années 1983.Entreprise risquéeà la citation d'un samedi matin des années 1970Le rocher de l'école !segment (« Numéro huit ») que les frères auraient regardé étant enfants. —MZS

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L'East Village est un paysage luxuriant de possibilités charnelles et de dangers mortels dans ce film injustement décrié de 2003, qui autrefois avait fait craquer les gens parce qu'il osait montrer Meg Ryan en train de faire l'amour - et avec un Mark Ruffalo absurdement chaud, peut-être meurtrier, même. Le choix du chéri de l'Amérique était tout à fait prévu pour Jane Campion, dont la vision sensuelle et miteuse de New York est présentée en contraste direct avec les notions de conte de fées de romance, la ville inondée d'une conscience sensuelle qui menace constamment de se tourner vers le sombre. C'est une vision étonnamment féminine de l'idée du thriller érotique, ainsi que l'un des grands cas cinématographiques ultimes pour le New York alors contemporain en tant que lieu menaçant. —AW

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Le Lower East Side du début des années 1980 était un tel chaos urbain, une combinaison de paysage urbain infernal et de communauté d'artistes, qu'il n'a pas fallu beaucoup de travail à un cinéaste entreprenant à petit budget pour le réinventer en science-fiction. Et c'est exactement ce qu'a fait l'artiste visuelle devenue cinéaste Lizzie Borden lorsqu'elle a créé ce bâton de dynamite de cinéma sans budget « No Wave », un récit de style documentaire sur un avenir post-révolutionnaire et les femmes qui se battent pour y gagner de l'espace. Le cinéaste à l'esprit politique synthétisait des idées et des arguments spécifiques à l'époque et au lieu du film, mais ce qui est le plus frappant aujourd'hui est son intemporalité et sa prescience - ses conversations sur l'intersectionnalité, le travail du sexe, la justice sociale et la brutalité policière n'ont fait que devenir plus urgentes, et son Les images de clôture du World Trade Center sont encore plus troublantes aujourd’hui. —Jason Bailey

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« Il faut utiliser les hommes ! Ne les laissez pas vous utiliser », dit le cordonnier Adolf (Alphonse Ethier) à Lilly Powers (Barbara Stanwyck, une puissance furtive dans le rôle), avant de lui enseigner le travail de l'existentialiste Fredrich Nietzsche. La déclaration audacieuse accuse Lilly et le film de l’ère pré-Code-Hollywood qui l’entoure, conduisant le personnage de la petite ville de Pennsylvanie où elle habite à New York. Et quel meilleur endroit pour une femme et sa meilleure amie (Theresa Harris) pour chasser les hommes et le pouvoir ? Lilly monte dans la métropole scintillante grâce à ses ruses sexuelles et aux hommes intéressés à y goûter. Après chacune de ses séductions réussies, la caméra de Green filme l'extérieur de la banque où elle travaille, se déplaçant d'un étage à l'autre, rendant évidente son ascension et ce que le rêve d'une grande ville exige d'une personne.—AJB

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New York peut amener un acteur en difficulté à faire des choses surprenantes. Pour Michael Dorsey, joué par Dustin Hoffman, ce qui est surprenant, c'est de se faire passer pour une femme nommée Dorothy Michaels afin de pouvoir participer à un feuilleton. Une grande partie de la politique de genre dansTootsiesont dépassés, et une trop grande partie de la comédie est tirée de l'idée qu'un homme faisant des choses féminines est intrinsèquement hilarant. Mais le film reste une pierre de touche incroyablement divertissante en raison de la mesure dans laquelle Michael et Hoffman s'engagent. Rapidement, Dorothy cesse de devenir une mascarade et se transforme en son propre être humain à ne pas prendre, celui qui frappera un collègue bricoleur à la tête avec un presse-papiers s'il le faut. L'imagerie façonnée par le réalisateur Sydney Pollack est indélébile à New York : la perruque bouffante rouge de Dorothy émergeant de la foule sur un trottoir de Manhattan ; Michael, poussant nonchalamment un mime au milieu de Central Park ; Michael, dans le rôle de Dorothy, prend au dépourvu son agent George (joué par Pollak) au Russian Tea Room, où il révèle qu'il a été embauché pour jouer une infirmière dans Southwest General. Mais les attitudes de Michael et de Dorothy – têtues, créatives, insistantes pour se défendre – peuvent être ce qui fait queTootsiel'histoire vraie d'un New-Yorkais.—JC

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Allen et Albert Hughes ont donné suite à leur premier long métrage explosif de 1993Société Menace IIavec ce drame ambitieux, arrivé avec beaucoup de battage médiatique mais qui a rencontré à la fois des critiques mitigées et un box-office tiède. Depuis, il a été, à juste titre, considéré comme un chef-d'œuvre. C'est l'histoire d'un jeune homme du Bronx (Larenz Tate) qui part se battre au Vietnam (aux côtés de son meilleur ami joué par un jeune Chris Tucker dans un rôle dramatique rare), vit des horreurs indicibles, puis revient dans un monde presque aussi brisé et traumatisé que lui. Le film passe du drame sur le passage à l'âge adulte au film de guerre en passant par le thriller de braquage, mais à chaque étape du voyage, il devient plus sombre, plus violent, plus grotesque, plus nihiliste, plus new-yorkais. Il y a peu de plaisirs de genre ici : c'est un film sur des gens qui ont de plus en plus le sentiment qu'ils n'ont pas d'avenir et se retrouvent dans un monde dont la dévastation reflète leur propre désespoir. —ÊTRE

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Morris Engel a filmé en cachette ce film indépendant emblématique de 1953 à l'aide d'une caméra attachée à son corps afin que les passants soient moins enclins à remarquer ce qu'il faisait. Le résultat est quePetit Fugitifest à la fois un film de fiction sur deux frères de Brooklyn et un instantané de Coney Island dans les années 50, rempli de New-Yorkais de tous bords et de tous revenus essayant de s'approprier un peu de vacances à la plage accessibles, même si ce n'est que pour une journée. C'est un acte documentaire enchanteur, mais c'est aussi un film formidable sur la vie intérieure des enfants. Joey Norton (Richie Andrusco, dans son premier et unique rôle au cinéma) croit avoir tué son frère dans ce qui était en fait un gag, mais ne peut s'empêcher de se laisser attirer par les offres du quartier dans lequel il s'enfuit. Qui pourrait résister au monde des promenades à poney et des salles d’arcade, un paradis à quelques minutes en métro ? —AW

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Une personne pourrait argumenterLe dernier détaildevrait être l'entrée de Hal Ashby sur cette liste, mais rappelez-vous que seules quelques scènes avec ces marins ivres et vulgaires se déroulent ici en ville.Le propriétaire, le premier film du monteur devenu réalisateur, se joue dans un bac à sable similaire à celui de John G. AvildsonJoeet Miloš celui de FormanDécollage, qui portent tous un regard jaunâtre sur une jeunesse blanche privilégiée dont la plongée dans la conscience sociale ne se passe pas comme prévu. Beau Bridges incarne un enfant riche de Long Island qui acquiert un immeuble dans « les bidonvilles » (Park Slope, ne riez pas) et emménage avec l'intention d'évacuer tout le monde, y compris Pearl Bailey et un jeune Louis Gossett Jr. Naturellement, il tombe amoureux (de Diana Sands) et commence le processus d'ouverture des yeux. Lee Grant a été nominé pour un Oscar en tant que maman du country club, Robert Klein a une scène rapide en blackface, et la musique de l'un des artistes blancs appropriateurs par excellence de l'époque, Al Kooper, ne pourrait être plus parfaite. Le scénario de Bill Gunn, adapté d'un roman de Kristin Hunter, toutes deux noires, offre une authenticité plus riche que celle des films largement diffusés à l'époque. —JH

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Satiriste bricoleur et farceur cinématographique, Robert Downey Sr. était un pilier de l'underground new-yorkais en 1969 avec ses films patchwork expérimentaux et libres. Mais avec cette satire incroyablement tranchante et tournée sur Madison Avenue – qui, puisqu'elle se donnait la peine de raconter une histoire, était carrément conventionnelle par rapport à son travail antérieur – il est devenu une sorte d'institution. Le film suit Putney, le seul membre noir du conseil d’administration d’une grande société de publicité qui se retrouve inopinément aux commandes après la mort soudaine du président. Il la transforme immédiatement en une entreprise entièrement noire qui essaie de faire des affaires avec intégrité, avec des résultats chaotiques. En cours de route, le film commente tout, de l'hypermilitarisation de la société à la marchandisation de la contre-culture, en passant par l'éclatement du mouvement des droits civiques, en passant par la vente incessante de sexe et le puritanisme inhérent à l'Amérique. En 1969, cela semblait vraiment opportun ; aujourd’hui, cela semble incroyablement prophétique. —ÊTRE

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Kaléidoscope portable de visages hurlants, de seins roulants et de dongs qui tournent mollement, la cause célèbre underground de Jack Smith de 1963 a en fait envoyé certains de ses exposants en prison ; Le cinéaste et entrepreneur d'avant-garde Jonas Mekas a été arrêté en 1964 pour avoir tenté de le projeter au New Bowery Theatre du Lower East Side, dans le cadre d'une affaire désormais tristement célèbre opposant les lois sur l'obscénité à la liberté d'expression. Le film lui-même est envoûtant, impénétrable et dérangeant : rempli de personnages fortement maquillés qui ressemblent à des moqueries cauchemardesques de starlettes hollywoodiennes, il commence comme une satire bon marché de la marchandisation avant de se transformer en une orgie rauque de tremblements de terre de baise et de cris. Vous n’avez jamais rien vu de tel – et vous ne le ferez jamais, ce qui est en quelque sorte le point important. Tourné sur une pellicule en décomposition, destiné à une révision constante et projeté dans des salles souterraines, le film semble aussi éphémère que la communauté souvent éphémère dont il est issu.-ÊTRE

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L’idée selon laquelle « les hommes et les femmes ne peuvent pas être amis parce que le sexe fait toujours obstacle » est peut-être incorrecte, maisQuand Harry rencontre Sallyest toujours l'une des plus grandes comédies romantiques jamais réalisées en raison de la façon dont elle mélange une véritable chaleur avec une sensibilité acerbe de New York - présentée grâce à deux New-Yorkais accomplis, l'écrivain Nora Ephron et le réalisateur Rob Reiner. De nombreuses histoires d’amour utilisent les décors new-yorkais pour ajouter une allure cosmopolite à un film. QuandHarry a rencontré Sallyfaites en sorte que les monuments de la ville soient à jamais liés à ce film : l'arche de Washington Square Park où une jeune Sally dépose Harry après leur road trip désastreux de Chicago à New York ; la promenade le long de Central Park West où les deux se reconnectent et où Harry préconise de combiner les sections nécrologiques et immobilières ; la visite au Temple de Dendur au Met où Harry note : « Vous savez, j'ai une théorie selon laquelle les hiéroglyphes sont en réalité une bande dessinée sur un ancien personnage nommé Sphinxy » ; le repas au Katz's Deli où Sally simule un orgasme et, dans une apparition, la mère de Reiner dit: "Je prendrai ce qu'elle a." Et bien sûr, cette fête du Nouvel An, filmée à l'intérieur du Puck Building, où Harry professe son amour pour Sally. Il faudra peut-être un certain temps à Harry et Sally pour réaliser qu'ils veulent passer le reste de leur vie ensemble, mais ils savaient depuis longtemps qu'ils voulaient passer du temps à New York.—JC

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Une collaboration étroite entre le co-scénariste Ernest Tidyman (adaptant son propre roman) et le photographe de magazine devenu réalisateur Gordon Parks,Arbrereste la quintessence de la badasserie new-yorkaise. La séquence du générique d'ouverture atteste de la confiance inébranlable du film dans sa capacité à divertir : composée rien de plus que des plans inventivement composés de la star Richard Roundtree déambulant dans Times Square tandis que le thème d'Isaac Hayes, bientôt oscarisé, fait la promotion de « le Noir ». "Connard privé qui est une machine sexuelle pour toutes les filles", il vous plonge dans le monde et l'état d'esprit de John Shaft, qui - comme Sam Spade et Philip Marlowe d'Humphrey Bogart - a un code moral mais n’est redevable à aucun homme, groupe, institution ou idéologie. D'une manière ou d'une autre, ce film résolument intemporel a vieilli avec autant d'élégance que la veste en cuir de Shaft. Cela revient en grande partie à l'empathie imaginative de Tidyman, qui a déclaré au New YorkFoisqu'il voulait écrire Shaft comme « un héros noir qui se considère comme un être humain, mais qui utilise sa rage noire comme l'une de ses ressources, avec son intelligence et son courage ».—MZS

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« C'est comme vivre une guerre », explique Peter Staley au début du documentaire de David France. "Tout autour de moi, des amis tombent morts." Ce sentiment de désespoir, de peur et d’effroi était inévitable lorsque la crise du sida ravageait la communauté LGTBQ+ de New York dans les années 1980 et 1990. Les militants de la ville ont donc transformé cette angoisse en rage, en formant ACT-UP et en organisant des manifestations à l'hôtel de ville, dans les hôpitaux municipaux, dans les églises et dans d'autres espaces publics. La France s'appuie sur une richesse de documentation vidéo contemporaine (et passionnante) sur ces actions - c'est comme si nous étions des participants, écoutant les séances de stratégie, en première ligne d'une véritable bataille à mort, se moquant des méchants. local (Ed Koch et Cardinal O'Connor) et national (Ronald Reagan et Jesse Helms). Finalement,Pestenous rappelle ce que les premiers jours du COVID ont renforcé : que même lorsque nous sommes l'épicentre d'une épidémie, les New-Yorkais ne se rendront pas tranquillement. —J.B.

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Vous ne pouvez pas voir un marin dans la rue pendant la Fleet Week sans y penser. Le film de Gene Kelly et Stanley Donen de 1949 sur l'extravagance de Comden et Green Broadway, avec une musique éternelle de Leonard Bernstein, est exubérant à la manière inimitable de MGM Technicolor, et c'est une comédie musicale que même les haineux de la musique peuvent tolérer. Le rythme s'accélère alors que les trois marins (Kelly, Frank Sinatra et Jules Munchin) parcourent les 24 heures de permission à terre de la Seconde Guerre mondiale, rencontrant des filles et visitant les sites touristiques. Il y a des gags new-yorkais sur les touristes avec des guides complètement dépassés, sur les colocataires intrusifs qui se présentent lorsque vous essayez d'être occupé, sur l'acte désespéré de conversation au milieu du rugissement du métro, sur les boîtes de nuit chics avec des recettes de cocktails absurdes au menu. (Il y a aussi une photo de l'arche de Washington Square, où votre première réaction sera probablementMon Dieu, c'est tellement sale.) Le dialogue comique-relief excitant de Betty Garrett dans le rôle de la conductrice de taxi, Hildy, n'a pas d'âge. Seules quelques séquences de danse sur scène sont insuffisantes – l’une d’entre elles, impliquant une version du costume traditionnel africain, est absolument grinçante, tout comme quelques autres moments – mais elles passent à la hâte et vous pouvez vous concentrer sur le récit de voyage au centre du cinéma. Et puis, alors que la permission à terre se termine, la flottabilité s'effondre, juste pendant une seconde : les gars retournent à la guerre, et ils ne reviendront peut-être pas. Même dans l’histoire new-yorkaise la plus exubérante, il y a un soupçon de tragédie.Le Bronx est en hausse et la batterie est en panne. —CB

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Le joyau de 88 minutes de Claudia Weill, reconstitué grâce à une subvention sur trois ans, a peu de contemporains dans les débuts du cinéma indépendant. Suzie Weinblatt, photographe de Melanie Mayron dans l'Upper West Side, n'est pas une névrosée à la Woody Allen et elle n'est pas une militante du type « écoutez-moi rugir ». C'est juste une jeune femme qui aime son espace, connaît sa valeur et continue de se bousculer. Bien que le film aborde la romance (et de manière très imprévisible, comme avec Eli Wallach dans le rôle d'un rabbin marié de plus de deux fois son âge), rêver du prince charmant n'est qu'une pensée éphémère. C'est remarquable dans un film sur une femme célibataire d'aujourd'hui, sans parler du milieu des années 70. La meilleure amie de Suzie, Anne, s'est mariée et a déménagé dans le nord de l'État, et bien que le film soit trop nuancé pour le présenter comme une condamnation à mort, il est présenté comme une sorte d'avertissement. Il y a ici de superbes images des galeries de Soho et des choix de costumes extraordinaires. Aussi : Bob Balaban pratiquant son italien avec une boîte de matzos Manischewitz derrière lui. Vous ne pouvez pas simuler ce genre d’authenticité.—JH

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En plus d'être l'un des plus grands films new-yorkais de tous les temps, la fantaisie musicale semi-autobiographique de Bob Fosse est un film rare sur le cinéma new-yorkais des années 70. Son personnage principal, le chorégraphe Joe Gideon (Roy Scheider), buveur de pilules et coureur de jupons, dirige simultanément une comédie musicale de Broadway qu'il déteste et tente de sauver son biopic sur un comédien autodestructeur (sur le modèle du biopic de Lenny Bruce de Fosse).Lénny,qui, commeTout ce jazz, est raconté dans un style fragmenté et non linéaire) lors de séances de réédition de fin de soirée au Brill Building. Le découpage, réalisé par Alan Heim, est l'un des plus innovants jamais vus dans ce domaine. La photographie — de Guiseppe Rotunno, directeur de la photographie habituel de l'idole de longue date de Fosse, Federico Fellini — alterne le grain quasi documentaire pour les scènes du monde réel et la volupté crémeuse pour les moments où Gideon raconte et justifie sa vie à l'Ange de la Mort (Jessica Lange ) et fantasme de diriger sa sortie finale à la manière d'un spectacle de Fosse. Le casting de soutien sans égal comprend Ben Vereen, Leland Palmer, Anne Reinking, Erzebet Foldi, Sandahl Bergman, Cliff Gorman, CCH Pounder, John Lithgow et - dans l'un des grands camées d'une seule ligne - Wallace Shawn dans le rôle d'un comptable qui comprend que si Joe meurt, son dernier spectacle pourrait devenir la première comédie musicale de Broadway à réaliser des bénéfices sans même ouvrir.—MZS

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En tant qu'écrivaine féministe, arnaqueuse etUsine Warholtaon Valerie Solanas, qui a tiré et a failli tuer Andy (joué magnifiquement par Jared Harris) en juin 1968, Lili Taylor courbe les épaules, relève la tête et charge tête baissée dans une performance à la fois inspirante, touchante et terrifiante. Solanas est une femme motivée, brillante et illusoire qui cherche à créer et qui regorge d'idées (pas toutes bonnes), mais qui trouve que son sens de la rue n'est pas à la hauteur du sang-froid impénétrable des connaisseurs du monde de l'art du centre-ville. Le premier long métrage de Mary Harron propose à la fois une étude de personnage fascinante et une belle reconstitution de la scène Warhol de New York dans toute sa beauté et sa superficialité. Surtout, le film ne juge aucun des participants impliqués : dans la conception de Harron, Warhol et Solanas sont tous deux des personnages tragi-comiques.-ÊTRE

(Passez au deuxième film de Mary Harron sur cette liste.)

Découvrez la réalisation deSALUT! Manhattan, entreprit de capturer l'underground new-yorkais de Warhol➼

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Dans ses trois longs métrages narratifs à ce jour, le réalisateur et photographe nigérian américain Andrew Dosunmu est devenu l'un des chroniqueurs les plus passionnants de New York.Ville agitéeJ'ai regardé un immigré sénégalais ambitieux et romantique qui se bousculait en marge, tandis queOù est Kyra ?a suivi une pauvre femme vieillissante du Queens (Michelle Pfeiffer) se faisant passer pour sa mère récemment décédée afin de continuer à recevoir ses chèques de pension. Mais le chef-d'œuvre de Dosunmu est sans douteMère de Georges, un drame domestique hypnotique se déroulant dans la communauté yoruba de Brooklyn, suivant un jeune marié (Danai Gurira) confronté à diverses pressions familiales et culturelles pour concevoir. Dosunmu et le directeur de la photographie Bradford Young placent le récit tendu et déconcertant contre des couleurs et des décors explosifs et vibrants, canalisant l'élégance mythique de Luchino Visconti et l'hystérie palpitante de Douglas Sirk dans quelque chose de complètement nouveau. —ÊTRE

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« New York est tellement grande, sale et bruyante ! Et ton théâtre : avec tous ces hommes et ces filles sans vêtements ! Alors sanglote April, fraîchement revenue d'un couvent du Wisconsin, à sa mère, Kitty Darling, la danseuse burlesque éternellement en difficulté, déterminée à garder sa fille loin de l'attrait des feux de la rampe. Le premier film du réalisateur de Broadway, Rouben Mamoulian, tourné sur des scènes sonores encore utilisées à Astoria, dans le Queens, est considéré comme l'un des grands premiers films parlants. Alors que de nombreux acteurs de l'époque plantaient fermement leurs acteurs sur unXpour garantir qu'un équipement encombrant puisse enregistrer correctement le dialogue,Applaudissementsse promène dans les vestiaires, les ruelles et même, pour un instant, dans l'ancienne Penn Station. (Un intermède romantique pratiquement suspendu au bord du pont de Brooklyn n'est cependant pas une véritable photographie de lieu.) Même si une partie du drame peut paraître simpliste aujourd'hui, la compréhension du film du push-pull psychologique que ressentent les interprètes même lorsque " trembler pour une bande de gorilles du Bronx » restera à jamais d'actualité.—JH

Photo : Archives AF / Alamy Stock Photo/

Curieusement, Mel Brooks, l'un des plus grands exportateurs d'humour juif new-yorkais dans le monde, a tourné la plupart de ses films ailleurs : leVieil Ouest,Transylvanie,espace extra-atmosphérique. Son premier long métrage, cependant, est imprégné de texture et de manières new-yorkaises. Le producteur de Broadway, Max Bialystock, est un type de David Merrick vulpin, sans vergogne et exubérant, malchanceux et escroquant les veuves avec leur argent pour financer sa comédie musicale délibérément terrible.Le printemps pour Hitler.Zéro Mostel, qui connaissait sûrement ce genre de parasites du monde du théâtre, joue Max si loin que nous pouvons à peine voir le sol. Il y a une effronterie de Times Square à la fois dans l'histoire elle-même et dans la narration ; vous ne pouvez pas vraiment imaginer une autre culture de la comédie assez audacieuse pour donner naissance au goût si mauvais et impeccable d'un Hitler hippie ou d'un plan de Busby Berkeley en forme de croix gammée. Ce n'est pas un hasard si ce film nous a donné à tous l'expression « Quand tu l'as, affiche-le ! »—CB

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Photo : Archives AF / Alamy Stock Photo/

L'un des films les plus grands et les plus sous-estimés de Paul Schrader – une histoire qui, selon le réalisateur, lui est venue dans un rêve, lorsqu'un trafiquant de drogue lui a demandé de faire un film sur lui – ce thriller maussade et élégant met en scène Willem Dafoe dans le rôle d'un trafiquant de drogue haut de gamme. (il vend principalement aux yuppies de toute la ville, même si son appartement se trouve dans un Chelsea pré-hypergentrifié) travaillant pour une patronne impitoyable (Susan Sarandon !) qui envisage de se lancer dans le secteur des cosmétiques. Schrader appelle cela son film sur la « crise de la quarantaine », et ce sentiment intime et mélancolique de quelque chose d'irrémédiablement perdu est reflété et élargi par la ville changeante autour des personnages changeants : le film capture ce moment du début des années 1990, lorsque le New York chaotique et délabré des années 1970 et 1980 ont commencé à devenir aseptisées, stériles et ossifiées.-ÊTRE

Photo: Photo 12 / Alamy Banque D'Images/

Avant de se séparer pour passer le reste de leur vie séparés, le couple de personnes âgées interprété par Beulah Bondi et Victor Moore dansPlace à demainvivez une journée magique à New York qui sert de contrepoids doux-amer à tout ce qui a précédé. Le drame de Leo McCarey sur la dépression, un prédécesseur de l'horreur de la panique immobilière sous-jacenteL'amour est étrange(un titre qui apparaît plus tard dans cette liste), est pour l'essentiel une tragédie au ralenti sur un couple de personnes âgées qui perdent leur maison et sont obligés de se séparer pour chercher refuge avec leurs enfants adultes, qui vivent en ville ou à l'extérieur. , et qui ne sont pas tant cruels qu'ils sont monstrueusement et relativement gênés par la nécessité de réorganiser leurs propres ressources limitées. Mais, comme pour compenser la terrible insensibilité de la vie moderne qu'elle incarne, la ville s'épanouit devant le couple lorsqu'ils se retrouvent pour un dernier après-midi ensemble, les comblant de petites gentillesses alors qu'ils retracent un voyage qu'ils ont fait un demi-siècle. plus tôt pendant leur lune de miel. La grâce des étrangers compense les échecs de la famille, mais temporairement, une touche de magie cinématographique dont New York est aussi capable.—AW

Photo : Kino Lorber/avec la permission d'Everett Collection/

Le statut du scénariste-réalisateur-acteur Bill Gunn en tant qu'institution cinématographique new-yorkaise s'étend bien au-delà des personnages noirs qu'Hollywood attend de lui ; dans des adaptations scénaristiques, il donne vie à des Guêpes riches et privilégiées (Le propriétaire) et un couple juif pauvre qui souhaitait travailler et mourir dignement (L'ange Levine). Mais il a contribué à briser une sorte de noirceur bidimensionnelle courante dans les films en créant spécifiquement des personnages noirs désordonnés, intelligents, névrotiques, jubilatoires, mesquins et, par-dessus tout, reconnaissables entre eux. CependantGandja et Hessest le plus connu de ses films,Problèmes personnels,une collaboration en deux parties avec l'écrivain Ishmael Reed,cela ressemble à la thèse de Gunn, le point culminant de toutes ses idées sur les gens et New York. Il demande « Quels aspects de la vie des Noirs n’ont pas été pleinement traités à l’écran ? » puis répond à la question avec un mélange de réalisme improvisé et de mélodrame (cela a commencé comme une parodie radiophonique d'un feuilleton). Comme une grande partie du travail de Gunn, le film empêche les spectateurs de savoir avec certitude où le film les mènera ou si la destination mettra un terme à leur parcours, mais le voyage reste un voyage qui vaut la peine d'être entrepris. Ceux d'entre nous qui se trouvaient dans la ville au moment de sa sortie originale (il a été restauré et réédité en 2018) trouveront amusant les mentions des Korvettes, aujourd'hui disparues, et la beauté hors taxe d'acheter des vêtements dans le New Jersey.—Odie Henderson

Photo : Collection Christophel / Alamy Banque D'Images

Bien que le jazz soit né à la Nouvelle-Orléans, demandez à votre fan de jazz moyen et il conviendra que cette forme a atteint son apogée à New York en 1959. Comme l'a dit Miles DavisUne sorte de bleu, celui de Dave BrubeckTemps mort, et Art Blakeygémiront été enregistrés et diffusés, les cinéphiles branchés ont vu les « films de jazz » comme la collaboration Robert Frank-Alfred Leslie-Jack KerouacTire ma marguerite, ainsi queOmbres, la star de John Cassavetes pour le cinéma indépendant américain. Cassavetes, qui co-dirigeait une école de théâtre et commençait à gagner en notoriété en tant qu'acteur de cinéma et de télévision, a participé à l'émission de radio « Night People » de Jean Shepherd et a fini par financer participativement une idée de long métrage à petit budget sur une femme noire (un écrivain potentiel qui sortait avec des hommes blancs) et ses deux frères musiciens. La première tentative de faireOmbress'est fortement appuyé sur l'improvisation, mais Cassavetes a recommencé après une intense période de répétition. (Il a même abandonné la majeure partie d'une musique originale de Charles Mingus.) Il a fini par tourner dans les rues de New York sans permis, et une scène poignante dans le jardin de sculptures du MoMA – précédant le voyage de Jean-Luc Godard au Louvre enBande à Part- est un moment fort.—JH

Photo : Pictorial Press Ltd / Alamy Banque D'Images

Il est impossible d'exagérer l'influence de Woody Allen sur un certain type de film new-yorkais, c'est-à-dire celui dont le réalisateur voit la ville comme un lieu fondamentalement romantique mais agréablement exaspérant. Mais il est indéniable que ses films des deux dernières décennies sont devenus de plus en plus inconscients de leur époque et de leur lieu et que les accusations selon lesquelles il serait une personne monstrueuse se renforcent dans l'esprit à chaque fois que Dylan Farrow s'exprime en public. Même si la plupart des gens acceptent qu'on ne peut pas juger l'œuvre par la personne, il est tout simplement impossible de la regarder, par exemple :Manhattan– dans lequel le personnage d'Allen, âgé de 40 ans, sort avec un lycéen, comme il l'a effectivement fait hors écran – sans que ces faits réels ne gâchent votre perception. Le personnage Nebbishy-agressif-intelligent d'Allen qui (pour beaucoup de gens) semblait autrefois évolué, lançant un millier deRevue de livres de New Yorkles publicités personnelles, se présentent désormais moins gentiment en version bêta et plus simplement comme un imbécile. On pourrait faire valoir que ses films les plus sombres, commeCrimes et délitsouMaris et femmes,sont meilleurs queAnnie Hall. Mais si ce que vous recherchez, c'est l'esthétique moderne des comédies romantiques – une esthétique dans laquelle les citadins plaisantent ironiquement sur la mauvaise plomberie et les insectes, vont en thérapie cinq jours par semaine, emmènent leurs rendez-vous à Central Park, un week-end dans l'East End, et peuvent conduire à peine une voiture, et encore moins la garer en parallèle – cela commence vraiment avec Annie et Alvy. De plus, il ne fait aucun doute, absolument aucun, que la scène de la réplique au cinéma avec Marshall McLuhan est un classique.Mon garçon, si seulement la vie était comme ça. —CB

Photo : Allstar Picture Library Ltd. / Alamy Banque D'Images

Peu de personnages du cinéma new-yorkais sont aussi indélébiles que Bree Daniels, la travailleuse du sexe au ton dur et au langage dur, au centre du thriller imbattable d'Alan J. Pakula de 1971. Interprétée avec une verve enflammée par Jane Fonda, lauréate d'un Oscar, elle met en place le vernis d'inaccessibilité froide requis non seulement par sa carrière mais aussi par le fait de vivre seule, en ville, au début des années 1970. Le scénario est assez classique – le détective d'une petite ville de Donald Sutherland se rend dans la grande méchante ville, à la recherche d'un client de Bree qui a disparu – mais ce n'est pas ce qui donne son coup de fouet à l'image. Le réalisateur Pakula et le directeur de la photographie Gordon Willis remplissent ses trottoirs et ses gratte-ciel d'un sentiment de sombre pressentiment et de paranoïa fiévreuse, un sentiment électrisant que quelque chose de menaçant se cache à chaque coin de rue, dans chaque ombre sombre. —J.B.

Photo : TCD/Prod.DB / Alamy Stock Photo/

Alfred Molina et John Lithgow sont si chaleureusement accueillis en tant que couple de longue date qu'il faut un certain temps pour comprendre que le film dont ils sont au centre est en fait une histoire d'horreur non conventionnelle sur la ressource la plus précaire de New York : le logement. Lorsqu'ils perdent leur appartement bien-aimé de Manhattan à cause d'une politique de sectarisme persistant qui embarrasse même ceux qui sont chargés de la mettre en œuvre en s'excusant, les deux se séparent pour rester avec leur famille et leurs amis, opposant l'affection à l'épuisement de partager des espaces déjà exigus. Le film d'Ira Sachs est en quelque sorte un hommage àPlace à demain, mais avec une vision distinctement queer du déplacement auquel ses personnages principaux sont confrontés. Ils tentent désespérément de trouver un nouveau refuge dans une ville qui leur a fourni un sanctuaire, ainsi qu'à leur relation, dans les périodes les plus hostiles, mais qui est devenue si inhospitalière sur le plan économique que rester commence à sembler impossible.—AW

Photo: Album / Alamy Banque D'Images/

Le premier long métrage fascinant de Ramin Bahrani suit le labeur quotidien d'un vendeur de chariots pakistanais alors qu'il tente de gagner suffisamment d'argent pour bâtir sa vie et celle de son jeune fils dont il est séparé. Tout au long, nous voyons des extraits de son passé – il a été brièvement une pop star dans son pays d'origine, mais s'est ensuite marié et est venu aux États-Unis, pour ensuite perdre sa femme – et nous commençons à comprendre le monde intérieur de cette enveloppe tenace mais brisée de un homme. Bahrani a tourné dans les rues de New York, avec sa star Ahmad Razvi tirant et installant ce chariot, servant parfois même des beignets et du café à des clients sans méfiance. (Avec ce film et sa suite tout aussi époustouflante,Chop Shop,le réalisateur s'est imposé comme l'un des plus grands réalistes de sa génération.) La ville présentée dansChariot à pousser pour hommeest instantanément familier mais aussi cruellement anonyme. Il a été dépouillé de tout repère, de tout sentiment de communauté. Nous sentons le froid glacial ; la lumière grise et mourante ; l'agitation de la foule au petit-déjeuner ; et la solidité sèche et peu engageante des pâtisseries proposées. Et même si le 11 septembre n’est jamais mentionné, nous ressentons une tension constante dans l’air. Bahrani nous rappelle que, malgré toute la magie et le mystère de New York, c'est l'un des endroits les plus interdits, les plus anonymes et les plus impitoyables de la planète. —ÊTRE

Photo : ©New Line Cinema/Courtesy Everett Collection/

Le film qui a misJe cherche désespérément Susande Susan Seidelman sur la carte, cette comédie dramatique mettant en vedette Susan Berman, Brad Rijn (présenté sous le nom de "Brad Rinn") et le punk rocker Richard Hell est un regard affectueux mais lucide sur les vestiges du lien de travail new-yorkais. -des artistes et musiciens de la classe moyenne et de la classe moyenne qui ont prospéré à la fin des années 60 et tout au long des années 70. Berman incarne Wren, une jeune femme du New Jersey qui s'installe en ville pour faire partie de la scène punk-rock en déclin, représentée par le personnage de Hell, qui faisait partie d'un groupe branché dix ans plus tôt. Encouragé par ses fantasmes de réinvention, Wren est attiré par (et dirigé vers) Los Angeles – la Californie qui représente « un nouveau départ », comme c'était souvent le cas à cette époque du cinéma américain – et est si désespérée de recommencer qu'elle prête à faire des compromis, à se dégrader et même à commettre un crime pour collecter de l'argent. Musique composée par les Feelies et écrite par Ron Nyswaner, qui sera nominé aux Oscars en 1994 pour sonPhiladelphiescénario, c'est un excellent film sur la lutte artistique et personnelle et les extraits de la vie des jeunes rêveurs. —MZS

(Passez au premier film de Susan Seidelman sur cette liste.)

Photo: Album / Alamy Banque D'Images/

Batman et Superman ont peut-être ces vagues remplaçants urbains Gotham et Metropolis, mais Spider-Man est le super-héros de New York, ses aventures – en particulier ses aventures cinématographiques – correspondant à quelle que soit notre idée de la ville à ce moment-là. (Il suffit de regarder comment les films Spider-Man de Sam Raimi ont traité notre paysage émotionnel post-11 septembre, transformant ce qui était autrefois un décor de bande dessinée unidimensionnelle et rempli de crimes en une expression de solidarité et de résilience urbaines.) histoire d'un adolescent afro-latin de Brooklyn nommé Miles Morales qui assume le rôle de Spidey avec l'aide de ses amis interdimensionnels, les réalisateurs Bob Persichetti, Peter Ramsey et Rodney Rothman nous offrent une vision délirante et inventive. saga qui met à jour le mythe de l'araignée pour notre époque, offrant une gamme diversifiée de lanceurs de toile qui volent à l'encontre des tendances typiques.Superman-l'hystérie des récits de super-héros. Voici un film dont le style d'animation éclectique et magnifiquement patchwork reflète la diversité esthétique explosive de la ville dans laquelle il se déroule - lefilm d'animation rareon dirait que son look et son style ont été inspirés par New York lui-même.-ÊTRE

Photo : Moviestore Collection Ltd / Alamy Banque D'Images//

"Quand John avait 21 ans, il est devenu l'un des 7 millions de personnes qui croient que New York dépend d'eux." Le silence bouleversant de 1928 de King Vidor sur la triste vie d'un jeune homme ambitieux à New York – les grands rêves, le travail de bureau, la pauvreté, les responsabilités, la tragédie familiale, l'indifférence de la foule – est un drame humain à grande échelle qui, curieusement, , se déroule en grande partie parmi un petit groupe de personnes, souvent à l’intérieur. Mais à l’extérieur de leur monde règne la grande ville, avec ses rues grouillantes et son architecture impérieuse, filmées en grande partie avec des caméras cachées (dans un pari expérimental jugé assez extravagant à l’époque). Vidor mélange l'immédiateté documentaire avec une dose enivrante de style expressionniste, le tout rendu étonnamment convaincant par un excellent casting d'acteurs inconnus, qui ont en fait l'air d'avoir pu sortir de la rue. Une œuvre révolutionnaire en matière de représentation de New York à l’écran ; un de ces films pour lesquels on peut dire sans aucune gêne que la ville devient son propre personnage.-ÊTRE

Photo : Avec l’aimable autorisation de Zipporah Films/

Jackson Heights, dans le Queens, est l'un des quartiers les plus diversifiés de New York et du pays, et le documentaire merveilleusement riche de Frederick Wiseman lui donne toute la dimension cinématographique qui lui est due en s'immergeant dans le fonctionnement et les tensions de certaines de ses diverses institutions - comme un immigré- une organisation militante ciblée, ou un bureau du conseil municipal, ou une école musulmane. Si la ville a toujours été un lieu où des vagues d'immigration en provenance de différentes parties du monde ont créé des communautés qui évoluent au fil des décennies,À Jackson Heightssert de témoignage astucieux de la poussée et de l’attraction inhérentes à cette histoire, de l’assimilation, de la gentrification et de l’idée que la création d’une communauté est un processus continu.—AW

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Wall Street est une mise en garde contre les délits d'initiés que certains frères de la finance ont transformé en une célébration de la cupidité qu'ils critiquaient, mais il n'y a pas de déformation.Psycho américain. Cette adaptation du roman de Bret Easton Ellis — co-écrit par Mary Harron et Guenièvre Turner et réalisé par Harron — arrive sous une forme totalement tordue. Mélange de satire et d'horreur avec une performance extraordinaire de Christian Bale à la fois idiote et effrayante – son célèbre shimmy « Hip to Be Square » méritait son propre Oscar – ce film parle techniquement d'un banquier d'investissement qui est secrètement un tueur en série. Mais en réalité, c'est une métaphore extrême de ce que l'on ressent lorsqu'on mène une existence creuse et invisible à New York. Patrick Bateman de Bale a beaucoup : de l'argent, un appartement génial des années 80, des cartes de visite géniales, une jolie fiancée (Reese Witherspoon), une collection de CD à moitié décente. Mais comme il le note au début du film : « Je ne suis tout simplement pas là. » Plus tard, lorsqu'il montre enfin des remords et avoue ses nombreux crimes, son avocat non seulement les rejette, mais confond Patrick avec quelqu'un d'autre. Au début du nouveau millénaire,Psycho américaina confirmé une vérité qui semblera encore plus vraie dans les années suivantes : même lorsqu'un riche homme d'affaires new-yorkais fait le pire, il ne sera toujours pas tenu pour responsable.—JC

(Allez au premier film de Mary Harron sur cette liste.)

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Contrairement à l'histoire new-yorkaise du divorce de Noah Baumbach,Le calmar et la baleine, enraciné dans la réalité, le New York de Wes Anderson et les Tenenbaums fracturés qui l'habitent mélangent le relatable et le fantastique. Dans la ville d'Anderson, les gens ne sortent pas des bus avec un air échevelé et fatigué ; ils flottent dessus, comme le fait Margot de Gwyneth Paltrow, au son de « These Days » de Nico. Le patriarche royal Tenenbaum (Gene Hackman) n'emmène sa fille Margot manger une glace dans aucun endroit - ils vont dans un glacier qui semble appartenir à un palais. Lorsque Royal et ses petits-fils Ari (Grant Rosenmeyer) et Uzi (Jonah Meyerson) passent une journée en ville, au lieu de visiter des musées ou Central Park, ils se heurtent à des voitures venant en sens inverse, conduisent des karts sur un chantier de construction et volent un carton à l'étalage. de lait d'une bodega locale. Aussi rehaussé et méticuleusement conçu queLes Tenenbaum royauxc'est-à-dire que c'est l'œuvre la plus émouvante d'Anderson, un fait que vous pouvez ressentir à plein régime lorsque Chaz Tenenbaum, en colère et en deuil, de Ben Stiller dit finalement à Royal, la voix brisée : « Nous avons eu une année difficile, papa.—JC

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Pendant des années, Sergio Leone a réalisé des westerns spaghetti dans lesquels l'Espagne rurale remplaçait l'Ouest américain. Pour son épopée de gangsters de 1984 sur un groupe d'amis du Lower East Side qui finissent par s'impliquer dans la mafia juive - un film conçu pour surpasser même lesParraindes films d'envergure, d'ambition et de grandeur – il a pu tourner à New York. Mais son film a toujours l’esprit de ces westerns : le monde qu’il présente semble très mythique. Ses espaces, tant intérieurs qu'extérieurs, sont vastes au point de faire rire n'importe quel habitant de New York, et pratiquement chaque instant est souligné par une partition d'Ennio Morricone qui devient plus immortelle à chaque nouvelle houle orchestrale. Cette vision de la ville appartient autant à l'imaginaire Europulp de son créateur qu'à l'histoire. Dépecé (et pour la plupart ignoré) lors de sa sortie initiale, il a depuis été restauré dans son intégralité et est reconnu comme un classique majeur de l'un des plus grands cinéastes du monde.-ÊTRE

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Il n'y a jamais eu de meilleure synthèse à l'écran de la sensation désorientante de rester dehors jusqu'au matin puis d'aller directement au travail que la fin de la nuit blanche de Martin Scorsese en 1985, qui déverseGriffin Dunnede retour là où il a commencé après une odyssée sombre et drôle.Après les heures d'ouvertureest un hommage à l'époque où Soho était effrayant et bohème et à tout un univers loin des confins calmes de l'Upper East Side dans lequel commence le film. Après avoir parcouru le centre-ville à la recherche d'une femme avec qui il a eu une rencontre mignonne (Rosanna Arquette), le protagoniste du film, un drone de bureau, passe des heures à essayer de rentrer chez lui, à franchir des obstacles de plus en plus scandaleux mais qui, d'une manière ou d'une autre, permettent de découvrir une vérité essentielle de La vie à New York – c'est-à-dire que la ville a le don de transformer parfois les tâches apparemment les plus simples en épreuves absurdes et épiques. —AW

(Passez au deuxième film de Martin Scorsese sur cette liste.)

Lire Griffin Dunne surAprès les heures d'ouverture➼

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Maigre, tiré pour une pièce de cinq cents, mais étonnamment expansif, le riff classique de Blaxploitation de Larry Cohen surPetit Césarprésente l'indiciblement charismatiqueFred Williamsoncomme un gangster qui surgit des rues de Harlem, supplante l’establishment blanc corrompu et perd son âme dans le processus. C'est l'une des entrées les plus ambitieuses de ce genre, mais aussi l'une des plus sombres, la sombre trajectoire du protagoniste semblant reflétée par la ville qui l'entoure, tour à tour vibrante et en décomposition. Initialement écrit pour Sammy Davis Jr. (un personnage à peu près aussi différent que vous pouvez l'imaginer de l'ancien arrière défensif Williamson), ce drame policier mélange l'esprit tragique deLe parrainavec l'immédiateté deRues méchantes, mais il y a aussi quelque chose de plus ici : comme tous les grands réalisateurs de films de série B (et servant de précurseur aux auteurs ultérieurs comme Abel Ferrara et les frères Hughes), Cohen est capable de fusionner le symbolique avec le viscéral - comme en témoigne un point culminant. dans lequel le personnage de Williamson peint en noir son ennemi policier raciste et corrompu et lui fait chanter « Mammy » pendant qu'il le bat à mort. Le film a été un énorme succès – si grand qu’ils ont changé la fin déprimante et ont immédiatement publié une suite improvisée (et inférieure).-ÊTRE

Lisez Fred Williamson surCésar noir➼

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Au début du premier film de Whit Stillman, une bande de jeunes riches de l'Upper East Side terminent leur soirée avec une nouvelle connaissance, un étudiant de Princeton qui évolue dans leur cercle mais qui est moins aisé qu'eux. En partant, il saute dans le bus de Crosstown et un membre du groupe dit d'un ton malicieux : « Un West Sider est parmi nous. » Voilà dans un microcosme le monde deMétropolitain,dans lequel nous entendons mille sifflets sociaux parmi ce groupe d'ennemis : dans leur petit monde des Brooks Brothers et de JG Melon, les distinctions encore plus minimes sont immenses. En 1990, Stillman créait une ode à la société dans laquelle il avait vécu en tant qu'étudiant une demi-génération plus tôt (« Il n'y a pas si longtemps », disent les intertitres), sachant qu'elle était déjà en train de devenir obsolète ; 30 ans plus tard, ce qui est un peu surprenant, c'est qu'un peu de ce phénomène persiste encore. C'est aussi antique, et donc aussi envoûtant, que le Horn & Hardart Automat où quelques gars font une pause pour déjeuner. "Nous ne pouvons pas continuer à nous réunir avec les mêmes personnes tous les soirs pour le reste de notre vie", dit un personnage avec irritation à un ami, très tard dans la nuit, après son arrivée à son appartement. La réponse : « Je ne vois pas pourquoi ».—CB

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Une des meilleures scènes deLe film de James Grayne se déroule pas dans la version magnifiquement texturée de Brighton Beach où Leonard Kraditor (Joaquin Phoenix) vit sous la garde aimante et étouffante de ses parents inquiets, mais dans une discothèque animée qui semble à des kilomètres – peut-être même dans le pays spirituellement lointain de Manhattan. Leonard, qui commence le film en flirtant avec des idées suicidaires, s'est retrouvé pris dans un dilemme romantique plus littéral, pris entre la douce Sandra Cohen (Vinessa Shaw), qui est issue de la communauté juive russe dans laquelle il a grandi et que sa famille aimerait bien. se marier, et la glamour et chaotique Michelle Rausch (Gwyneth Paltrow), la maîtresse d'un avocat marié qui a été cachée dans l'immeuble Leonard de Brooklyn par son amant. Que Leonard soit mieux adapté à Sandra semble évident jusqu'à ce que Michelle l'emmène sortir pour la nuit, et cet homme maladroit et mélancolique plonge sur la piste de danse pour montrer des mouvements idiots mais ambitieux. Soudain, nous le voyons, ainsi que le quartier dans lequel il vit, sous un tout autre jour – comme si la version maussade de la ville que nous avons vue était un paysage subjectif pendant tout ce temps.—AW

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Deuxième collaboration entre le réalisateur Brian De Palma et la star Al Pacino, ce blockbuster des années 1990 singe les chaudières urbaines new-yorkaises des années 1970 tout en insufflant à l'histoire une douceur mélancolique qui n'est pas caractéristique du cinéaste et en le positionnant comme une réponse affirmative à leur autre équipe. , années 1983Écharpe. Pacino joue le personnage principal, un gangster portoricain qui sort de prison et tente de renouer avec sa jeune petite amie (Penelope Ann Miller) et d'aller droit au but, mais se retrouve inévitablement entraîné dans la vie criminelle par l'intermédiaire de son avocat cokéfié et connecté à la mafia. (Sean Penn). La mécanique de l'intrigue doit beaucoup aux westerns où un vieux tireur veut s'installer mais ne peut pas marcher dix pieds sans qu'un punk ne l'entraîne dans un duel. La séquence d'action finale, qui voit Carlito fuir à pied les crétins de la mafia italienne à travers le métro en route vers la station Grand Central, est la plus grande utilisation du système de transport souterrain de la ville jamais filmée, géographiquement précise jusque dans les moindres détails des quais, points de transfert et itinéraires locaux contre express : le paradis des nerds de la carte MTA. Gardez un œil sur une apparition voluptueuse près de la plate-forme de métro et du système d'ascenseur du World Trade Center, qui cesseraient d'exister huit ans après la sortie de ce film.—MZS

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La période de Noël à New York, comme à tout moment à New York, est une alternance constante entre des moments de pure magie et une réalité brutale. Ce classique des fêtes sur un homme nommé Kris Kringle (un Edmund Gwenn vraiment joyeux) qui jure qu'il est le véritable Père Noël comprend ce contraste. Le scénariste-réalisateur George Seaton ouvre le film avec une séquence qui montre la majesté du défilé de Macy's Day, tout en soulignant le chaos absolu auquel l'organisatrice Doris Walker (Maureen O'Hara) est confrontée dans les coulisses. Une fois que Kris devient le Père Noël dans l'emplacement phare de Macy's, nous voyons l'émerveillement joyeux d'une jeune Néerlandaise ravie de savoir qu'il parle sa langue, mais nous avons également de nombreux aperçus complets du scepticisme (initial) profond de Saint Nick qui émane de La fille de Doris, Susie (la grande Natalie Wood), une si vraie New-Yorkaise que, même à 8 ans, elle est certaine de pouvoir sentir des conneries à plusieurs pâtés de maisons. L'agitation joyeuse des acheteurs de Noël est présente et prise en compte, tout comme les dirigeants compétitifs de Macy's qui utilisent la gentillesse de Kris comme stratagème marketing.Miracle sur la 34e rueest finalement un film doux et plein d'espoir. Mais son doux espoir résonne d’autant plus qu’il contient de fortes doses de doute et d’incrédulité new-yorkaises.—JC

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L'un des plus grands films jamais réalisés aux États-Unis – et malheureusement intemporel dans sa présentation de l'intolérance personnelle et systémique – ce film de Spike Lee doit beaucoup au dernier drame de Sidney Lumet de cette liste (voirl'entrée n°2), qui se déroule de la même manière entièrement sur et à proximité d’un seul pâté de maisons par une étouffante journée d’été. La mise en scène de Lee, la photographie d'Ernest Dickerson et la conception de la production de Wynn Thomas divisent la différence entre le blocage, le découpage et le mouvement cinématographiques et une sensibilité théâtrale sans vergogne qui traite à la fois les espaces intérieurs et extérieurs (tourné sur place dans un véritable bloc dans le Bedford-Stuyvesant pré-gentrifié). ) comme s'il s'agissait de décors construits pour une réponse urbaine et concrète au scénario de Thornton WilderNotre ville. Il existe une variante du narrateur du Stage Manager de Wilder, gracieuseté du DJ local de Samuel L. Jackson, Mister Senor Love Daddy, qui raconte l'action qu'il observe à travers la baie vitrée de la station de radio, et dans l'un des montages les plus célèbres du film, plusieurs personnages majeurs brisent le quatrième. mur alors qu’ils crachent des invectives racistes. Lee est toujours énervé par les prises de position alarmistes publiées parNew YorkLe chroniqueur du magazine City Joe Klein et le critique de cinéma David Denby s'attendaient à des émeutes provoquées par la sortie du film, et il a raison de l'être. Avec le recul, il semble prudent de paraphraser le personnage de feu Robin Harris, Sweet Dick Willie, et d'admettre qu'intellectuellement, ces enculés étaient à 50 cents d'avoir un quart.—MZS

(Passez au deuxième film de Spike Lee sur cette liste.)

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Source d'inspiration clé pour de nombreux futurs cinéastes (dont Martin Scorsese), le drame indépendant extrêmement influent de Shirley Clarke reprend ce qui aurait pu être un conte classique sur une jeunesse en crise : il s'agit d'un jeune de 15 ans qui aspire à posséder une arme à feu. pour qu'il puisse prendre en charge son gang de Harlem et se sentir comme un gros bonnet - et en fait une œuvre d'un réalisme poétique stupéfiant. En faisant appel à des non-professionnels et à un style documentaire, Clarke capture avec vivacité le dynamisme, la beauté et la violence d'un monde qui avait jusque-là été décrit en termes largement unidimensionnels. Mais son image prend également les qualités formelles d'un essai : une grande partie du dialogue a été doublée, pas du tout de manière convaincante, et le protagoniste nous donne une narration continue et fluide qui donne l'impression que tout se déroule en partie dans son esprit. Cela faitLe monde coolun film new-yorkais parfait, à la fois immergé dans la foule et absorbé dans ses propres pensées. Le score de Dizzy Gillespie aide aussi.-ÊTRE

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Le bébé de Romarinest un cauchemar de grossesse fantasmagorique, une panique satanique lente et une représentation exaspérante et astucieuse de l'éclairage au gaz d'une femme faite par un homme confronté à de multiples allégations réelles d'agression sexuelle. Mais c'est aussi un premierHistoire d'un appartement à New Yorkà propos d'emménager dans un espace dont vous ne pouvez que deviner l'histoire, de traiter avec des gens avec lesquels vous vous sentez obligé d'être gentil parce que vous partagez tous un espace si restreint. Tant d’histoires d’horreur s’attardent sur la terreur de l’isolement, maisLe bébé de Romarintout tourne autour de la peur de l’intrusion. Les Castevet exploitent diaboliquement les attentes en matière d'accommodement entre voisins pour faire des incursions dans la maison de Mia Farrow, son mariage et, éventuellement, sa propre autonomie corporelle. D'une certaine manière, c'est une représentation puissante de la fragmentation dans une ville dans laquelle il peut sembler impossible de véritablement se tailler un espace.—AW

Découvrez le sous-genre distinct de New York Apartment Horror➼

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Llewyn Davis, le chanteur folk fauché, opprimé et sans manteau d'hiver au centre de ce joyau mélancolique des frères Coen, estla fatigue sous forme humaine. Comme le joue Oscar Isaac dans une performance marquante, l'épuisement émane des yeux fatigués de Llewyn, de sa posture affaissée et de ses déplacements traînants les jambes arquées d'un appartement à l'autre, alors qu'il saute sur le canapé au lieu de pouvoir s'offrir une maison. Il croit en son talent, sait que si la bonne personne l'entend chanter, il pourra enfin vivre réellement de son art. Mais il est frappé au visage par une indignité après l'autre : un trajet en métro passé à chasser un chat, des dépenses imprévues, un concert pour enregistrer une chanson embarrassante, des disputes sur l'endroit où se trouve ce foutu chat. Si vous avez vécu dans cette ville sans vous sentir épuisé, déprimé et sans savoir si vous y arriverez un jour tout en mourant de froid, alors vous n'avez pas vécu dans cette ville. DansÀ l'intérieur de Llewyn Davis, un film dont la palette de couleurs est mieux décrite comme sombre avec une chance de l'être encore plus, Isaac's Davis ne laisse aucun doute sur le fait qu'il a vécu à New York et qu'il est mort un peu ici aussi.—JC

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Joseph Sargent, un réalisateur de téléfilms de modeste distinction, a frappé dans le mille une seule fois, mais bon Dieu, est-ce que ça marche toujours. Et en faitLa prise de Pelham un deux troisressemble un peu à une série policière étendue et élevée des années 1970, l'idéal platonique d'unAux côtés de ferouLes dossiers Rockfordépisode. Quatre hommes pseudonymes détournent un train n°6 en direction sud, l'arrêtant juste en dessous de la gare de la 28e rue, détenant un wagon complet de passagers contre une rançon en espèces. Ils disent qu'ils vont bientôt commencer à tuer des otages, fournissant l'accélération progressive et insistante du film, un voyage en train métaphorique qui reflète le voyage littéral. La police et les répartiteurs de la Transit Authority qui tentent de résoudre le problème et d'acheminer la rançon vers le train – Walter Matthau, Jerry Stiller, Tom Pedi dans le rôle de Caz Dolowicz, surnaturellement hostile – sont des archétypes new-yorkais ironiques et farfelus, chacun d'entre eux surlivrant légèrement. scénario. Ouais, il y a un truc loufoque à New York ici, mais c'est une aventure passionnante jusqu'au bout. La partition lourde de David Shire, pleine de dissonances funky et de rythmes légèrement décalés, est un temple de la renommée.—CB

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Le Manhattan des années 1970 a-t-il déjà brillé avec autant de possibilités que dans le chef-d'œuvre de Paul Mazursky ?Une femme célibataire? Les années 70 dans le cinéma américain sont souvent présentées comme une entreprise masculine, mais Mazursky et ses collaborateurs – dont Jill Clayburgh, qui livre un rôle principal tendre et émotionnellement réalisé – prennent le cadre d'un passage à l'âge adulte dans le grand -histoire de la ville pour explorer l'évolution d'une femme, de femme au foyer méprisée à dame autodidacte. L'histoire d'Erica Benton (Clayburgh) se déroule dans des conversations intimes, avec ses amies proches dans les bars ou dans le studio d'art d'un amoureux naissant (Alan Bates), qui semblent aussi émotionnellement expansive et vibrante que la ville elle-même. En parcourant les enclaves et les fêtes de Manhattan, le film agit également comme une fenêtre astucieuse sur la vie des artistes et de ceux qui se trouvent dans leur orbite.—AJB

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Premier long métrage américain à traiter directement de l'impact de la crise du sida,Regards d'adieuest une comédie dramatique à l'âme douce sur l'obsession et la mortalité, soutenue par des chansons de Bronski Beat, et mettant en vedette Richard Ganoung et John Bolger dans le rôle d'un couple gay, Michael et Robert, qui affrontent les faiblesses et les conflits dans leur relation sur une période de 24 heures. (Un acteur alors inconnu nommé Steve Buscemi joue le rôle de Nick, le petit ami chaotique mais irrésistible de Michael, que Michael raffole toujours.) L'une des vertus du film est son portrait des espaces où les intellectuels libéraux homosexuels et hétérosexuels de la classe moyenne se croisent dans le " années 80, les membres du premier groupe s’efforçant mais ne parvenant pas à vraiment comprendre la menace d’extinction qui pèse sur le second.Regards d'adieuL'honnêteté et l'exactitude de étaient, malheureusement, aussi autobiographiques que possible : il s'agissait du premier et du seul long métrage du cinéaste indépendant Bill Sherwood, décédé des complications du VIH quatre ans après sa sortie.—MZS

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C'est évident pourquoiLe parrainest sur cette liste : c'est le film mafieux le plus influent jamais réalisé et il se déroule en grande partie à New York, où une grande partie a été tournée. Mais ce sont des choses superficielles. Il y a tellement plus dans l'ADN deLe parraincela correspond à l’idée de New York dans l’imaginaire public. Il s'agit de l'histoire d'immigrés d'une famille italienne qui a bâti sa richesse et son influence après son arrivée ici, comme tant d'autres familles new-yorkaises l'ont fait, sans doute sans autant de meurtres. Les Corleone n’acceptent pas un non comme réponse, et les New-Yorkais non plus. « Je vais lui faire une offre qu'il ne pourra pas refuser » pourrait être la devise de la ville. (Soit cela, soit « Ne prenez jamais parti pour qui que ce soit contre la famille. ») Le réalisateur Francis Ford Coppola et le directeur de la photographie Gordon Willis jouent constamment avec les contrastes qui soulignent à quel point la corruption envahit le quotidien. Les lumières de Noël scintillent à l'extérieur de l'hôpital où Michael est agressé par un policier du NYPD allié à une autre famille de la mafia. Un restaurant italien de quartier tranquille du Bronx devient soudainement le théâtre d'un double meurtre. Alors que Michael assiste au baptême de son neveu et renonce à Satan, nous voyons de multiples exécutions, toutes ordonnées par Michael, se dérouler sans pitié en même temps. La paix et le calme coexistent avec l'obscurité et la violence, une dichotomie qui correspond à la notion fictive de New York comme un lieu dynamique mais potentiellement dangereux. Là où il y avait autrefois un cannoli, il pourrait aussi y avoir un pistolet fraîchement tiré.—JC

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Le dramaturge et cinéaste Kenneth Lonergan est devenu un maître reconnu des drames romanesques sur des personnages qui luttent pour comprendre leur place dans le monde et le contrôle qu'ils ont réellement sur leur destin.Marguerite, sur une jeune femme nommée Lisa (Anna Paquin) qui navigue dans la vie à la suite d'un accident de bus dont elle est en partie responsable, est le résumé de tout ce dont il parle. Bien que le montage original de deux heures et demie soit excellent, la meilleure version du film est le montage de trois heures et huit minutes de Lonergan, car il laisse chaque scène respirer davantage et permet à la forme de refléter les complexités psychologiques. (le désordre) de ses personnages, qui ne cessent de se remettre en question, de se miner et de se méprendre (parfois volontairement, semble-t-il). C'est aussi l'un des grands films sur lesentimentde New York, grâce à la façon dont il empile dialogue sur dialogue, comme pour reconnaître la ruche bourdonnante de la conscience urbaine, et les moments où la direction adopte une approche voyeuriste, à un moment donné scrutant les gens par les fenêtres et les écoutant parler, comme un voyeur doté de pouvoirs surhumains. —MZS

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CommeUne femme célibataire,Juste une autre fille sur l'IRTdémontre pourquoi la ville de New York, où les enfants sans permis peuvent marcher ou prendre le métro partout où ils doivent aller, est un cadre si puissant pour le récit du passage à l'âge adulte. La scénariste-réalisatrice Leslie Harris utilise Brooklyn dans toute sa noirceur multivalente comme toile de fond pour l'histoire de Chantal (Ariyan A. Johnson), une lycéenne dont la force de caractérisation est enracinée dans sa normalité. Intelligente, bavarde et essayant toujours de comprendre le sens de sa vie, elle est simplement embourbée dans le flux et le reflux de l'adolescence – le travail scolaire, la famille, un travail, un jeune amour menant à une grossesse qu'elle cache, la perspective d'aller à l'université et l'avenir. Harris, qui a basé son histoire sur des recherches approfondies du Brooklyn Teen Pregnancy Center, laisse Chantal se déplacer doucement à travers la ville, effleurant les textures de son quartier et de son école, transformant les détails les plus banals en aspects profonds d'un jeune Noir. la vie de la femme.—AJB

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Au cours des 20 premières minutes, la plupart des Muppets font ce que tout New-Yorkais envisage de faire à un moment donné : ils quittent New York. Alerte spoiler : ils finissent tous par revenir, et les deux Muppets (sans doute) les plus vénérés, Kermit la grenouille et Miss Piggy, ne partent jamais. "Je suis toujours là et je reste", crie Kermit du haut de l'Empire State Building au début du film, après la production du film par les Muppets.Mélodies de Manhattanest rejeté par plusieurs producteurs de Broadway. « Tu entends ça, New York ? » C'est le moment « fou comme l'enfer » de Kermit, une expression cathartique de la détermination que tous les artistes new-yorkais frustrés du cinéma, depuisTootsiec'est Michael Dorsey àÀ l'intérieur de Llewyn DavisLe chanteur folk titulaire de , a crié métaphoriquement dans le vent. Autant queLes Muppets prennent Manhattanparle de la lutte pour la conquête de la Grande Voie Blanche, c'est aussi une célébration de l'inspiration que l'on peut trouver dans ces rues. Ses visites aux monuments de Manhattan (Sardi's ! Central Park !) et avec des New-Yorkais vénérés qui ne sont plus parmi nous, dont Joan Rivers, le maire de l'époque, Ed Koch, et Gregory Hines, ajoutent une couche d'émotion à New York aux nombreuses attractions du film. joies. C'est un rappel de l'espoir et du courage de la ville telle qu'elle était dans les années 1980 et un hommage à son esprit intemporel.—JC

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New York est un endroit qui appartient à sa population transitoire – ses migrants, ses résidents temporaires et ses visiteurs – autant qu'aux personnes qui y vivent depuis des générations. Le sublime film de Chantal Akerman de 1977 résume le sentiment d'être jeune et loin de tout ce que l'on connaît, à la fois fasciné et éloigné de la ville, comme aucun autre. Akerman était déjà rentré en Belgique et avait faitJeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Bruxellesquand elle a tiréNouvelles de la maison, mais la distance professionnelle et temporelle avec la vagabonde autoproclamée de 21 ans qu'elle était lorsqu'elle s'est installée à New York rend le film encore plus efficace. Photographié en collaboration avec la directrice de la photographie Babette Mangolte,Nouvelles de la maisonévoque le travail d'avant-garde que le jeune Akerman rencontrait aux Anthology Film Archives, mais il crée également une sensation d'espace émotionnel incroyablement personnel. Alors que de longs plans de métros, de trottoirs vides et de rues lors d'un trajet en ville se déroulent à l'écran, Akerman lit ses propres lettres à sa mère de l'autre côté de l'Atlantique. C'est un film plein d'émerveillement, de défi et de solitude, à la fois, la ville comme lieu d'épanouissement de l'individu.—AW

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Le quartier de Brooklyn Heights dans lequel se déroule ce délice de Norman Jewison est aussi accueillant et confortable que parfois claustrophobe. Honnêtement, qui pourrait reprocher à Loretta Castorini de Cher de s'être retirée dans sa maison d'enfance après la mort de son premier mari alors que sa maison d'enfance se trouve dans l'un des quartiers les plus recherchés de l'arrondissement ?Rêveurcrée un sentiment de proximité avec la communauté italo-américaine dans laquelle il se déroule avec un énorme charme, et rappelle en même temps que son cadre à la limite du pittoresque existe au centre d'une métropole animée, même si son héroïne a cessé de se curer la tête assez longtemps pour le remarquer. La romance de Loretta avec le boulanger tumultueux Ronny (Nicolas Cage) peut peut-être lui ouvrir le monde à la passion, mais elle lui ouvre aussi la ville. Après que Ronny ait amené Loretta au Lincoln Center pour son premier contact avec l'opéra, puis l'a convaincue de se coucher avec l'un des plus grands discours de comédie romantique de tous les temps, elle rentre chez elle à pied, le long du front de mer, le lendemain matin, devant l'horizon de Manhattan. derrière elle alors qu'elle se tourne vers le coin de la maison familiale. Il s’avère que c’était là tout le temps – il lui suffisait de regarder.—AW

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Si l'une des qualités des films figurant sur cette liste est qu'ils seraient complètement diminués par un déménagement dans une autre ville, eh bien, il n'y a pratiquement aucune réplique ou scène dans ce film qui pourrait survivre à la transplantation. La comédie romantique de Joan Micklin Silver est imprégnée du Yiddishkeit du Lower East Side. d'une Une jeune, jolie libraire semi-laïque a unbullequi veut qu'elle soit mariée et heureuse ; deux hommes (l’un fringant et caddish, l’autre peu glamour et haï) pourraient devenir son mari ; cela se passe à peu près comme vous l'attendez. Les appartements ressemblent tous à des appartements new-yorkais, et les accents, faibles et forts, sont tout aussi reconnaissables. Cela vaut triple pour la grand-mère ; son appartement se trouve incontestablement dans l'une de ces tours Mitchell-Lama d'après-guerre, et ce n'est certainement pas un décor ; l'actrice elle-même est Reizl Bozyk, qui a fait son apparition dans les théâtres yiddish disparus depuis longtemps de la Deuxième Avenue. Et juste pour compléter la carte de bingo du film New York : l'amie yenta de sa grand-mère est jouée – inévitablement, impeccablement – ​​par Sylvia Miles.—CB

(Accédez au premier film de Joan Micklin Silver sur cette liste.)

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La réputation d'insensibilité de New York n'a jamais été aussi mise en valeur avec un humour plus acide que dans la comédie romantique de Billy Wilder sur deux employés subalternes qui risquent de se retrouver coincés dans les rouages ​​de la gargantuesque société d'assurance pour laquelle ils travaillent tous les deux. Jack Lemmon est un employé nébuleux qui a subi des pressions pour laisser son appartement être utilisé comme un putain de lieu de culte par divers hauts gradés possédant des maisons et des familles en banlieue. Shirley MacLaine est l'exploitante d'ascenseurs séduisante avec laquelle l'un de ces dirigeants joue. La touche trompeusement légère de Wilder offre un sacré contraste avec une histoire d'amour sur deux personnes parfois suicidaires qui réalisent que la survie est plus importante que de prouver que si vous pouvez réussir ici, vous pouvez réussir n'importe où.—AW

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Le regard extrêmement influent, révélateur (et, à l'époque, controversé) de 1991 de Jennie Livingston sur la culture underground du drag ball de la ville n'est pas seulement l'un des grands films new-yorkais, c'est l'un des plus grands documentaires de tous les temps. À un certain niveau, c'est une célébration bruyante de la variété éblouissante de ce monde, englobant l'étendue des performances, des poses, des danses et des identités exposées. À un autre niveau, il s'agit d'une étude poignante et humaniste des individus impliqués dans cette sous-culture, dont beaucoup, vivant en marge, ont réussi à appartenir aux différentes « maisons » de ce monde. Pendant une grande partie du XXe siècle (et même avant), l’Occident était considéré comme un lieu où l’on pouvait repartir à zéro, se forger une nouvelle identité et fonder une nouvelle famille.Paris brûlesuggère que dans ces coins apparemment invisibles de New York, de nouvelles vies, familles et communautés se construisent chaque jour. En plus d'être capable de filmer les performances avec la vitalité de vous êtes là, Livingston a également un œil pour le moment ou le détail révélateur qui nous permet d'avoir une véritable idée de ces personnes en tant que personnes - ce qui signifie que le film s'avère également être déchirant.-ÊTRE

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Depuis les images d'ouverture du taxi Checker de son personnage principal émergeant des nuages ​​de vapeur stygiens et le visage anxieux mais étrangement vide de ses yeux dans un rétroviseur,Chauffeur de taxicapture ce qui pourrait être lepoint le plus sombre de l'histoire de la ville, tout en donnant au grand public un premier aperçu de l'endroit où le fétichisme des armes à feu se chevauche avec la culture incel. Tourné en 1975, l'année du New YorkNouvelles quotidiennes" Ford to City: Drop Dead ", cette collaboration du réalisateur Martin Scorsese, du scénariste Paul Schrader et de la star Robert De Niro est plus franche sur la paranoïa de droite qui a animé les marmites new-yorkaises du début des années 70 commeJoe,Souhait de mort,etLa connexion française. Son protagoniste d'origine ethnique blanche, le vétéran du Vietnam Travis Bickle, est un solitaire qui prend des pilules et tient un journal sur le modèle de celui du futur assassin présidentiel Arthur Bremer. Il traque un objet écrasé, une employée de campagne sénatoriale (Cybill Shepherd), après qu'elle l'a rejeté, puis devient obsédé par le sauvetage d'une prostituée de 12 ans (Jodie Foster) de son proxénète (Harvey Keitel). L'explosion culminante de la violence armée est teintée d'ironie : si Travis avait fait exactement les mêmes choses à un groupe de personnes différent, il aurait été considéré comme un monstre plutôt que comme un ange vengeur. Comme tant de films de Scorsese sur des anti-héros motivés, celui-ci plonge le public dans l'état d'esprit de son personnage principal, lui donnant suffisamment d'informations pour comprendre à quel point Travis est perturbé et effrayant, tout en le poussant à s'identifier à lui d'une manière qui rend impossibles les jugements de valeur simplistes. Les trajets en taxi à New York n'ont plus jamais été les mêmes après ce film.—MZS

(Allez au premier film de Martin Scorsese sur cette liste.)

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C'est le plus improbable des films de flics et de voleurs : pendant une heure au milieu, il ne se passe presque rien. Dans les scènes d'ouverture, Sonny (Al Pacino) et Sal (John Cazale) ratent un vol dans une succursale bancaire du quartier, et eux et leurs otages sont piégés à l'intérieur alors que les négociateurs et une grande foule de Brooklyn se rassemblent à l'extérieur. Nous sommes en août, tout le monde est en sueur et un peu sale, et la berge devient de plus en plus chaude une fois la climatisation coupée. Il y a des visites et des appels frénétiques de la famille de Sonny, à la fois génétiques et choisies ; il existe des stratégies pour faire sortir les otages et les ravisseurs du bâtiment. Dans le célèbre « Attique ! Attique ! Dans cette scène, Sonny fouette la foule contre les flics, sentant qu'il a un peu de pouvoir pour la seule fois de sa vie opprimée et réprimée. Sidney Lumet, qui a réalisé le film, a déclaré que c'était un film qui nous obligeait à reconsidérer les gens que nous considérons comme des monstres - et en réalité, c'est à New York en 1975 que ces personnages marginaux avaient tendance à s'échouer, à s'accrocher et parfois à causer des problèmes. grabuge. Le tout s'enroule de plus en plus fort pendant deux heures, avec juste assez d'humour (« Le Wyoming n'est pas un pays ») en cours de route pour faire lever la tristesse. Au moment où l'inévitable triste libération arrive, sous les lumières crues de la scène finale, vos sympathies vont à toutes les personnes impliquées et également à personne.—CB

(Passez au premier film de Sidney Lumet sur cette liste.)

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Le chef-d'œuvre de Spike Lee est déjà le plus grand film sur le 11 septembre, mais il se trouve aussi être le plus grand film new-yorkais. Au moment de sa sortie, le film a été critiqué par certains qui estimaient que son actualité était reléguée au second plan – que le 11 septembre et ses conséquences n'avaient pas grand-chose à voir avec le roman de 2000 du scénariste David Benioff sur le dernier jour de liberté d'un trafiquant de drogue avant de partir. en prison. Oh, comme ils avaient tort. En présentant des images de la ville brisée, le film établit un parallèle direct avec le destin voué à l'échec de son protagoniste, Monty Brogan (Edward Norton). Et il capture le cri angoissant d'une société qui a atteint son point de rupture lors d'un monologue inoubliable, livré devant un miroir de salle de bain, dans lequel Monty crie des jurons contre les enclaves ethniques et sociales de la ville, finissant par faire exploser ses amis, sa famille et lui-même. Le film tout entier parle de dégoût de soi, mais dans des moments comme ceux-ci, Lee rend le dégoût de soi civilisationnel. Cependant, il trouve grâce et cohésion, ce qui en fait aussi un grand film new-yorkais. (Le monologue fulgurant de Monty rappelle même les longues tirades directement devant la caméra de l'autre chef-d'œuvre de Lee sur cette liste.) Malgré toute la crudité intime de leur haine, de telles scènes créent en fait un sentiment général de communauté, nous rappelant que les New-Yorkais sont connectés et unifiés par leur rage et leur frustration. (Regarder ces scènes dans un théâtre du centre-ville en 2002 était une véritable expérience de lévitation.) Comme pour souligner ce point précis, Lee ramène des images des personnes contre lesquelles Monty était en colère à la toute fin, souriant chaleureusement à son visage ensanglanté – et directement dans la caméra, vers nous – alors qu’il passe devant eux en route vers la prison. Il s’agit d’un moment de solidarité profondément émouvant qui, à un certain niveau, va au-delà du simple statut de victime pour reconnaître que peut-être les attentats du 11 septembre nous ont rappelé que nous avons tous été brisés à notre manière. À un autre niveau, cela établit que l'histoire de Monty n'est qu'une parmi tant d'autres histoires dans la ville nue, juste une autre vie vécue parmi la foule éternelle.

(Allez au premier film de Spike Lee sur cette liste.)