Les 101 meilleurs films de New York, classés

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Un smash commercial qui a balayé les Oscars de cette année, l'adaptation cinématographique de Robert Wise de la fable de la tolérance racialeWest Side StorySe sent daté à certains égards (la représentation sérieuse mais stéréotypée des personnages portoricains à face brun) et avec une tâche moderne dans les autres, prête entre le fantasme de backlot hollywoodien ettir sur placeimmédiateté. L'ouverturevues aériennesde l'Upper West Side de Manhattan, par exemple, à commémorer le temps avant qu'une grande partie de la région, alors connue sous le nom de San Juan Hill, soit au bulldozer au nom de la rénovation urbaine. Mais sage vaut pour l'expressionnisme technicolor et les ensembles délibérément théâtraux chaque fois qu'il se concentre sur leRoméo et Juliette–Les histoires d'amour de style entre le membre polonais américain de Gang, Tony (Richard Beymer) et son véritable amour de Porto Rico - Maria (Natalie Wood). La musique de Leonard Bernstein et les paroles de Stephen Sondheim sont l'air que l'histoire respire et que les danseurs marchent. Ce film est un rêve de New York, si beau que même la tragédie ne peut pas briser le sort. -Matt Zoller Seitz

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Non, non, vous avez bien lu. Le plus oublié, soi-disant moindreFantômesLa suite se trouve être un grand film de New York. Ce n'est peut-être pas aussi zippy ou aussi inventif que l'original, mais le suivi de 1989 d'Ivan Reitman a l'une des vannes fantastiques cinématographiques les plus parfaites et les plus polyvalentes de tous les temps: toute l'énergie négative de New York s'infiltre dans les égouts et la création d'une rivière de lancement paranormal qui menace maintenant de consommer les habitants. Les bancs de parc prennent vie. Les manteaux de fourrure attaquent leurs propriétaires. Le fantôme de Fiorello la Guardia hante le maire actuel. Et afin de générer suffisamment de bonne volonté pour vaincre le suintement, les Ghostbusters doivent donner vie à la statue de la liberté le soir du Nouvel An et le faire entrer dans la bataille tout en jouant «(votre amour me soulève) de plus en plus.» Tout est si conceptuellement dérangé queGhostbusters IIpourrait aussi bien être un film souterrain. (Honnêtement, tous les terribles effets spéciaux ajoutent probablement à cet effet.) -Cale

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Avec la venue des talkies à la fin des années 1920, les affaires bien établies du tournage dans les rues de New York - voirRapide,au n ° 72 sur cette liste - presque disparu. Les microphones étaient trop gênants et le bruit ambiant trop grand. En 1947, cependant, le producteur Mark Hellinger et le réalisateur Jules Dassin ont exigé que leur procédure de police hautement explicative, d'abord, avait l'intention d'être intituléeHomicide,être abattu sur place.La ville nueest profondément réaliste à la fois dans la conception et l'exécution: Hellinger avait été un chroniqueur de journaux de New York bien-aimé et un homme sur la ville avant d'aller à Hollywood, et le titre et le look du film sont tirés des photographies d'actualités d'Arthur Fellig, alias Weegee. Les accents d'immigrants sont également tous les nôtres du furon transplanté du détective de la police ironique (Barry Fitzgerald) à la syntaxe yiddish du propriétaire de la fontaine de soda (Molly Picon). Une petite sous-intrigue - jeune flic se disputant doucement avec sa femme pour savoir si la fessée de leur enfant est barbare - se sent inattendue. Tout a culminé dans une séquence de poursuite élaborée à pied, au sommet de la chaussée et dans les tours du pont de Williamsburg. Pognant, c'était la dernière chose que Hellinger a faite dans sa courte carrière: il est décédé à 44 ans, de maladie cardiaque, quelques jours après avoir vu la coupe finale. Les paroles de clôture de sa narration persistent dans la culture pop: «Il y a 8 millions d'histoires dans la ville nue. Cela a été l'un d'eux.» -Christopher Bonanos

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De nombreux films ont présenté New York City comme un pur carburant cauchemardesque, mais peu l'ont fait avec autant de radiation queÉchelle de Jacob, une pièce d'époque sur un vétéran du Vietnam (Tim Robbins) qui commence à avoir des visions de démons et de merveilles s'il est victime d'un agent chimique de type orange, s'il souffre d'une maladie mentale de la variété de jardin, ou si les portes de l'enfer se sont réellement ouvertes. Écrit par Bruce Joel Rubin, qui a fait une sorte de «magie légère» à prendre ce matériel dans le Smash en 1990Fantôme, le film permet à un public de deviner constamment ce qui se produit exactement, tout en servant une hallucination / vision teintée surnaturelle dérangeante après l'autre, y compris une queue de démon émergeant du corps d'un danseur lors d'une fête et de Francis Bacon à l'esquent à la fête de Francis Bacon. L'accent mis sur l'architecture d'arrondissement principalement squat et indéfinissable maintient l'histoire près du sol, où elle peut avoir un accès plus facile à l'enfer. New York devient le labyrinthe de la psyché torturée du héros. -MZ

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Neil Simon - probablement le dramaturge le plus réussi à réussir à la terre - est tombé hors de style, radié comme le MiddleBrow du milieu du siècle par excellence. Mais ses meilleures comédies des années 60 et 70, écrites pour la scène puis adaptées pour l'écran -Barefoot dans le parc, prisonnier de Second Avenue, Plaza Suite,et surtoutLes garçons du soleil- sont beaucoup plus artisanaux que vous ne vous en souvenez, les configurations qui se balancent avec la précision d'une roue d'équilibre de benrus et jouent avec le langage de manière animée. Le roi parmi eux resteLe couple étrange.Est-ce la prémisse la plus à l'épreuve des balles de tous les temps? Névrotique soigné, nouvellement séparé, emménage avec un ami sportif slobby, également divorcé; L'hilarité et les plaques jetées résultent. Les blagues («Je ne supporte pas de petites notes sur mon oreiller.» Nous sommes tous sortis de Cornflakes. Fu «m'a pris trois heures pour comprendre que Fu était Felix Ungar») toujours,toujoursatterrir. Et quand il a été mis à l'écran en 1965, avec Jack Lemmon en tant que Felix et Walter Matthau (à son meilleur exaspéré) en tant qu'Oscar, il a fait monter la sitcom par laquelle il se souvient le mieux. C'est, lorsque vous y arrivez, un film sur l'incapacité de trouver un appartement décent à la hâte - qui, juste là, cimente sa place sur n'importe quelle liste de films de New York. -Cb

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La chose la plus importante qu'Oliver StoneWall StreetDid a donné naissance à Gordon Gekko, le manipulateur de l'argent Michael Douglas qui a juré, lors d'un discours, que «la cupidité est bonne». Dans une décennie d'excès,Wall Streetaurait dû servir de récit édifiant, et que le monologue Gekko aurait dû être un exemple ironique de la façon de ne pas voir le capitalisme. Au lieu de cela, ce portrait d'un courtier en valeurs mobilières (Charlie Sheen) qui plonge dans le délit d'initié, se rendant et Gekko Rich, a créé une image de travail dans le quartier financier qui est devenu quelque chose à aspirer au lieu d'éviter. La cupidité est bonne et elle ne comprend apparemment pas l'ironie. En conséquence, ce film a, pour beaucoup, défini ce à quoi il ressemble de travailler parmi les Besuited dans le Lower Manhattan depuis sa sortie de la fin des années 80. -Jen Chaney

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La première fonctionnalité de Joan Micklin Silver est une photo épique sur un morceau de bouffée - un morceau d'époque en noir et blanc ultralo-budget sur les immigrants juifs du début du siècle à New York - et parfois il est aussi vaste et puissant queLa partie ii du parrain. Carol Kane (une candidate surprise des Oscars cette année-là) est une révélation en tant qu'épouse très traditionnelle qui quitte le vieux pays avec son enfant pour être avec son mari. Mais il est venu en Amérique devant eux et a déjà pris une maîtresse. Le film cloue à la fois son empressement à s'assimiler - sa fascination pour la nouveauté et l'indépendance de la vie en Amérique - et sa tristesse, sa confusion et sa terreur de se retrouver apparemment seule dans ce nouveau monde étrange. La direction de Silver combine une sensibilité mélodramatique et silencieuse avec une austérité du film indépendant qui rend difficile de déterminer la période à laquelle appartient l'image. En conséquence, c'est presque littéralement intemporel. -ÊTRE

(Sautez au deuxième film de Joan Micklin Silver sur cette liste.)

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Ce film d'horreur de footage trouvé réalisé par Matt Reeves, écrit parPerdul'alun a dessiné Goddard et produit parPerduLe co-créateur et ami de longue date de Reeves, JJ Abrams, est à la fois démodé, de son moment et de la pensée avant. En arrivant dans les théâtres un peu plus de six ans après le 11 septembre, ses représentations de chaos soudain sur cette île - des gens qui courent dans les rues, des passants couverts de cendres, de pannes de panus et d'information sans arrêt - évoquent une sorte de traumatisme que beaucoup traitaient encore. Alors tu regardesLittoralMaintenant et il est remarquable à quel point il ressemble à des clips sur YouTube, Twitter ou Tiktok qui font souvent surface dans la couverture des nouvelles nationales lorsqu'une catastrophe ou une manifestation est couverte. Ce que les critiques ont trouvé vertigineux, désorientant et peut-être même désagréable il y a plus d'une décennie, avant que l'iPhone n'ait des capacités vidéo et que les médias sociaux occupaient l'espace culturel qu'il possède maintenant, ressemble à quelque chose que nous voyons tout le temps.Littoralétait un retour en arrière et un avertissement et un portrait de la panique de Manhattan qui, malheureusement, est trop facile à imaginer éclater à tout moment. -JC

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New York est composée d'un million d'univers miniatures avec leurs propres habitués, règles et rythmes, et aucun film ne rend aussi clair que le thriller sauté des frères Safdie se targeant sur une opale noire et un parlay à six voies. Le concessionnaire de pierres précieuses Howard Ratner (Adam Sandler) n'est pas seulement un avatar du chaos toxicomane vers la richesse ou la catastrophe - il sert de guide à travers les Warrens of the Diamond District dans toute sa gloire autonome et à bloc unique, un moyen de comprendre son thrum quotidien. Howard, avec ses multiples projets menaçant toujours de s'effondrer sur eux-mêmes à tout moment, est un arnaqueur par excellence, mais il est aussi un moyen de comprendre une vérité sous-estimée de la ville, qui est que les luxueux et les minables ne coexistent pas mais le plus souvent, ne se chevauchent pas, ni ne ce qui ne suscite ni l'autre. -Aw

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Miracle of Miracles: un film sur le punk qui lui-même est à la hauteur de l'esthétique punk! Amos Poe et Ivan Kral en 1976 sur la scène musicale du centre-ville - tourné dans des endroits comme CBGB, The Bottom Line, et Max's Kansas City - présente certains des actes de signature de l'époque, comme les Ramones, Blondie, Talking Heads, Patti Smith et la télévision, en noir et blanc Blondie, 16 mm bruts. Des images, accompagnées d'enregistrements gratteaux qui ne correspondent en rien à ce qui est chanté. Le résultat est un concertdocumentaireComme aucun autre - désorientant encore électrisant - et un film qui incarne la grandeur douloureuse et agitée à la fois de la métropole chaotique à partir de laquelle il est émergé et de la chanson de Richard Hell, après quoi elle est nommée. -ÊTRE

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Le film de Charles Lane en 1989 n'est pas tourné dans le passé, mais il est conçu pour l'évoquer, prenant le format d'un silence des années 1920 sans son diégétique jusqu'à la fin. Plus précisément, il suit le format de Charlie ChaplinLe gamin,avec lequel il est en conversation constante. Comme The Tramp dans ce film de 1921, Lane, The Star and Writer and Director, joue un personnage qui n'a pas un nom autant qu'il a une désignation: l'artiste. Et comme le clochard, l'artiste se retrouve à s'occuper d'un enfant abandonné (joué par la propre fille de Lane, Nicole Alysia), bien que dans son cas, il ne devient un père de substitution qu'après que le tout-petit est biologique du tout-petit dans une ruelle du centre-ville. C'est le charme audacieux du film de Lane - il utilise son mode nostalgique pour donner un charme de fablesque à une histoire sur la pauvreté et la violence avec laquelle la ville était aux prises avec les prises à l'époque. Il place également son héros noir dans une tradition cinématographique qui ne comprenait presque pas de visages noirs, puis exige que le public considère que, dans un contexte réel, il est l'un des nombreux artistes de rue et buskers qui seraient passés par invisible. -Aw

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Charlie AhearnStyle sauvageétait le premier film hip-hop, mais à peine - des productions plus grandes commeEffraction'etBattre la rueétaient déjà en cours lorsque cet effort indépendant non budgétaire est sorti en 1983, sorti et commercialisé via des méthodes de base. Mais son authenticité et sa chaleur ont permisStyle sauvagepour endurer. C'est l'histoire d'un artiste de graffitis suprêmement talentueux, Ray (joué par la légende de graffiti réelle Lee Quinones), qui est embauché pour faire une énorme murale pour un grand spectacle de rap à venir par un hotshot underground local (joué par Fab 5 Freddie, qui co-produit et co-invoque le film ". Le film est rempli de scènes impliquant des rappeurs, des artistes et des équipes de breakdance. C'est, en fait, une comédie musicale, mais il ne faudrait pas beaucoup de montage pour en faire un documentaire. Et c'est un film sur le monde de l'art, mais pas ce monde de l'art: nos héros écrivent sur les trains du métro dans les chantiers la nuit; Le matin, ils regardent ces trains se dérouler dans la ville, des toiles itinérantes de leur travail aller à tous les coins de New York. Mais ce qui distingueStyle sauvageEst-ce que même s'il représente le monde rugueux de la classe ouvrière du Bronx avec honnêteté, il n'essaie pas de nous vendre un récit de la transcendance, et il n'essaie pas de fétiller la violence ou la pauvreté ou le désespoir spirituel. Ses personnages veulent rendre leurs quartiers négligés beaux en les remplissant de couleur, de musique et de mouvement, mais ils ne veulent pas échapper à cet endroit. C'est à la maison. -ÊTRE

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Célèbre, aucun homme n'apparaît à l'écran dans la comédie mordante de George Cukor, bien qu'ils soient constamment parlés et s'inquiétaient et rivalisent par les personnages que nous voyons, moins pour leurs qualités en tant que maris que comme des sources de revenus, de stabilité et d'élévation de classe. En tant que portrait de riches conjoints de la Société de Manhattan (et de quelques prétendants financiers à leurs trônes) qui se déchaînent dans les salons, les salons et les salons des couleurs,Les femmespourrait être considéré comme un prédécesseur chic et délicieusement faitReal Housewives of New York. Mais c'est aussi un regard infiniment convaincant sur les échelons de l'Upper East Side comme une sorte de cour de prison en peluche dont les personnages ne semblent pas s'échapper. Cette société homosociale de jour qu'ils traversent se sent si terriblement claustrophobe que lorsque la Mary au cœur brisé Haine, jouée par Norma Shearer, se dirige vers Reno pour obtenir un divorce rapide, elle rencontre plusieurs femmes qu'elle connaît. -Aw

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Beaucoup de New-Yorkais pincent pour l'aventure du «vieux» Times Square, mais peu partagent ce sentiment sur le Bowery. Le Downtown Avenue, un sentier Lenape avant la colonisation européenne, a ensuite connecté diverses terres agricoles et a tiré son nom d'un vieux mot néerlandais pour la ferme. Sa notoriété pour les ivrognes et les catégories a commencé pendant la guerre civile, puis l'érection du train surélevé de la troisième avenue l'a rendu littéralement plus sombre. La documentation du milieu des années 50 de Lionel Rogosin fonctionne dans l'esprit de Robert Flaherty, tournant de vrais sujets dans de vrais scénarios, mais pas tout à fait ce que nous appellerions un documentaire aujourd'hui. Ray est un sudiste au milieu des années 30 à la recherche de travail et à essayer de rester loin de la bouteille, et Gorman est le vieux Souse qui se sent coupable d'avoir profité de lui quand il est trop blitzé pour le remarquer. Les jours sont longs et les nuits sont plus longues, car ces hommes désespérés boivent du muscatel et de Rhinegold à 15 cents le verre. L'intrigue, telle qu'elle est, n'existe guère, comme avec l'histoire décousue de n'importe quel bar Drunk. C'est un document fascinant et une fenêtre fascinante sur le passé d'un autre quartier gentrifié. -Jh

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Controversial à la fois pour la guerre stylisée qu'il décrivait à l'écran et les affrontements qui ont éclaté entre les jeunes cinéphiles éprouvés dans le public,Les guerriersFINDS Le directeur de l'action ACE Walter Hill (48 heures.) Envisageant le voyage nocturne d'un gang à la maison à Coney Island en tant que voyage homérique entrecoupé des explosions de violence ballétique. L'histoire commence par un sommet dans le parc Van Cortlandt au cours de laquelle une trêve est explorée, dans le but d'autoriser les gangs, qui sont plus nombreux que les flics trois à un, de gouverner la ville (un reflet parfait de la paranoïa des années 70 sur les gangs de rue et la rupture de la loi et de l'ordre dans les grandes villes). Mais le leader qui propose l'arrangement de partage du pouvoir est rapidement assassiné et sa mort blâmée aux Warriors, qui passent le reste de la nuit à essayer de rentrer à la maison en une seule pièce. Une relique d'une époque où la ville n'était pas couverte de mur à mur par vidéosurveillance, le film de Hill transforme les canyons en béton de New York en l'équivalent urbain d'une forêt hantée dans un conte de fées: un endroit où les manifestations jungiennes des anxiétés des personnages se précipitent de l'obscurité, les crocs ont été mis en œuvre. -MZ

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L'instantané documentaire obsédant de Brett Story de la ville au cours du mois d'août 2017 pourrait très bien s'avérer être une capsule temporelle d'un point de basculement, un moment de nivellement juste avant que les choses ne commencent sérieusement à descendre. Ce n'est pas seulement un film sur le changement climatique, bien que le changement climatique jette une ombre sur de nombreuses interviews qui dévient les attentes que Story fait avec les New-Yorkais dans tous les arrondissements, se prélasse sur les plages et travaillant dans des centres d'appels et qui se présentent à leur vie de travail et de loisirs. Non, quoiLe plus chaud aoûtCela parvient si habilement à évoquer ce sentiment plus grand et plus vague de malheur imminent qui peut avoir l'impression de presser toutes nos vies ces jours-ci, un sentiment karmique de factures venant en raison de qui a toujours fait partie de la vie dans la ville - tout en notant que tout le monde n'a pas le luxe ou l'espace mental pour envisager constamment une dystopie imminente. -Aw

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«Elle a le meilleur timing depuis Mae West et est plus amusante à surveiller que quiconque depuis le jeune Katharine Hepburn.» C'est ce que la critique de cinéma Roger Ebert a écrit sur Barbra Streisand en 1968, quand elle a fait ses débuts au cinémaFille drôle(dans lequel elle avait joué sur Broadway) comme le jeune Fanny Brice après des années de succès en tant qu'artiste de scène et artiste d'enregistrement. Directed by Hollywood veteran William Wyler in one of his final assignments, and unfortunately indicative of a period when musicals were becoming bloated, visually dull, and glacially paced, the movie is most notable as a record of the moment when Streisand became an international superstar, beloved and acclaimed enough to tie the great Hepburn herself (then starring inLe lion en hiver) pour la meilleure actrice aux Oscars. ("Bonjour, magnifique", a-t-elle dit, rayonnant à la statuette.) Streisand est elle-même une légende de New York, et ses trois films en tant que réalisateur (Yentl,Le prince des marées,Le miroir a deux visages)sont toutes enracinées dans l'expérience physique, culturelle et émotionnelle de New York qu'elle a canalisée en tant qu'actrice et chanteuse. En tant que Brice, son mélange de fragilité, de vulnérabilité, de cueillette et de sentiment intense la transforme en quelque chose qui s'apparente à l'esprit de la ville elle-même: une force juive du côté est, de la classe ouvrière de la nature, antérieurs aux normes précédentes pour la beauté et le glamour et les remplacer par sa propre fabuleuse innée. -MZ

(Sautez au deuxième film de William Wyler sur cette liste.)

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EstFièvre du samedi soir, basé sur leNew YorkL'histoire du magazine «Tribal Rites of the New Saturday Night», importante à cause du contenu du film réel, ou à cause de ce que le film est venu représenter? Comme avecWall Street, il est difficile de démêler les deux. L'histoire de Tony Manero (John Travolta dans la performance qui a fait de lui une star de cinéma), un gars de Brooklyn qui travaille dans une quincaillerie pendant la journée et frappe les discothèques la nuit, établit le fantasme qui frappe les planchers de danse lumineux à Manhattan est l'expérience ultime de la vie nocturne. Ce film a complètement poussé le mouvement disco dans le courant dominant, a produit une bande sonore qui est devenue pratiquement la bande sonore nationale à la fin des années 1970, et a fait marteler le trottoir à Brooklyn, comme Travolta dans la célèbre séquence d'ouverture du film, dans une jambe sexy emblématique. Tony, comme beaucoup dans les entailles extérieures, a peut-être à peine survécu, maisFièvre du samedi soirRendu séduisant de rester en vie. -JC

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Forever Notable comme la première et unique fonctionnalité cotée X pour remporter un Oscar comme meilleur film, cette adaptation du roman de James Leo Herlihy gagne sa réputation de classique non pas par ses rencontres sexuelles, qui sont dame et arty même d'ici les années 1960 Street Street Hustler dans Frain Health. Tourné sur place à New York, souvent sans permis et avec des citoyens réguliers qui servent sans le savoir comme des extras (le moment «Je marche ici!» Où Ratso et Buck se sont presque terminés par un taxi étaient un improvisation), le réalisateur John Schlesinger embrasse l'obsession de New Hollywood alors que l'immatriculation du documentaire immédiate et se lance. Le produit final est un portrait rare de ce que ça fait desurvivre à New YorkLorsque vous congelez votre cul et que vous n'avez pas deux nickels à frotter ensemble. L'une des scènes les plus puissantes est un moment jetable: Joe, momentanément éloigné de Ratso, le repère à travers le verre dans un café, et ils sont à la fois si seuls et brutalisés par la ville qu'ils se sourit en relief, oubliant ce dont ils étaient fous pendant deux secondes. -MZ

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Si Beale Street pouvait parlerProuver les plaisirs de tourner notre regard vers la vie intérieure des Noirs dans les années 1970, Harlem est sans fin. Jenkins et ses collaborateurs (compositeur Nicholas Brilla, directeur de la photographie James Laxton, l'acteur meurtrier Stephan James et un puissant roi Regina) jette le grain, la beauté et les textures du roman de James Baldwin dans une lueur ambrée, faisant un tour dans un romanticisme mélancolique qui reflète l'attraction de la ville elle-même. -Angelica Jade Bastien

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AvantAvant le lever du soleiléminentL'horloge. Robert Walker joue un soldat de yokel avec 48 heures à tuer à New York avant de se livrer au théâtre européen. (Le film est sorti deux semaines après le jour du VE, mais qui peut prédire ces choses?) Décroché par les gratte-ciel de la ville, il s'arrête à Penn Station, rencontrant Judy Garland après avoir déclenché par inadvertance. Une course folle pour réparer son talon avant qu'un cordonnier ne quitte des travaux établissent le thème récurrent: l'horloge tourne toujours. La paire schmooze sur un bus à double étage de la cinquième avenue, à Central Park, et au Metropolitan Museum of Art. (All of this re-created, at great expense, by Vincente Minnelli on the MGM lot.) A date to meet “under the clock” of the Astor Hotel — where today one finds a '70s-style slab-of-concrete home to the Minskoff Theatre and MTV's window-facing studios whereDemande totale en directLe trafic grondant pendant une décennie - conduit à un jeu de nuit avec un lait labace et Keenan Wynn. Si cela n'inspire pas une course de dernière minute pour un certificat de mariage, que le fera? Aussi: Si vous souhaitez voir un film similaire, mais avec trois militaires et encore plus de chansons de Leonard Bernstein, continuez à lire. -Jh

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L'ancien journaliste et réalisateur indépendant pionnier, Samuel Fuller, a mis son cœur et son âme dans cette période noire fiévreuse - du nom de la rue du centre-ville où les affaires de journalisme de New York étaient basées - sur un journaliste irascible qui commence un autre papier à boue après avoir été licencié du grand quotidien de la ville. Parmi les nombreuses campagnes, le nouveau journal se consacre: collecter des fonds pour un piédestal pour la toute nouvelle Statue de la Liberté! Rempli de hochements de tête aux icônes de l'histoire du journalisme, notamment Benjamin Franklin, John Philip Zenger et Horace Greeley, le film est une lettre d'amour aux journaux (il s'ouvre avec un appel de rouleau des journaux de la nation) ainsi qu'un drame terriblement animé sur la moralité, l'ambition et l'action collective. Les conflits dans le film entre l'accès et l'intégrité, entre la provocation et l'honnêteté, sont ceux avec lesquels nous avons toujours affaire à ce jour. -ÊTRE

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La première vague de films dits de capuche de 1991, Mario Van PeeblesNew Jack CityL'influence de la culture pop ne peut pas être sous-estimée. Cela ne nous a pas simplement donné le mème Wesley Snipes en pleurant; Il nous a donné de la glace-T en tant que flic-who-tores et popularisé le chapeau Kangol avec la culture plus large. Situé à l'aube de l'ère du crack des années 80, Snipes et ses cash Brothers créent une forteresse de drogue dans le tribunal de Graham de Harlem (les anciens résidents ont inclus Zora Neale Hurston et Hugh Masekela;Le prix de location moyen actuel est de 3 094 $). ICE-T, Van Peebles et Judd Nelson unissent leurs forces pour éliminer le pivot tuant la communauté. Ils enruisent Chris Rock comme un ex-abuser en difficulté dans un rôle de corps à corps qui a prouvé le naissantSnlLa star avait une portée énorme. La bande originale a été une sensation, avec «New Jack Hustler» de Ice-T, ainsi que le Medley «For the Love of Money / Living for the City» de Queen Latifah, Troop et Levert comme faits saillants. Une fusillade majeure à Grant's Tomb (suivant une performance Keith Sweat) est l'un des nombreux moments formidables de location de villes, et la scène d'ouverture se classe avecManhattanetAraignéePour la meilleure apparition du pont Queensboro. -Jh

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Ce qui atterrit le drame perspicace de Wyler, avec Olivia de Havilland et Montgomery Clift dans certains des tournures les plus mémorables de leurs carrières dynamiques, sur cette liste est son portrait émotionnellement chargé des riches, explorant la façon dont les idées de pouvoir, de genre et de besoin personnel (et d'aujourd'hui).L'héritièreLa meilleure scène est sans aucun doute sa fin triomphale, mais chaque moment précédent, la figure gentille et célèbre Catherine Sloper (de Havilland) doit dépenser avec son riche père (Ralph Richardson) qui la dénigrie et un amoureux potentiel qui a des vues sur son argent (Clift) est en train de se terminer. Créer votre propre destin, même avec de l'argent dans une ville concentré avec lui, est sacrément impossible jusqu'à ce que vous arrêtez le contrôle de la gueule patriarcale. -Ajb

(Sautez au premier film de William Wyler sur cette liste.)

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Avec le plafond à deux films par directrice, nous savons quel titre de Sidney Lumetse classe plus haut sur la liste, mais cela laisse de nombreux choix différents pour le n ° 2.Prince de la villepeut ne pas être aussi célèbre queSerpent,Le prêteur sur gages,Le Wiz, ouRéseau,Mais c'est un film qui mérite un deuxième regard. (C'est àSerpentcommeCasinoest àGoodfellas.) Traitez les stars de Williams comme un agent de la DEA sur une équipe tordue, roulée par la culpabilité. Il accepte une enquête des Affaires internes, mais sur une condition: il ne ratra pas ses partenaires. La majeure partie de cette image de 167 minutes est la réalisation au ralenti qu'il va devoir faire exactement cela. Le film est basé sur le best-seller non fictionnel de l'ancien adjoint du sous-commissaire Robert Daley, et les images de capsule temporelle hardcore de New York éclatent de chaque cadre. Les salles d'audience sont brunes, les rues sont bleues et tout le monde a l'air misérable. Pré-Droit et ordonnanceJerry Orbach en tant que détective Gus Levy devrait être suffisant, mais ailleurs dans la distribution, vous trouverez Bob Balaban, James Tolkan et Cynthia Nixon. -Jh

(Sautez au deuxième film de Sidney Lumet sur cette liste.)

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Terry Gilliam's delirious rom-com-fantasy-adventure-satire-drama (yes, it is all of those things, and more) starts off at the top of New York City — in the hermetically sealed world of rich jerk shock-jock Jeff Bridges — makes its way down, then goes even lower: He falls from grace, becomes an alcoholic video-store manager, and then, in a moment of suicidal weakness at the foot of the Brooklyn Bridge, est sauvé par des sans-abri, le chevalier bouclé Robin Williams, qui lui présente les vraiment opprimés de la ville. En plus d'être un regard émotionnellement ruineux sur le système de classe féodal brutal et carrément de la ville, et les barrières sociales invisibles entre le puissant et le dépossédé, il a plusieurs des plus grands décors de cinéma de New York, y compris le spectacle de Grand Central transformant soudainement une salle de bal - un brève et un peu de manèges éphémères pour se connecter et se connecter. -ÊTRE

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Une influence sur les drames prolétaires ultérieurs de la côte est allant deJoeetTout dans la familleà traversLes sopranos,Martyest le premier de nombreuses adaptations cinématographiques des drames télévisés en direct des années 1950 qui sont devenus plus acclamés et emblématiques que sa source. Les deux versions ont été écrites par Paddy Chayefsky (Réseau) et réalisé par Delbert Mann (Amant revient, cette touche de vison)); Il raconte un boucher du Bronx timide nommé Marty (Ernest Borgnine, en remplacement de Rod Steiger, star de la version télévisée) qui vit une existence modeste et répétitive avec sa mère, puis trouve un sens et un but grâce à son amour pour un professeur de sciences du secondaire nommé Clara (Betsy Blair, remplaçant Nancy Marchand, qui a créé le rôle; Des extérieurs ont été abattus sur place dans le Bronx et présentent des lignes de trains surélevés du milieu du siècle. Ce fut également un succès majeur pour sa société de production, Hecht-Hil-Lancaster, co-fondé par l'ancien résident d'East Harlem, Burt Lancaster; L'entreprise produirait de nombreux drames de tir classiques, notammentLa douce odeur du succès. -MZ

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Jusqu'aux années 1920, lorsqu'il s'est progressivement glissé en Californie, le cinéma était centré à New York, et Harold Lloyd - le troisième de la grande troïka de comédiens silencieux, avec Charlie Chaplin et Buster Keaton - faitsa dernière fonctionnalité silencieuseSurtout dans nos rues. Son personnage, Harold «Speedy» Swift, occupe plusieurs emplois au cours du film (et une partie de l'humour vient de ses tentatives de s'accrocher à eux), mais dans les séquences centrales, il est d'abord un chauffeur de taxi de New York, puis un conducteur de tramway face à un Tycoon néfaste qui veut prendre le contrôle de la ligne de transit. Ceci étant une comédie silencieuse slapstick, ces configurations occasionnent tout un tas de poursuites en voiture, et même maintenant, il est encore un peu plein de plaisir de voir ces premières automobiles branlantes se frayant un chemin à travers la circulation, entre autres, East 34th Street. (Certaines scènes semblent avoir été assemblées en utilisant des techniques de projection en arrière, mais plusieurs ont été évidemment filmées, tracastiquement filmées en temps réel dans de vraies rues dans un trafic réel. Il conduit le bébé au Yankee Stadium à une vitesse défiant la mort, discutant avec enthousiasme avec son célèbre passager sur son épaule partout, s'écrasant presque à chaque tournant. Vous pourriez peut-être proposer un ensemble de circonstances plus New York que des chauffeurs de taxi imprudents, des pratiques commerciales néfastes et une mégastard sportive, mais j'en doute. -Cb

Lire surRapideLa grande scène de chasse➼

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En 1986, le film de Susan Seidelman a été très excité en tant que premier premier long métrage d'une Madonna, et cela fait à la fois un grand véhicule étoile et un regard fascinant sur plusieurs sous-cultures de la région de New York. Rosanna Arquette est l'image même de la fabuleuse submergée en tant que femme au foyer en jersey qui est fascinée par une femme nommée Susan qui est un habitué dans les pages Personals d'un journal local. Madonna est Susan, une arnaqueur du centre-ville décousue qui s'est impliquée dans un vague scandale impliquant la foule de l'Atlantique City (une intrigue sous-intriquée avec une telle indifférence que le film devient pratiquement une polémique sur les priorités narratives). Un cas soudain d'amnésie plus tard, Arquette voyage dans un pays des merveilles post-punk du bas de l'East et romancier le projectionniste de la rue Bleecker Hunky Aidan Quinn, tandis que Madonna se détend dans un cocon foofy de splendeur de banlieue bourgeoise. En dépit de son temps, le film semble avoir été réalisé en œil vers la nostalgie ultérieure: le regarder, vous pouvez vous perdre dans son milieu énergique, coloré et imprévisible, même si le monde en cours de présentation est une variation très idéalisée sur elle-même - la façon dont il aimerait être rappelé, plutôt que la façon dont elle était probablement.-ÊTRE

(Sautez au deuxième film de Susan Seidelman sur cette liste.)

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Woodstock a longtemps été considéré comme l'événement musical de l'été 1969. Mais ce documentaire dynamique soutient que l'histoire n'avait peut-être pas tous les faits. En utilisant des images du Harlem Cultural Festival qui étaient cachées depuis des décennies, Ahmir «Questlove» Thompson,faire ses débuts au cinéma, nous montre les nombreux artistes noirs qui ont amené la communauté de Harlem à ce qui s'appelait alors le mont Morris Park - Stevie Wonder, Nina Simone, Sly et la Family Stone, Mahalia Jackson, et plus encore. Si Questlove avait décidé de reconstituer les points forts de leurs performances, cela aurait toujours été un film extraordinaire. Mais il va plus loin, non seulement documentant le moment et ce que cela signifiait pour un quartier marginalisé de New York, mais reconstiquant les événements nationaux clés. Cela inclut l'atterrissage de la lune, qui est souvent salué comme un moment optimiste galvanisant pour tout le pays. Mais certaines personnes du Harlem Cultural Festival l'ont vu différemment. "Peu importe la lune", a déclaré un participant à un journaliste de CBS News. "Allons-y un peu de cet argent à Harlem." Il est également en train de raccder la révérence singulière de Woodstock, le célèbre Hippiest tenait à 100 miles de la ville qui a longtemps été considéré comme le moment déterminant non seulement l'été de 69 mais une génération. La chose est que les générations ne sont pas des monolithes. Environ 300 000 personnes se sont présentées à Harlem pour voir certains des grands des genres Rock, Gospel, R&B, The Blues et Afro-Latino font leur truc.Été de l'âmeAssurez-vous que nous nous en souvenons et que nous entendons ce qu'ils ont entendu lors des jours chauds et spéciaux qui méritent d'être préservés.—JC

Lisez Ahmir «Questlove» Thompson surMO 'Better Blues➼

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Un référentiel de craintes des années 1970 de décomposition urbaine, de violence aléatoire, de meurtre de masse, d'OVNIS, de complots gouvernementaux et de machinations cultes, ce thriller de Schlock Maestro Larry Cohen (C'est vivant!, Q) commence par un tireur d'élite tuant 15 piétons aléatoires avec un fusil de son perchoir à Times Square et devient plus étrange à partir de là. Tony Lo Bianco incarne le détective Peter Nicholas, qui ne parvient pas à parler du tireur d'élite ("Dieu m'a dit", dit l'homme avant de sauter à sa mort). Il soupçonne un lien entre cette tragédie et les meurtres de masse aléatoires qui suivent (y compris deux autres tirs de masse et un coup de couteau en masse) et finit par découvrir un mystère qui ressemble à une fusion impie deRencontres étroites du troisième type,Bébé du romarin,La fureuret la moitié des thrillers de complot libérés dans les années 70. New York est présentée comme une Mecque pour Madness, un lien de chaque impulsion chaotique et sinistre obsédée par les Américains à l'époque. -MZ

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On se souvient surtout de la grande chanson du titre Bobby Womack. (Vous pouvez entendre sa réenregistrement ultérieure sur les crédits de Quentin TarantinoJackie Brown.) Mais si tu veux un dur - et je veux diredur-Regardez les années 1970 à New York, cela faitLa connexion françaiseressemblerBambi. Trois hommes se révèlent avec une énorme somme d'argent d'une opération de bookmaking Harlem, tuant cinq gangsters (dont deux sont des mafiosi) et deux flics. Le reste du film est une paire de choueurs: la police essaie de trouver les voleurs avant la vengeance exacte des gangsters. Les gangsters noirs et les italiens sont en ligue mais aussi en conflit, et il en va de même pour les flics noirs et italiens au centre du film, tout en reflétant un changement démographique que New York dans son ensemble en cours. Le capitaine de la police Mattelli (Anthony Quinn) est un opérateur vétéran, sur la prise des courtiers de puissance locaux et hors pas avec le Times, et il est mis au défi par le jeune lieutenant noir (Yaphet Kotto), qui essaie de faire les choses, refusant les pots-de-vin et yanking Mattelli en se retournant lorsqu'il traque une confession à partir d'un jeune damins. Les chiffres de l'autorité blanc, à la fois la police et les patrons du crime, sont ouvertement racistes. (Si vous avez du mal à gérer une utilisation intensive du mot n, ce n'est peut-être pas le film pour vous.) Mis à part le personnage de Kotto, pratiquement tout le monde avec n'importe quel pouvoir est une très mauvaise nouvelle. Tous ces va-et-vient complexe se déroulent peut-être dans l'ensemble le plus grossier de photos de l'emplacement de la ville que vous verrez jamais: des immeubles battus et en sueur, des terrains vacants remplis de déchets, une vieille maison de quartier sale, la plupart ont tiré sombre et grossier. La seule chose qui saute occasionnellement la gravité visuelle est les revers et les chapeaux exubérants, tout droit sorti du catalogue Flagg Bros. -Cb

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Le caractère principal deAlice WuLe monument chinois américain sous-chinois, un chirurgien joué par Michelle Krusiec, est fermé lorsqu'elle rentre à la maison pour rincer et provisoirement, sinon confortablement, dans la vie qu'elle a faite pour elle-même à Brooklyn. Ensuite, sa mère (Joan Chen) se présente à sa porte enceinte et disgraciée, et cette compartimentation prudente commence à s'effondrer alors que les deux femmes commencent à partager un petit espace avec tous leurs secrets respectifs. Le film de Wu est une comédie romantique salée-douce, mais c'est aussi une exploration durable d'une fracture des immigrants générationnels qui est permis par tout ce que les deux parties ne laissent pas. Son héroïne peut toujours vivre dans la ville dans laquelle elle a grandi, mais combler la distance entre qui elle est maintenant et les attentes de la communauté dont elle est venue est beaucoup plus compliquée que de simplement prendre le train 7. -Aw

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L'un des premiers thrillers de flic à se connecter avec le public de masse en déplaçant les protections minimales des droits civiques garanties par l'affaire de la Cour suprêmeMirandacontre.Arizona, ce riff brutal de William Friedkin sur un vrai cas a balayé les Oscars et est devenu un smash. Il a également fait des héros folkloriques de l'inspiration réelle pour ses héros de copain-fop, les détectives de stupéfiants Eddie Egan et Sonny Grosso, qui ont dirigé une opération à la fin des années 60 qui a fait baisser une bague d'héroïne française. Gene Hackman et Roy Scheider se présentent comme les avatars fictifs des détectives, l'intimidateur volatil Popeye Doyle et son partenaire relativement étalé Sonny Grosso. Friedkin a tourné une grande partie du film (y compris la scène de poursuite à grande vitesse sous la plate-forme D Brooklyn Eleved Train) sans permis, avec une verve peu préoccupante qui aurait pu faire tuer les gens qui avait une ou deux choses qui avaient mal tourné. L'intrigue est si dense queFouintitulé leur parodieQuelle est la connexion?, mais cela n'a pas d'importance:ArbreLe scénario de l'écrivain Ernest Tidyman, la direction de Friedkin, et la performance de Bulldog enragée de Gene Hackman poussent le spectateur comme un suspect terrifié menotté à l'arrière de Pontiac Lemans de Popeye Babyshit-Brown. La fin nihiliste et complètement dégonflante n'est pas seulement caractéristique des thrillers des années 70, mais ressemble à une prémonition du sloganering actuel ACAB. Presque tous les officiers de ce film sont un Macho Brute intitulé qui traite NYC comme une aire de jeux où les hommes adultes vont à Smash Cars and Heads. -MZ

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Mike Nichols's riff on princess fantasies centers on working-class Tess McGill of Staten Island (Melanie Griffith), who gets her bachelor's degree in business via night classes and is about to quit her existing job over sexism when she gets hired as an assistant to Katherine Parker (Sigourney Weaver), a glass-ceiling-shattering trader who goes on to betray Tess by stealing one of Tess's best idées. Ce qui suit est une comédie combinée de vengeance / comeuppance et une histoire d'amour à vis à vis entre Tess et le courtier d'investissement Jack Trainer (Harrison Ford), Tess poursuivant sans relâche la reconnaissance et les récompenses qu'elle croit qu'elle a gagnée malgré sa classe et son sexe contre elle. Le mélodrame de Catfight est sous-évalué par une belle scène de clôture montrant que Tess va être un pionnier très différent de Girlboss que Katherine, mentorant la prochaine génération de femmes exécutives et les traitant comme des alliés naturels plutôt que des voleurs potentiels de largesse patriarcale. Il y a une photographie en hélicoptère succulent de New York des années 1980 (y compris une photo de héros des tours jumelles); une chanson thème qui en plein essor de Carly Simon Carly («Let the River Flow»); et une scène où Harrison Ford change de chemise dans un bureau vitreux, provoquant des applaudissements de la piscine de secrétariat. CommeFièvre du samedi soir, TravailleusePrésente Manhattan en tant que ville émeraude sur l'Hudson que les rêveurs extérieurs considèrent comme à un million de kilomètres de là, même si quiconque avec un jeton pourrait y arriver en métro. -MZ

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La première fonctionnalité de Darnell Martin est une explosion exubérante et colorée de la vie, de l'amour et du bruit de New York. Lauren Velez et Jon Seda vivent sur le bloc le plus fort du Bronx, où les voisins applaudissent en faisant l'amour ou en frappant au plafond avec un balai. Leurs trois enfants sont des tornades du chaos, capturant comment les enfants peuvent être drôles et frustrant en même temps. Une décision stupide lors d'une panne de courant atterrit en prison de Seda en prison pour une minute chaude, donc la lisette de Velez a besoin d'argent rapide pour le renflouer. Une série d'événements farfelues plus tard, elle se retrouve en tant que nouvelle assistante (et interlocuteur Latinx) pour un exécutif record joué par Griffin Dunne. La découverte d'une infidélité conjugale passée renvoie le ménage déjà anticle à l'envers avec les cadres de Martin débordant d'énergie et de couleurs vives des années 90. (La chanson-titre est interprétée par un supergroupe avec Ray Barretto, Sheila E., Tito Nieves, Tito Puente, Dave Valentin, Paquito D'Rivera et Grover Washington Jr.) Notable est le tour de Jesse Borago en tant que sœur trans de Lisette, Alexis. Bien qu'un homme cisgenre soit inapproprié pour le rôle aujourd'hui, en 1994, le personnage a été traité avec profondeur et soins, et les performances de Borago sont chaleureuses et sages. -Jh

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Les Royal Tenenbaums`` Le cousin plus triste et plus triste du monde réel, ce drame de Wes Anderson, produit des années 1980 par l'écrivain-réalisateur, Noah Baumbach, centre une famille de sloges de parc blanc de types de créatives-académiques, dirigés par des écrivains mariés dont l'union est condamnée et dont les fils de 16 ans (Jesse Eisenberg) et ont commencé à Affiter Frank (Owen Kline), ont été déprimés et ont commencé à faire de 12 ans (Owen Kline). Le père, Bernard Berkman (Jeff Daniels), est toujours en train de rouler sur les fumées de son succès précoce; Son épouse mécontente Joan (Laura Linney) est sur une pente créative ascendante et a commencé à dormir avec l'instructeur de tennis de Walt (William Baldwin). Baumbach s'est appuyé sur sa propre expérience en tant que fils de deux critiques de cinéma de New York - Academics, Jonathan Baumbach et Georgia Brown. Son œil pour la prétention, l'arrogance et l'auto-tromperie est pointu et les détails de l'ère Reagan sont impeccables, de la réutilisation d'un peu de score de Tangerine Dream à partir de 1983Entreprise risquéeà la citation d'un samedi matin des années 1970Schoolhouse Rock!Segment («numéro huit») que les frères auraient regardé les enfants. -MZ

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L'East Village est un paysage luxuriant avec des possibilités charnelles et un danger mortel dans ce film injustement décalé de 2003, qui, il était une fois des gens qui ont perlé, car il a osé montrer à Meg Ryan ayant des relations sexuelles - et avec un Mark Ruffalo absurdement chaud, peut-être meurtrier, même. Le casting de l'America's Sweetheart a été absolument par conception de Jane Campion, dont la vision sensuelle et minable de New York est servie de contraste direct avec les notions de fées de romance, la ville inondée d'une conscience sensuelle qui menace constamment de prendre un virage vers l'obscurité. C'est une vision étonnamment féminine de l'idée du thriller érotique, ainsi que l'un des grands cas cinématographiques de la queue pour New York alors contemporaine comme un lieu menaçant. -Aw

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Le Lower East Side du début des années 1980 était une telle libre-pour-tout, une combinaison de la commune de l'enfer urbain et des artistes, qu'il n'a pas fallu beaucoup de travail pour un cinéaste entreprenant à petit budget pour le réinventer en tant que science-fiction. Et c'est exactement ce que l'artiste visuelle devenue la cinéaste Lizzie Borden a fait lorsqu'elle a conçu ce bâton de dynamite de cinéma non budgétaire «No Wave», un compte rendu de style documentaire d'un avenir post-révolutionnaire et des femmes qui se battent pour l'espace. Le cinéaste politiquement à l'esprit synthétissait des idées et des arguments spécifiques au temps et au lieu de l'image, mais ce qui est le plus frappant aujourd'hui, c'est son intemporalité et sa prescience - ses conversations sur l'intersectionnalité, le travail du sexe, la justice sociale et la brutalité policière ne sont que plus urgentes, et ses images de clôture du centre commercial mondial sont encore plus inquiétantes aujourd'hui. —Jason Bailey

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"Vous devez utiliser les hommes! Ne les laissez pas vous utiliser", a déclaré le cordonnier Adolf (Alphonse Ethier) à Lilly Powers (Barbara Stanwyck, une puissance glissante dans le rôle), avant de l'instruire dans le travail de l'existentialiste Fredrich Nietzsche. La déclaration audacieuse charge Lilly et le film pré-code-Hollywood autour d'elle, menant le personnage de la petite ville de Pennsylvanie qu'elle appelle à New York. Et quel meilleur endroit pour une femme et sa meilleure amie (Theresa Harris) chasser les hommes et le pouvoir? Lilly monte dans la métropole scintillante grâce à ses ruses sexuelles et aux hommes intéressés par un goût d'eux. Après chacune de ses séductions réussies, la caméra de Green remonte l'extérieur de la banque où elle travaille, se déplaçant du sol au sol, ce qui rend évidente son ascension et ce que le rêve de Big City exige d'une personne.—Ajb

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New York peut faire en sorte qu'un acteur en difficulté fasse des choses surprenantes. Pour Michael Dorsey, joué par Dustin Hoffman, son truc surprenant est de prétendre être une femme nommée Dorothy Michaels afin qu'il puisse se faire couler sur un feuilleton. Une grande partie de la politique de genreTootsiesont obsolètes, et trop de comédie est extraite de l'idée qu'un gars qui fait des choses féminines est intrinsèquement hilarante. Mais le film reste une pierre de touche incroyablement divertissante à cause de la mesure dans laquelle Michael, et Hoffman, s'engagent. Rapidement, Dorothy cesse de devenir une mascarade et se transforme en son propre être humain à emporter, celui qui frappera un collègue maniable au-dessus de la tête avec un presse-papiers si elle le doit. L'imagerie façonnée par le réalisateur Sydney Pollack est indélébile New York: la perruque rouge de Dorothy émergeant de la foule sur un trottoir de Manhattan; Michael, poussant avec désinvolture un mime au milieu de Central Park; Michael, en tant que Dorothy, aveugle son agent George (joué par Pollak) au salon de thé russe, où il révèle qu'il a été embauché pour jouer une infirmière sur le général du sud-ouest. Mais les attitudes de Michael et de Dorothy - têtues, créatives, insistent à se défendre - peuvent être ce qui faitTootsieUne véritable histoire de New Yorker.—JC

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Allen et Albert Hughes ont suivi leur premier long métrage d'explosion de 1993Société Menace IIavec ce drame ambitieux, qui est arrivé avec beaucoup de battage médiatique mais a rencontré à la fois des critiques mitigées et un box-office tiède. Depuis lors, il a été à juste titre récupéré comme chef-d'œuvre. C'est l'histoire d'un jeune homme du Bronx (Larenz Tate) qui se bat pour se battre au Vietnam (aux côtés de son meilleur ami joué par un jeune Chris Tucker dans un rôle dramatique rare), éprouve des horreurs incalculables, puis revient dans un monde qui est presque aussi brisé et traumatisé que lui. Le film passe du drame de maturité au film de guerre, au thriller de Heist, mais à chaque étape du voyage, il devient plus sombre, plus violent, plus grotesque, plus nihiliste, plus New York. Il y a peu de plaisirs de genre à avoir ici: c'est un film sur des gens qui sentent de plus en plus qu'ils n'ont pas d'avenir et se retrouvent dans un monde dont la dévastation reflète leur propre désespoir. -ÊTRE

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Morris Engel a tiré sur ce point de repère de 1953 Indie sur le sournois en utilisant une caméra qui a été attachée à son corps afin que les passants soient moins enclins à remarquer ce qu'il faisait. Le résultat est quePetit fugitifest à la fois un film de fiction sur deux frères de Brooklyn et un instantané de Coney Island dans les années 50, en frappant avec des New-Yorkais de toutes les bandes et des revenus essayant de saisir un peu de vacances de plage accessibles, même si ce n'est que pour une journée. C'est enchanteur comme un documentaire sur l'acte de latéralement, mais c'est aussi un film formidable sur la vie intérieure des enfants. Joey Norton (Richie Andrusco, dans son premier et seul rôle de cinéma) pense qu'il a tué son frère dans ce qui était réellement un bâillon, mais ne peut s'empêcher de se faire tirer par les offres du quartier vers lequel il s'enfuit. Qui pourrait résister au monde des promenades de poney et des arcades, un paradis à quelques pas? -Aw

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Une personne pourrait discuterLe dernier détaildevrait être l'entrée de Hal Ashby sur cette liste, mais n'oubliez pas que seules quelques scènes avec ces marins ivres et vulgaires se déroulent ici en ville.Le propriétaire, l'éditeur devenu le premier film du réalisateur, joue dans un bac à sable similaire à celle de John G. AvildonJoeet milos FormanDécoller, qui jettent tous un aperçu des jeunes blancs privilégiés dont les plongements dans la conscience sociale ne vont pas comme prévu. Beau Bridges joue un enfant riche en Long Island qui acquiert un bâtiment dans "The Slums" (Park Slope, ne riez pas) et emménage avec des plans pour éliminer tout le monde, y compris Pearl Bailey et un jeune Louis Gossett Jr. Naturellement, il tombe amoureux (avec Diana Sands) et commence le processus d'ouverture des yeux. Lee Grant a été nominé pour un Oscar en tant que maman du country club, Robert Klein a une scène rapide dans Blackface, et la musique de l'un des artistes blancs d'appropriation par excellence de l'époque, Al Kooper, ne pouvait pas être plus parfait. Le scénario de Bill Gunn, adapté d'un roman de Kristin Hunter, qui était tous deux noir, constitue une authenticité plus riche que ce qui était courant dans les films largement publiés à l'époque. -Jh

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Un farceur satiriste et cinématographique, Robert Downey Sr., Robert Downey Sr. était un pilier du New York Underground en 1969 avec ses films de patchwork expérimentaux en roue libre. Mais avec cette satire de Madison Avenue incroyablement coupable, tirée sur un dime - qui, comme elle se souciait de raconter une histoire, était carrément conventionnelle par rapport à son travail précédent - il est devenu quelque chose d'une institution. Le film suit Putney, le seul membre du conseil d'administration noir d'une grande entreprise de publicité qui se termine de façon inattendue en charge après que le président tombe soudainement mort. Il le transforme immédiatement en une entreprise entièrement noire qui essaie de faire des affaires avec intégrité, avec des résultats chaotiques. En cours de route, le film commente tout, de l'hypermilitarisation de la société, à la marchandisation de la contre-culture, à l'éclatement du mouvement des droits civils, à la fois à la vente incessante du sexe et du puritanisme inhérent de l'Amérique. En 1969, il semblait vraiment opportun; Aujourd'hui, cela semble prophétique stupéfait. -ÊTRE

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Un kaléidoscope portable de visages hurlants, de seins roulants et de dongs qui tournent molles, la cause souterraine de Jack Smith en 1963, Célèbre a en fait débarqué certains de ses exposants en prison; Le cinéaste et entrepreneur d'avant-garde Jonas Mekas a été arrêté en 1964 pour avoir tenté de le montrer au New Bowery Theatre du Lower East Side, dans un cas désormais infâme qui a mis les lois sur l'obscénité contre la liberté d'expression. Le film lui-même est envoûtant, impénétrable et dérangeant: rempli de personnages fortement inventés qui ressemblent à des moquettes cauchemardesques des starlettes hollywoodiennes, cela commence comme une satire bon marché de marchandisation avant de se transformer en un tremblement de terre bruyant de baise et de crise. Vous n'avez jamais rien vu de tel - et vous ne le ferez jamais, ce qui est en quelque sorte le point. Tourné sur le stock de films en décomposition, destiné à une révision constante et projeté dans des sites souterrains, le film se sent aussi éphémère que la communauté souvent transitoire à partir de laquelle elle est apparue.-ÊTRE

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L'idée que «les hommes et les femmes ne peuvent pas être amis parce que la partie sexuelle gêne toujours» peut être incorrect, maisQuand Harry a rencontré Sallyest toujours l'une des plus grandes romans jamais réalisées en raison de la façon dont il mélange une véritable chaleur avec une sensibilité acerbe de New York - qui vous a été gracieuse avec deux New Yorkais, l'écrivain Nora Ephron et le réalisateur Rob Reiner. Beaucoup d'histoires d'amour utilisent des décors de New York pour ajouter une allure cosmopolite à un film. QuandHarry a rencontré Sallyfaire en sorte que les monuments de la ville se sentent à jamais entrelacés avec ce film: l'arche de Washington Square Park où une jeune Sally déposte Harry après leur désastreur road trip de Chicago à New York; La promenade le long de Central Park West où les deux reconnectent et Harry défendent la combinaison des nécrologies et de la section immobilière; La visite au temple de Dendur au Met où Harry note: «Vous savez, j'ai une théorie selon laquelle les hiéroglyphes sont vraiment une bande dessinée sur un personnage ancien nommé Sphinxy»; Le repas de Katz's Deli où Sally simule un orgasme et, dans un camée, la mère de Reiner dit: «J'aurai ce qu'elle a.» Et bien sûr, cette fête du Nouvel An, filmée à l'intérieur du bâtiment de la rondelle, où Harry professe son amour pour Sally. Il peut prendre un certain temps à Harry et Sally pour réaliser qu'ils veulent passer le reste de leur vie les uns avec les autres, mais ils savaient depuis longtemps qu'ils voulaient passer du temps avec New York.—JC

Découvrez comment n'importe quelle rencontre peut se produire dans une rom-com de New York➼

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Une collaboration étanche entre le co-écran Ernest Tidyman (adaptant son propre roman) et le photographe de magazine devenu le réalisateur Gordon Parks,Arbrereste l'incarnation de la badasserie de New York. La séquence d'ouverture des crédits a certifié la confiance rock-solide du film dans sa capacité à divertir: ne composant rien de plus que des photos inventivement composées du thème de la star Richard Roundtree à travers Times Square qui est une machine sexuelle à tous les poussins ", il immerse Spade et Philip Marlowe - ont un code moral mais ne redevient aucun homme, groupe, institution ou idéologie. D'une manière ou d'une autre, ce film effrontément de son temps a vieilli aussi élégamment que la veste en cuir de Shaft. Une grande partie revient à l'empathie imaginative de Tidyman, qui a dit au New YorkFoisqu'il voulait écrire Shaft comme «un héros noir qui se considère comme un être humain, mais qui utilise sa rage noire comme l'une de ses ressources, ainsi que l'intelligence et le courage.»—Mzs

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"C'est comme vivre dans une guerre", explique Peter Staley, au début du documentaire de David France. «Tout autour de moi, les amis tombent morts.» Ce sentiment de désespoir, de peur et de peur était incontournable alors que la crise du sida a traversé la communauté LGTBQ + de New York dans les années 80 et 1990. Ainsi, les militants de la ville ont transformé cette angoisse en rage, formant un acte et un montage de manifestations à l'hôtel de ville, aux hôpitaux de la ville, aux églises et à d'autres espaces publics. La France s'appuie sur une richesse de documentation vidéo contemporaine (et passionnante) de ces actions - c'est comme si nous étions des participants, écoutant les séances de stratégie, sur les lignes de front d'une bataille littérale de vie et de mort, en mettant les méchants à la fois locaux (Ed Koch et Cardinal O'Connor) et National (Ronald Reagan et Jesse Helms). Finalement,PesteNous rappelle ce que les premiers jours de Covid ont renforcé: que même lorsque nous sommes l'épicentre d'une épidémie, les New-Yorkais ne se rendront pas tranquillement. -JB

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Vous ne pouvez pas voir un marin dans la rue pendant la semaine de la flotte sans y penser. Le film de Gene Kelly et Stanley Donen en 1949 de la Comden et Green Broadway Extravaganza, avec une partition pour les âges de Leonard Bernstein, est bouillonnant dans cette façon inimitable de MGM Technicolor, et c'est une musicale même musicale que les porteurs musicaux peuvent tolérer. Le rythme rugit juste alors que les trois marins (Kelly avec Frank Sinatra et Jules Munchin) se frayent un chemin à travers 24 heures de congé de terre de la Seconde Guerre mondiale, de rencontrer des filles et de voir les vues. Il y a des gags de New York sur les touristes avec des guides extrêmement obsolètes, sur les colocataires intrusifs qui se présentent lorsque vous essayez de vous occuper, de l'acte de conversation sans espoir au milieu du rugissement du métro, sur les boîtes de nuit fantaisie avec des recettes de cocktails absurdes au menu. (Il y a aussi une photo de l'arc de Washington Square où votre première réaction sera probablementMon Dieu, c'est tellement sale.) Le dialogue de bandes dessinées excités de Betty Garrett en tant que chauffeur de taxi, Hildy, est sans âge. Seules quelques séquences de danse liées à la scène échouent - l'une d'entre elles, impliquant une version du costume africain traditionnel, est absolument Cringy, tout comme quelques autres moments - mais ils passent à la hâte, et vous pouvez vous concentrer sur le récit de voyage au centre du film. Et puis, à la fin du rivage, la flottabilité se décompose, juste une seconde: les gars sont en train de reprendre la guerre, et ils pourraient ne pas revenir. Dans même l'histoire de New York la plus exubérante, il y a un soupçon de tragédie.Le Bronx est en place et la batterie est en baisse. —CB

Photo: Photo 12 / Alamy Stock Photo /

Le bijou de 88 minutes de Claudia Weill, reconstitué sur des subventions sur trois ans, a peu de contemporains dans le cinéma indépendant précoce. La photographe de l'Upper West Side de Melanie Mayron, Suzie Weinblatt, n'est pas une névrotique Woody Allen - Esh et elle n'est pas une militante «écoutez-moi». C'est juste une jeune femme qui aime son espace, connaît son estime de soi et continue de se bousculer. Bien que le film touche à la romance (et de manière très imprévisible, comme avec Eli Wallach en tant que rabbin marié à plus de deux fois son âge), rêver de Prince Charming n'est qu'une pensée éphémère. C'est remarquable dans un film sur une femme célibataire aujourd'hui, sans parler du milieu des années 70. La meilleure amie de Suzie, Anne, s'est mariée et a déménagé dans le nord, et bien que le film soit trop nuancé pour le présenter comme une condamnation à mort, il est montré comme une sorte d'avertissement. Il y a ici d'excellentes images de galeries SoHo et de choix de costumes extraordinaires. Aussi: Bob Balaban pratiquant son italien avec une boîte de Matzos Manischewitz derrière lui. Vous ne pouvez pas simuler ce genre d'authenticité.—Jh

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Un sommet d'être l'un des grands films de tous les temps de New York des années 1970, Fantasia musical semi-autobiographique de Bob Fosse est un film rare qui concerne le cinéma de New York dans les années 70. Son personnage principal, le chorégraphe dure, le chorégraphe féminisant, Joe Gideon (Roy Scheider), dirige simultanéLenny,qui, commeTout ce jazz, est raconté dans un style fragmenté et non linéaire) lors des séances de rééditation de fin de soirée au Brill Building. La coupe, par Alan Heim, est parmi les plus innovantes jamais vues dans le médium. La photographie - par Guiseppe Rotunno, directrice régulière de la photographie pour l'idole de longue date de Fosse Federico Fellini - alternativement du grain quasi-documentaire pour les scènes du monde réel et la volupté crémeuse pour les moments où Gideon raconte et justifie sa vie finale sur le mode de mort (Jessica Lange) et fantasme pour diriger sa dernière extension dans le sens de l'affaire de la manière de Afse. La distribution de soutien sans pairs comprend Ben Vereen, Leland Palmer, Anne Reinking, Erzebet Foldi, Sandahl Bergman, Cliff Gorman, CCH Pounder, John Lithgow et - dans l'un des grands camées d'une ligne - Wallace Shawn en tant que comptable qui découvre un profit sans même l'ouverture.—Mzs

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En tant qu'écrivain féministe, Hustler etUsine de WarholGadfly Valerie Solanas, qui a tiré et a presque tué Andy (joué magnifiquement par Jared Harris) en juin 1968, Lili Taylor penche ses épaules, tient la tête et charge la tête baissée dans une performance qui est à parts égales inspirante, touchante et terrifiante. Ses Solanas sont une femme motivée, brillante et trompée qui cherche à créer, et qui regorge d'idées (pas toutes bien), mais trouve que ses façons averties de rue ne sont pas à la hauteur du cool impénétrable du Cognoscenti du monde artistique du centre-ville. Les débuts de Mary Harron offrent à la fois une étude fascinante de personnages et une belle recréation de la scène de Warhol de New York dans toute sa beauté et sa superficie. Surtout, le film ne juge pas non plus les participants impliqués: dans la conception de Harron, Warhol et Solanas sont des chiffres tragiques comiques.-ÊTRE

(Sautez au deuxième film de Mary Harron sur cette liste.)

Lire sur la fabrication deSALUT! Manhattan, entrepris de capturer le métro de Warhol à New York➼

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Dans ses trois traits narratifs à ce jour, le réalisateur et photographe nigérian américain Andrew Dosunmu est devenu l'un des chroniqueurs les plus excitants de New York.Ville agitéea regardé un immigrant sénégalais ambitieux et romantique se bouscule sur les marges, tandis queOù est Kyra?a suivi une pauvre femme du Queens vieillissante (Michelle Pfeiffer) a usurpé sa mère récemment décédée afin de continuer à effectuer ses contrôles de retraite. Mais le chef-d'œuvre de Dosunmu est sans douteMère de George, un drame domestique hypnotique qui se déroule dans la communauté yoruba de Brooklyn, suivant une jeune mariée (Danai Gurira) confrontée à diverses pressions familiales et culturelles pour concevoir. Dosunmu et le directeur de la photographie Bradford Young placent le récit tendu et décourageant contre les couleurs et les paramètres vibrants explosivement, canalisant l'élégance mythique de Luchino Visconti et l'hystérie pulsante de Douglas Sirk en quelque chose de tout à fait nouveau. -ÊTRE

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«New York est si grande, sale et bruyante! Et votre théâtre: avec tous ces hommes et les filles sans vêtements!» Alors sangloter April, récemment revenu d'un couvent du Wisconsin, à sa mère, Kitty Darling, la danseuse burlesque en difficulté éternelle déterminée à éloigner sa fille de l'attrait des feux de vue. Le premier film du réalisateur de Broadway, Rouben Mamoulian - tourné sur des stages sonores encore utilisés à Astoria, Queens - est annoncé comme l'une des grandes images parlantes des premières. Tandis que bon nombre de l'ère a planté fermement leurs acteurs sur unXPour s'assurer que l'équipement maladroit pourrait enregistrer correctement le dialogue,ApplaudissementsSktters à travers les vestiaires, les ruelles et même, un instant, l'ancienne gare de Penn. (Un intermède romantique pendait pratiquement sur le côté du pont de Brooklyn, cependant, la vraie photographie de localisation.) Bien que certains drames puissent être simplistes aujourd'hui, la compréhension du film du push-pull psychologique que les artistes ressentent même lorsque «Shakin» pour un tas de gorilles Bronx »restera à jamais pertinent.—Jh

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Curieusement, Mel Brooks, l'un des plus grands exportateurs de l'humour juif de New York au monde, a établi la plupart de ses films ailleurs: leOld West,Transylvanie,espace extérieur. Son premier long métrage, cependant, est trempé dans la texture et les manières de New York. Le producteur de Broadway, Max Bialystock, est un type de David Merrick vulpine, sans vergogne et exubérant, sur sa chance et ses veuves de leur argent pour financer sa comédie musicale délibérément terriblePrintemps pour Hitler.Zero Mossel, qui connaissait sûrement ce genre de cintres du monde de théâtre, joue Max jusqu'à présent, nous pouvons à peine voir le sol. Il y a une brouette Times Square à la fois à l'histoire elle-même et à la raconte; Vous ne pouvez pas vraiment imaginer une autre culture de comédie assez audacieuse pour faire naître le goût so-bad-ce qui est impeccable d'un hitler hippie ou d'un tir de busby en forme de croix de la croix gammée. Ce n'est pas un hasard si ce film nous a donné toute l'expression "quand tu l'as, affligez-le!"—CB

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L'un des plus grands et les plus sous-estimés de Paul Schrader - une histoire affirmée par le réalisateur est venue vers lui dans un rêve, lorsqu'un trafiquant de drogue lui a demandé de faire un film à son sujet - ce thriller élégant de mauvaise humeur présente Willem Dafoe en tant que marchand de drogue haut penser à passer à l'entreprise de cosmétiques. Schrader appelle cela son film de «crise de la quarantaine», et ce sentiment intime et mélancolique de quelque chose étant irrémédiablement perdu est reflété et élargi par la ville changeante autour des personnages changeants: le film capture ce moment au début des années 1990 lorsque le New York chaotique et délabré des années 1970 et des années 80 a commencé à devenir désinfectée, stérile et ossifiée.-ÊTRE

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Avant d'être séparé pour passer le reste de leur vie à part, le couple âgé joué par Beulah Bondi et Victor MooreFaire place à demainObtenez une journée magique à New York qui sert de contrepoids doux-amer à tout ce qui est venu avant. Drame de l'ère de la dépression de Leo McCarey, un prédécesseur de l'horreur de panique du logement sous-jacentL'amour est étrange(Un titre qui apparaît plus tard sur cette liste), est pour la plupart une tragédie au ralenti sur un couple âgé qui perd leur maison et est obligé de se séparer pour chercher un abri avec leurs enfants adultes, qui vivent dans la ville ou à l'extérieur, et qui ne sont pas autant cruels que les ressources limitées monstrueusement et de manière relativement inoffensée à la réduction des ressources limitées. Mais, comme pour compenser la terrible insensibilité de la vie moderne qu'elle incarne, la ville s'épanouit devant le couple lorsqu'ils se réunissent pour un dernier après-midi ensemble, en les doublant de petites gentilles alors qu'ils reviennent à un voyage, ils ont pris un demi-siècle plus tôt lors de leur lune de miel. La grâce des étrangers compense les échecs de la famille, mais temporairement, une touche de magie cinématographique dont New York est aussi une vérité.-

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L'écrivain-réalisateur-acteur Bill Gunn, en tant qu'institution de cinéma de New York, s'étend bien au-delà des personnages noirs attendus par Hollywood de lui; Dans les adaptations de scénarios, il a fait valoir des guêpes riches et privilégiées (Le propriétaire) et un pauvre couple juif qui souhaitait travailler et mourir avec dignité (L'ange Levine). Mais il a aidé à briser une sorte de noirceur bidimensionnelle commun dans les films en créant spécifiquement des personnages noirs qui sont désordonnés, intelligents, névrotiques, jubilatoires, mesquins et, surtout, reconnaissablement humains. CependantGanja et Hessest le plus connu de ses films,Problèmes personnels,Une collaboration en deux parties avec l'écrivain Ishmael Reed,On dirait que la thèse de Gunn, l'aboutissement de toutes ses idées sur les gens et New York. Il demande «Quels aspects de la vie noire n'ont pas reçu de traitement complet à l'écran?» Et puis répond à la question avec un mélange de réalisme d'improvisation et de mélodrame (il a commencé comme une parodie radio d'un feuilleton). Comme une grande partie du travail de Gunn, le film empêche les téléspectateurs d'être certains de savoir où le film les mène, ou si la destination se ferme, mais le voyage reste à prendre. Ceux d'entre nous qui étaient dans la ville au moment de sa sortie originale (il a été restauré et réédité en 2018) trouvera un amusement dans les mentions des Korvettes, aujourd'hui disparues et la beauté libre d'acheter des vêtements dans le New Jersey."Henderson."

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Bien que le jazz soit né à la Nouvelle-Orléans, demandez à votre fan de jazz moyen et ils conviendront, la forme a atteint son apogée à New York en 1959. Comme Miles DavisUn peu bleu, Dave BrubeckTemps mort, et Art Blakey'sMoaninont été enregistrés et sortis, les cinéphiles branchés ont vu les «films jazz» comme la collaboration Robert Frank - Alfred Leslie - Jack KerouacTirez mon marguerite, ainsi queOmbres, Lodestar de John Cassavetes pour le cinéma indépendant américain. Cassavetes, qui a co-dirigé une école par intérim et commençait à gagner en notoriété en tant qu'acteur de cinéma et de télévision, a fait l'émission de radio de Jean Shepherd «Night People» et a fini par le financement de la foule d'une idée pour un long métrage à faible budget sur une femme noire (un écrivain potentiel qui a daté des hommes blancs) et ses deux frères musiciens. La première tentative de faireOmbresS'appuyant fortement sur l'improvisation, mais Cassavetes a recommencé après une période de répétition intense. (Il a même abandonné la majeure partie d'une partition originale de Charles Mingus.) Il a fini par tirer dans les rues de New York sans permis, et une scène poignante au jardin de sculptures du MoMA - antérieure à Jean-Luc Godard au Louvre en LouvreBande à Part- est un moment fort.—Jh

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Il est impossible de surestimer l'influence de Woody Allen sur un certain type de film de New York - c'est-à-dire celui dont le réalisateur considère la ville comme un endroit fondamentalement romantique, mais charmant. Mais il est indéniable que ses films au cours des deux dernières décennies se sont de plus en plus inconscients de leur temps et de leur lieu et que les charges selon lesquelles il est une personne monstrueuse devient plus robuste dans l'esprit à chaque fois que Dylan Farrow parle en public. Alors que la plupart des gens acceptent que vous ne puissiez pas juger le travail de la personne, il est à peu près impossible de regarder, disons,Manhattan- dans lequel le personnage d'Allen 40ish date un lycéen, comme il l'a fait hors écran - sans que ces faits réels coient votre perception. La personnalité allen néblanée-agressive-agressive qui (pour beaucoup de gens) semblait autrefois évoluée, lançant milleNew York Review of BooksLes publicités personnelles, se détache maintenant moins doucement bêta et plus comme un imbécile. On pourrait faire un très bon cas que ses films plus sombres, commeCrimes et délitsouMaris et femmes,sont meilleurs queAnnie Hall. Mais si ce que vous recherchez, c'est l'esthétique moderne de rom-com - une où les urbanites plaisantent avec ironie sur la mauvaise plomberie et les insectes, allez pour une thérapie cinq jours par semaine, prenez leurs dates à Central Park, le week-end à l'est et peuvent à peine conduire une voiture, sans parler de la parallèle parallèle - cela commence vraiment par Annie et Alvy. En outre, il n'y a aucun doute, absolument aucun, que la scène de la ligne de théâtre cinématographique avec Marshall McLuhan est un classique.Garçon, si la vie n'était comme ça. —CB

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Peu de personnages du cinéma de New York sont aussi indélébiles que Bree Daniels, la travailleuse du sexe dur et dure au centre du thriller de 1971 d'Alan J. Pakula. Jouée avec Fiery Verve par une Jane Fonda oscarisée, elle met en place le placage de l'inacquisition froide requise non seulement par sa carrière mais vivant seule, dans la ville, au début des années 1970. Le scénario est une pâte de crime assez standard - les voyages de détective de la petite ville de Donald Sutherland dans la grande ville de Big Bad, à la recherche d'un client de Bree qui a disparu - mais ce n'est pas ce qui donne à l'image son coup de pied. Le réalisateur Pakula et le directeur de la photographie Gordon Willis remplissent ses trottoirs et ses gratte-ciel avec un sentiment de pressentiment sombre et de paranoïa fiévreuse, un sentiment électrisant que quelque chose menaçant se cache à chaque coin de casse dans chaque ombre sombre. -JB

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Alfred Molina et John Lithgow sont si chaleureusement accueillants qu'un couple de longue date qu'il faut un certain temps pour comprendre que le film qu'ils sont au centre est en fait une histoire d'horreur non conventionnelle à ce sujet le plus précaire des ressources de New York: le logement. Lorsqu'ils perdent leur appartement bien-aimé de Manhattan grâce à une politique de bigoterie persistante qui s'embarrasse même à ceux qui sont en excusation de le mettre en œuvre, les deux se séparent pour rester avec la famille et les amis, affectant l'affection à l'épuisement de partager ce qui est déjà exigu. Le film d'Ira Sachs est en quelque sorte un hommage àFaire place à demain, mais avec une perspective distinctement queer au déplacement de ses principaux personnages. Ils essaient désespérément de trouver un nouveau perchoir dans une ville qui leur a été fourni un sanctuaire et leur relation dans la plupart des moments hostiles, mais cela est devenu si inhospitalier économiquement que rester commence à se sentir impossible.-

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Les débuts fascinants de Ramin Bahrani suivent le travail quotidien d'un vendeur pakistanais alors qu'il tente de gagner suffisamment d'argent pour créer une vie pour lui-même et son jeune fils éloigné. Tout au long, nous voyons des extraits de son passé - il était brièvement une pop star dans son pays d'origine, mais s'est marié et est venu aux États-Unis, seulement pour perdre sa femme - et nous commençons à comprendre le monde intérieur de cette balle obstinée mais brisée d'un homme. Bahrani a tiré dans les rues de New York, avec sa star Ahmad Razvi tirant et installant ce chariot, parfois même servant des beignets et du café à des clients sans méfiance. (Avec ce film et son suivi tout aussi étonnant,Chop Shop,Le réalisateur s'est imposé comme l'un des réalistes les plus importants de sa génération.) La ville a présentéChariot de poussée de l'hommeest instantanément familier mais aussi cruellement anonyme. Il a été dépouillé des monuments, de tout sens de la communauté. Nous détestons le froid effrtant des os; la lumière grise et mourante; L'agitation de la foule du petit-déjeuner; et la solidité sèche et invitante des pâtisseries proposée. Et, bien que le 11 septembre ne soit jamais mentionné, nous ressentons la tension constante dans l'air. Bahrani nous rappelle que, pour toute la magie et le mystère de New York, c'est l'un des endroits les plus interdits, sans visage et impitoyables sur Terre. -ÊTRE

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Le film qui a misCherchant désespérément SusanSusan Seidelman sur la carte, cette comédie dramatique mettant en vedette Susan Berman, Brad Rijn (présentée comme «Brad Rinn»), et le rockeur punk Richard Hell est un regard affectueux mais aux yeux clairs sur les restes des artistes et des musiciens de la classe ouvrière. Berman incarne Wren, une jeune femme du New Jersey qui emménage dans la ville pour faire partie de la scène punk-rock décolorante, représentée par le personnage de Hell, qui était dans un groupe chaud dix ans plus tôt. Stimulé par ses fantasmes de réinvention, Wren est tiré (et dirigé vers) Los Angeles - la Californie debout pour «un nouveau départ», comme c'était souvent le cas dans cette ère du cinéma américain - et est si désespéré de recommencer de faire du mouvement. Marqué par les Feles et écrit par Ron Nyswaner, qui serait nominé aux Oscars en 1994 pour sonPhiladelphieScript, c'est un grand film sur la lutte artistique et personnelle et les extraits de la vie de péage sur les jeunes rêveurs. -MZ

(Sautez au premier film de Susan Seidelman sur cette liste.)

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Batman et Superman pourraient avoir ces vagues stand-ins urbaines Gotham et Metropolis, mais Spider-Man est le super-héros de New York, ses aventures - en particulier ses cinématographiques - correspondant à toute notre idée de la ville se trouve à ce moment-là. (Just look at how Sam Raimi's Spider-Man films handled our post-9/11 emotional landscape, turning what was once a crime-ridden, one-dimensional comic-book setting into an expression of urban solidarity and resilience.) In telling the story of an Afro-Latin teen from Brooklyn named Miles Morales who takes up the mantle of Spidey with a little help from his interdimensional friends, directors Bob Persichetti, Peter Ramsey et Rodney Rothman nous donnent une saga délirante inventive qui met à jour les Spider-Mythos pour notre temps, offrant une gamme diversifiée de slingers Web qui volent face à laSurhumain-Ian Hystérie des récits de super-héros. Voici un film dont le style d'animation éclectique et magnifiquement patchwork reflète la diversité esthétique explosive de la ville dans laquelle elle se déroule - lefilm d'animation rareCela a l'impression que son look et son style ont été inspirés par New York lui-même.-ÊTRE

Photo: Moviestore Collection Ltd / Alamy Stock Photo /

"Quand John avait 21 ans, il est devenu l'un des 7 millions qui croient que New York en dépend." Le roi de 1928, le roi Vidor, silencieux sur la triste vie de jeune homme ambitieux à New York - les grands rêves, le travail de bureau, la pauvreté, les responsabilités, la tragédie familiale, l'indifférence de la foule - est un drame humain à grande échelle qui, étrangement, se déroule largement parmi un petit groupe de personnes, souvent à l'intérieur. Mais en dehors de leur monde, fait la grande ville, avec ses rues grouillantes et son architecture impérieuse, une grande partie tournée avec des caméras cachées (dans un gambit expérimental pensé assez extravagant à l'époque). Vidor mélange l'immédiateté documentaire avec une dose grisante de style expressionniste, toutes rendues étonnamment convaincantes par un excellent casting d'acteurs inconnus, qui semblent en fait avoir pu se promener dans la rue. Une œuvre révolutionnaire en ce qui concerne les représentations de New York à l'écran; Un de ces films pour lesquels vous pouvez dire sans aucune gêne que la ville devient son propre personnage.-ÊTRE

Photo: gracieuseté de Zipporah Films /

Jackson Heights, Queens, est l'un des quartiers les plus diversifiés de New York et du pays, et le documentaire merveilleusement riche de Frederick Wiseman lui donne son cinématographique dû en coulant dans les travaux et les tensions de certaines de ses diverses institutions - comme une organisation activiste axée sur les immigrants, ou un bureau du conseil municipal, ou une école musulmane. Si la ville a toujours été un endroit qui a vu des vagues d'immigration de différentes parties du monde créent des communautés qui changent avec les décennies,Dans Jackson Heightssert de témoignage astucieux de la poussée et tire innée à cette histoire, d'assimilation, de gentrification et de l'idée que la création d'une communauté est un processus continu.-

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Wall Street est une histoire édifiante sur le délit d'initié que des bros financiers ont transformé en une célébration de la cupidité même qu'elle critiquait, mais il n'y a pas de torsionPsycho américain. Cette adaptation du roman de Bret Easton Ellis - co-écrite par Mary Harron et Guinevere Turner et dirigée par Harron - arrive sous une forme complètement tordue. Un mélange de satire et d'horreur avec une performance extraordinaire de Christian Bale qui est simultanément idiote et effrayante - son célèbre «Hip To Be Square» SHIMMY méritait son propre Oscar - ce film parle techniquement d'un banquier d'investissement qui est secrètement un tueur en série. Mais c'est vraiment une métaphore extrême pour ce que cela fait de diriger une existence creuse et invisible à New York. Patrick Bateman de Bale a beaucoup: l'argent, un appartement des années 80, Dope Business Cards, une jolie fiancée (Reese Witherspoon), une collection de CD semi-décente. Mais comme il le note au début du film: «Je ne suis tout simplement pas là.» Plus tard, quand il montre enfin des remords et avoue ses nombreux crimes, son avocat les rejette non seulement, mais confond Patrick avec quelqu'un d'autre. Au début du nouveau millénaire,Psycho américaina confirmé une vérité qui ne sembler plus vraie dans les années qui ont suivi: que même lorsqu'un riche homme d'affaires de New York fait le pire, il ne sera toujours pas tenu responsable.—JC

(Sautez au premier film de Mary Harron sur cette liste.)

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Contrairement à l'histoire de divorce de Noah Baumbach, à New York,Le calmar et la baleine, qui est enracinée dans la réalité, New York de Wes Anderson et les fracturés Tenenbaums qui habitent mélangent le relatable avec le fantastique. Dans la ville d'Anderson, les gens n'émergent pas des bus à la baisse et à la fatigue; Ils flottent d'eux, comme le fait Margot de Gwyneth Paltrow, au son de «ces jours-ci» de Nico. Le patriarche Royal Tenenbaum (Gene Hackman) ne prend pas sa fille Margot pour la crème glacée dans n'importe quel endroit ancien - ils vont dans un salon de glace qui semble appartenir à un palais. Lorsque Royal et ses petits-fils Ari (Grant Rosenmeyer) et Uzi (Jonah Meyerson) passent une journée en ville, au lieu de visiter des musées ou de Central Park, ils rencontrent la circulation venant en sens inverse, conduisent des karts sur un chantier de construction et volent à l'étalage d'un carton de lait à partir d'un Bodega local. Aussi accru et méticuleusement conçu commeLes Royal Tenenbaumsest, c'est le travail le plus résonnant d'émotion d'Anderson, un fait que vous pouvez ressentir à part entière lorsque Chaz Tenenbaum en colère et en deuil de Ben Stiller a finalement dit à Royal, sa voix craquant: "Nous avons eu une année difficile, papa."—JC

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Pendant des années, Sergio Leone a fait des westerns spaghettis dans lesquels l'Espagne rurale était devenue l'Occident américain. Pour son gangster Epic 1984 sur un groupe d'amis du Lower East Side qui finissent par s'impliquer dans la foule juive, cependant - un film conçu pour surpasser même leParrainFilms dans la portée, l'ambition et la grandeur - il a pu tourner à New York. Mais son film a toujours l'esprit de ces westerns: le monde qu'il présente semble très mythique. Ses espaces, à l'intérieur et à l'extérieur, sont vastes d'une manière qui peut provoquer des rires de tout résident de New York, et pratiquement chaque instant est souligné par une partition Ennio Morricone qui devient plus immortelle à chaque nouvelle houle orchestrale. Cette vision de la ville appartient autant à l'imagination Europulp de son créateur que de l'histoire. Bouché (et surtout ignoré) dans la version initiale, il a depuis été restauré sur le plein et est reconnu comme un classique majeur de l'un des grands cinéastes du monde.-ÊTRE

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Il n'y a jamais eu une meilleure encapsulation à l'écran de la sensation désorientante de rester à l'extérieur jusqu'au matin, puis d'aller directement au travail que la fin de la toute nuit de Martin Scorsese en 1985, qui déchargeGriffin DunneDe retour où il a commencé après une odyssée sombre et drôle.Après les heuresest un hommage à quand Soho était effrayant et bohème et tout un univers loin de la portée calme de l'Upper East Side dans lequel le film commence. Après avoir voyagé au centre-ville à la poursuite d'une femme avec qui il avait une rencontre (Rosanna Arquette), le protagoniste du drone de bureau du film passe des heures à essayer de rentrer à la maison, à naviguer sur des obstacles qui sont de plus en plus scandaleux mais qui parviennent en quelque sorte à une vérité essentielle de la vie de New York - qui est que la ville a parfois une façon de faire de la façon dont la ville est absurde. -Aw

(Sautez au deuxième film de Martin Scorsese sur cette liste.)

Lire Griffin Dunne surAprès les heures➼

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Lean, tiré pour un nickel, mais étonnamment expansif, le riff classique de Blaxploitation de Larry Cohen surPetit Césarprésente l'indicitation charismatiqueFred WilliamsonEn tant que gangster qui s'élève des rues de Harlem, supplante l'établissement blanc corrompu et perd son âme dans le processus. C'est l'une des entrées les plus ambitieuses de ce genre mais aussi l'une des plus sombres, la sinistre trajectoire du protagoniste apparemment reflétée par la ville qui l'entoure, alternativement dynamique et en décomposition. Écrit à l'origine pour Sammy Davis Jr. (à peu près un personnage aussi différent que vous pouvez l'imaginer à partir de l'ancien Hunky Defensive Back Williamson), ce drame criminel mélange l'esprit tragique deLe parrainavec l'immédiateté deRues moyennes, mais il y a aussi quelque chose de plus ici: comme tous les grands réalisateurs de films B (et servant de précurseur à des auteurs suivants comme Abel Ferrara et les frères Hughes), Cohen est capable de fusionner le symbolique avec le viscéral - comme en témoigne un point culminant dans lequel les personnages de Williamson peignent le black-flore à la mort, la mort corrompue et le fait chanter «mammy» tandis que la mort est corrompue et lui fait chanter «Mammy» tandis que la mort est corrompue et lui fait chanter «Mammy» tandis que la mort est raciste, corrompue NEMISSE et lui fait chanter «Mammy» tandis que la mort est corrompue et lui fait chanter «Mammy». Le film a été un énorme succès - si grand qu'ils ont changé la fin du Downer et ont immédiatement sorti une suite improvisée (et inférieure).-ÊTRE

Lire Fred Williamson surCésar noir➼

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Au début du premier film de Whit Stillman, un tas d'enfants riches en Upper East Side finissent leur soirée avec une nouvelle connaissance, un étudiant de Princeton qui déménage dans leur cercle mais qui est moins aisé qu'eux. Alors qu'il part, il saute dans le bus de Crosstown, et un membre du groupe dit, armé: «Un sider West est parmi nous.» Vous avez là en microcosme le monde deMétropolitain,Dans lequel nous entendons mille sifflements de chiens sociaux parmi ce groupe de frenemies: dans leurs minuscules Brooks Brothers - et - JG Melon World, les distinctions encore plus petites sont immenses. En 1990, Stillman créait une ode à la société qu'il avait habitée en tant qu'étudiant une demi-génération plus tôt («il n'y a pas longtemps», disent les entretoises), sachant qu'elle se réduisait déjà dans la non-pertinence; 30 ans plus tard, ce qui est un peu surprenant, c'est qu'un peu persiste. C'est aussi antique, et donc comme envoûtant, que l'automate Horn & Hardart où quelques gars s'arrêtent pour le déjeuner. "Nous ne pouvons pas continuer à nous réunir avec les mêmes personnes tous les soirs pour le reste de nos vies", a déclaré un personnage à un ami, très tard dans la nuit, après son arrivée dans son appartement. La réponse: "Je ne vois pas pourquoi."—CB

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L'une des meilleures scènes deFilm de James GrayNe se déroule pas dans la version magnifiquement texturée de Brighton Beach où Leonard Kraditor (Joaquin Phoenix) vit dans les soins aimants et étouffants de ses parents inquiets, mais dans une boîte de nuit animée qui se sent à des kilomètres - peut-être même dans le pays spirituellement lointain de Manhattan. Leonard, qui commence le film flirter avec des idées suicidaires, s'est retrouvé pris dans un dilemme romantique plus littéral, pris entre la douce Sandra Cohen (Vinessa Shaw), qui est de la communauté juive russe dans laquelle il a grandi et que sa famille aimerait l'épouser, et le michestre glamour et chaotique qui a été tuck. Loin dans le bâtiment de Brooklyn de Leonard par son amant. Le fait que Leonard soit mieux adapté à Sandra semble évident jusqu'à ce que Michelle le sort pour la nuit, et cet homme mélancolique shlumpy plonge sur la piste de danse pour montrer des mouvements idiots mais ambitieux. Soudain, nous le voyons, et le quartier dans lequel il vit, sous un jour entièrement différent - comme si la version de mauvaise humeur de la ville que nous avons vue a été un paysage subjectif tout ce temps.-

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La deuxième collaboration entre le réalisateur Brian de Palma et la star Al Pacino, les blockbuster des années 1990 APES des années 1970, les potboilers urbains de New York tout en infusant l'histoire avec une douceur mélancolique qui n'est pas caractéristique envers le cinéaste et la positionnant comme une réponse à vie à leur autre équipe de 1983, 1983Scarpace. Pacino joue le personnage principal, un gangster portoricain qui sort de prison et essaie de renouer avec sa jeune petite amie (Penelope Ann Miller) et va tout droit mais est inévitablement retiré dans la vie pénale via son avocat coked-up-connecté (Sean Penn). Les mécanismes de l'intrigue doivent beaucoup aux westerns où un vieux tireur veut s'installer mais ne peut pas marcher dix pieds sans que un punk ne le traîne dans un duel. La séquence d'action finale, qui voit Carlito fuyant les lèvres de mafia italienne à pied à travers le système de métro en route vers la gare de Grand Central, est la plus grande utilisation du système de transit souterrain de la ville jamais capturé sur le film, géographiquement précis vers les détails les plus petits des plates-formes, les points de transfert et les routes locales versus-exprimées: MTA-Map-Serd Heaven. Gardez un œil sur un camée voluptueux de la plate-forme et du système d'ascenseur du World Trade Center, qui cesserait d'exister huit ans après la sortie de ce film.—Mzs

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Christmastime à New York, comme à tout moment à New York, est une bascule constante entre les moments de magie pure et la réalité brutale. Ce classique des Fêtes à propos d'un homme du nom de Kris Kringle (un vraiment joyeux Edmund Gwenn) qui jure qu'il est le Santa Claus, le Père Noël comprend ce contraste. L'écrivain-réalisateur George Seaton ouvre le film avec une séquence qui affiche la majesté du défilé de la journée de Macy, tout en mettant en évidence le chaos absolu que l'organisateur Doris Walker (Maureen O'Hara) affirme dans les coulisses. Une fois que Kris deviendra le Père Noël à l'emplacement phare de Macy, nous voyons la merveilleuse merveille d'une jeune fille néerlandaise ravie de savoir qu'il parle sa langue, mais nous obtenons également de nombreux aperçus de la fille de Doris, Susie (le Great Natalie Wood), si elle est éloignée de Blocks de Doris. L'agitation des acheteurs de vacances est présente et prise en compte, mais les dirigeants de Macy compétitifs qui utilisent la gentillesse de Kris sont un stratagème de marketing.Miracle sur la 34e rueest finalement un film doux et plein d'espoir. Mais sa douce espoir résonne d'autant plus car elle contient de fortes doses de doute et d'incrédulité de New York.—JC

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L'un des plus grands films jamais réalisés aux États-Unis - et malheureusement intemporel dans sa présentation de sectarisme personnel et systémique - ce conjoint de Spike Lee doit beaucoup au drame final de Sidney Lumet sur cette liste (voirL'entrée n ° 2), qui est également entièrement réglé sur et près d'un seul bloc de ville par une journée d'été étouffante. La direction de Lee, la photographie d'Ernest Dickerson et la conception de la production de Wynn Thomas divisent la différence entre le blocage cinématographique, la coupe et le mouvement et une sensibilité théâtrale sans vergogne qui traite à la fois les espaces intérieurs et extérieurs (tourné sur un lieu sur un véritable bloc dans Bedford-Stuyveant pré-GentrifieNotre ville. Il y a une variation du narrateur de manager de scène de Wilder, gracieuseté du DJ local de Samuel L. Jackson, le sénor Love Daddy, qui raconte l'action qu'il observe à travers la fenêtre d'image de la station de radio, et dans l'un des montages les plus célèbres du film, plusieurs personnages majeurs brisent le quatrième mur alors qu'ils crachent raciste. Lee est toujours énervé par les alarmistes prises publiées parNew YorkLe chroniqueur de Magazine City, Joe Klein, et le critique de cinéma David Denby qui prévoyaient que les émeutes soient provoquées par la sortie du film, et il a raison de l'être. Avec le recul, il semble sûr de paraphraser le personnage de feu Robin Harris, Sweet Dick Willie, et de concéder que, intellectuellement, ces enculeurs étaient à 50 cents d'avoir un quart.—Mzs

(Sautez au deuxième film de Spike Lee sur cette liste.)

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Une inspiration clé pour beaucoup de futurs cinéastes (y compris Martin Scorsese), le drame indépendant extrêmement influent de Shirley Clarke prend ce qui aurait pu être un conte de jeunes à crise standard - il s'agit d'un enfant de 15 ans qui aspire à posséder une arme afin qu'il puisse prendre en charge son gang de Harlem et se sentir comme un grand coup - et le transformer en une œuvre de rédaction poétique décagoulante. En utilisant des non-professionnels et un style documentaire de tir, Clarke capture vivement le dynamisme, la beauté et la violence d'un monde qui, jusque-là, avait été représenté en termes largement unidimensionnels. Mais sa photo prend également les qualités officielles d'un essai: une grande partie du dialogue a été surnommée, pas tout de manière convaincante, et le protagoniste nous donne une narration courante, flux de conscience qui donne à tout que cela se déroule en partie dans son esprit. Qui faitLe monde coolUn film parfait de New York - à la fois immergé dans la foule et absorbé par ses propres pensées. Le score de Gillespie Dizzy aide également.-ÊTRE

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Bébé du romarinest un cauchemar de grossesse fantasmagorique, un panique satanique à la réduction lente et une représentation exaspérante astucieuse de l'éclairage au gaz d'une femme faite par un homme confronté à plusieurs allégations réelles d'agression sexuelle. Mais c'est aussi un premierHistoire de l'appartement de New YorkÀ propos de passer dans un espace dont vous ne pouvez que deviner l'histoire, en traitant avec des personnes que vous vous sentez obligé d'être gentilles parce que vous partagez tous des quartiers aussi serrés. Tant d'histoires d'horreur s'attardent sur la terreur de l'isolement, maisBébé du romarinest tout au sujet de la peur de l'intrusion. Les Castevets exploitent diaboliquement les attentes des logements de voisinage pour faire des incursions dans la maison de Mia Farrow, son mariage et, finalement, sa propre autonomie corporelle. D'une certaine manière, c'est une puissante représentation de la fragmentation dans une ville dans laquelle il peut être impossible de se tailler un espace pour soi-même.-

Lisez sur le sous-genre distinct de l'horreur de l'appartement de New York➼

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Llewyn Davis, le chanteur folk folklorique brisé, opprimé, au centre de ce gemme mélancolique Coen Brothers,fatigue sous forme humaine. Comme joué par Oscar Isaac dans une performance en petits groupes, l'épuisement émane des yeux fatigués de Llewyn, de sa posture sacrée et de son mélange de bowle, d'un appartement à un appartement, alors qu'il couchait au lieu de pouvoir se permettre une maison. Il croit en son talent, sait que si la bonne personne l'entend chanter, il pourra enfin gagner sa vie de son art. Mais il est frappé au visage avec indignité après l'indignité: une balade en métro a passé à chasser un chat, des dépenses inattendues, un concert enregistrant une chanson de nouveauté embarrassante, des arguments sur le même sort du même chat. Si vous avez vécu dans cette ville sans vous sentir épuisé, découragé et incertain si vous le ferez jamais tout en baisant à mort, alors vous n'avez pas vécu dans cette ville. DansÀ l'intérieur de Llewyn Davis, un film dont la palette de couleurs est mieux décrite comme sombre avec une chance de plus de morosité, Davis d'Isaac ne laisse aucun doute qu'il a vécu à New York et est mort un peu ici aussi.—JC

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Joseph Sargent, un réalisateur de films télévisés uniquement de la distinction modeste, a frappé l'œil du taureau une seule fois, mais Holy Moly fonctionne toujours. Et en faitLa prise de Pelham un deux troisCela ressemble un peu à une émission de flic étendue et élevée des années 1970, l'idéal platonique d'unIroniqueouLes fichiers de Rockfordépisode. Quatre hommes pseudonymes détournent un train n ° 6 en direction sud, le labourant juste en dessous de la gare de 28th Street, tenant un cargène complet de passagers pour une rançon en espèces. Ils disent qu'ils commenceront à tuer bientôt des otages, fournissant l'accélération insistante progressive du film, un trajet en train métaphorique qui reflète celui littéral. La police et les répartiteurs de l'autorité de transit tentant de le résoudre et de faire rançon le train - Walter Matthau, Jerry Stiller, Tom Pedi en tant que Caz Dolowicz surnaturalement hostile - sont des archétypes New York, chacun d'entre eux, qui se relâche sur le script. Ouais, il y a un whaddaya-gonna-do à New York. Le score de la section lourde de David Shire, toutes les dissonances funky et les rythmes légèrement décalés, est un célèbre.—CB

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Manhattan des années 1970 a-t-il déjà brillé avec autant de possibilités que dans le chef-d'œuvre de Paul MazurskyUne femme célibataire? Les années 70 dans le cinéma américain sont souvent présentées comme une entreprise masculine, mais Mazursky et ses collaborateurs - y compris Jill Clayburgh, transformant une performance de plomb tendre et réalisée émotionnellement - passent le cadre d'une histoire de maison à la dame de l'âge de l'âge. L'histoire d'Erica Benton (Clayburgh) se déroule dans des conversations intimes, avec ses amis proches dans les bars ou dans le studio d'art d'un intérêt amoureux naissant (Alan Bates), qui se sent aussi émotionnellement expansif et dynamique que la ville elle-même. Au fur et à mesure qu'il se déplace à travers des enclaves et des fêtes à Manhattan, le film agit également comme une fenêtre ruse sur la vie des artistes et de ceux de leur orbite.—Ajb

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La première fonctionnalité américaine à gérer directement l'impact de la crise du sida,Regards de séparationest un drame de comédie doux sur l'obsession et la mortalité, soutenu par Bronski Beat Songs, et avec Richard Ganoung et John Bolger en tant que couple gay, Michael et Robert, qui confrontent les faiblesses et les conflits dans leur relation dans une période de 24 heures. (Un acteur alors inconnue du nom de Steve Buscemi co-stars en tant que petit ami chaotique mais irrésistible de Michael, que Michael adhère toujours.) Parmi les vertus du film, il y a son portrait des espaces où les membres du premier groupe se sont entretenus dans les années 80, les membres du premier groupe.Regards de séparationL'honnêteté et la précision étaient, malheureusement, aussi autobiographiques que possible: c'était le premier et le seul long métrage du cinéaste indépendant Bill Sherwood, décédé des complications du VIH quatre ans après sa sortie.—Mzs

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Il est évident pourquoiLe parrainIs sur cette liste: c'est le film mafia le plus influent jamais réalisé et il se déroule en grande partie à New York, où une grande partie a été filmée. Mais c'est des trucs de surface. Il y a tellement plus dans l'ADN deLe parrainqui s'aligne sur l'idée de New York dans l'imagination publique. Il s'agit d'une histoire immigrée sur une famille italienne qui a construit sa richesse et sa influence après son arrivée ici, comme tant d'autres familles de New York l'ont fait, probablement sans autant de meurtre. Les Corleones ne prennent pas non pour une réponse, et les New-Yorkais non plus. «Je vais lui faire une offre qu'il ne peut pas refuser» pourrait être la devise de la ville. (Soit cela, soit «ne prenez jamais parti de personne contre la famille».) Le réalisateur Francis Ford Coppola et le directeur de la photographie Gordon Willis jouent constamment avec des contrastes qui mettent l'accent sur la façon dont la corruption envahit le quotidien. Les lumières de Noël scintillent à l'extérieur de l'hôpital où Michael est agressé par un flic du NYPD aligné avec une autre famille de foule. Un restaurant italien calme et de quartier du Bronx devient soudainement le théâtre d'un double meurtre. Alors que Michael assiste au baptême de son neveu et renonce à Satan, nous voyons plusieurs exécutions, toutes ordonnées par Michael, menée sans pitié en même temps. La paix et le calme coexistent avec l'obscurité et la violence, une dichotomie qui s'aligne sur la notion fictive de New York comme un endroit dynamique, mais potentiellement dangereux. Là où il y avait une fois un cannoli, il pourrait également y avoir un pistolet fraîchement tiré.—JC

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Le dramaturge-filmaker Kenneth Lonergan est devenu un maître reconnu de drames romanesques sur les personnages qui luttent pour comprendre leur place dans le monde et combien de contrôle ils ont réellement sur leur sort.Margaret, à propos d'une jeune femme nommée Lisa (Anna Paquin) naviguant sur la vie au lendemain d'un accident de bus qu'elle est en partie responsable de la cause, est le résumé de tout ce qu'il s'agit. Bien que la coupe originale de deux heures et demie soit excellente, la meilleure version du film est la coupe de trois heures et huit heures de Lonergan, car elle permet à chaque scène de respirer davantage et laisse la forme refléter les complexités psychologiques (désordre) de ses personnages, qui semblent constamment remettre en question, saper et mal compriser (parfois à exploiter, semble-t-il). C'est aussi l'un des grands films sur lesentimentde New York, grâce à la façon dont il empile le dialogue au sommet du dialogue, comme pour reconnaître la ruche bourdonnante de la conscience de la ville, et les moments où la direction adopte une approche voyeuriste, à un moment donné dans les fenêtres des gens et les écoutant parler, comme un tom regardant avec des pouvoirs surhumains. —Mzs

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CommeUne femme célibataire,Juste une autre fille sur l'IRTDémontre pourquoi New York, où les enfants sans licence peuvent marcher ou emmener le métro où ils ont besoin d'aller, est un cadre si puissant pour le récit de la maturité. L'écrivain-réalisateur Leslie Harris utilise Brooklyn dans toute sa noirceur multivalente comme toile de fond pour l'histoire de Chantal (Ariyan A. Johnson), une junior du lycée dont la force de caractérisation est enracinée dans sa normalité. Smart, une paroleuse rapide essayant toujours de comprendre la forme de sa vie, elle est simplement embourbée dans le reflux et le flux de l'adolescente - travail scolaire, famille, travail, jeune amour menant à une grossesse qu'elle cache, à la perspective du collège et de l'avenir. Harris, qui a basé son histoire sur des recherches approfondies du Brooklyn Teen Pregnancy Center, permet à Chantal de se déplacer doucement à travers la ville, en s'accumulant les textures de son quartier et de son école, transformant les détails les plus banals en aspects profonds de la vie d'une jeune femme noire.—Ajb

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Au cours de ses 20 premières minutes, la plupart des Muppets font ce que chaque New Yorker considère à un moment donné: ils quittent New York. Alerte de spoiler: Ils finissent tous par le retour, et les deux (sans doute) les plus vénérés Muppets, Kermit the Frog et Miss Piggy, ne partent jamais. "Je suis toujours là et je reste", crie Kermit du haut de l'Empire State Building au début du film, après la production de Muppets deMélodies de Manhattanest rejeté par plusieurs producteurs de Broadway. «Vous entendez ça, New York?» C'est le moment «fou comme l'enfer» de Kermit, une expression cathartique de détermination que chaque artiste de New York frustré au cinéma, deTootsie«s Michael Dorsey àÀ l'intérieur de Llewyn DavisLe chanteur folk titulaire a crié métaphoriquement dans le vent. Autant queLes Muppets prennent Manhattanconcerne le combat pour conquérir la grande manière blanche, c'est aussi une célébration de l'inspiration que l'on peut trouver dans ces rues. Ses visites dans les monuments de Manhattan (Sardi's! Central Park!) Et avec les New-Yorkais vénérés qui ne sont plus avec nous, y compris Joan Rivers, alors le maire Ed Koch et Gregory Hines, ajoutent une couche de poignance de New York en plus des nombreuses joies du film. Ceci est un rappel de l'espoir et du grain de la ville tel qu'il a regardé dans les années 1980 et un hommage à son esprit, qui est intemporel.—JC

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New York est un endroit qui appartient à sa population transitoire - ses migrants et ses résidents et visiteurs temporaires - autant que les personnes qui y vivent depuis des générations. Le film sublime de Chantal Akerman de 1977 résume le sentiment d'être jeune et loin de tout ce que vous savez, à la fois ravi et éloigné de la ville, comme aucun autre. Akerman était déjà retourné en Belgique et avait faitJeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 BruxellesQuand elle a tiréNouvelles de la maison, mais la distance professionnelle et temporelle du Vagabond autoproclamé de 21 ans qu'elle était lorsqu'elle a déménagé à New York rend le film encore plus efficace. Photographié en collaboration avec la cinéaste Babette Mangolte,Nouvelles de la maisonévoque le travail d'avant-garde que le jeune Akerman rencontrait aux archives du film d'anthologie, mais cela crée également un sentiment d'espace émotionnel qui est incroyablement personnel. Alors que les longs coups de métro, les trottoirs vides et les rues dans un centre-ville jouent à l'écran, Akerman lit ses propres lettres à la maison à sa mère à travers l'Atlantique. C'est un film inondé d'émerveillement, de défi et de solitude, à la fois, la ville comme un site de dépassement individuel.-

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Le quartier de Brooklyn Heights dans lequel se déroule ce délice normande juive est aussi accueillant et confortable qu'il est parfois claustrophobe. Honnêtement, qui pourrait blâmer Loretta Castorini de Cher pour sa retraite dans sa maison d'enfance après la mort de son premier mari lorsque sa maison d'enfance est sur l'un des blocs les plus souhaitables de l'arrondissement?RêveurCrée une idée de la proximité de la communauté italo-américaine dans laquelle elle se déroule avec un énorme charme, et en même temps, il est rappelé que son cadre pittoresque limite existe au centre d'une métropole animée, même si son héroïne a cessé de ramasser sa tête assez longtemps pour le remarquer. La romance de Loretta avec le boulanger tumultueuse Ronny (Nicolas Cage) pourrait ouvrir son monde à la passion, mais il ouvre la ville à elle aussi. Après que Ronny ait apporté Loretta au Lincoln Center pour son premier pinceau avec l'Opéra, puis l'a amaquée au lit avec l'un des grands discours de comédie romantique de tous les temps, elle prend une promenade heureuse à la maison le long du front de mer le matin après, la ligne d'horizon de Manhattan derrière elle alors qu'elle se tourne vers le coin jusqu'à sa maison familiale. Il s'avère que c'était là tout le temps - elle n'avait qu'à regarder.-

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Si l'une des qualifications de films sur cette liste est qu'elles seraient totalement atténuées par la réinstallation dans une autre ville - eh bien, il n'y a guère de ligne ou de scène dans ce film qui pourrait survivre à la transplantation. La comédie romantique de Joan Micklin Silver est imprégnée du Lower East Side Yiddishkeit. d'un libraire jeune, jolie et semi-laïque a unbubbequi veut qu'elle soit mariée joyeusement; Deux hommes (l'un fringant et caddish, l'autre peu glamour et Haimish) pourraient devenir son mari; Cela va à peu près comme vous vous y attendez. Les appartements ressemblent tous à des appartements de New York, et les accents, faibles et forts, sont tout aussi reconnaissables. Cela va triple pour la grand-mère; Son appartement est incontestablement dans l'une de ces tours Mitchell-lama d'après-guerre, et ce n'est certainement pas un ensemble; L'actrice elle-même est Reizl Bozyk, qui est venu dans les théâtres yiddish vanisés depuis longtemps sur Second Avenue. Et juste pour compléter la carte de bingo du film de New York: l'ami de Yenta de sa grand-mère est jouée - inévitablement, impeccablement - par Sylvia Miles.—CB

(Sautez au premier film de Joan Micklin Silver sur cette liste.)

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La réputation de New York en matière d'essai n'a jamais été plus réalisée avec un humour plus acide que dans la comédie romantique de Billy Wilder à propos de deux employés de bas niveau en danger de se lancer dans les engrenages de la Gargantuan Insurance Corporation pour laquelle ils travaillent tous les deux. Jack Lemmon est le greffier néblanée qui a été contraint de laisser son appartement s'utiliser comme un buckpad par diverses hautes personnes de philanderie avec des maisons et des familles en banlieue. Shirley Maclaine est l'opérateur de l'ascenseur gagnant avec lequel l'un de ces dirigeants joue. Le toucher trompeusement léger de Wilder offre un enfer de contraste avec une histoire d'amour sur deux personnes parfois suicidaires qui réalisent que la survie est plus importante que de prouver que si vous pouvez le faire ici, vous pouvez le faire n'importe où.-

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Le regarde de 1991 de 1991 est très influent et révélateur de Jennie Livingston (et, à l'époque, controversé). À un niveau, c'est une célébration bruyante de la variété éblouissante de ce monde, en prenant l'étendue des performances, des poses, des danses et des identités exposées. À un autre niveau, c'est une étude poignante et humaniste des individus impliqués dans cette sous-culture, dont beaucoup, vivant en marge, ont atteint l'appartenance au milieu des différentes «maisons» de ce monde. Pendant une grande partie du 20e siècle (et, en effet, plus tôt), l'Occident était considéré comme où vous êtes allé à nouveau, pour forger une nouvelle identité et trouver une nouvelle famille.Paris brûlesuggère que dans ces coins apparemment invisibles de New York, de nouvelles vies, des familles et des communautés sont en cours de construction tous les jours. En plus de pouvoir filmer les performances avec votre vitalité, Livingston a également un œil pour le moment ou le détail révélateur qui nous permet d'avoir un vrai sens de ces personnes en tant que personnes - ce qui signifie que le film s'avère également déchirant.-ÊTRE

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Des images d'ouverture de la cabine à damier de son personnage de titre émergeant des nuages ​​de vapeur stygiens et du visage anxieux mais étrangement vide de ses yeux dans un rétroviseur,Chauffeur de taxicapture ce qui pourrait être lepoint le plus semets de l'histoire de la ville, tout en donnant également au public grand public un aperçu précoce de l'endroit où le fétichisme des armes à feu chevauche la culture incélaire. Tourné en 1975, l'année de New YorkNouvelles quotidiennes`` Notorious Cover Titre «Ford to City: Drop Dead», cette collaboration du réalisateur Martin Scorsese, du scénariste Paul Schrader et de la star Robert de Niro est davantage à l'avance sur la paranoïa de droite qui a conduit le début des années 70 de New York commeJoe,Death Wish,etLa connexion française. Son protagoniste ethnique blanc, le vétérinaire du Vietnam Travis Bickle, est un solitaire qui tire un journal modélisé sur l'assassin présidentiel arthur Bremer. Il traque un objet Crush, un travailleur de la campagne sénatoriale (Cybill Shepherd), après avoir rejeté, puis se précipite sur le sauvetage d'un streetwalker de 12 ans (Jodie Foster) de son proxénète (Harvey Keitel). L'explosion culminante de la violence armée est teintée d'ironie: si Travis avait fait exactement les mêmes choses à un autre groupe de personnes, il aurait été considéré comme un monstre plutôt que comme un ange vengeant. Comme tant de films Scorsese sur les anti-héros motivés, celui-ci plonge le public dans l'état d'esprit de son personnage principal, leur donnant plus que suffisamment d'informations pour comprendre à quel point Travis est perturbé et effrayant, mais aussi impulser l'identification avec lui d'une manière qui rend les jugements de valeur simpliste impossibles. Les promenades en taxi de New York n'ont jamais été les mêmes après ce film.—Mzs

(Sautez au premier film de Martin Scorsese sur cette liste.)

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Ce sont les films les plus improbables des flics et des robeurs: pendant une heure au milieu, presque rien ne se passe. Dans les scènes d'ouverture, Sonny (Al Pacino) et Sal (John Cazale) ont brouillé un vol dans une banque succursale du quartier, et eux et leurs otages sont piégés à l'intérieur en tant que négociateurs et une grande foule de Brooklyn se rassemble à l'extérieur. C'est août, tout le monde en sueur et un peu crasseux, et la banque devient de plus en plus chaude une fois que la climatisation est coupée. Il y a des visites et des appels effrénés de la famille de Sonny, à la fois génétiques et choisies; Il y a des gambits pour sortir les otages et les ravisseurs du bâtiment. Dans la célèbre «Attica! Attica!» Scène, Sonny fouette la foule contre les flics, sentant qu'il a un peu de pouvoir pour la seule fois dans sa vie opprimée et réprimée. Sidney Lumet, qui a réalisé le film, a déclaré que c'est un film qui nous forçait à reconsidérer les gens que nous considérons comme des monstres - et vraiment, New York en 1975 est l'endroit où ces personnages Edge ont eu tendance à se laver, à s'accrocher et à causer parfois un chaos. Le tout enroule juste de plus en plus serré pendant deux heures, avec juste assez d'humour («Le Wyoming n'est pas un pays») en cours de route pour le faire à la grille. Au moment où l'inévitable libération triste arrive, sous des lumières dures dans la scène finale, vos sympathies résident avec toutes les personnes impliquées et aussi avec personne.—CB

(Sautez au premier film de Sidney Lumet sur cette liste.)

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Le chef-d'œuvre de Spike Lee est déjà le plus grand film du 11 septembre, mais il se trouve également être le plus grand film de New York. Au moment de sa sortie, le film a été critiqué de certains qui ont estimé que son actualité avait été cloué - que le 11 septembre et ses conséquences n'avaient pas grand-chose à voir avec le roman du scénariste David Benioff en 2000 sur le dernier jour de liberté d'un trafiquant de drogue avant de se diriger vers la prison. Oh, à quel point ils avaient tort. En mettant en vedette des images de The Broken City, le film établit un parallèle direct avec le sort condamné de son protagoniste, Monty Brogan (Edward Norton). Et il capture le cri angoissant d'une société qui a atteint son point de rupture lors d'un monologue inoubliable, livré à un miroir de salle de bain, dans lequel Monty crie les explétifs dans les enclaves ethniques et sociales de la ville, terminant en faisant exploser ses amis, sa famille et lui-même. L'ensemble du film parle de l'auto-dégoût, mais à des moments comme ceux-ci, Lee fait la civilisation de soi. Cependant, il trouve Grace et Cohesion, ce qui en fait aussi le grand film de New York. (Le monologue cloques de Monty rappelle même les tirades étendues directes à caméra de l'autre chef-d'œuvre de Lee sur cette liste.) Pour toute la brutalité intime de leur haine, de telles scènes créent en fait un sentiment général de communauté, nous rappelant que les New-Yorkais sont connectés et unifiés par leur rage et leur frustration. (Regarder ces scènes dans un théâtre de Midtown en 2002 a été une expérience de lévitation carrément.) Comme pour souligner ce point même, Lee ramène des images des gens contre lesquels Monty a fait rage à la toute fin, souriant chaleureusement à son visage ensanglanté - et directement dans la caméra, à nous - alors qu'il les conduisait devant leur chemin jusqu'à sa prison. C'est un moment de solidarité profondément émouvant qui, à un certain niveau, va au-delà de la simple victime pour reconnaître que peut-être ce que le 11 septembre nous a fait nous rappeler que nous étions chacun brisés à notre manière. À un autre niveau, il établit que le conte de Monty n'est qu'une des nombreuses histoires de la ville nue, juste une autre vie vécue parmi la foule éternelle.

(Sautez au premier film de Spike Lee sur cette liste.)