Les 50 meilleurs documentaires musicaux de tous les temps

Illustration photographique : Vautour, Photos : Metro-Goldwyn-Mayer, Miramax, Netflix, Searchlight Pictures

Cette histoire a été initialement publiée en 2015 et a été mise à jour pour refléter les versions récentes.

Ces dernières années ont été en quelque sorte un âge d'or pour les documentaires musicaux, avec le succès oscarisé deÀ la recherche de Sugar ManetÀ 20 pieds de la célébritéouvrant le champ aux films sur des stars moins évidentes. Dernièrement, il y a eu un flot de films sur des groupes cultes, des artistes locaux oubliés et des acteurs de fond - et même quelques documentaires, commeAmy etRêverie de lune, qui ont trouvé de nouvelles façons d'approcher certains des musiciens les plus populaires du dernier demi-siècle. Netflix a si bien réussi avec ses films sur le thème de la musique qu'il en a commandé certains, commeQue s'est-il passé, Mlle Simone ?Grâce en partie aux mécènes du cinéma d'art et d'essai, aux acheteurs de Blu-ray et aux abonnés au câble premium, le marché des films sur les musiciens est devenu suffisamment lucratif pour que même des projets longtemps mis de côté commeAmazing Graceet le sketch arty de Leon RussellUn poème est une personne nueont vu le jour. C'est une période merveilleuse pour être un passionné de musique.

La liste de 50 documentaires ci-dessous présente d'anciens classiques, de nouveaux favoris et quelques films qui méritent un public plus large. Il touche à la pop, au hip-hop, au rock, au punk, au R&B, au jazz, à la country et au folk ; collectivement, il raconte une histoire de formes d’art, de cultures et de modèles commerciaux en transition. Plus important encore, ces documentaires (et des films de concerts exceptionnels, au cas où vous vous poseriez la question) contiennent des performances aussi essentielles à la compréhension de ces artistes que n'importe lequel de leurs disques. Considérez ces 50 titres comme une capsule temporelle, prête à être ouverte aujourd’hui, l’année prochaine ou dans des décennies.

L'ingénieur du son Tom Dowd a débuté chez Atlantic Records dans les années 1950 et s'est forgé une réputation dans le secteur de la musique en tant que magicien technique, capable de résoudre les défis logistiques liés à la prise de vue d'artistes aussi disparates que John Coltrane et Ray Charles. Le documentaire de Mark Moormann couvre les sommets de la carrière de Dowd, ce qui signifie qu'il s'agit en réalité d'une mini-histoire de la musique populaire entre 1950 et 1980. Mais le film est une introduction à l'art de l'enregistrement, représenté de manière plus spectaculaire dans une scène époustouflante de Dowd promenant Moormann à travers chaque endroit isolé. morceau de « Layla » de Derek et des Dominos – avec sa propre dextérité autant exposée que celle d’Eric Clapton et de Duane Allman.

Fêtard et génie musical – avec une voix angélique et une nature diabolique – Harry Nilsson était considéré par l’industrie musicale et par de nombreux critiques comme quelqu’un qui réalisait rarement son potentiel. Et tandis que le documentaire de John ScheinfeldQui est Harry Nilssonachète trop dans ce faux "n'est-ce pas dommage?" narratif (en particulier dans la façon dont il minimise les albums plus expérimentaux et souvent brillants de Nilsson du milieu des années 1970), le réalisateur dispose pour l'essentiel de suffisamment d'interviews de témoins oculaires et d'images d'archives convaincantes pour affirmer que Nilsson était plus qu'un simple gars avec quelques coups de hasard. et une réputation pour entraîner ses amis célèbres dans la boue arrosée. Si rien d'autre,Qui est Harry Nilssonfait ressembler son sujet à un véritable original : un artisan de la pop trop espiègle pour traverser la vie.

Même si les performances enflammées de Little Richard,style flamboyant, la franchise sexuelle et la fluidité des genres ont directement influencé Prince, Janelle Monáe et Lil Nas X, le film de Lisa Cortés.Petit Richard : Je suis toutcommence par rassembler tous les pionniers du gospel et des roadhouses (dont certains se sont maquillés et vêtus de vêtements androgynes) qui ont inspirélui. Avec ça à l'écart,ce film rend hommage à Richard Wayne Pennimanque l'industrie musicale faisait rarement, documentant comment un enfant efféminé de Macon, en Géorgie, est devenu unsuperstar unique dans une génération. Cortés n'ignore pas les contradictions déconcertantes de la carrière de Little Richard : comme le fait qu'il était à la fois ouvertement gay et, dans sa forme la plus religieuse, douloureusement homophobe. Mais, comme le film le reconnaît, c’est cette réticence à choisir définitivement entre le spirituel et le profane qui a rendu sa musique si dangereuse – et si passionnante.

À peu près à la même époque, Robert Altman usurpait le côté élégant et célèbre de Music City USA dans son chef-d'œuvre.Nashville, James Szalapski traînait dans la ville – et à Austin, au Texas également – ​​pour filmer la nouvelle race d'auteurs-compositeurs-interprètes politisés et racines qui étaient devenus connus comme l'épine dorsale du mouvement du « pays hors-la-loi ». De forme semi-libre, style vérité,Des autoroutes déchiréesprésente les jams occasionnels et les bull-sessions qui ont réuni Guy Clark, Townes Van Zandt, David Allan Coe, Charlie Daniels et les très jeunes Steve Earle et Rodney Crowell. Ces artistes travaillaient en dehors de l’usine à stars de la musique country établie, mais écrivaient des chansons si pures et vraies que Nashville devait y prêter attention.Des autoroutes déchiréescapte la magie désinvolte qu'ils ont invoquée, seuls et ensemble.

Comme le savent les fans de toutes les scènes musicales, il n'est pas toujours facile de prédire – ni même de comprendre – pourquoi certains artistes se retrouvent dans le courant dominant tandis que d'autres languissent. Ondi Timoner'sCreuser!examine ce phénomène à travers les fortunes divergentes de deux groupes de rock alternatif de la côte ouest des années 1990 : The Dandy Warhols et Brian Jonestown Massacre. Les membres des deux groupes ont déclaré que Timoner avait exagéré les conflits pour réaliser un documentaire plus dramatique, mais il y a encore beaucoup de vérité dans ce qui se passe.Creuser!a à dire sur les compromis commerciaux et les personnalités épineuses. Exagérés ou pas, ces clips avec toutes leurs verrues illustrent pourquoi les artistes qui perdurent sont souvent ceux qui ont trouvé comment satisfaire leurs bailleurs de fonds.etleur muse.

À l'apogée de Rush, le trio canadien était farouchement apprécié par ses fans et largement rejeté par les critiques rock ; et même si adorer Rush a depuis longtemps cessé d'être un plaisir coupable, le groupe a toujours un petit quelque chose sur l'épaule collective de Sam Dunn et Scot Mcfadyen.Au-delà de la scène éclairée. Mais cela joue à l'avantage du documentaire, car Geddy Lee, Neil Peart et Alex Lifeson ne se contentent pas de raconter leur propre histoire dans le film : ilsdéfendreen rejetant les accusations selon lesquelles ils auraient commencé par être trop prétentieux, puis seraient devenus trop politiques, puis trop doux. Ils apparaissent comme des gars intelligents, honnêtes et honnêtes, qui se sont toujours dirigés dans la direction qui leur semblait la plus fructueuse et la plus excitante, que l'un de leurs abonnés veuille ou non les suivre. C'est ce genre d'intégrité artistique à l'écran qui pourrait transformer même les non-fans en condamnés à perpétuité de Rush.

La leader de Riot Grrrl, Kathleen Hanna, a mené une vie si intéressante qu'il serait possible de faire un film uniquement sur elle en tant que militante, musicienne ou en tant que personne dont la carrière a été détournée par des problèmes de santé difficiles à classer. Sini AndersonLe chanteur punkaborde tout cela, montrant les problèmes de santé peu connus derrière une icône vivante qui a soif de création constante, tout en pimentant une partie du débat sur la question de savoir si le mariage de Hanna avec Beastie Boy Adam Horowitz a sapé son féminisme. Anderson coupe fréquemment des images fantastiques de Bikini Kill, Le Tigre et Julie Ruin en action, démontrant que, quel que soit le sentiment du public à l'égard de la politique d'Hanna, ses contributions à la musique moderne ont été sous-estimées.

La réalisatrice Alison Ellwood n'est peut-être pas un nom connu parmi les cinéphiles ou les amateurs de musique, mais elle a réalisé certains des meilleurs documentaires musicaux et docu-séries de ces dernières années, notammentHistoire des AiglesetCanyon des Lauriers.Les Go-Goest le meilleur d'Ellwood jusqu'à présent— et le plus nécessaire. Un regard approfondi surle groupe pop à succès de Los Angeles, ce film raconte l'histoire de la plupart des critiques et journalistes rockpassé sous silence dans les années 1980, alors que ces cinq femmes étaient souvent considérées comme mignonnes mais sans substance. À l'aide d'interviews d'une honnêteté brutale, Ellwood raconte comment un groupe né de la scène punk de Los Angeles a continué à créer certaines des musiques les plus accrocheuses de son époque – avant que les conflits interpersonnels, la toxicomanie et une quantité épuisante de sexisme industriel ne prennent le dessus. au sommet, c'est moins amusant.

Peu avantLe pionnier du folk-rock David Crosby est décédé, il a finalement commencé à gagner le respect de tous les critiques et commentateurs culturels qui, pendant des décennies, ont accordé plus d'attention àses arrestations, sa toxicomanie et son attitude grincheusequ'à ses chansons envoûtantes et exploratoires. Le documentaire d'AJ Eaton,Souviens-toi de mon nom,faisait partie de ce processus de renforcement de la réputation, même si le film ne recule pas devant les plus grands scandales de l'icône hippie. Le journaliste et cinéaste vétéran du rock Cameron Crowe s'occupe duentretiens avec Crosbyet obtient des réponses d’une honnêteté et d’une réflexion désarmantes aux questions sur les controverses. Mais Eaton et Crowe sont finalement plus intéressés à rappeler la scène fertile de la Californie du Sud qui a produit les Byrds et Crosby, Stills, Nash & Young – et à apprécier la façon dont le talent, l'intensité et la créativité de Crosby ont inspiré ses pairs et ému ses fans.

Les Beatles ont inspiré de nombreux documentaires et longs métrages de fiction, mais aucun n'a la douceur et la perspicacité du regard de Ryan White sur la vie de Freda Kelly, la secrétaire du groupe. Alors que le reste du monde apprenait à connaître John, Paul, George et Ringo en tant que génies musicaux et icônes de style, Freda était celle qui les aidait à s'occuper de leurs affaires quotidiennes ordinaires et veillait à ce que leurs courriers de fans reçoivent une réponse. Elle était la Rosencrantz (ou peut-être Guildenstern) de leur Hamlet, les regardant vivre des changements créatifs et personnels depuis son petit bureau, dans un bureau qui continuait de bourdonner jusqu'à ce que les garçons mettent un terme à la fête.

L'ascension de Prince vers la gloire à la fin des années 70 et au début des années 80 a beaucoup à voir avec son spectacle live, qui a impressionné les foules et les critiques par son éclectisme, son énergie implacable et sa sexualité subversive. Pourtant, jusqu'à ce que Prince fasse le film du concertSignez le Times(une reconstitution presque piste par piste de l'album du même nom), les fans qui ne pouvaient pas obtenir de billets pour ses concerts ne pouvaient avoir qu'un aperçu fugace de ce qu'il était sur scène : via des vidéoclips et ses émissions occasionnelles à la télévision et représentations cinématographiques. L'Artiste a même essayé de faireSignez le Timesdifficile à regarder, le gardant hors de circulation après sa première diffusion en salles limitée et sa sortie en VHS. Depuis la mort de Prince, le film est enfin devenu plus largement disponible, renforçant tardivement sa réputation. Et c'est aussi une bonne chose : il s'agit d'un document inestimable sur un musicien américain révolutionnaire à son apogée, invitant le public dans son monde intense et parfois surréaliste de funk, de rock, de gospel et de bump-and-grind.

Lorsque les États-Unis ont interrompu la plupart de leurs échanges culturels et économiques avec Cuba au début des années 1960, de nombreux artistes cubains ont perdu le public international dont ils bénéficiaient à l'époque de l'apogée de la vie nocturne de La Havane. Le guitariste américain et passionné de musique Roots Ry Cooder a amené certains de ces musiciens en studio pour enregistrer un album, puis en Europe et aux États-Unis pour quelques concerts – le tout filmé par le réalisateur allemand accompli Wim Wenders. Le documentaire nominé aux Oscars en révèle beaucoup sur la vie à Cuba sous Castro, montrant comment l'isolement de la communauté mondiale a conduit ces artistes à perfectionner leur art tout en restant coincés de manière séduisante dans le temps.

Hendrix n'était mort que depuis quelques années lorsqu'un trio de cinéastes (dont le légendaire producteur folk Joe Boyd et le futurSamedi soir en directcontributeur Gary Weis) a fait au guitariste un véritable éloge funèbre, à travers cette collection de souvenirs et de performances live clés. Au bout d'un moment, les histoires et les chansons commencent à se compléter, jusqu'à ce qu'une longue anecdote sur Hendrix faisant un concert à Harlem devienne tout aussi excitante que le fait qu'il joue une version de 12 minutes de « Machine Gun ».Jimi Hendrixn'est pas souvent considéré comme l'un des grands documentaires rock, car il a émergé à une époque où le genre était encore naissant. Mais quiconque veut savoir qui était Hendrix et pourquoi il comptait ferait mieux de commencer ici plutôt qu'avec n'importe lequel des biopics fades sur lui.

À un moment donné du documentaire de Doug Pray sur la scène grunge de Seattle du début des années 1990, un journaliste local résume toute la thèse du film en disant : « Quand vous voyez une révolution de la culture pop de l'intérieur, vous réalisez à quel point tout cela est stupide. » Parce que le boom du rock alternatif d'il y a 25 ans a coïncidé avec la montée de la génération X, à l'écoute de l'ironie, les participants ont eu du mal à prendre leur propre succès au sérieux - ce qui explique peut-être pourquoi les artistes véritablement créatifs de l'époque n'ont eu que de brefs moments à jouer. le sommet avant que les copieurs d'entreprise ne viennent chercher leur son.Battage!filme tout cela, expliquant comment les gardiens culturels de Seattle ont suscité un enthousiasme international pour ce qui se passait dans leur ville, puis ont rapidement regretté toute l'attention qu'ils avaient eux-mêmes exigée.Battage!regorge de bon rock and roll, prouvant que des groupes comme Mudhoney, Pearl Jam et Nirvana étaient la vraie affaire.

Il y a peu de musiciens qui ont eu des carrières plus étranges que Scott Walker : un ancien idole adolescente né dans l'Ohio qui a déménagé au Royaume-Uni, est devenu un phénomène dans les années 1960 en dirigeant le groupe pop maussade des Walker Brothers, a dérivé vers le country-rock en au début des années 1970, et s'est tourné vers une musique de plus en plus avant-gardiste depuis la fin des années 1970 jusqu'à aujourd'hui. Celui de Stephen KijakL'homme du 30e siècleoscille entre des images d'archives et de nouveaux extraits de Walker au travail, dressant le portrait d'un homme qui ne peut même pas expliquer pourquoi il a fait tout ce qu'il a fait, mais qui est toujours déterminé à réaliser les grands sons dans sa tête.

Prouvant une fois de plus que ce sont parfois les relative inconnues qui constituent les meilleurs sujets pour un documentaire musical,Un groupe appelé Deathest une saga satisfaisante, presque épique, racontant ce qui s'est passé lorsque trois frères afro-américains ont fondé un groupe proto-punk au début des années 1970 à Détroit. Le film couvre les différents types de discrimination auxquels Bobby, Dannis et David Hackney ont été confrontés – à la fois de la part de personnes qui s'attendaient à ce que les musiciens noirs jouent du R&B et de la part de types de l'industrie qui trouvaient leur son trop brut – et aborde les problèmes personnels qui ont suivi après la mort de Death. . Il y a même un troisième acte rédempteur, alors que les disques des Hackneys sont redécouverts par la nouvelle génération d'archivistes musicaux qui partent à la recherche des oubliés injustement.Un groupe appelé Deathdevrait rassurer chaque groupe talentueux mais en difficulté sur le fait que s'ils sont suffisamment originaux et passionnés, il y a toujours une chance que leur travail soit éventuellement apprécié ; cela pourrait prendre quelques décennies.

Bien qu'ils aient été initialement soutenus par le célèbre Andy Warhol, les Velvet Underground étaient si obscurs à leur apogée à la fin des années 1960 qu'il existe très peu de séquences du groupe en action. Ainsi, pour ce documentaire, le réalisateur Todd Haynes s'appuie largement sur des interviews magnifiquement tournées, semblables à des portraits, avec certaines des personnes qui ont couru dans les mêmes cercles que les membres du groupe.Lou ReedetJohn Calé. Haynes illustre ensuite ces conversations avec des extraits de certains des films d'avant-garde émergeant du monde de l'art new-yorkais de l'époque. Les images correspondent au son de VU, qui mêle rock garage primitiviste, noise avant-gardiste et explorations poétiques du demi-monde. Ce film raconte une histoire fascinante sur des artistes travaillant dans l'ombre et trouvant la beauté dans l'obscurité, mais il tente également de recréer ce que c'était que d'être vivant et aventureux dans une époque enivrante de décadence et de créativité new-yorkaise.

La musique gospel a sa propre sous-culture, avec un circuit d’interprétation et d’enregistrement qui existe largement en dehors du courant dominant. Celui de George NierenbergDis Amen, quelqu'untraite ces histoires et personnalités moins connues avec le même sérieux avec lequel d'autres cinéastes ont traité les histoires de grands groupes ou de scènes musicales emblématiques. Plus important encore, Nierenberg se délecte des performances ravissantes de chanteurs chevronnés, indiquant clairementpourquoice chapitre de l’histoire musicale américaine est important. Roger Ebert a parfaitement saisi l'esprit deDis Amen, quelqu'unquand il l'a qualifié de "l'un des films les plus joyeux que j'ai jamais vu".

Il a fallu 40 ans pour que le documentaire de Les Blank sur Leon Russell soit diffusé en salles, apparemment parce que le sujet détestait au départ ce que le réalisateur avait fait avec les images qu'il avait compilées pendant deux ans de tournage. Autant une étude impressionniste de la vie en Oklahoma et à Nashville qu'un film sur le favori du culte Roots Rock,Un poème est une personne nuedépeint Russell comme une incarnation quelque peu odieuse et matérialiste du secteur de la musique. Mais le film contient des performances brûlantes de Russell et de certains de ses pairs, et dans l'ensemble, il s'agit d'une esquisse sensible et astucieuse de l'Amérique du début des années 1970. Dieu merci, Russell a finalement décidé de permettre que cela soit vu – même s'il a attendu après la mort de Blank.

Après avoir langui dans de mauvais films pendant la majeure partie des années 1960 – à une époque où la musique rock dans son ensemble devenait la musique du moment – ​​Elvis Presley a fait un retour commercial et critique à la fin de la décennie, puis a immédiatement encaissé en devenant l'un des meilleurs. des artistes les mieux payés de Las Vegas. La réputation de Vegas Elvis n'est pas la plus élevée, donc le documentaire à la voléeC'est comme çaconstitue un correctif nécessaire à la sagesse conventionnelle, montrant que le son country-rock de « retour aux sources » que Presley a commencé à poursuivre vers 1968 s'est poursuivi une fois installé au Nevada. Il s'agit d'un portrait gagnant du roi du rock'n'roll plus terre-à-terre qui a émergé dans les années 1970 : un homme plus lâche, plus drôle et plus imparfait, mais toujours capable de semer l'enfer avec certains des musiciens d'accompagnement les plus féroces. jamais assemblé.

Les documentaires musicaux de Brett Morgen (dontOuragan à tirs croisésetKurt Cobain : Montage de Heck) ne sont pas destinés à offrir une formation de rattrapage sur leurs matières. Ils sont destinés à plonger les spectateurs au plus profond des expériences de ces artistes, en montrant le monde à travers les yeux de génies. Leexpérience cinématographique tentaculaire et sensationnelleRêverie de lune fait grand usage des vastes archives audio et vidéo de la succession de David Bowie et combine d'anciennes interviews, performances et séquences d'actualité dans une épopée rock kaléidoscopique si forte qu'elle devient un barrage sonore et visuel presque écrasant. Le film est enraciné dansLes nombreuses métamorphoses de Bowie en tant que personnalité publique, suggérant que, plus que tout, il était un acteur brillant – disparaissant parfois dans le rôle de la rock star excentrique à la fois pour divertir ses fans et pour se protéger des regards.

Il se passe beaucoup de choses dans le salut du réalisateur Morgan Neville aux choristes.À 20 pieds de la célébritéest une leçon d'histoire, mettant des noms sur les voix qui ont animé des artistes comme « Gimme Shelter » des Rolling Stones et « Young Americans » de David Bowie. C'est une tranche de vie, montrant ce que c'est de gagner sa vie du côté de la scène. En cours de route, le film pose la question de savoir si l’industrie musicale marginalise les femmes talentueuses – et les femmes noires en particulier – en les utilisant pour leur « âme » et leur sex-appeal, mais en ne les laissant pas se lancer dans une carrière solo.À 20 pieds de la célébritéest fougueux et perspicace, et rempli de chansons classiques. Il n’est pas étonnant qu’il soit devenu le rare documentaire musical à remporter un Oscar.

Ce n'est pas souvent qu'un documentariste s'intègre dans un groupe qui traverse autant de tourmentes que Wilco l'a fait vers 2001, lorsque le leader Jeff Tweedy a licencié l'un de ses principaux partenaires créatifs, Jay Bennett, au moment même où son label majeur, Reprise, le supprimait. l'a libéré pour avoir fait de la musique dite invendable. Le film en noir et blanc visuellement saisissant de Sam Jones présente à la fois les germes et l'éclosion de toutes ces diverses crises, tout en gardant une distance sans jugement avec le groupe et son processus. Le soulagement satisfaisant du film survient lorsque le groupe décroche son quatrième album.Hôtel Yankee à Foxtrotau nouveau label Nonesuch, l'une des nombreuses filiales de Warner Music, dont Reprise – ce qui signifie que Wilco a été payé deux fois par la même société pour l'album, un chef-d'œuvre qui les a consolidés en tant que royauté du rock indépendant. MaisJ'essaie de te briser le cœurtrouve Tweedy & Co. à une époque de grande incertitude, déchiré par trop de directions musicales potentielles et pas assez de soutien de la part des gens qui rédigent les chèques.

Le documentariste accompli Amir Bar-Lev donne au Grateful Dead un traitement de quatre heures couvrant toute sa carrière, mais rend l'histoire plus facile à digérer en la divisant en morceaux plus petits, chacun ayant son propre flux narratif sinueux. De façon,Long voyage étrangeest un film sur les détails, avec des segments sur des détails apparemment mineurs comme les amplificateurs massifs des Dead, la communauté de fans de contrebande et la culture compétitive au sein de l'équipe de route du groupe. Encore et encore,Long voyage étrangecommence par ce qui semble être juste un côté amusant et fascinant, que Bar-Lev et son équipe de rédacteurs rebranchent ensuite progressivement et gracieusement à la mythologie d'un groupe travailleur qui a essayé - parfois de manière imprudente - d'être à la hauteur de sa légende.

À tout le moins, le documentaire du photographe de mode Bruce Weber sur le grand jazzman en difficulté Chet Bakerregardefantastique, avec des clichés austères et incroyablement composés d'un boulanger desséché à la fin de sa vie, contrastant avec le jeune et bel homme qu'il était autrefois.Perdons-nousest à la fois admiratif et désespéré, offrant un aperçu assez complet de la carrière épineuse de Baker – avec des amis et des jazzophiles expliquant l'importance de ses enregistrements de chansons comme « My Funny Valentine » et « But Not for Me » – tout en exposant quelle dépendance à l'héroïne et une persistance complexe d'infériorité a fait à l'homme. C'est un film riche et complexe, à la fois amoureux de l'image de l'artiste dévastateur mélancolique et conscient de la réalité derrière cette jolie image.

Le problème de défendre des artistes brisés et instables comme étant plus « authentiques » est que les fans peuvent les encourager à être plus destructeurs que créatifs. Ou du moins, c'est l'un des arguments avancés par le film compliqué de Jeff Feuerzeig sur Daniel Johnston, un auteur-compositeur-interprète malade mental qui a créé une musique étrange et belle, tout en étant un fardeau pour sa famille et un danger pour ses amis. Sans négliger les merveilleuses chansons créées par Johnston – des enregistrements maison accrocheurs et enfantins, au charme brut –Le Diable et Daniel Johnstonconsidère le véritable tribut que le fait d'être « un génie fou » fait peser sur ceux qui se trouvent à proximité immédiate.

Même si la suite est supérieure, ce n'est pas un coup contre le premier set de Penelope Spheeris à Los Angeles.Déclinfilms. Le premier volet donne le ton à la série, équilibrant des performances grossières (de Black Flag, X, Circle Jerks et Fear, entre autres) avec des interviews franches de fans et des images quelque peu tristes des groupes dans leur vie quotidienne. Spheeris voit le lien entre l’artiste et le public, les montrant comme mutuellement endommagés, presque symbiotiquement. Historiquement parlant, ce film est important en tant que témoignage du punk de la côte ouest à son épanouissement initial. Cinématographiquement, c'est une expression poignante de frustration et de mélancolie.

Le meilleur de la récente vague de documentaires sur les « héros méconnus derrière les étoiles », celui de Danny Tedesco.L'équipe de démolitionrend hommage aux musiciens de studio très demandés de Los Angeles qui ont contribué à révolutionner le son de la pop et du rock dans les années 1960, comblant le fossé entre Frank Sinatra et les Byrds. En tant que fils de l'un de ces broyeurs (Tommy), Tedesco a connu ces hommes (et une femme, la bassiste Carol Kaye) toute sa vie, et est capable de faire enregistrer presque tous ceux qui comptent sur le disque, depuis un jour inconnu. des joueurs qui ont discrètement gagné des millions, aux artistes comme Leon Russell et Glen Campbell qui ont rapidement occupé le devant de la scène. Rempli de bonne musique et d'anecdotes – y compris des histoires d'origine remarquables pour des chansons comme « A Taste of Honey », « Wichita Lineman » et « Good Vibrations » –L'équipe de démolitionest un rappel bienvenu que même à une époque où le génie auteur-compositeur-interprète-producteur devenait un titre de travail plus courant, la musique restait une forme d'art collaborative.

En 1958,ÉcuyerLe photographe Art Kane a rassemblé 57 des musiciens de jazz les plus connus de l'époque devant un brownstone de Harlem pour une photographie qui résume le passé et l'avenir d'une grande forme d'art américaine. Le documentaire de Jean Bach nominé aux OscarsUne belle journée à Harlemutilise des séquences de films personnels et des interviews pour raconter l'histoire de la création de l'image et pour transmettre à la fois le sentiment de communauté et les personnalités complexes qui unissent la communauté du jazz. Surtout, le film permet à son public de jeter un long regard sur Count Basie, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Gerry Mulligan, Sonny Rollins, Charles Mingus, Gene Krupa et Marian McPartland, tous habillés de leurs plus beaux atours et représentant des décennies. de musique phénoménale.

Julien Temple a expié son film désordonné et détruisant les mythes des Sex Pistols de 1980La grande escroquerie du rock and rollen revisitant l'histoire du groupe avec plus de perspective et d'émerveillement 20 ans plus tard.La crasse et la fureurreconnaît toujours la contradiction centrale des Pistols – des nihilistes lanceurs de bombes qui savaient qu'ils invalideraient tout ce qu'ils représentaient s'ils duraient assez longtemps pour laisser un véritable héritage – mais la deuxième tentative de Temple pour raconter l'histoire du groupe en dit plus sur la Grande-Bretagne dystopique que les a nourris et est plus généralement admiratif à la fois de leur détournement de l’establishment et de leur musique actuelle. Il n'y a aucun moyen de retracer l'évolution du rock dans les années 1970 (et au-delà) sans comprendre les Sex Pistols ;La crasse et la fureurest un excellent moyen d'obtenir cette éducation.

Amy Winehouse est décédée bien trop tôt, laissant derrière elle l'un des meilleurs albums des années 2000 (Retour au noir) et des questions persistantes sur ce qui aurait pu se passer. Le documentaire d'Asia Kapadia célèbre les talents de Winehouse et sa capacité à rendre le R&B old-school pertinent aujourd'hui ; mais plus que tout,Amyest une enquête. En examinant la toxicomanie du chanteur – couplée aux exigences intenses que les médias et le secteur de la musique imposent aux jeunes stars – le film se demande si cette tragédie particulière n'était pas le résultat d'une parfaite tempête de maladie, des deux côtés du micro. Qu'est-ce qu'il y a de plus déchirant dansAmyest que toutes ses images inédites montrent une jeune femme complexe que le public n'a jamais vraiment connue, car il était plus facile pour le chanteur et les tabloïds de vendre une histoire plus simple d'auto-indulgence imprudente.

C'est la sublime conscience de soi de Madonna Louise Ciccone qui faitAction ou Véritéun tel coup de pied. Sachant que tout ce qu'elle ferait devant les caméras du réalisateur Alek Keshishian serait scruté par les fans et les critiques, Madonna a monté un show, effaçant la frontière entre sa vie privée et sa personnalité publique. Elle fait un bump-and-grind provocateur sur scène, puis dans les coulisses, elle suce une bouteille d'Evian entre deux conversations explicites sur le sexe avec ses danseurs gays. Elle laisse Keshishian conserver les critiques de son petit ami prudent Warren Beatty sur son exhibitionnisme et ses propres remarques sarcastiques sur Kevin Costner et Oprah Winfrey. Elle a des rencontres difficiles avec de vieux amis et des membres de sa famille qui se souviennent d'elle comme d'une enfant de la classe ouvrière de Détroit. Le film tout entier semble conçu – par Madonna elle-même – pour forcer le public à se demander qui est « Madonna ». La frontière entre l’art de la performance et la construction d’une marque n’a jamais été aussi mince.

Il y a eu plusieurs bons documentaires sur « le seul groupe qui comptait », notammentLa montée et la chute du chocetJoe Strummer : L’avenir n’est pas écrit. Mais le meilleur du groupe est le plus concis. Don LettsWestway vers le mondetraverse la brève histoire du quatuor, en commençant par leurs origines dans l'aile ouvrière et politisée du punk britannique des années 1970, puis en montrant comment l'éclectique et ambitieux musicalement Strummer et le pop connaisseur Mick Jones ont rapidement élargi le son des Clash pour englober leur propre style distinctif. combinaison de reggae, de world beat, de rockabilly et de chahut dans les pubs britanniques. En plus de raconter l'histoire de la plus grande exportation du punk,Westway vers le mondecapture le sentiment de regret de toutes les personnes concernées – de ne pas pouvoir prendre suffisamment de recul pour voir à quel point c'était une chose incroyable, et à la place de laisser de petites querelles personnelles et un épuisement général détruire une entreprise artistique fructueuse.

Parce qu'il s'agit d'un groupe de heavy metal brièvement semi-populaire qui s'accroche à ses rêves de rock star quelques années de trop,Enclume!a été qualifié de « une vie réelleTap lombaire.» Mais même si le film peut être drôle – et le leader d’Anvil, Steve « Lips » Kudlow, peut paraître comiquement naïf et plein d’espoir – le réalisateur Sacha Gervasi vise ici quelque chose d’un peu plus réfléchi. Vu d'une certaine manière, il s'agit d'un film sur un couple d'amis de toujours qui se sont laissés aller à la folie des grandeurs et continuent de jeter leur argent sur des promoteurs et des producteurs qui ne peuvent pas vraiment faire grand-chose pour eux. Mais tourné de manière plus positive,Enclume!suit des musiciens qui continuent de gagner suffisamment d'argent pour enregistrer des disques et faire le tour du monde, jouant pour un groupe restreint mais dévoué de fans. Leur adhésion est pathétique – et poignante.

Le documentaire phare de Tony Silver se concentre principalement sur la montée des graffeurs à New York dans les années 1980 et sur leurs luttes incessantes contre les autorités et entre eux. Mais afin de placer les graffitis dans une perspective plus large, Silver s'intéresse aux break-dancers des rues et à la scène hip-hop en plein essor, montrant comment tout cela s'articule en quelque chose de positif : les jeunes New-Yorkais pauvres du centre-ville utilisant leur ressources limitées pour s’exprimer. QuandGuerres de stylesa commencé à être diffusé à la télévision en 1983, des enfants d'horizons divers à travers le pays se sont inspirés de la danse et du rap pour les essayer eux-mêmes.

Peu de pop stars modernes ont été aussi conscientes de ce qu'elles devaient faire de leur popularité que Beyoncé, qui a récompensé la foi de ses fans en chantant des hymnes féministes inspirants, des chansons déchirantes intensément personnelles et une musique qui synthétise et célèbre divers aspects de l'expérience noire. La sublime conscience de soi de Beyoncé et sa compréhension du pouvoir de l'identité ont atteint leur apogée (jusqu'à présent) avec sa performance à Coachella en 2018, qu'elle a passé plus d'un mois à répéter, en travaillant avec une fanfare et des dizaines de danseurs. Tout en parcourant sa formidable gamme de succès, Queen Bey crée une expérience semblable à la mi-temps des événements sportifs HBCU, remplie de percussions propulsives, de mouvements éblouissants et d'un sentiment de communauté.Retour à la maisonn'est pas seulement un enregistrement professionnel du concert. C'est un aperçu des coulisses de l'effort massif qu'il a fallu pour monter ce spectacle. C'est un remarquable témoignage du savoir-faire et du talent de la plus grande idole du R&B de cette époque.

Ces dernières années, Metallica a exprimé certains regrets d'avoir laissé les cinéastes Joe Berlinger et Bruce Sinofsky documenter le long et tortueux processus qui a conduit à leur album de 2003.Sainte Colère. Mais l'ouverture d'esprit du groupe était un cadeau pour les amateurs de musique, qui ont eu un aperçu de la façon dont un groupe de heavy metal disposant de millions de dollars dépense son temps et son argent. DansUne sorte de monstreAu moins, une grande partie de l'agenda quotidien de Metallica semble axée uniquement sur le maintien de la machinerie en marche, même si cela implique des séances de thérapie de groupe et de longues et controversées disputes sur la question de savoir si le son de batterie d'une chanson semble « d'origine ». Compte tenu de l'accueil mitigé réservé àSainte Colère, ce film sert de notes de pochette étendues du disque, expliquant à quel point il peut être presque impossible de produire une œuvre inspirée sous une énorme pression interne et externe.

Le pianiste de jazz Thelonious Monk était profondément admiré par ses pairs, en grande partie parce que son sens mélodique sophistiqué et son sens de l'improvisation semblaient inexplicables, étant donné à quel point l'homme pouvait être brumeux lorsqu'il était loin de son instrument. Charlotte ZwerinHétéro, pas de chasseurest construit autour d'images tournées pour une émission spéciale de télévision allemande de 1967 sur Monk, et montre Monk dans toute son étrange splendeur, sur scène et en dehors. À travers le film vintage, de vieilles photos et des entretiens avec la famille et les collègues du pianiste, le film tente de comprendre comment quelqu'un qui semblait si perdu la plupart du temps a pu créer une musique si juste. Les musiciens de jazz ont tendance à inspirer des histoires sur l'inspiration, la dépendance et l'excentricité ; mais il est rare d'avoir un regard aussi intime sur un génie troublé.

Parce que Martin Scorsese fréquentait beaucoup Robbie Robertson dans les années 1970, il a donné beaucoup de temps à l'écran au principal auteur-compositeur et porte-parole du groupe.La dernière valse, le laissant se lasser du monde entier sur la difficulté d'être un musicien en tournée. Mais c’est là un défaut mineur dans une contribution majeure au documentaire rock-and-roll. Le groupe a fait une grande partie du travail pour Scorsese en faisant appel à certains des groupes les plus populaires des années 1960 et 1970, notamment Bob Dylan, Joni Mitchell, Eric Clapton, Neil Young (et, euh, Neil Diamond). Mais cela ressemble toujours à un film personnel pour le réalisateur emblématique, qui filme avec amour certains de ses héros musicaux et positionne la salle de concert de San Francisco (le Winterland Ballroom) où s'est déroulé ce soi-disant concert d'adieu comme une sorte de pays des merveilles enchanté, préservant le meilleur d'une génération vieillissante.

Le problème avec les documentaires sur les Who ou les Stones, c'est que des plus grandes légendes aux plus petites anecdotes, les histoires de ces groupes sont bien connues des fans. Celui de Malik BendjelloulÀ la recherche de Sugar Manest un documentaire musical destiné aux personnes qui préfèrent trouver un magnifique vieil album dans la poubelle à dollars (puis qui cherchent désespérément à savoir d'où il vient). Il s'agit du mystère de Rodriguez, un auteur-compositeur-interprète folk-soul basé à Détroit qui ne parvenait pas à écouter de nombreuses playlists radio dans les années 1970, mais qui est inexplicablement devenu un héros pour les militants anti-apartheid en Afrique du Sud - même s'il ne l'avait jamais fait. y a fait une tournée. Bendjelloul recueille les rumeurs des fans sur qui était Rodriguez et ce qui lui est arrivé, puis lui et ses collaborateurs partent à la recherche de la vérité, dénichant une histoire fascinante et émouvante sur la mythologie pop, les vicissitudes de l'industrie du disque et la façon dont un grand morceau perdure.

Pour les fans inconditionnels d'artistes en particulier, les documentaires réalisés sur eux peuvent être frustrants, car ils sont trop pontifiants et trop faibles en musique. Ce n'est pas un problème avecLes enfants vont bien, la compilation de Jeff Stein des performances archivées des Who. Les segments d'interview sont courts et généralement amusants (et ont ensuite été parodiés dans le mock-docC'est une ponction lombaire), et la variété du matériel minimise la monotonie qui peut s'installer avec un simple film de concert. Le film a une structure si simple et si utile qu'il est surprenant que davantage de films non-fictionnels sur le thème de la musique ne le copient pas. Stein reste la plupart du temps à l'écart et laisse parler d'anciennes images du groupe le plus dynamique et visuellement orienté du rock britannique.

Il y a eu plusieurs bons documentaires réalisés sur les débuts du hip-hop, et certains sur la vie et l'époque de groupes particuliers, mais le film de Kevin FitzgeraldStyle libreadopte une approche intéressante dans la mesure où il s'agit de la matière première du rap : la rime elle-même. Entre des images passionnantes de battles de rap,Style libreentend des dizaines d'artistes (dont Roots, Jurassic 5 et Mos Def) avec des opinions divergentes sur la question de savoir si l'improvisation est essentielle à leur musique, ou s'il est plus astucieux - et plus respectueux envers le public - d'écrire les paroles, puis de les peaufiner . À travers toutes les conversations sur l’inspiration et l’attitude, Fitzgerald ouvre le genre même aux non-connaisseurs, en expliquant ses nuances.

Bob Dylan a commencé comme l'un des gens les plus stylistiquement distinctifs et culturellement branchés de Greenwich Village, mais au moment où DA Pennebaker l'a suivi à travers l'Europe pour le filmNe regarde pas en arrière, il était devenu plutôt un personnage mystérieux et impénétrable. Pennebaker le montre en train de s'affronter avec des journalistes, de se moquer de ses pairs et de défier le public avec sa nouvelle direction musicale plus abstraite et poétique. Les stars de la pop et du rock, de Madonna à Bono, ont suivi l'exemple de Dylan dansNe regarde pas en arrière– pas avec leurs chansons, mais avec leurs personnalités publiques. Ce film est comme le modèle sur la façon de devenir une célébrité moderne : à la fois arrogant et ironique.

Bien qu'il soit célèbre pour être le film qui a révélé le chaos d'Altamont – et le meurtre survenu juste devant la scène du festival – il y a bien plus à découvrir.Donne-moi un abriqu'un simple instant. Albert Maysles, David Maysles et Charlotte Zwerin ont suivi les Rolling Stones à travers une Amérique qui sombrait dans la violence en 1969, et ils ont filmé le spectacle surréaliste qui entourait un groupe de musiciens riches qui aimaient la musique des pauvres. Il s'agit de la méditation des cinéastes sur la manière dont les héros de la contre-culture se sont inspirés de la folie de leur époque, mais ont essayé – et ont souvent échoué – de la garder à distance.Donne-moi un abricomprend quelques performances enflammées des Stones, intégrées dans une image qui ressemble autant à un essai cinématographique sur le changement culturel de la fin des années 1960 qu'à un documentaire rock sur l'un des plus grands de l'époque.

Tourné à l'origine en 1972, le film du réalisateur Sydney Pollack sur la session d'enregistrement live de deux nuits d'Aretha Franklin pour son album gospelAmazing Graceassis sur une étagère pendant des décennies, retardé d'abord par des problèmes techniques, puis par des litiges juridiques. La version finale a été créée trois mois après la mort de Franklin et constitue une chose merveilleuse et miraculeuse. Bien qu'il n'enregistre apparemment qu'une douzaine de chansons que Franklin a chantées dans une église étouffante de Los Angeles – entourée d'une chorale qui à la fois la soutenait et était transportée par elle –Amazing Graceest un document d'une équipe de tournage se démenant pour trouver le meilleur moyen de capturer la magie qui se produit juste devant leurs yeux, et c'est l'histoire de la foule qui s'est rassemblée dans la chapelle le deuxième soir après avoir entendu parler des performances électriques qui se déroulaient. à l'intérieur. Au centre du brouhaha se trouve Franklin, stoïque et silencieuse, qui ne dit pas un mot entre les numéros, alors même que d'autres se lèvent au micro pour chanter ses louanges. Elle est comme une visite d'en haut, qui pourrait à tout moment revenir d'où elle est venue.

Quiconque doute encore qu’une platine vinyle puisse être un instrument de musique devrait regarder la brillante plongée profonde de Doug Pray dans la culture du spinning et de l’échantillonnage. En commençant par les origines du hip-hop – et la façon dont des innovateurs comme GrandMixer DXT, Jam Master Jay et Double Dee & Steinski ont utilisé des tourne-disques à la fois comme machines à percussion et comme machines génératrices de crochets –Grattercontinue à couvrir des artistes modernes plus sophistiqués, presque avant-gardistes comme DJ Shadow et DJ Qbert. Le film est à la fois une introduction pour ceux qui ne connaissent rien aux termes comme « creuser des caisses » et une collection passionnante de performances, avec Pray s'attardant sur les mains des gratteurs pour montrer qu'ils sont aussi agiles et compétents que n'importe quel guitariste. Finalement,Gratterfait ce qu'un grand documentaire musical devrait faire : non seulement il comprend profondément la culture plus large dont il raconte, mais il la couvre si bien que même quelqu'un qui n'y connaît rien en repartira avec le sentiment d'être investi.

Le Festival culturel de Harlem de 1969 aurait peut-être disparu des mémoires si Ahmir « Questlove » Thompson n'avait pas transformé des séquences de performances rarement vues de cet événement d'été en ce documentaire primé aux Oscars, qui présente la musique électrisante de Sly and the Family Stone, Gladys Knight & the Pips, Nina Simone, the Staple Singers et the 5th Dimension aux côtés de clips d'actualité vintage et de nouvelles interviews. Le choix créatif le plus audacieux (et le plus controversé) que fait Questlove ici est de tisser librement et intuitivement ces éléments plutôt que de diviser le film en « performances de musiciens », suivies de « commentaires de têtes parlantes » et de répéter. Il y a encore beaucoup de musique live passionnante ici, maisL'été de l'âmerend les chansons plus significatives à la fois en créant un contexte historique autour d'elles et en donnant un ton réfléchi.

Le film de concert de Jonathan Demme est dépourvu d'interviews et de toute tentative manifeste de contextualiser la musique des Talking Heads, mais il s'agit toujours d'un documentaire à sa manière, car il a un récit et cadre une réalité. Le chef d'orchestre David Byrne a imaginé un spectacle très conceptuel pour la tournée des Heads en 1983, en commençant avec lui-même sur scène, puis en ajoutant un membre supplémentaire pour chaque chanson du premier set, et un accessoire ou un élément visuel saisissant par chanson pour le deuxième set. C'était le travail de Demme de rendre ces changements visibles, de les cadrer joliment pour montrer à quel point les idées et les conceptions de Byrne étaient modernes et innovantes, et de suivre les effets de la performance sur les musiciens. Il traite les joueurs comme des personnages de l'un de ses propres films de fiction, remarquant chaque fois qu'ils sourient, interviennent ou donnent un petit punch supplémentaire au concert. Par la musique et le mouvement uniquement,Arrêtez de donner du sensdocumente ce que c'était que d'être membre des Talking Heads – et mécène du cool – au début des années 1980. Stylistiquement, ses techniques ont élevé à jamais le genre du film de concert.

Parce que le heavy metal n'est pas aussi « cool » que le punk rock, le deuxième opus de Penelope SpheerisDéclinLa trilogie est parfois négligée par ceux qui préfèrent la première, la plus épineuse. MaisLes années métalest le film le plus significatif : un portrait parfois douloureusement honnête des superstars et des aspirants qui partageaient un espace sur le Sunset Strip à la fin des années 1980. Spheeris capture des rockers riches embourbés dans le dégoût de soi (comme le guitariste de WASP Chris Holmes, qui passe ses scènes à se faire marteler dans sa piscine) et des nouveaux venus qui refusent de croire qu'ils ne réussiront pas un jour. Elle parle aux fans qui partagent leurs allégeances entre les deux camps. Il s'agit d'un film sur ce qui se passe lorsqu'une culture matérialiste rencontre un genre qui promeut des fantasmes de pouvoir, se combinant pour créer des attentes irréalistes. C'est une enquête accablante sur les mensonges qui soutiennent la culture rock.

C'est parfois difficile d'y penserWoodstockcomme autre chose que la consécration (pour le meilleur ou pour le pire) de toute la contre-culture des années 1960 : son idéalisme politique, son esprit communautaire et sa musique électrisante. Mais le réalisateur Michael Wadleigh a toujours voulu direWoodstockêtre un reportage cinéma vérité sur un événement, pas une pièce de musée. En conséquence, ce film s'améliore d'année en année, à mesure que les réactions négatives contre la génération des baby-boomers s'estompent et que les images de Wadleigh cessent d'être une manière paresseuse pour les journalistes de télévision et les documentaristes de résumer une décennie entière. Vu dans son ensemble,Woodstockraconte une histoire plus complète, mêlant des performances d'époque de Jimi Hendrix, des Who, de Sly & the Family Stone, et bien d'autres encore, dans un film sur des enfants ridiculement jeunes réalisant - avec plaisir et paranoïa - qu'ils ont le pouvoir de créer les leurs. «Establishment», reprenant le meilleur de ce que leurs parents leur ont appris et y ajoutant du sexe occasionnel, des nuages ​​de fumée d'herbe et du rock and roll à couper le souffle.