Les 102 meilleures suites de films de tous les temps

La semaine des suites augmente.Illustration : Greg KLeçon

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Ne vous laissez pas tromper par les pingouins chanteurs ou le macareux qui n'arrête pas de souffler des bulles de morve : il s'agit d'un film de George Miller, la quatrième suite qu'il a réalisée et le dernier film qu'il a réalisé avant de jeter son dévolu surMad Max : La route de la fureur.Heureux pieds deuxn'est pas un film parfait ; son récit est brouillé par des scènes décousues dans la première moitié et, aussi talentueux soit-il, les deuxLes rôles vocaux de Robin Williamsprovoquer des grincements de dents. Mais en tant que suite d'un film d'animation pour enfants populaire et original des années 2000, il témoigne des tendances qui ont défini son époque : les jeux de mots sont implacables. (« Au revoir, monde du krill. ») Le casting des célébrités est vertigineux. (Brad Pittvendson rôle de Will the Krill, qui veut se frayer un chemin dans la chaîne alimentaire, ce qui est plus que ce que je dirai de son partenaire de scène, Matt Damon.) La bande originale est presque entièrement construite à partir de reprises de musique pop. (Hank Azaria fait « Dragostea Din Tei » !)

Pour tout cela et bien plus encore,Heureux pieds deuxa été puni. Comme un oiseau incapable de voler, il a échoué au box-office. Mais quand le film fonctionne, il chante vraiment. Les blagues grossières glissées entre les moments touchants de liaison père-fils ont touché toutes les bonnes notes. L’animation – en particulier les vastes décors vides de l’Antarctique – valent les très nombreux centimes dépensés et perdus. Le message sur le changement climatiquemoyentient le coup; c'est un film sur la prévention d'une apocalypse écologique en Antarctique, après tout. Vous devez vous demander : Miller aurait-il été si énergique pour faireRoute de la fureuravaitHeureux pieds deuxpas floppé ? N'y pensons pas trop.—Éric Vilas-Boas

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Rob Zombie est passé de la musique au cinéma avec les années 2003Maison des 1000 cadavres– un hommage d'une violence agressive aux films d'horreur des années 70 (des classiques aux bon marché du grindhouse) qui a reçu des critiques généralement négatives. Sans se laisser décourager, Zombie a doublé la mise pour cette suite, qui reprend les exploits de la famille Firefly, heureuse de tuer. Le film met en valeur la confiance croissante de Zombie en tant que cinéaste - à la fois dans la façon dont il cimente son style western violent et dans ses thèmes philosophiques intégrés dans une histoire de tentatives de vengeance qui dégénère en un cycle de cruauté qui menace d'engloutir tout le monde dans l'orbite des Firefly. (peut-être tout l'État du Texas). Zombie emballe le film avec des hommages et des camées et avec un casting de soutien qui comprend tout le monde, du comédien Brian Posehn à la star culte Mary Woronov, mais il remodèle l'univers de l'histoire existante pour créer une vision distinctement originale qui a fait remarquer même ceux qui ont rejeté son premier film. .—Keith Phipps

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Le premier volet deOh maman !est son propre accomplissement, notamment pour avoir présentéMeryl Streep fait le grand écart en plein airdans une salopette. MaisMaman Mia ! On y va encore une foisest un univers à part entière, si important pour le canon cinématographique international qu'il s'agit désormais du troisièmetempsJe suisécrire à ce sujetpour ce même site Web dans autant d'années. C'est parce queMM!HWGAne concerne rien de moins que la folie Technicolor de la vie elle-même. Il regroupe l'intrigue, le nombre de personnages et les thèmes d'au moins 12 films en un seul. Il s'agit de la façon dont parfois vous êtes Meryl Streep faisant le grand écart dans les airs dans une salopette, et parfois vous êtes Meryl Streep qui revient comme un fantôme au baptême de votre petite-fille. Il s'agit d'être une salope en Europe. Il s'agit de la mort. Il s'agit d'un voyage dans le temps. Il s'agit de Cher. Il s’agit de la blessure maternelle et de la guérison des traumatismes intergénérationnels. Il s’agit du vieillissement ; il s’agit de prendre des décisions en matière de fertilité. Il s’agit d’avoir de bons cheveux de plage. Il s’agit des défis liés à l’équilibre entre l’entrepreneuriat et les relations à distance. Il s'agit de châles. Il s’agit d’amitié sur plusieurs décennies. Il s'agit de savoir à quel point il est intrinsèquement drôle de voir des vieillards en spandex pailleté. Il s'agit de pardon et de chevaux. C'est une question de liminalité. Il s’agit des conditions météorologiques imprévisibles en Méditerranée. Il s'agit de se débarrasser temporairement du spectre sombre et puissant de la filmographie de Lars von Trier. Surtout, il s'agit de l'absence d'ego et de la joie, de la façon dont parfois la vie vous jette un os et que quelqu'un vous paie de l'argent réel pour être vraiment bronzé et saoul avec Christine Baranski et Pierce Brosnan sur une plage grecque fictive.encore. —Rachel Manipulateur

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Un peu plus de la moitié du suivi par les sœurs Wachowski de leur projet révolutionnaireLa matriceest une course-poursuite sur autoroute de sensibilités glorieuses. Les voitures se retournent comme des gymnastes et se brisent comme si elles étaient en verre. La poursuite atteint des sommets d'opéra lorsque Trinity monte sur une moto avec le personnage connu sous le nom de Keymaker qui tient bon. La musique percutante de Don Davis nous amène à l’apothéose du ravissement cinématographique. Bien sûrLa matrice rechargéecontinue le voyage du premier film, ramenant l'équipe principale ainsi que quelques nouveaux ajouts, tous combattant les machines dans l'espoir de protéger la ville de Sion. Le film peut devenir brouillon, amoureux de sa philosophie. Mais au mieux, c'est une histoire d'amour qui tourne non seulement autour de la figure du sauveur au cœur tendre Neo, mais aussi autour de la communauté et de la valeur de l'humanité elle-même.La matrice rechargéeC’est ce qui se passe lorsque les réalisateurs disposent d’une palette plus large avec laquelle jouer. C'est grandiloquent et facile à aimer, gardant le public et ses personnages bien-aimés au bord du désastre.—Angelica Jade Bastién

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années 1957Le vampireétait l'un des films emblématiques du boom de l'horreur mexicain des années 1960, et il a connu un tel succès que le réalisateur Fernando Mendez et le producteur Abel Salazar ont rapidement produit cette suite. German Robles, qui avait créé un monstre si charismatique et élégant dans le premier film, était également de retour ; c’est toujours l’une des plus grandes représentations de tous les temps d’un vampire à l’écran. Vous pouvez voir que celui-ci était un coup rapide. Le premier film était imprégné d’une atmosphère rurale effrayante, tandis que celui-ci se déroule principalement dans un hôpital curieusement vide, aux murs vierges et, enfin, dans un sous-sol. Mais c'est très amusant en soi. Il y a un sens de l'humour déséquilibré, pour commencer – comme si les cinéastes nous faisaient constamment un clin d'œil pour ne pas prendre toute cette histoire de suite trop au sérieux. Et un peu comme le premier film,Le cercueil du vampireest extrêmement créatif dans son utilisation d’effets à petit budget. En regardant ces films, vous réalisez qu’un effet n’a pas besoin d’être réaliste pour vous donner des frissons. C'est merveilleux ce que Mendez a pu faire avec la plus simple des coupes.—Cale Deux

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Synergie de marque. Événements croisés. Nous pensons que nous sommes à un point d'ébullition pour ce genre de choses maintenant, mais Disney/Fox/Marvel/Guerres des étoiles/Les Simpson/Homme araignéen'a rien sur la collaboration la plus chaude du milieu du siècle : Universal Classic Monsters x Abbott et Costello. Entre 1941 et 1955, Bud Abbott et Lou Costello ont joué dans six mash-ups de monstres pour Universal Studios – se retrouvant dans des aventures face aux grands de l'horreur : Dracula de Bela Lugosi et Wolf Man de Lon Chaney Jr. (dans, assez curieusement,Abbott et Costello rencontrent Frankenstein); et Boris Karloff (non comme Frankenstein maisAbbott et Costello rencontrent le Dr Jekyll et M. Hyde). Leur burlesque vaudevillien s'est bien traduit dans les mondes intensifiés de l'horreur – la nature absurde des deux se complétant. La dernière créature du duo étaitAbbott et Costello rencontrent la momie,dans lequel ils se mêlent à un complot visant à voler un trésor sacré dans une tombe égyptienne. Ce qui manque aux deux idiots bavards en termes de moelle, ils le compensent en casques coloniaux en utilisant d'anciennes ruines archéologiques comme terrain de jeu pour les gags ; des affaires comiques sur"Faites votre choix"entre une pelle et une pioche se trouve un livret d'incompréhension à la manière de « Qui est le premier ? ».

L'avantage d'un film d'Abbott et Costello à ce stade avancé de leur partenariat est qu'ils ont suivi le rythme de leurs plaisanteries comme s'ils partageaient un même esprit. L'inconvénient est qu'au milieu des années 50, leurs routines de style vaudeville des années 30 commençaient à prendre la poussière et à devenir un peu grinçantes – ce qui convenait à un film de momie. Ici, ils n'agissaient pas contre Chaney ou Karloff mais plutôt contre leur doublure en studio, Eddie Parker. Sans parler de l’orientalisme de tout cela. Cette suite marqua la fin de plus d’une époque ; c'était l'avant-dernier film Universal Classic Monsters (unCréature du Lagon Noirthreequel est sorti en 1956). AvecMomie,Abbott et Costello ont décroché la ligne de frappe.—Rebecca Alter

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Situé dans un futur proche dans lequel un gouvernement américain fasciste dirigé par les « nouveaux pères fondateurs de l'Amérique » légalise tous les crimes une nuit par an, le film de 2013La purgeintroduitune prémisse irrésistible. Se concentrant sur une seule famille piégée dans leur maison (supposément) bien protégée, c'est aussi, au fond, un thriller d'invasion de domicile déguisé. Ce qui soulève une question : que se passe-t-il dans le reste du monde ?La purge : l'anarchie- la première suite de ce qui est devenu une franchise de cinq films (et plus) qui est également issue d'une série télévisée - a répondu avec une poignée de personnages qui se retrouvent coincés dans la nature sauvage de Los Angeles lorsque Purge Night commence. Écrit et réalisé, comme le premier film, par James DeMonaco,La purge : l'anarchieconserve la brutalité de l'original tout en offrant un aperçu d'un monde plus vaste rempli d'irréductibles de la Purge, de mouvements de résistance et de cinglés en général, tout en ouvrant la porte aux séquelles encore plus explicitement politiques qui ont suivi.—KP

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Le problème avec les suites animées (qu'elles se déroulent dans un Antarctique réaliste ou dans un village viking fictif) est que le développement, les illustrations et les effets nécessaires pour ramener leurs mondes nécessitent un temps gargantuesque. (Le rendu d'une image d'animation prend environ une journée, et il y a 24 images par seconde ; les calculs deviennent fous !) Les créateurs risquent des années de travail en croyant que le public de la première le film d’animation n’a pas perdu d’intérêt au moment où un deuxième, un troisième ou un quatrième arrive. D'une manière ou d'une autre, leComment dresser votre dragonla franchise n’a jamais eu l’impression de s’aplatir pour un public plus jeune ou d’aller trop loin pour un public plus âgé. Plutôt,Comment dresser votre dragon 2, l'entrée centrale de la trilogie, est audacieuse dans sa narration, le réalisateur et scénariste Dean DeBlois étant convaincu que les fans pourraient suivre une intrigue sur les rêves compromis et la menace d'une guerre éternelle. Le résultat est incroyablement imaginatif, tant visuellement (tellementnouveaux designs de dragon) et thématiquement, avec un au revoir particulièrement poignant au chef viking de Gerard Butler, Stoick le Vaste, qui ouvre la voie à Hiccup de Jay Baruchel, le mettant de côté comme l'un des meilleurs de DreamWorks Animation.-Rohana Hadadi

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L'originalSoldat universel, une équipe assez schlocky de Jean Claude Van Damme et Dolph Lundgren de 1992 dirigée par le futur désastreur Roland Emmerich, a initialement donné lieu à une série de suites insolites qui sont presque oubliées aujourd'hui. Des années plus tard, cependant, le réalisateur John Hyams a mis la main sur la franchise et a créé quelques thrillers d'action surréalistes à petit budget qui ne semblent avoir rien à voir avec les films originaux, mis à part la présence des stars susmentionnées. C'est le deuxième effort de Hyams, etc'est probablement ce qui se rapproche le plus d'une collaboration Michael Haneke-David Lynch-Rowdy Herrington. Le grand Scott Adkins incarne un homme en deuil dans unCœur des Ténèbres– voyage de style pour retrouver le super soldat devenu terroriste Luc Devereaux (Van Damme), qui semble désormais être un esprit du mal plus éternel que l’homme. Magnifique, déroutant et – quand il éclate en violence – d’une intensité à couper le souffle, avec des scènes de combat chorégraphiées et filmées avec une fluidité surnaturelle. C’est peut-être le seul cas dans l’histoire d’une franchise qui était complètement moribonde dès le départ et qui a pourtant réussi d’une manière ou d’une autre à produire un chef-d’œuvre avec son… [vérifie les notes, effectue une série de calculs rapides] … sixième opus ?-ÊTRE

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La langue anglaise est trop faible pour contenir un mot qui capture la surcharge esthétique du visionnage d'un film de Robert Rodriguez.Enfants espionsfilms. La chose la plus proche qui me vient à l'esprit est un amalgame (comme les créatures fusion CGI deSpy Kids 2 : L'île des rêves perdus) : hyperfaux.Hypercomme danshyperréalistemais aussitrouble d'hyperactivité. Ces films ressemblent et bougent comme s'ils avaient été réalisés sur une machine à cintrer la poussière de lutin - avec le scénariste-réalisateur Robert parlant d'un ton sifflant que seuls les enfants de l'an 2000 peuvent déchiffrer. (Babe : Cochon dans la villeest un autre bel exemple d’« hyperfakecore ».) Le premierEnfants espions(2001) avait encore quelques liens avec des choses comme la structure de l'histoire, les arcs de personnages, la variation émotionnelle et le rythme, mais le maximalisteEspionner les enfants 2prend simplement l'angle de réalisation fantastique de cette histoire et continue avec. Chaque plan a quelque chose de sauvage rendu dans un CG hyperfake net, coloré, alimenté par le slapstick au rythme de Looney Tunes : un parc à thème gravitationnellement impossible dirigé par Bill Paxton dans un chapeau de cowboy (le nom du personnage ? Dinky Winks). Des nattes qui tournent comme des hélicoptères. Une cabane dans les arbres top-secrète avec Danny Trejo dedans. Deux pères se battent tandis que les enfants crient : « Frappez-lui les fesses ! » alors les papas se donnent littéralement des coups de pied dans les fesses. Un banquet présidentiel où toute la nourriture est constituée de nouilles beurrées. AvecL'île aux rêves perdus,Rodriguez a utilisé ses prodigieuses capacités de genre et les a appliquées à la création d'un film qui parle à son public à son niveau comme rien d'autre.« Pensez-vous que Dieu reste au paradis parce que lui aussi vit dans la peur de ce qu'il a créé ?Et pensez-vous qu’il craint particulièrement Rodriguez ?—RA

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La fiancée de Chuckymarque un tournant dans laUn jeu d'enfantfranchise qui a présenté la poupée meurtrière pour enfants habitée par l'âme d'un tueur en série exprimé par Brad Dourif. Ne joue plus droit, Don ManciniLa fiancée de Chuckyest méta et idiot. En maigre, ça veut dire 89 minutes,Mariéeest électrique dès le début, avec Tiffany Valentine (jouée par la GOAT Jennifer Tilly) dans le rôle de l'ancienne amante et complice du tueur en série devenu le Chucky que nous connaissons et aimons. Tiffany a le sort malheureux d'être tuée par Chucky, son âme étant elle-même transférée dans une poupée, ce qui entraîne d'intenses querelles domestiques qui s'accompagnent d'un décompte des cadavres.La fiancée de Chuckyest joyeusement profane, réalisé avec le genre de joie orgasmique que j'attends d'une suite d'horreur. « Que dirait Martha Stewart ? demande Chucky. "Putain Martha Stewart!" Tiffany répond. (Son excès étrange a préparé le terrain pourGraine de Chucky(l'enfant non binaire de, référencé dans la série télévisée Syfy sortie l'année dernière.) Il y a eu des films d'horreur autoréférentiels avant et après, maisLa fiancée de Chuckyest un exemple intelligent de la façon d'injecter une nouvelle vie dans une franchise en difficulté : penchez-vous et le camp viendra définir la franchise.—AJB

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Un film loufoque- techniquement un spin-off de la série téléviséeTroupe de Dingos,mais dans notre vision taxonomique du monde, une suite est néanmoins une sorte de film pour enfants qui n'existe plus, surtout quand il s'agit de Disney. Un road trip se transforme en mésaventure qui lie le père célibataire Dingo et son fils Max, qui entretiennent une relation tendue en raison de diverses peurs inexprimées des deux côtés.Un film loufoqueest direct dans sa résonance émotionnelle et doux dans son message, optant contre les grandes déclarations sur le monde en faveur d'une histoire simple et aimante entre un parent célibataire et son unique enfant. Le travail vocal est magnifique et élastique. L'animation est vécue et texturée, ce qui me fait regretter l'époque du travail dessiné à la main. EtUn film loufoquec'est le cinéma noir. Tous les enfants noirs que j'ai connus – ma famille y compris – considéraient l'histoire comme celle d'une famille noire, car quand on aime la culture pop, on apprend à se retrouver dans des endroits inattendus. (Entre autres, dans les styles vocaux de Tevin Campbell dans le rôle de Powerline.) C'est pourquoi le public se tourne vers les suites avec faim : elles nous permettent d'être à nouveau enveloppés dans un monde en expansion que nous croyions déjà connaître, confirmant et introduisant simultanément des idées pour rien d'autre que du contentement.—AJB

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Combien de suites commencent par la mort inévitable de son principal méchant ? Même si le réalisateur Darren Lynn Bousman et la scénariste Leigh Whannell savaient que d'autres entrées suivraient, ils ont encadréScie IIIautour d'une vanité effrontée : mourant d'une maladie incurable, Jigsaw s'accroche à la vie avec le même désespoir que ses nombreuses victimes. Sur ses ordres, sa protégée psychotique, Amanda, kidnappe le Dr Lynn Denlon pour le maintenir en vie pendant que se déroule son dernier jeu : Jeff, un père rongé par le regret, doit traverser le labyrinthe de Jigsaw, passant des tests avec les personnes impliquées dans la mort de son fils. Grâce à des flashbacks frénétiques, il construit des histoires sur Jigsaw et d'autres personnages, et présente des rebondissements époustouflants. Les attaques élaborées sont une marque de la franchise, etScie IIIpossède certains des meilleurs et des plus épouvantables d'entre eux. (Par exemple, « The Rack », qui a boulonné un homme en position crucifiée à une machine destinée à tordre tous les membres de son corps. Sa conception sonore déformée hante toujours ma colonne vertébrale.) Mais plus important encore, l'épisode s'appuie sur les idées de l'absolutisme moral introduit par ses prédécesseurs. Jigsaw est un meurtrier odieux, mais il vit et joue selon un certain ensemble de règles. Le chagrin toxique, en revanche, consume Amanda et Jeff au point de faire plier leur moralité. Des films d'horreur copiés ont suivi -Tu es le prochain,Salle d'évasion,Ne respire pas– mais peu ont effectivement lutté avec la questionSciepose : Qui mérite le pardon et qui est au-delà ?—Robert Daniels

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Les Vengeursest l'un des plustout à fait satisfaisantsuperproductions de bandes dessinées - une pure machine de divertissement qui rassemblait des héros et des intrigues établies séparément dans des films sur Iron Man, Thor, l'Incroyable Hulk et Captain America, ainsi que plusieurs autres héros, tous unis à New York pour protéger la Terre d'un invasion extradimensionnelle et extraterrestre. Écrit et réalisé parBuffy contre les vampiresLe showrunner Joss Whedon – l'un des nombreux conteurs pop autrefois adorés qui sont devenus Celui qui ne doit pas être nommé à la suite de révélations de conduite privée sordide – le film a également établi et cimenté le ton par défaut de la franchise, qui mélangeait des plaisanteries sarcastiques et conscientes de lui-même avec une modification du paysage. chaos et combats meurtriers. L'interaction entre les membres clés de l'équipe - en particulier Cap, Iron Man et Bruce Banner - est vraiment drôle, jamais plus que lorsqu'ils interagissent avec le meilleur méchant/antihéros/spoiler de la franchise, le frère filou de Thor, Loki (Tom Hiddleston ).Les Vengeursest également remarquable dans la mesure où l'épopée finale du MCU "les héros s'unissent", dirigée par un ensemble, qui n'était pas quelque peu alourdie par l'importance de soi, une obsession pour les parallèles de la mythologie ancienne et les attentes du public selon lesquelles le studio devrait leur donner quelque chose de plus écrasant que ce qu'ils avaient. eu la dernière fois. Le film est léger, et pas seulement parce que certains de ses personnages peuvent voler.—Matt Zoller Seitz

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Si leIntensifierla franchise ne nous avait donné que Channing Tatum, ce qui en soi aurait été une solide réussite. Mais il a également servi de rampe de lancement pourAsiatiques riches et fousetDans les hauteursle cinéaste Jon M. Chu, qui a fait ses débuts en tant que réalisateur avec les années 2008Intensifier 2 : Les rueset puis deux ans plus tard, il créerait l'éblouissantIntensifiez la 3D. L’intrigue est prévisible, avec des amants maudits de l’intérieur et sans une équipe de danse nommée la Maison des Pirates essayant d’équilibrer leur passion pour la danse avec les exigences de la famille, de l’école et de la « vraie » vie. (Il y a aussi une paire de Nike en édition limitée d'une importance narrative en raison du consumérisme, bébé !) MaisIntensifiez la 3Dest réfléchi à la fois dans son déploiement d'acteurs de retour et dans sa suggestion qu'ils continuent tous à exister dans un monde où la danse est un langage partagé qui exprime toutes sortes de sentiments humains, de la jalousie au ressentiment en passant par l'amour. La compétition finale du World Jam entre les rivaux House of Samurai et House of Pirates capture certaines des pires tendances de Chu (par exemple, couper l'action principale pour des plans de réaction par cœur), mais davantage de ses bonnes, comme la fluidité avec laquelle il guide notre perspective vers les corps des danseurs se retournant, se contorsionnant, se sashayant et tournant. Il faut beaucoup de courage pour refaire un classique de Fred Astaire comme « I Won't Dance », maisIntensifiez la 3Dréussit ça aussi.—R. Hadadi

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Même prédateur, jungle différente. C'est la prémisse dePrédateur 2, qui emmène le chasseur extraterrestre et le place dans un futur (1997) Los Angeles où divers cartels de la drogue ont transformé la ville en zone de guerre. Bien qu'il énerve constamment ses supérieurs, l'officier du LAPD Mike Harrigan a été chargé de réprimer la guerre de territoire, mais il se tourne rapidement vers la mystérieuse force invisible qui élimine les membres du gang un par un. Bien que Kevin Peter Hall reprenne son rôle de Predator, mais avec un design plus élégant, et que les co-scénaristes Jim et John Thomas soient revenus pour écrire la suite,Prédateur 2établit presque immédiatement sa propre identité avec une fusillade d'ouverture qui embrasse le chaos contrôlé de son environnement urbain. Le réalisateur Stephen Hopkins prête un œil d'artisan à la suite : il suitPrédateurle réalisateur John McTiernan met l'accent sur l'espace mais adopte une énergie plus maniaque pour mieux s'adapter au cadre claustrophobe. La performance poussée de Danny Glover, complétée par des explosions violentes et des insultes ringardes, maintient l'élan du film, en particulier lorsqu'il affronte le Predator dans une bataille finale prolongée. Pourtant, ce sont les tours de soutien de Gary Busey et du regretté grand Bill Paxton – qui livre son schtick breveté comme un pro accompli – qui construisentPrédateur 2Le paysage frénétique de New York regorge de professionnels surmenés et myopes qui tentent de mettre un terme à une invasion extraterrestre. À la fin, c'est seulement Harrigan qui comprend l'ampleur de qui et de quoi les a traqués.—Vikram Murthy

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Malcolm D. LeeLes vacances du témoinne reprend pas exactement où sa comédie romantique de 1999Le meilleur hommelaissé tomber. Comment est-ce possible ?Le meilleur hommeest arrivé sur une vague d’autres comédies romantiques noires –Amour Jones,Comment Stella a retrouvé son rythme,La femme du pasteur– qui se démarquait des films de gangsters de la décennie en mettant en lumière l’existence d’une classe moyenne noire. Arrivé près de 15 ans plus tard,Les vacances du témoinrassemble un groupe d'amis autrefois très uni, une pléthore d'entrepreneurs noirs désormais prospères avec des familles, pour une célébration et des retrouvailles de Noël. Son drame repose sur des blessures ouvertes et des paroles brisées : Harper Stewart est devenu un auteur à succès avecAffaires inachevées, un livre sur sa dispute avec son ancien ami et désormais porteur de ballon record de la NFL, Lance Sullivan, après que Harper ait eu une liaison avec l'épouse et épouse actuelle de Lance, Mia. Harper, qui n'a pas publié de best-seller depuis, vient à la fête de Noël avec sa femme enceinte Robyn non seulement pour se réconcilier avec Lance, mais aussi pour proposer d'écrire sa biographie. Le plaisir deLes vacances du témoindécoule de son désordre : les dîners chics se dissolvent en insultes laides et en combats à élimination directe, laissant la place à des tête-à-tête réfléchis. Ici, la masculinité est vulnérable ; la camaraderie des femmes est brute et ouverte. Des réflexions basées sur la foi guident chaque scène d'un film qui n'a pas peur d'être religieux. En fin de compte, la croissance des personnages, leurs nouveaux conflits et tribulations, établissent la norme sur la façon de revisiter une franchise adorable sans l'enterrer dans une médiocrité avide d'argent.—RD

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Le Raid : Rédemptionréussit dans sa simplicité : un groupe de policiers de Jakarta chargés de prendre d'assaut un immeuble géré par un baron du crime local. Ce qui suit est une série de films barbares et parfois émouvants.scènes de combat, avec le flic débutant Rama (l'incroyablement adroit Iko Uwais) s'échappant de justesse et avec suffisamment de cerveaux exposés pour faireMartin Scorseserougir.Le Raid 2non seulement augmente cette tension, mais l'étale sur un drame vertigineux de gangs familiaux de deux heures et demie, avec un Rama infiltré en son centre grizzly. L'histoire est un peu farfelue : elle comprend des gangs rivaux, de multiples drames interfamiliaux et trop de trahisons pour être comptées. Mais une bonne suite ne vit pas nécessairement et ne meurt pas selon ses points d'intrigue, en particulier lorsque le public est venu voir le réalisateur Gareth Evans lancer des pièges de combat de plus en plus créatifs à la manière d'Uwais. Alors que le monde du crime indonésien commence à s'effondrer sous les pieds de Rama, nous avons reçu la marchandise : une mêlée de deux douzaines de personnes dans des toilettes, une émeute en prison dans une fosse de boue, de nouveaux méchants sur le nez, Baseball Bat Man et Hammer Girl, et le retour glorieux de Yayan Ruhian (cette fois en tant que nouveau personnage). DansLe Raid, Evans a fait l'impossible, faisant preuve d'une sorte de brutalité béatifique au milieu d'organes volants et de sang jaillissant. Le regarder réussir une seconde fois ressemble à un tour de magie. —COMME

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Lorsque l'auteur luxembourgeois Norbert Jacques introduisit le personnage du Dr Mabuse dans son roman de 1921Dr Mabuse le joueur, le parti nazi en était à ses balbutiements ; un an plus tard, le cinéaste autrichien Fritz Lang présentera sa première version cinématographique du super-vilain dans un film muet du même nom. Lang a donné vie au Dr Mabuse en tant qu'homme doté de pouvoirs apparemment surnaturels, avec son objectif de répandre le chaos et la terreur dans le monde entier grâce à un réseau de complices parfois soumis à un lavage de cerveau, parfois possédés, parfois volontaires. Au moment où Lang a publié son avrilsuite de 1933,Le testament du Dr Mabuse, était-ce vraiment une surprise que la représentation du personnage par le réalisateur et scénariste évoque le chancelier allemand de l'époque Adolf Hitler, qui avait autorisé la création du camp de concentration de Dachau un mois auparavant et encouragerait le premier autodafé de livres à grande échelle du pays un mois plus tard? Ou que le ministère nazi de la Propagande a interdit le film ? (Il n'a été montré en Allemagne qu'en 1961, 16 ans après le suicide d'Hitler et la défaite de l'Allemagne pendant la Seconde Guerre mondiale.)

Les offres de genre de Lang – la science-fictionMétropoleet le thriller noirM.— étaient liés à ses sensibilités politiques, etLe testament du Dr Mabuseest à la fois une démonstration des techniques de production créative de Lang (l'image fantomatique de Mabuse capable de se reproduire et de posséder les autres) et de la facilité avec laquelle « les idéaux corrompus d'un monde voué à l'anéantissement », comme le dit Mabuse, peuvent se propager parmi les autres. ceux qui se croient privés de leurs droits et dépossédés. Le génie maléfique qui propage l’anarchie et la terreur perdure depuis des décennies.BatmanLe Joker de David Lynch, BOB de Stephen KingL'étrangerpeuvent tous remonter aux murs de masques figés dans des expressions d'agonie dansLe testament du Dr Mabuse.—R. Hadadi

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On pourrait penser qu'il est impossible de réaliser un thriller de zombies aussi implacable que le film original du réalisateur Danny Boyle et du scénariste Alex Garland.28 jours plus tard, mais la suite du réalisateur et co-scénariste Juan Carlos Fresnadillo28 semaines plus tardatteint l'objectif, offrant tous les chocs et sensations fortes que l'on peut attendre d'une deuxième entrée dans une franchise d'horreur tout en étendant son intérêt humaniste sur ce qu'il advient de personnes autrefois en bonne santé après avoir été infectées par un virus de rage qui les transforme en enragés et en violence. envie de bêtes.Semainesse concentre sur un couple d'enfants qui étaient en vacances loin de leurs parents en dehors de la Grande-Bretagne lors de l'épidémie initiale de peste, mais qui sont rentrés chez eux, protégés par un tireur d'élite de l'armée américaine, et retrouvés avec leur père Don, un lâche qui, à leur insu, a paniqué et ont abandonné leur mère en fuyant une maison assiégée par des infectés.

Comme les films de zombies de George Romero qui reconnaissent l'image rémanente pathétiquement reconnaissable de mortels transformés en goules,Semainesse soucie beaucoup de Don, un homme peu sympathique mais pas totalement antipathique qui était déjà émotionnellement infecté par la culpabilité et le dégoût de soi et dont la maladie ne fait que rendre son état officiel. Une fois le père lui-même transformé, ses enfants restent sympathiques à son égard, même s'ils savent qu'il les déchirerait s'il mettait la main sur eux. Confondant les sympathies du public à la manière de tous les grands films d'horreur,Semainesne vous incite pas à la mort du méchant parce qu'il n'y a pas de méchants, seulement des gens qui, à des degrés plus ou moins élevés, luttent pour vivre dans un monde transformé où la mort ou la transformation soudaine se cachent à chaque coin de rue.—MZS

Photo de : Manga Entertainment

Macross Plusn'est-ce pasRobotique, mais le public américain reconnaît peut-être ses conceptions de chasseurs à réaction comme telles. En fait, c'est la première suite officielle d'un anime japonais dont le premier arc deRobotiquea été adapté,Macross Forteresse Super Dimension. En se concentrant sur une nouvelle équipe de pilotes de chasse d'essai, une nouvelle idole virtuelle et l'animation CGI et celluloïd traditionnelle du studio Triangle Staff,Macross PlusJ'ai pris les idées de ça en premierMacrosssaison et les a compressés en deux heures serrées d’héroïsme à briser le mur du son. C'est un peu commeTop Gun- siTop GunLes avions de combat de Tom Cruise se sont transformés en robots et l'ennemi de Tom Cruise était une IA nommée Sharon, déterminée à hypnotiser l'humanité. (Près de 30 ans plus tard, Sharonça a toujours l'air étrangegrâce àAkiral'animateur Kōji Morimoto.)

Malgré leur port,Macross Plusne s'appuie pas sur l'accélérateur de ses pièges de franchise. Tu ne le fais pasvraimentIl faut en savoir beaucoup sur des choses comme la « Protoculture » ​​ou le « Zentradi » pour comprendre ce qui se passe.Macross PlusL'animation vidéo originale en quatre parties (ou : OVA) et le film réédité ont été réalisés par Shōji Kawamori (créateur et concepteur mécanique deMacross) et Shinichirō Watanabe (Cowboy Bebop), qui maintiennent l'action à un rythme rapide mais prennent également le temps de moments patiemment statiques axés sur l'état d'esprit des personnages. La scénariste Keiko Nobumoto et la compositrice Yoko Kanno – qui rejoindront plus tard Watanabe surBe-bop— apportent respectivement leur écriture existentialiste et leur musicalité éclectique au scénario et à la bande originale. Ses séquences de combats aériens cinétiques sont une gracieuseté de l'animateur chevronné Ichiro Itano, dont la marque «C'est un cirqueLes séquences font plusieurs apparitions et propulsent le combat aérien tout au long. Le premierMacrosssérie (etRobotique) avait une grande charge émotionnelle, une écriture, des combats aériens et des séquences musicales aussi, maisPlusa utilisé ses techniques d'animation, sa technologie, son temps limité et son budget plus élevé des années 90 pour aller plus loin, plus rapidement.-EVB

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Imaginez un spectre d'espionnage fictif avec James Bond à une extrémité et John le Carré à l'autre. La série Harry Palmer est à mi-chemin entre les deux : le cool des années 60 de Bond (Michael Caine peut certainement porter une paire de lunettes) mélangé à la noirceur et à l'ambiguïté morale du Carré. Le premier film de Palmer, années 1965Le dossier Ipcress, était une affaire purement domestique. AvecFunérailles à Berlin, sous la direction de Guy Hamilton (qui avait faitDoigt d'orpour les autres), la franchise s'internationalise. Nous sommes dans un Berlin divisé, au plus fort de la guerre froide, et la mission de Palmer est de faire franchir le mur de Berlin à un colonel russe en défection. Tout cela est fou, bien sûr, avec des trahisons, des agents sexy du Mossad et un rappel que nos amis alliés ouest-allemands emploient de nombreux ex-nazis. Les décors berlinois reflètent le cynisme du film ; Sous le miracle économique de la RFA, les décombres de la guerre subsistent. Le troisième volet de la série, 1967Un cerveau d’un milliard de dollars, serait bien plus idiot, et l'univers cinématographique de Harry Palmer s'est terminé là – bien que Caine ait repris le rôle dans deux téléfilms des années 90.—Nate Jones

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Le gang des Peanuts verse beaucoup de larmes dans cette douce histoire - le deuxième film majeur centré sur Charlie Brown - sur les retrouvailles de Snoopy avec son propriétaire d'origine, une fille nommée Lila qui est sur le point de sortir d'un séjour à l'hôpital, et sur les sentiments conflictuels du chien. sur l'opportunité de vivre avec elle ou de retourner chez son propriétaire imbécile. Au tarif économique d'une heure et 20 minutes,Snoopy rentre à la maisonfait partie de ces films qui s'impriment dans le cerveau, surtout lorsqu'ils sont visionnés à un âge impressionnable. Cela s’explique en partie par le fait qu’il s’éloigne quelque peu du modèle établi à la fin des années 1960.Cacahuètesémissions spéciales télévisées. Même si le style d'animation reste le même — Melendez a réalisé,Cacahuètesle créateur Charles M. Schulz a écrit le scénario et Lee Mendelson a produit – l'accent est bien davantage mis sur Snoopy et son copain Woodstock, présentés pour la première fois à l'écran ici. Le jazz de Vince Guaraldi est remplacé par la musique écrite par les Sherman Brothers de Disney, produisant des chansons de rêve comme « At the Beach », le plein d'entrain de style « Supercalifragilisticexpialidocious » « Fundamental Friend Dependability » et le touchant « Lila's Theme ». (Vous souvenez-vous de moi?)." Ce changement de bande sonore contribue à l’ambiance plus introspective du film, qui est agréablement discrète par rapport aux cadences et aux images surstimulées d’une animation plus contemporaine. Bien qu'il y ait certainement des moments optimistes ainsi qu'une fin heureuse,Snoopy rentre à la maisonse distingue également par quelque chose que les jeunes enfants ne font généralement pas : montrer des gens (et des beagles) exprimant un véritable chagrin.—Jen Chaney

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Oui, les films Bondsont des suites- même si l'une des seules choses qui maintiennent le fil ensemble est le nom du personnage et sa disposition pour les femmes mariées. Alors pourquoi avons-nous sélectionné le 21e film de la franchise pour notre seul 007 ? La même raison pour laquelle nousl'a classéle meilleur film Bond de tous les temps : c'est une brillante réinvention d'un hommenous pensions que nous le savions déjà, brisant les tropes déjà établis et donnant aux téléspectateurs autre chose à quoi s'accrocher autre qu'une simple machine à tuer pleine d'esprit de l'ère de la guerre froide. Le but : montrer comment 007 est devenu 007. Lorsque nous rencontrons pour la première fois le Bond de Daniel Craig, il est encore un peu vert : pas encore de statut de double O et les yeux assez écarquillés pour tomber amoureux – et pas « l'amour » que vous voyez au début. conclusion de chaque film de Bond, avec James faisant un clin d'œil à son dernier engouement alors qu'ils partent vers le coucher du soleil. Cet amour, entre Craig et Vesper Lynd d'Eva Green, était intime et charnel. Pendant ce temps, les séquences de combat du réalisateur Martin Campbell étaient fraîches et excitantes d'une manière que les précédents films de Bond n'avaient jamais semblé réussir. (Tout le respect que je dois à Pierce Brosnan, mais c'est risible d'essayer de l'imaginer se frayer un chemin à travers un chantier de construction à Madagascar aussi rapidement que Craig.) Les chapitres précédents de 007 avaient présenté la destruction, la douleur, le sexe, la tension et l'ego (aussi : le poker ! ) plusieurs fois auparavant. Aucun ne l’avait fait d’une manière qui paraissait aussi faillible ou aussi humaine queCasino Royalea fait. —COMME

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Johnny ToÉlectionles films sont des réquisitoires cinglants contre l'auto-mythification des triades de Hong Kong et contre l'avidité et la violence qui se cachent sous les traditions et les cérémonies formelles qui sont rejetées dès que quelqu'un impliqué a envie de passer à l'acte. années 2005Électionest centré sur une confrontation entre deux futurs présidents – Lok (Simon Yam) apparemment retenu et l'ostentatoire Big D (Tony Leung Ka-fai) – bien que la fin rappelle que ni l'un ni l'autre n'était en réalité le genre de criminel de principe que l'organisation fait semblant d'être composé. Le deuxième film est encore plus vif que le premier dans ses machinations en coulisses et ses trahisons sanglantes, avec Lok prévoyant d'enfreindre avidement les règles afin de conserver le pouvoir et son jeune protégé Jimmy subissant des pressions pour se présenter contre son mentor par la police continentale. Le film se déroule comme une sombre fable dans laquelle maintenir un certain niveau de corruption est idéal pour toutes les personnes impliquées, y compris les flics du continent qui pourraient tout aussi bien être le cartel le plus puissant de tous, et les plus grands imbéciles sont ceux qui pensent pouvoir s'en sortir. du monde illicite dont ils font partie depuis longtemps.—AW

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Quand j'avais neuf ans, aucun film ne terrorisait mes heures d'éveil commeLe nouveau cauchemar de Wes Craven. Mon cerveau d'enfant était tout simplement incapable de gérer la tournure métatextuelle du septièmeCauchemar sur Elm Streetfilm, dans lequel Freddy Krueger terrorise les gens qui ont réalisé les films originaux – y compris les stars Heather Langenkamp et Robert Englund et Craven lui-même. L’intrigue semble conçue pour court-circuiter les assurances parentales habituelles :N'ayez pas peur. C'est juste un film !C'est ce que tout le monde a dit aussi, et regardez comme ils ont tous été assassinés ! Pendant un an, j'ai vu le spectre de Freddy se cacher partout – dans les placards sombres et les forêts au bord de l'autoroute. Je n'ai jamais pu écouter « Losing My Religion », la bande originale du film.ouverture tuer, plus jamais. Inutile de dire que je ne l'ai pas revu pour écrire ce texte de présentation, vous devrez donc simplement faire confiance à mon moi de troisième année, qui dit que c'est la suite la plus effrayante jamais réalisée.—N.J.

Photo : New Line Cinema/Courtesy Everett Collection

Les premier et troisième films de la trilogie documentaire de Penelope Spheeris se sont concentrés sur la scène hardcore de Los Angeles, passant de la capture de performances de Black Flag et Germs dans des clubs à l'exploration de la vie des punks de gouttière se taillant une communauté précaire dans la rue. Mais c'est le deuxième opus qui reste un succès de tous les temps, s'aventurant dans les excès et l'auto-mythologisation grandiloquente des musiciens de glam rock et de heavy metal. Spheeris a laissé ses sujets choisir où ils voulaient être interviewés, ce qui a conduit à des décors inspirés : Paul Stanley de Kiss au lit avec trois femmes vêtues de lingerie, Chris Holmes de WASP perdu dans une piscine sous le regard de sa mère. Et si la photo d'Ozzy Osbourne répandant du jus d'orange partout en préparant le petit-déjeuner et en parlant de consommation de drogue était truquée ? Cela semblait spirituellement vrai. Le film de Spheeris a été crédité d'avoir tué la scène qu'il a documentée, même si si cela est exact, il s'agissait en réalité de blessures auto-infligées. MaisLes années métalest le plus puissant vu en contraste avec les films qui l'entourent, une ode à l'artifice et à l'indulgence entre deux documents d'artistes et de fans à la recherche d'une authenticité nihiliste et sans issue.—AW

Photo : TCD/Prod.DB/Alay Banque D'Images

Y a-t-ilmeilleurs filmsdans leRapide et furieuxsérie? Discutable. Y a-t-ilplus grosfilms? Sans aucun doute. Mais l'épisode de Justin Lin de 2008 a été le point crucial de la désormais mégafranchise, prouvant qu'elle était plus grande que l'une ou l'autre de ses stars d'origine, qui à ce moment-là avaient évolué, Vin Diesel daignant se présenter pour une apparition tardive en échange de les droits à laRiddicksérie. En transférant l'action au Japon et en s'éloignant des courses d'un quart de mile pour des exploits balletiques de dérive, Lin a ouvert la porte à des cascades automobiles plus globe-trotters et de plus en plus absurdes ainsi qu'à des éclats de poésie improbables - le moment calme où les voitures de course glissent à travers la foule à Shibuya Crossing, avec ses visages choqués reflétés sur le pare-brise, reste l'une des meilleures choses que la série ait faites. Le scénariste Chris Morgan a commencé à concevoir une chronologie sauvage mais obstinément cohérente pour la série à partir de ce moment-là, établissant son ton consistant à prendre les choses stupides très au sérieux. Et en ayant Sung Kang comme personnage secondaire qui vole la scène,Dérive de Tokyofurtivement connecté à l'étape importante de Lin dans le cinéma américain d'origine asiatique,Plus de chance demain, tout en mettant la série sur la voie de son présent multiracial et multinational. Finalement, toutes les stars reviendraient, mais c'est Kang qui représente le cœur de la série, ramené de la tombe d'abord par les contorsions de la chronologie et, finalement, par la magie du scénariste.—AW

Photo : avec l’aimable autorisation d’Everett Collection

"Prenez position avec le soleil derrière vous", a enseigné le maître épéiste Miyamoto Musashi dans son manuel de combat à l'épée.Le Livre des Cinq Anneaux. Musashi aurait peut-être apprécié que le réalisateur Hiroshi Inagaki ait pris cette idée à cœur lorsque lui et le directeur de la photographie Kazuo Yamada ont filmé le combat titulaire dans l'entrée culminante du film.Samouraïtrilogie,Duel sur l'île de Ganryu. Baigné par la lumière d'un lever de soleil rampant, le duel est un échange dramatique et muet de jeux de jambes, d'escrime et de bravade. Les images de Yamada et Inagaki, tournées en Eastmancolor, surgissent de l'écran alors que les silhouettes de Musashi et de son adversaire Sasaki Kojirō s'affrontent. Et aussi compétents techniquement que soient la réalisation du film et le jeu d'épée, ils ne fonctionnent qu'à moitié aussi bien parce qu'ils clôturent les histoires de ces deux hommes établies dans les films précédents, qui dramatisaient la réalisation de soi de Musashi au-delà d'une vie de pure violence. et, plus tard, la descente de Kojirō dans ce domaine alors qu'il recherchait la renommée.

Le vrai Musashi n’a jamais été aussi héroïque qu’Inagaki le prétendait dans ses films. (Et Inagaki en a fait beaucoup ; la couleurSamouraïtrilogie, un remake de sa propre trilogie Musashi en noir et blanc et quatre films sur Sasaki Kojirō.) Il n'est pas non plus toujoursquehéroïque; il est prompt à se débarrasser ou à se rattacher commodément aux femmes de sa vie sans trop se soucier de leurs sentiments. Néanmoins, les films ont créé un mythe grâce à leur bonne foi indélébile et qui plaît au public, et cela a conduit à davantage de rôles pour Mifune, comme le ronin très différent dans lequel il a joué.Yojimboet sa propre suite remarquable,Sanjuro.-EVB

Photo : TCD/Prod.DB/Alay Banque D'Images

L'un desles suites préférées d'Internetet le meilleur film jamais réalisé par Hugh Grant,selon Hugh Grant,Paddington 2est encore plus un régal du début à la fin que le précédentPaddington, ce qui était également très agréable. Construit autour d'un récit central simple – Paddington veut envoyer à sa tante Lucy un livre pop-up comme cadeau d'anniversaire, mais de multiples obstacles se dressent sur son chemin – le film offre une charmante scène après une charmante scène et est absolument magnifique en le faisant. Ses couleurs saturées et son éclat doré rivalisent avec le scintillement bijou deMoulin Rouge, alors que ses scènes de prison étonnamment joyeuses (et très roses) ne sembleraient pas déplacées dans un film de Wes Anderson. Chaque film familial devrait viser à être aussi magnifique. Tous les acteurs de l'excellent casting semblent s'amuser pleinement, et oui, cela inclut Grant, en tant que magicien intrigant et méchant capable d'assumer plusieurs personnages. Ce film est un faisceau de lumière, un boost instantané de sérotonine et un remède au pessimisme, ne serait-ce que temporairement. Quand ce petit ours à la voix de Ben Whishaw insiste sur le fait que « si vous êtes gentil et poli, le monde ira bien », vous le croyez absolument.—J.C.

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EntreLe Batman, son remake deLaissez entrer le bon, et son travail sur leLa planète des singesfranchise de redémarrage, le réalisateur Matt Reeves a passé des années à réfléchir au canon préexistant. QuandGuerre pour la planète des singesest sorti en 2017, il a souligné que même si le « quoi » de la franchisea toujours été là dans le nom, son « comment » a ouvert de nombreuses possibilités narratives : « Quand on connaît la fin de l’histoire, l’accent change. » Alors Reeves s'est concentré,Guerre pour la planète des singes, en faisant de son personnage principal, César, « une figure de singe mythique, comme Moïse ». La franchise de redémarrage y parvient grâce à une sérialisation et une politisation lourdes. À travers trois films, nous apprenons à connaître César d'Andy Serkis en tant que personnage principal, le regardant lutter, échouer, affronter son ancien allié au combat, élever son propre fils et affronter un chef final en la personne d'un chef paramilitaire humain. Le colonel meurtrier de Woody Harrelson le ferane recule devant riendans sa lutte pour la domination humaine. Dans le Colonel, César fait face à une ombre de lui-même en voie de disparition, l’opposé parfait d’un héros populaire à la fin de son histoire.-EVB

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Le grand écran de Jeff Tremainecontinuationde sa série à succès sur MTV avec la star Johnny Knoxville et sa bande de joyeux farceurs auto-oblitérants a été le premier film de la série à se considérer non seulement comme une comédie non scénarisée, mais comme une déclaration sur l'amitié, la mortalité, la maturité et le vieillissement. C'était également le premier à réfléchir ouvertement au lien émotionnel du public avec une bande de mecs dont le plus grand but dans la vie était de risquer la mort et les blessures pour montrer leur amour les uns pour les autres. Knoxville et le gang forment comme une famille de Wile E. Coyotes. Knoxville monte sur une fusée ; Chris Pontius laisse son pénis être maquillé pour ressembler à une souris et attend ensuite de voir si un serpent va le mordre ; Ryan Dunn est claqué contre une porte de garage alors qu'il est assis dans un caddie en fuite ; et Ehren McGhehey porte une barbe créée à partir de poils pubiens donnés par les artistes et l'équipe – dont l'un a malheureusement des crabes. Chaque nouvelle pièce de décor apporte un nouveau spectacle. Mais le fondement du film est l'amour homosocial entre les hommes, qui est toujours presque impossible à distinguer de l'affection et du désir homosexuels - un fait qui est à la fois reconnu et célébré dans la mise en scène culminante du film "Le meilleur des temps" de Broadway. adaptation musicale de la farce domestique sur le thème gayLa Cage aux Folles.—MZS

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Gordon ParksArbrea contribué au lancement du genre blaxploitation et reste un classique à ce jour. Mais ses suites ont tendance à être sous-célébrées – peut-être parce qu’elles n’avaient pas les aspérités du premier film.Le gros score de Shaft, cependant, est une image fantastique en soi. Avec ce suivi, Parks a pleinement profité du budget plus important pour mettre en scène sa part de séquences d'action élaborées - y compris une poursuite / fusillade explosive en voiture-hélicoptère-bateau sur l'East River et dans le Brooklyn Navy Yard. Lui et l'écrivain Ernest Tidyman ont joué un peu plus avec la figure de John Shaft, lui donnant un flair bondien et un air légèrement plus distant. Parks avait tendance à valoriser ses autres films plus sérieux par rapport à ses efforts de genre, mais nous pouvons voir son classicisme sincère transparaître dansLe gros score de Shaft, qui a une élégance et une chaleur qui vont à l’encontre de sa réputation de suite mineure. La partition gracieusement jazzée contribue à créer l'ambiance - composée pas par hasard par Parks lui-même (l'un des grands hommes de la Renaissance américaine), car Isaac Hayes, qui avait remporté un Oscar pour la musique du premier film, aurait demandé plus d'argent que la MGM n'était disposée à le faire. se séparer de.-ÊTRE

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La suite de John Woo au succès massifUn avenir meilleuradopte certainement la philosophie « plus c’est mieux » : plus d’armes, plus de sang et plus de corps. Les deux grandes fusillades du film, l'une dans un hôtel et l'autre dans un manoir, comptent parmi les meilleures de la carrière de Woo - un ballet de balles et de bombes sur voltige conçu pour susciter les acclamations du public. Malgré la mort de son personnage, Mark, dans le premier film, Chow Yun-fat revient en tant que frère jumeau de Mark et passe tout son temps à botter les fesses, à prendre des noms et à essayer de restaurer la raison d'un ancien membre de la Triade. L'intrigue n'est fondamentalement pas pertinente - les frères Ho et Kit ne sont plus des côtés opposés de la loi pour enquêter sur les activités du mentor de Ho - n'existant que pour déplacer le film entre des décors sympas et accrocheurs. Woo aurait reniéUn avenir meilleur II, à l'exception de la fusillade finale, après une longue dispute avec le producteur Tsui Hark à propos du montage du film. Tandis que Woo continuerait à créer des fonctionnalités hongkongaises encore plus acclamées (commeLe tueuretDur bouilli) avant qu'une période à Hollywood et Hark ne crée son film populaireIl était une fois en Chinesérie,Un avenir meilleur IIreprésente une synthèse clé des styles et des idées entre les deux cinéastes. Et même si ce n'était pas le cas, il y aurait toujours cette scène épique deChow intimide un gangster italienaprès que ce dernier ait insulté son riz frit.—VM

Photo : Moviestore Collection Ltd/Alay Stock Photo

En termes de portée et d'ambition,Ô homme chanceux !estParrain IIà 1968 de Lindsay AndersonSi …. Il s'agit d'une adaptation thématique de VoltaireCandidefonctionnant comme une épopée tentaculaire de désillusion à l’égard du système de classes britannique et, plus précisément, de la corruption insoluble du colonialisme, de l’impérialisme et du capitalisme. Notre héros, Mick Travis, dont nous nous souvenons comme un écolier rebelle ouvrant le feu sur les classes supérieures folles et les directeurs de son internat, passe du poste de détenteur de presse-papiers le plus prometteur de son entrepôt de café à tous les échelons de l'échelle de l'entreprise. En chemin, il rencontre une police corrompue intéressée uniquement par la préservation des richesses des barons voleurs, un système politique brisé dans lequel « la ligne de démarcation entre la Chambre des Lords et la prison de Pentonville est très, très mince », et une prison. -complexe industriel utilisé comme gourdin pour opprimer les classes populaires. Plutôt que de se présenter comme un morne chape sociopolitique, la suite d'Anderson raconte tout cela à travers des vignettes surréalistes et oniriques accompagnées des airs archi d'Alan Price, qui fonctionnent comme un refrain grec à la perte progressive de l'innocence de Mick. Anderson immerge toutes les motivations de l'homme dans une épaisse réduction de la luxure et de l'avidité pour créer un film singulier – non seulement par l'ampleur de ses cibles mais par la fraîcheur de sa rage incandescente.—Walter Chaw

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Un noir et blancaffichepourDracula est ressuscité de la tombeprésente une femme plantureuse avec des pansements roses sur le cou et « (évidemment) » ajouté sous le titre. La quatrième entrée de la série Hammer's Dracula n'est pas aussi branchée que son affiche, mais elle présente l'itération de Christopher Lee de Dracula dégoulinant de sang de ses yeux. Ce sont des touches de style comme celles du réalisateur Freddie Francis qui rendent cette entrée dans la franchise si séduisante. La première sortie de Lee en tant que Dracula a introduit l'image de crocs, d'une cape doublée de satin rouge et de grands yeux rouges. CeDraculadégage une chaleur sexuelle qui manquait à Bela Lugosi (bien que Lee ne soit pas aussi excitée que Frank Langella le serait quelques années plus tard) et prouve qu'un film de vampire n'a pas besoin de personnages familiers comme Van Helsing pour étoffer son monde. Tout ce dont vous avez besoin pour passer un bon moment est une ville isolée, des femmes voluptueuses et une bonne vieille soif de sang. Le sang écarlate est partout – depuis le cadavre d'une femme tombant d'une cloche d'église dans la scène d'ouverture jusqu'à la résurrection de Dracula jusqu'à la finale sanglante. Bien que Lee continue à jouer le Prince des Ténèbres quatre fois de plus,Dracula est ressuscité de la tombeest le dernier film auquel Lee apporte tous ses pouvoirs de star – et le dernier digne de son talent.—Mary E. Gates

Photo de : Niko Tavernise/Lionsgate

Il y a une alchimie magique dansJohn Wickfranchise que le réalisateur Chad Stahelski, l'écrivain Derek Kolstad, le chorégraphe de combat Jonathan Eusebio et la star Keanu Reeves ont créée ensemble, et elle a rendu chaque suite du film original de 2014 plus délirante que la précédente.John Wick : Chapitre 2présente des scènes exceptionnelles (dont les catacombes rave et la séquence « excommunié ») et a élargi la mythologie de la série avec ses explications sur la Table Haute et les marqueurs du serment de sang. Mais c'est dérisoire en comparaison deJohn Wick : Chapitre 3 – Parabellum– une cascade de 130 minutes de « Quoi ? Quoi!" et « Attendez ! Comment?" pour les prises encore plus longues du film, les séquences plus compliquées et les moments de bravoure plus sauvages de l'assassin très ancien de Reeves.

Considérez cette brève liste de décors franchement merveilleux : Wick tuant quelqu'un avec un livre, brandissant une épée de samouraï à cheval autour de New York, faisant équipe avec l'ex-assassin de Halle Berry, Sofia Al-Azwar et ses chiens pour se frayer un chemin. casbah marocaine, et bagarre contre Zero de Mark Dacascos et ses élèves dans la salle entièrement vitrée du Continental avec des éclats se brisant et tombant tout autour d'eux.Parabellumnuances dans l'histoire de Wick à travers ses liens avec le syndicat Ruska Roma dirigé par la directrice d'Anjelica Huston, renforce son alliance avec Winston de Ian McShane et Charon de Lance Reddick avant de faire exploser ce travail d'équipe avantJohn Wick : Chapitre 4, et ne perd jamais de vue l'élément le plus important de cette franchise : à quel point Daisy est adorable. Gardez-la en sécurité à tout prix.—R. Hadadi

Photo : PictureLux/The Hollywood Archive/Alay Stock Photo

Comment diable ce film autonome a-t-il pu figurer sur la liste ? Eh bien, il s'agit d'un dérivé (et, selon nos termes, d'une « suite ») de la série HBO parfaitement sordide et bien trop sous-estimée.Contes de la crypte —son hôte excessif, le Crypt Keeper, exprimé par John Kassir. Et le film mérite d'être ici. Il s'ouvre sur une juste poursuite en voiture sur une route désolée du Nouveau-Mexique entre un puissant démon connu sous le nom de Collectionneur et un vagabond nommé Frank, chargé de protéger un artefact depuis la Première Guerre mondiale qui contient le sang du Christ et permet à son gardien de être immortel. Frank se dirige vers un grand hôtel isolé qui était autrefois une église peuplée des acteurs Thomas Haden Church, Dick Miller et CCH Pounder en tant que dame qui gère le joint. Lorsque le collectionneur se fraye un chemin dans le cœur et l'esprit de ces mortels pour obtenir la clé et gravir les échelons, pour ainsi dire, les choses tournent rapidement à l'enfer.Chevalier Démonest alimenté par des effets pratiques rendant les corps ensanglantés, brisés, mutés et, dans certains cas, démoniaques. Plein de jeux de mots et de blagues vicieuses, hérissé de violence et d'espièglerie, c'est grunge et alimenté par les sensibilités pulp. Le film est animé par le grand Ernest Dickerson ; on peut affirmer que, avec sa direction et Jada Pinkett Smith comme dernière fille à défendre la cause de Frank, ceaussiest une entrée sournoise dans le canon du cinéma noir. Comme beaucoup d'entrées des années 1990 dans cette liste,Chevalier Démonest alimenté par les prouesses d'acteurs annoncés plus tard, mais c'est Billy Zane qui le porte vraiment aux sommets de l'opéra. Il est magnifiquement cambré, chaud comme l'enfer. Ses lectures de lignes sont délicieuses et dangereuses—comme un gâteau au chocolat saupoudré de poison.—AJB

Photo : Collection Christophel/Alay Banque D'Images

À la fois éblouissant, intelligent, offensant, dégoûtant et bizarre,Indiana Jones et le Temple maudit— le suivi deLes Aventuriers de l'Arche Perdue– a montré un Jones plus grossier, plus méchant, plus égoïste et ouvertement misogyne, impliqué dans des manigances dans l'Inde coloniale, où une variante moderne de l'ancien culte Thuggee qui a volé des pierres sacrées de Sankara dans un village voisin opère dans des catacombes sous un siège de gouvernement apparemment respectable. . Il y a des passages à tabac sauvages et des scènes de torture ; une cérémonie au cours de laquelle le cœur d'un homme est arraché de sa poitrine et son corps rôti dans une fosse de lave ; un banquet mettant en vedette des anguilles vivantes, des scarabées de la taille d'une main et des cerveaux de singes ; une chambre à pointes regorgeant d'insectes scintillants ; des images d'enfants réduits en esclavage battus, affamés et fouettés dans une mine de diamants ; et une longue séquence dans laquelle Indy est obligé de boire une potion qui le rend méchant et le pousse à abuser de son acolyte enfant Short Round (Ke Huy Kwan) et à réduire son intérêt amoureux, le chercheur d'or Willie (la future seconde épouse de Spielberg, Kate Capshaw), dans une mare de magma.

Ce film était l'un des deux succès de Spielberg de l'été 1984 (l'autre était celui de Joe Dante).Gremlins, produit par Spielberg) qui a tellement consterné la Motion Picture Association qu'elle a décidé de créer une nouvelle classification, PG-13, pour étiqueter les films qui n'étaient pas exactement pour adultes mais qui ne convenaient pas aux jeunes enfants. C'est un classique problématique par excellence : nonchalamment raciste et insensible à l'histoire et à la culture, même pour un film d'Indiana Jones, mais l'une des plus grandes démonstrations soutenues de cinéma d'action pure de Spielberg - viscéralement passionnant et, parfois, punissant même selon les normes les plus élevées d'aujourd'hui. Il mélange des burlesques à la Buster Keaton, des cascades ridicules à la James Bond (comme une chute d'un avion sur un radeau gonflable) et des images horribles que l'on s'attendrait rarement à rencontrer en dehors d'un film d'horreur classé R. Ça marqueune des rares foisque Spielberg semblait s'abandonner complètement à son identité sans garder un œil sur le public pour s'assurer qu'il se sente en sécurité et protégé.—MZS

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La merveille deParc Jurassiqueétait dansregarder à nouveau les dinosaures parcourir la terred'une manière terriblement réaliste. Alors queLe monde perduvoit Spielberg,sans ego encore une fois,en utilisant certains des marqueurs visuels que le public aimait du premier film - levrombissementd'unT. rexles pas de, les yeux vifs d'un vélociraptor – tenter de susciter ce même sentiment de crainte pour une suite allait toujours être impossible. Cela laisseLe monde perducomme moins une étude sur la beauté d'une espèce disparue et plutôt un grand film d'action stupide et amusant rempli de décors extravagants et d'humains se comportant mal. Tout parvient à maintenir le cap grâce au charme du Dr Ian Malcolm, le quasi-homme de Jeff Goldblum, et à son mépris infini pour le milliardaire fou John Hammond (Richard Attenborough, dans deux maigres scènes). Il y a un plaisir fou à voir le Dr Malcolm avoir raison à plusieurs reprises, même si cela coûte à ses amis et au groupe de chasseurs qu'ils combattent contre leurs membres. Non, il n’y a pas beaucoup de sous-texte à cela. Mais qui a besoin de ça quand tu vois un grand vieuxT. rexse frayer un chemin dans les rues de San Diego ? —COMME

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L'un desbeaucoup, beaucoup de beautésde laDestination finaleLa franchise est que parce que le méchant de la série est la mort elle-même (comme dans le concept), vous n'avez vraiment pas besoin de vous soucier d'explications tendues sur la raison pour laquelle il est revenu pour un nouveau film. La mort n’est jamais vaincue, juste (momentanément) contrecarrée, ce qui signifie simplement qu’elle revient sans cesse pour terminer le travail. C'est une prémisse délicieusement cinématographique : regarder les victimes se retrouver victimes d'un assortiment d'accidents et de coïncidences de plus en plus improbables qui se combinent pour transformer la vie ordinaire en une série de pièges mortels inspirés de Rube Goldberg. La créativité cinématographique impliquée dans les meurtres signifie que les suites sont toujours les bienvenues, car nous attendons constamment de voir comment les cinéastes surpasseront les morts précédentes. Cela dit,Destination finale 2s'ouvre sur ce qui reste la séquence la plus spectaculaire de toutes : un carambolage délirant et cauchemardesque sur une autoroute qui sert de vitrine inoubliable à la manière particulière du réalisateur David Ellis de gérer le chaos. (Il était, après tout, coordinateur de cascades et réalisateur de deuxième équipe.) Toujours le point culminant de la série, cette entrée se distingue également par le fait que, contrairement à la plupart des films d'horreur (et en particulier des suites d'horreur), ses personnages sont sympathiques et semblent réellement disposés à coopérer contre la force invincible qui les élimine un par un. En d’autres termes, ce ne sont pas tous des adolescents saccadés. Ceci, à son tour, ajoute un élément supplémentaire de pathos à leurs fins inévitablement horribles.-ÊTRE

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Fonctionnant au diesel et aux numéros de danse Bollywood,Doom 2L'ensemble composé de flics et de voleurs de , donne aux courses de rue un aspect si dur à cuire qu'on leur a reproché une augmentation des accidents de cascades à vélo parmi la jeunesse indienne. Une équipe de policiers dirigée par l'ACP Jai Dixit aux yeux d'acier poursuit le voleur international et insaisissable M. A et son pseudo-partenaire Sunehri. Malgré un jeu érotique de basket pluvieux et un match d'ouverture dans lequel A arrache un moule du visage de la reine avant de sauter en parachute dans un train,Doom 2a une idée de base simple ; c'est une suite qui vante les vertus des suites. Un flic et un voleur se rencontrent dans une salle de cinéma – avec Sunehri au milieu tandis que l'écran hurle.Voituresscène de combat entre Lightning McQueen et Mater. Ali, le flic amoureux, imagine courir le long d'une plage avec toutes les femmes qu'il rencontre, y compris les jumelles Shonali et Monali Bose, dansAlerte à Malibu-des maillots de bain rouges. Le film est kitsch et obsédé par la duplicité à chaque instant. Tout comme les identités changeantes de A – le nain de Blanche-Neige, une statue grecque, la reine Elizabeth –Doom 2montre à quel point la réinvention peut être formidable lorsqu'elle n'est pas prise trop au sérieux.—Ashley Shannon Wu

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La deuxièmeSupermana établi de nombreuses conventions de suites de super-héros que d'autres titres imiteraient à l'avenir : Superman est rejoint par des visages familiers et combat de tout nouveaux méchants (voir aussiBatman revientetTeenage Mutant Ninja Turtles II : Le secret du limon). Il perd ses pouvoirs (Spider-Man 2,X-Men : Le dernier combat). Il obtient la fille seulement pour la perdre (Batman revient,Spider-Man 2,L'incroyable Spider-Man 2,Le carcajou). Tout dégénère. SiSupermanconvaincu le monde qu'un homme pouvait voler,Superman IILe travail de David était de nous convaincre qu'il pouvait voler plus haut tout en conservant une humanité essentielle.

Quatre décennies plus tard, tous les trucs de Zod règnent toujours, car Terence Stamp joue si bien un mégalomane maléfique qu'il peut voler des scènes à Gene Hackman. L'action de super-héros, selon les standards du début des années 80, est superbe et imprégnée d'un humour loufoque qui a pratiquement disparu des superproductions modernes - en particulierSupermanfilms. Les Richard, Donner et Lester méritent d'être reconnus pour leur partSuperman IIse sent excitant et frais (même si Donner n'a pas voulu partager le mérite après avoir été remplacé en tant que réalisateur). Ce qui ne fonctionne pas, cependant, c'est l'histoire d'amour entre Lois et Clark – dommage étant donné la facilité avec laquelle l'alchimie entre Margot Kidder et Christopher Reeve se sentait à l'écran. Superman ment beaucoup à Lois dans ce film – même lorsqu'elle le tient pour mort. Au point culminant émotionnel de leur romance, quand elle admet qu'elle ne veut pas le partager avec le monde, il prive cette journaliste à succès et dure à cuire de son agence avec un baiser qui efface ses souvenirs. Cela semble faible – d’autant plus maintenant compte tenu de la fin du dernier film de Spider-Man. Comme les leçons de tant d'autres suites, toutes ne sont pasSuperman IICela valait la peine d'être ressassé.-EVB

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Pendant des décennies, le réalisateur Terence Fisher a réalisé une série de suites d'horreur robustes basées sur des personnages comme la Momie et Dracula pour Hammer Film Productions, un studio londonien dédié au genre. Parmi eux se trouvaitLa revanche de Frankenstein, la suite aventureuse de 1958 deLa malédiction de Frankenstein, dans lequel le baron Victor Frankenstein (acteur Peter Cushing), trois ans après le désastre de son monstre, échappe à la guillotine pour se réinstaller à Carlsbrück en tant que confident des riches et médecin des pauvres. Le docteur Hans Kleve, après avoir découvert la véritable identité du baron Frankenstein, arrive à la recherche de connaissances : comment exploite-t-il la puissance de Dieu ? Le baron Frankenstein a tiré les leçons de ses erreurs passées. Au lieu d'utiliser un cerveau défectueux, il envisage de transplanter le cerveau du bossu Karl dans le corps d'un homme pauvre. Les masses connaissent Cushing sous le nom de Grand Moff Wilhuff Tarkin, mais les initiés le reconnaîtront comme la star épaulée de Hammer Films – tout en corps élancé et en visage ciselé et fantomatique. Le magnifique technicolor deVengeanceapprofondit les orbites de Cushing jusqu'à des extrémités sinistres (des rouges rubis et des verts jade peignant l'écran), mêlant l'opulence victorienne au merveilleux style de film B. Le film me rappelle le savoir-faire derrière les accessoires et les effets pratiques des années 1950 ; les globes oculaires démembrés fixant une flamme sont toujours et simplement déconcertants. Ensuite, il y a Quitak qui donne l'une des performances les plus déséquilibrées et physiquement adaptées du cinéma d'horreur en jouant le monstre non pas comme un spectre grognant mais comme un vrai homme.—RD

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La comédie dramatique surnaturelle de John Fawcett de 2000Snaps au gingembreest un classique culte pour une raison : un film drôle, sexy et totalement sauvage sur l'adolescence par le biais de la lycanthropie. L'original mettait en vedette Emily Perkins et Katharine Isabelle dans le rôle des sœurs Brigitte et Ginger Fitzgerald, des parias du lycée dont la relation étroite commence à se briser lorsque Ginger se fait mordre par un loup-garou. Cela devient de plus en plus sombre au fur et à mesure, il est donc logique que son suivi défiant les attentes commence et devienne de plus en plus sombre à mesure qu'il suit Brigitte, en solo après avoir tué sa sœur, alors qu'elle tente d'éviter son inévitable transformation avec des injections de moine. . Qu'y a-t-il de si satisfaisant dansGingembre Snaps 2C'est à quel point il est prêt à y aller, refusant de permettre à ses racines adolescentes sardoniques de tempérer un scénario désespéré tout en trouvant le temps de plaisanter sur les hormones adolescentes et les paumes littéralement poilues. Placer Brigitte en cure de désintoxication, où, en essayant de la protéger, l'installation l'empêche de prendre les clichés qu'elle utilise pour éviter de se transformer en monstre, est une source d'inspiration. Avoir une jeune Tatiana Maslany jouant un autre patient qui propose un remplacement provisoire à l'amitié que Brigitte entretenait avec sa sœur est encore mieux, conduisant à une fin plus brutale que celle du premier film.—AW

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Tout va mieux avec Michelle Yeoh. LeHistoire policièrela franchise était déjà une exposition pour une star de cinéma internationaleJackie Chan, qui a réalisé, co-écrit et chorégraphié les scènes d'action et les cascades des années 1985.Histoire policièreet les années 1988Histoire policière 2avec son équipe de collaborateurs. Les films au rythme rapide se concentraient sur Chan dans le rôle de l'inspecteur Chan Ka-Kui et mettaient l'accent sur le mélange singulier d'humour burlesque et d'arts martiaux déchirants de Chan - ou apparemment singulier jusqu'à ce que Yeoh soit associé à Chan en tant que co-responsable deHistoire policière 3, ouSuperflic. En tant qu'inspecteur Yang Chien-Hua, la femme hétéro de Ka-Kui, Yeoh est un régal absolu à regarder, adepte à la fois des exigences physiques du rôle et du timing comique nécessaire pour jouer la folie de Chan. Ces compétences s'associent particulièrement bien lors d'une scène dans laquelle Ka-Kui est infiltré en tant que criminel et Chien-Hua se fait passer pour sa sœur. C'est une configuration élaborée et la performance de Yeoh aide à vendre la ruse. Elle est exubérante physique, délivrant un coup de pied sauté avec des nattes et un cardigan duveteux, mais aussi vraisemblablement exaspérée par Ka-Kui, se moquant de son attaque ratée avec des baguettes avec "Tu ne peux pas lancer ?" Les cascades du film deviennent de plus en plus folles : des lance-roquettes explosent lors d'une fusillade liée à un échange de drogue dans le Triangle d'Or ; Chan s'accroche à un hélicoptère pour sauver sa petite amie enlevée (Maggie Cheung) – mais c'est Yeoh que vous continuerez à chercher alors qu'elle fonce dans une moto et s'accroche au toit d'une camionnette à grande vitesse.—R. Hadadi

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Dans sa critique deKill Bill : Tome 1, Roger Ebert a qualifié le film de « tout en narration et sans histoire ».Tome 2, sorti environ six mois plus tard, a livré sa prestation sur ce dernier, remplaçant l'effusion de sang hyperstylisée et ultraviolente du premier film par le délire dialogué et joyeux pour lequel Quentin Tarantino est connu. Le scénario est délicieux. Bill a massacré toute la noce de la mariée et a tenté de la tuer ainsi que son enfant à naître. Le souvenir de Bill lorsque la Mariée le confronte ? "j'ai réagi de manière excessive.»Tome 2est plein de travaux de personnages comme celui-là, petits et grands. Dans une autre scène, Budd révèle à Bill, son frère, à quel point il se sent coupable de toute cette sanglante affaire. Bill demande s'il a suivi son jeu d'épée, et Budd répond qu'il a mis en gage son inestimable épée Hattori Hanzo pour 250 $, à la grande horreur de Bill. Comme nous l'apprendrons plus tard, cependant, l'épée se trouvait dans la caravane de Budd, fourrée dans un sac avec ses clubs de golf, et une inscription dessus disait: «À mon frère Budd, le seul homme que j'ai jamais aimé - Bill.»Tuer Billa été produit à l'origine en un seul film et divisé en deux pour la sortie, et c'est le mérite de Tarantino et Thurman que ses deux moitiés se sentent complémentaires plutôt que désynchronisées, ce qui était la plainte de Tarantino avec quelques films également produits consécutivement et sortis à six mois d'intervalle. 2003 :La matricedes suites. -EVB

Photo de : Paramount Pictures

Qui voulait vraiment unTop Gunsuite? Même Tom Cruise ne l'a pas fait ; il a résisté à l'idée pendant des décennies et aurait été toujours réticent alors même que le producteur Jerry Bruckheimer commandait des scripts pour un suivi proposé au début des années 2010. Mais au moment où le COVID-retardé du réalisateur Joseph KosinskiTop Gun : Maverickest finalement sorti en salles, le monde voulait non seulement unTop Gunsuite – il en avait besoin. Le succès retentissant du film auprès des critiques et des cinéphiles témoigne certainement de bon nombre de ses réalisations très discutées : l'authenticité de ses scènes et effets de vol ; le retour d’un divertissement théâtral qui plaira à tous et qui prend réellement la peine d’utiliser correctement le grand écran ; une aventure passionnante qui ne lésine pas sur le drame ou l'émotion ; et le retour de Tom Cruise, star du cinéma mégawatt. Mais peut-être plus important encore, à une époque où tant de nos plus gros blockbusters ramènent d'anciens castings et d'anciennes intrigues pour capitaliser sur le facteur nostalgie,Non-conformisteparvient d’une manière ou d’une autre à faire tout cela tout en reconnaissant que le monde a changé. En le regardant, vous vous souvenez du temps qui s'est écoulé depuis l'original.Top Gunet à quel point tout a été transformé au fil des années. Le film est un vautré nostalgique qui sert également de réprimande aux vautours nostalgiques. Et il faut un type de film très spécial, réalisé avec une véritable dextérité et sophistication cinématographique, pour parcourir ce parcours d’obstacles particulier.-ÊTRE

Photo : Moviestore Collection Ltd/Alay Stock Photo

Le premier film de Nicolas Winding Refn,Poussoir, était censé lancer sa carrière, pas une franchise. Mais après son premier film en anglais, le thriller John Turturro de 2003Peur X, a mis sa société de production en faillite, Refn s'est retrouvé avec peu d'autres options que de se tourner vers le drame policier à petit budget qui lui a servi de percée internationale. L'ironie est que les suites qu'il a réalisées ont été plus riches et plus gratifiantes que ce premier film, qui était très attaché à l'idée d'un jeune homme d'authenticité sordide. Alors quePoussoirconcentré sur les déboires du trafiquant de drogue de Copenhague, Frank,Poussoir IItourne son attention vers son malheureux acolyte, Tonny, qui se trouve être joué par un acteur prometteur nomméMads Mikkelsen. Ce bon goût de mettre de côté, le film devient une méditation angoissée sur les pères, les fils et la masculinité avec Tonny révélé être l'enfant d'un caïd local qui le voit comme une déception.Poussoir IIs'appuie sur la dynamique brutale du premier film pour créer le portrait d'un personnage désespéré de plaire aux gens qui n'ont aucun respect pour lui et toujours enclin à faire confiance à ceux qui le trahiraient instantanément pour se protéger. Son choix le plus audacieux n'est pas de se complaire dans la dureté du premier film mais de suivre quelqu'un incapable de se débarrasser de la douceur qui le rend si inadapté à la vie qu'il s'est choisie.—AW

Photo : Moviestore Collection Ltd/Alay Stock Photo

Personne n'est jamais venuL'homme mincesérie – le tirage au sort fiable de MGM, jamais réalisé à bas prix – s'attend à un polar difficile à résoudre. Le public a regardé à cause du charme naturel des détectives mariés Nick et Nora Charles et de leur adorable terrier. Totalisant six films, la série débuta en 1934 avecL'homme mince.Le deuxième volet,Après l'homme mince, est sorti en 1936 et réalisé par l'efficace WS Van Dyke, qui a dirigé les quatre premières entrées de la franchise. Il s'est enfermé dans une formule bancable : au bord de la retraite, une affaire surprise entraîne le sardonique Nick et l'aventurière Nora à travers une série de fausses pistes et de virages prévisibles. Dans ce cas, le couple, rentrant chez lui pour le réveillon du Nouvel An, est appelé par la matriarche de la famille de Nora, la froide et calculatrice tante Katherine, pour enquêter sur la disparition du mari coureur de jupons de la cousine paniquée de Nora. Un jeune Jimmy Stewart joue un béguin sans contrepartie. C'est un début pour lui, son horrible personnage d'avant-guerre exposé. Mais ce sont Powell et Loy, livrant des répliques impertinentes à un rythme effréné (une carte de visite dans leurs étonnantes 13 autres collaborations), qui réalisent un film qui par ailleurs se complaît dans la mode et la comédie arrosée.—RD

Photo : Album/Alay Banque D'Images

Le complément de Joshua Oppenheimer à son long métrage acclaméL'acte de tuer, déplace de manière cruciale les perspectives de l’oppresseur à la victime. DansL'acte de tuer, Oppenheimer a donné à un ancien bourreau du génocide indonésien l'opportunité de reconstituer ses crimes comme dans un film à l'aide d'éléments cinématographiques tels que des costumes, du maquillage et des effets spéciaux, jusqu'à ce que l'artifice hollywoodien cède la place à des souvenirs de véritable terreur. DansLe regard du silenceCependant, un optométriste nommé Adi utilise les examens de la vue comme excuse pour confronter et interroger les auteurs du génocide sur leur implication. Ce que ces hommes ne savent pas, c'est que le frère d'Adi était l'un des nombreux innocents massacrés. Tout ce qu’Adi veut, c’est une reconnaissance des horreurs. Oppenheimer offre au public un regard nauséeux sur le déni et l’autojustification. « Le passé est passé », répètent nombre de ces hommes. Entre les intervieweurs se trouvent des scènes d'Adi prenant soin de ses parents âgés, qui sont des souvenirs vivants des victimes laissées en vie par l'atrocité. Bien que manquantL'acte de tuerl'élément méta de ,Le regard du silencen'est pas moins puissant que son prédécesseur. Sa relative simplicité cède la place à un malaise rampant face à un sujet inquiétant et persistant : les acteurs politiques refusant d’accepter la responsabilité de leurs crimes.—VM

Photo : Amazon Prime Vidéo

Le sous-titre dit tout :Il était trois foisest la troisième tentative du réalisateur Hideaki Anno de mettre fin à sa franchise de garçon et de robot après trois décennies. À bien des égards, il a réussi, offrant une vision électrisante et tant attendue de son apocalypse aux fans deNéon Genesis Evangelionà disséquer et à se battre. Les nouveaux arrivants, cependant, auront probablement du pain sur la planche en essayant d'analyser les nombreux secrets cachés entre les images ; il s'agit d'un film longtemps retardé qui sert à la fois de finale à une tétralogie de films plus récents.Évangélionfilms et le remake d'un film de fin de série qui a à son tour réinventé les épisodes finaux également controversés de la série télévisée originale.Il était trois foisn'est pas fait pour les étrangers, et on peut parfois avoir l'impression qu'il n'est pas non plus vraiment fait pour les fans inconditionnels d'Evangelion. Plus que tout, cela semble répondre au besoin d'Anno de sortir ses idées de sa propre tête. Lui et son équipe créative ne se contentent pas de citer ou de réanimer méticuleusement des plans individuels de films tels queLa fin d'Evangelion, ils profitent également de l'occasion pourdéconstruire le processus d'animation lui-même. Des robots géants s'affrontant dans une ville pourraient littéralement percuter le mur d'un « plateau de tournage » de dessin animé, et les mastodontes pourraient soudainement se retrouver à la taille d'un humain et s'affronter dans les limites d'un appartement, avant que le quatrième mur ne se brise entièrement et que l'ennemi d'Anno ne s'effondre. des miniatures et des modèles de production sont révélés. Ces séquences peuvent être choquantes et déroutantes, mais elles sont simultanément fascinantes car elles sont nichées dans des scènes dans lesquelles les personnages parlent enfin de leurs décennies de traumatisme refoulé.-EVB

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Le fait que leSeigneur des AnneauxLa trilogie a été filmée consécutivement, ce qui a fourni un niveau d'assurance qualité : une foisLa Communauté de l'Anneaus'est avéré un succès, il était peu probable que les conséquences soient un désastre total. Pourtant, il y avait des moyensLes deux toursaurait pu décevoir. Après avoir passé le premier film ensemble, nos héros sont désormais répartis en trois groupes. Le ton et la cinématographie se sont tous deux assombris. (Nous sommes loin de la Comté maintenant.) Et trois ans seulement après Jar Jar Binks, le film attribue une lourde charge dramatique à un personnage entièrement CGI. Mais les optimistes avaient raison : celui-ci règne également. Réduire le nombre de personnages dans chaque scène permet à leurs relations de passer au premier plan : le lien de Frodon et Sam, la camaraderie de Legolas et Gimli, les modèles de royauté concurrents d'Aragorn et Theoden. (Ils seraient encore plus divisés dans le troisième film, où cela fonctionne moins bien.) Sur le plan technologique, Gollum d'Andy Serkis a époustouflé nos attentes quant à ce que pourrait faire une performance de capture de mouvement. Et le tout culmine avec la confrontation homérique à Helm's Deep – la séquence d'action la plus marquante de la trilogie et peut-être de tout le 21e siècle.Le retour du roij'ai eu tous les Oscars, maisLes deux toursa plus de punch.—N.J.

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Cela aurait été trop facile à mettreLa colère de Khansur cette liste - l'un des raresStar Trekles longs métrages sont évoqués sur un ton révérencieux, souvent au détriment de la franchise dans son ensemble. C'est vrai,Star Trek, dans son incarnation moderne, est trop amoureux de la série originale. Et l'idéal platonique de la franchise est arrivé tardivementLa prochaine générationen 1987. Bien sûr, il y a d'autres films de la franchise pour lesquels j'ai envisagé de me battre (le entêtantPays inconnuou les injustement calomniésGénérations, qui a finalement tué le capitaine Kirk après l'avoir associé au très différent capitaine Picard). Mais je me suis battu pourPremier contactet comment il résume la riche et intellectuelle gratification de cette franchise de longue date, grâce en grande partie aux grands tournants de James Cromwell, du légendaire Alfre Woodard comme son bras droit pragmatique, et de l'ensemble de l'équipage de l'Enterprise qui mérite d'être nommé - Picard, Data, Deanna Troi et Geordi La Forge, notamment.—AJB

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Il y a plus d'impressions dans la secondeVoyagefilm:Marlon Brando,Robert De Niro, etune reprise du morceau de Michael Caine. Et bien sûr, il y a encore plus d’ennui chez les personnes d’âge moyen.Italieprésente également deux innovations qui éclaireraient l’avenir de la franchise. La première est de bouleverser la sympathie du public par rapport au premier film : Steve Coogan, arrogant, fait un effort pour renouer avec son fils tandis que Rob Brydon, aux manières douces, fait un petit tour de talon (pas pour de vrai, même si j'ai entendu des rumeurs selon lesquelles fans confrontés au véritable Brydon à propos des méfaits de son personnage). Le second emmène le duo sous le soleil de la Méditerranée, où la série reviendra pour les films trois (Espagne) et quatre (Grèce). Le nouveau décor s'accompagne d'une meilleure nourriture, et ce que ce film perd en ridicule de la gastronomie moléculaire, il le gagne en délice alléchant. Personne ne confondra ces gars-là avec Anthony Bourdain - d'une part, leurs perspectives sont toujours hilarantes - mais l'évasion du globe-trotter introduite dansItaliecontribué à prolonger la durée de vie duVoyagesérie plus longue que quiconque ne le pensait possible.—N.J.

Photo : Amazon Prime Vidéo

Libérer une secondeBoratfilm 14 ans après le premier, en pleine pandémie et dans un climat extrêmement sensible en matière de politique et de comédie, cela ne sonnait pas nécessairement comme la recette du succès. Qui pourrait encore se laisser berner par Sacha Baron Cohen, célèbre journaliste kazakh inapproprié ? La réponse : Rudy Giuliani. Eh bien, pas seulement Rudy Giuliani. Mais sa volonté d'entrer dans une chambre avec la fille de Borat, Tutar, se faisant passer pour une journaliste et interprétée par Maria Bakalova, nominée aux Oscars, a servi d'exemple éclatant de l'idiotie et de la corruption au sein du cercle restreint de Donald Trump. Cohen a trouvé des moyens de contourner ses obstacles, en adoptant de nouveaux déguisements pour réussir à infiltrer la convention CPAC – il se déguise en Trump – et en se mettant en quarantaine avec une paire de noix de QAnon. Tandis que Borat se livrait à des propos souvent discrets,Âne-un style adjacent de comédie choc qui met en évidence les limites étranges de ce qui est considéré comme socialement acceptable dans ce pays,Borat prochain filmdéploie son maître de l’escroquerie pour révéler avec quelle facilité les Américains peuvent être manipulés. Le problème n’est pas de savoir avec quelle facilité Cohen et Bakalova peuvent perturber la tête des gens. C’est à quel point la tête de tous ces gens était déjà en désordre depuis 2006.—J.C.

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Il a fallu près de deux décennies pour queX-Mensérie pour grandir, mais l'attente en valait la peine. Le film de James Mangold n’est pas simplement une autre histoire de super-héros devenue sérieuse. Cela fonctionne avec, tout en réprimandant gentiment, tout ce qui a précédé. La première fois que Logan – vieillissant, mourant, n'étant plus capable de guérir comme avant – plante ses griffes dans le crâne de l'un des hommes qui tentent de lui voler ses enjoliveurs, le choc est double, provenant de la laideur maladroite de l'escarmouche. et le rappel de l’absence d’effusion de sang de toutes les violences PG-13 dont nous avons été témoins auparavant. Les X-Men ont peut-être toujours servi de métaphore polyvalente pour la marginalisation, mais la grandeur implicite des capacités mutantes de ses personnages principaux a toujours sapé l'efficacité de cette métaphore. Logan supprime tout cela, laissant derrière lui un monde de plus en plus indifférent où les corps déclinent de manière nouvelle et unique en raison des capacités mutantes qui les distinguent. C'est toujours complètement dur à cuire, mais il est alimenté par le désespoir et la médiocrité plutôt que par les efforts visant à sauver le monde, son personnage principal essayant en vain de lutter contre le temps et les changements dans l'approvisionnement avec rien de plus qu'un squelette d'adamantium de plus en plus lourd et une volonté de se battre qui s'estompe.—AW

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Quelles suites de comédies des années 90 sont meilleures que les originales ?Le monde de Wayne 2? Euh.L'espion qui m'a baisé? Contestable.Valeurs de la famille Addams? Certainement. La comédie gothique de Barry Sonnenfield surpasse son prédécesseur à plusieurs égards clés. Chacune de ses intrigues secondaires a un jeu classique et clairement défini : Gomez et Morticia ont un bébé, mercredi va au camp d'été et Fester tombe amoureux d'une nounou blonde pleine d'entrain (« Pastels ? ») qui s'avère être un tueur en série. (D'accord, donc les deux derniers sont ceux dont vous vous souvenez. Le point est toujours d'actualité !) Cette femme fatale est jouée parune Joan Cusack délicieusement dérangée, qui donne l'un des tournants comiques les plus remarquables de la décennie – c'est une boule de gomme trempée dans l'acide. Et les one-liners ne sont pas mauvais non plus. "Il a les yeux de mon père." "Sortez-les de sa bouche."—N.J.

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Il s’agit peut-être de la seule suite de cette liste qui s’ouvre sur un avertissement indiquant : « Le film que vous vous apprêtez à voir n’est pas une suite. » 20th Century Fox détenait les droits de réalisation d'un film intituléAu-delà de la Vallée des Poupées,mais personne n'a dit qu'il devait suivre les personnages, l'intrigue ou même le ton de l'original de 1967 (après tout, celui-ci se terminait sur une note si forte et définitive). Au lieu de cela, ils ont confié le projet au roi de l'exploitation sexuelle Russ Meyer, qui a co-écrit un scénario vraiment dingue avec le scénariste et critique de cinéma novice Roger Ebert. Le résultat final est un épisode classé X deJosie et les Pussycatsextrait directement du connard de Satan. Il suit un groupe de rock de trois filles qui trouve la gloire et le sexe à Los Angeles, dirigé par la chanteuse intrigante et opportuniste Kelly MacNamara, sûrement une parodie de Neely O'Hara de Patty Duke. Le seul fil conducteur est le thème général de trois femmes attaquées par le sexe, la drogue et la cupidité à Hollywood.

Ebert a fait un panoramiqueVallée des poupéesà sa sortie, le qualifiant de « sale, non pas parce qu’il contient beaucoup de sexe, mais parce qu’il croit fermement que le sexe est sale ». Il a donc fait un film amoureux de sa propre saleté comme un cochon dans la merde. OùValléeétait un film qui donnait l'impression d'être sur ses barbituriques titulaires – vaporeux et sinueux –Au-delàest sur le dessus, avec le montage maniaque de Meyer au service du dialogue plaisant et satirique d'Ebert. Comme un comptoir de salle de bain lors d'une fête de Z-Man,Au-delàregorge de grandes répliques luisantes : « Tu boiras le sperme noir de ma vengeance ! » SiValléereprésentait le souffle mortel du mélodrame surchargé des grands studios,Au-delàétait un des premiers enfants du poste des studios–Cavalier facilefutur, sans peur de ses propres personnages queer et de ses désirs pulpeux. Notez que cela est sorti la même année que John Waters a publiéPlusieurs maniaquesavec un budget de 5 000 $. Il y avait quelque chose dans l'eau (probablement des poupées).—RA

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À ce stade, vous en avez probablement assez d'entendre parler de la suite extrêmement populaire et (surtout) appréciée de Christopher Nolan.Batman commence, ce qui a inspiré de nombreux autres réalisateurs inférieurs à s’essayer à «redémarrages sombres et granuleux» de propriétés auparavant amusantes, et qui aurait également incité les Oscars à élargir leur catégorie du meilleur film suite au tollé suscité par l'échec de ce film à décrocher une nomination. Si nous le voulions vraiment, nous pourrions aussi en partie lui reprocher la domination quasi totale des films de super-héros sur le marché. (Souviens-toi,Le chevalier noirest antérieurVengeurs, et ouvert la même année queHomme de fer, le premier film MCU.) MaisLe chevalier noirmérité tous ces applaudissements qui semblent si ennuyeux aujourd'hui. Ses nombreux imitateurs ne diminuent en rien sa réussite ; au contraire, ils l'amplifient. Nous avons vu de nombreuses suites qui parcourent le même territoire que les films précédents, dans le but de reproduire leur succès. MaisLe chevalier noirest un excellent exemple de suite qui s'appuie sur les idées du film précédent et les pousse plus loin avec succès. En effet, d'autres films (de super-héros et autres) poursuivent depuis 14 ansLe chevalier noirLe thème savamment tissé de la culpabilité, un conflit représenté à travers ses deux images les plus emblématiques : le Batman sinistre et maussade de Christian Bale, pesant sous le poids de toute cette armure noire, et le Joker de Heath Ledger, sa tête dépassant de la fenêtre d'une voiture, ressentir la pure liberté d'un homme qui vient de réduire en morceaux deux des personnes les plus importantes de la vie de Batman. Un homme est rongé par la culpabilité, l’autre en est libéré. Et aussi, considérez ceci : malgré toute sa tristesse et son prétendu nihilisme, cette image se termine par l'échec du plan du Joker visant à monter les habitants de Gotham les uns contre les autres – lorsque des citoyens terrifiés, ayant le pouvoir de détruire, refusent de le faire. C’était en fait un message d’espoir en 2008, mais cela ressemble aujourd’hui à un pur fantasme. Alors, qu’est-ce que cela nous dit en tant que peuple que nous n’ayons pas été à la hauteur de la vision morale deLe chevalier noir, de tous les films ?-ÊTRE

Photo : ScreenProd/Photononstop/Alay Stock Photo

Soyons honnêtes : ce film ne figure pas si haut sur cette liste pour ce qu'il fait avec le personnage de Batman-Bruce Wayne. (Je dirais que les films Batman ne créent pas de personnage principal intrigant avant Matt Reeves.)Batman revient, qui incarne son prédécesseur à tous les niveaux (à l'exception de la grandeur de la bande originale de Prince pour le film de Tim Burton de 1989Batman), est le résultat d'un réalisateur à la vision assurée et d'une équipe aux voix fortes, tous capables d'utiliser une adaptation de bande dessinée comme terrain de jeu pour des idées sombres et enchevêtrées. Gotham City du film est un pays des merveilles enneigé grâce à la conception de la production de Bo Welch et à la direction artistique de Tom Duffield et Rick Heinrichs. Cela semble à la fois irréel et claustrophobe. Burton était dans son sac, ouvrant la voie à une coterie de performances, le monstrueux Pingouin de Danny DeVito et le milliardaire vénal de Christopher Walken, Max Shreck, étant des moments forts particuliers. Mais c'est Michelle Pfeiffer dans le rôle de la méchante vorace et complexe Catwoman qui s'enfuit avec le tout. Sa performance est féline dans sa physicalité, son personnage posant des idées sur le pouvoir féminin dans un monde qui cherche à l'exterminer. Elle ne parle même pas et ronronne. Que Catwoman fouette des têtes de mannequins ou mette un oiseau dans sa bouche, c'est un exploit qui n'a pas encore été égalé dans les films de bandes dessinées depuis.—AJB

Photo : Paragon Films/avec la permission d'Everett Collection

Tsui HarkC'est la suite de son magistralIl était une fois en Chinea réussi à être plus sombre, plus expansif, plus ambitieux et plus réussi que l'original. Cette fois, Wong Fei Hung de Jet Li se rend à Canton pour une convention médicale et se retrouve au milieu d'une lutte à trois pour l'âme de la Chine. D’un côté se trouve la sinistre secte du Lotus Blanc, une secte xénophobe qui attaque tout ce qui semble étranger et qui est dirigée par un prêtre guerrier qui prétend être insensible à tout type d’arme. De l’autre côté se trouve le leader révolutionnaire Sun Yat Sen (qui deviendra plus tard le premier président de la République de Chine). Et puis il y a le grand Donnie Yen dans le rôle d'un général local impitoyable, qui est devenu un nom assez connu après ce film et en particulier son superbe combat culminant à la perche et à la corde. Tsui n'a pas hésité à introduire l'histoire et la politique chinoises dans ses films précédents, et il développe et complique ici ces idées, en particulier dans son portrait des périls du nationalisme extrême. Mais il ne laisse pas non plus de telles préoccupations l'empêcher de créer un spectacle d'action époustouflant, avec des scènes de combat magnifiques et émouvantes ; au contraire, les connotations historiques ajoutées contribuent à rendre les batailles de ce film encore plus immédiates et conséquentes.-ÊTRE

Photo de : Shochiku Films of America

Les trois films de Masaki KobayashiLa condition humaineLa trilogie, basée sur un roman semi-autobiographique en six parties de Junpei Gomikawa, est en réalité un seul film de 579 minutes divisé en trois parties pour la sortie, mais nous avons jugé son inclusion dans cette liste autorisée – films tournés en même temps mais distribués. comme suitesce sont encore des séquelles.La condition humainesuit les tribulations du conscrit japonais de la Seconde Guerre mondiale, Kaji (Tatsuya Nakadai), alors que son dévouement à l'humanisme et au socialisme est mis à l'épreuve par les dures réalités de la guerre. Dans le premier film, il se bat pour un traitement civilisé des prisonniers de guerre chinois qu'il commande dans un camp de travail ; dans le second, un film qui constitue le modèle évident de la séquence de Parris Island dansVeste entièrement en métal, il lutte pour protéger ses pairs dans un camp d'entraînement ; et dans ce troisième volet, il se retrouve à errer dans un paysage de rêve cauchemardesque de la Mandchourie occupée vers la fin de la guerre. Le plus hallucinogène des trois volets de ce film dévastateur et d'une modernité choquante,La prière d'un soldatjoue un peu comme une adaptation de Terrence Malick du film de Tim O'BrienS'en prendre à Cacciatoalors que Kaji décide, après que son unité ait été décimée par l'avancée des chars russes incroyablement filmée par le directeur de la photographie Yoshio Miyajima, de marcher des centaines de kilomètres et de traverser la mer du Japon jusqu'à sa femme bien-aimée Michiko. Controversé au Japon pour ses critiques sévères de la guerre et du comportement rapace de l'armée japonaise, le film reste tristement d'actualité pour la façon dont il dénonce à la fois les maux du fascisme et l'apaisement doux de ceux qui prétendent s'y opposer. Le grand thème deLa condition humaineC'est ainsi qu'une seule atrocité peut être mineure dans la portée de l'histoire, mais comme chaque vie est interconnectée, le seul espoir de survie de l'espèce réside dans la préservation de la valeur de chaque personne.-TOILETTES

Photo : Collection Christophel/Alay Banque D'Images

Une prouesse du cinéma à petit budget,Sam Raimic'estLes morts maléfiquesc'est une pure imagination et une détermination collective qui élèvent des ressources limitées et des aspérités aux sommets du culte cinématographique. AvecMal mort IICependant, Raimi amène sa vision sanglante et idiote à un tout nouveau niveau en mettant l'accent sur le slapstick des Trois Stooges jusqu'à ce qu'il devienne un dessin animé glorieux sur cinq mortels sans méfiance affrontant une merde de démons déterminés à ajouter de nouvelles âmes à leur troupeau. Les deux films partagent des éléments d'intrigue et d'horreur, mais Raimi change le ton dans sa suite désarticulée – c'est-à-dire la quantité d'éclaboussures dansMal mort IIest destiné à susciter le rire plutôt que la répulsion. Cependant,Mal mort IILes qualités ridicules n'enlèvent guère à l'horreur fondamentale du film. Sarah Berry vend surtout la peur de son personnage de voir sa mère démoniaque enfermée dans la cave ricanant à l'idée de transformer des innocents en Deadites. Bien sûr,Mal mort IIne fonctionne tout simplement pas sans Bruce Campbell, dont le tour en tant que Ash reste digne du Temple de la renommée, qu'il rit à l'unisson avec les meubles possédés, qu'il combatte sa propre main démoniaque, ou qu'il façonne enfin cette tronçonneuse sur son moignon. « Groovy », en effet.—VM

Photo : PictureLux/The Hollywood Archive/Alay Stock Photo

Dans son adaptation du film de braquage mettant en vedette Rat Pack de 1960Océan 11, le réalisateur Steven Soderbergh a apporté un changement astucieux qui allait cimenter son redémarrage de 2001 et ses deux suites — celles de 2004Les Douze de l'Océanet les années 2007Océan 13- comme certaines des entrées les plus attrayantes de son œuvre : C'est plus amusant si l'équipage s'en sort, quand toutes leurs intrigues et tours de passe-passe, tout leur travail de préparation et de planification, et toutes leurs conversations voilées et leurs dialogues obscurs mènent à des millions. de dollars dans leurs poches et les plus petits restent avec le sac vide.Onze d'Océana établi la formule populiste de Soderbergh avec son casting scintillant, sa cinématographie fluide et le mélange haut-bas du Strip de Las Vegas et des coins les plus miteux, et trois ans plus tard,Les Douze de l'Océanest devenu plus grand et plus audacieux. À l'époque, les réactions critiques étaient mitigées sur le sentiment d'excès de la suite (Bruce Willis est apparu dans le rôle de lui-même, Vincent Cassel exécute du break dance dans une salle laser), mais c'est exactement ce qui fait du film une suite sublime. Catherine Zeta-Jones est pleine de charisme en tant qu'agent d'Interpol avec une rancune personnelle contre Rusty Ryan de Brad Pitt, et le tournage européen du film a élargi le sentiment que l'équipe de George Clooney faisait partie d'un vaste réseau interconnecté - un détail de construction du monde qui prendrait en compte en suite directeOcéan 13etLes huit de l'océan, aussi.—R. Hadadi

Photo : avec l’aimable autorisation d’Everett Collection

L'événement crossover kaiju de 1964,Mothra contre Godzillaest une suite directe du chef-d'œuvre anticapitaliste de 1961Mothraet le quatrième film de l'ère ShōwaGodzillafranchise. Ce film a un côté intemporel grâce à l'utilisation par le réalisateur Ishirō Honda du grand écran TohoScope, à sa palette vibrante de couleurs primaires et bien sûr au thème musical emblématique d'Akira Ifukube associé au rugissement classique de Godzilla. En tant que dernier film dans lequel Godzilla est un méchant et dernier film de la franchise regorgeant de commentaires sociaux,Mothra contre Godzillareprésente une grande réussite artistique pour toutes les personnes impliquées. L'original de 1954GodzillaLe film a puisé dans la morosité du Japon d'après-guerre des années 1950, mais les années 60 ont été une époque d'optimisme et de croissance pour le pays, en partie grâce au boom de la construction qui a précédé les Jeux olympiques de Tokyo. Mais la croissance entraîne inévitablement la cupidité. Godzilla est peut-être en train de piétiner la ville, mais c'est un homme moderne qui a irradié l'île de Mothra et les gens qu'elle a juré de protéger. Il s'agit également de deux industriels avides dont le complot visant à gagner de l'argent grâce à l'œuf géant de Mothra met tout le monde en danger lorsque Godzilla refait surface et attaque. Mothra était le deuxième kaiju le plus populaire de Toho. Elle représente la paix et l'harmonie, ce qui contraste parfaitement avec le chaos et la rage de Godzilla. Comme le déclarent ses fées jumelles, la seule façon de remercier Mothra d’avoir sauvé l’humanité est de travailler à un monde construit sur la confiance mutuelle.—MEG

Photo : TCD/Prod.DB/Alay Banque D'Images

L’expression « Hammer Horror » évoque un ensemble distinct de versions vivantes à petit budget de personnages emblématiques commeFrankenstein,Dracula, et leMomie. Mais Hammer Film Productions Ltd. a également produit certains des films de science-fiction les plus appréciés d'Angleterre. Basé sur une série de la BBC du même nom,Quatermass et la fosseest le troisième volet duQuatermassesérie, mettant en vedette le professeur Bernard Quatermass, un pionnier fictif du programme spatial britannique qui passe la plupart de son temps à combattre les extraterrestres. Largement considéré comme le premier héros de la télévision britannique (qui s'est lancé dans le cinéma avant de revenir à la télévision), Quatermass représentait un point fixe pour le pays à une époque de changement absolu – un Sherlock Holmes de science-fiction dont l'héroïsme vient de l'intellect plutôt que des muscles. DansQuatermass et la fosse, Quatermass (Andrew Keir) enquête sur des créatures préhistoriques trouvées préservées dans un tunnel du métro de Londres après avoir appris que ses plans de colonisation de la lune ont été remplacés par un militaire déterminé à armer le satellite. Ce qui commence comme un mystère de base teinté de science-fiction évolue lentement vers une histoire effrayante alors que des souvenirs martiens malins éclatent au sein de l'équipage, provoquant le chaos télékinésique. L'acte final du film est rempli de tellement d'anxiété et d'effroi, intensifiés par des effets pratiques cool, notamment des vents violents et des incendies déchaînés, qu'au moment où tout Londres est en feu, vous vous sentez complètement à bout de souffle.—MEG

Photo : Photos de style de vie/Alay Stock Photo

Terminator 2 : Jour du Jugementaurait déjà été l'un des grands chefs-d'œuvre d'action pour ses innovations techniques, ses décors à grande échelle et ses questions philosophiques toujours d'actualité, mais reprogrammer la terrifiante machine à tuer titulaire du premier film en une sorte de Baymax déchiqueté qui apprend à parler comme Bart Simpson est le meilleur retournement de situation de l'histoire du cinéma (« Hasta la vista, baby » n'était pas seulement un slogan ; c'était unarc émotionnel). À l’image de cette transformation se trouve l’évolution primitive que Linda Hamilton forge pour la demoiselle autrefois en détresse Sarah Connor – sa performance intense plaide en faveur d’un écart de sept ans entre les films. Comme pour l'autre « chef-d'œuvre » de Cameron,Extraterrestres,ce film ajoute un enfant au mélange pour des enjeux immédiats, et le succès de tout le film repose sur la force des armes de son actrice principale. DansT2,Le T-800 d'Arnold Schwarzenegger est revenu dans le passé, cette fois pour protéger John Connor du dernier modèle de Skynet, le T-1000. L'équipe d'Industrial Light & Magic — qui a remporté un Oscar pour Cameron'sL'abîme— revient pour donner vie aux capacités de métal liquide du T-1000 via un CGI révolutionnaire qui semble à environ un million d'années-lumière deT1C'est un stop-mo à la Harryhausen. L’avancement des effets techniques dans notre réalité fait étrangement écho aux thèmes techno-accélérationnistes du film. Intelligent? Oui. Impressionnant? Oui. Mais aussi un look vraiment très cool. [« Bad to the Bone » joue pendant que ce texte de présentation s'éloigne dans une veste en cuir sur une moto 😎]—RA

Photo : Collection Christophel/Alay Banque D'Images

Hué à Cannes et brièvement diffusé dans les salles américaines,Twin Peaks : Marche du feu avec moiest une préquelle (qui, dans notre schéma des choses, est une suite) qui complète le personnage de Laura Palmer, la lycéenne dont le meurtre dans le pilote de la série a donné le coup d'envoi à l'histoire en constante évolution de David Lynch et du co-créateur Mark Frost. et préoccupations. Certains téléspectateurs ont été déçus et même consternés par l'accent mis par le film sur l'exploitation et l'autodestruction de Laura, qui se poursuivent jusqu'à la séquence finale bouleversante, une reconstitution de sa violation et de son meurtre qui parvient à être à la fois troublantement réaliste et naïvement figurative. temps (il y a même un ange avec des ailes qui semblent avoir été achetées dans un magasin de costumes). Rétrospectivement, le film est fascinant non seulement pourPics jumeauxmais pour les obsédés de Lynch qui suivent l'évolution du style du réalisateur. Le succès international de la série a donné à Lynch l'autorisation de réaliser quelque chose d'encore plus audacieux, bouleversant, surprenant et parfois déroutant qu'il n'avait jamais été capable de réaliser à la télévision. Il y a de la violence graphique et de la nudité, et certaines séquences se complaisent délibérément dans la sordide et la dégradation qui faisaient partie intégrante des dernières semaines de l'existence de Laura.FWWMsemble maintenant marquer le point où Lynch a largement cessé d’exprimer son moi le plus profond dans le contexte de caractérisations compréhensibles et de tropes familiers, et s’est orienté dans des directions plus expérimentales. Sa dernière œuvre intéressée à être un pur divertissement étaitSauvage au cœur, sorti deux ans plus tôt ; la route versMulholland Drive, Empire intérieur, etTwin Peaks : Le retoura commencé dans le wagon abandonné où l'esprit de Laura a fusionné avec l'infini.—MZS

Photo : Entertainment Pictures/Alay Stock Photo

Comme tant de suites,Histoire de jouets 3 tente de faire appel à nos penchants nostalgiques en ressuscitant les personnages dont nous sommes tombés amoureux pour la première fois près de deux décennies auparavant. Mais ce chef-d'œuvre de Pixar va encore plus loin en racontant une histoire qui est directement aux prises avec la nostalgie, contrairement à la plupart des suites animées. L'intrigue principale se concentre sur la tentative de Woody de sauver Buzz l'Éclair, Jessie et le reste de leur équipe d'une garderie effrayante, avec l'une des séquences d'action les plus poignantes de l'histoire de Pixar. Mais le cœur deHistoire de jouets 3implique les luttes d'Andy, propriétaire de tous lesHistoire de jouetsdes jouets et Woody, son cowboy bien-aimé avec la corde à tirer dans le dos, alors qu'ils luttent tous les deux contre les conséquences d'être séparés une fois qu'Andy part à l'université. En d'autres termes, il s'agit d'un récit animé sur la façon d'abandonner le passé tout en en conservant une partie dans son cœur, un thème souligné par son image finale : un ciel bleu parsemé de nuages ​​gonflés qui ressemble exactement au papier peint dans la chambre d'Andy, rencontré pour la première fois dans la scène d'ouverture deHistoire de jouets. Les gens de Pixar savaient sûrement que les petits enfants qui ont vu pour la première fois ce révolutionnaire CGI de 1995 à l'âge de 5 ou 6 ans auraient 20 ou 21 ans lorsqueHistoire de jouets 3est sorti, rendant ce film sur l'éloignement de sa jeunesse extrêmement personnel pour eux. Mais cela touche aussi tout le monde, en particulier ceux qui se souviennent à quel point il est douloureux de ranger les choses enfantines.—J.C.

Photo : Photo 12/Alay Banque D'Images

Aux heures de pointe, un centre commercial accueille suffisamment de trafic humain pour détourner l’attention de son atmosphère synthétique et de son commercialisme criard. Mais un centre commercial vide dégage une ambiance vaguement sinistre qui n’est renforcée que par la quantité de choses inanimées remplissant presque chaque centimètre carré de l’endroit. Il n'est pas étonnant que George Romero ait vu le centre commercial de Monroeville, juste à l'extérieur de Pittsburgh, comme le lieu idéal pour que quatre survivants puissent se terrer pendant une apocalypse zombie.L'aube des morts,la deuxièmeLa nuit des morts-vivantsfilm, commence avec la fermeture des studios de télévision et les équipes SWAT envahissant les projets de logement pour retrouver les réanimés. Mais peu de temps après que deux policiers qui ont déserté leur poste ont rejoint un journaliste routier et sa petite amie enceinte dans un hélicoptère fuyant la ville, ils atterrissent sur le toit d'un centre commercial rempli de nourriture, de fournitures et d'armes. La stase est cependant une illusion, et tandis que tous les quatre s'adonnent au luxe, le monde réel se rapproche, attendant de les transformer en morts-vivants. La satire consumériste tranchante de Romero se double également d'une projection incisive de l'effondrement social, où les nantis et les démunis se retournent les uns contre les autres et où le désordre déplace tout impératif de communauté. Même sans un cadre politique puissant,L'aube des mortsexcelle en tant que film d'horreur à petit budget, avec Romero en maître spectaculaire du chaos capturant un monde en proie à la peur et à la paranoïa. Le maquillage à effets spéciaux de Tom Savini constitue la référence en matière de « look » de zombie, tout comme notre quatuor de héros incarne le groupe de héros post-Hawksiens qui réalisent lentement qu'il n'y a plus de place en enfer.—VM

Photo : Entertainment Pictures/Alay Stock Photo

Sergei Eisenstein a conçu dès le départ son biopic lyrique sur le premier tsar de Russie comme un film en plusieurs parties (il n'a jamais réussi à terminer un troisième film prévu), mais les réceptions dePremière partieetDeuxième partiecela n'aurait pas pu être plus différent. Joseph Staline, grand admirateur d'Ivan, adorait le premier volet, qui mettait en scène l'arrivée au pouvoir du tsar et révélait les agissements trompeurs de la classe noble à son encontre. Réalisé pendant les horreurs de la Seconde Guerre mondiale, ce film faisait écho au message de guerre des Soviétiques avec son image d'un leader fort, rassembleur, impitoyable mais juste. La suite, cependant, a montré le tsar devenant de plus en plus paranoïaque et vengeur, et les échos contemporains dans son portrait d’un État policier croissant étaient indubitables. Staline détestait cela et se faisait même amener Eisenstein pour une leçon d'histoire impromptue. La photo a été supprimée et ne sera publiée qu'en 1958, lors du soi-disant « dégel » de la politique soviétique après la mort de Staline. Eisenstein lui-même était décédé en 1948, après quelques crises cardiaques qui pourraient bien avoir été provoquées par le stress lié à la réalisation de son magnum opus. Les deux parties deIvan le Terriblesont fascinants, avec Eisenstein se penchant sur le décor expressionniste, les costumes ornés et symboliques et les performances extrêmement maniérées. MaisDeuxième partieest certainement l'œuvre la plus folle, car la détérioration de l'état mental d'Ivan fait tourner le film dans l'abstraction, avec une logique de rêve troublante et des séquences musicales en couleurs bizarres (qui auraient été tournées sur une pellicule capturée par les Allemands). Eisenstein a construit tout son récit autour de rituels – couronnements, etc. – mais à mesure que le deuxième film avance, on a le sentiment que toute la vie est devenue un rituel dérangé. L'esprit se demande ce qu'il aurait pu faire avecPartie III.-ÊTRE

Photo : HBO/avec la permission d'Everett Collection

L’explosion d’intérêt pour le vrai crime a uni les communautés en ligne, popularisé une myriade de podcasts et lancé un millier d’adaptations dans les médias. Au-dessus d'eux tous, et démontrant l'impact tangible de l'enquête et de l'examen, se trouve le film de Joe Berlinger et Bruce Sinofsky.Paradis perdutrilogie documentaire, qui s'est conclue avec celui de 2011Paradis perdu 3 : Purgatoire. Pendant 16 ans, Berlinger et Sinofsky ont suivi le calvaire des West Memphis Three : les adolescents Damien Echols, Jessie Misskelley Jr. et Jason Baldwin ont été reconnus coupables des meurtres des garçons de l'Arkansas Steve Branch, Michael Moore et Christopher Byers et condamnés à des peines variables. la vie en prison et la mort. Les accusations très circonstancielles portées contre eux ont été au centre des débats de 1996.Paradis perdu : les meurtres d'enfants à Robin Hood Hills; les appels des hommes ont alimenté les années 2000Paradis perdu 2 : Révélations; et les défauts dans la conduite de l'accusation, y compris la falsification du jury et les incohérences ADN, sont pris en compte dansParadis perdu 3 : Purgatoire. Chaque nouvelle question soulevée par Berlinger et Sinofsky dansPurgatoirerenvoie à ce que nous savons que ces hommes ont enduré, et jusqu'à sa toute fin,Purgatoireon dirait un autre test de cette endurance : combien de temps leur épreuve doit-elle durer ? Mais ensuite, au cours d'un épilogue de dix minutes, les hommes sont libérés de manière inattendue – une fin douce-amère à une tragédie qui a attiré l'attention de la nation grâce auParadis perdufilms. "Est-ce que c'est la justice?" demande un journalistePurgatoire's derniers instants, et la réponse à cette question n'est pas tout à fait claire. Mais le pouvoir des documentaires pour fouiller, pousser et fouiller nos versions acceptées de la vérité est dû à l'impact de la persévérance de Berlinger et Sinofsky et à leur compréhension que la fin d'une histoire peut être le début d'une autre.—R. Hadadi

Photo : Entertainment Pictures/Alay Stock Photo

Tous lesBourneles films peuvent être décrits comme de longues poursuites au chat et à la souris, avec notre héros amnésique Jason Bourne (joué à l'origine par Matt Damon) évitant la mort aux mains d'un flot incessant d'agents de la CIA essayant de déterminer son identité. MaisL'ultimatum de Bournepousse cette directive à sa conclusion logique avec Bourne commençant essentiellement le film en fuite et ne s'arrêtant presque jamais jusqu'à ce qu'il soit immergé dans l'East River à la fin. Il se passe beaucoup de choses dansUltimatumimpliquant des personnalités gouvernementales grotesques de l'ère Bush essayant de dissimuler leur programme d'assassinats illégaux, mais l'action peut être limitée à trois séquences d'action de bravoure, dont la meilleure met en scène Bourne entraînant unTuteurjournaliste au téléphone pour éviter les tirs de tireurs isolés à la gare de Waterloo. La caméra fragile du réalisateur Paul Greengrass peut être un handicap fréquent, mais elle est souvent utilisée efficacement ici, d'autant plus que bon nombre des meilleures scènes du film impliquent un rythme lent. Tout comme les super-héros qui allaient rapidement dominer le cinéma à succès, Bourne est fondamentalement invincible, maisUltimatumse donne beaucoup de mal pour créer l'illusion qu'il peut mourir, notamment dans une scène de combat au corps à corps se déroulant à Tanger.—VM

Photo : Photo 12/Alay Banque D'Images

Sanjuron'était pas censé être une suite. Le cinéaste Akira Kurosawa avait déjà attiré l'attention et le respect international sur le cinéma japonais avec une série de films emblématiques – des années 1950.Rashomon ;L'épopée de 1954Sept samouraïs ;années 1957Macbethadaptation,Trône de sang- et les années 1961Yojimboétait encore un autre succès. Toshiro Mifune a joué le rôle de l'errancerôninSanjurō, qui arrive dans une ville maltraitée par des seigneurs du crime rivaux et décide de la libérer de leurs griffes. Comme c'était toujours le cas avec Mifune, sa performance est un équilibre captivant entre menace et moralité - et était si convaincante à regarder que Kurosawa a modifié son prochain film, une adaptation d'un roman de Shūgorō Yamamoto, pour incorporer le personnage qui donneraitSanjuroson nom. Dès sa scène d'ouverture,Sanjurorespire le sens de subversivité espiègle de Kurosawa, avec la ligne impassible de Mifune qui livre « Meurs pour le surintendant » à un groupe de neuf samouraïs obéissants sans réfléchir qui deviendront plus tard ses alliés. Mais plus encore que dansYojimbo, Mifune a ici la possibilité d'élargir son personnage : pour le pousser vers la sensibilité, avec son penchant pour les fleurs de camélia, et vers l'introspection, avec sa conscience de la façon dont ses compétences supérieures à l'épée provoquent la jalousie et la peur. La relation contrastée entre dignité et défi qui définit ainsi le personnage est également à l'origine de la confrontation finale entre Mifune et Tatsuya Nakadai, qui incarne le surintendant susmentionné. "Le scénario de tournage disait qu'il était impossible de décrire l'action avec des mots", a déclaré Nakadai dans une interview à propos de ce moment en 2017, et il n'a pas tort : c'est un moment marquant pour Mifune et Kurosawa dans une collaboration de 16 films pleine d'eux. Arrivant seulement un an après son prédécesseur,Sanjuroillustre comment parfois les meilleures séquelles naissent de la volonté de reconnaître qu'une bonne chose une fois peut être à nouveau une bonne chose.—R. Hadadi

Photo : Photo 12/Alay Banque D'Images

201221 rue du sautétait l'un des redémarrages les plus drôles sur les redémarrages, il s'ensuit donc que22 rue Jumpest l'une des suites les plus drôles en matière de suites. Phil Lord et Chris Miller sont les rois du méta gag, et cette reprise très intentionnellement regorge d'eux : il y a des blagues sur le budget nouvellement gonflé, sur exactement la même mission qui se déroule à nouveau (mais cette fois, comme une télévision vouée à l'échec). suiteSauvé par la cloche,les copains flics sont à l'université), et environDérive de Tokyo. "Je pensais que nous avions Cate Blanchett avec le budget", déclare Jenko, le flic idiot de Channing Tatum. Cela ressemble à une rupture du quatrième mur, jusqu'à ce que Schmidt de Jonah Hill se rende compte que Jenko voulait dire « carte blanche ». Quelles terres22 rue Jumpsur cette liste se trouve sa séquence de générique, un montage d'Ice Cube assignant à Tatum et Hill plus de deux douzaines de nouvelles « missions », chacuneSauter dans la ruesuite avec sa propre blague en coupe et sa propre carte de titre, commeÉcole de policeen passant parRick et Morty"Câble interdimensionnel" de . Depuis29 Jump Street : École du dimanche(dans lequel Schmidt a été refondu avec Seth Rogen) pour34 Jump Street : Le retour du fantômeàRue du saut à l'infini,c'est de l'humour stupide de niveau Pulitzer, et après deux comédies de studio très divertissantes (RIP), les rires sont bien mérités.—RA

Photo : Collection Christophel/Alay Banque D'Images

Le légendaire cinéaste italien du « western spaghetti » Sergio Leone a réalisé trois films consécutifs mettant en vedette Clint Eastwood dans le rôle du mercenaire tireur vêtu d'un poncho et fumant un cheroot, The Man With No Name. Le premier était le plus simple et le plus méchant :Une poignée de dollars, un remake non autorisé et presque scène par scène du film d'Akira KurosawaYojimbo, qui était elle-même une adaptation non reconnue du roman policier de Dashiell HammettRécolte rouge. L'entrée finale,Le Bon, la Brute et le Truand, était le plus ambitieux, durant trois heures, centré sur un personnage de filou sale et atteignant la grandeur de l'opéra dans son acte final.Pour quelques dollars de plusest aussi serré et résistant queDollarsmais plus nuancé et subtil, et aussi surprenant et émouvant queLe Bon, la Brute et le Truand, mais plus précis et moins extravagant : le meilleur des mondes possibles pour les fans de Leone. L'intrigue montre le mystérieux héros de la série faisant équipe avec un mercenaire nommé colonel Douglas Mortimer pour infiltrer et saper une bande brutale de voleurs dirigée par le sinistre toxicomane El Indio. Tout cela semble être une simple évasion occidentale jusqu'à ce que Mortimer se révèle avoir des raisons personnelles tragiques de vouloir se venger du méchant. El Indio est également doté de couches auxquelles on ne pourrait pas s'attendre d'un méchant occidental vicieux : bien qu'il soit initialement caractérisé comme un psychopathe de sang-froid, un long flash-back établit qu'il est devenu accro pour s'anesthésier malgré la connaissance des souffrances qu'il a causées à ses victimes et à leurs victimes. survivants.Pour quelques dollars de plusest un exemple rare de film réalisé principalement pour des raisons commerciales mais qui se joue comme une déclaration personnelle.—MZS

Photo : TCD/Prod.DB/Alay Banque D'Images

Même une visualisation superficielle deMaître ivre II(ouLa légende du maître ivre) confirmera que Jackie Chan représente le summum des capacités acrobatiques de l'humanité. Chaque pièce de décor met en scène le légendaire artiste martial exécutant une variété différente de kung-fu impressionnant tout en conservant une attitude courageuse qui pourrait conquérir le cœur même de l'homme le plus froid. Lorsque Wong Fei-hung de Chan se lance dans sa boxe ivre brevetée, c'est comme si les membres de l'acteur fonctionnaient indépendamment de son corps, se contorsionnant d'une manière qui repousse souvent les limites de la physique et de la biologie. Chan s'est affronté avec le réalisateur Lau Kar-leung, qui joue également dans le film le légendaire Fu Wen-Chi, mais aucune de cette tension ne transparaît à l'écran. Plutôt,Maître ivre IIdéborde d'action fluide et de comédie burlesque. Lau a quitté le film avant de pouvoir réaliser la séquence de combat finale, Chan prenant en charge les fonctions de réalisation. Sa bataille époustouflante de 15 minutes, qui comprend des charbons ardents et des crachements de feu aux côtés de certains des meilleurs kung-fu jamais présentés à l'écran, ressemble toujours à une scène d'action sans précédent et imbattable. Tous ces délices visuels permettent d'oublier facilementMaître ivre IIest anticolonialiste. Il est remarquable et touchant que l’attitude maladroite et souvent ivre de Wong soit au service de la préservation de l’histoire chinoise plutôt que de la laisser échapper aux mains des Britanniques.—VM

Photo : PictureLux/The Hollywood Archive/Alay Stock Photo

Il s'agit de la rare suite qui fonctionne parfaitement en tant que film autonome, au point qu'il est possible de regarder l'intégralité du film sans même se rendre compte que vous venez de voir une suite. La suite des années 1961L'arnaqueur, qui mettait également en vedette Paul Newman dans le rôle du requin de piscine Fast Eddie Felson et, commeLa couleur de l'argent, est une adaptation d'un roman de Walter Tevis, montre assez clairement qu'Eddie transporte un lourd bagage dans sa quête renouvelée de l'escroquerie du bâton de queue. Mais comprendre les parallèles entre le film précédent et cette exploration astucieuse de l’ego et de la jalousie met ce bagage dans une perspective plus nette et enrichit l’appréciation de ce dernier. Et il y a beaucoup à apprécier ici. Vous avez Newman - doux, confiant et bien conscient qu'il n'est plus le parvenu qu'il était autrefois en 1961 - affrontant un Tom Cruise énergique, arrogant et bouffant, l'héritier présumé d'Eddie, que Eddie le veuille ou non. Voir deux des acteurs les plus charismatiques à avoir jamais honoré l'écran se jouer la tête pendant deux heures semble encore plus spécial toutes ces années plus tard, avec Newman parti et Cruise apparemment engagé exclusivement dans les films d'action. Avec Scorsese derrière la caméra, ce film se déplace comme une boule de billard fonce vers un coin de poche. Tout est en mouvement vers l'avant, que l'objectif soit sur la table de feutre vert en direction d'une pause d'ouverture ou en passant d'un plan large à un gros plan sur la mâchoire déterminée de Cruise ou de Newman. Le seul Oscar Newman du meilleur acteur reçu, après six nominations précédentes, était pourLa couleur de l'argent, ce qui fait de lui le rare artiste à avoir reçu un Oscar pour avoir repris un rôle qu'il a déjà joué.—J.C.

Photo : Cannon Films/avec la permission d'Everett Collection

La suite de Godfrey Reggio et Philip Glass au film phare des années 1980Koyaanisqatsin'a pas été aussi bien accueilli au départ que le premier film, mais il fallait peut-être s'y attendre. Avec ses paysages urbains tourbillonnants et ses images d'établissements humains et de développement,Koyaanisqatsiconcentré sur la folie sensuelle et fascinante de la vie dans le Premier Monde et l’hémisphère Nord.Powaqqatsise concentre sur le Sud global et regorge de visions de pauvreté, de travail, de communauté et de cérémonies. En d’autres termes, l’humanité – les corps, les visages, les groupes – est cette fois au premier plan. Le résultat est plus conflictuel et plus complexe tant dans son imagerie que dans sa musique. Reggio suggère que ce que nous appelons le « progrès » dans un monde développé antiseptique, presque post-humain, aspire l’élément vital du reste de la planète, mais il nous rappelle également que pour préserver et protéger l’humanité, nous devons le célébrer. . Alors même siPowaqqatsinous montre souvent la misère humaine à son extrême, il semble aussi éprouver une profonde joie à simplement nous montrer les gens en général. Pendant ce temps, la musique de rêve de Glass pourKoyaanisqatsiest remplacé cette fois par quelque chose de plus percussif, chargé, moins mélodique et éthéré. Le résultat fait certainement avancer les thèmes présentés dans le premier film (et Reggio finira par compléter leQatsitrilogie avec la technologie de 2002En fait), mais cela ressemble aussi à une réponse, peut-être même à un correctif. Le réalisateur a toujours été mal à l'aise face à la façon dont son esthétique du premier film avait été récupérée par le monde commercial.Powaqqatsiest certes toujours beau, mais il résiste à la marchandisation.-ÊTRE

Photo : Album/Alay Banque D'Images

Tony Leung Chiu-wai apparaît dans une apparition muette à la toute fin deJours de nature sauvage, incarnant un homme bien habillé se préparant à sortir pour la nuit et qui n'est crédité que sous le nom de "The Gambler". Wong Kar Wai, raconte l'histoire, avait prévu de faire un film en deux parties jusqu'à ce qu'il manque de temps et d'argent, ne laissant derrière lui qu'un vestige, un non-sequitur dont il ne supportait pas de se débarrasser. Le film a eu une suite spirituelle enD'humeur amoureuseune décennie plus tard, avec Leung dans le rôle du journaliste Chow Mo-wan et sa co-star Maggie Cheung dans le rôle de Su Li-zhen, dont le nom était similaire à celui du personnage qu'elle jouait dans le film de 1990. D'une manière ou d'une autre, ils étaient tous les deux et n'étaient pas les mêmes personnes, les histoires différentes mais l'affliction du désir rêveur la même. Il a fallu du spectaculaire2046pour tout relier en servant de suivi dans la disposition ainsi que dans la chronologie, même si c'est toujours la première qui compte le plus pour Wong. Le Chow Mo-wan de Leung est devenu plus dur et plus habile, un homme à femmes ainsi qu'un écrivain et un joueur, mais même si Cheung n'est vu que dans des flashbacks, toutes les femmes qui ont traversé la vie de Mo-wan réfractent les souvenirs de ses personnages, que ce soit à travers un nom commun, un penchant commun pour un cheongsam ou une entreprise commune écrivant une série wuxia. C'est Carina Lau, en fille de cabaret impétueuse qui s'appelle Lulu et Mimi et qui était dansJours de nature sauvage, qui incarne le mieux la nature glissante du récit dans ces films. Elle ne semble pas se souvenir de Mo-wan, même s'il se souvient bien d'elle. Il lui rappelle comment elle lui a appris le cha-cha et comment elle parlait de son ex-petit-ami décédé. Elle est partie peu de temps après, poignardée par un amant jaloux, bien que Mo-wan la revoie plus tard, défendant jalousement une nouvelle romance, et c'est comme si son personnage n'était pas du tout lié par le temps ou l'histoire, mais plutôt par quelque chose de plus douloureux - un exemple récurrent de chagrin.—AW

Photo : Album/Alay Banque D'Images

Poursuivant l'histoire de Victor Fleming de 1939, la suite non officielle de Walter Murch emmène l'histoire de Dorothy Gale (maintenant jouée avec les yeux écarquillés et l'ingéniosité par une excellente Fairuza Balk) et ses camarades d'Oz dans des directions extrêmement sombres. (Ce film de 1985 a-t-il inventé le redémarrage brutal ?) La croyance de Dorothy en Oz marque sa famille et elle est emmenée dans un sanatorium pour cela. Mais avant de subir une thérapie par électrochocs, elle est sauvée par une mystérieuse jeune fille et se retrouve à nouveau à Oz. Cependant, ce n’est pas le lieu de joie et d’émerveillement qu’elle a laissé derrière elle. Des forces obscures contrôlent désormais le pays, la route de briques jaunes s'effondre et ses amis bien-aimés sont soit piégés, soit introuvables. Dorothy décide d'aider, menant à un voyage à la fois effrayant et séduisant. L'une des scènes les plus remarquables met en scène la princesse Mombi, un personnage qui essaie les têtes d'autres femmes, les enfile et les enlève comme une robe avant de les ramener dans le couloir vitré où elles restent. La princesse Mombi effraie Dorothy lorsqu'elle suggère de l'enfermer dans une tour jusqu'à ce que sa tête soit « prête » à être portée. Tout dansRetour à Ozest dur et fantastique, et chaque coin que Dorothy tourne a le potentiel d'une grande beauté et d'une grande horreur.—AJB

Photo : TCD/Prod.DB/Alay Banque D'Images

Le premier long métrage de François Truffaut, magnifique et profondément émouvant, sorti en 1958,Les 400 coups, qui a contribué au lancement de la Nouvelle Vague française, reste l'un des films de passage à l'âge adulte les plus sismiques et inoubliables jamais réalisés, une image destinée à perdurer aussi longtemps que cette forme d'art existera. Mais sa suite est encore meilleure. Dix ans après son premier triomphe en matière de passage à l'âge adulte, Truffaut a pris son alter ego capricieux, Antoine Doinel, et en a fait le protagoniste d'une comédie romantique douce-amère, qui semble folle mais qui est bien sûr tout à fait en accord avec ce que signifie grandir. en haut. (Truffaut continuera à réaliser deux autres longs métrages après les difficultés romantiques d'Antoine.) Expulsé de l'armée, Antoine retourne à Paris et renoue avec sa bien-aimée Christine mais hésite à s'engager dans une vie avec elle. Ses tentatives infructueuses d'emploi le conduisent finalement à un emploi de détective privé, ce qui le conduit à s'infiltrer dans une boutique de chaussures pour femmes, où il tombe follement amoureux de la femme du propriétaire (interprétée par la superbe Delphine Seyrig). Cela aurait pu être une comédie romantique douce et simpliste, mais l'humanité de Truffaut, l'étendue de sa curiosité et son attention aimante aux détails les plus jetables, aboutissent à quelque chose de romanesque dans sa richesse. Après le désespoir deLes 400 coups, voici un monde étonnamment vivant de possibilités.-ÊTRE

Photo : Photos de style de vie/Alay Stock Photo

Comme leRapide et furieuxsaga, laMission : Impossibleles films sont régis par la philosophie selon laquelle une franchise ne devrait que s'agrandir à chaque entrée ultérieure. C'est donc dansTomber, où tout est immense. Si précédentMIles films visaient à empêcher une explosion nucléaire, celle-ci vous donnerait plusieurs armes nucléaires. Si Tom Cruise avait déjà escaladé le Burj Khalifa, il sauterait cette fois d'un avion à 25 000 pieds. Si les méchants précédents avaient été de petits idiots effrayants, celui-ci aurait eu Henry Cavill, un homme-montagne, arborant une moustache qui valait la peine d'être ruinée.Ligue des justicierspour. En ce qui concerne les séquences d'action, le pain et le beurre de cette franchise, nous avons l'embarras du choix : préférez-vous lebagarre à mains nuesdans les toilettes pour hommes, lepoursuite à quatredans les rues de Paris, la scène où Cruise utilise un hélicoptère qui explose commebélier, ou …? Même la tentative tardive d'en ajouterF&F-l'histoire du style avec la réintroduction de l'ex-épouse d'Ethan Hunt (Michelle Monaghan) fonctionne principalement. (Et de peur que vous ne pensiez que l'influence ne va que dans un sens,Tombernous a donné Vanessa Kirby comme star d'action un an auparavantHobbs & Shawl'a fait.) Je frémis à l'idée de la façon dont ils vont essayer de se surpasser dans le septième, mais j'ai hâte de le savoir.—N.J.

Photo : Album/Alay Banque D'Images

Avant le lever du soleilétait délibérément ambigu quant à savoir si Jesse d'Ethan Hawke et Céline de Julie Delpy, le couple tombé amoureux lors d'une visite de 24 heures à Vienne, tiendrait réellement sa promesse de se revoir six mois plus tard. Cette absence de réponse est ce qui permet à la romance indépendante de Richard Linklater de 1995 de se terminer sur un mélange parfait d'excitation et de nostalgie après les premiers baisers. C'est pourquoi l'idée de nous raconter ce qui s'est passé plus tard, sous la forme d'unAvant le coucher du soleil, semblait au départ être un moyen rapide de tuer toute la magie du premier film. Au lieu de cela, cette suite, sortie neuf ans plus tard et l'une des rares histoires d'amour de cette liste, révèle à quel point près d'une décennie de vie a modifié Jesse et Céline, mais a également approfondi leur appréciation l'un pour l'autre et le jour singulier de leur rencontre. Comme dansAvant le lever du soleil, le film est essentiellement une longue conversation, cette fois sur fond parisien, entre deux personnes profondément attirées l'une par l'autre. Parce que Jesse et Céline sont plus âgés, cette conversation se dirige plus rapidement vers des sujets plus profonds et plus personnels, toujours animés par la chimie que Hawke et Delpy enflamment encore ensemble. Le deuxième chapitre d'une série (jusqu'à présent) en trois parties qui est devenue l'équivalent duSept en haut !de romans,Avant le coucher du soleilfait valoir un argument qui va à l'encontre du contenu de la plupart des comédies romantiques hollywoodiennes grand public, à savoir qu'une relation laissée mijoter pendant des années est tout aussi fascinante qu'une relation dans la phase post-rencontre-mignonne.—J.C.

Photo : Moviestore Collection Ltd/Alay Stock Photo

2012 de Steven SoderberghMike magiqueétait, comme son 2009L'expérience de la petite amie, un film sur l'économie brute de la vente de soi. Il s'agissait bien sûr de strip-teaseurs masculins, mais l'accent était mis sur l'agitation constante nécessaire pour attirer les foules, les sommets en matière d'argent liquide et d'attention féminine, ainsi que l'insensibilité érodante de l'entreprise. Il avait un noyau intentionnellement froid, ce qui rend la tournure que prend sa suite dirigée par Gregory Jacobs d'autant plus radicale.Magic Mike XXLne trahit pas tant la peur capitaliste du premier film qu'il la met de côté. Les finances n'exercent plus de pression sur l'intrigue, même s'il y a une intrigue - le projet de se produire à une convention de strip-teaseuses à Myrtle Beach est plutôt une excuse pour les danseurs d'Xquisite pour se lancer dans un road trip picaresque. Le film devient hirsute, génial et axé sur le plaisir – de la part du spectateur et des femmes qui rencontrent les personnages en cours de route. Alors queMike magiqueévoqué la manière dont le travail dans son industrie et la satisfaction du désir féminin sont considérés par les étrangers comme quelque part entre peu recommandable et embarrassant,Magic Mike XXLa une approche presque utopique de la relation entre ses danseurs et leur public. La scène dans laquelle Joe Manganiello fait une performance spontanée devant les Backstreet Boys dans un marché de station-service est joyeuse non pas parce qu'il essaie de baiser l'employé maussade derrière le comptoir, mais parce qu'il essaie de la faire sourire, sa sexualité exagérée devenant une source de libération pour tous deux.—AW

Photo : Album/Alay Banque D'Images

S'il y a une chose la plusGuerres des étoilesles fans peuvent être d’accord – et à ce stade, il n’y a peut-être qu’une seule chose – c’est çaL'Empire contre-attaqueest le film le plus fort de toute la franchise et celui qui établit une référence en matière de façon dont une suite peut et doit s'appuyer sur les fondations établies par son prédécesseur.Empireannonce que Dark Vador est le père de Luke Skywalker, ajoutant à la fois une surprise et des couches de mythologie grecque au conflit préétabli entre les côtés obscur et lumineux de la Force. Il présente Yoda, l'aîné éternellement cité qui ajoute une gravité inattendue à la série et donne à l'Ordre Jedi l'impression d'être encore plus proche d'une religion. Intégré dansEmpireLe cadre à succès de science-fiction de est une comédie romantique très divertissante avec Carrie Fisher et Harrison Ford. Cette secondeGuerres des étoilesose également terminer sur une note sombre et cliffhanger qui a tenu les fans en haleine pendant deux ans, un geste rare en 1980.

Entre les mains de Kershner,Empirejongle avec tous ces éléments sans effort. Mais peut-être la chose la plus remarquable à propos de cette rampe de lancement pour Boba Fett et Lando Calrissian – bénissez toujours Billy Dee Williams, pour avoir refusé de prononcer Han correctement – ​​est qu'elle se suffit parfaitement à elle-même. Il y a de nombreuses années, des amis et moi avons décidé de regarderL'Empire contre-attaqueprojeté sur le côté d’une maison de banlieue. Quelques minutes plus tard, nous avons entendu une voix demander : « Maman, je peux regarder ça ? puis j'ai repéré un petit garçon regardant par la fenêtre à l'étage de la maison d'un voisin les images projetées sur la brique. Vraisemblablement, il n'avait jamais vu la planète Hoth, ni un wampa, ni même unGuerres des étoilesfilm avant. Mais avec quelques regards rapides et inopinés surL'Empire contre-attaque, il est immédiatement devenu accro. C'est la marque d'une suite vraiment fantastique : elle fonctionne même sans l'avant ni les nombreux films après.—J.C.

Photo : Photo 12/Alay Banque D'Images

Chacun des films du néoréaliste de Satyajit RayApuLa trilogie atteint un équilibre – ils sont à la fois fidèles aux luttes uniques des communautés qu’ils décrivent et évoquent une expérience partagée plus large au sein de la classe ouvrière mondiale – mais c’estLe monde d'Apu, le troisième film, qui capture la tension avec le plus de cœur. Après les années 1955Pather Panchaliet les années 1956Aparajito, années 1959Le monde d'Apurevient au protagoniste Apu (joué par Soumitra Chatterjee, remplaçant Pinaki Sengupta après les films précédents), maintenant au début de la vingtaine et vivant à Calcutta, luttant pour trouver un emploi et acceptant – un peu sur un coup de tête – un mariage arrangé avec une jeune femme nommée Aparna. La douceur avec laquelle Ray filme leur éventuelle histoire d'amour - Apu regardant Aparna défaire sa tresse, les deux se regardant autour d'une cigarette allumée - et la tragédie qui s'ensuit, complète la suggestion du cinéaste selon laquelle nos choix ont une capacité de joie ou de joie. tristesse, et c'est notre fardeau et notre gloire de décider quel chemin la vie prendra.—R. Hadadi

Photo : PictureLux/The Hollywood Archive/Alay Stock Photo

Pour emprunter une phrase fréquemment répétée de l’un des plus grands films de bandes dessinées de tous les temps : les suites de super-héros impliquent de grandes responsabilités. Dans trop de films phares, on peut sentir à quel point cette responsabilité – garantir que les univers cinématographiques continuent de s’étendre ou de conserver une propriété intellectuelle reconnaissable dans l’air du temps – draine le sens de la créativité et de l’imagination de l’ensemble de l’entreprise. Ce n'est pas le cas deSpider-Man 2, un deuxième chapitre dans lequel Spider-Man est tellement stressé par les exigences du travail qu'il essaie de redevenir le vieux Peter Parker. En d’autres termes, Peter recherche la liberté et, dans ses choix de réalisateur, Sam Raimi poursuit et atteint le même sentiment.Spider-Man 2a du cœur, un sens de l'humour fabuleux et une joie de vivre qui manque trop souvent dans d'autres films de ce type. Oui, il fait tout ce que l'on peut attendre d'unHomme araignéeépisode à faire : il y a un méchant effrayant et étrange dans Doc Ock, des séquences d'action spectaculaires (la scène du métro et du train est un incontournable) et de nombreux plans palpitants de Spider-Man survolant les toits de New York. . Mais le film se distingue finalement surtout par ses petits moments de charme et d'humour, depuis Peter de Tobey Maguire prononçant un adorable « Salut » jusqu'à Mary Jane de Kirsten Dunst alors qu'elle est au milieu d'une pièce de théâtre jusqu'au montage merveilleusement idiot de Peter vivant un « normal ». " la vie à nouveau, sur l'air de " Raindrops Keep Falling on My Head ". «Parce que je suis libre», chantonne BJ Thomas dans cette chanson écrite à l'origine pour Butch Cassidy et le Sundance Kid. "Rien ne m'inquiète." C'est l'esprit qui traverse tout ce film, même après que Spidey ait repris ses grandes responsabilités.—J.C.

Photo : Dimension Films/avec la permission d'Everett Collection

années 1990L'épéisteC'était une sorte d'épreuve à produire, avec le départ du réalisateur original King Hu à mi-chemin et le producteur Tsui Hark intervenant avec un casting tournant de collaborateurs, à la manière de David O. Selznick. Mais le succès final de ce film a conduit à un cas classique de suite qui a considérablement amélioré l'original et reste l'un des chefs-d'œuvre emblématiques du cinéma d'action de Hong Kong.Épéiste II, réalisé par le légendaire chorégraphe de combat Ching Siu-tung, remplace une grande partie du casting et remixe l'histoire de manière fascinante. Jet Li incarne un guerrier amateur de vin cherchant à se retirer du combat avec le reste de sa secte du Mont Hua, Rosamund Kwan incarne le chef nominal de la secte et Brigitte Lin incarne l'emblématique Dongfang Bubai (également connu sous le nom d'Asia l'Invincible), qui , afin de maîtriser les pouvoirs décrits dans le légendaire Manuel du Tournesol, s'est transformée en femme et cherche désormais à renverser la dynastie Ming avec son armée de ronin renégats. Les personnages sont fascinants et l'action est surnaturelle - du jeu d'épée à vitesse de distorsion aux ninjas sur des lames volantes, en passant par un mouvement de combat qui aspire la vie de votre adversaire et le transforme en une poupée en papier mâché facilement écrasable. C'est probablement le film d'action hongkongais le plus délirant jamais réalisé, et cela veut dire quelque chose. (Cela a été suivi d'une suite sous-estimée,L'Est est rouge, qui suivait principalement le personnage de Lin.)-ÊTRE

Photo : avec l’aimable autorisation d’Everett Collection

Jacques Tati a présenté aux cinéphiles son alter ego comique, Monsieur Hulot, dans le film de 1953.Monsieur Hulot’s Holiday,dans lequel le Français maladroit, amical et à la pipe s'est frayé un chemin pendant ses vacances à la mer. Après avoir repris le personnage quelques années plus tard avec le charmantMon Oncle, le troisième film Hulot de Tati augmente l'ampleur et l'ambition, suivant Hulot à travers un Paris aux surfaces brillantes et aux foules animées qui se modernise à un rythme que le héros ne peut égaler. N'offrant que des aperçus fugaces de monuments célèbres de Paris, Tati capture une ville engloutie par l'automatisation et les immeubles d'habitation en verre, dont les habitants vivent une sorte d'existence en cage à gerbilles. C'est drôle et parfois étonnant par sa précision d'exécution, mais aussi d'une pitié désarmante, représentant Hulot comme un homme, symbole d'un mode de vie, sur le point de se perdre dans le temps.—KP

Photo : Moviestore Collection Ltd/Alay Stock Photo

Qu'attendez-vous d'une suite àBébé? Plus de James Cromwell ? Encore des pitreries réconfortantes de berger ? Plus de « Baa-ram-ewe » ?Babe : Cochon dans la villene sert précisément rien de tout cela. Au lieu de cela, il dévie vers une histoire du cochon titulaire errant dans un paysage infernal surréaliste qui répond à la question : « À quoi ressemblerait Gotham City de Tim Burton pendant la journée ? » Les critiques et le public méprisésCochon dans la villeà sa sortie, et il est facile de comprendre pourquoi : son scénario est entièrement construit à partir de virages à gauche - ressemblant à divers moments à un film de braquage, à une comédie slobs contre snobs et à un drame d'évier de cuisine sur un clown triste et ses amis singes. Mais au fil des années, il est devenu plus facile d'apprécier la fantaisie visuelle du film, sa portée expansive, sa créativité débordante. Il s'agit d'une classe de maître pour donner au public non pas ce qu'il veut mais ce dont il a besoin, et l'une des seules raisons pour lesquelles le film n'a pas été mieux classé est qu'il y a encore un film de Miller à venir.—N.J.

Photo : Moviestore Collection Ltd/Alay Stock Photo

Même si les fans de Krystof KieślowskiTrois couleursla trilogie diffère sur lequel des trois est le meilleur,Rouge, la conclusion de la trilogie, produit la plus forte impression émotionnelle. Il intègre et termine l’histoire globale tout en se présentant comme un récit pleinement satisfaisant sur l’interdépendance et le caractère commun de l’expérience humaine. En suivant un petit groupe de citoyens à Genève, en Suisse, Kieślowski frappe le spectateur avec une mer d'objets et d'images rouges, associant le mot associé à la couleur dans la devise de la France (« fraternité ») d'une manière qui semble être un coup d'oeil et une légèreté - à du moins jusqu'à la finale, qui rassemble plusieurs thèmes et personnages de la trilogie avec esprit et invention.

L'histoire centrale deRouge, si l'on peut vraiment en dire un, concerne un mannequin nommé Valentine qui heurte accidentellement un chien alors qu'il rentrait chez lui un soir. Elle emmène l'animal blessé chez son propriétaire, Joseph Kern, un ancien juge qui a quitté la profession après une tournure mystérieuse et malheureuse des événements et qui est maintenant un ermite qui vit dans une vieille maison sombre et utilise une radio spéciale pour écouter les conversations de ses voisins. Kern est indifférent à la fois à l'état de l'animal et à sa culpabilité, mais a des obsessions et des préoccupations plus larges et y invite Valentine. Kieślowski respecte les mystères – les caprices du cœur humain, le bourdonnement des interactions humaines qui se produisent lorsque ses personnages se promènent dans Genève, traversant des appartements, des maisons, des bus, des ferries, des centres commerciaux, des restaurants et d'autres lieux. Il se passe beaucoup de choses dansRouge: Valentine atteint la catharsis avec son frère, un drogué dont la vie est chaotique, et trouve l'amour avec un homme qu'elle était destinée à rencontrer – du moins, selon le juge, qui apparaît parfois comme une figure chamanique – et il y a d'autres intrigues secondaires comme Bien. Mais ce qui rend ce film si spécial, c'est que des mots commeparcelleetcaractérisationetfinetthèmene décrivez pas ce qu'il y a de beau là-dedans. Tu ne restes pas assisRougepour savoir ce qui se passe ensuite. Vous vous asseyez pour ressentir ce qui se passe ensuite.—MZS

Photo : fonctionnalités de première diffusion/avec la permission d'Everett Collection

Michael AptedEn hautLa série est sombre comme l'enfer parce que la seule chose plus déprimante qu'un rappel que la vie n'est qu'un long toboggan dans la tombe est le système de classes britannique. Le sujet est particulièrement exacerbé dans le cinquième volet de la série documentaire,35 en haut,qui est sorti en 1991, un an après plus d’une décennie de règne de Thatcher. Cela a affecté tout le monde : Charles, l'un des garçons chics des écoles publiques de la série qui s'est toujours montré moins arrogant que les deux autres, s'est adouci à l'âge adulte et pense que les riches devraient payer des impôts plus élevés pour maintenir le NHS hors de l'eau (le (un autre enfant riche pense que les Britanniques devraient être satisfaits de ce qu'ils ont parce que cela pourrait toujours être pire, regardez la Bulgarie). Lynn, dans les premiers films, une jeune femme intelligente et vive de la classe ouvrière de l'Est de Londres, a vu son programme de bibliothèque roulante vidé et est maintenant aux prises avec une maladie cérébrale inopérable, mais elle se montre pragmatique quelle que soit la version britannique de "plein d'espoir" l'est. Et malgré l'austérité, les différences dans les conditions matérielles des acteurs sont moins flagrantes qu'auparavant.35 en hautest un parcours plus fluide que ses films précédents parce que les sujets ont réussi à sortir de l'autre bout de leur adolescence et de leur vingtaine incertaines et tumultueuses et ont complètement atterri en eux-mêmes. La question n’est plus de savoir « Qui vont être ces gens ? » la question qui anime ces films.35 en haut» réfléchit à la question beaucoup plus subtile : « Comment font-ils pour être qui ils sont ?—RA

Photo : Archives Unies GmbH/Alay Stock Photo

Lame IIse penche sur l'horreur de l'ennemi, suivant le marcheur du jour connu sous le nom de Blade alors qu'il rejoint une cabale de vampires d'élite dans l'espoir d'arrêter les Faucheurs mutés. Il y a des jockeys anciens, des combats internes, des drames familiaux et une chanson Mos Def-slash-Massive Attack qui déchire complètement. Le mélange d'effets pratiques et de CG donne du poids aux séquences d'action explosives du film. Mais ce que j'aime dans la deuxième entrée de cette franchise éphémère, c'est qu'elle ne se soucie pas de la profondeur des personnages ou des regrets émouvants, il s'agit uniquement du pur divertissement de regarder une violence sanglante. Contrairement aux films de super-héros qui ont suivi,Lame IIne s'attarde pas sur les regrets du personnage ou sur le sérieux du visage pour faire croire au public qu'être un vampire est une malédiction. Au contraire, ça a l'air amusant comme l'enfer. Moi aussi, j'adorerais porter du latex, du cuir et du rouge à lèvres rouge sang tout en bottant le cul et sans jamais vieillir. Le film contient quelques tours d'acteurs amusants, notamment du pilier de Guillermo del Toro, Ron Pearlman etDonnie Yen. Mais le film fonctionne si bien au-delà du style chromatique grâce à Wesley Snipes. Sa physicalité ? Assuré et gracieux. Son humour ? Mordant. Son charisme ? Le 11. Que demander de plus à une suite que de laisser sa grande star se déchaîner.—AJB

Photo : Glasshouse Images/Alay Stock Photo

L'un des premiers exemples d'une suite utilisant le succès de l'original pour devenir ce qu'il a probablement toujours secrètement voulu être, la suite de James Whale du film de 1931.Frankensteinconserve tout le pathétique, la terreur et la grandeur en ruine de l'original de 1931, avec ses paysages cauchemardesques inspirés des expériences du réalisateur en tant que soldat pendant la Première Guerre mondiale, et ajoute des touches audacieuses d'humour campagnard et conscient de lui-même qui, selon les biographes de Whale, était une affirmation. de son identité d'homme gay avec un sens de l'humour mordant et proche du camp et une appréciation sophistiquée des changements de ton au sein d'une histoire. S'appuyant sur des éléments inutilisés du roman de Mary Shelley,La fiancée de Frankensteinreprend immédiatement après la fin de la première histoire, avec le Dr Frankenstein châtié par les conséquences désastreuses et imprévues de la résurrection des morts (la créature de Boris Karloff). Puis son mentor, le Dr Septimus Pretorius – un scientifique tellement fou qu'il fait ressembler Frankenstein à un érudit en éthique médicale en comparaison – réapparaît dans sa vie, et bientôt il est entraîné dans un plan visant à rendre le monstre heureux en lui donnant une épouse (sportive). la tenue électrique striée et la robe fantomatique qui deviendra une tenue incontournable pour les fêtards d'Halloween du monde entier). Rempli d'humour scandaleux et d'images troublantes (et parfois les deux, comme dans les gros plans des minuscules homoncules que Pretorius conserve dans des bocaux), c'est l'un des grands et relativement premiers exemples d'un cinéaste cherchant comment créer une suite qui donne simultanément le public ce qu'il voulait et beaucoup d'autres choses qui exprimaient ses propres préoccupations et sa personnalité.—MZS

Photo : TCD/Prod.DB/Alay Banque D'Images

Oui, oui, nous avons tous déjà entendu l'histoire de James Cameron s'approchant d'un tableau, écrivant « Alien » dessus, puis ajoutant un « $ » à la fin. Très drôle, très ringard. Mais en réalité, nous ne devons jamais oublier l'audace qu'il a fallu pour transformer la fête effrayante incroyablement tendue de Ridley Scott en « maison hantée sur un vaisseau spatial » en un film de guerre sans limites. Le premierÉtrangerce n'était pas seulement un grand film d'horreur ; son monstre central est également connecté àtoutes sortes d'horreurs élémentaires venues des profondeurs de la conscience humaine. Cameron aurait peut-être supprimé la patience et la subtilité maussades du premier film, mais pas ses thèmes ou ses terreurs lancinantes et spiritus mundi. En multipliant les monstres puis en écrasant contre eux un groupe de space marines sages et ultra-machos, il a en fait créé le texte sous-texte, créant un film d'action à couper le souffle sur la maternité, la compassion et la survie des espèces. Il a également pris la conscience de classe latente de la première photo et l'a transformée en une véritable guerre contre l'entreprise. UltérieurÉtrangerdes films (oui, même ceux de Ridley Scottest revenu pour diriger) doivent autant à cette seconde entrée qu’à la première. Sans parler des films d’action de science-fiction en général ; il suffit de regarder celui de l'année dernièreArmée des mortspour voir à quel point les auteurs d'action d'aujourd'hui photocopient encore le premier chef-d'œuvre de Cameron.-ÊTRE

Photo : Pictorial Press Ltd/Alay Stock Photo

Il y a un moment au début dans celui de Ryan CooglerCredoquand Adonis, fils du regretté boxeur légendaire Apollo Creed, regarde un clip YouTube de Rocky Balboa frappant son père sur le ring des décennies plus tôt. Pour Adonis, ou « Donnie », il s’agit de vieilles images du père qu’il n’a jamais rencontré et de l’adversaire qu’il espère pouvoir l’entraîner. Mais ceux d'entre nous qui ont été sevrés directement ou par osmoseRocheuxles films le reconnaissent comme une scène deRocheux II. Donnie se lève et commence à lancer des coups sur l'écran, sa silhouette solide chevauchant la projection du corps de Rocky diffusé sur YouTube. Cette courte scène unique vous dit tout sur ce qui faitCredoune suite tellement exceptionnelle. Il traite les premiers films de Rocky avec un respect qui s'étend à Rocky lui-même, interprété ici par Sylvester Stallone avec émotion et vulnérabilité. Cela positionne Donnie comme le « nouveau » Rocky évident tout en l’établissant fermement comme son propre individu avec des préoccupations, des forces et des faiblesses qui lui sont propres. En substance,Credoest un diagramme de Venn d'un film où les cercles, comme les corps de Donnie et Rocky, se chevauchent parfois avec les cercles précédents.Rocheuxfilms et occupent parfois leur propre espace tout aussi énergisant.

C’est ce que devraient faire les suites : honorer leur histoire sans y être redevables et faire place à la naissance de nouveaux héros. Si possible, ils devraient faire ces deux choses et être passionnants en les faisant. Et wow,Credoest passionnant, dans des endroits où on peut s'y attendre - les séquences de boxe, y compris un plan en une seule prise, sont des ballets de gladiateurs viscéraux et exquis - et dans des endroits où on ne s'y attend pas, comme la course à couper le souffle de Donnie dans les rues de Philadelphie pour le son de « Lord Knows » de Meek Mills, originaire de Philadelphie. Entouré de gars sur des VTT et vêtu d'un survêtement gris de style Rocky avec un emblème de Michael Jordan sur la poitrine, Donnie arrive chez Rocky et crie des encouragements à son mentor, à la fois pour le motiver alors qu'il continue de lutter contre le cancer et pour pomper. tous deux prêts pour le grand match qui les attend. C'est clair ici, et dans presque toutes les images deCredo, qu'un flambeau est en train d'être passé.—J.C.

Photo : Photo 12/Alay Banque D'Images

« On filme ou pas ? La question est posée directement dans les années 1994À travers les oliviers, le troisième film d'Abbas KiarostamiÉbullitiontrilogie, mais à bien des égards, c'est un point de départ pour n'importe quel film de la filmographie docufiction du réalisateur iranien. Quel est le but du cinéma ? D’écrire des personnages et de raconter des histoires ? De voyager dans un endroit où vous n'êtes jamais allé pour travailler avec des gens que vous ne reverrez peut-être jamais ? D’enregistrer cet effort et de le partager ? La réponse évidente est de développer l’empathie, et Kiarostami – avec ses paysages panoramiques et ses personnages vulnérables – était passé maître dans ce domaine. Dans leÉbullitiontrilogie en particulier, il s'intéressait à ce qui se passe lorsque nous nous débarrassons des limitations de forme et expérimentons l'interdépendance de nos vies.

S'appuyer sur le drame du long métrage de 1987Où est la maison de l'ami ?et la semi-fiction des années 1992La vie, et rien de plus…, le résultatÀ travers les oliviersest une ode à la résilience du peuple iranien, à la splendeur de ses campagnes et aussi une expérience de création de suites qui normaliserait l'auto-référence et la rupture du quatrième mur comme moyen de désintégrer la distance entre l'art et le public. Dès sa première scène,À travers les oliviersreconnaît qu'il s'agit d'un film sur la création d'un film antérieur. Un mélange d'acteurs professionnels et débutants incarnent les personnages des deux films, un choix qui permet au film de s'appuyer sur ce que l'on sait déjà du travail de Kiarostami tout en inventant quelque chose de nouveau. La scène finale du film – dans laquelle le personnage d'Hossein Rezai, également nommé Hossein, suit le personnage de Tahereh Ladanian, également nommé Tahereh, sur un chemin en zigzag à flanc de colline – tient la réalité dans une main et la fiction dans l'autre et trouve la condition humaine dans les deux.—R. Hadadi

Photo de : Paramount Pictures

Le premier volet deLe parrainCela semblait être un acte impossible à suivre : il s'agissait d'une épopée de gangsters lente et brutale de trois heures qui se double d'une déclaration sur l'expérience des immigrants américains et la corruption des institutions, y compris de la famille, et pourtant elle a remporté les Oscars et est devenue l'une des films les plus rentables de tous les temps. Inébranlable, le scénariste-réalisateur Francis Coppola a pris le capital culturel et financier qu'il avait gagné et l'a investi dans un suivi plus long, plus complexe, plus délicat au niveau du ton et du rythme, qui a ajouté une autre couche de sophistication à une œuvre déjà empilée.

Le scénario de Coppola comprenait des parties inutilisées du roman source de Mario Puzo qui suivait Michael Corleone – alors qu'il renforçait son contrôle sur la famille Corleone et repoussait de nouvelles menaces – et des flashbacks sur son père, Don Vito Corleone (le personnage de Marlon Brando dans l'original, décrit comme un jeune homme de Robert DeNiro dans une performance étrange qui canalise le travail de Brando sans devenir une imitation). Ingénieusement structuré et réalisé par Coppola (avec l'aide précieuse de son directeur de la photographie habituel de l'époque, Gordon Willis), la touche du film était si légère, malgré le sujet lourd – y compris l'avortement, le fratricide, l'éthique de l'information et la mort spirituelle – que le Le critique de cinéma britannique Leslie Halliwell a comparé la différence entre le deuxième film et le premier à l'échange d'un marteau contre la baguette d'un chef d'orchestre symphonique.

Par-dessus tout, le deuxièmeParrainest remarquable pour ajouter de l'intériorité à une histoire qui était auparavant limitée à la troisième personne dans son point de vue. Une poignée de critiques ont ergoté sur la sentimentalité supposée des flashbacks de la Sicile et des premiers flashbacks de la Petite Italie, avec leurs teintes sépia et leur présentation de Vito comme un personnage essentiellement bienveillant qui n'agissait que dans le meilleur intérêt de la communauté italo-américaine, mais cela peut être Cela s'explique par le fait que chaque fois que nous voyageons dans le passé, nous ne voyons pas ce qui s'est réellement passé, mais ce que Michael imagine s'est produit sur la base d'histoires transmises par les aînés et de sa propre idolâtrie de son père. Le film tout entier est une juxtaposition de la personne que Michael est en train de devenir et de la personne qu'il craint de ne jamais égaler – une manière intelligente d'encoder ce qui a sûrement dû être la propre anxiété de Coppola à l'idée de suivre un classique.—MZS

Photo : Photos de style de vie/Alay Stock Photo

Personne n'est aussi doué pour les suites que George Miller, et aucune suite réalisée par George Miller n'est aussi bonne que celle de 2015.Mad Max : La route de la fureur– un film fantastique et fondant qui résume tout le potentiel enveloppé dans l’idée de continuer et de construire sur un monde cinématographique existant. Le premierMad Max, sorti en 1979, s'est déroulé dans un futur proche un peu plus battu et brisé que notre présent mais toujours reconnaissable malgré ses gangs de motards violents et ses infrastructures en ruine. Au moment où Miller réalisait le quatrième volet de la série, un quart de siècle plus tard, celui-ci se déroulait dans une dystopie qui semblait totalement étrangère, un lieu avec son propre vocabulaire et une mythologie déformée où l'idée de choses vertes et en croissance était devenue une réalité. souvenir lointain.

Mais ce n'est pas seulement le cauchemar poussiéreux et inquiétant du film - comme le Doof Warrior avec sa guitare enflammée, la peinture chromée en aérosol soufflée par les War Boys mourants, la phrase "Ne devenez pas accros à l'eau, mes amis" - qui rend il mérite sa place au sommet de cette liste. Qu'est-ce qui faitRoute de la fureurla façon dont il permet à son personnage principal (joué par Tom Hardy, succédant à la star originale Mel Gibson) de partager sa place au premier plan du film avec Furiosa aux yeux hantés de Charlize Theron est si géniale. Il ne lui passe pas le flambeau dans la tradition d'une suite héritée. Il n’en a pas besoin. Il lui cède simplement l'espace pour se tenir à ses côtés, deux personnages formidables qui s'allient au milieu de l'action avec peu de mots hormis la reconnaissance d'une compétence partagée.

Route de la fureurtémoigne de la manière dont une série peut rester fidèle à son essence créative tout en étant malléable, capable de grandir et de prendre des tournures inattendues en tant que création vivante. Si vous voulez mourir, autant mourir historiquement – ​​mais pourquoi faire cela quand vous pouvez continuer sur cette voieRoute de la fureurfait, d'une manière qui démontre que nous n'avons pas encore commencé à imaginer tout ce qui est possible.—AW