Les 100 pages qui ont façonné la bande dessinée

L’histoire d’origine des bandes dessinées n’est pas tape-à-l’œil. Aucune morsure d'araignée radioactive, explosion atomique ou expérience obscure n'a donné au médium le genre de capacité qui lui aurait permis d'arriver sur les étagères des pharmacies du début du XXe siècle en tant que véhicules brillants et entièrement formés pour un divertissement sophistiqué. Au contraire, il a fallu une progression constante au cours de plus de 75 ans pour que la forme comprenne pleinement, puis exploite, ses pouvoirs. Lorsque les premières bandes dessinées sont arrivées dans les kiosques au début des années 1930, il s’agissait d’une tentative cynique de mettre du vieux vin dans de nouvelles bouteilles en réimprimant des bandes dessinées de journaux populaires. Imprimés à bas prix et à peine édités, ces brochures n’étaient pas ce qu’un critique de l’époque aurait qualifié de grand art.

Pourtant, aujourd’hui, ce média connaît un essor tel que ses ancêtres n’auraient jamais pu l’imaginer. Des numéros uniques de sagas de super-héros aux gros romans graphiques, en passant par les mémoires de bandes dessinées poignantes et les articles YA sur les aventuriers queer, les lecteurs peuvent accéder à un éventail vertigineux de ce que le grand caricaturiste Will Eisner a appelé «l'art séquentiel». Et, comme en témoigne le grand nombre d'adaptations au cinéma, à la télévision et même sur la scène de Broadway, le reste de l'industrie du divertissement a pris conscience de ce que les fans savent depuis longtemps : il y a une alchimie particulière qui se produit lorsque vous racontez une histoire avec des photos.

Les images imprimées – et leur présentation unique dans la bande dessinée – sont au cœur de cette fonctionnalité. Nous avons entrepris de retracer l'évolution de la bande dessinée américaine en examinant 100 pages qui ont modifié le cours de l'histoire du domaine. Nous avons choisi de nous concentrer sur des pages individuelles plutôt que sur des œuvres complètes, des cases individuelles ou des moments narratifs spécifiques, car la page est l'unité fondamentale d'une bande dessinée. C’est là que plusieurs images peuvent permettre à votre œil de jouer simultanément dans le temps et dans l’espace, ou qu’une seule image pleine page peut instantanément s’inscrire dans votre cerveau. S'il y a des mots, ils deviennent des éléments de l'image elle-même, grâce à l'économie soigneusement choisie de l'écrivain et à la conception graphique réfléchie du lettreur. Dans les meilleures pages, on est partagé entre regarder sans fin ce qui est devant soi ou se tourner avec enthousiasme vers le suivant pour voir où va l'histoire. Lorsque les bandes dessinées évoluent dans de nouvelles directions, les points pivots se présentent sur une page.

Pour constituer notre liste de 100, nous avons rassemblé un groupe de professionnels de la bande dessinée, de critiques, d'historiens et de journalistes. Nos critères étaient les suivants : une page devait soit avoir changé la façon dont les créateurs abordent la création de bandes dessinées, soit distiller de manière experte un changement qui venait tout juste de commencer. Dans certains cas, plusieurs pages pouvaient être utilisées pour représenter une innovation particulière ; nous avons noté ces cas. Nous n'avons pas nécessairement choisi les 100meilleurpages - il y a de nombreux spécimens étonnants que nous n'avons pas inclus parce qu'ils n'avaient pas un impact significatifinfluencesur le métier de la bande dessinée. Ce ne sont pas non plus lesseulement100 pages qui ont façonné la bande dessinée, mais chacune, à sa manière, a eu un impact profond sur la forme telle que nous la connaissons. Et comme il s'agit de bandes dessinées, nous avons dû être un peu pointilleux : nous ne traitons que des bandes dessinées publiées pour la première fois par des maisons d'édition nord-américaines, et nous n'incluons pas les bandes dessinées de journaux, les webcomics ou leurs réimpressions.

Certaines pages se distinguent par leur contenu écrit : premières apparitions révolutionnaires, innovations narratives brillantes, etc. Certaines sont importantes parce que l’œuvre d’art raconte une histoire d’une manière que personne n’avait pensé auparavant et a fini par être imitée – ou, dans certains cas, carrément imitée. Tous sont intéressants en eux-mêmes et font partie intégrante des tomes dont ils ont été extraits. Nous concluons sur ce que nous pensons être une bonne note, avec quelques bandes dessinées récentes qui ont déjà eu un impact et présagent un avenir plus riche et plus diversifié. Reliées ensemble, ces pages constituent une méga-bande dessinée à part entière, documentant l'évolution d'une forme d'art en constante évolution.

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Écrivain, dessinateur et encreur : Lynd Ward

Étranger tenant du papier.Photo de : Cape & Smith

Nous pourrions « Euh, en fait » nous frayer un chemin parmi les candidats pour la « Première bande dessinée de tous les temps » jusqu'à ce que nous soyons bleus. Mais il est incontestable que l'un des principaux pionniers de la narration graphique moderne de longue durée était l'illustrateur flamand.Frans Masereel. Juste après la Première Guerre mondiale, il a créé une série de « récits picturaux » sans paroles – vous avez peut-être repéré son plus célèbre,Voyage passionné (1919),dans la boutique de cadeaux de votre musée d'art local.

Étudiant en art né à ChicagoLynd Warda découvert le travail de Masereel alors qu'il étudiait la gravure à Leipzig, en Allemagne, et a eu l'inspiration d'utiliser le support d'impression le plus ancien – des blocs de bois pressés dans l'encre – pour créer quelque chose de très moderne : le premier récit graphique autonome d'un Américain, ou comme il l'appelait, un «roman en gravures sur bois».L'homme des dieux(1929) raconte l'histoire d'un artiste en difficulté qui conclut un marché surnaturel avec un mystérieux inconnu (photo ici) pour un pinceau magique au prix terrible. Le livre, composé d'une illustration gravée sur bois sur chacune des 139 pages du volume, fut un succès surprise, et Ward produisit cinq autres romans graphiques (bien que l'utilisation de ce terme n'ait lieu que dans des décennies) avant de s'installer dansune carrière d'illustrateuret bon artiste. Son travail a été une grande source d'inspiration pour les futurs dessinateurs, notamment Art Spiegelman, dontMausa été fortement influencé par le style de gravure sur bois de Ward. Spiegelman plus tard éditéL'excellent coffret des romans muets de Ward de Library of America.

Scénariste : Malcolm Wheeler-Nicholson ; Dessinateur et encreur : Lyman Anderson

Couverture.Photo de : DC Entertainment

Si Lynd Ward a été le pionnier du roman graphique américain, il a été laissé à des créateurs plus commerciaux de concocter les articles reliés sur disquettes qui deviendront connus sous le nom de « bandes dessinées ». Ils ont commencé comme une émanation du boom de la bande dessinée à la fin des années 1920 et au début des années 1930, lorsque la section des bandes dessinées dans les journaux (surnommée les « pages drôles ») a augmenté en taille à mesure que les bandes dessinées sur le thème de l'aventure grandissaient pour correspondre à la popularité de leur bande dessinée plus stupide. homologues. Finalement, Eastern Color, un imprimeur de bandes dessinées à succès, s'est rendu compte que la popularité des bandes dessinées pouvait être utilisée pour attirer les clients. Ils ont conclu un accord avec la Gulf Oil Company pour produire un petit « livre » de quatre bandes d’une page entière qui serait distribué comme article promotionnel dans les stations-service du Golfe.Hebdomadaire pétrolier du Golfes'est avéré populaire, incitant Eastern Color et Dell Publishing à essayer de vendre des « livres » de bandes dessinées réimprimées. Après quelques tentatives, Dell s'est retiré du projet. Eastern Color a continué seul et a lancé la série en cours,Drôles célèbres, en mai 1934.

Suite au succès deDrôles célèbres, Malcolm Wheeler-Nicholson, écrivain du magazine Pulp, a fondé National Allied Publications et a publiéNouvelles bandes dessinées amusantesN°1 en janvier 1935. La distinction majeure deNouvelles bandes dessinées amusantesétait que, dès la première histoire du cow-boy Jack Woods (qui est apparue sur la couverture – une approche largement évitée par les futures bandes dessinées), ces bandes dessinées étaient entièrement originales plutôt que des bandes dessinées réimprimées. (Drôles célèbresavait occasionnellement du matériel original, mais il était rare et généralement utilisé comme remplissage.) Avec sa déclaration selon laquelle ces produits fragiles pourraient fournir un nouveau contenu passionnant,Nouveau plaisirLe numéro 1 a été la naissance de la bande dessinée telle que nous la connaissons aujourd’hui.

Dessinateur, encreur et lettreur : Joe Shuster ; Scénariste : Jerry Siegel

Superman bat le batteur de femme.Photo de : DC Entertainment

Dans lequel on apprend que les super-héros étaient dès le départ des guerriers de la justice sociale. Imprégné de la politique du Milieu de la dépression de la classe ouvrière de gauche d'où Superman a émergé, la première apparition de l'homme d'acier le montre déjouant un lynchage, malmenant les profiteurs de la guerre, sortant du couloir de la mort un meurtrier condamné à tort et faisant de ses idéaux un agresseur domestique. Le premier véritable super-héros s’est forgé dans le creuset de la politique sociale progressiste.

Les créateurs Jerry Siegel et Joe Shuster ont initialement conçu « Superman » comme une bande de journal, ce qui ressort clairement de la disposition de cette page, avec un « bouton », ou mini-accroche-falaise, dans le dernier panneau de chaque niveau. Ce n'est qu'après avoir été rejetés par tous les syndicats de journaux qu'ils ont pu trouver que Siegel et Shuster ont accepté à contrecœur de laisser le jeune éditeur National (rebaptisé plus tard « DC », d'après une autre de leur série),Bandes dessinées détectives) l'exécutez comme couverture de leur nouveau titre,Bandes dessinées d'action.Shuster a découpé ses bandes dessinées et collé les panneaux sur un tableau dans la nouvelle bande dessinéelivreformat.

National a changé de propriétaire entreBandes dessinées d'actionaccepter l'histoire de Siegel et Shuster et la publier. Ironiquement, les nouveaux cuivres pensaient que la couverture désormais emblématique du premier numéro...Superman écrasant la voiture d'un gangster contre une montagne– était si stupide qu’ils ont interdit aux Supes d’apparaître sur tous les fronts futurs. Ces dirigeants de National ont cependant changé d'avis, une fois que les ventes ont continué à augmenter, et ils ont appris que les enfants n'allaient pas au kiosque à journaux pour demander des articles.Bandes dessinées d'action —ils cherchaient Superman. Ce n’était pas seulement le début d’un genre, mais de toute une industrie.

Scénariste et coloriste : Bill Parker ; Dessinateur et encreur : CC Beck

C'est la première fois que Billy Batson crie « SHAZAM !Photo de : DC Entertainment

À la fin de 1938, il était clair que le long métrage « Superman » de National était un énorme succès. Il était sorti depuis à peine un an depuis la sortie deBandes dessinées d'actionN°1 lorsque l'éditeur Fawcett Publications s'est lancé dans le jeu des super-héros en introduisant Captain Marvel dansBandes dessinées génialesN° 2. L'intention du capitaine Marvel était de créer le propre Superman de Fawcett – sauf que son identité secrète est un garçon de 12 ans, Billy Batson, qui se transforme en héros lorsqu'il s'exclame « Shazam ! (Le nom représente les initiales des êtres magiques qui lui fournissaient des pouvoirs : la sagesse de Salomon, la force d'Hercule, etc.)

Le mélange d'aventures de style Superman et de la réalisation des souhaits d'un enfant a conduit Captain Marvel à devenir le super-héros le plus populaire des années 1940, se vendant mieux que son inspiration kryptonienne et donnant lieu à une série de retombées sur le thème de Marvel telles que Mary Marvel et Captain. Marvel Jr. Naturellement, National a poursuivi Fawcett en justice, et l'affaire a duré des années jusqu'à ce que National semble gagner en 1952. Plutôt que de faire appel davantage, Fawcett a simplement arrêté de publier des bandes dessinées de super-héros (les ventes avaient déjà commencé). en déclin) et a finalement vendu Captain Marvel à National. (Il reste une propriété de DC à ce jour, avecun long métrage en route l'année prochaine.) L’idée de donner aux enfants un personnage auquel ils pourraient s’identifier s’est avérée extrêmement influente.

Scénaristes : Bill Finger et Gardner Fox ; Dessinateurs : Bob Kane et Sheldon Moldoff ; Encrier : Kane ; Lettre : Moldoff

L'origine de Batman – neuf panels exigus de la formation de Wayne, culminant avec la ligne « superstitieux et lâche ».Photo de : DC Entertainment

National ont rapidement cherché à étendre leur empire naissant de super-héros. Tous les pigistes savaient que National recherchait de nouveaux super-héros. C'est dans cet esprit que l'écrivain/artiste Bob Kane, qui avait réalisé différents longs métrages pour National avant de finalement décrocher un long métrage régulier avec la série d'aventures « Rusty and His Pals », s'est assis pour créer son propre super-héros, qu'il a créé. appelé le Batman. Le problème pour Kane était que ses idées sur le personnage n'étaient pas particulièrement fortes et il le savait. Il a donc fait appel à l'écrivain Bill Finger, que Kane avait récemment embauché pour écrire "Rusty" pour lui, afin de développer le personnage. Finger a presque tout changé dans le personnage, mais son nom et leur Batman remanié (qui a été fortement influencé par le héros pulp The Shadow) ont fait ses débuts dans les années 1939.Bandes dessinées détectivesN°27, dessiné par Kane et écrit par Finger (Finger a soulevé l'intrigue du roman ShadowPartenaires du périlpour cette première histoire de Batman).

Finger a fait équipe avec Kane pour l'une des histoires de Batman les plus importantes de tous les temps, l'origine du personnage dansBandes dessinées détectivesN° 33. À ce stade de l’histoire de la bande dessinée, la plupart des super-héros n’avaient aucune motivation sous-jacente pour être des héros autre que le désir de faire le bien. Avec l'origine de Batman, Kane et Finger ont introduit l'idée nouvelle d'un jeune garçon témoin des meurtres de ses parents et poussé à venger leur mort en devenant un super-héros. C'était l'élément constitutif de la caractérisation de Batman pour les années à venir et a inspiré d'innombrables super-héros angoissés avec des histoires sanglantes similaires.

Écrivain, dessinateur, encreur et lettreur : Bill Everett

Human Torch et Sub-Mariner se rencontrent.Photo de : Marvel Entertainment

Centaur Publications, un éditeur de pâte à papier qui avait récemment acheté deux sociétés de bandes dessinées en faillite, Comic Magazine Company et Ultem Publications, a été l'une des premières sociétés à avoir tenté de tirer profit de l'engouement pour les super-héros. Les fonctionnalités de super-héros de Centaur, comme "Amazing Man" et "The Arrow", n'ont pas vraiment enflammé le monde. Le directeur artistique de Centaur était Lloyd Jacquet, qui avait contribué à la rédaction des premiers numéros deNouvelles bandes dessinées amusantespour National en 1934. Jacquet a constaté que la demande de nouveau contenu de super-héros était si grande qu'il a quitté Centaur pour former le packager de bandes dessinées Funnies Inc., entraînant ainsi un certain nombre d'artistes Centaur.

Funnies Inc. a été embauché par l'éditeur Martin Goodman pour créer une bande dessinée d'essai. Le problème,Marvel Bandes dessinéesLe numéro 1 comprenait une nouvelle de Bill Everett présentant le espiègle Namor le sous-marin, et une histoire de Carl Burgos présentant un androïde héroïque appelé la Torche humaine. (Il n'avait aucun lien avec le personnage ultérieur des Quatre Fantastiques du même nom.) Le numéro s'est si bien vendu que Goodman a embauché certains créateurs de Funnies Inc. pour travailler directement pour lui dans sa nouvelle société, Timely Comics. La bande dessinée a été renomméeBandes dessinées mystérieuses Marvelet l'histoire a été écrite dans le huitième numéro lorsque Everett et Burgos (de bons amis de leur temps ensemble chez Centaur) ont fait apparaître les personnages de chacun dans leurs deux longs métrages, avec Human Torch traquant Namor. Il s’agissait du premier crossover de super-héros et introduisait l’idée d’un univers de bande dessinée partagé, concepts qui sont devenus des éléments clés de l’histoire des super-héros-bandes dessinées.

Écrivain, dessinateur et encreur : Will Eisner ; Coloriste : Joe Kubert ; Lettreur : Sam Rosen

Première utilisation du titre dans le cadre d'un paysage quasi-diégétique.Photo : Will Eisner

Le plus prospère des écuries génératrices de contenu enfiévrées connues sous le nom d'emballeurs de bandes dessinées à la fin des années 1930 était le studio de Will Eisner et Jerry Iger. Ils avaient créé leur entreprise en 1936 et étaient donc bien positionnés lors du boom des super-héros qui a suivi.Bandes dessinées d'actionLe numéro 1 est arrivé. À la fin de 1939, 15 écrivains et artistes travaillaient pour eux, mais Eisner lui-même restait leur plus grand atout. C'était un brillant écrivain et artiste, capable de produire des reportages de bandes dessinées dans une variété de formats. Eisner et Iger gagnaient beaucoup d’argent à la fin des années 1930. Cependant, Eisner voulait plus de sa carrière.

Il a eu l'idée de créer une série de bandes dessinées qui paraîtraient en complément des pages hebdomadaires de bandes dessinées en couleur du dimanche dans les journaux locaux. Il voulait devenir propriétaire de cette idée, alors il a vendu sa participation dans leur studio d'emballage à Iger en échange du fait qu'Iger ne conteste pas la propriété d'Eisner dans cette nouvelle entreprise. Le supplément s'ouvrirait sur une histoire mettant en vedette l'Esprit, un nouveau personnage de détective costumé créé par Eisner, avec des histoires de sauvegarde mettant en vedette d'autres créations d'Eisner. Lors de son lancement le 2 juin 1940, la série ressemblait à la plupart des autres bandes dessinées du dimanche. Finalement, une fois la série clairement un succès, Eisner a commencé à expérimenter. Tout d'abord, il a fait des pages d'accueil comme la plupart des autres bandes dessinées de l'époque (les trois quarts de la page étaient consacrés à une image, puis un quart montrant le premier panneau de l'histoire), mais le 8 décembre 1940 était la première fois qu'Eisner travaillait. le nom de l'élément dans le paysage du dessin. Bientôt,L'Espritserait surtout connu pour la manière dont le titre a été brillamment intégré à la page de démarrage d'ouverture. d'EisnerEsprita eu une influence directe sur les nombreux artistes de renom qui ont travaillé comme assistants pour lui pendant qu'il le faisait.L'Esprit(et a continué la série alors qu'il était enrôlé pendant la Seconde Guerre mondiale), comme Jules Feiffer, Jack Cole, Wallace Wood et Jerry Grandenetti. De plus, les œuvres expérimentales d'Eisner ont eu une nette influence sur des artistes comme Jack Kirby et Jim Steranko, ce dernier rendant directement hommage à Eisner dans un certain nombre de ses œuvres.

Scénariste : Gardner Fox ; Dessinateur et encreur : Everett E. Hibbard

L'un des premiers pionniers de la bande dessinée fut Max Gaines, le vendeur de Eastern Color Printing, qui fut le premier à avoir l'idée de créer des « livres » rassemblant des bandes dessinées en couleur destinées à être utilisées comme objets promotionnels pour les entreprises. Il était l'esprit derrière Eastern Color'sDrôles célèbressérie et fut bientôt intéressé par la création de sa propre société de bandes dessinées. Harry Donenfeld, co-directeur de National Allied Publications, a accepté d'aider à financer la nouvelle entreprise de Gaines, qui s'appelait All-American Publications, à condition que Gaines prenne le partenaire de Donenfeld National Allied, Jack Liebowitz, comme partenaire (en partie pour garder un œil sur sur Gaines et en partie pour empêcher Liebowitz de partir et de créer sa propre entreprise). Avec Detective Comics (une petite société créée uniquement pour la publication du film susmentionnéBandes dessinées détectives), All-American et National Allied ont tous utilisé « Superman-DC » comme nom commun sur les couvertures de leurs titres.

En 1940, All-American lance une série de bandes dessinées intituléeToutes les bandes dessinées étoiles, qui présenterait des nouvelles mettant en vedette des héros des All-American et des National Allied. Avec le troisième numéro, cependant, ils ont tenté quelque chose de nouveau. L'écrivain Gardner Fox a écrit une séquence de cadrage qui reliait les histoires disparates du numéro. Cette séquence de cadrage a révélé que tous les différents héros du livre faisaient en fait partie d'une seule équipe de super-héros connue sous le nom de Justice Society of America. Pendant des années, les parties du livre sur la Société de justice n'ont fonctionné que comme une séquence de cadrage pour mettre en place les histoires solo, mais finalement le livre a commencé à raconter des histoires complètes sur la Société de justice. Puisque All-American était techniquement sa propre société (Gaines vendrait sa participation dans la société à National Allied en 1944 et formerait ensuite EC Comics), ce n'était pas seulement la première équipe de super-héros mais aussi le premier croisement interentreprises, deux idées qui ont ensuite été été habitué à la mort et au-delà.

Écrivains : Joe Simon, Jack Kirby et Stan Lee ; Dessinateurs : Charles Nicholas Wojtkoski, Al Avison, Jack Kirby, Joe Simon

Joe Simon et Jack Kirby adoraient frapper les nazis avant que ce ne soit cool, comme le montrela célèbre couverture de leurBandes dessinées Captain AmericaN°1,dans lequel le super-soldat titulaire affronte le Führer pendant presque une année complèteavantl'attaque de Pearl Harbor et l'entrée de l'Amérique dans la Seconde Guerre mondiale. Le duo était tout aussi innovant entre les couvertures, devenant les maîtres incontestés de l'art des super-héros de l'âge d'or (tout comme Kirby, en solo, deviendrait le maître incontesté de l'âge d'argent). Simon et Kirby demanderaient aux poings et aux jambes des personnages de briser les bordures du panneau, comme si les héros et les méchants étaient si excités de se battre qu'ils sautaient presque littéralement de la page.

Mais ils se sont surtout fait connaître grâce à leurs doubles pages spectaculaires, qu'ils ont certainement perfectionnées s'ils n'ont pas inventées, à commencer par ce conte enBandes dessinées Captain AmericaN ° 6.Cette technique « grand écran » consistant à diffuser une seule image sur deux pages entières démarre l’histoire en beauté et attire immédiatement le lecteur avec une action explosive et/ou un « teaser » d’ouverture comme vous le voyez ici. Les doubles pages sont désormais non seulement monnaie courante, mais de rigueur.

Écrivain, dessinateur et encreur : Walt Kelly

Dell Publishing a commencéBandes dessinées et histoires de Walt Disneyen 1940 et, en raison de la popularité de son sujet, elle est devenue l'une des séries de bandes dessinées les plus vendues de tous les temps aux États-Unis, avec un tirage mensuel de plus de 3 millions d'exemplaires. Après tout, les bandes dessinées Disney ont donné naissance à des industries de pays entiers à travers le monde : en France, la première véritable bande dessinée date de 1934.Le Journal de Mickey, commençant, commeWDCSfait, comme une réimpression des bandes dessinées « Mickey Mouse ». Au Japon, Osamu Tezuka a lancé à lui seul des mangas avec son style influencé par Disney dans les années 1947.Nouvelle île au trésor.

En parlant d’influence internationale, la première histoire « originale » (non réimprimée) deWDCSn'arriverait pas avant l'adaptation en 1942 de « The Flying Gauchito », un segment du filmLe Trois Caballeros.L’artiste de la bande dessinée « The Flying Gauchito » était un ancien animateur de Disney nommé Walt Kelly. Kelly créeraitPogo l'opossumpourBandes dessinées animalesplus tard cette année-là,une autre bande dessinée de style Disney publiée par Dell. Cette page est tirée de cette première histoire, « Albert prend le gâteau », avec un Pogo et Albert l'alligator beaucoup plus précis sur le plan zoologique. Kelly et Pogo connaîtraient un succès encore plus grand dans les pages drôles des journaux, le cas rare d'une bande dessinée.livrepersonnage devenu plus populaire dans la bande dessinée-bandeformulaire.

Scénariste : William Moulton Marston [comme Charles Moulton] ; Dessinateur et encreur : Harry Peter (comme HG Peter)

"Dites-moi les préférences de quelqu'un en matière de bandes dessinées et je vous dirai ses désirs subconscients", a déclaré le Dr William Moulton Marston, co-créateur de Wonder Woman. Hein. Vous ne le dites pas, Doc ? Psychologue et contributeur à l’invention du détecteur de mensonge, Marston était, pour le moins, un individu intéressant. Après avoir dénoncé les bandes dessinées de super-héros pour leur « masculinité à vous glacer le sang », il a été invité par All-American Comics à joindre le geste à la parole en créant une bande dessinée plus à son goût. Voici le résultat :Wonder Woman,écrit par Marston sous un pseudonyme et dessiné par l'illustrateur chevronné Harry Peter.

La pierre angulaire du système de croyance de Marston était la supériorité inhérente des femmes sur les hommes, ce qui peut expliquer pourquoi il aimait tant les voir s'attacher. Ici, nous n'avons pas moins detroisformes de bondage sur une page : des chaînes aux poignets et aux chevilles, enchaînées au mur par le cou et, de manière très imaginative, cousues dans un sac de boxe. De peur que vous ne pensiez que nous avons choisi cette page pour du pur sensationnalisme, soyez assuré qu'il s'agissait d'un début assez typique.Wonder Womanaventure. Un conte ultérieur de Marston ne contenait pas moins de75des panneaux de bondage dedans.

Après la mort de Marston d'un cancer en 1947, les créateurs qui ont héritéWonder Womanje nettoierais tous les défauts. Mais le proto-féminisme de ces débuts – incarné ici dans l’avant-dernier panneau où Diana se châtie de s’être soumise à la volonté d’un homme – perdurerait dans le personnage désormais légendaire et les nombreux super-héros qui l’imitaient.

Écrivain, dessinateur et encreur : Tarpé Mills

Tout a commencé parce que l’illustratrice de mode et caricaturiste June Mills s’est cassé le pied. Pendant son immobilisation, Mills a griffonné des idées pour une bande dessinée d'aventure avec une héroïne modelée sur elle-même, qui avait un acolyte chat très semblable à son propre animal de compagnie, Peri Purr. "Black Fury" a fait ses débuts dans les pages drôles du journal le 6 avril 1941, devenant ainsi la première héroïne féminine de bande dessinée créée par une femme et précédant de plusieurs mois la première apparition de Wonder Woman (créée par l'homme). Notre héroïne, Marla Drake, est une mondaine devenue une botteuse de cul nocturne lorsqu'elle appréhende un gangster alors qu'elle se rend à une soirée costumée. Idéalement, elle est vêtue d'un catsuit qui a depuis été arraché par d'innombrables héroïnes et méchantes.

Craignant que les lecteurs masculins rejettent une telle bande d'action rock-em, sock-em s'ils savaient qu'elle avait été créée par une femme, Mills a caché son sexe en utilisant son deuxième prénom, Tarpé, comme pseudonyme. Cependant, elle a été dévoilée assez tôt, et cela n'a pas nui à la popularité de la bande dessinée : elle a même été rebaptisée « Miss Fury », la féminisant encore plus. La page que vous voyez ici est l'introduction à la série de bandes dessinées de Miss Fury, qui a été un grand succès pour Timely – plus tard connu sous le nom de Marvel – avec du nouveau matériel et des réimpressions. Mills a mis à profit ses compétences en matière de mode pour habiller Drake et ses ennemis de femme fataledans les derniers styles, une pratique adoptée plus tard par les bandes dessinées pour adolescents, et Miss Fury elle-même a reçu l'une des plus hautes distinctions qu'un personnage de bande dessinée des années 40 puisse recevoir :elle ornait le nez de nombreux bombardiers de la Seconde Guerre mondiale.

Écrivain, dessinateur et encreur : John Terrell

Même si les années 1940 ont pu être « l'âge d'or » selon de nombreux lecteurs, ce n'était certainement pas un âge d'or dans la manière dont les bandes dessinées représentaient les Afro-Américains. Des personnages comme l'acolyte du Spirit, Ebony White, et le membre des Young Allies, Whitewash Jones, sortaient tout droit des spectacles de ménestrels, avec des lèvres grotesquement grandes et d'autres traits exagérés. C'était le genre de choses qui préoccupaient Orrin C. Evans lorsqu'il perdit son emploi en 1947. Evans travaillait au PhiladelphieEnregistrerdepuis le début des années 1930, où il est entré dans l'histoire en devenant le premier journaliste afro-américain à faire partie du personnel en tant que journaliste généraliste dans un grand journal dirigé par des Blancs. Le Le magasin a fermé ses portes en 1947, à la suite d'une grève, alors Evans s'est associé à quelques-uns de sesEnregistrercollègues pour aborder ce qui, selon lui, manquait dans le monde de la bande dessinée : des représentations fortes et positives des Afro-Américains.

En juin 1947, ils lancèrentBandes dessinées entièrement noiresN°1, la première série de bandes dessinées écrite et dessinée entièrement par des créateurs afro-américains. Bien que chacun des artistes ait probablement écrit ses propres bandes dessinées, Evans a supervisé l'ensemble du projet et a veillé à ce que tous les héros soient représentés de manière non stéréotypée. Le frère d'Evans, George, a dessiné l'héroïque Lion-Man, tandis que John Terrell a écrit le long métrage principal de la série, le fidèle détective de police afro-américain, Ace Harlem. Malheureusement, lorsque Evans a décidé de produire un deuxième numéro, la société qui lui avait vendu le papier pour le premier numéro n'était plus disposée à lui vendre – pas plus qu'aucune autre société papetière. Il a passé le reste de sa vie à travailler dans le journalisme. Néanmoins,Bandes dessinées entièrement noiresdes histoires comme celle-ci sur Ace Harlem doivent être reconnues comme des précurseurs de héros noirs comme Black Panther et Luke Cage.

Dessinateur : Jack Kirby ; Encreur : Joe Simon

Aujourd'hui, Jack Kirby est surtout connu comme artiste de super-héros. Pourtant, le genre le plus lucratif de la carrière de Kirby, de la fin des années 40 au milieu des années 50, était la romance. Cela a donné à Kirby et à son partenaire commercial Joe Simon un radeau de sauvetage à un moment où les super-héros languissaient et où tout était à gagner – un moment où les ventes de bandes dessinées montaient en flèche mais où les livres sur le courage costumé étaient vieux chapeau. Les bandes dessinées romantiques, introduites par Simon et Kirby avec cette histoire en 1947, sont devenues plus qu'un genre : elles ont fait sensation. À la fin des années 40, la romance représentait un quart du marché de la bande dessinée. La romance a permis à Simon et Kirby d'acheter des maisons en banlieue et, pendant une décennie, a occupé Kirby plus occupé que tous les autres genres dans lesquels il a travaillé réunis. Ces bandes dessinées, calquées sur les véritables confessions féminines, offraient quelque chose de vital et faisaient partie d'une génération de bandes dessinées essayant de vieillir et de diversifier leur public.

"Pick-Up" distille les conventions du genre : une narration confessionnelle à la première personne, des regrets pour l'imprudence pécheresse qui expose le narrateur au risque et à la honte, et un splash d'ouverture qui mêle moralisme et lascivité. L'histoire est percutante et passionnante. (Simon et Kirby ont tellement aimé la protagoniste qu'ils l'ont ramenée pour une suite dans le numéro 11.) Bien qu'on se moque sans cesse (voir les peintures Pop Art de Roy Lichtenstein et d'autres parodies), le meilleur des bandes dessinées romantiques, commeJeune RomanceLe numéro 1 traitait non seulement de la sensualité mûre et du désir contrarié, mais aussi des problèmes de préjugés, de honte de classe et d'identité sociale, intensifiés et compressés dans de brèves pièces de moralité.

Écrivain, dessinateur et encreur : Jack Cole

Il n’y a pas de chapitre plus sombre dans l’histoire de la bande dessinée que l’engouement anti-bande dessinée déclenché parSéduction des innocents. Il s’agissait d’un best-seller de 1954 écrit par le psychiatre Fredric Wertham, qui affirmait que les bandes dessinées policières (certes sinistres) qui encombraient les kiosques à journaux américains étaient la cause directe d’une augmentation de la criminalité juvénile. Le livre a réimprimé d’innombrables panneaux de chaos et de femmes extrêmement masculines. Mais rien n’était plus troublant qu’un panneau de cette page de l’histoire « Le meurtre, la morphine et moi ! » dans lequel une femme est sur le point de se faire piquer une aiguille dans l'œil par un drogué fou. Le motif de blessure à l’œil était l’un des aspects les plus nocifs des bandes dessinées, a écrit Wertham : « Ce détail… montre peut-être mieux que toute autre chose la vraie couleur des bandes dessinées policières. Il n’a d’équivalent dans aucune autre littérature du monde, pour enfants ou adultes.

Cette dernière affirmation est un bon exemple des recherches fragiles de Wertham (qu’en est-il deUn Chien Andalou? OuŒdipe Roi?) mais les fausses nouvelles étaient aussi populaires en 1954 qu’aujourd’hui. «Meurtre, Morphine et moi!» était de Jack Cole, surtout connu pour avoir créé le loufoque et adorable Plastic Man, mais cette fois, il a créé un mélodrame audacieux et fébrile. Un adolescent, Art Spiegelman, découvrirait le panneau dans une bibliothèque de New York ettomber amoureux du travail de Cole, mais le mal était déjà fait : Wertham était si persuasif que des audiences du Sénat ont eu lieu pour déterminer si les bandes dessinées étaient simplement perverses ou carrément ennemies de l'État. Des dizaines d'éditeurs ont fait faillite et les lourdesCode de la bande dessinéea été établi. Cole, après être devenu l'un des premiersPlayboydessinateurs, s'est suicidé en 1958 et il a laissé un héritage de crayons dynamiques et de mises en page qui pouvaient aussi bien ravir que terrifier.

Scénaristes : Arnold Drake et Leslie Waller (comme Drake Waller) ; Dessinateur : Matt Baker ; Encreur : Ray Osrin

Arnold Drake est surtout connu pour avoir co-créé l'originalGardiens de la Galaxiepour Marvel etPatrouille mauditeetHomme mortpour DC, mais en 1949, il allait à l'université grâce au GI Bill et gagnait de l'argent supplémentaire en écrivant des scripts de bandes dessinées. Il n'avait pas perdu de vue que les bandes dessinées étaient le matériel de lecture préféré de ses camarades à l'étranger, et il a eu l'idée de séduire les anciens combattants comme lui en route vers l'université avec des tarifs plus sophistiqués - des histoires plus longues et plus sérieuses, destinées aux adultes. . A la base, il était à l'origine du roman graphique tel que nous le connaissons aujourd'hui.

Ça rime avec luxure,co-écrit avec l'amie de Drake, Leslie Waller, est une longue bande dessinée romantique, tournant autour du mangeur d'hommes roux Rust Masson (dont le prénom rime avec… vous voyez, maintenant vous comprenez). Les cerveaux de la rouilleDallas-des manigances de style dans la ville fictive de Copper City, jouant ses myriades de rivaux et de pions les uns contre les autres et giflant sa belle-fille à deux chaussures. Trois décennies en avance sur son temps, ce « roman illustré » ne s'est pas assez bien vendu pour susciter de nombreux imitateurs, mais il reste néanmoins une étape importante dans l'histoire de la bande dessinée américaine.

A noter également que ce premier roman graphique a été dessiné par Matt Baker, l'un des plus grands artistes afro-américains de l'âge d'or. Une commode soignée -le voici avecLuxureéditeur Archer St. John- et considéré comme gay ou bisexuel, Baker était surtout connu pour représenter des femmes élégantes et belles, une compétence exposée ici et dans le titre auquel il était le plus associé, Dame fantôme(antécédent deLes gardiensSpectre de Soie).Une crise cardiaque a tué Baker alors qu'il n'avait que 37 ans, alors qui sait jusqu'où son étoile aurait pu s'élever ; mais il est important de reconnaître que les créateurs de couleur et les créateurs LGBTQ travaillent dans la bande dessinée depuis les premiers jours.

Écrivain : John Stanley ; Pencilers : John Stanley et Irving Tripp ; Encreur : Tripp

Il est difficile de choisir une seule page pour représenter l'histoire souvent réimprimée de John Stanley, « Cinq petits bébés », mettant en vedette un personnage repris dans les bandes dessinées deLe Message du samedi soir, Petite Lulu. Du premier panneau, où les garçons saluent l'arrivée du riche gosse Wilbur van Snobbe, au tout dernier, où les garçons, châtiés, ne peuvent que s'émerveiller devant la vengeance de Lulu, une histoire de vengeance, de masculinité toxique et de pièces d'estime de soi féminine. avec un rythme inexorable digne de Sophocle ou de Cormac McCarthy. Cela a aidé que l’histoire soit également tout à fait hilarante. Lulu est la création de Marjorie Henderson Buell, qui a dessiné des panneaux uniques du personnage de garçon manqué pourLe message du samedi soir. Cependant, lorsque Stanley a commencé à créer la propre bande dessinée de Lulu avec l'encreur Irving Tripp, les histoires se sont transformées en sitcoms mordantes et hilarantes, avec Lulu une héroïne féministe pour les âges.

Les garçons, dirigés par Tubby, l'ennemi de Lulu, l'interdisent explicitement de leur monde avec un panneau « Interdit aux filles » sur leur club-house, mais Lulu déjoue encore et encore leurs complots en utilisant son intelligence et sa perspicacité supérieures, avant de retourner à ses activités de fille de défi sans un soupçon d'infériorité. Le sous-texte montrait qu’en rejetant les filles et les femmes, les garçons retranchaient une partie essentielle de leur propre humanité. Même si les histoires de Stanley/Tripp étaient les préférées des enfants – Trina Robbins et de nombreuses autres femmes de la scène underground des années 1970, que nous aborderons plus tard, étaient des fans – son rythme et sa narration impeccables ont eu une influence avouée sur de nombreux créateurs célèbres. sur cette liste, de R. Crumb à Daniel Clowes et au-delà. L'une de nos collaboratrices, Heidi MacDonald, ancienne éditrice de bandes dessinées pour enfants pour Disney et DC, aime dire que si un écrivain avait du mal à raconter une histoire en huit pages, elle lui remettrait une collection d'histoires de Stanley. S’ils ne l’obtenaient pas après cela, ils ne l’obtiendraient jamais.

Écrivain, dessinateur et encreur : Harvey Kurtzman ; Coloriste : Marie Séverin ; Lettreur : Ben Oda

Au point culminant de « Cadavre sur l'Imjin », un récit sur la guerre de Corée, l'écrivain-artiste Harvey Kurtzman livre une page qui allie rigueur formelle et violence brutale, alors qu'un homme en noie un autre dans la rivière Imjin en Corée. Cette page souvent étudiée, frénétique mais contrôlée, incarne le don de Kurtzman pour la répétition astucieuse. Il a utilisé ce don de façon dramatique dans ses bandes dessinées de guerre pour EC, et avec humour, avec des gags soudains et absurdes pour briser les rythmes, dans son plus grand cadeau à EC, le satirique.Fou. Malgré la différence marquée entre ces deux aspects de sa production, Kurtzman a utilisé magistralement les rythmes de page dans les deux, faisant de lui l'un des principaux formalistes de la bande dessinée, aussi important pour la bande dessinée qu'Eisenstein l'était pour le cinéma.

"Corpse" a toujours un impact narratif. Il réduit le genre de l’histoire de guerre à un combat au corps à corps élémentaire entre deux soldats anonymes, l’un américain et l’autre nord-coréen. L’histoire commence avec l’Américain qui réfléchit à quel point la guerre est devenue lointaine et clinique, mais il se trompe lorsque la Corée du Nord, affamée et désespérée, attaque. Selon la logique impitoyable de l'histoire, un homme doit tuer l'autre. Il n’y a là aucune gloire, ni aucune affirmation patriotique du devoir accompli ; au lieu de cela, le récit est poétiquement sombre et fataliste, fidèle au naturalisme à la Stephen Crane des meilleures histoires de guerre de Kurtzman. Il est remarquable que cette dure fable ait été publiée pendant la guerre de Corée elle-même ; ce numéro aurait été publié vers septembre ou octobre 1951, pendant une impasse prolongée et sanglante de la guerre.

De nombreux créateurs de bandes dessinées qui ont suivi ont imité le contrôle rythmique de la mise en page de Kurtzman (voir par exemple nos exemples deIncroyable Spider-ManN ° 33 etGardiensN°1). Pourtant, son contenu thématique a également fait des vagues : la génération underground des comix, notamment R. Crumb et Art Spiegelman, admirait la véracité grossière et l'humanisme tragique de Kurtzman, même s'ils dévoraient la satire grossière deFou. Mais « Cadavre » est sans doute son chef-d’œuvre.

Écrivain et dessinateur : Carl Barks

« Only a Poor Old Man » n'était pas la première apparition de Scrooge McDuck – il était un personnage secondaire dans des bandes dessinées mettant en vedette son neveu, Donald Duck, depuis des années – mais c'est le problème qui a mis en évidence la manifestation la plus notable de McDuck du capitalisme déchaîné : plonger dans son énorme tas d’argent. McDuck est la création de Carl Barks, un dessinateur immensément imaginatif dont le jeune adulte passé à exercer diverses professions au XIXe siècle – notamment celui de cow-boy et de muletier – lui a laissé un goût pour l'aventure et une connaissance directe de l'avidité et de la stupidité. Après être devenu animateur chez Disney, Barks a découvert que son plus grand talent était celui de dessinateur et, pendant 24 ans, il a fait la chronique de la famille Duck et du monde de Duckburg avec des caractérisations astucieuses qui mettaient en valeur les faiblesses de la nature humaine. Scrooge a évolué d'un avare économe, digne de son nom dickensien, à un oncle plus comique et parfois même au bon cœur, à ce fainéant implacable, Donald.

La narration inspirée de l'animation et les personnages comiques expressifs de Barks ont eu une influence déterminante sur toutes les bandes dessinées « d'animaux drôles » à succès qui ont suivi – et au-delà : R. Crumb le cite comme une influence majeure. Le point de vue de Barks sur Donald et Scrooge éclairerait à la fois l'originalContes de canardle dessin animé et sa renaissance. La fétichisation de la richesse par le TOC de Scrooge – de nombreuses histoires commencent par une attaque contre son « coffre à argent » par les infâmes Beagle Boys – reste un symbole puissant de la puissance et du danger d'une économie folle de canard. Et « plonger dans la poubelle » est devenu une partie du langage : une promotion Disney réelle basée sur l'expression même tournée pour promouvoirle nouveauContes de canardsérie animée.

Scénariste : Harvey Kurtzman ; Dessinateur et encreur : Wally Wood ; Coloriste : Marie Séverin ; Lettreur : Ben Oda

En 1953, Harvey Kurtzman et Wally Wood travaillaient pour EC Comics depuis quelques années, produisant de sérieuses épopées de guerre, des histoires de science-fiction stimulantes et des pièces de moralité d'horreur satiriques (et sanglantes). QuandFoua fait ses débuts sous forme de bande dessinée (il n'est devenu un magazine qu'à partir du numéro 24), il n'a pas mis le feu au monde, en termes de ventes. Puis vint le numéro 4 et « Superduperman ». L'histoire, écrite avec un esprit vif et mise en scène par Kurtzman et mettant en vedette des illustrations époustouflantes de Wood, est devenue un succès instantané, changeant le destin de la bande dessinée. Dans l'histoire, l'effrayant assistant copieur, Clark Bent, qui est secrètement Superduperman, convoite Lois Pain, utilise sa vision aux rayons X pour regarder dans les toilettes des dames et est un personnage généralement pathétique. Après une bataille sauvage avec le capitaine Marbles (devenu un méchant), le triomphant Superduperman pense qu'il peut utiliser sa nouvelle gloire pour courtiser Lois. Cela ne marche pas vraiment.

L’histoire renverse le paradigme des super-héros bienfaiteurs en transformant les deux héros en personnes horribles, ce qui n’avait vraiment jamais été fait auparavant. Il parodie également le procès pour violation du droit d'auteur que les éditeurs de Superman, National, ont intenté et gagné contre les éditeurs de Captain Marvel quelques années plus tôt. National a menacé de porter plainte contre EC Comics pour la parodie, mais ils n'ont jamais donné suite. Peut-être plus particulièrement, « Superduperman » était uninfluence avouée et massivesur une bande dessinée décidément pas drôle : Alan Moore, Dave Gibbons et John HigginsGardiens, qui extrapolait la déconstruction comique de Kurtzman et Wood de l'auto-illusion et du droit super-héroïques.Foucontinue encore aujourd’hui, survivant à ses nombreux imitateurs et se moquant toujours de tout.

Écrivain : Al Feldstein ; Dessinateur et encreur : Jack Davis ; Coloriste : Marie Séverin ; Lettreur : Jim a écrit

Lorsque Maxwell C. Gaines, fondateur d'Educational Comics, décède dans un accident de bateau en 1947, son fils William M. Gaines, étudiant à l'université, hérite de l'entreprise. Jusque-là, EC proposait des plats familiaux sains et à bas prix, commeHistoires illustrées de la Bible.Max aurait été violent envers Bill, et dans une sorte de vengeance posthume, Bill a emmené EC dans une nouvelle direction avec des titres violents et irrévérencieux commeContes de la crypte,dans lequel les agresseurs obtiennent leur récompense d'une manière spectaculairement sanglante. La plupart des prochaines pages de notre liste prouvent que le nouveau rebaptiséAmusantLes bandes dessinées n’étaient pas seulement l’un des éditeurs les plus prospères des années 1950, elles étaient aussi les plus influentes.

Dans « Foul Play ! », dessiné par le MVP EC Jack Davis, un lanceur de baseball maléfique tue un joueur rival en glissant sur lui avec des crampons empoisonnés ; Les coéquipiers de la victime se vengent en le démembrant et en jouant à un match de baseball avec ses tripes.Stephen King a présenté l'histoire dans sa formidable étude du genre de l'horreur,Danse Macabre,et tristement célèbre croisé anti-bande dessinée des années 1950, le Dr Fredric Wertham a donné à la page que vous voyez ici une position non moins importante, quoique moins flatteuse, dans son best-seller.Séduction des innocents. Le succès deContes de la crypteet ses titres frères,Le repaire de la peuretLe chaudron de la sorcière, inspirerait une vague de bandes dessinées d’horreur plus merdiques, mais tout aussi sanglantes, qui conduiraient à une panique anti-bandes dessinées. (Sans parler de choses bien meilleures comme celle de Warren PublishingÉtrangemagazine et la collaboration King/George RomeroSpectacle d'horreur.)

Nous serions négligents si nous ne soulignions pas le coloriage sur cette page de la légende vivante Marie Severin, qui a débuté à EC alors qu'elle n'avait que 20 ans. Notez comment Severin choisit de peindre les scènes les plus sanglantes en seulement deux couleurs, pour atténuer le choc viscéral tout en permettant simultanément tous les détails horribles dont les fans rêvaient. Pour cette raisonContes de la crypteLe rédacteur en chef Al Feldstein l'a qualifiée de « la conscience de la Communauté européenne ».

Écrivains : Bill Gaines et Al Feldstein ; Dessinateur et encreur : Bernie Krigstein [comme B. Krigstein] ; Coloriste : Marie Séverin ; Lettreur : Jim a écrit

La page, puissante mais peut-être banale pour le lecteur de bande dessinée moderne, est peut-être la page la plus analysée de l'histoire de la bande dessinée. Cela a eu une forte influence sur Art Spiegelman – quien a parlé pour leNew-Yorkais– et Frank Miller, qui le mentionne fréquemment dans les interviews. Il s'agit de l'œuvre dessinée de Bernard Krigstein, un nom presque inconnu du fan de bandes dessinées moyen mais vénéré parmi les dessinateurs des années 50. Krigstein était un artiste ambitieux qui, en 1955, s'est retrouvé chez EC Comics, alors que l'entreprise tentait de se réinventer en tant qu'éditeur plus sophistiqué après la création fatidique de la censure Comics Code Authority, à la suite de la campagne anti-bande dessinée de Fredric Wertham. début des années 1950. L'histoire implique Reissman, un ancien gardien de camp de concentration, qui aperçoit l'une de ses victimes dans un métro de New York et tombe mort en essayant de lui échapper.

Ce n’est pas l’histoire audacieuse qui a rendu « Master Race » si révolutionnaire – même si l’Holocauste remonte à seulement dix ans et est rarement évoqué. C'est ainsi que Krigstein a raconté l'histoire, en utilisant des panneaux répétés, des images fracturées et une anatomie expressionniste pour capturer la panique et les actes sombres de Reissman, et pour décomposer le temps en instants fragmentés, de type lumière stroboscopique. Bien qu’aujourd’hui ces dispositifs fassent partie du vocabulaire établi de la bande dessinée, ils étaient totalement révolutionnaires à leur époque et ont inspiré d’innombrables artistes qui ont ensuite expérimenté leur propre narration. Ou comme Spiegelman l'a dit dans leNew-Yorkais" Krigstein a commencé à vibrer avec le langage intérieur de la bande dessinée, à comprendre que son essence résidait dans les " pannes ", l'exposition boîte à boîte qui décompose les moments du temps en unités spatiales. " Krigstein n'a jamais dessiné une autre histoire aussi impactante que celle-ci, mais il n'en avait pas besoin.

Écrivain : Al Feldstein ; Crayonneur et encreur : Joe Orlando ; Coloriste : Marie Séverin ; Lettreur : Jim a écrit

Lorsque l'industrie de la bande dessinée s'est regroupée pour former la Comics Code Authority en septembre 1954, l'éditeur d'EC Comics, William Gaines, pensait que les nouvelles règles étaient effectivement conçues pour nuire à son entreprise. Ils ont interdit les mots « crime », « horreur » et « terreur » dans les titres de bandes dessinées, qui ciblaient directement ses séries les plus vendues –Crime SuspenduHistoires,Le coffre-fort de l'horreur, etContes de la crypte. Gaines a fait de son mieux pour maintenir EC Comics à flot après Code, et EC Comics a lancé une « Nouvelle Direction » en 1955, avec une collection de nouvelles séries dont ils espéraient qu'elles n'offenseraient pas.

Cependant, fin 1955, ils se heurtèrent au Code de la bande dessinée dans la production deIncroyable science-fictionN° 33. Le Code s'est opposé à un nouveau récit du numéro « Œil pour œil », d'Angelo Torres, comme étant trop violent. Il a donc été remplacé par une réimpression d'un classiqueFantaisie étrangehistoire. Intitulé « Jour du Jugement », il représentait un astronaute représentant la République Galactique visitant la planète robot Cybrinia pour voir si Cybrinia pouvait être incluse dans la République. Il doit les refuser parce que les robots bleus ont été traités moins bien que les robots orange sans raison. Alors qu'il s'envole dans son vaisseau, il enlève son casque et on voit qu'il est noir. Le code de la bande dessinée n'autorisait pas l'histoire à moins que l'astronaute ne soit recoloré en blanc. L'écrivain Al Feldstein était indigné, tout comme Gaines. Ils ont menacé de porter plainte. Finalement, le Code a cédé et l'histoire a été publiée telle qu'elle avait été dessinée à l'origine. Cependant, c'était le signe clair qu'EC Comics ne pouvait pas travailler dans les paramètres fixés par le Code, donc Gaines a arrêté sa production de bandes dessinées, se concentrant plutôt sur son magazine d'humour populaire,Fou, qui contournait les réglementations parce qu'il s'agissait techniquement d'un magazine. Les EC sont parfois accusés d'être des marchands de choc, mais cette page nous rappelle qu'ils étaient aussi des idéalistes.

Écrivains : Alfred Hassler et Benton Resnik ; Dessinateur : Sy Barry ; Lettreur : John Duffy

La Fellowship of Reconciliation a été créée en Angleterre au début de 1914 dans une tentative infructueuse d’empêcher le déclenchement de la Première Guerre mondiale. L’année suivante, ils ont ouvert leur branche américaine de l’organisation et servent depuis lors le bien public. Dans les années 1950, ils furent directement impliqués aux côtés de Martin Luther King Jr. dans le boycott des bus de Montgomery en 1955-56. C'est en travaillant avec le Dr King que le directeur des publications de la Fellowship, Alfred Hassler, a eu l'idée d'un remue-méninges. Il a lancé l'idée de produire une bande dessinée qui pourrait servir à diffuser le message du boycott. Essentiellement, il souhaitait créer un guide pour les manifestations non-violentes.

Hassler a travaillé avec Toby Press pour produire la bande dessinée. Le caricaturiste légendaire Al Capp a prêté quelques artistes, dont un nomméEt Barry, depuis son atelier pour le dessiner. Le Dr King a également donné son propre avis sur la bande dessinée. L'ouvrage publié était une publication de 16 pages intituléeMartin Luther King et l'histoire de Montgomery. Il s'ouvrait sur une courte biographie de la vie de King, puis sur un récit « ordinaire » du boycott des bus de Montgomery, suivi d'un guide détaillé sur la manière de mener une manifestation non-violente comme le boycott des bus. 375 000 exemplaires ont été imprimés – 250 000 en anglais et 125 000 en espagnol – et distribués dans les écoles, églises et groupes de défense des droits civiques afro-américains. Les manifestants qui sont devenus connus sous le nom de Greensboro Four, qui ont contribué à la déségrégation de Woolworth's en Caroline du Nord en organisant des sit-in de protestation, ont été spécifiquement citésL'histoire de Montgomerycomme source d'inspiration directe de leurs actions. Le succès de la bande dessinée a conduit d’innombrables autres groupes politiques à utiliser la bande dessinée pour exprimer leur message aux masses. Récemment, en l'honneur deL'histoire de Montgomery, Le représentant John Lewis a utilisé des bandes dessinées pour raconter son autobiographie dans la série de mémoires graphiques primée et à succès,Mars.

Dessinateur : Dan DeCarlo ; Encreur : Rudy Lapick

En 1941, MLJ Magazines a lancé un long métrage d'humour pour adolescents basé sur une série de films populaires mettant en vedette Mickey Rooney dans le rôle d'un adolescent. Intitulé « Archie Andrews », ce fut un succès retentissant, MLJ fut rebaptisé Archie Comics Publications en 1946, et toutes les autres sociétés de bandes dessinées lancèrent bientôt leurs propres arnaques. Après que Stan Lee ait embauché Dan DeCarlo pour travailler sur les bandes dessinées humoristiques pour adolescents de Timely en 1946, DeCarlo est devenu l'artiste d'humour pour adolescents le plus renommé de l'industrie, travaillant sur Millie the Model pendant plus d'une décennie. Lorsque les ventes de bandes dessinées ont chuté à la fin des années 1950, DeCarlo a commencé à accepter davantage de missions indépendantes pour Archie. Le seul problème : il a dû dessiner dans le style de l'artiste original d'Archie, Bob Montana, ce qui a ralenti la production de DeCarlo. Vers 1960, ils réussissent à le convaincre de s'y consacrer à plein temps en le laissant dessiner selon son propre style.

Cette pin-up de 1961 de Betty et Veronica n°68 voit DeCarlo utiliser son style unique sur les célèbres petites amies d'Archie, y compris sa coiffure en queue de cheval distincte pour Betty, ce qui était, assez curieusement, une grosse affaire à l'époque. Bientôt, tous les autres artistes d'Archie durent dessiner comme DeCarlo. Au fil du temps, son style est devenu l’un des plus influents de l’histoire de la bande dessinée, étant donné qu’il est devenu le « look » officiel d’Archie Comics pour les 50 années suivantes. En cours de route, DeCarlo a également créé certains des nouveaux personnages les plus populaires d'Archie, comme Sabrina l'apprentie sorcière et Josie et les Pussycats.

Scénaristes : Stan Lee et Jack Kirby (c'est compliqué); Pionnier : Kirby ; Encreur : George Klein ; Coloriste : Stan Goldberg ; Lettreur : Artie Simek

Il existe une certaine confusion quant à la raison pour laquelle Martin Goodman a été inspiré par Stan Lee pour ramener des super-héros pour la première fois depuis près d'une décennie dans la société de bandes dessinées connue sous le nom d'Atlas Comics à cette époque (était-ce vraiment dû à une décision nationale). plus haut se vantantLigue de justice d'Amérique's ventes lors d'une partie de golf avec Goodman ?) et il y a même une controverse sur qui a inventé les personnages des Quatre Fantastiques. C'était presque certainement grâce à une collaboration entre Stan Lee et Jack Kirby, maisles deux hommes ont affirméc'était leur seule création qu'ils apportaient ensuite à l'autre. (Cela présentait des ressemblances considérables avec les travaux antérieurs de Kirby sur le film DC.Challengers de l'inconnu). Quoi qu’il en soit, il n’y a aucun doute sur la raison pour laquelle cette histoire a définitivement changé la bande dessinée.

Même en laissant de côté le fait que les Quatre Fantastiques acquièrent leurs pouvoirs en volant une fusée puis en l'écrasant (c'était au début des années 1960, donc au moins ils avaient une noble cause : battre les « communistes » jusqu'aux étoiles), ce qui était déjà une origine de super-héros innovante, le génie des Quatre Fantastiques de Lee et Kirby était clair dès qu'ils se sont écrasés, ont acquis des super pouvoirs… et ont rapidement commencé à se battre les uns contre les autres. C’étaient des super-héros qui agissaient comme de vraies personnes. Ils ont eu des réactions sincères les uns envers les autres et envers leur situation. C'était en un mot la clé du succès de Marvel : de vraies personnes, de vrais problèmes et des super pouvoirs. En un an environ, Lee et Kirby (ainsi que d'autres, peut-être plus particulièrement Steve Ditko) appliquaient cette formule à tous leurs nouveaux héros et l'ère Marvel des bandes dessinées était née.

Scénariste : Gardner Fox ; Dessinateur : Carmine Infantino ; Encreur : Murphy Anderson ; Lettreur : Gaspar Saladino

Vous voyez la femme qui porte une robe de la même couleur que ses cheveux en arrière-plan de cette page dessinée par Carmine Infantino ? On ne peut lire son silence impassible que comme un choc engourdi face à l'exposition mystérieuse de la continuité des super-héros interprétée par deux hommes dans son salon. Le gars à sa droite avec les tempes blanches, c'est Jay Garrick. Il était Flash dans les années 40, voir, pendant l'âge d'or de la bande dessinée, jusqu'à ce que son livre soit annulé. Le gars à sa gauche avec la capuche rouge, c'est Barry Allen. Il est devenu Flash à partir de 1956 et sa création marque le début de ce qu'on appelle l'âge d'argent de la bande dessinée. Comme le dit Barry, il a eu l'idée de s'appeler « Flash » après avoir acquis des pouvoirs ultra-rapides parce qu'il se souvenait avoir lu des bandes dessinées sur les aventures de Jay quand il était enfant. Donc, d’une certaine manière, Barry Allen est le premier fan devenu professionnel.

Plus particulièrement, dans cette histoire, « The Flash of Two Worlds », Barry apprend que Jay n'est pas fictif. Il est bien réel et ses aventures se sont déroulées dansune autre dimensionappelé « Terre-2 ». C’est ce concept – selon lequel chaque histoire de super-héros que vous avez lue s’est réellement produite, même les histoires « fictives » – qui rend cette page si importante. Pour le meilleur et pour le pire, cette notion de « continuité » est ce qui incite les fans à revenir décennie après décennie aux bandes dessinées de super-héros. Ce fut la toute première d’une longue série d’explications de continuité dans l’histoire de la bande dessinée.

Écrivain : Robert Kanigher ; Dessinateur et encreur : Irv Novick

Nous avons sélectionné cette page pour son panneau final, que Roy Lichtenstein s'est approprié pour l'une de ses plus célèbres peintures Pop Art,Pan!,actuellement accroché à la Tateà Liverpool, en Angleterre. Dans le cadre de son processus, Lichtenstein a découpé ce panneau d'Irv Novick dansHommes de guerre entièrement américains, l'a projeté sur un mur, a tracé le dessin au trait, puis l'a peint à travers un écran pour imiter l'effet dit « point Benday » utilisé à cette époque de l'impression de bandes dessinées. Le Lichtenstein a gagné des millions grâce à ces peintures et à des peintures similaires, mais les artistes qui ont réalisé les bandes dessinées originales ?Pas tellement.

Le mouvement Pop Art occupe une place étrange dans l’histoire de la bande dessinée. D'une part, cela a informé des choses commeCelui d'Adam WestBatmanémission de télévision, qui a conduit des milliers de lecteurs vers les rayons de bandes dessinées. D’un autre côté, cela a renforcé le stéréotype (presque entièrement américain) selon lequel les bandes dessinées étaient des conneries stupides créées par des hackers pour des imbéciles. Warhol a fait de Campbell's Soup un « bel art » tout comme Lichtenstein a transformé les bandes dessinées romantiques et de guerre en « beaux-arts », ce qui implique que sans leur intervention divine, les deux resteraient des déchets jetables produits en série. (Si vous voulez voir des comparaisons côte à côte des peintures de Lichtenstein et des bandes dessinées dans lesquelles il les a volées,consultez l'excellente page Flickr de David Barsalou, « Déconstruire Roy Lichtenstein. »)

Scénaristes : Stan Lee et Steve Ditko (c'est aussi compliqué); Dessinateur et encreur : Ditko ; Coloriste : Andy Yanchus ; Lettreur : Artie Simek

Le long métrage principal des années 1962Fantaisie incroyableLe numéro 15, conçu par l'écrivain/artiste Steve Ditko et l'écrivain Stan Lee, est l'une des histoires d'origine les plus efficacement construites de l'histoire de la bande dessinée – et pourtant, la dernière page est si puissante qu'elle obscurcit pratiquement l'impact de ce qui a précédé. il. Depuis le lancement deLes Quatre FantastiquesN°1 un an plus tôt, Lee et Jack Kirby avaient appliqué leur approche des « vrais gens dotés de super pouvoirs » à deux autres héros : un scientifique dont la colère le transforme en un monstrueux Hulk, et un médecin handicapé dont la canne le transforme en un véritable dieu de l'humanité. tonnerre. Cependant, en travaillant avec Ditko sur Spider-Man, Lee a poussé l'idée à un nouveau niveau déchirant.

Après que le ringard Peter Parker se soit fait mordre par une araignée radioactive, non seulement il ne devient pas un super-héros comme un héros standard de l'âge d'argent, mais il fait tout son possible pourpasêtre un héros. Il décide plutôt d'utiliser ses pouvoirs pour gagner de l'argent et devenir célèbre. Tout cela est prévu pour une fin choquante, lorsqu'un criminel que Peter n'a pas arrêté lors d'une apparition à la télévision assassine plus tard son oncle Ben bien-aimé. La représentation par Ditko de Spider-Man découvrant l'identité de l'assassin de son oncle est l'un des panneaux les plus frappants de l'époque. Vient ensuite le fameux kicker : « Un grand pouvoir doit aussi s’accompagner d’une grande responsabilité ! » Les versions ultérieures de cette phrase seront abrégées et souvent attribuées à l'oncle Ben, mais quelle que soit la forme qu'elle prendra, Spidey vivra selon ce principe pendant toute sa carrière.

Scénaristes : Stan Lee et Jack Kirby ; Dessinateur : Kirby ; Encreur : George Roussos ; Coloriste : Stan Goldberg ; Lettreur : Artie Simek

Un aspect largement oublié du retour de Marvel aux bandes dessinées de super-héros dans les années 1960 est qu'il s'agissait du deuxième « retour aux bandes dessinées de super-héros » que la société tentait après avoir abandonné sa gamme de livres de super-héros à la fin des années 1940. Au début des années 1950, un renouveau des super-héros a ramené leurs trois super-héros majeurs de l’âge d’or : Captain America, Human Torch et Namor. L'effort a échoué, mais cette renaissance était dans l'esprit de l'éditeur Martin Goodman lorsqu'il a demandé à Stan Lee de recommencer à écrire des super-héros. L'instinct de Goodman était de faire revivre leurs héros précédents, ce qui a conduit à la compromission d'une nouvelle version de la Torche Humaine dans leLes Quatre Fantastiques. Puis, une foisLes Quatre Fantastiquess'est avéré être un succès,Les Quatre FantastiquesLe n°4 a ramené Namor dans le giron. Cependant, peut-être parce que Captain America estdoncassocié à l'âge d'or, ils se sont également abstenus de le faire revivre.

Mais deux ans aprèsLes Quatre Fantastiquesdébuts, Captain America est revenu dansVengeursN°4, reliant fermement le passé de Marvel à son présent. Les Avengers ont découvert que Captain America était en animation suspendue depuis deux décennies. Dans une séquence artistique époustouflante du dessinateur Jack Kirby et de l'encreur George Roussos, Captain America se réveille, réalise que son partenaire Bucky est mort, voit qu'il est entouré d'étrangers, mais se ressaisit rapidement. C'est dire à quel point Captain America est génial : il ne lui a fallu que quelques secondes pour s'adapter à l'une des expériences les plus choquantes imaginables. Bucky était en fait un personnage régulier des bandes dessinées de Captain America après la Seconde Guerre mondiale (plus la renaissance abandonnée des années 1950), donc la révélation de sa mort pendant la Seconde Guerre mondiale était le premier élément majeur de continuité rétroactive - plus communément connue sous le nom de un « retcon » – que Marvel a dévoilé, inspirant des décennies d’ajustements de continuité similaires.

Scénaristes : Stan Lee et Steve Ditko ; Dessinateur et encreur : Ditko ; Lettreur : Sam Rosen

Au cours de la période de gloire de Marvel Comics, au milieu des années 60, le penchant de toute une vie de Stan Lee pour les projecteurs avait complètement aliéné ses deux principaux collaborateurs artistiques, Jack Kirby et Steve Ditko. À la fin de 1965, Ditko avait renvoyé Lee des tâches de co-intrigue pour la série qu'ils avaient co-créée,L'incroyable Spider-Man, ce qui signifie que Lee a seulement ajouté ses fioritures de dialogue distinctivesaprèsles pages de bandes dessinées elles-mêmes étaient déjà terminées. Ditko avait également cessé de consulter Lee sur l'autre série qu'il avait créée pour Marvel, « Doctor Strange » enContes étranges,sans aucun « co- » crédit requis ici : Lee lui-même a admis queStephen Strange était la seule création de Ditko.

Alors que Ditko semblait se désintéresser de Spidey à la fin de sa course, son amour pour le Docteur Strange n'a fait que se renforcer, culminant dans une bataille épique en série entre le Maître des Arts Mystiques et ses deux principaux adversaires, le Baron Mordo et le Dread Dormammu. Le combat s’est déroulé dans une série d’histoires à couper le souffle pendant plus d’un an, du n° 130 au n° 146, le premier véritable « arc d’histoire » moderne et continu tel que nous le connaissons. Sur cette page, point culminant du récit, Strange se dirige vers l'incarnation du cosmos, l'Éternité, à travers l'une des vues transdimensionnelles gonzo pour lesquelles Ditko était connu. Ces non-paysages époustouflants ont eu une énorme influence non seulement sur les bandes dessinées cosmiques, mais sur l'ensemble de la contre-culture des années 60 : plus tard cette même année, le premier grand concert psychédélique aurait lieu à San Francisco, et il s'appellerait « »Un hommage au docteur Strange.»

Scénaristes : Stan Lee et Steve Ditko ; Dessinateur et encreur : Ditko ; Lettreur : Artie Simek

Les super-héros réalisent des exploits incroyables de force, de vitesse et d’habileté sept fois avant le petit-déjeuner. Ce qui fait de cette séquence l’une des séquences les plus influentes de la bande dessinée, c’est qu’elle représente un super-héros.incapablefaire quelque chose et lutter contre son propre échec - et comment le traceur/artiste Steve Ditko transforme plusieurs panneaux représentant un gars coincé sous un tas d'épaves en une lecture incroyable et émouvante.

Dans le numéro précédent, l'ennemi juré de Spidey, le docteur Octopus, avait jeté tout un tas de machines sur lui alors que l'eau commençait à inonder le repaire sous-marin du méchant. Pour ajouter à la tension, ledit repaire contient également un McGuffin – euh, un isotope rare qui sauvera la vie de la tante May de Peter Parker. Même si nos esprits rationnels nous disent,Il n'y a aucun moyenils sontje vais tuer Spider-Man dans les cinq premières pages d'une bande dessinée, le talent de narrateur de Ditko est tel que,émotionnellement, la tension et les enjeux sont tellement élevés que, l'espace d'une seconde, on pense que peut-être le hérosne le fera passortir vainqueur cette fois. C'est pourquoi il s'agit de l'une des séquences les plus référencées et consultées de l'histoire des super-héros, atteignant même le point culminant du film.Spider-Man : Retrouvailles.

Scénaristes : Stan Lee et Jack Kirby ; Dessinateur : Kirby ; Encreur : Joe Sinnott ; Coloriste : Stan Goldberg ; Lettreur : Artie Simek

Le super-scientifique Reed Richards découvre ce qui sera connu sous le nom de zone négative, un royaume d'une autre dimension rendu par photo-collage et abstraction délirante. Ce pur exercice d'imagination visuelle de Jack Kirby n'est pas le premier photo-collage à apparaître dansLes Quatre Fantastiques, mais c'est la première fois que Kirby utilise une page entière pour décrire le passage d'un héros entre les mondes.Les Quatre FantastiquesLe n° 51 établit ainsi une nouvelle phase extatique dans l'art de Kirby. Il semblerait qu'il ait conçu la zone négative comme un décor à rendre entièrement en collage, et bien que cette idée se soit révélée trop peu pratique, ce numéro et cette page ouvriraient de nombreux exemples futurs du sublime surnaturel de Kirby.

Au milieu des années 60, Kirby a introduit des intrigues complexes – scénarisées avec insistance par le rédacteur en chef Stan Lee – et une multitude de personnages durables, dont beaucoup dansLes Quatre Fantastiques. Si son art du début des années 60 avait souffert de sa charge de travail massive, en 1965, il se concentrait sur moins de livres et sur des crayons plus serrés, plus somptueux et détaillés : la quintessence de son style mature. En même temps, il poussait son art dans des domaines où même son dessin ne pouvait pas aller. Cette page fondatrice a non seulement marqué un tournant dans la continuité de Marvel en introduisant la zone négative souvent utilisée, mais également en suggérant une parenté entre Kirby et le collage artistique du surréalisme et du pop art. De plus, il anticipe le travail multimédia des artistes de bandes dessinées ultérieurs figurant sur cette liste, tels que Jim Steranko, Bill Sienkiewicz et Dave McKean.

Scénaristes : Stan Lee et Jack Kirby ; Dessinateur : Kirby ; Encreur : Joe Sinnott ; Coloriste : Stan Goldberg ; Lettreur : Sam Rosen

Alors que Marvel gagnait en popularité au milieu des années 60, Stan Lee et Jack Kirby ont commencé à utiliser la nouvelle renommée de leur série de bandes dessinées pour aborder les problèmes sociétaux de l'époque. Lorsqu'il réfléchit à la création de Black Panther, Kirby a noté : « Cela m'est soudain venu à l'esprit – croyez-moi, c'était pour des raisons humaines – j'ai soudainement découvert que personne ne faisait de noirs. Et ici, je suis un dessinateur de premier plan et je ne faisais pas de noir. Kirby a commencé à développer un nouveau super-héros noir (le premier super-héros noir depuisBandes dessinées entièrement noiresLion-Man n°1) pour Marvel, avec l'intention initiale que le personnage ait sa propre nouvelle série. Le système de distribution alors restrictif de Marvel, qui limitait le nombre de séries en cours qu'ils pouvaient publier, a forcé Black Panther à quitter sa propre série et à entrer dans les pages deLes Quatre FantastiquesN° 52.

À l'origine, Kirby avait conçu le costume de Black Panther avec un masque à capuchon, à la manière de Batman, mais l'éditeur Martin Goodman aurait craint que Marvel ait du mal à voir ses bandes dessinées distribuées dans le sud des États-Unis avec un personnage ouvertement noir sur la couverture. Panther un masque complet. Le surnom n'avait aucun rapport avec le parti politique du même nom, qui n'avait pas encore été officiellement formé (le nom avait déjà été utilisé dans les cercles politiques afro-américains, donc Kirby et Lee ne l'ont pas inventé). Ce qui était particulièrement remarquable à propos de l'introduction du premier super-héros noir de Marvel, c'est que nous le rencontrons alors qu'il bat à lui seul l'ensemble des Quatre Fantastiques dans le cadre d'un test élaboré de ses compétences. Ils ne voulaient pas simplement introduire un nouveau super-héros noir ; il était important de le faire sortir du lot. Le succès de Black Panther a ouvert la voie à tous les autres super-héros noirs qui ont suivi, ainsi qu'au succès fulgurant de son adaptation en long métrage.

Scénaristes : Stan Lee et John Romita ; Dessinateur : John Romita ; Encreur : Mike Esposito ; Coloriste : Stan Goldberg ; Lettreur : Sam Rosen

Après avoir travaillé sur sa co-création pendant près de quatre ans, Steve Ditko en a finalement eu assez de Marvel Comics et a décidé de quitter l'entreprise. Marvel avait une assez bonne idée que Ditko était prêt à partir, alors l'écrivain/éditeur Stan Lee a invité Spider-Man dans un numéro deCasse-coupour voir comment l'artiste de cette série, John Romita, pourrait gérer le personnage. Romita a dû réussir le rassemblement, car il a déménagé pour prendre le relaisIncroyable Spider-Mandu Ditko au départ avec le numéro 39.

Initialement, Romita a dessiné le livre dans le style de Ditko. On pouvait à peine dire que Ditko était parti. Alors qu'il devenait clair que Dikto ne reviendrait pas, Romita commença lentement à adopter l'approche du livre. Il a complété certaines des qualités les plus audacieuses de Ditko et a rendu Spider-Man (et en particulier Peter Parker) beaucoup plus accessible au grand public. L'une des façons dont Romita a apposé son empreinte sur le titre dès le début était visible dansIncroyable Spider-ManN° 50, lorsque Romita et Lee ont choqué les lecteurs en demandant à Peter Parker d'abandonner son activité de super-héros. (Il s'en est remis, ne vous inquiétez pas.) À mesure que la popularité de Spider-Man augmentait, le public en est venu à s'identifier à la version du personnage de Romita plutôt qu'à celle de Ditko. Spider-Man de Romita est resté la version utilisée sur tous les matériels sous licence pendant plus de deux décennies, bien que son implication directe dans la série elle-même ait diminué une fois qu'il est devenu directeur artistique de Marvel en 1973. Au cours des années suivantes, l'idée de Spidey raccrochant le les collants sont devenus à peu près aussi courants que les conférences sur le grand pouvoir et la grande responsabilité, mais Lee et Romita ont fait de leur mieux.

Écrivain, dessinateur, encreur et lettreur : Robert Crumb

Robert Crumb a grandi dans les années 1950 en tant que fan à la fois des productions Disney de Dell et des bandes dessinées satiriques de Harvey Kurtzman. Son frère aîné lui a fait dessiner ses propres bandes dessinées de style Dell, l'obligeant à développer des compétences en dessin animé qui lui ont bien servi après le lycée, lorsqu'il a obtenu un emploi d'artiste au sein de la société de cartes de vœux américaine à Cleveland. Néanmoins, lorsque l'occasion s'est présentée pour lui d'aller à New York et de travailler pour Kurtzman à l'un de ses postes,Foumagazines de comédie, Crumb a sauté sur l'occasion, pour arriver et découvrir que ce magazine, Aide!,s'était plié. Fauché et coincé à New York, Crumb a commencé à abandonner le LSD, encore légal à l'époque et prescrit à sa femme d'alors par son psychiatre. Les drogues psychédéliques ont transformé les images de dessins animés inculquées dans son cerveau depuis l'enfance en des formes nouvelles et exotiques. Crumb dira que c’est durant cette « période floue » qu’il a créé tous les personnages qui le rendront plus tard célèbre.:Mr. Natural, Flaky Foont, Angelfood McSpade et cette bande dessinée, "Keep on Truckin'".

Après avoir déménagé à San Francisco, Crumb et sa femme vendraient leurZapComixsur le trottoir en sortant de leur landau, et la crudité non censurée des bandes dessinées à l'acide de Crumb ont à elles seules déclenché le mouvement clandestin. Le « Keep on Truckin' », absurdement optimiste, est devenu une sorte d'emblème héraldique pour les hippies décontractés, apparaissant surtoutes sortes de marchandisespour lequel Crumb n'a jamais vu un sou. Crumb affirmera plus tard détester être une icône de la contre-culture : « J’ai trop d’amour », a-t-il déclaré. Il a riposté en sondant les profondeurs de son identité pour une série de bandes dessinées misogynes et racistes afin d'aliéner son public prétendument progressiste, rendant « Keep on Truckin' » inhabituellement pittoresque en comparaison.

Écrivain, dessinateur et coloriste : Jim Steranko ; Encreur : Joe Sinnott ; Lettreur : Sam Rosen

Même si Marvel Comics n'avait pas nécessairement un « style maison » dans les années 60 comme, par exemple, Archie Comics de Dan DeCarlo, ils étaient clairement motivés par le style de super-héros de Jack Kirby. Kirby était l'homme qui a lancé la plupart des titres Marvel ; lorsque Kirby quittait une série, ils lui demandaient de fournir des mises en page pour le nouvel artiste, afin que le nouvel artiste puisse plus facilement suivre son style. Cela a bien fonctionné pour Marvel parce que Kirby était vraiment bon, mais en même temps, si vous ne donnez pas aux artistes la possibilité de grandir, il y a un risque de stagnation. Cependant, cela n’a jamais été quelque chose dont Marvel a dû s’inquiéter avec Jim Steranko.

Ancien artiste d'évasion professionnel (non, sérieusement), Steranko était le rare dessinateur qui s'est présenté aux bureaux de Marvel avec un portfolio et n'a pas seulement été embauché, mais a immédiatement reçu un article régulier. Steranko a repris le long métrage de Nick Fury dansContes étrangesde Jack Kirby. Conformément à la politique générale de l'entreprise, Kirby a fourni la mise en page du premier numéro de Steranko. Cependant, Steranko s'est rapidement lancé dans sa propre direction : il a fusionné l'art de la bande dessinée avec le Pop Art, le psychédélique avec le surréaliste. Le meilleur exemple du flair de Steranko pour la différence était peut-être son image révolutionnaire de quatre pages dansContes étrangesN° 167 – une diffusion qui vous obligerait à acheter plusieurs exemplaires du livre pour que vous puissiez voir l’intégralité. Le rédacteur en chef de Marvel, Roy Thomas, l'a très bien dit : « Je pense que l'héritage de Jim à Marvel démontrait qu'il existait des moyens de muter le style Kirby, et de nombreux artistes sont ensuite partis de plus en plus dans leur propre direction. »

Scénariste : Denny O'Neil ; Dessinateur et encreur : Neal Adams ; Coloriste : Cornelia Adams ; Lettreur : John Costanza

Comme cela arrive souvent, une innovation majeure est arrivée dans quelque chose qui était à bout de souffle et qui n’avait donc rien à perdre..Quand l'écrivain Denny O'Neil et l'artiste Neal Adams ont pris le relaisLanterne verte, il était sur le point d'être annulé, alors le rédacteur en chef Julius Schwartz leur a donné le feu vert pour une histoire dans laquelle le héros spatial Hal Jordan décide que ses pouvoirs pourraient être mieux utilisés pour aider les peuples opprimés de la Terre. Il fait équipe avec l'archer Green Arrow nouvellement réveillé, qui présente son camarade Justice Leaguer à un vieil homme sur le toit d'un ghetto qui prononce ce fameux discours. Le duo émeraude s'est ensuite lancé dans une série d'aventures sociales du mois, s'attaquant à divers maux comme la surpopulation,toxicomanie, et la pollution, la seule façon dont les super-héros connaissent depuisBandes dessinées d'actionN°1 : en les frappant au visage.

Leurs efforts semblent un peu louables aujourd'hui, comme si votre père essayait d'être cool tout en brandissant un anneau de pouvoir extraterrestre ; en effet, l'ultraestablishment New YorkFoisa présenté cette scène sur les toits dans une enquête typiquement condescendante sur l'éveil des super-héros. La série avec Arrow continueLanterne vertene s'est finalement pas très bien vendu, mais a eu une énorme influence parmi les créateurs assez jeunes pour être eux-mêmes des hippies et a inauguré une nouvelle génération d'héroïsmes socialement conscients. (Au fait, si vous vous demandez pourquoi il ne s'agit que des deux tiers d'une page : c'était à l'époque où DC diffusait des publicités sur certaines pages d'histoire où se trouve maintenant le symbole Green Lantern.)

Écrivain, dessinateur, encreur et lettreur : Meredith Kurtzman

Une confluence parfaite d’événements a rendu le mouvement underground comix financièrement viable. Les post-adolescents ont été reconvertis dans les bandes dessinées dans les années 60, en grande partie grâce à la révolution Marvel, et à mesure qu'ils grandissaient, ils avaient faim de plats encore plus audacieux. Simultanément, le mouvement de contre-culture a inspiré un grand boom des « head shops », des magasins qui vendaient des accessoires à base de cannabis aux adeptes de la contre-culture (principalement à New York, Los Angeles et San Francisco). Ces magasins étaient toujours à la recherche de nouveautés à vendre qui plaisaient à leurs clients réguliers et comme les bandes dessinées étaient à nouveau « cool », les head-shops ont commencé à vendre des œuvres comme celle de R. Crumb mentionnée ci-dessus.ZapComix. C’était une époque formidable pour être dans la clandestinité… si vous étiez un homme, bien sûr.

Le modèle commercial underground de la bande dessinée s’est construit sur les efforts du groupe. Un homme décide de sortir une nouvelle bande dessinée et demande à ses amis A, B et C d'y travailler. Le problème était que seuls les gars demandaient à d’autres gars. La poignée de créatrices underground, comme Trina Robbins et Barbara « Willy » Mendes, n’ont jamais été invitées à participer à ces bandes dessinées et ont été obligées de s’adresser aux journaux underground. Robbins et Mendes ont décidé que leur seul moyen de percer dans la bande dessinée underground était de former leur propre groupe réservé aux femmes. Robbins faisait des bandes dessinées pour le journal féministeCe n'est pas moi bébé, elle a donc utilisé ce nom pour leur bande dessinée one-shot, présentant une couverture avec des personnages féminins célèbres de bandes dessinées levant le poing en solidarité avec la libération des femmes. Le livre a été un succès majeur, se vendant à 40 000 exemplaires sur trois tirages, prouvant qu'il existait un marché pour les bandes dessinées underground créées et dirigées par des femmes. Cette page particulière présente une intelligente bande dessinée allégorique sur la libération des femmes (réalisée par la fille de Harvey Kurtzman, Meredith), mais la véritable action se trouve dans le générique entièrement féminin en bas.

Écrivain, dessinateur et coloriste : Jack Kirby ; Encreur et lettreur : Mike Royer

Au début des années 70, Kirby a décampé pour rivaliser avec l'éditeur DC, où il a transformé l'héroïsme costumé en un mythe personnel qui dépassait même ses envolées folles chez Marvel. Sonla soi-disant saga du Quart Monde, un regroupement de quatre titres entrelacés, et notammentNouveaux dieux, a apporté une dimension biblique au genre.Nouveaux dieuxenvisageait deux mondes en guerre : New Genesis, dirigé par le saint Haut-Père Izaya, et Apokolips, gouverné par le cauchemar de pierre connu sous le nom de Darkseid, un despote dont le but était le contrôle de tout et de tous – « Anti-Vie », comme le dit Kirby, le quintessence du fascisme.

«Le Pacte», un chapitre retenu jusqu'à un an après le début de laNouveaux dieuxsérie, raconte l'origine de son mythe de succession patriarcale : dans une tentative ratée de paix, le féroce Orion, fils de Darkseid, est échangé à New Genesis en échange de Scott Free, fils d'Izaya, qui est envoyé à Apokolips. Orion, guerrier, tourmenté, est la cheville ouvrière deNouveaux dieux; élevé dans New Genesis, il combattra le mal d'Apokolips. Scott, également blessé, traversera l'enfer de grandir sur Apokolips et deviendra le héros deNouveaux dieux' titre de frère ou sœur,Monsieur Miracle. Mais plus que tout, « Le Pacte » est une histoire de guerre et une parabole sur la façon dont un conflit violent empoisonne toutes les parties. Lorsque son partenaire Avia est assassiné, Izaya se livre par vengeance à la guerre et à la destruction sur Apokolips, jusqu'à ce qu'il se rende compte qu'il a succombé à « la voie de Darkseid ». Il s'agit d'une série proche du début, dans laquelle Kirby pousse ses manières graphiques violentes aussi loin qu'elles le peuvent : profondeurs bondées, multiplans et raccourcis drastiques ; recadrage audacieux des figures ; et le rendu pétillant de l'énergie basé sur des points (appelé Kirby Krackle). C'est une émeute de Kirbyisme, impliquant ses propres souvenirs de bombardements, de mitraillages et de terreur sur les champs de bataille pendant la Seconde Guerre mondiale. Depuis, les super-héros, à la page et à l’écran, cherchent à habiter ce même sentiment démesuré de grandeur et de menace.

Écrivain, dessinateur, encreur et lettreur : Justin Green

À la fois sacrilège, comique et effrayant, cette page d'introduction du dessinateur Justin Green imagine le travail de réalisation de sa bande dessinée autobiographique,Binky Brown rencontre la Sainte Vierge Marie,comme un acte de pénitence et une forme de torture. Comme s'il était conscient qu'il n'y a jamais eu de bande dessinée comme celle-ci, Green demande d'emblée l'indulgence du lecteur, tout en se moquant de sa propre souffrance. La menace de castration – si appropriée pour un livre sur la culpabilité sexuelle – plane sur Green alors qu'il cherche à expliquer, ou à excuser, cette histoire d'adolescence, de manie religieuse et de ce que Green a depuis reconnu comme son TOC. Le jeune Binky (le remplaçant de Green), élevé dans une Amérique hygiénique d'après-guerre qui bouillonne d'étrangeté et d'anxiété réprimées, en vient à croire que ses fantasmes sexuels rayonnent vers l'extérieur de son corps sous la forme de rayons invisibles qui menacent de frapper les représentations de la Bienheureuse Vierge Marie. . De là,Binky Brundépeint une plongée totale dans une surcompensation hyperscrupuleuse et un auto-tourment, filtrés par une imagination visuelle instable.

Au vu de son sujet, on pourrait penser que cette bande dessinée confessionnelle pionnière serait un frein. C'est tout sauf.Binkyest à la fois honteux et éhonté, épouvantable et passionnant, embarrassant, atroce et hilarant. C'est vraiment drôle, mais le rire est enveloppé de culpabilité, car c'est une histoire vraie et terrifiante. « NSFW » ne commence pas à le couvrir ; les lecteurs sensibles peuvent grincer des dents. En lisantBinkysignifie entrer dans la tête de Green, où l'iconographie religieuse, le symbolisme phallique et les riffs satiriques sur la haute et la basse culture sont incisés avec une technique époustouflante digne d'Albrecht Dürer. C'est scandaleux, bien sûr, mais c'est aussi une œuvre d'art courageuse et déchirante. La veine confessionnelle de la bande dessinée autobiographique underground et alternative commence ici. SansBinky, a déclaré Art Spiegelman, il n'y aurait pas deMaus —et d’autres pionniers de l’autobio, dont Aline Kominsky et R. Crumb, ont également déclaré leur dette.Binky,source de l'un des genres phares de la bande dessinée du XXIe siècle, est un chef-d'œuvre scabreux et irrévérencieux.

Écrivain, dessinateur, encreur et lettreur : Trina Robbins (comme Trina)

Suite au succès deCe n'est pas moi bébé Comix, l'artiste Patricia Moodian a réussi à convaincre Ron Turner (de la bande dessinée Last Gasp, qui a publié la bande dessinée), de faire une série de suivi en cours qui suivait le même thème de libération des femmes. Moodian était la rédactrice originale (elle insistait sur le fait que des femmes différentes éditeraient chaque numéro à l'avenir), un travail qu'elle a accompli, se souvient-elle plus tard, "simplement parce que j'ai pris l'initiative de faire le travail nécessaire pour trouver un éditeur et rassembler les femmes". qui serait intéressé par une telle opportunité. Moodian a rassemblé un premier groupe de dix créatrices au total – dont Trina Robbins, Aline Kominsky, Michele Brand et Diane Noomin – et elles ont crééComix de WimmenN°1, une anthologie qui a donné aux créatrices une large place pour essayer n'importe quel type de sujet (ou genre) qu'elles voulaient raconter.

Cela dit, la plupart des histoires avaient tendance à raconter des histoires concernant les questions féministes de l’époque. Pour sa contribution au premier numéro, Robbins a écrit « Sandy Comes Out », à propos de son ancienne colocataire, Sandy Crumb Pahls, qui a donné à Robbins sa bénédiction pour écrire sur son expérience. Le fait que la première histoire de bande dessinée non pornographique sur un personnage lesbien ait été écrite par une femme hétérosexuelle a suscité une certaine controverse à l'époque, mais comme Robbins l'a noté plus tard, elle a inspiré une critique, l'artiste Mary Wings, à créer sa propre bande dessinée,Sortez Comix.Comix de Wimmena intentionnellement recherché de nouveaux créateurs, publiant ainsi certaines des premières œuvres d'un certain nombre de nouveaux créateurs de bandes dessinées. La série a eu une grande influence sur la prochaine génération d'artistes progressistes, comme Phoebe Gloeckner (qui a publié l'une de ses premières œuvres dans un numéro deComix de Wimmen), Alison Bechdel et Howard Cruse, qui a fondé son approche éditoriale pour la série radical queerBande dessinée gaysurComix de Wimmen.

Écrivain, dessinateur, encreur et lettreur : Bobby London

Sans la permission des braves gens de la Walt Disney Company, le fondateur Dan O'Neill, Bobby London et leurs collègues fauteurs de troubles du collectif de dessinateurs clandestins Air Pirates viennent de décider de publier leurs propres bandes dessinées Mickey Mouse, même si celles-ci dans lesquelles Mickey et les copains insultaient, se branlaient, faisaient passer de la drogue en contrebande et faisaient plaisir oralement à leurs partenaires, comme vous le voyez ici avec Mickey effectuant un cunnilingus sur Minnie. Que tout cela fasse partie d'un plan douteux visant à s'emparer des droits d'auteur des personnages ou simplement à attirer l'attention d'un conglomérat de divertissement ultra-establishment est un peu flou - et nous oserons dire que c'était un peu flou pour les Pirates de l'Air à l'époque. le temps aussi.

Si peu clair, en fait, que la Walt Disney Company n'a même pas remarqué l'existence de ces bandes dessinées bootleg jusqu'à ce que les Air Pirates s'arrangent pour les faire livrer à une réunion du conseil d'administration de l'entreprise. Le procès qui a suivi était peut-être l'essentiel, car une partie de la défense d'O'Neill était que la société Disney avait enfoncé ses marques dans son cerveau lorsqu'il était enfant, et c'était donc un peu hypocrite de leur part de se plaindre de sa tentative de créer artistiquement. je les perçois maintenant en tant qu'adulte. Les arguments philosophiques et éthiques d'O'Neill ont été quelque peu compromis par le fait qu'il s'est présenté à sa première audience habillé comme un flingueur du Far West avec des bananes dans ses étuis, mais c'est la croix à porter de tous les vrais révolutionnaires que d'être incompris. Disney a gagné la bataille devant les tribunaux, mais ils ont perdu la guerre : le mépris des Pirates de l'Air face à la loi, à la logique et au bon goût a depuis lors été une source d'inspiration pour les croisés anti-entreprises.

Écrivain, dessinateur, encreur et lettreur : Aline Kominsky

La grande Aline Kominsky a fait ses débuts avec « Goldie, A Neurotic Woman », une série parue dans les premier, deuxième et quatrième numéros de l'anthologie féministe pionnière.Comix de Wimmen. Les bandes dessinées Goldie ont introduit le mode intrépide d'abjection confessionnelle et comique de Kominsky : un humour autobiographique auto-déchirant et grotesque en partie inspiré par Justin Green (voir leBinky Brunpage ci-dessus), mais uniquement la sienne. Le style et les thèmes de Kominsky auraient rebuté même certains membres du groupe.Wimmen'scollectif, conduisant Kominsky à partir travailler dans d'autres lieux. Son amie et collaboratrice Diane Noomin, en repensant à 2016, a expliqué àLe journal des bandes dessinéesqu'ils «se sentaient tous les deux attirés par les bandes dessinées satiriques, ironiques, autodérisives et personnelles» et pensaient que cette approche était un anathème par rapport au «féminisme idéalisé» qu'ils considéraient comme incarné parCe n'est pas moi bébé ComixetWimmen'sco-fondatrice Trina Robbins. (Ce fameux schisme àComix de Wimmenest l’un des moments déterminants de l’histoire du dessin animé féministe.)

Kominsky a rapidement saisi le pouvoir du dessin à la première personne, et son style d'horreur vacui dessiné de manière grattée a démontré le potentiel des bandes dessinées rendues au mépris des normes étroites de finesse d'illustration. Les bandes dessinées underground avaient leur part de subtilité, bien sûr, mais elles ont également contribué à élargir la gamme de styles acceptables dans la bande dessinée. brut. Kominsky, avec Rory Hayes, est devenu l'un des primitivistes les plus engageants de l'underground – mais ne vous y trompez pas : contrairement à Hayes, Kominsky avait étudié la peinture et l'histoire de l'art et savait ce qu'elle faisait. L'œuvre peut sembler annoncer le dégoût de soi de l'artiste et, oui, certaines des révélations contenues dans l'œuvre de Kominsky sont déchirantes. Pourtant, l'assurance vivifiante du corps dessiné de Kominsky, dans toute sa plasticité brute et ses excès comiques, fait de sa meilleure œuvre un triomphe du féminisme satirique. Son influence s'étend de Dori Seda à Phoebe Gloeckner en passant par Diana DiMassa, des bandes dessinées alternatives de femmes qui témoignent de ce que Kominsky a rendu possible.

Écrivains : Gerry Conway et Gil Kane ; Dessinateur : Kane ; Encreurs : John Romita et Tony Mortellaro ; Coloriste : David Hunt ; Lettreur : Artie Simek

En 1972, après avoir été rédacteur en chef de Marvel Comics depuis 1941 (sauf pendant une brève période où il a servi pendant la Seconde Guerre mondiale), Stan Lee a finalement été promu éditeur de la société. Avec sa promotion, Lee, qui avait déjà réduit son écriture de bandes dessinées, a officiellement abandonné ses deux dernières séries, les deux qui comptaient le plus pour lui :Les Quatre FantastiquesetIncroyable Spider-Man. Depuis que Lee avait déjà réduit ses effectifs, Marvel avait connu un afflux de nouveaux talents d'écrivain, pour la plupart très jeunes. L'un de ces écrivains, Gerry Conway, fut nommé successeur de Lee leIncroyable Spider-Manalors qu'il n'avait que 19 ans.

L'ancien de LeeHomme araignéeSon collaborateur, John Romita, toujours dans la série en tant qu'encreur du dessinateur Gil Kane, a estimé qu'ils devraient faire quelque chose de majeur pour faire bouger les choses avec le départ de Lee. Conway, Thomas et Romita auraient eu l'idée de tuer un personnage majeur : Romita voulait au départ tante May, mais Conway n'était pas fan de la petite amie de Peter de l'époque, Gwen Stacy (il pensait qu'elle et Peter étaient trop "parfaits" ensemble), et leur a suggéré de tuer Gwen à la place. Dans le numéro fatidique, le Bouffon Vert jette Gwen d'un pont et Spider-Man l'attrape avec sa sangle – mais dans le processus, son cou se brise. Conway a spécifiquement ajouté lui-même l’effet sonore écoeurant du « claquement ». Gwen Stacy était de loin le personnage le plus célèbre tué dans une bande dessinée de super-héros à ce stade et les fans étaient indignés : Stan Lee était tellement irrité par le tollé des fans qu'il insistait pour que Conway la ramène. Conway a donc introduit un clone de Gwen, menant au premier d'une longue sérieHomme araignéesagas de clones. La culpabilité de Spider-Man pour la mort de Gwen l'a hanté pendant des années et de nombreux historiens considèrent ce moment horrible comme la finale spirituelle de l'âge d'argent de la bande dessinée.

Scénaristes : Steve Gerber et Frank Brunner ; Dessinateur et coloriste : Brunner ; Encreur : Steve Leialoha ; Lettreur : John Costanza

Si Lee et Kirby avaient créé le genre des « héros à problèmes » dans les années 60, dans les années 70, il appartenait à des auteurs de bandes dessinées comme Steve Gerber d'aller plus loin et de créer des personnages souffrant de dépression et de pensées suicidaires. Ainsi, le premier numéro de Howard the Duck s'ouvre sur un canard parlant envisageant de se suicider en sautant dans la rivière Cuyahoga. Gerber faisait partie d'une nouvelle génération d'auteurs de bandes dessinées qui excellaient dans les histoires chargées d'émotion traitant d'abus, d'identité et de faible estime de soi déguisées en bandes dessinées de super-héros ou d'horreur. Howard était initialement apparu comme un personnage secondaire improbable dans la série acclamée de Gerber sur la bande dessinée d'horreur Man-Thing, et lorsque Marvel a décidé de créer un spin-off mettant en vedette le canard parlant sarcastique, c'était parfait pour l'air du temps. La vision amère et morose de Howard sur la vie a fourni une vision adulte entièrement reflétante de la sombre ère post-Watergate, même s'il combattait des ennemis aussi bizarres et mémorables que le docteur Bong à tête de cloche et la Dame aux reins.

Howard a ensuite joué dans une bande dessinée de journal et dans une adaptation cinématographique malheureuse qui contenait les premiers indices selon lesquels George Lucas n'avait pas toujours été le plus grand cinéaste du monde. Gerber s'est finalement heurté à Marvel et a été renvoyé, ce qui a eu l'impact le plus durable sur Howard : Gerber a poursuivi en justice pour les droits d'auteur du personnage qu'il avait créé et une bande dessinée-bénéfice pour ses batailles juridiques, appeléeCanard destructeur, a été dessiné par Jack Kirby. Bien que le procès de Gerber ait finalement échoué, il a contribué à sensibiliser les gens aux droits des créateurs et a finalement conduit davantage d'éditeurs à permettre aux créateurs de devenir propriétaires de leurs œuvres, une évolution qui a conduit à la renaissance créative actuelle de la bande dessinée.

Scénariste : Harvey Pekar ; Dessinateur, encreur et lettreur : Robert Crumb

« C'est un nom inhabituel – Harvey Pekar… » Un homme à l'air chiffonné, face au lecteur, raconte une série d'anecdotes sur son nom dans une grille répétitive et presque invariable de petites cases de tailles identiques réparties sur quatre pages. Cela devrait être aussi ennuyeux que de la saleté, mais grâce au timing comique de l'écrivain Harvey Pekar et aux subtiles variations graphiques du dessinateur R. Crumb, l'histoire exerce un attrait indéniable. Les bandes dessinées ont la capacité de transformer l’ennui – répétition banale, changements subtils, tic-tac d’une horloge – en séquences fascinantes, voire hypnotiques, et il existe peu de meilleurs exemples que cette page. Pekar, qui, à son meilleur, avait le timing d'un comique de stand-up (notez ce septième panneau muet), l'a compris, et a également compris le pouvoir des bandes dessinées pour raconter des histoires calmes et banales sur la vie quotidienne. Loin de l'action physique violente (bien qu'il écrive parfois aussi sur ce sujet), Pekar est devenu le poète de la bande dessinée de l'inaction, de la torpeur, de l'indécision, de la frustration et des mille dilemmes sociaux et éthiques posés par la vie quotidienne.

La série autobiographique de PekarSplendeur américaine(1976-2008), auto-publié pendant environ 15 ans, l'a associé à Crumb et à une succession d'autres stylistes peu glamour. Pekar, un intellectuel littéraire autodidacte de la classe ouvrière, en dessinant des bandes en forme de bonhommes de bâton, a exhorté ses artistes à une observation minutieuse, insistant sur un standard de réalisme non exagéré, même s'il dévoilait sa vie dure et sa personnalité grincheuse. Bien que Pekar accueille parfois favorablement les stylisations comiques de Crumb et d'autres, en général ses bandes dessinées évitent l'exaltation grotesque d'un Justin Green ou d'Aline Kominsky-Crumb (d'autres grands mémoristes de la bande dessinée) au profit d'un naturalisme étudié.Splendeur américaine, au nom si ironique, a informé toute une école d'autobiographie de bandes dessinées en série dans les années 80 et 90, dont Chester Brown, feu Dennis Eichhorn, Mary Fleener, Joe Matt et bien d'autres. Pekar a également écrit plusieurs bandes dessinées, mais ses récits plus longs ne peuvent pas égaler le talent pour la structure et le résultat dont il fait preuve dans leSplendeur américaineshorts. La vie quotidienne à Cleveland n’a jamais été capturée de manière aussi vivante, ni Crumb en partenariat avec un écrivain.

Écrivain, dessinateur, encreur et lettreur : Will Eisner

L'écrivain/artiste Will Eisner a retiré sa bande dessinée de journalL'Espriten 1952, alors qu’il semblait que le super-héros était une mode de guerre qui avait dépassé sa durée d’accueil. Il a passé les décennies suivantes dans le travail commercial et publicitaire, principalement pour l'armée américaine. Mais Eisner n’a jamais abandonné son rêve de légitimer la bande dessinée en tant que forme littéraire sérieuse. Alors qu'il approchait de l'âge de la retraite, il est revenu aux possibilités inexploitées du médium et a trouvé l'inspiration dans la pire sorte de tragédie : la mort de sa fille adolescente Alice des suites d'une leucémie en 1970. La rage et le chagrin jaillissent pratiquement comme des flammes de l'histoire qui en résulte. , « Un contrat avec Dieu », sur un homme juif de l'époque de la dépression qui dénonce le Tout-Puissant à la mort de son enfant.

Eisner a regroupé cette histoire, ainsi que trois autres sur les Juifs de la classe ouvrière du Bronx des années 1930, en un seul volume :Un contrat avec Dieu et d'autres histoires d'immeubles.Dans un esprit marketing inspiré – et un désir d'être pris au sérieux – il a qualifié le livre de « roman graphique » sur sa couverture. Ce n'est pasle premier récit graphique; ce n'est pas un roman (c'est un recueil de nouvelles) ; ce n'est même pasle premier livre à se qualifier de « roman graphique »; mais parce que c'était par le créateur deL'Esprit, c'était le premier roman graphique de quiconque dans la bande dessinée auquel le grand public a prêté attention. Ainsi, au fur et à mesure de ces choses, l’expression est finalement restée et Eisner a été présenté comme le père de la forme. Pour cela et pour ses nombreuses autres innovations techniques et artistiques – et le fait qu’il était une voix infatigable et inspirante exhortant les bandes dessinées à être tout ce qu’elles peuvent être – l’Oscar de l’industrie américaine, les Eisner Awards, a été nommé en son honneur en 1988.

Écrivains : John Byrne et Chris Claremont ; Dessinateur : Byrne ; Encreur : Terry Austin ; Coloriste : Glynis Wein ; Lettreur : Tom Orzechowski

Depuis les années 1930, d’innombrables légions de super-héros ont été créées. Mais seuls quelques-uns sont devenus des noms emblématiques et connus. Wolverine – alias Logan – est l'un de ces noms. Présenté comme « le premier et le plus grand super-héros canadien au monde » dans les années 1974.L'incroyable HulkN°180, le personnage est devenu membre permanent des X-Men lors de la relance de leur série en 1975. Initialement écrit par Len Wein et dessiné au crayon par Dave Cockrum, le nouveau groupe de personnages X-Men a décollé. Le livre a atteint un statut légendaire lorsque la nouvelle équipe – l'écrivain Chris Claremont et les artistes John Byrne et Terry Austin – a repris le livre. Claremont a fait de Wolverine un guerrier cynique et redoutable, enclin aux « rages berserker », mais avec un côté plus doux qui s'est lentement révélé. Et sous les crayons et encres magiques de Byrne et Austin, le personnage était une centrale électrique petite, solide, débraillée et fumeuse de cigares.

Wolverine a véritablement éclaté dans la saga Dark Phoenix, qui s'est déroulée enX-Men étrangesN° 129 à 138. Au début de l'histoire, Wolverine est abattu par des membres du Hellfire Club, apparemment laissé pour mort dans un égout. Comme nous le découvrons, cependant, Wolverine peut être battu comme personne d'autre : le dernier panneau, avec un Wolverine crasseux et graveleux, totalement déterminé, jurant de se venger dans les eaux tumultueuses des égouts, a établi le modèle de ses futures représentations visuelles et narratives. . Le personnage obtiendrait bientôt sa propre série régulière et apparaîtrait dans de très nombreux livres d'autres personnages - devenant, en peu de temps, l'un des héros les plus populaires et les plus durables de Marvel.

Écrivains : John Byrne et Chris Claremont ; Dessinateur : Byrne ; Encreur : Terry Austin ; Coloriste : Glynis Wein ; Lettreur : Tom Orzechowski

Aujourd'hui, c'est à l'observateur d'éviter que les histoires ne lui soient gâchées — il faut faire un réel effort pouréviterdécouvrir qui meurt dans le dernier épisode deGame of ThronesouLes morts-vivants. Mais en 1980, il n’existait pas de mode de communication de masse instantané. Les lecteurs qui ont retenuX-Men étrangesLe numéro 137 n'avait aucune idée de la fin vraiment choquante – ils s'attendaient à voir la saga de la transformation de Jean Grey, membre de l'équipe d'origine, en le méchant Dark Phoenix, se terminer par son envoi en cure de désintoxication pour super-héros, comme d'habitude. Personne n'était préparé à la page où Jean se sacrifie pour empêcher la Phoenix Force de faire plus de vies.

Ni a faitX-Menles lecteurs savent que la mort de Phoenix n'était pas planifiée depuis longtemps, mais plutôt un changement de dernière minute décrété par Jim Shooter, alors rédacteur en chef de Marvel, qui estimait que le crime de Phoenix - tuant 5 milliards de personnes dans un numéro précédent - était trop grave pour être poursuivi. inaperçu : Jean doit être puni ou mourir. L'écrivain Chris Claremont et l'artiste John Byrne racontaient depuis des mois l'histoire de Phoenix, un feuilleton extrêmement populaire et addictif avec un casting coloré et des vues d'opéra spatial, mais n'avaient d'autre choix que d'abandonner leur fin prévue (même si Claremont allait plus tard kvetch quand un autre écrivain a ramené Phoenix). La mort de Dark Phoenix a eu un impact à travers l'histoire de la bande dessinée, se transformant en de nombreuses histoires ultérieures sur Jean et inspirant une myriade de tentatives pour créer une mort choquante de super-héros. Dans le paysage actuel, il semble peu probable que quoi que ce soit puisse un jour surpasser le choc de cette page.

Écrivain, dessinateur, encreur et lettreur : Dave Sim

Le soi-disant « marché direct » des magasins de bandes dessinées qui a débuté dans les années 1970 l’a fait en grande partie par nécessité. Les kiosques à journaux mouraient à petit feu, alors les fans ont fondé leurs propres magasins spécialisés pour s'assurer qu'ils auraient un endroit où acheter leurs livres amusants bien-aimés. Un effet secondaire inattendu mais bienvenu de cette spécialisation du commerce de détail a été l’émergence d’une scène entière de bande dessinée indépendante. Du matériel de pointe pourrait prospérer dans les magasins de bandes dessinées, ce qui n'aurait été accepté ni par le Code de la bande dessinée ni par les vendeurs de presse grand public. L'un des premiers créateurs à profiter de cette nouvelle opportunité fut l'Ontarien Dave Sim, dont la parodie auto-publiée de Conan le barbareCérébus[sic]l'Aardvarka été créé dans les magasins de bandes dessinées en 1977. Bien que toujours intelligent et plein d'esprit, lorsque son arc « High Society » a commencé en 1981,Cérébusétablir une nouvelle norme à la fois pour lui-même et pour le média.

Cerebus, un « cochon de terre » anthropomorphe grincheux, s'est battu, a bu et a comploté pour se frayer un chemin à travers 25 numéros précédents, mais à partir de celui-ci, il tombe par hasard sur le bureau du premier ministre de la puissante cité-état d'Iest, élargissant ainsi le propos satirique de Sim. des cibles allant des bandes dessinées populaires des années 70 et du début des années 80 à des problèmes sociaux et politiques beaucoup plus profonds. « High Society » couvrirait 25 numéros duCérébusBD, plus de 500 pages, dont celle-ci est la première.Cérébusfinirait par être une épopée politique/philosophique de 300 numéros, soit près de 6 000 pages, s'enlisant finalement dans la politique bizarre de Sim en matière de genre. Mais au sommet de son succès commercial et critique, Sim était la voix principale d'un mouvement de bandes dessinées auto-éditées appartenant à des créateurs, ce qui nous a valu le roman de Jeff Smith.Os,Celui de Terry MooreÉtrangers au paradis,celui de Paul PopeTHB,et bien d'autres encore.

Scénariste : Chris Claremont ; Dessinateur : Michael Golden ; Encreurs : Armando Gil ; Coloriste : Michael Golden ; Lettreur : Joe Rosen

Écrit par Chris Claremont,Annuel des AvengersLe n°10 a beaucoup de choses à faire : une bataille pleine d'action entre nos héros et la Confrérie des Mauvais Mutants nouvellement regroupée ; la première apparition du personnage populaire Rogue, qui rejoindra plus tard les X-Men ; et le nettoyage d'un problème de continuité compliqué impliquant le super-héros Carol Danvers, qui deviendra plus tard Captain Marvel. La véritable raison pour laquelle ce numéro est remarquable, cependant, réside dans les œuvres d’art spectaculaires et très influentes de Michael Golden.

Golden, qui a débuté sa carrière dans l'art commercial, a commencé à faire des bandes dessinées à la fin des années 1970. Au moment où il dessina et coloria le numéro, habilement encré par Armando Gil, Golden était au sommet de ses pouvoirs. Avec la plupart des artistes, vous pouvez déterminer quelles sont leurs influences. Peut-être un peu de Kirby par-ci, un peu de Buscema par-là, ou une certaine ressemblance avec Ditko dans le visage. Golden était différent. Son style décalé et très détaillé avait la sensation et l'énergie des mangas japonais, l'élégance des grands auteurs de bandes dessinées européennes et l'excitation éclatante des bandes dessinées américaines, le tout réuni dans un mixeur et ne ressemblant à rien de ce qui avait été fait. été vu auparavant. De nombreux artistes en herbe à l'époque ont pris conscience du problème et l'ont étudié - et certaines œuvres ultérieures de Golden dansDocteur étrange,Fanfare Marvel, etLe 'Nam— avec respect. Vous pouvez voir l'influence d'artistes comme Arthur Adams, Jim Lee, Rob Liefeld, Todd McFarlane et bien d'autres, dont certains partiront et formeront le blockbuster Image Comics un peu plus d'une décennie plus tard.

Scénariste : Frank Miller ; Dessinateurs : Frank Miller et Klaus Janson ; Encreur et coloriste : Klaus Janson ; Lettreur : Joe Rosen

QuandCasse-couLe numéro 181 a été publié en 1982, il était déjà clair que l'implication de Frank Miller dans le livre – il écrivait la série depuis un peu plus d'un an à ce moment-là et enflammait les lecteurs de bandes dessinées avec son art depuis plus longtemps – était extrêmement influent. Sous Miller,Casse-couétait passé de super-héros fanfaron à une épopée policière maussade ; Miller, au talent surnaturel, et Klaus Janson, ont commencé à faire exploser avec désinvolture tout ce que le monde pensait qu'une bande dessinée Marvel pourrait être. Et cela culmine ici, dans l'une des pages les plus dramatiques de l'histoire de Marvel Comics : Elektra Natchios, tuée par l'ennemi de Daredevil Bullseye avec son propre sai. Même maintenant, la page est frappante : entièrement muette, mais pleine de choix artistiques de Miller et Janson qui extraient chaque once de drame de la scène. Le sourire victorieux de Bullseye, l'image écoeurante du sai empalant la poitrine d'Elektra, le tissu de son costume tendu autour de la broche qui la transperçait. Les deux panneaux la représentent en chancelant, suivis de cinq panneaux qui la font tomber au sol et se relever avec difficulté. Elektra n'est pas morte à la fin de cette page, mais elle le sera.

Miller continuerait à raconter de nombreuses autres histoires de Daredevil acclamées et mémorables. Mais cette page se démarquera toujours comme le moment où il a forgé le point culminant de ses influences – un peu de Raymond Chandler, une bonne dose de Will Eisner et beaucoup de mangas japonais – en quelque chose de distinct, quelque chose qui a donné un sentiment de nouveauté aux bandes dessinées de super-héros. encore une fois. Les bandes dessinées de super-héros, pour le meilleur ou pour le pire, n'ont jamais complètement cessé de poursuivre Elektra, saignant dans la rue, alors que l'homme qui l'a tuée enfile indifféremment sa veste et s'éloigne dans la nuit.

Écrivains : Wendy Pini et Richard Pini ; Dessinatrice, encreuse et lettreuse : Wendy Pini

Quête elfe,avec celui de SimCerebus l'Aardvark,a été la grande réussite des premiers marchés directs. L'artiste Wendy Pini,qui s'était déjà fait un nom comme l'une des premières célébrités du cosplay, a conçu son épopée fantastique sur les tribus d'elfes concurrentes au début des années 1970 et a demandé à son mari Richard de l'aider à l'écrire. Le couple a vendu la série à tous les grands éditeurs sans rien d'autre que du rejet. Ils ont donc fondé leur propre société, l'un des premiers éditeurs de bandes dessinées indépendants, WaRP Graphics.

La série n’a pas caché qu’elle était un conte de haute fantaisie pouradultes. Il s'agit de l'une des séquences les plus notoires, lorsque les elfes font une orgie avant une grande bataille. L’évolution des attitudes sur ce que les bandes dessinées étaient censées être – et à qui elles étaient censées être – s’est fortement heurtée aux attitudes non évoluées des années 1980. En 1986, des policiers de l'Illinois ont fait irruption dans le magasin de bandes dessinées Friendly Frank's et ont emmené le directeur du magasin, Michael Correa, menotté pour avoir transportéQuête elfiqueet bien d'autres bandes dessinées destinées aux adultes illustrant des situations sexuelles, commeMétal lourdetOmaha la danseuse de chats.L'officier qui a procédé à l'arrestation a déclaré avoir découvert « une influence satanique » dans les bandes dessinées et Correa a été accusé d'avoir exposé du matériel obscène. L'industrie de la bande dessinée s'est ralliée à la cause de Friendly Frank enune défense finalement réussie, menant à la création de l'une des principales organisations à but non lucratif du premier amendement du pays,le Fonds de défense juridique de la bande dessinée.

Écrivain, dessinateur et encreur : Howard Chaykin ; Coloriste : Lynn Varley ; Lettreur : Ken Bruzenak

Pendant environ deux ans, à partir de 1983, le projet de Howard ChaykinDrapeau américain !(publié par First Comics, basé à Chicago) était la chose la plus intelligente dans les bandes dessinées en série. Crépitant de détails, cette épopée dystopique de manipulation médiatique et d'intrigues d'entreprise a rempli la promesse à la fois des bandes dessinées indépendantes « de base » du milieu des années 70 et des propres expériences ambitieuses de Chaykin avec le roman graphique (Empire, 1978 ;Les étoiles ma destination, 1979). Le livre, une orgie de graphisme, montre l'écrivain-artiste Chaykin dans sa forme la plus dense mais aussi la plus élégante, avec des pages rehaussées par le lettrage du brillant Ken Bruzenak.Drapeaua duré près de cinq ans, mais ce sont les deux premières années, avec des pages écrites et dessinées presque uniquement par Chaykin, qui ont fait sa réputation d'épopée satirique de science-fiction et de pierre de touche du design : un lien entre les expériences de Neal Adams dans les années 1960. et Jim Steranko et la décadence de la fin des années 80.

Drapeaua été la première série de bandes dessinées américaine à atteindre la complexité et la finesse de la génération de bandes dessinées de science-fiction européenne définie par le magazineMétal Hurlant(importé aux États-Unis sous le nomMétal lourd).Drapeauétait doué pour les médias, explorant la postmodernité et les artifices (y compris les siens). Elle a également expérimenté la remédiation d'autres médias à travers la bande dessinée : plus de deux ans avant que Frank Miller n'exploite cette technique dansBatman : Le retour du chevalier noir, Chaykin configurait des panneaux comme des écrans de télévision et commentait avec acuité la façon dont la télévision pouvait diriger les événements. (Gardiensa également repris cette idée). Dans sa pure densité d'informations visuelles, telle qu'incarnée par cette page,Drapeaurejoint le film proto-cyberpunk de Ridley ScottCoureur de lame(1982) comme l'un des futurs les plus immersifs de la décennie.

Écrivain : Alan Moore ; Dessinateur : Stephen R. Bissette; Encreur : John Totleben ; Coloriste : Tatjana Wood ; Lettreur : John Costanza

Dire à votre public que « tout ce que vous pensiez savoir était un mensonge » est l’un des pari les plus audacieux de la bande dessinée, car cela nécessite d’être sûr que les lecteurs préféreront votre nouvelle histoire au mensonge. Lors de son passage sur le long métrage « Marvelman » de la série de bandes dessinées britanniquesGuerrier, c'est précisément ce qu'Alan Moore a fait avec le personnage principal, une arnaque de Captain Marvel des années 1950 – et avec un grand succès. Le succès de Moore sur Marvelman (rebaptisé plus tard Miracleman pour éviter des problèmes juridiques avec Marvel Comics) a conduit l'éditeur Len Wein à l'embaucher pour travailler sur la même magie.Saga de la chose des maraispour DC Comics. Il s'agissait, à l'époque, d'une série que DC avait publiée en lien avec le film de Swamp Thing de 1982, basé sur le personnage d'horreur classique créé par Wein et Bernie Wrightson. Dans le deuxième numéro de Moore, il a révélé que Swampy n'était pas né lorsque Le scientifique Alec Holland a été muté lors d'une explosion chimique pour devenir une créature fabriquée à partir de plantes des marais, mais l'explosion avait plutôt fait croire aux plantes des marais qu'elles étaient Alec Holland.

Ce fut une révélation époustouflante, si bien gérée par Moore et les artistes de la nouvelle série Stephen Bissette et John Totleben que personne n'a pu se plaindre. C'était le premier signe que Moore allait emmener la série dans de nouvelles directions inquiétantes, montrant Swamp Thing s'adaptant à son statu quo nouvellement révélé. Le travail de Moore sur la série l'a établi comme une superstar de la bande dessinée, et son écriture était si orientée vers les adultes que DC a fini par créer une ligne de bandes dessinées pour les lecteurs matures,Vertige, basé en grande partie sur le succès du film de MooreChose des marais. Enfin, la déconstruction réussie de Swamp Thing par Moore a conduit d'innombrables écrivains à essayer la même approche avec d'innombrables personnages établis. Beaucoup d’entre eux ont échoué, mais tous ont une dette envers cette page de révélation qui change la donne.

Écrivains, dessinateurs et encreurs : Peter Laird et Kevin Eastman ; Lettre : Eastman

Bien que le marché direct ait produit de nombreux succès artistiques et chouchous de la critique depuis sa création au milieu des années 1970, il n'a pas donné naissance à un véritable phénomène jusqu'à la parodie de Kevin Eastman et Peter Laird du film influencé par le manga de Frank Miller.Casse-couarrivé. Cette page montre pour la première fois le quatuor complet de tortues nommées par des peintres de la Renaissance. Le méga-succès d'Eastman et Laird a engendré de nombreux développements positifs, y compris l'éditeur éphémère mais très innovant d'Eastman.Toundraet LairdFondation Xéric, une organisation à but non lucratif qui, entre autres bonnes œuvres, a accordé des subventions d'auto-édition aux nouveaux créateurs de bandes dessinées jusqu'en 2012.

Malheureusement, il y avait aussi un côté sombre à tout cela : comme les anciens numéros deTMNTa grimpé en valeur ridiculement haut, les éditeurs et les détaillants ont senti l'argent facile. Dans l'espoir de découvrir le prochainTortues,les spéculateurs ont commencé à acheter toute la soudaine vague de titres indépendants en noir et blanc. Une bulle économique s'est créée et a rapidement éclaté, anéantissant d'innombrables éditeurs et de nombreux détaillants dans ce qui est devenu connu sous le nom deGrand boom et buste en noir et blanc. Ce fut la pire chose qui soit arrivée au marché direct de la bande dessinée, mais loin d’être la dernière catastrophe. À ce jour, les gens prédisent la disparition imminente du marché direct, mais rien n’a été en mesure de tuer complètement le modèle économique que les Tortues ont contribué à populariser.

Scénariste : Marv Wolfman ; Dessinateur : George Pérez ; Encreur : Jerry Ordway ; Coloriste : Tony Tollin ; Lettreur : John Costanza

En 1985, la cosmologie de DC Comics était, pour de nombreux lecteurs et pour de nombreux créateurs, un gâchis déconcertant. Un soi-disant « multivers » s'est progressivement développé, dans lequel des versions contradictoires de personnages étaient expliquées comme existant dans des univers parallèles. Bien qu'il s'agisse initialement d'une nouvelle solution au « problème » créé lors de l'introduction de nouvelles versions d'un certain nombre de leurs super-héros de l'âge d'or, alors disparus, le multivers a été considéré par de nombreux créateurs de DC Comics dans les années 1980 comme un inconvénient majeur pour l'entreprise dans son concurrence avec leur principal rival, Marvel, qui se concentrait sur un univers principal. Ainsi, en travaillant avec sonNouveaux Titans adolescentscollaborateur,George Pérez(leurNouveaux Titans adolescentsétait la série la plus vendue de DC et Pérez était l'un des artistes de bandes dessinées les plus populaires), l'écrivain Marv Wolfman a lancé le tout premier événement crossover à l'échelle de l'entreprise,Crise sur des Terres Infinies, pour résoudre ce problème.

L'idée était d'opposer les super-héros de DC à un méchant, l'Anti-Monitor, qui voulait détruire tout le Multivers. En fin de compte, les héros ont réussi à le vaincre, mais pas avant que le Multivers ne soit condensé en une seule Terre. Cela a permis à DC de redémarrer quelques-uns de ses titres avec une nouvelle continuité. Afin de donner l’impression que le crossover était important au-delà du redémarrage, DC a décidé de tuer quelques personnages majeurs. L'une était Supergirl ; l'autre était Barry Allen, le Flash. (Comme les super-héros ont l'habitude de le faire, ils sont revenus des années plus tard, mais ce n'est pas la question.) La mort de Barry, brillamment représentée par Pérez, a vu Flash dépasser un faisceau d'énergie pour sauver le multivers de l'Anti-Monitor dansCrise sur des Terres InfiniesN° 8. C'était hautement symbolique de la mort du super-héros qui a lancé l'âge d'argent de la bande dessinée dans une bande dessinée qui a complètement éliminé le multivers. Par la suite, une nouvelle ère plus sombre est née.

Écrivain, dessinateur, encreur et lettreur : Peter Bagge

Une décennie après le bref boom commercial des bandes dessinées underground au début des années 1970, on a assisté à un boom des soi-disant « mini-bandes dessinées » réalisées par de jeunes artistes qui ne semblaient pas se soucier du fait qu'ils gagnaient à peine de l'argent. Ils avaient juste besoin de faire connaître leurs histoires. L'un de ces créateurs était Peter Bagge, qui a passé les années 1980 à perfectionner son style artistique. Visuellement, Bagge est surtout connu pour ses personnages exagérés avec de grands visages et des bras caoutchouteux (généralement représentés ainsi lorsqu'ils sont en colère… et ils sont souvent en colère). Sa première série pour l'éditeur Fantagraphics étaitDes trucs sympas. Bagge a eu un certain nombre de longs métrages dans la série, mais celui qui a fini par définir sa carrière était un regard semi-autobiographique sur un adolescent nommé Buddy vivant avec sa famille dysfonctionnelle en banlieue, appelée « Les Bradley ».

En 1990, après avoir terminéDes trucs sympas, Bagge a vieilli son personnage de Buddy Bradley et l'a transféré à Seattle à l'âge de 20 ans pour la série de suivi.Détester, qui est devenu un succès majeur et a défini le boom de la bande dessinée alternative dans les années 1990 (et a perfectionné l'image du fainéant dans la culture populaire). Cependant, c'était dansDes trucs sympasque le point de vue de Bagge sur Buddy s'est d'abord fusionné. La fin deDes trucs sympasLe numéro 3 a parfaitement capturé la vision de la vie de Buddy. Sa famille est nulle. La vie est nulle. Tout est nul. Ce disque est plutôt bon, donc c'est tout à fait supportable… jusqu'au lendemain. Une légion de bandes dessinées alternatives des années 90 ont suivi les traces de Bagge avec leurs propres versions de Buddy Bradleys.

Écrivains, dessinateurs et encreurs : Mark Pierce et Mike Saenz ; Coloriste et lettreur : Saenz

En 1985, l’ordinateur Macintosh était une vilaine dalle beige légèrement plus grande qu’une boîte à pain et pesait 16 livres et demi. Cependant, il s’agissait de l’ordinateur graphique le plus avancé jamais disponible pour l’utilisateur domestique, et l’art informatique devenait de plus en plus courant. L'industrie de la bande dessinée ne voulait pas être laissée pour compte, etBriser, publié par First Comics en 1985, a été la toute première bande dessinée dont l'art a été créé directement sur un ordinateur. Écrit par Peter Gillis avec des illustrations de Mike Saenz, il s'agissait d'une histoire « cyperpunk » assez routinière sur un flic nommé Sadr al-Din Morales sur les traces d'un tueur de masse et de vols d'ARN, accompagnée d'un récit conscient de lui-même.

Rien de tout cela n’avait beaucoup d’importance.BriserL'argument de vente de était le fait que le dessin au trait avait été créé sur Mac : Saenz faisait des mises en page pour approbation, puis les recréait directement sur l'ordinateur, en utilisant la souris disgracieuse de l'époque et un pitoyable mégaoctet de mémoire. La seule chose qui n'a pas été faite sur l'ordinateur pendantBriserLe numéro 1 était la couleur – un fait ironique, étant donné que la couleur a été la première partie de la production régulière de bandes dessinées qui est passée à l’ordinateur dans les années 1990 et qui est encore presque toujours produite numériquement à ce jour. Saenz a quitté le livre après quelques numéros (et les artistes suivants ont compris comment numériser l'art pour un aspect plus fluide), mais il a continué à expérimenter la bande dessinée numérique pendant des années.BriserCela ne tient peut-être pas le coup artistiquement, mais l'exploit de dessiner avec une souris Apple de 1985 – comme Stonehenge et les pyramides – prouve que les humains sont prêts à tout pour s'exprimer.

Écrivain et dessinateur : Frank Miller ; Encreur : Klaus Janson ; Coloriste : Lynn Varley ; Lettreur : John Costanza

Hanté et impuissant, Bruce Wayne, d'âge moyen, surfe sur les nouvelles d'une atrocité après l'autre, même si des éclats de souvenirs - dequeun souvenir, le meurtre de ses parents par un agresseur dans une ruelle, traverse son esprit tourmenté. Cette version de Bruce, du smash révisionniste Batman de Frank MillerLe retour du chevalier noir, veut désespérémentpasêtre le Batman, retirer ce personnage pour toujours - et pourtant, selon la caractérisation de Miller, la chauve-souris est une force qui le possède, le propulsant irrésistiblement dans l'action. Ici, Miller prend une idée qui faisait partie de l'histoire de Batman presque depuis le début (comme nous l'avons vu plus tôt dans cette liste) et la réinterprète férocement, y insiste et lui donne de l'importance. Le Wayne de Miller est, toujours et à jamais, orphelin, et le meurtre de ses parents, tel que représenté ici, n'est pas une simple stipulation de l'intrigue mais un traumatisme fondateur, un cauchemar vécu qui revient à jamais : un déclencheur. Miller, s'appuyant à la fois sur le travail du scribe fondateur de Batman des années 1970, Dennis O'Neil, tout en suivant sa propre voie, établit définitivement Batman comme une victime de traumatisme - l'interprétation la plus forte et la plus influente de la longue et mouvementée histoire du personnage.

Miller semble avoir eu l’intuition de la nature souvent imagiste et déconnectée de la mémoire traumatique, et le résultat est une union déchirante de violence psychologique et de forme clinique. Il avait déjà montré, dans Marvel'sCasse-cou, qu'il était prêt à faire vivre l'enfer aux héros. Mais Batman est son exemple le plus parfait de ce trope : un personnage né et renaît à travers la souffrance. En canalisant les leçons de mise en page de Bernard Krigstein (voir notre page « Master Race » susmentionnée, une influence directe sur celle-ci), Miller coupe la scène primitive de Bruce en minces fragments et les mélange avec d'autres images – les trucs banals mais horribles des journaux télévisés – pour créer une séquence d'origine terrifiante dont l'accent mis sur la visualité traumatique évoqueUne orange mécanique. Le meurtre de Thomas et Martha Wayne se déroule dans une intimité épouvantable : le détail du collier de Martha se brisant et se dispersant en perles simples (à l'image de ce que Miller fait avec les panneaux) est devenu canonique. Depuis, artistes et cinéastes font référence à cette séquence.

Scénariste : Frank Miller ; Dessinateur, encreur et coloriste : Bill Sienkiewicz ; Lettreur : James Novak

La série télévisée FXLégionfait un travail étonnamment bon, intentionnellement ou non, en canalisant le style visuel fou du grand artiste de bande dessinée Bill Sienkiewicz. Pas vraiment du « collage » en soi, Sienkiewicz fait de son mieux lorsqu'il travaille simultanément dans une variété de styles. Il a expérimenté cette technique surChevalier de la Luneavec Doug Moench etNouveaux mutantsavec Chris Claremont, ce dernier présentant les débuts deLégionC'est David Haller. Mais c'était le lendemainÉlectre : Assassinque Sienkiewicz a vraiment époustouflé les gens. Frank Miller a écrit avec accommodement un scénario correspondant aux compétences de son artiste ; l’appeler « par-dessus le dessus » serait décidément sous le dessus. En bref : dans une préquelle de Miller'sCasse-cou(c'est-à-dire avant d'être assassinée dans une page que nous avons présentée plus tôt dans cette liste), Elektra, un assassin ninja à moitié fou, asservit mentalement un cyborg black-ops arborant des pompadours pour l'aider à assassiner un candidat progressiste à la présidence de Kennedy qui a été possédé par un ancien démon japonais. Vous savez, comme on le fait.

Peu de pages englobent mieux la totalité de l'approche de Sienkiewicz que celle-ci, dans laquelle l'hyperréalisme de la thérapie par électrochocs d'Elektra dans une poubelle louche de fous contraste avec la représentation semblable à un livre d'histoires de l'assassinat de son père dans ses souvenirs, complétée par des notes de dessins d'enfants. Rarement un artiste de bande dessinée n’a été capable de décrire aussi efficacement les états d’esprit changeants qui composent tous nos monologues internes ; Ce faisant, Sienkiewicz a inspiré de nombreux futurs expérimentateurs de super-héros.

Écrivain : Alan Moore ; Dessinateur, encreur et lettreur : Dave Gibbons ; Coloriste : John Higgins

Le sale secret derrière la première page deGardiensc'est que ce n'est pas, en fait, la première page de l'histoire – la couverture l'est. Chacun deGardiensLes 12 numéros avaient une couverture qui était traitée comme un grand panneau, un peu d'images abstraites et inquiétantes. Pour cette raison, vous entrez dans chaque chapitre deGardiens– sans doute la déconstruction la plus célèbre et littéraire des bandes dessinées de super-héros jamais publiée – inconsciemment préparée pour la révolution silencieuse et discrète qu'elle est sur le point de vous montrer. C'est une question de forme et de fonction. L'écrivain Alan Moore et l'artiste Dave Gibbons établissent immédiatement une structure de grille stricte qui s'adapte généralement à neuf panneaux par page, mais aussi rigide que cela puisse paraître, elle est également fluide : les panneaux se fondent ensemble chaque fois qu'une toile plus large est nécessaire, ce qui oblige le lecteur non seulement à faites attention à ce qu'il y a à l'intérieur d'un panneau, mais aussi à l'espace qui lui est accordé.

Ce qui pourrait être présumé être un vestige des bandes dessinées historiques de Moore et Gibbons au Royaume-Uni, où les feuilletons dans les magazines de bandes dessinées étaient la norme et où l'économie était primordiale, s'est avéré être l'une des structures formalistes les plus disséquées et discutées dans la bande dessinée. Même si Moore et Gibbons sont loin d’être les premiers à adopter cette construction, leur approche a permis à la structure de leur histoire de devenir son texte d’une manière jamais vue auparavant. Poste-Gardiens, la grille à neuf panneaux est souvent la marque des créateurs de bandes dessinées les plus ambitieux. Des contemporains comme Neil Gaiman ont été directement influencés par Moore, et les échos deGardiensLa structure de apparaît dans sonLe marchand de sable.Keith Giffen, JM DeMatteis, Kevin Maguire et d'autres l'utiliseraient pour un effet plus comique et héroïque dansLigue des Justiciers Internationale, tandis que les équipes contemporaines – peut-être plus particulièrement Tom King et Mitch Gerads deLe shérif de BabyloneetMonsieur Miracle — adoptez la grille pour la façon dont elle met la force du médium au premier plan : avec un tracé soigné et un dessin animé parfait.

Écrivain, dessinateur, encreur et lettreur : Gary Panter

Homme écorché, cheval tué, paysage dévasté – cette page en noir et blanc tranchante est le ton de l’apocalypse punk imaginée par Gary Panter. Roi de la lignée miteuse, Panter est l'un des grands dessinateurs modernes. Pour son inventivité folle, il a été comparé à Jackson Pollock et James Joyce. Il a affronté non seulement Nancy et Sluggo, mais aussi celui de Dante.PurgatoireetMaison de jeu Pee-wee(il était leur concepteur en chef —non, vraiment). Et Panter, avec Lynd Ward et Will Eisner, est l’un des rares dans son domaine à traiter directement de Dieu et de l’impiété. Ses dessins de la zone post-nucléaire détruite appelée Dal Tokyo, griffonnés pour la première fois dans les années 1970, ont marqué la fin de la phase hippie de la bande dessinée underground. Les premières bandes dessinées de Panter ont été publiées sous forme de zines photocopiés et agrafés, puis sont apparues dans le magazine punk.Sabrer,et dans Art Spiegelman et Françoise MoulyBrut,et de là, ils ont trouvé leur chemin vers les livres à couverture rigide et les murs des galeries. Le personnage principal de Panter est Jimbo, un gars aux cheveux hérissés et musclé qui, avec divers animaux et semi-humains à ses côtés, trébuche dans un paysage post-apocalyptique bombardé, où le chaos et la douleur ont bien plus à voir. faire avec PicassoGuernicaqu'avec les super-héros traditionnels.

Prenez cette page de la section « Jimbo descend du bord d'une falaise ! » dans lequel Jimbo et un cheval franchissent une falaise en flammes et Jimbo, lui-même plutôt calciné, met hors de sa misère le cheval endommagé en enfonçant un éclat de métal « dans le cou du cheval… comme s'il essayait de lui couper la tête… Il s'assit… Il décida qu'il avait assez aidé pour une fois. Il a continué à pleuvoir des cendres et le soleil s'est couché… » L'image suivante, sans paroles, sans Dieu et sans couleur, décorée d'entrailles et d'éclats brûlés, montre Jimbo avec la tête penchée, peut-être à l'écoute de quelque chose. C'est une séquence indélébile qui rappelle pourquoi Panter est adoré et imité. Mais même s’il existe de nombreux copieurs, son travail « reste dans une école à part entière, obstinément sauvage », comme l’a dit son ami et fan Matt Groening. En fait, Groening lui-même a « arraché une chose ou deux à Gary », comme il l'admet : « Regardez la racine des cheveux hérissés de Jimbo, puis jetez un œil à la caboche surmontée d'une palissade de Bart Simpson. C'est étrange, n'est-ce pas ?

Écrivain, dessinateur, encreur, lettreur : Jaime Hernández

En 1982, le monde de la bande dessinée a été stupéfait par l'arrivée totalement inopinée des frères Hernández, deux jeunes dessinateurs Latinx d'Oxnard, en Californie. Gilbert, le frère aîné, a créé de longues histoires au réalisme magique mettant en scène des femmes plantureuses battues par la vie et des espoirs déçus ; Jaime, le frère cadet, parlait couramment le punk-rock, tempéré par le texte d'un maître encreur. « Locas », la série de longue date de Jaime, suivait deux peut-être amoureux du punk de Californie, Maggie et Hopey, traversant un monde de violence de gangs et de romance contrecarrée. Maggie était un peu en surpoids, une romantique désespérée et quelqu'un que l'on ne pouvait s'empêcher de soutenir. Hopey Glass était plus anarchique, un fauteur de troubles qui prétendait ne jamais regarder en arrière.

En 1987, Jaime a créé son premier chef-d'œuvre, "La mort de Speedy Ortiz", qui présentait le point culminant de l'histoire du béguin de Maggie pour le piège à soif Speedy, dont les fréquentations avec la sœur de Maggie, Esther, provoquaient une guerre de gangs dans leur territoire natal de Hoppers. . Sur cette troisième page à partir de la fin et une symphonie de contraste en noir et blanc, Hernández a créé un moment bouleversant de passion, de regret, de potentiel gaspillé et d'ambiguïté alors que Maggie rejette finalement Speedy, et dans un panneau dévastateur, il réalise l'impact de son la négligence a eu sur les autres. Speedy s'est-il suicidé ou a-t-il été tué par le gang rival ? Nous ne le savons jamais, ce qui soulève la question suivante : la cause d’un décès est-elle aussi importante que l’impact brut ? Les dernières pages de l'histoire – y compris un flash-back sur Speedy et Maggie beaucoup plus jeunes et innocents – capturent à la fois le passé obsédant et l'avenir inconnaissable qui définissent chaque instant humain. Un travail comme celui-ci a fait des deux Hernández l’un des caricaturistes les plus vénérés des 40 dernières années, souvent cité en référence mais jamais surpassé.

Écrivain : Alan Moore ; Dessinateur et encreur : Brian Bolland ; Coloriste : John Higgins ; Lettreur : Richard Alan Starkings

"Ouais, d'accord, paralyse cette salope", tel était, selon Alan Moore, ce que Len Wein, son rédacteur en chef chez DC Comics à l'époque, lui avait dit lorsqu'il les avait appelés pour leur dire ce qu'il prévoyait de faire à Barbara Gordon - mieux connue. comme Batgirl - dans sa nouvelle graphiqueLa blague meurtrière. En 1988, la bande dessinée était l'une des choses les plus excitantes de DC, une union entre le célèbre artiste Brian Bolland et Moore, qui venait de terminer son épopée.Gardiens,la pierre angulaire de son mandat historique en écrivant pour DC. L'histoire qu'ils ont racontée, détaillant jusqu'où le Joker irait pour prouver à Batman qu'« un mauvais jour » est tout ce qui sépare les hommes bons des monstres comme lui, deviendrait l'un des moments les plus controversés, les plus marquants et les plus choquants de la misogyne. bandes dessinées de super-héros.

Tout se résume à cette page, dans laquelle le Joker rend visite à Barbara Gordon chez elle et lui tire dessus, lui brisant la colonne vertébrale et la laissant impuissante sur le sol. Les couleurs de John Higgins sont austères et la composition est moqueuse ; à partir du moment où la balle fait son impact, nous voyons à tout moment la silhouette complète de Barbara, ses jambes nues toujours dans le cadre, son décolleté visible alors qu'elle repose à l'agonie au sommet d'une table basse brisée. Dans les pages suivantes, il est sous-entendu que le Joker la déshabille pour la photographier, le tout dans le but de pousser le père de Batman et Barbara, le commissaire de police Gordon, à la folie.La blague meurtrièrearrive à la fin d’une décennie que les bandes dessinées de super-héros ont consacrée à la recherche d’une forme de vraisemblance psychologique dans leurs histoires. Les héros ont été transformés en justiciers peut-être malades mentaux, les méchants sont devenus véritablement dépravés etLa blague meurtrière, à l’époque, satisfaisait cet appel à ce qu’un combat entre des hommes bons et un monstre soit un combat véritablement monstrueux. Il faudra du temps avant que l'industrie envisage le coût de cette mission.

Écrivain, dessinateur, encreur et lettreur : Richard McGuire

À la fois exercice et méditation, « Here » de Richard McGuire parle du temps : des années, des siècles, des éons. McGuire dépeint le passage du temps dans un espace unique et distinct délimité par le carré immuable d'une planche de bande dessinée : une forme répétée encore et encore, mais toujours avec une nouvelle combinaison d'éléments à l'intérieur. Dans cette forme constante se trouvent des panneaux incrustés plus petits : des boîtes intégrées indiquant des périodes qui se chevauchent et créant une sorte de palimpseste historique. Un seul panneau peut contenir une myriade de panneaux plus petits et de périodes : disons, 1750 superposés à 1986 et 2030. Volant d'avant en arrière, depuis des centaines de milliards d'années impossibles, à travers la vie d'un homme (« Bill », 1957-2027). ), puis sur le naufrage d'une capsule temporelle dans le sol en 2033, "Ici" ne fait pas de distinction entre le passé et le présent, mais rend tout présent et tout passé. C'est une démonstration désorientante du truisme selon lequel, dans la bande dessinée, le temps est fonction de l'espace.

À juste titre, il existe deux versions imprimées différentes de « Here », elles-mêmes séparées par environ un quart de siècle : la bande dessinée originale, publiée en six pages dans l'influente série d'anthologies.Brut, et la version en livre, entièrement redessinée et reformatée en roman graphique d'environ 300 pages en 2014. L'original, dessiné à l'encre noire sur papier blanc, conserve une grille stable de six panneaux, tandis que le roman graphique, rendu en partie numériquement, utilise des planches à fond perdu et une palette de couleurs luxuriante. Entre ces versions, l'influence en cascade de McGuire peut être vue dans le travail de formalistes tels que Chris Ware et Jason Shiga, qui peuvent également transformer les bandes dessinées en machines à voyager dans le temps.

Écrivain : Grant Morrison ; Dessinateur, encreur et coloriste : Dave McKean ; Lettreur : Gaspar Saladino

Vous pouvez tracer une ligne directe entre les styles dans un style de Bill Sienkiewicz et le travail plus explicitement inspiré des collages et des techniques mixtes de l'illustrateur Dave McKean, qui a fourni à son collaborateur fréquent Neil GaimanLe marchand de sableavec ses couvertures distinctives et créatrices de franchise. Après la première collaboration de Gaiman et McKean dans un roman graphique,Cas violents, paru en Grande-Bretagne, DC a recruté McKean pour illustrer l'histoire violente et inquiétante de Batman de Grant Morrison.L'asile d'Arkham : une maison sérieuse sur une terre sérieuse. Dans ce document, les détenus ont littéralement pris le contrôle de l'asile et le Caped Crusader doit se frayer un chemin à travers l'intégralité de sa galerie de voleurs pour libérer le personnel captif ; à mesure qu'il descend de plus en plus profondément dans la maison et apprend son horrible histoire, il se rapproche de plus en plus de la folie lui-même. (Cela a également donné naissance à un jeu vidéo formidable, celui de 2009.Batman : l'asile d'Arkham.)

Morrison a dit qu'il voulaitLa blague meurtrièreBrian Bolland est plus naturaliste sur le livre et craignait que le style expressionniste de McKean n'entre en conflit avec son scénario, mais peu de lecteurs exposés à la représentation démoniaque du Joker par l'artiste seraient d'accord. Le travail expressionniste et multimédia de McKean définirait en partie le style visuel de l'ère Vertigo.

Scénariste : Neil Gaiman ; Dessinateur : Mike Dringenberg ; Encreur : Malcolm Jones III ; Coloriste : Robbie Busch ; Lettreur : Todd Klein

Lorsque Neil Gaiman, Mike Dringenberg et Sam Kieth ont crééLe marchand de sable, il a été présenté comme une bande dessinée d'horreur d'une qualité exceptionnelle, où le potentiel infini d'une histoire sur le seigneur des rêves et son royaume de la vapeur a été réalisé. Cependant, dans son huitième numéro – écrit par Gaiman avec des illustrations de Dringenberg et Malcolm Jones III –Le marchand de sableest soudainement devenu quelque chose de plus. Intitulée "Le son de ses ailes", la bande dessinée trouve le personnage principal assis, morose, dans le parc de Washington Square, nourrissant les oiseaux après les événements déchirants des sept premiers numéros. Il est approché par une jeune femme en tenue gothique intégrale, qui s'assoit à côté de lui. Et puis, quelque chose que nous n'avons jamais vu auparavantLe marchand de sable :comédie, via une référence à Mary Poppins.

C'est ainsi que le personnage extrêmement populaire de Death a été introduit en 1989. Inversion délibérée de la vision traditionnelle de la goule, ce Death était sympathique et drôle, une psychopompe moins énigmatique et plus humaine. Elle a également signalé un changement d'objectif pourLe marchand de sable, de l'horreur teintée d'occulte - dont le livre ferait encore beaucoup - à quelque chose qui s'apparente à une boîte de fables, dans laquelle quelqu'un comme la Mort pourrait simplement apparaître, vous convaincre avec une blague et sourire gentiment (comme vous vous en souvenez). que la Mort apparaît toujours pour une raison). Après, les bandes dessinées n’ont plus jamais été les mêmes.

Écrivaine, dessinatrice, encreuse et lettreuse : Julie Doucet

La Montréalaise Julie Doucet n'a pas été la première caricaturiste à aborder le sexe, les menstruations et la nudité abondante, mais elle l'a fait dans un style dont personne ne pouvait nier la force brutale. Dans une série d'histoires dansBizarreet puis son propre livre,Des intrigues sales(Canadien-français pour « sale chatte »), Doucet a exploré ses rêves, ses fantasmes et ses aventures quotidiennes avec un style dense, semblable à une gravure sur bois, qui remplissait chaque centimètre de la page de détails vifs, tout en crépitant d'énergie. Les rêves de Doucet étaient souvent violents (une Julie brandissant un couteau coupant des objets) ou sexuels (Julie se transforme en homme et s'embrasse), mais parfois simplement constitués de scènes de rue fantaisistes. Sa caricature d’elle-même en sprite grunge intrépide donnait même aux contes les plus farfelus un charme invitant. Souvent, même si elle était une force de la nature.

Dans "Heavy Flow", Julie panique lorsqu'elle manque de tampons et fantasme l'image inoubliable d'une femme géante qui saigne se jetant à fond sur Godzilla dans une ville malheureuse. Le travail de Doucet a inspiré plusieurs de ses pairs masculins à se tourner vers l'autobiographie, mais est également devenu un modèle pour d'autres femmes habituées à ce que leur travail soit qualifié de « laid ». Malheureusement, la pression d'être une autre « caricaturiste pionnière » et le sexisme persistant dans le club des garçons de bandes dessinées qui lui avait « permis » d'entrer – ainsi que le petit retour financier de l'édition indépendante de bandes dessinées – ont conduit Doucet à quitter le dessin animé. Elle s'oriente vers d'autres domaines, notamment la poésie et le travail commercial, et réalise même un court métrage avec Michel Gondry. Mais ses bandes dessinées ont eu un impact durable, et une édition complète deDes intrigues salessort cet automne.

Scénaristes : Rob Liefeld et Fabian Nicieza ; Dessinateur et encreur : Liefeld ; Coloriste : Steve Buccellato ; Lettreur : Joe Rosen

À la fin des années 1980, les ventes de Marvel ont commencé à augmenter de manière significative, poussées par un marché spéculatif : les gens pensaient que les bandes dessinées étaient moins importantes pour leur contenu que pour leur collection. Cette collection était spécifiquement motivée par un groupe de jeunes artistes de Marvel dont les livres se vendaient bien mieux que les autres. L'un d'eux était Rob Liefeld, qui est devenu l'artiste du spin-off de X-Men.Le Nouveaux mutantsen 1989. Au cours de son passage sur le livre, un certain nombre de personnages ont été présentés, dont Cable, un cyborg grisonnant du futur qui est devenu le nouveau chef de l'équipe de jeunes mutants. Lorsque l'écrivain de longue date de la série, Louise Simonson, a quitté Marvel pour écrire une nouvelle série Superman, Liefeld est également devenu son principal comploteur.

Le premier numéro de Liefeld sans Simonson,Nouveaux mutantsLe numéro 98 a également commencé à mettre en place la fin du livre, où la plupart des acteurs ont été supprimés au profit de nouvelles créations de Liefeld, une force de frappe mutante appelée X-Force. DansNouveaux mutantsDans le numéro 98 (avec Liefeld travaillant maintenant avec le scénariste Fabian Nicieza), Liefeld a présenté un méchant nommé Deadpool qu'il considérait comme, en fait, un méchant Spider-Man. Le mercenaire farfelu s'est avéré si populaire que lorsqueX-Forcelancé quelques mois plus tard (devenant, à l'époque, la bande dessinée la plus vendue de tous les temps - elle contenait cinq cartes à collectionner différentes, ce qui a amené de nombreux spéculateurs à acheter cinq exemplaires du numéro, d'où les ventes record), l'éditeur de Liefeld a forcé lui pour faire travailler DeadpoolX-Forcedès que possible. Après que Liefeld ait quitté Marvel, Deadpool a continué à se développer pour devenir un personnage comique (et héroïque) plus métafictionnel. Deadpool a récemment joué dans son propre film à succès, devenant ainsi l'un des personnages les plus populaires de Marvel. Mais au-delà du succès spécifique de Deadpool, cette page résume également le style violent, irritant et rempli d'armes que Liefeld et ses pairs ont mis au point avec un si grand succès dans les années 1990.

Écrivain, dessinateur, encreur et lettreur : Jeff Smith

Dans cette page, extrait d'un premier épisode de Jeff SmithOs, notre héros, Fone Bone, fuit les créatures de rat géantes et maléfiques. Il grimpe sur une falaise sur une branche maigre, s'exclamant : "Ces créatures de rat devraient être assez stupides pour me suivre sur cette frêle petite branche !" Bien sûr, les ratsfairesuivez-le, et avant que la branche ne se brise, faisant tomber à la fois le héros et les malfaiteurs, Fone Bone crie la phrase qui fait désormais non seulement partie de l'histoire de la bande dessinée, mais aussi de l'argot geek, indiquant le genre de personnes stupides qui causent des désagréments majeurs aux autres : « Stupid , stupides créatures de rat !!” Initialement auto-publié par Jeff Smith en 1991,Osest devenu l'ancêtre denotre renaissance actuelle dans la bande dessinée pour tous les âgesquand il a été réimprimé par Scholastic dans les années 80. Les étoiles deOssont des créatures mignonnes, presque nues, blanches, à quatre doigts, potelées et chauves qui viennent de Boneville.Il y a Fone Bone, un gars courageux qui a toujours des ennuis sans que ce soit sa faute ; Phoney Bone, un gars tricheur et auto-agrandissant qui cause généralement des ennuis (et porte une étoile de shérif) ; et Smiley Bone, le souple.

Malgré toute sa gentillesse,Osfranchi de nombreuses frontières. Il s’agit en fait d’un chef-d’œuvre de mélange de bandes dessinées, combinant l’aspect des bandes dessinées de fiction fantastique avec les intrigues d’épopées d’un autre monde et de bandes dessinées d’animaux drôles. Les personnages sont également un véritable méli-mélo. Les Bones auraient pu sortir dePogo,ouCasper le gentil fantôme,ou sur un sac de guimauve Stay-Puft. Leurs relations ressemblent à celles de Carl Barks.Oncle Scrooge.Les humains, en particulier la belle et plantureuse Thorn, auraient pu être retirés du film de Disney.Cendrillonou hors des pages deP'tit Abner.Et les créatures rats, des monstres à crocs, aux yeux rouges, à l'esprit lent et assoiffés de sang, obsédés par la technique de cuisson, s'intégreraient parfaitement dans le décor.Le Seigneur des Anneaux,l'épopée à laquelleOsest souvent comparé.

Écrivain, dessinateur et encreur : Todd McFarlane ; Coloriste : Gregory Wright ; Lettreur : Chris Eliopoulos

L'un des artistes de Marvel Comics à la fin des années 1980 qui a contribué à générer des ventes record pour l'entreprise étaitTodd McFarlane, qui a pris la relèveL'incroyable Spider-Manen 1988 après une carrière populaire en tant qu'artiste surL'incroyable Hulk. McFarlane avait une approche totalement différente de Spider-Man en tant que personnage par rapport aux célèbres versions de John Romita et Steve Ditko. McFarlane a dessiné une interprétation déformée de Spidey, avec des traits exagérés (variant la taille des lentilles du masque de Spider-Man pour rendre son visage plus expressif) et une sangle plus épaisse (inspirée de la façon dont Michael Golden dessinerait la sangle de Spider-Man dans une série des tirages Marvel Comics réalisés par Golden au début des années 1980). Le Spider-Man de McFarlane était si populaire qu'à une époque oùX-Men-en rapport les ventes de bandes dessinées ont considérablement dépassé tout le monde,L'incroyable Spider-Mann'a été dépassé que parX-Men étranges.

McFarlane a décidé de tirer parti de sa popularité en quittantL'incroyable Spider-Manet demander à Marvel de le laisser écrire une série de bandes dessinées qu'il dessinerait. Il a été choqué quand ils ont non seulement accepté, mais lui ont également donné sa propre série Spider-Man. McFarlane sans adjectifHomme araignéeN°1 lancé en 1990, devenant (à l’époque) la bande dessinée la plus vendue de tous les temps. Au fil du temps, cependant, McFarlane a commencé à s'irriter de ce qu'il considérait comme une trop grande influence éditoriale. Le livre était présenté comme « Le Spider-Man de Todd McFarlane » et se vendait à des millions de dollars de cette façon, et pourtant, ils continuaient à lui faire changer les choses dans le livre. La goutte qui a fait déborder le vase était dans un crossover X-Force/Spider-Man où McFarlane a dessiné Shatterstar, membre de X-Force, poignardant le méchant Juggernaut dans les yeux avec une épée. Marvel a refusé de montrer le coup de couteau, estimant que c'était trop graphique. C'était un changement de trop pour McFarlane, et il quitta le livre. Bientôt, il apporterait sa marque très précieuse à une nouvelle société, Image Comics, où il ferait ses débuts avec le personnage à succès ultraviolent Spawn. Plus important que cela, cependant, a été la révolution commerciale lancée par Image : elle a permis aux créateurs de posséder leurs personnages, plutôt que de les confier aux seigneurs de l'entreprise, et son modèle continue de connaître un grand succès à ce jour. Sans le pauvre Juggernaut, cela ne serait peut-être jamais arrivé.

Écrivain, dessinateur, encreur et lettreur : Art Spiegelman

Que pouvez-vous faire quand le fondement même de votre réputation et de votre art est l’Holocauste ? quand le génocide est la condition préalable de votre réussite ? Art SpiegelmanMaus(1978-1991), véritable mémoire familial sur la survie à l’Holocauste, ironiquement moulé dans le langage des bandes dessinées « d’animaux drôles », a toujours été un projet risqué et impie, mais après le premier volume d’un livre (rassemblant les premiers chapitres sérialisés deBrutmagazine) est devenu une sensation critique et commerciale, l'ambivalence et l'incertitude de Spiegelman, mises en avant dès le départ, sont devenues presque paralysantes. Son propre succès, fondé sur la Shoah et sur l'emprisonnement, les souffrances et les pertes de ses parents, est venu le tourmenter, et ce qui était déjà archi et introspectif a dû le devenir encore plus – pour, comme l'a dit Spiegelman : « rendre les obstacles manifestes ».

Si quelqu'un avait douté de pourquoiMausLe premier volume a consacré tant d'énergie à capturer les circonstances de sa propre création, puis le deuxième volume a donné une réponse : une bande dessinée sur l'Holocauste, en effet.n'importe lequelreprésentation artistique de l’Holocauste, doit être franc et avisé lorsqu’il s’agit d’admettre son propre rôle dans la création d’art (et de profit) à partir d’une catastrophe et d’un traumatisme. Spiegelman a bien compris les implications éthiques et psychologiques de la transformation de l'Holocauste en produit (la quatrième de couverture du volume deux transforme les barres lisibles de l'étiquette ISBN en rayures de l'uniforme du camp de son père). Sur cette page très étudiée, Spiegelman affronte l'horreur de l'histoire qu'il a décidé de raconter et la terrible conscience de sa propre témérité, en ajustant son personnage - non plus celui d'une souris, mais celui d'un homme avec un masque de souris. attaché avec de la ficelle. De plus, il montre des cadavres ressemblant à des souris qui s'entassent à ses pieds comme autant de brouillons froissés et jetés, et révèle, pour la première fois dans le texte, la mort de son père et informateur, Vladek. Ce moment troublant d’auto-réflexion et d’auto-accusation peut êtrelepage clé pour comprendre les complications éthiques inhérentes aux mémoires graphiques (on peut difficilement imaginer l'histoire tout aussi hantée de Bechdel)Maison amusante, présenté ailleurs sur cette liste, sans lui). C'est un coup de maître audacieux et déroutant au cœur d'un chef-d'œuvre.

Scénariste : Dan Jurgens ; Dessinateurs : Dan Jurgens et Brett Breeding ; Encrier : Élevage ; Coloriste : Glenn Whitmore ; Lettreur : John Costanza

À la fin des années 1980, les différentes séries Superman ont essayé une nouvelle approche, dans laquelle les équipes créatives des trois titres mettant en vedette Supes coordonnaient leurs histoires afin qu'elles passent d'un livre à l'autre. Après avoir ajouté une quatrième série en 1991, DC Comics avait désormais, en fait, une série hebdomadaire Superman qui venait d'être divisée en quatre périodiques différents. Les équipes créatives se réunissaient ensuite lors de « sommets » où elles planifiaient les histoires de l'année suivante. En 1990, ils ont fait la une des journaux lorsque Clark Kent et Lois Lane se sont fiancés.SupermanN° 50, donc lors de leur sommet de 1992, le plan était que les deux se marient àSupermanN° 75. Puis une chose amusante s'est produite : Warner Bros. (qui possède DC) lançait une nouvelle série télévisée Superman basée sur la romance qu'ils veuillent ou non entre Lois et Clark. La série de bandes dessinées a donc dû attendre pour les marier. S'ils ne pouvaient pas marier Superman, que pourraient-ils faire ?

Effectivement, ils ont décidé de le tuer tout simplement ! Ils ont planifié une histoire intitulée « La mort de Superman », dans laquelle un monstre extraterrestre nomméjour du Jugement dernierse déchaînerait, Superman étant la seule personne capable de l'arrêter. Ce qu’il a fait, mais au prix de sa propre vie. Jamais un public grand public n’avait autant été connecté à un événement de bande dessinée (les journées d’information lentes ont aidé) et la mort de Superman est devenue une sensation culturelle. Des copies de sa mort dans des sacs noirs (avec un brassard noir) se sont vendues à des millions. Cela a complètement modifié la façon dont DC écrivait des bandes dessinées, et désormais chaque titre devait organiser des « événements » réguliers – souvent basés sur la mort – comme celui-ci. Certains diraient que les rendements diminuent (et la résurrection rapide des Supes quelques mois plus tard a certainement miné une partie de l'impact), mais un aspect essentiel des bandes dessinées de super-héros est né.

Écrivain, dessinateur, encreur et lettreur : Joe Sacco

Les bandes dessinées de non-fiction ont leur propre et longue histoire dans le milieu américain, commençant par à-coups avec les efforts de l'âge d'or comme ceux de DC. Bandes dessinées de faits réels. Ils ont réalisé leur première réalisation significative à l'ère underground avec le film de Larry Gonick. Histoire de l'univers en dessins animéssérie.

Mais le premier à utiliser des bandes dessinées non fictionnelles pour commenter l’actualité fut l’écrivain/artiste Joe Sacco. Il est devenu fasciné par la politique au Moyen-Orient à la suite de la première guerre du Golfe et a été frustré par la couverture biaisée qu'il estimait que les journalistes américains donnaient à la situation dans les territoires occupés par Israël. Sacco s'y rend donc lui-même, armé d'un carnet de croquis, pour rendre compte des conditions locales sous forme de bandes dessinées. Au début, Sacco envisageait de faire plutôt un simple récit de voyage, mais alors qu'il parcourait Gaza et la Cisjordanie, apprenant les luttes quotidiennes des gens ordinaires, il a été inspiré pour créer une œuvre beaucoup plus ambitieuse, aussi dramatique que n'importe quelle fiction. . Voici la première page de cet ouvrage,Palestine,qui remporterait un American Book Award pour son édition complète. Sacco a déclaré qu'il souhaitait créer une ambiance « tout le monde » dans la vie quotidienne là où il voyageait ; il n'y a pas de meilleur exemple de cette approche que cette page, dans laquelle il utilise la mise en page et le lettrage pour évoquer le chaos métropolitain de la capitale égyptienne, qu'il a visitée en route vers la Palestine. Le journalisme de bande dessinée tel que nous le connaissons n'existerait probablement pas sans les pages Sacco comme celle-ci.

Scénariste : Dwayne McDuffie ; Dessinateur : Mark D. Bright ; Encreur : Michael « Mike » Gustovich ; Coloristes : Noelle C. Giddings, Rachelle Menasche et James T Sherman ; Lettreur : Steve Dutro

Au cours du boom des ventes de bandes dessinées du début des années 1990, alors qu'il semblait qu'une entreprise de bandes dessinées donnée pouvait lancer et vendre 100 000 exemplaires de son premier numéro, il y avait un manque notable de super-héros ethniquement divers. C'était tellement visible qu'un groupe de créateurs de bandes dessinées a décidé de faire quelque chose. Dwayne McDuffie, Denys Cowan, Michael Davis, Derek T. Dingle etChristophe Prêtre(qui a tiré sa révérence avant que la société ne devienne officielle), a fondé Milestone Media en 1993, une société de bandes dessinées dédiée à la création de divers super-héros.

Parmi les quatre titres initiaux figuraitIcône, écrit par Dwayne McDuffie et dessiné par MD Bright. Inversion intelligente de l'histoire d'origine de Superman, Icon était un extraterrestre qui a atterri sur Terre au 19ème siècle et a pris la forme du premier humain qu'il a vu, qui se trouvait être un esclave afro-américain. L’extraterrestre n’a pas vieilli et, au fil du temps, il a amassé une petite fortune et est devenu un conservateur politique. Il est resté coupé du monde, jusqu'à ce qu'un jeune adolescent libéral le défie sur ses opinions isolationnistes, le forçant finalement à devenir un super-héros. Cela résume l'importance de l'énoncé de mission de Milestone : il était important de donner aux personnes de tous horizons des héros inspirants. Même si Milestone a connu des moments difficiles et a disparu, il a laissé un héritage de représentation accrue, et cette page était essentiellement leur énoncé de mission.

Écrivain, dessinateur et encreur : Scott McCloud ; Lettreur : Bob Lappan

Il est difficile d'exagérer la déclaration que l'essai de McCloud sur la bande dessinée sur le fonctionnement du médium graphique a fait lorsqu'il a atterri parmi les communautés de création de bandes dessinées en 1993. Pour ceux qui fréquentaient les illustrateurs qui étudiaient la bande dessinée à l'université à l'époque, c'était tout ce que tout le monde pouvait dire. à propos de.

McCloud est un explicateur doué, presque compulsif, et la simplicité de ses arguments signifie qu'ils ont remarquablement bien résisté au fil du temps. Il souligne la façon dont l'esprit évoque un visage humain à partir de l'abstraction d'un cercle, de deux points et d'une ligne (un visage souriant), et comment la véritable vraisemblance dans la narration des bandes dessinées vient de ce que l'esprit du lecteur remplit.entrepanneaux – tous deux considérés aujourd’hui comme des truismes de bon sens. Le livre a introduit la narration non linéaire sur papier des années avant que ces concepts ne soient pleinement développés (souvent par McCloud lui-même) par les pionniers des webcomics. Que cette pyramide, dans laquelle McCloud tente de cartographier les styles de divers créateurs de bandes dessinées selon les axes de la « réalité », du « sens » et du « plan de l'image », n'est qu'uneunL’une des choses les plus ambitieuses du livre est de dire quelque chose.

Écrivains : Paul Dini et Bruce Walter Timm ; Dessinateur et encreur : Timm ; Coloristes : Rick Taylor et Bruce Walter Timm ; Lettreur : Tim Harkins

Au début des années 1990, il existait une relation étrange et dichotomique entre la bande dessinée et l’animation. Le monde de l’animation méprisait les bandes dessinées de super-héros. Bien sûr, il y a eu beaucoup de dessins animés de super-héros au fil des ans, mais ils ont rarement adapté eux-mêmes les histoires de bandes dessinées, utilisant plutôt les personnages dans de nouvelles configurations simplistes, comme la Justice League devenant les Super Friends. Pendant ce temps, le monde de la bande dessinée méprisait le style artistique utilisé dans la plupart des dessins animés, le considérant comme « un truc pour enfants ». L'écrivain Paul Dini et l'écrivain/artiste Bruce Timm ont changé les deux côtés de cette équation en 1992 avec l'introduction deBatman : la série animée.

Une collection de contes luxuriante et magnifiquement dessinée, leBatmanLe programme d'animation a été un succès critique et commercial retentissant. Pendant ce temps, Dini et Timm ont apporté leur style artistique directement au monde de la bande dessinée avec les années 1994.Batman Adventures : Amour fou, qui raconte l'histoire d'origine deHarley Quinn, un personnage extrêmement populaire à l'époque comme aujourd'hui, qu'ils avaient présenté dans la série. Cette page montrait le don brillant de Timm pour les traits du visage expressifs, ainsi que son approche novatrice du contenu sexuel dans une histoire pour enfants. La bande dessinée a été un succès majeur, remportant le prix Eisner du meilleur numéro. Cela a également rendu le style de bande dessinée de Timm plus acceptable pour les histoires de bandes dessinées « sérieuses », ce qui a permis à toute une génération d'artistes inspirés par l'animation, comme Darwyn Cooke et J. Bone, de percer dans le monde traditionnel de la bande dessinée.

Écrivains : Mike Mignola et John Byrne ; Dessinateur et encreur : Mignola ; Coloriste : Mark Chiarello ; Lettreurs : Mignola et Byrne

Si l’on considère les grands artistes expérimentaux de l’histoire de la bande dessinée, ils démarrent rarement sous leur forme la plus expérimentale. Prenez Mike Mignola : alors qu'il était toujours un artiste stylé, lorsqu'il dessinaitL'incroyable HulketVol Alphapour Marvel, son art semblait relativement normal pour l’époque. À mesure qu'il devenait plus populaire, il commença à expérimenter davantage des choses comme la forme et le design. L’un des domaines dans lesquels il a vraiment commencé à briller était l’utilisation des ombres dans son travail. Peu d’artistes de bandes dessinées ont eu autant d’encre noire sur une page que Mignola. Après un certain temps, il s'est rendu compte qu'il était plus logique de créer son propre personnage qui correspondrait à son style plutôt que d'essayer de placer des personnages établis de Marvel et DC dans ce style.

L'artiste superstar Arthur Adams a recruté Mignola pour rejoindre une gamme de livres appartenant à un créateur chez l'éditeur indépendant Dark Horse, où Mignola a inventé Hellboy, un demi-démon héroïque qui a enquêté sur le paranormal, donnant à Mignola des moyens cohérents pour raconter des histoires sombres et obscures. Dans la première aventure de Hellboy, il affronta Grigori Raspoutine, qui avait attiré Hellboy sur Terre à la fin de la Seconde Guerre mondiale. Dans cet excellent exemple de l'utilisation de l'ombre et de la lumière par Mignola, nous voyons Hellboy affronter le méchant Russe.Garçon d'enferest finalement devenue sa propre franchise de bandes dessinées et a inspiré deux films (dont un nouveau à venir), ce qui en fait l'une des bandes dessinées appartenant à des créateurs les plus réussies de tous les temps. Depuis lors, le talent de Mignola pour les actions à contraste élevé est un appel de clairon pour les artistes.

Écrivain, dessinateur, encreur et lettreur : Charles Burns

Tu parles d’une ouverture. Pour planter le décor de son magnum opus d'horreur de banlieue,Trou noir,Charles Brûlurescommence par une introduction entièrement américaine à l'éviscération : il intitule sa première section « Biologie 101 », et c'est le jour de la dissection des grenouilles. Au début, Keith, lycéen, est ravi d'être partenaire de laboratoire avec Chris, « un vrai renard ». Soudain, inexplicablement, Keith est transpercé par l'incision qu'il vient de faire, dégoulinante de boyaux et de formaldéhyde : « Je regardais un trou », se souvient-il, « unnoirtrou et pendant que je regardais, le trou s'est ouvert… » Dans des sauts hallucinatoires, ce « trou noir » se dirige vers d'autres ouvertures tout au long du processus.Trou noir, vu par Keith et ses camarades de classe, éveillés et rêvant : un piercing exsangue à l'intérieur du cou-de-pied ; la peau d'une femme s'effilochant le long de sa colonne vertébrale, se décollant comme un vieux papier peint ; les organes génitaux d'une autre femme protégés par sa main, les poils pubiens dépassant de derrière.

Le moment, commeTrou noirlui-même, relie les genres; en partie horreur trippante et en partie comédie sardonique. Keith regarde peut-être dans un « trou noir » du néant, au-delà des corps, de la mortalité et de l'existence elle-même, mais il est aussi un adolescent hétéro de plus qui fait tout ce qui concerne le vagin. L'esthétique incomparable de Burns - pleine de courbes inconfortables, délibérée dans chaque geste, en noir et blanc mais majoritairement noir - peut vous inciter à tout voir en polarités, tout comme ses lycéens anxieux classent tout le monde entre filles et garçons, préparatifs. et les stoners, les adolescents avec et sans « l'insecte » (la mystérieuse MST qui transforme le corps du livre, une « peste adolescente » qui peut sembler aussi terrible que le VIH ou inoffensive que les suçons). À la fin deTrou noir, Burns vous a convaincu que rien n'est jamais aussi clairement divisé - pas la banlieue astucieuse si éclatée d'un seul coup de scalpel satirique, pas cette première page surprenante qui trouve la séduction au milieu de l'abjection, une crise existentielle dans Biologie 101. Dans sa décennie de sérialisation, et plus encore dans son éventuelle édition collectée,Trou noira inspiré les créateurs de bandes dessinées à explorer les horreurs de notre corps et de notre moi adolescent.

Écrivain, dessinateur, encreur, coloriste et lettreur : Chris Ware

« GOETHE : « L'ARCHITECTURE EST UNE MUSIQUE GELÉE » » : en 1995, Chris Ware a écrit ces mots, en lettres majuscules inhabituellement rugueuses, dans le coin supérieur gauche d'une nouvelle page de carnet de croquis. Sous l’affirmation de Goethe, Ware a griffonné sa propre élaboration : « C’est, je pense, la clé esthétique du développement des dessins animés en tant que forme d’art. » Coup d'œil sur le roman graphique bien-aimé de WareJimmy Corrigan : l'enfant le plus intelligent du monde(présenté à l'origine dans la sérieLa bibliothèque de nouveautés Acme) et vous comprendrez pourquoi la définition de Goethe séduit. Ware conçoit chaque page avec la rigueur et le soin d'un architecte, digne des paysages urbains de Chicago qu'il reproduit avec respect. « Frozen » est une description appropriée à la fois pour ces scènes immobiles et vides et pour les personnages rabougris qui les habitent, leur vie piégée dans des comportements répétitifs, des cycles dépressifs et des tragédies familiales récurrentes à travers les générations. Le Jimmy Corrigan des temps modernes (pas « l'enfant le plus intelligent du monde », mais un triste sac inconscient de 36 ans) trébuche sur une défaite après l'autre, mais peut-être que la défaite la plus déchirante du livre arrive à son grand-père James, au cours d'un siècle prolongé. -flash-back croisé.

James, huit ans, croit à peine à sa chance alors qu'il explore l'Exposition universelle de 1893 le jour de l'ouverture ; avec une horreur naissante, nous et James réalisons que son père aigri l'a conduit dans l'exposition grouillante et « jusqu'au bord du plus grand bâtiment du monde » pour l'y abandonner. Dans des cauchemars traumatisants, James se voit éjecté de la terrasse d'observation du bâtiment, mais son monde ne s'est pas terminé de cette « manière vraiment dramatique » mais avec le marmonnement « sourd » de son père, un regard furtif, un pas de côté inaperçu. "Je n'y prêtais pas vraiment attention", se souvient James : le pathétique de la page vient, en partie, de l'attention à couper le souffle, mais trop tard, que Ware peut accorder : nous voyons l'édifice néoclassique du bâtiment, ses colonnes ornées, ses ombres et ses lumières inclinées. , les gens ressemblant à des taches ci-dessous, au moment exact où James devient orphelin de père. Et il y a un grave pathos dans les panneaux mathématiquement rétrécis de Ware : un panorama d'une demi-page cède la place à une analyse d'un quart de page ; Le monde de James continue de se rétrécir en deux, jusqu'à ce que le dernier panneau minuscule et sans image n'enregistre qu'un vain souhait : « attendre son retour ». DepuisJimmy Corrigan, Le style distinctif de Ware de « musique figée », précis et élégiaque, a résonné dans toutes les bandes dessinées contemporaines, depuis Nick DrnasoBeverlyàOeil de fauconLe légendaire numéro "Pizza Dog" de (vu plus loin dans cette liste), et peut se vanter de fans de bandes dessinées bien extérieures - Zadie Smith, JJ Abrams et Ira Glass, pour n'en nommer que quelques-uns.

Scénariste : Mark Waid ; Dessinateur, encreur et coloriste : Alex Ross ; Lettreur : Todd Klein

Les bandes dessinées de super-héros étaient allées trop loin. C'est l'objectif principal deLe Royaume viendra, la mini-série en quatre numéros d'Alex Ross et Mark Waid sur ce qui se passe lorsqu'une nouvelle génération de super-héros surgit sans les scrupules de leurs mentors, abandonnant les idéaux qui ont poussé leurs ancêtres à garder leur pouvoir sous contrôle et à ne pas tuer les criminels contre lesquels ils se sont battus. . Le désastre survient lorsque ces héros plus jeunes et plus audacieux, dans leur imprudence, provoquent par inadvertance une catastrophe nucléaire au cœur des États-Unis, obligeant Superman à sortir de sa retraite pour mener une croisade pour les idéaux qu'il défendait autrefois. Principalement une vitrine pour le photoréalisme peint unique de Ross et son affection pour l'iconographie de la plus grande génération,Le Royaume viendraa présenté le retour de Superman dans ce monde capricieux comme une chronique poignante des signes des temps. En 1996, les super-héros nerveux et amoraux étaient extrêmement populaires alors que les créateurs tentaient de recréer l'esthétique des sinistres succès déconstructionnistes de la décennie précédente, mais sans les critiques réfléchies évoquées par ces histoires vénérées.

Il se transforme en une remarquable page entière de Superman, faisant connaître sa présence avec un bouclier frappant et plus sombre sur son costume par ailleurs classique, des justiciers sans foi ni loi, impuissants à sa portée. Entre l'intemporalité de Superman en tant qu'icône et le classicisme respectueux des super-héros de Ross, cette page est l'endroit oùLe Royaume viendralance le gant : les vieux héros comptent toujours. Être bon pour le bien est encore suffisant. Le reste deLe Royaume viendratesterait cette affirmation, et malgré une réponse concluante, c'est un débat que les bandes dessinées de super-héros continuent d'avoir à ce jour.

Écrivain, dessinateur, encreur, coloriste et lettreur : Daniel Clowes

De 1989 à 1997, alors que Daniel Clowes n'était même pas sûr de vouloir devenir dessinateur, il a dessiné 18 numéros d'une série d'anthologie qu'il a créée intituléeHuit balles,essayer différents styles de bandes dessinées. Lorsqu'il arriva au numéro 11, Clowes commença l'histoire comique qui allait devenir son classique, « Ghost World,» et il l'a continué jusqu'au numéro 18. "Ghost World" a été décrite comme la bande dessinée que vous offrez à vos amis pour montrer tout le potentiel du médium, et elle a remporté des prix et inspiré de nombreux imitateurs. Dessiné dans un style épuré avec des lavis unicolores, un éclairage sinistre et des sauts cinématographiques (à juste titre, il a été adapté en film en 2001), "Ghost World" est un portrait de l'espace inférieur entre l'enfance et l'âge adulte. Il se concentre sur deux lycéennes étrangères, Enid (cheveux foncés, lunettes, beaucoup de dégoût de soi) et Rebecca (carré blond, beauté conventionnelle, un peu moins de dégoût de soi). Les deux parcourent la ville à la recherche de pervers avec qui se lier d'amitié et de gens, de musique et de dîners rétro cornball dont se moquer. Enid et Rebecca sont des flâneurs post-punk,avec une attitude de merde envers à peu près tout.

Sur la toute dernière page de l'histoire,Enid, qui a désormais adopté un look plus traditionnel, est sur le point de quitter la ville pour de bon lorsqu'elle aperçoit Rebecca assise dans un café avec Josh, son seul ami masculin non effrayant. Rebecca a désormais assumé certaines des qualités qu'Enid possédait autrefois : des lunettes, des cheveux courts, un regard anxieux, une paille mâchée. De l'extérieur de la fenêtre, on voit Enid regarder à l'intérieur et prononcer une phrase analysée et ré-analysée, mais qui reste néanmoins opaque : « Tu es devenue une très belle femme. » Clowes a un grand sens du détail (livres, magazines, disques, panneaux, jouets, menus, coiffures, lunettes) et une oreille encore plus grande pour les dialogues réalistes (on se demande comment il a pu écouter si attentivement les adolescentes de Amérique). Son don le plus rare, cependant, surtout dans le monde de la bande dessinée, est son évocation de la vie intérieure de filles critiques et curieuses s'interrogeant sur le monde et la place qu'elles y occupent.

Scénariste : Garth Ennis ; Dessinateur et encreur : Steve Dillon ; Coloriste : Matt Hollingsworth ; Lettreur : Clem Robins

En 1995, la gamme de bandes dessinées Vertigo de DC sur le thème mature était à la croisée des chemins. Leur titre phare, Neil Gaiman'sLe marchand de sable, devait prendre fin début 1996 et personne ne savait vraiment si la ligne pourrait survivre sans ce projet. Heureusement, ils ont été sauvés par le lancement d'une série inhabituelle de l'écrivain Garth Ennis et de l'artiste Steve Dillon intituléePrédicateur, qui a donné à Vertigo son premier grand succès depuis des années.Prédicateurraconte l'histoire d'un révérend d'une petite ville du Texas nommé Jesse Custer qui a soudainement reçu la Parole de Dieu : il peut obliger les gens à faire tout ce qu'il dit. Avec son ancienne petite amie (qui travaille maintenant comme assassin) et son nouveau meilleur ami (un vampire irlandais), Jesse a voyagé à travers les États-Unis pour essayer de trouver Dieu (qui avait abandonné le paradis dès que Jesse avait reçu la Parole). Ils se sont heurtés au Graal, une organisation religieuse secrète qui manipulait le monde dans les coulisses en contrôlant le Messie, le descendant consanguin de Jésus-Christ.

Prédicateurest devenu célèbre pour sa violence et son humour noir, tous deux exposés dans cette page tumultueuse. Le méchant Herr Starr prend le contrôle du Graal peu de temps après avoir découpé son crâne chauve pour ressembler à un pénis ; l'idiot Messie et un fantassin du Graal se retrouvent sous le chef du Graal massivement obèse, Allfather D'Aronique, alors que ce dernier tombe d'un véhicule aéroporté, échangeant des derniers mots délicieusement laconiques. C'était la quintessencePrédicateur: Ennis proposait des idées tordues et Dillon les présentait de telle manière qu'elles semblaient presque terre-à-terre.Prédicateurne s'est pas contenté de repousser l'enveloppe, il a déchiré l'enveloppe en lambeaux et a dégradé le papier restant, inspirant une adaptation télévisée sur AMC et des légions de livres chez Vertigo et ailleurs qui tentaient de capturer la magie obscène.

Écrivain : Warren Ellis ; Dessinateur : Bryan Hitch ; Encreur : Paul Neary ; Coloristes : Wildstorm FX et Laura DePuy ; Lettreur : Ali Fuchs

En 1996, Warren Ellis reprend la sérieGarde-tempête— publié par Image print WildStorm — à propos d'une équipe internationale de super-héros. Ellis a donné une tournure plus sombre au titre et a introduit le concept selon lequel Stormwatch aurait une équipe d'opérations noires pour faire son sale boulot. Les retards de production ont conduit à un arc de remplacement par l'artiste relativement inconnu Bryan Hitch. Associé à Hitch, Ellis a été nouvellement inspiré. Après seulement un an, il a terminéGarde-tempêtede la manière la plus choquante possible : il a fait en sorte que les extraterrestres duExtraterrestresles films tuent la plupart des acteurs, ne laissant debout que l’équipe des opérations noires. Ils étaient désormais rebaptisés Autorité et apparaissaient dans des bandes dessinées racontant des histoires à une échelle jamais vue auparavant dans les bandes dessinées de super-héros.

Dans leur premier arc surL'Autoritéen 1999, Ellis et Hitch décidèrent de confier à l'Autorité le soin de s'occuper du plus grand méchant de l'univers WildStorm, Kaizen Gamorra, qui avait construit une armée surpuissante et profitait de l'absence de Stormwatch pour que son armée détruise Moscou. Lorsqu’ils ont tenté de faire de même à Londres, l’Autorité est arrivée et les a arrêtés. Après avoir empêché une attaque similaire sur Los Angeles, Midnighter, membre de l'équipe, a utilisé le vaisseau interdimensionnel géant de l'équipe, le Carrier, pour s'écraser à travers le puissant champ de force de Gamorra et détruire son île natale. Hitch a défini le concept de ce que l'on a appelé les aventures de bande dessinée « grand écran » : des séquences d'action exagérées qui occupaient une grande partie de la page et faisaient écho à l'approche cinématographique des superproductions d'action. Hitch et l'écrivain Mark Millar développeront encore plus cette approche dans Marvel'sUltimes, et le style de bande dessinée grand écran est devenu l'inspiration de la bande dessinée pour l'univers cinématographique Marvel - créantL'Autoritérétroactivement l'une des bandes dessinées les plus influentes des deux dernières décennies.

Scénariste : Brian Michael Bendis ; Dessinateur et encreur : Michael Avon Oeming ; Coloriste : Pat Garrahy ; Lettre : Bendis

Après Brian Michael Bendis, les dialogues dans les bandes dessinées ne seront plus jamais les mêmes. Dans les années 1990, il s'est d'abord fait remarquer par son travail sur les bandes dessinées policières, commeAKA poisson rouge,Porte-poisse, etTorse. Après avoir remporté le prix Eisner en 1999 pour les talents méritant une plus large reconnaissance, la prochaine grande étape pour Bendis a étéPouvoirsen 2000. Réalisé avec l'artiste Michael Avon Oeming,Pouvoirsmettait en vedette Christian Walker et Deena Pilgrim, deux détectives de police dans un monde rempli de surhumains. Le point culminant des premiers travaux de Bendis était son dialogue : semblable à celui de David Mamet, il s’agissait d’un va-et-vient rapide qui voyait souvent les personnages se chevaucher – quelque chose d’exceptionnellement naturaliste pour les bandes dessinées de l’époque.

Dans cette page dePouvoirsN°1, la plaisanterie entre Walker et une petite fille dont la mère a été assassinée par un tueur surpuissant est réaliste, divertissante et humanise les deux personnages. La capacité de Bendis àPouvoirsdonner une tournure pertinente aux tropes de super-héros a fait de lui le choix parfait pour le nouveau film de Marvel.Univers ultime, où, en 2000, il a eu l'opportunité de redémarrer Spider-Man alors qu'il était adolescent avec une nouvelle continuité. Bendis est devenu l'écrivain le plus populaire de Marvel au cours des 17 années suivantes, adaptant son dialogue unique pour s'adapter à des héros établis comme Daredevil, Spider-Man et Luke Cage. Des générations d'écrivains qui ne pensaient pas que leur style correspondait au genre des super-héros ont réalisé le contraire lorsque Bendis a explosé.

Écrivain, dessinateur, encreur et lettreur : Craig Thompson

Jusqu’à présent, les créateurs de bandes dessinées autobiographiques les plus influents – R. Crumb, Aline Kominsky-Crumb, Justin Green, Chester Brown et d’autres – baignaient dans la masturbation, les sécrétions corporelles et le dégoût de soi clinique. Tout cela a changé avec Craig ThompsonCouvertures, un véritable conte initiatique qui ne se vautrait que dans des paysages enneigés lyriques, des monologues intérieurs tremblants et une passion sincère. Dans des pages d'encre tourbillonnantes qui rayonnaient d'émotion, Thompson racontait son éducation dans une famille chrétienne évangélique stricte et sa rencontre fatidique avec une fille nommée Raina au Bible Camp. Raina est également chrétienne, mais sa foi est davantage enracinée dans le monde réel, et alors qu'ils tombent amoureux l'un de l'autre, Craig commence à remettre en question une foi rigide qui nie que l'amour humain puisse aussi être sacré.

Cette spiritualité et cette romance sont magnifiquement capturées sur cette page alors que Craig et Raina font l'expérience ensemble de la nature et du désir physique. Comme Thompson le dira plus tard, son but enCouverturesil ne s'agissait pas tant de parler d'amour physique que de ce que c'est la première fois que vous dormez littéralement (comme dans, vous endormez) avec une autre personne. Bien queCouverturesL'émotion à cœur ouvert est un peu passée de mode aujourd'hui : à sa sortie, elle s'adressait avec urgence aux jeunes lecteurs de bandes dessinées adultes qui recherchaient des histoires reflétant leur propre vie et la remise en question de l'orthodoxie. Nommé roman graphique de l'année parTemps,Couverturesa propulsé son éditeur d'origine, Top Shelf, sur le devant de la scène, et Thompson a conclu un énorme accord avec Random House pour son prochain roman graphique.Couverturesle succès a aidé le monde du livre traditionnel à prendre les romans graphiques plus au sérieux et a montré aux jeunes dessinateurs qu’il n’y avait rien de mal à être sentimental.

Écrivain et lettreur : Robert Kirkman ; Dessinateur, encreur et coloriste : Tony Moore

Après son méga succès télévisuel, il est difficile de se rappeler queLes morts-vivantsétait une affaire énorme dans les bandes dessinées bien avant que quelqu'un pense qu'Andrew Lincoln aurait fière allure dans un chapeau de shérif. Ce « film de George Romero qui ne finit jamais » autoproclamé a été un solide leader en termes de ventes et de critiques depuis ses débuts : au cours de la dernière décennie, la première collection de livres de poche dans laquelle cette page apparaîts'est vendu à plus d'un demi-million d'exemplaires. CependantTWDa été habilement géré par l'artiste britannique Charlie Adlard pour environ un milliard de numéros, les six premiers ont été dessinés par Tony Moore, dont le style énergique et pulpeux était parfait pour introduire le décor hyperviolent et sans pitié de la série. Il n'est pas étonnant que cette page ait été évaluée à 20 000 $ dans l'émission de téléréalité VH1.Pour ce que ça vaut.

Le virus zombie a apporté un choc bien nécessaire au système Image Comics, qui risquait de perdre de sa pertinence dans le nouveau millénaire. C'était tout à fait approprié lorsque Image a été crééeTWDco-créateur Robert Kirkman associé en 2008, premier associé non fondateur de l'histoire de l'entreprise. Outre son impact sur les bandes dessinées elles-mêmes,TWDLa domination du petit écran a inspiré une belle source de revenus secondaire pour les créateurs, alors que bande dessinée après bande dessinée est proposée en option pour l'adaptation. Rien ne réussit comme le succès, surtout à Hollywood.

Écrivain, dessinateur et encreur : Darwyn Cooke ; Coloriste : Dave Stewart ; Lettreur : Jared K. Fletcher

Darwyn Cookenous a été enlevé trop tôt lorsqu'il est décédé en 2016, mais bon sang, il a laissé une marque dans le temps dont il disposait. L'écrivain/artiste a fait ses débuts dans la bande dessinée alors qu'il n'avait que 23 ans avec un numéro de 1985 de DC.Vitrine des talents. Lorsque le travail dans la bande dessinée ne lui a pas suffi, il est rentré chez lui à Toronto et a travaillé comme graphiste pendant les 15 années suivantes. Au début des années 90, il a essayé de se lancer à nouveau dans la bande dessinée mais n'a pas pu obtenir de poste. Il est donc allé travailler pour Warner Bros. Animation, où il a été embauché par Bruce Timm pour travailler sur la série animée Batman. Cooke a travaillé dans l'animation pendant le reste de la décennie, mais à la fin des années 90, le rédacteur en chef de DC, Mark Chiarello, a trouvé une vieille proposition que Cooke avait envoyée et a été tellement impressionné qu'il l'a embauché pour la nouvelle graphique,Batman : l'ego. Lorsque Chiarello a ensuite dit à Cooke qu'il devrait faire une histoire sur la Justice League, Cooke a livré l'une des grandes œuvres de super-héros du 21e siècle,DC : la nouvelle frontière.

La mini-série se déroule dans les années 50 et au début des années 60 et montre les nouveaux super-héros de l'âge d'argent devenant lentement les super-héros majeurs que nous connaissons maintenant. Chiarello a décrit plus tard la série comme « une pure expérience de lecture de bande dessinée comme n'importe quelle bande dessinée jamais publiée », et d'innombrables créateurs et lecteurs seraient d'accord. L'histoire a conduit à cette scène emblématique à la fin deNouvelle frontièreN°6, lorsque Superman a été éliminé du compte par une menace extraterrestre et que l'équipage hétéroclite restant d'humains et de tout nouveaux super-héros doit sauver la situation. (Ils partent pour leur mission peut-être fatale en suivant la même marche au ralenti utilisée pour les astronautes dansLes bonnes choses.) C'était visuellement riche, mais a également ouvert la voie à une appréciation approfondie du sérieux de l'âge d'argent dans les bandes dessinées de super-héros.Nouvelle frontièreCooke est devenu l'un des grands de l'industrie et il a continué à prouver son courage pour le reste de sa vie.

Écrivain : Grant Morrison ; Dessinateur : Frank Quitely ; Encreur et coloriste : Jamie Grant ; Lettreur : Phil Balsman

À la fin des années 1990, Grant Morrison a tenté en vain de devenir l'écrivain régulier deSuperman, dans le cadre d'un projet collectif où lui et les écrivains Mark Waid, Mark Millar et Tom Peyer prendraient en charge les quatre mensuelsSupermantitres. Ils ont surnommé leur argumentaire "Superman Now", car ils n'avaient pas prévu de redémarrer le personnage, mais simplement de le réorganiser pour le rendre plus actuel tout en conservant les aspects de chaque incarnation précédente du personnage. C’était un plan audacieux et DC semblait initialement d’accord, mais ils ont finalement opté pour un autre argumentaire. Morrison pensait que sa chance d'écrire Superman était passée, mais après que Morrison ait quitté un poste chez Marvel Comics en 2004, le vice-président de DC, Dan DiDio, lui a proposé une place dans une nouvelle ligne de bandes dessinées appeléeÉtoile, où les meilleurs créateurs pouvaient raconter des histoires mettant en vedette les plus grands héros de DC en utilisant la continuité qu'ils avaient envie d'utiliser.

Morrison s'est associé à son collaborateur de longue date Frank Quitely pour créerSuperman All-Star, qui a consacré 12 numéros à raconter des histoires intemporelles mettant en vedette le héros légendaire. Morrison avait l'intention de rendre l'expérience de lecture facile à la fois pour les fans de longue date et pour les nouveaux arrivants. Cet objectif était lié à la brillante page d'ouverture de la série, où Morrison et Quitely (et l'encreur numérique Jamie Grant) ont condensé toute l'histoire d'origine de Superman en seulement quatre panneaux, chacun contenant simplement deux mots. Il est impressionnant que l'idée leur soit venue à l'esprit, mais il est remarquable que Morrison et Quitely aient réellement réussi à y parvenir. La série est devenue un classique instantané et son optimisme chaleureux a depuis lors influencé le traitement de Superman par les écrivains.

Écrivain, dessinateur, coloriste et encreur : Alison Bechdel

Deux chapitres dans les mémoires graphiques d'Alison Bechdel de 2006Fun Home : une tragi-comique familiale, vous apprenez que « fun home » est l'abréviation de « maison funéraire », où le père d'Alison, Bruce, professeur d'anglais au lycée, gagnait sa vie à temps partiel en tant qu'entrepreneur de pompes funèbres de la ville - et il faut deux secondes de lecture, maximum, pour s'en rendre compte. que la maison Bechdel peut manquer de plaisir. Parmi les histoires enchevêtrées dans les mémoires labyrinthiques et compulsives de Bechdel figurent les avances de Bruce sur les adolescents (y compris les étudiants et la baby-sitter d'Alison), le dévoilement d'Alison en tant que lesbienne (l'inverse de l'homosexualité cachée de son père, un secret de plus en plus révélé) et le suicide apparent de Bruce. , deux semaines après que sa femme a demandé le divorce. DoncMaison amusantene manque pas de pages dramatiques, mais peu sont aussi tristement dégonflantes, ou aussi discrètement innovantes, que cette page de père et de fille, enfin seuls, conduisant pour voirFille d'un mineur de charbon. De retour chez elle pendant les vacances de l'université, Alison, récemment sortie, espérait une certaine reconnaissance de la part de son père, une certaine ouverture sur leur « prédilection commune », peut-être même une reconstitution des retrouvailles d'Ulysse avec son fils Télémaque – un niveau littéraire élevé où le deux Bechdels livresques pourraient effectivement se rencontrer.

Écrivain, dessinateur, encreur et lettreur : Gene Luen Yang ; Coloriste : Lark Pien

Alors qu'il attend dans une boutique d'apothicaire, Jin Wang, un écolier sino-américain, tente d'expliquer au vieux commerçant son obsession personnelle : les Transformers. Il aime l'idée de pouvoir se transformer en autre chose, comme un camion qui peut devenir un robot de combat. Ce n’est pas un piège, répond le commerçant, « tant que vous êtes prêt à renoncer à votre âme ». Cette ligne est le pivot de la fable de l'identité de Gene Luen Yang,Chinois né aux États-Unis, dans lequel Jin, un enfant d'immigrés, lutte pour se distancer de son héritage chinois, par désir désespéré de s'assimiler à la culture américaine blanche.

Dans son trio d'histoires interconnectées,Chinois né aux États-Unisjoue avec le feu en invoquant des types racistes et en s'attaquant au racisme intériorisé, à tel point que certains libraires ont d'abord refusé de le vendre. Son mélange de la culture bouddhiste avec le catholicisme fervent de Yang continue d'inspirer de nouvelles critiques. Pourtant, il est devenu un classique souvent enseigné de la bande dessinée contemporaine et de la littérature asiatique-américaine. Le style clair et accessible de Yang et son don pour l'humour démentent le terrible sérieux de l'histoire, qui explore les thèmes de la haine de soi et de la trahison. Le premier roman graphique à être nominé pour le National Book Award for Young People's Literature et le premier à remporter le Printz Award for YA Literature,Chinois né aux États-Unisest devenu le livre phare de Yang et de son éditeur, First Second, et l'un des livres phares de lamouvement des jeunes lecteurs du roman graphique, qui est aujourd’hui le segment le plus populaire et le plus lucratif de l’édition de bandes dessinées aux États-Unis. Cela a également conduit Yang à devenir ambassadeur national de la littérature jeunesse en 2016-2017 – une autre première clé pour un créateur de bandes dessinées.

Écrivain, dessinateur, encreur et lettreur : Bryan Lee O'Malley

Quand les références aux jeux vidéo commencent à tomber avec désinvolture dans celui de Bryan Lee O'MalleyScott Pèlerin, ils pourraient ressembler à une autre pierre de touche culturelle des années 80, un autre cas de l'omnivore stylistique d'O'Malley, engloutissant la culture geek aux côtés des mangas et des anime et des livres de choix de votre propre aventure, des rougissements de comédie romantique et des plaisanteries rapides de sitcom. , des recettes végétaliennes et du rock indépendant canadien (avec grilles d'accords à jouer). À la fin de la série en six volumes, les jeux vidéo sont devenus la métaphore élaborée d'O'Malley pour vos 20 ans - ce RPG impossible dans lequel nous travaillons tous, forgeant notre identité au fur et à mesure. Ces années peuvent sembler informes et non dirigées, c'est donc presque par gentillesse qu'O'Malley donne à son protagoniste fainéant Scott Pilgrim de nombreuses armes à débloquer, des points d'expérience pour chaque victoire d'adulte et des ennemis toujours plus imposants à vaincre, notamment les sept Maléfiques. Exes de sa nouvelle petite amie Ramona Flowers. Les blagues d'O'Malley sur les jeux vidéo deviennent à la fois plus absurdes et plus pertinentes : lorsque Scott bat un ex, ils disparaissent et se transforment en petite monnaie. Quel jeune d'une vingtaine d'années, à court d'argent, n'accepterait pas cet accord ?

Tomber amoureux de quelque chose commeScott Pèlerinsignifie passer d'un engouement pour les surfaces accrocheuses à un amour profond et sans gêne : Scott lui-même l'apprend à la fin du quatrième volume de la série,Scott Pilgrim se ressaisit. Enfin en utilisant leL-mot avec Ramona, il monte de niveau émotionnellement (Guts +2, Heart +3, Smarts +1, Will +1) et dévoile son cœur sous la forme d'une épée longue enflammée. Le stylo d'O'Malley oscille ingénieusement entre les styles : ici, il s'engage à la fois sur les polices huit bits et sur le manga qui l'a inspiré.Pèlerin, qu'il a aidé d'autres artistes à réaliser qu'ils pouvaient insuffler dans leur propre travail. En quelques pages seulement, il se remet à dessiner Toronto avec amour, en le documentant un quartier à la fois. Élevant la réalité des jeunes adultes aux sommets exubérants de la fantaisie, O'Malley attendait avec impatience des œuvres aventureuses de YA comme celles de Marvel.Les fugueurset la poursuiteBûcherons, et des portraits de jeunes obsessionnels comme celui de Dash ShawCosplayeurs.

Écrivain, dessinateur, encreur et lettreur : Raina Telgemeier ; Coloriste : Stéphanie Yue

Jusqu’à présent, au 21ème siècle, l’un des rares endroits porteurs d’espoir dans le secteur de l’édition grand public, par ailleurs en difficulté, a été la bande dessinée. La section romans graphiques et mangas de votre Barnes & Noble local a été l'un des rares domaines de croissance ces dernières années. Et en 2016, environ 5 % des ventes globales des librairies de romans graphiques provenaient de la plume deunfemme, Raina Telgemeier.Selon les données disponibles de Bookscan, cela représente 1,3 million d'exemplaires vendus pour 14,4 millions de dollars.. C'est, euh… ça fait beaucoup de bandes dessinées.

Débuter chez Scholastic en adaptant le populaireClub des baby-sitterssérie sous forme graphique, Telgemeier s'est lancée dans son propre travail original avec les années 2010Sourire,une bande dessinée autobiographique sur les mésaventures de son enfance avec la dentisterie.Sourireet ses titres ultérieurs (Drame, Fantômes, Sœurs)ont tellement dominé les charts des best-sellers que peut-être le New YorkFois s'est débarrassé de ses listes Top Ten de romans graphiquesparce qu'ils allaient devoir les renommer « Classement hebdomadaire des ventes de Raina Telgemeier ». L'incroyable succès de Telgemeier et l'appétit vorace de son groupe démographique particulier pour son travail indiquent que dans la bande dessinée, au moins, l'avenir est bel et bien féminin.

Écrivain : Geoff Johns ; Dessinateur : Andy Kubert ; Encreurs : Sandra Hope et Jesse Delperdang ; Coloriste : Alex Sinclair; Lettreur : Nick J. Napolitano

En 2011, DC Comicsse sont retrouvés dans une ornière de vente,embourbé dans la continuité et la diminution des retours des histoires « d’événements » à l’échelle de la ligne. La société avait besoin d'un coup de pouce, les coéditeurs Jim Lee et Dan DiDio ont imaginé un doozy : une initiative de publication appelée New 52, ​​dans laquelle chaque personnage de DC recevrait une nouvelle histoire et un nouveau numéro n°1. C’était une idée incroyablement audacieuse, et elle nécessitait une sorte d’événement de transition pour expliquer comment les choses avaient changé. Et il n’y avait qu’une seule personne pour l’écrire : Geoff Johns, un écrivain préféré des fans qui chérissait la continuité et l’optimisme que représentaient les héros de DC.

La série limitée qui en résulte,Point d'éclair, est non seulement devenu une histoire Flash définitive —une adaptation cinématographiqueest en préparation par les réalisateurs Jonathan M. Goldstein et John Francis Daley – mais il s'est nourri du genre de situation brutale de « la dame ou le tigre » sur laquelle prospèrent les bandes dessinées. Barry Allen, le Flash, se réveille dans un monde sombre où la plupart des héros sont morts. Il s'avère qu'il a lui-même créé cette chronologie en remontant le temps et en empêchant le meurtre de sa mère. Afin de remettre les choses en ordre, Allen utilise sa super vitesse pour traverser le temps et l'espace : en une page, les lecteurs voient l'ancienne continuité de DC céder la place au monde New 52 sous leurs yeux, dessiné au crayon par le légendaire Andy Kubert. C'est une sensation commerciale qui a propulsé le New 52 vers les ventes les plus élevées de DC depuis des années et a établi le modèle pour leur redémarrage ultérieur,Renaissance DC. Cette page symbolise non seulement un moment charnière pour l’univers DC, mais aussi la manière dont les réalités commerciales peuvent affecter la narration.

Écrivain : Brian K. Vaughan ; Dessinatrice, encreuse et coloriste : Fiona Staples

Il n'y a qu'une seule image sur la première page deSagaN°1, et il s'agit du visage d'une femme de profil, alors qu'elle porte une expression quelque part à la croisée de la douleur, de la colère, de la peur, de la confusion, du choc et de l'horreur. "Est-ce que je chie?" demande-t-elle à quelqu'un hors caméra. "J'ai l'impression de chier !" Le seul autre texte est une légende, écrite à la main au-dessus de sa tête : « C’est ainsi qu’une idée devient réelle. » Et c'est ainsi qu'on conquiert toute une génération de fans de comics qui n'ont aucun attachement aux super-héros et à leurs atours : une seule image d'une femme en train d'accoucher, paniquée à l'idée d'une de ces vérités sur le fait de devenir parent que personne ne dit. vous mais tout le monde le découvre. Oui, tu vas probablement te chier dessus.

S'ouvrir avec une seule image provocatrice est un vieux truc, mais ce que l'artiste Fiona Staples et l'écrivain Brian K. Vaughan font dans cette première page, c'est projeter - avec une honnêteté profane et un sérieux total - une humanité belle et compatissante placée au premier plan de leur histoire. . Il n'y a pas de construction de monde, pas de noms à apprendre, rien à saisir sauf cette émotion très réelle, compliquée et authentique rendue dans les œuvres peintes numériquement de Staples, raffinées mais rugueuses, entièrement réalisées mais toujours en cours, comme les personnages imparfaits mais tridimensionnels. nous étions sur le point de nous rencontrer.Sagaa ouvert les vannes à un éventail d'histoires de genre profondément humaines et magnifiquement dessinées : celles de Jeff Lemire et Dustin Nguyen.Descendre, Rick Remender et Greg TocchiniFaible, etODY-Cpar Matt Fraction et Christian Ward ont tous des dettes petites et grandes enversSaga, un triomphe de la science-fiction au cœur authentique et battant.

Scénariste : Matt Fraction ; Dessinateur et encreur : David Aja ; Coloriste : Matt Hollingsworth ; Lettreur : Chris Eliopoulos

Depuis que les super-héros sont devenus un pilier d'Hollywood au tournant du millénaire, il a été intéressant de voir les sociétés de bandes dessinées tenter de s'associer aux films. Pour la plupart, ces efforts visant à synchroniser l’apparence de la version cinématographique d’un personnage avec son incarnation dans une bande dessinée ont échoué. En 2012, après le box-office record deLes Vengeurs, il était logique que Marvel propose unOeil de fauconbande dessinée. Cependant, au lieu d'être simplement un lien avec un film, la bande dessinée de Matt Fraction et David Aja a fini par influencer toute la prochaine génération de Marvel Comics.

Fraction et AjaOeil de faucona évité les rythmes traditionnels des super-héros pour une histoire plus terre-à-terre de Clint « Hawkeye » Barton achetant un immeuble et s'occupant des éléments criminels qui veulent prendre le contrôle du quartier. Barton a une apprentie, Kate Bishop, qui utilise également le surnom de Hawkeye, sauf qu'elle est plus compétente que lui. Le point culminant de la course est arrivéOeil de fauconN°11, un numéro raconté à travers les yeux de Lucky, un chien que Hawkeye a adopté dans le premier numéro de la série. Lucky (ou Pizza Dog, comme il se définit lui-même, en raison de son goût pour la pizza) voit le monde à travers une série de signifiants non verbaux (le rédacteur du livre, Chris Eliopoulos, est crédité comme « producteur » du numéro, car il livre beaucoup plus qu'un simple lettrage dans le numéro). Il s'agit d'un diagramme à la Chris Ware, mais avec beaucoup plus de cœur derrière les expériences de Lucky. Ce fut l'un des numéros uniques les plus acclamés de la dernière décennie, remportant le prix Eisner du meilleur numéro unique. Vous pouvez tracer une ligne droite à partir deOeil de fauconà la série de bandes dessinées décalées et axées sur les personnages que Marvel a publiée depuis, commeCapitaine Marvel,Mme Marvel, etFille écureuil imbattable.

Écrivain : G. Willow Wilson ; Dessinateur et encreur : Adrian Alphona ; Coloriste : Ian Herring ; Lettreur : Joe Caramagna

À la fin du premier volume de Kelly Sue DeConnickCapitaine Marvel, les lecteurs ont vu l'influence que le personnage principal – anciennement connu sous le nom de Mme Marvel – a eu sur ses fans dans l'univers Marvel. La toute dernière page montrait une jeune femme de Jersey City inspirée par Captain Marvel, et cette jeune femme était Kamala Khan, qui allait reprendre le surnom de Mme Marvel de son héros. Kamala a fait ses débuts quandCapitaine Marvelles rédacteurs Sana Amanat et Steve Wacker parlaient de la vie d'Amanat en tant qu'Américain musulman. Ils ont pensé qu'il s'agissait d'un contexte fascinant pour un nouveau personnage, alors ils ont fait appel à l'écrivain G. Willow Wilson (également musulman) et à l'artiste Adrian Alphona pour les aider à créer le nouveau héros, qui a fait sa première apparition complète en costume sur cette page à partir d'un bande dessinée d'anthologie intituléeLe tout nouveau Marvel maintenant ! Premier point.

L'accroche du personnage s'est rapidement établie dès le début de cette histoire : Kamala est une adolescente avec une famille aimante mais très conservatrice, et elle se retrouve parfois en conflit sur sa place dans le monde. S'exprimant à propos du personnage, Amanat a noté : « [C]e livre ne prêche pas sur la religion ou sur la foi islamique en particulier. Il s'agit de ce qui se passe lorsque vous luttez contre les étiquettes qui vous sont imposées et de la façon dont cela façonne votre estime de soi. Sa série solo,Mme Marvel, a été un succès surprise, le premier numéro ayant connu six impressions choquantes. Non seulement cela, maisMme Marvela également connu une augmentation significative des ventes numériques, ce qui en fait l'une des premières bandes dessinées Marvel à montrer le pouvoir d'achat du marché uniquement en ligne, où les femmes représentent un pourcentage plus élevé d'acheteurs, par opposition aux magasins de bandes dessinées traditionnels.Mme MarvelLe succès de a été une source d'inspiration directe pour Marvel qui a essayé une gamme plus diversifiée de super-héros, comme Moon Girl dansMoon Girl et diable dinosaureet RiRi Williams dansHomme de fer invincible.

Écrivains : Grace Ellis et Noelle Stevenson ; Dessinateur et encreur : Brooke A. Allen ; Coloriste : Maarta Laiho ; Lettreur : Aubrey Aiese

En 2013, l'éditeur BOOM! Les studios avaient tellement de succès avec leur KaBOOM ! ligne de bandes dessinées destinées aux enfants, éditée par Shannon Watters, qu'ils lui ont confié la responsabilité d'une nouvelle marque appelée BOOM ! Coffret qui s'adresserait à un public un peu plus âgé. Le seul thème fédérateur serait, comme Watters le rappellera plus tard, « le genre de bandes dessinées que vous créez par amour de la bande dessinée ». La deuxième bande dessinée qui BOUM! La boîte libérée étaitBûcherons, le résultat de la démarche de Watters auprès de l'écrivain Grace Ellis pour la conception d'une nouvelle série centrée sur les filles. Brooke Allen a été recrutée en tant qu'artiste (et créatrice de personnages) et Noelle Stevenson a rejoint le livre en tant que co-scénariste d'Ellis.

La série est une histoire délicieusement décalée sur un groupe de filles (Mal, Ripley, Molly, April et Jo) dans un camp de scouts (leur troupe de scouts est les Lumberjanes, bien sûr) qui vivent de nombreux phénomènes effrayants. leur camp et vivez des aventures géniales pendant que leur conseillère assiégée, Jen, tente de garder le contrôle d'eux. Initialement prévue pour être une mini-série de huit numéros, la réponse immédiate a été si extrêmement positive qu'elle est devenue une série continue au moment de la sortie du deuxième numéro.Bûcheronsest l'exemple parfait de la raison pour laquelle l'avenir de la bande dessinée est si prometteur : il s'agit d'une série créée avec amour mettant en vedette un groupe de filles diverses, et leur diversité n'est qu'une partie normale de l'histoire. Lorsque deux filles ont le béguin l'une pour l'autre, cela n'est pas traité différemment des béguins que les petits garçons et les filles ont l'un pour l'autre dans toutes les histoires d'aventures pour enfants. Le succès deBûcherons, qui est également en cours de développement en tant que film majeur, a facilité la sortie d'encore plus de bandes dessinées comme celle-ci, commeAcadémie Gotham,Goldie Vance, etJournées géantes —et a donné lieu à encore plus d’optimisme quant à l’avenir de ce média.