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Les films peuvent nous faire pleurer pour toutes sortes de raisons. Cela pourrait être particulièrementpartition en mouvement, ou le purspectacle d'une scène, ou une représentation évocatrice detraumatisme générationnel. Et tout aussi souvent, les films nous feront pleurer lorsqu'ils ne seront pas disponibles en streaming lorsque vous souhaiterez les regarder. Heureusement pour vous, nous avons fait le travail et trouvé 20 films dignes de pleurer qui sont actuellement sur les principaux services de streaming. Prenez une couverture et sanglotez doucement, pleurez laid ou déchirez simplement ces films dans votre salon qui sera bientôt mouillé.
Les années 90 ont été une période dorée pour les adaptations shakespeariennes déchirantes ; pense à ce sanglot étouffé qui pleure tous les tempsClaire Danoisdonne à la fin de Baz LuhrmannRoméo + Julietteou le cri angoissé de Lavinia de Laura Fraserseraitdonnerais si ses violeurs ne lui avaient pas aussi coupé la langueTite. Ce sont des tragédies, après tout. Pourtant, la scène du poème au caractère résolument comiqueApprivoiser la musaraigneremake10 choses que je déteste chez toiest sublimement séveux grâce àdoncbeaucoup de sérieux : le regard écarquillé et blessé de Heath Ledger ; la poussée du réalisateur Gil Junger sur Julia Stiles alors qu'elle lit son poème principal devant la classe ; La façade défensive de Stiles s'effondra d'abord un petit peu, puis d'un seul coup. C'est une minute parfaitement rythmée qui honore tous les sentiments sincères et incontrôlables de l'amour adolescent et nous les impose également. La mort de Ledger au cours des années qui ont suivi n'a fait qu'amplifier la nostalgie. —Roxana Hadadi
Avez-vous déjà pleuré si fort que vous avez commencé à faire des bruits étranges sans savoir comment vous arrêter ? C'est ce qui m'est arrivé en regardant la scène50/50où Adam (Joseph Gordon-Levitt) pleure dans les bras de sa mère (Anjelica Huston) au moment où il est emmené pour subir une opération chirurgicale risquée.50/50n'est-ce pas percutant dans chaque scène. Pour un film sur un jeune homme diagnostiqué avec un cancer et basé vaguement sur les expériences du scénariste Jonathan Levine, ce n'est pas vraiment un déprimant implacable. Certaines parties du film pourraient être classées comme une véritable comédie entre amis, car elles se concentrent sur la relation d'Adam avec son meilleur ami Kyle (Seth Rogen), qui fait de son mieux pour soutenir son ami à travers une maladie potentiellement mortelle. Mais c'est le mélange de tons du film qui fait que les scènes vraiment dramatiques, comme celle pré-opératoire, fonctionnent aussi bien. Au milieu de la vie, ces moments surgissent et rappellent qu’Adam court un réel danger de perdre les siens. —Jen Chaney
Au milieu du film, il n'y avait peut-être pas de film mieux adapté pour faire pleurer toute une soirée pyjama queLe cahier. Si l'expression « basé sur un roman de Nicholas Sparks » ne vous suffit pas, voici un bref aperçu de ce qui suit :quelquesdes déclencheurs déchirants trouvés dans cette romance des années 1940 : de jeunes amants de différentes classes sociales déchirés par des parents désapprobateurs ; un personnage secondaire essentiel tué pendant la Seconde Guerre mondiale ; déclarations de désir sous la pluie; un joli couple de personnes âgées dansant ; un grand geste mettant en valeur l'immobilier ; donc, tant de baisers passionnés. Bien sûr, tout cela est un peu cliché, mais avec Rachel McAdams et Ryan Gosling agissant en cercle autour du dialogue standard et délivrant une alchimie indéniable, il est impossible de ne pas se laisser emporter par les émotions. —Tollé Wright
Désolé deBarbieet ses monologues, mais le film le meilleur et le plus déchirant de Greta Gerwig est celui pour lequel elle a obtenu une nomination pour la meilleure réalisation.Dame Oiseaua tellement de types de cris différents : le cri de reconnaissance face aux tentatives maladroites d'autodétermination de l'adolescent titulaire (Saoirse Ronan) ; le cri de frustration alors que Lady Bird et sa mère (Laurie Metcalf) se déchargent mutuellement de leurs angoisses ; le cri de soulagement lorsque Lady Bird appelle pour s'excuser. Une fois vos larmes sèches, appelez votre mère et dites-lui que vous êtes désolé. Pour n'importe quoi. Pour tout ! —Emily Palmer-Heller
Une famille d'immigrants coréens déménage de Californie pour l'Arkansas en 1983 pour suivre le rêve américain du patriarche Jacob Yi (Steven Yeun) dans ce magnifique drame. Les Yi ont du mal à s'enraciner dans leur nouvelle maison, au propre comme au figuré, alors que la ferme de Jacob fait face à une série de revers et que la famille s'acclimate à la vie dans une communauté rurale isolée. Les difficultés sont dévastatrices, mais c'est la relation entre le jeune fils David (Alan Kim) et sa grand-mère Soon-ja (Youn Yuh-jung, qui a remporté l'Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle) qui fait vraiment démarrer ces travaux hydrauliques. Si seulement Jacob pouvait utiliser nos larmes pour ses récoltes. —Tolly Wright
Les travaux d'adduction d'eau démarrent presque immédiatement. Le film de Miyazaki s'ouvre avec une jeune fille de 13 ans nommée Kiki quittant la maison pour accrocher son propre bardeau en tant que sorcière résidente ailleurs. Les scènes d’ouverture montrent clairement non seulement qu’elle a des pouvoirs magiques, une attitude courageuse et un fort sentiment d’indépendance, mais aussi qu’elle est aimée. Plus je revois ce film, qui accumule des obstacles émotionnellement dévastateurs sur le chemin de Kiki une fois qu'elle part, plus la fin de son enfance me semble aiguë. Il s'agit d'un film sur l'éloignement de la maison, l'instabilité financière, la frustration professionnelle et, finalement, la dépression alitée et douloureuse physiquement. Je pleure alors qu'elle décolle du sol dans cette scène d'ouverture parce que le storyboard et la mise en scène de Miyazaki rendent sa persévérance à travers tout cela étrangement réelle. Je déplore son enfance, mais je suis aussi bouleversée par le fait que la foule qui l'acclame veut qu'elle s'épanouisse, parce que je veux la même chose. Puis elle heurte un arbre en montant. Attagirl!—Éric Vilas-Boas
Recrue de l'annéen'est pas le film dans lequel des êtres célestes aident les Anges à remporter le fanion - ce seraitDes anges dans le champ extérieur.Recrue de l'annéeest le film dans lequel un jeune de 12 ans souffrant d'une blessure anormale au bras aide les Cubs à remporter le fanion, et les vrais têtes savent que c'est l'offre supérieure de baseball pour enfants des années 90. Cela aussi, et je ne suis que légèrement gêné de l'admettre, est assuré de me faire monter en puissance grâce à sa fin. Henry Rowengartner (Thomas Ian Nicholas) a été recruté dans la Major League grâce à un bras cassé qui a guéri d'une manière qui lui permet de lancer une balle rapide et brûlante. Mais lors du dernier match de la saison, Henry tombe et défait tout miracle anatomique qui a permis à sa superpuissance sportive, et se retrouve face à un cogneur des Yankees avec rien de plus que l'habileté d'un petit ligueur. Il n'a plus d'options et ne sait pas quoi faire, et puis ! Il regarde le gant que sa mère Mary (la légende du théâtre de Chicago, Amy Morton) lui a donné, celui qu'elle a dit appartenir au père qui l'a en fait abandonnée quand elle était enceinte, et enlève du ruban adhésif pour y trouver son nom à la place. Ce n’était pas son père absent qui aimait le baseball, c’était sa mère, qui disait depuis les tribunes qu’il devrait « le faire flotter ». L'expression du visage de Morton et la façon dont le film crée cette conversation privée entre les deux personnages au milieu de cet immense stade sont totalement touchantes.Recrue de l'annéeest un film loufoque, mais l'idée de cette femme qui donne une partie d'elle-même pour donner à Henry l'impression qu'il avait quelqu'un à admirer, alors qu'elle a été là tout le temps, me frappe toujours. —Alison Wilmore
Le premier film de Ryan Coogler est basé sur la mort réelle d'Oscar Grant, un homme noir de San Francisco assassiné dans une station BART par des policiers trop zélés du métro. Ce seul fait donneGare de Fruitvaleune puissance immédiate et déchirante. Alors que le film retrace le dernier jour qu'Oscar (Michael B. Jordan) passe en vie, vous savez déjà ce qui va lui arriver et vous savez que vous ne pouvez pas l'arrêter. Vous savez également que l'histoire d'Oscar ne sera pas la dernière dans laquelle un jeune homme noir perdra la vie simplement en croisant par inadvertance la route du mauvais flic. Mais la partie de ce film qui va tout simplement vous détruire est la scène où la mère d'Oscar, interprétée par Octavia Spencer, s'effondre dans un élan de culpabilité et de chagrin en identifiant son corps. La première fois que j'ai vu cette scène et ce film, je sanglotais encore si fort en quittant le parking que j'ai pensé que le préposé pourrait m'envoyer directement chez un thérapeute. —Jen Chaney
Chaque année, aux alentours de Noël, je le regarde ; chaque année, cela me réduit à l'état de flaque d'eau. On pourrait penser que j'y suis désormais insensibilisé, mais l'intensité ne fait qu'augmenter à mesure que je vieillis et que je me familiarise avec les problèmes auxquels George Bailey est confronté dans son existence difficile. Vous avez entendu l'histoire : pratiquement fauché et potentiellement aller en prison après que son oncle et partenaire commercial ait perdu 20 000 $, George envisage de mettre fin à ses jours lorsqu'un ange lui rend visite et lui montre, par flash-back, à quel point il est précieux pour la société. C'est une parabole convaincante qui culmine avec Jimmy Stewart réaffirmant avec jubilation son amour pour sa vie misérable, sa ville minable et sa belle famille adorante. Mais la phrase qui me fait basculer vient du frère de George, Harry, qui est enfin rentré chez lui après des années de combat pendant la Seconde Guerre mondiale. Harry propose un toast : « À mon grand frère George : l'homme le plus riche de la ville. » Je le perds complètement - de plus en plus fort chaque année - parce que plus je vieillis, plus il me semble important de dire aux gens à quel point vous tenez à eux pendant que vous pouvez le dire et qu'ils peuvent l'entendre.—Éric Vilas-Boas
L'obsession de M. Night Shyamalan pour le vieillissement et la paternité a peut-être atteint son apogée dans l'absurdité avec (la plage qui vous fait)Vieux, maisFrapper à la cabaneamène sa perspective sombrement optimiste sur le sacrifice parental à une conclusion plus réfléchie. Peut-être que le point culminant du film, dans lequel Eric (Jonathan Groff) et Andrew (Ben Aldridge) sont finalement convaincus que l'apocalypse se produira littéralement s'ils ne sacrifient pas un membre de leur famille, ne frappe pas aussi fort si ce n'est pas le cas. votre première fois de retour dans une salle de cinéma après l'accouchement, et vous avez passé la majeure partie de votre temps à vérifier subrepticement votre téléphone pour un appel d'urgence de la baby-sitter. Mais qui peut le dire ? —Emily Palmer-Heller
ILS CIBLENT LES MÈRES BALEINES PARCE QU'ELLES NAGENT PLUS LENTEMENT PARCE QU'ELLES NE VEULENT PAS LAISSER LEURS BÉBÉS DERRIÈRE !!! VOUS PLAISANTEZ J'ESPÈRE???? —Emily Palmer-Heller
On a beaucoup parlé de la séquence d'ouverture deEn haut, mais si le vieil homme Fredricksen pense que sa parabole est aussi triste que possible, il doit (désolé) revenir sur terre. En fait, ce n'est même pas l'histoire d'origine la plus triste parmi les films d'animation Disney sortis pendant les années Obama, grâce àGrand héros 6. Dans la ville futuriste imaginaire de San Fransokyo (donc en gros Tokyo, mais ils parlent anglais et ont un pont rouge), les frères orphelins Hiro et Tadashi Hamada vivent avec leur tante Cass tandis que Tadashi fréquente l'Institut de technologie de San Fransokyo et que son jeune frère Hiro se lève. à rien de bon (principalement en participant à des batailles souterraines illégales de robots). Tadashi, essayant de sortir son frère de la rue, incite Hiro à le rejoindre à l'université pour étudier la robotique, où Tadashi lui-même a développé un robot de soins de santé nommé Baymax. Mais avant que Hiro ne puisse le faire, une tragédie survient : un incendie se déclare sur le campus universitaire et Tadashi est tué en tentant de sauver son mentor, Callaghan. Dans un ralenti douloureux, nous voyons Hiro devenir le dernier membre survivant de sa famille nucléaire. Plus tard dans le film, dans un moment crucial de frustration alimenté par le chagrin,Hiro tombe sur une séquence vidéode son frère développant Baymax en laboratoire. Un dernier moment émouvant de connexion entre frères se déroule tandis que les larmes coulent sur le visage de Hiro et que tous ceux dans le public qui ont déjà aimé et perdu cherchent un mouchoir. —Anusha Praturu
Les remakes live-action de Disney ne sont pas particulièrement émouvants. Réalisations en matière de conception de costumes (MalfaisantetCendrillon), des avancées dérisoires dans la représentation LGBTQ+ (La belle et la Bête), et les régurgitations de l'orientalisme (Aladdin), bien sûr. Mais la plupart d'entre eux partagent une qualité de vallée étrange qui nous tient à distance, à une exception notable : le film magnifiquement réinventé de David Lowery.celui de Pete Dragon. La comédie musicale originale de 1977 est centrée sur l'amitié entre l'orphelin Pete et le dragon maladroit Elliott, et c'est un peu comme la sortie de la même année.Le Sauveteursen ce sens qu'un lien humain-animal finit par enseigner aux deux espèces la gentillesse et la compassion. Le remake de Lowery ne perd pas cela de vue. Au lieu de cela, il abandonne certains des aspects les plus loufoques de l'original pour une exploration plus sombre de ce à quoi ressemble la solitude, à la fois au niveau micro-familial et au niveau macro-environnemental, et Bryce Dallas Howard et Oakes Fegley forment une adorable mère-fils. paire. La finale du film frappe tous les bons rythmes d'amour, d'acceptation et de sacrifice, et tout à coup, vous sanglotez à la vue d'un groupe de dragons CGI vert fluo zoomant dans le ciel lors d'une réunion jubilatoire. Aucune des autres adaptations en direct de Disney n'a été aussi proche de ressentir une telle sensation. —Roxana Hadadi
Cejoli petit film français, la suite de Céline Sciamma àPortrait d'une Dame en Feu,contient beaucoup de pleurs dans un petit package de 72 minutes. L'angoisse maternelle et infantile s'entremêlent lorsque Nelly (Joséphine Sanz), 8 ans, rencontre et se lie d'amitié avec une version de 8 ans de sa mère, Marion (Gabrielle Sanz, Nina Meurisse à l'âge adulte), après la mort de sa grand-mère bien-aimée. et Marion s'en va sans dire au revoir. La curiosité de Nelly à l'égard de ses parents, notamment à l'égard de la tristesse de sa mère, est si pure et si douce qu'elle vous fera pleurer bien avant les inévitables retrouvailles mère-fille. —Emily Palmer-Heller
Un mot d'avertissement : les larmesLa pommeapportera ne sont pas inspirés parspectacle maximaliste, cathartique ou romantique; le film ne rentre pas facilement dans aucune catégorie et ne recrée aucun des tropes de celui-ciliste exhaustive. Le premier film de la réalisatrice et écrivaine iranienne Samira Makhmalbaf, réalisé alors qu'elle n'avait que 17 ans, est glissant, rusé, dérangeant et émouvant, et les émotions qu'il suscite sont aussi compliquées et contradictoires que le film lui-même. Une sorte de version iranienne deLes suicides vierges,La pommeest à la fois basé sur une histoire vraie et met en vedette des non-acteurs dont la vie est ici légèrement romancée. DansLa pomme, les sœurs jumelles Zahra et Massoumeh Naderi, 12 ans, ont été enfermées dans leur maison par leurs parents toute leur vie. Leur père âgé, un homme incroyablement religieux, est convaincu qu'envoyer ses filles dehors conduirait à leur corruption, leur viol et leur ruine ; leur mère, aveugle, acquiesce aux demandes de son mari. L'histoire est devenue une nouvelle nationale lorsque leurs voisins ont alerté les autorités et, quelques jours plus tard, Makhmalbaf a rencontré la famille et a commencé à les filmer. Elle leur fait recréer des conversations et des événements, suit Zahra et Massoumeh dans leur découverte du monde extérieur et ses innombrables règles, et interroge les parents Naderi sur leurs choix ; l'effet est une bascule entre un choc confus devant les efforts déployés par les parents pour satisfaire leurs illusions et leurs peurs et un soulagement mesuré face à la possibilité que ces sœurs puissent désormais vivre une vie meilleure.La pommeest une expérience sur la forme, mais ce qui ne fait jamais de doute, c'est à quel point ce film est bouleversant dans ses représentations du désespoir et de l'espoir. —Roxana Hadadi
Chaque fois que Claire Danes pleure, nous pleurons. Ou bien Kirsten Dunst pleure parce qu'elle a été harcelée par son professeur, et Susan Sarandon s'en indigne ! Ou Christian Bale pleure parce qu'il n'aimera jamais personne comme il aime Winona Ryder, pour ensuite tomber amoureux de Kirsten Dunst des années plus tard ! Ou Winona Ryder pleure parce qu'elle a attrapé Gabriel Byrne avant son départ pour la Californie, abattue, pensant qu'elle était mariée à Christian Bale ! Nous pleurons aussi alors. —Emily Palmer-Heller
Le film qui a fait découvrir au grand public les talents d'Audrey Hepburn, la comédie romantique de William Wyler raconte la romance éclair entre une princesse en fuite (Hepburn) et un journaliste (Gregory Peck) à Rome. La majeure partie du film suscite plus de rires que de larmes, mais c'est la fin douce-amère qui vous fera pleurer à chaque fois. Il suffit des regards les plus intimes entre Hepburn et Peck pour vous faire pleurer. —Savane Salazar
Il est difficile de vivre une expérience unique avecTitanesque. Vous trouverez l'alchimie entre Leonardo DiCaprio et Kate Winslet irrésistible ; vous serez bâillonné par l'audace de Billy Zane ; vous vous sentirez dépassé parle spectacle massifde la seconde moitié du film ; et vos pleurs atteindront leur paroxysme incontrôlable soit lorsque les musiciens décideront de descendre avec le bateau, soit lorsque Cameron montrera le vieux couple allongé sur le lit. Quoi qu'il en soit, si vous avez besoin d'un film à couper le souffle pour libérer cette énergie émotionnelle refoulée,Titanesqueest toujours la réponse. —Savane Salazar
J'ai rencontré pour la première foisGloireen études sociales au lycée. Il existe peu d’environnements moins propices à la vulnérabilité émotionnelle, mais le film a quand même dépassé mes défenses. Matthew Broderick incarne l'officier blanc commandant le 54e régiment d'infanterie du Massachusetts, l'une des premières unités militaires noires du pays. Il se heurte aux hommes qui servent sous ses ordres, en partie parce qu'ils ont bien plus en jeu que lui dans toute cette histoire de guerre civile. Voir comment chaque soldat évolue en tant que Noir dans une société raciste est très puissant : chaque homme a sa propre stratégie pour échapper à ce monde indemne, et c'est navrant de savoir (1) qu'ils doivent faire tout ce travail supplémentaire pour simplement exister, (2 ) que ce travail acharné ne les protège toujours pas, et (3) leurs descendants font le même travail. Mais tout le film n’est en fait qu’un préambule à la fin : ils perdent ! Le film suit ces hommes, imprégnés de vies intérieures, d’histoires, d’espoirs et de rêves d’une Amérique meilleure, pour ensuite mourir aux mains de la Confédération. Nous savons que l'Union finit par gagner la guerre civile, mais cela n'efface pas l'image obsédante du colonel de Broderick et du soldat Silas Trip de Denzel Washington jetés dans la même fosse commune. —Béthy Écuyers
De nombreux cris de cinéma offrent une sorte d’évasion, bien ancrée dans le domaine de la fiction.Amour, Antosha, un documentaire sur l'acteur Anton Yelchin, décédé tragiquement dans un accident anormal à l'âge de 27 ans, n'offre pas une telle protection. Le film est raconté par YelchinMourir de la Lumièreco-vedette Nicolas Cage et présente des entretiens avec plusieurs amis proches et collègues qui célèbrent son talent d'artiste. Mais le cœur du film réside dans sa relation avec ses parents, Irina Korina et Viktor Yelchin. Leur amour est détaillé dans les images d’archives de Yelchin lorsqu’il était enfant et dans les lettres qu’il a envoyées à son domicile. (Le titre du documentaire vient de sa signature dans ces notes.) Si cela n'était pas assez triste, apprendre qu'Irina et Viktor se sont battus pour que le film soit réalisé en hommage à leur fils provoquera certainement des sanglots. —Emily Palmer-Heller
