Les meilleurs films qui ont perdu le meilleur film aux Oscars

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Cet article a été initialement publié le 6 février 2019 et a été mis à jour pour refléter les événements de la96e cérémonie annuelle des Oscars.

Quelle que soit votre opinion sur les Oscars, si vous vous souciez du cinéma, vous ne pouvez pas simplement les ignorer. À tout le moins, les lauréats de l'Académie constituent également une histoire du cinéma. Une histoire imparfaite, certes, mais une histoire néanmoins. Traverserla liste des gagnants du meilleur film, vous verrez les tendances croître et décroître et aurez au moins une idée approximative de ce qui a été valorisé dans les films pour chaque année et de la progression des tendances.Le tour du monde en 80 jours" La victoire du meilleur film, par exemple, ressemble au pendule qui revient sous le poids deAu bord de l'eauetMarty, lauréats des années précédentes.

Et si chaque année produisait deux gagnants ? Une folie, non ? Mais cela aurait l’avantage de donner une image plus complète de ce qui se passait dans le monde du cinéma à l’époque.

C'est exactement ce que tente de faire cette liste : choisissez un deuxième film dans la liste des nominés pour le meilleur film qui ferait à la fois un gagnant méritant et offrirait une idée plus complète de l'histoire du cinéma. Il ne s'agit pas de choisir un gagnant pour l'ensemble de l'année. (CependantLe livre de Danny Peary de 1993Oscars alternatifsprouve qu'il y a beaucoup à apprendre de cela.) Il ne s'agit pas d'une tentative de suggérer que ces films sont meilleurs que les films qui ont gagné, même s'ils le sont parfois. (Euh,Accident. Hum,Un cœur brave.) Il s'agit d'une tentative d'identifier le meilleur perdant du meilleur film de chaque année, peut-être de suggérer un film qui pourrait à juste titre se placer à côté du gagnant comme deuxième choix. Considérez cela comme un chemin alternatif à travers l’histoire des Oscars. Commençons donc par le tout début, à l'époque où les gagnants étaient annoncés à l'avance et où la cérémonie de remise des prix consistait en un dîner élaboré.

La première cérémonie des Oscars facilite le choix du gagnant du meilleur film : l'Académie en a officiellement choisi un pour elle-même. Pendant un an seulement, les Oscars ont sélectionné à la fois un « film exceptionnel » et un « meilleur film unique et artistique ». L'idée était de distinguer les films plus commerciaux des efforts plus artistiques (nuances dele prix controversé d'une réalisation exceptionnelle dans le cinéma populaireannoncé, puis abandonné, en 2018). Rétroactivement, gagnant du film exceptionnelAilesa été nommé lauréat du meilleur film de cette année-là, consacrantLever du soleil : une chanson de deux humainsà une note de bas de page, ne serait-ce qu’en termes d’historique des récompenses. EncoreLever du soleilest une réalisation époustouflante qui aurait tout aussi bien pu lui ravir cet honneur. L'histoire d'un homme anonyme (George O'Brien) et d'une femme (Janet Gaynor, qui a remporté le prix de la meilleure actrice pour son travail ici) dans un état de discorde conjugale, FW Murnau apporte les techniques expressionnistes allemandes dont il a été le pionnier avec des films commeNosferatuetLe dernier rireà Hollywood. C'est décidément, pour reprendre les termes de l'Académie, unique et artistique, même si cela ne le place pas dans une catégorie différente d'un film plus populaire comme le film de haut vol de William Wellman.Ailesreste une question étonnamment vivante aussi profondément dans l'existence des Oscars.

OùLever du soleilviendrait à caractériser le genre de film qui remporte habituellement le prix du meilleur film – une déclaration artistique sérieuse de la part d'un réalisateur majeur –Dans le vieil Arizonaincarne le genre de film qui remporterait rarement le premier prix à l'avenir, un film de genre sans prétention et qui plaira à tout le monde (même s'il se termine par une fin étonnamment sombre). Cela fonctionne toujours assez bien dans ces conditions, même si en profiter signifie désormais dépasser la vue des acteurs blancs fortement maquillés jouant des personnages latinos. Pourtant, cette adaptation d'une histoire d'O. Henry penche toutes ses sympathies vers le héros hors-la-loi, le Cisco Kid (Warner Baxter, dans un rôle lauréat du meilleur acteur) et loin du soldat blanc pompeux chargé de le retrouver. La popularité du film contribuerait à faire de Cisco Kid un incontournable du cinéma, de la radio, du pulp, des bandes dessinées et de la télévision pour les années à venir, joué plusieurs fois par Baxter, puis plus tard par Cesar Romero et, plus récemment, Jimmy Smits.

Le drame carcéralLa grande maisoneffectue un tour de passe-passe similaire, faisant d'un nouveau prisonnier accusé d'homicide involontaire après un incident de conduite en état d'ébriété (un jeune Robert Montgomery) le héros, mais se concentrant plutôt sur deux criminels endurcis (Chester Morris et Wallace Beery) qui s'avèrent ne pas être aussi irrécupérables qu'ils le paraissent au premier abord. Un film très influent qui a défini le modèle des films de prison à venir, c'est un film captivant, rempli d'images sur la façon dont les prisons déshumanisent ceux qui se trouvent dans ses barreaux, qui atteint un point culminant violent qui semble toujours assez choquant.

Le seul problème avecLa première pageest que l'adaptation par Lewis Milestone de la pièce de Ben Hecht et Charles MacArthur sur les journalistes qui parlent vite sur le terrain du crime sera toujours éclipsée par la pièce encore meilleure de Howard HawksSa copine vendredi, une version du même matériau mais avec un changement de genre qui en fait une double fonction de comédie romantique. Mais le film de Milestone n’est pas non plus une mince réussite. Avec Adolphe Menjou et Pat O'Brien, c'est rapide et drôle et le réalisateur fait de son mieux pour dépasser les limites des débuts de l'ère sonore et apporter une touche visuelle au matériel axé sur les dialogues.

En parlant de talent visuel, Josef von Sternberg n'a pas abandonné le style visuel époustouflant qu'il a développé à l'époque du cinéma muet une fois que le son est entré en scène. Il a également trouvé une collaboratrice idéale en la personne de Marlene Dietrich, une actrice qui a compris avec quelle puissance elle pouvait tenir l'écran avec un regard las du monde et un costume à couper le souffle.Shanghai Expressest le quatrième des sept films que Dietrich a tourné avec Sternberg entre 1930 et 1935. Se déroulant dans une Chine en pleine tourmente politique, il met en vedette Dietrich dans le rôle d'un « coaster » – une femme à la réputation douteuse qui évolue parmi les hommes de la classe dirigeante. – qui retrouve de manière inattendue l'homme qu'elle aime vraiment dans un train destiné à être repris par les révolutionnaires. Le partenariat entre Sternberg et Dietrich a prospéré à l'époque pré-Code, et le film mélange des images inoubliables avec une représentation complexe des mœurs sexuelles qui ne voleraient pas quelques années plus tard.

Et d’ailleurs,42e rue, un drame musical en coulisses sur la difficile tâche de monter un spectacle pendant la Dépression qui ne cache pas les aspérités et ne transforme pas ses personnages en saints. (Ginger Rogers, par exemple, joue une héroïne surnommée « Anytime Annie ».) Au début de l'ère du son, les films étaient encore en train de déterminer ce que pouvaient être les comédies musicales. Mais ils ne voulaient pas de créateurs talentueux avec de grandes idées, comme Busby Berkeley, qui a réalisé les séquences musicales du film. Berkeley a compris qu'une comédie musicale ne se limitait pas à pointer une caméra vers les interprètes et à la laisser tourner, que la caméra elle-même devait faire partie de la chorégraphie, et que ce sens était déjà bien en place dans ce premier effort de ce qui allait devenir une longue carrière.

Le road movie/comédie romantique de Frank CapraC'est arrivé une nuitest devenu le premier film à remporter les Oscars dans toutes les grandes catégories, dominant si largement les récompenses que personne d'autre n'avait apparemment de chance. C'était aussi un exemple trop rare de comédie remportant le premier prix, même si le charmant mystère romantiqueL'homme mince —mettant en vedette Myrna Loy et William Powell dans le rôle d'un couple résolvant des crimes qui aiment le mystère, l'alcool, leur chien et l'un l'autre - n'aurait pas non plus été un mauvais choix. Le film a lancé une délicieuse série, mais cette première entrée est la plus nette et la meilleure, avec la chimie sexuelle et les bons mots de Loy et Powell noyant pratiquement tous les autres aspects du film – ce n'est pas une raison de se plaindre.

L'intrigue deChapeau haut de formeest la plus fragile des farces dans laquelle une série de malentendus empêchent les personnages de Fred Astaire et Ginger Rogers de se réunir jusqu'aux derniers instants du film. C'est aussi un pur délice, avec Astaire et Rogers dans leur plus grand charme alors qu'ils dansent à travers une série de connexions manquées et de moments d'erreurs d'identité sur une série de chansons écrites par Irving Berlin. Le couple est apparu ensemble dans dix films, et même si les deux ont eu un énorme succès l'un par rapport à l'autre, il y a une sorte de magie à les voir ensemble.Chapeau haut de formeles entoure de personnages colorés, les dépose dans des décors luxuriants et laisse cette magie opérer.

Adapté d'un roman de Sinclair Lewis devenu ensuite une pièce de théâtre à succès,Dodsworthmet en vedette Walter Huston et Ruth Chatterton dans le rôle d'un couple en âge de prendre sa retraite qui fait à nouveau connaissance lors d'un voyage en Europe, pour apprendre qu'ils n'apprécient plus la compagnie de chacun. Le film ne fonctionnerait pas avec un réalisateur qui ne pourrait pas se concentrer intensément sur la vie intérieure de ses personnages. Heureusement, il y avait William Wyler, qui savait comment y parvenir mieux que quiconque, grâce à une combinaison de réalisation cinématographique assurée et discrète et de s'appuyer sur de solides performances. Wyler avait déjà des dizaines de films à son actif lorsqu'il réalisaDodsworth, mais c'est avec ce film qu'il a remporté la première de nombreuses nominations aux Oscars.

Les Oscars sont tombés dans des schémas difficiles à briser assez tôt dans leur existence, l'un d'entre eux étant une tendance à prendre les films sérieux plus au sérieux que les comédies.C'est arrivé une nuitle palmarès multi-catégories de quelques années plus tôt et le deuxième triomphe du meilleur film de Capra en 1938 constitueraient des exceptions notables, et la comédie loufoque de Leo McCareyL'horrible vérité- dans lequel Cary Grant et Irene Dunne se rendent compte que divorcer n'est peut-être pas une si bonne idée après tout - n'avait probablement aucune chance face à des gens commeUne étoile est née,La Bonne Terre,Horizon perdu, et le gagnant ultime,La vie d'Émile Zola. C'est cependant un excellent exemple de la forme, et Grant et Dunne font des partenaires d'entraînement idéaux, si idéaux qu'ils apparaîtraient ensemble dans deux autres films.

Autre mauvaise habitude de l'Académie : ne rappeler qu'occasionnellement que les grands films sont souvent tournés dans des pays qui ne parlent pas anglais, efforts généralement relégués dans la catégorie du meilleur film en langue étrangère. Cette catégorie ne sera même pas introduite avant 1947, mais au moins les récompenses de 1938 reconnaissent l'existence du talent de Jean Renoir.Grande Illusion, une histoire humaniste de la Première Guerre mondiale publiée comme une seconde guerre de ce type se profilait à l'horizon.

De temps en temps, une année accueille des classiques plus durables que la plupart des années. Parfois, les nominés pour le meilleur film ne reflètent pas cela. (Les nominés pour 1999, par exemple, omettentÊtre John Malkovich,Magnolia,La matrice,Club de combat,Le talentueux Monsieur Ripley,Les garçons ne pleurent pas, le géant de fer… la liste est longue.) Mais parfois ils le font.Autant en emporte le vent —un phénomène culturel géant, à tout le moins – battuSombre victoire,M. Smith se rend à Washington,Ninotchka,Des souris et des hommes,Diligence,Les Hauts de Hurlevent,Au revoir M. Chips, etHistoire d'amourpour remporter le prix du meilleur film. Il a également battu un film tout aussi, sinon plus, durable du réalisateur Victor Fleming :Le Magicien d'Oz, qui est depuis devenu la première introduction envoûtante de plusieurs générations aux comédies musicales et au cinéma hollywoodien classique.

1940 n’était pas tout à fait 1939, mais elle a quand même produit plus de films intemporels que la plupart des années. Alfred Hitchcock et John Ford ont réalisé deux films nominés pour le meilleur film (Hitchcock'sRébeccaa remporté le prix) et avecL'histoire de Philadelphie, George Cukor a livré l'une des plus grandes comédies romantiques. Mais si nous voulons que cette liste serve également d'histoire fantôme d'autres tendances dans les films nominés aux Oscars, donnons cette place àLe grand dictateur, à la fois parce que Charlie Chaplin n'est représenté nulle part ailleurs - sur cette liste ou sur la liste des véritables gagnants - et parce que personne d'autre ne faisait un film comme celui-ci en 1940. Même après le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, Hollywood ne se précipitait pas pour faire des films condamnant Hitler ; Chaplin a été son propre producteur pour le film, dans lequel il joue le double rôle du dictateur fasciste Adenoid Hynkel et de son sosie, un barbier juif anonyme qui se laisse entraîner dans le vilain business de l'autoritarisme. C'était une entreprise risquée, mêlant humour absurde et satire mordante au service d'un appel sincère pour la paix, mais elle est devenue un succès auprès de la critique et du public.

À quel point ma vallée était vertebattreCitoyen Kane —pendant des années, le choix consensuel pour le plus grand film jamais réalisé – remporter le prix du meilleur film est l’un des exemples les plus faciles à citer d’Oscar qui se trompe. Cela néglige deux faits : (1)À quel point ma vallée était verteest également plutôt génial, et (2) la compétition étaitdifficilecette année-là, qui a également vu les nominations aller àVoici M. Jordan,Les petits renards,Le faucon maltais,Sergent York, etSoupçon, entre autres. (L'Académie plafonnerait le nombre de candidats à cinq quelques années plus tard, et cela resterait ainsi jusqu'en 2009.) Cela dit, aucun de ces films n'estCitoyen Kane, l'histoire d'ascension et de chute du premier réalisateur Orson Welles (co-scénarisée par Herman Mankiewicz) inspirée de la vie de William Randolph Hearst et remplie de toutes les astuces cinématographiques que Welles connaissait (et beaucoup d'entre elles qu'il a inventées).

1942 fut une autre année avec une abondance de grands nominés pour le meilleur film (Yankee Doodle DandyetLa fierté des Yankeesparmi eux), mais il est toujours plus logique de choisir un film d'Orson Welles comme alternative.Les magnifiques Ambersona été retiré des mains de Welles avant qu'il ne le termine, ce qui l'a amené à avoir des conflits très médiatisés avec les studios et les producteurs pour le reste de sa carrière. La fin ajoutée ressort toujours, mais la description des perspectives d'avenir et de l'optimisme en déclin d'une famille du Midwest est à la fois infiniment inventive et profondément touchante.

Quand David O. Selznick a fait un grand effort pour le film de 1946Duel au soleil,Variétél’a rejeté comme un « Western glorifié ». Le genre n’était pas universellement peu estimé –Cimarrona remporté le prix du meilleur film ;Diligenceet d'autres ont obtenu des nominations - mais en parler avec dédain n'a pas non plus fait sourciller. Telle était la bataille difficile à laquelle devaient faire face les westerns, même au plus fort de leur popularité. Mais même le spectateur le plus snob pourrait voir que le film de William WellmanL'incident du bœuf-arcn’était pas un western ordinaire. Une histoire de mentalité de foule poussée à un extrême mortel, elle met en vedette Henry Fonda dans le rôle d'un cow-boy qui rejoint un groupe pour traquer des meurtriers seulement pour voir sa quête de justice devenir incontrôlable. Le prolifique Wellman réaliséAiles, premier lauréat du prix du meilleur film, s'empare ici du caractère intemporel de l'histoire et contribue à préparer le terrain pour les westerns moralement ambigus qui domineront les années 1950.

Billy Wilder et son co-scénariste Raymond Chandler n'ont pas créé de film noir avec cette adaptation d'une histoire de James M. Cain sur un agent d'assurance (Fred MacMurray), une femme fatale (Barbara Stanwyck) et le plan meurtrier dans lequel ils se lancent ensemble. Mais le film noir n'aurait certainement pas été le même sans la combinaison de la vision aigre de Wilder de l'humanité et du dialogue de Chandler. L'Académie était plutôt d'humeur à s'élever, à honorerSuivre mon chemin, dans lequel Bing Crosby incarne un prêtre décontracté. Mais c'est le film de Wilder dont l'influence s'infiltrerait dans les nappes phréatiques.

Un réalisateur a-t-il autant prospéré dans le système des studios que Michael Curtiz ? Né en Hongrie, Curtiz a connu un grand succès dans l'industrie cinématographique européenne, puis un succès encore plus grand lorsqu'il est devenu le réalisateur interne n°1 de Warner Bros.Casablanca, une longue association avec Errol Flynn, et plus encore. Curtiz était méticuleux et adaptatif et, au début, pas très enthousiaste à l'idée de travailler avec Joan Crawford, qui avait besoin d'un retour et de prouver sa valeur à Warner Bros. lorsqu'elle a décroché le rôle principal dansMildred Pierce. Elle a atteint ces deux objectifs et a conquis Curtiz avec cette adaptation de James M. Cain, influencée par le noir, sur une mère qui donne et donne à une fille qui prend plus que ce qu'elle mérite. C'est un exemple de chaque élément de la machinerie du studio fonctionnant en parfaite synchronisation – de la star aux compositions baignées d'ombres – pour créer un art aussi déchirant que passionnant.

La Seconde Guerre mondiale a bouleversé la vie professionnelle du réalisateur Frank Capra et de l'acteur James Stewart. Capra s'est concentré sur la réalisation de documentaires sur la guerre qui remontent le moral. Stewart s'est battu, revenant secoué par ses expériences en tant qu'aviateur. Il parlait rarement de son service militaire au cours des années suivantes, et il avait du mal à reprendre sa carrière d'acteur, faisant une pause avant d'accepter le rôle de George Bailey, le propriétaire d'une caisse d'épargne et de crédit d'une petite ville qui réalise à quel point sa vie a touché ceux-là. autour de lui. Le film a sous-performé au box-office, devenant seulement un incontournable de Noël des années plus tard après qu'une déchéance des droits d'auteur ait conduit à des diffusions quasi constantes sur les stations locales dans les années 70 et 80. Il n'a cependant pas manqué d'éloges à l'époque, remportant cinq nominations aux Oscars, dont celle du meilleur acteur pour Stewart et celle du meilleur réalisateur pour Capra. Il les a tous perdusLes plus belles années de notre vie, une autre réflexion réfléchie sur ce qui compte vraiment, également éclairée par les années de guerre. Ils constituent désormais un double long métrage satisfaisant.

David Lean ne remporterait aucun Oscar jusqu'à ce qu'il devienne l'architecte incontournable d'épopées réfléchies commePont sur la rivière KwaïetLawrence d'Arabie. Mais il aurait tout aussi bien pu gagner pour cette adaptation du roman de Charles Dickens.De grandes attentes, qui rationalise le roman sans perdre l'intrigue intelligente, les personnages riches ou le talent pour le grotesque de Dickens. Sa nomination a fourni un autre signe que l’industrie cinématographique britannique est restée bien vivante dans les années qui ont suivi la Seconde Guerre mondiale – sans parler de ce qui se passait en Italie, au Japon, en France, en Suède et ailleurs. D’autres suivraient.

Nous pouvons probablement remercierLes chaussures rougespour avoir inspiré toute une génération de danseurs, et il n'est pas difficile de comprendre pourquoi. Son histoire sur la recherche de la perfection artistique, quel que soit le coût personnel, se déroule dans des endroits tragiques, mais il y a tellement de beauté en cours de route que cela en vaut presque la peine. Cette ambiguïté est au cœur de l'histoire de Michael Powell et Emeric Pressburger, centrée sur une ballerine qui lutte pour concilier son besoin de poursuivre ses dons artistiques et son désir de bonheur. Powell et Pressburger ont également repoussé les limites, brouillant les frontières entre réalisation cinématographique et chorégraphique – et réalité et rêves – dans de superbes séquences de danse et utilisant audacieusement le Technicolor d’une manière jamais tentée auparavant. C'est une histoire d'obsession réalisée avec une attention obsessionnelle aux détails et une maîtrise étonnante du pouvoir d'agitation et d'émotion du film.

Un cas d'idée intelligente mise en valeur par un cinéaste réfléchi et un casting parfait,Une lettre à trois épousesoffre aux téléspectateurs trois histoires de mariages instables pour le prix d'une. Initialement basé sur le romanUne lettre à cinq épousesavant d'être coupé (à un moment donné, Anne Baxter devait jouer une quatrième épouse), il s'ouvre sur trois épouses (Jeanne Crain, Ann Sothern et Linda Darnell) recevant une lettre d'une amie jamais vue les informant qu'elle quitte la ville avec un de leurs maris. Au fil de la journée, chacune se demande si cela pourrait ou non être son mari – et si elle devrait ou non se blâmer si c'est le cas. C’est une configuration riche que Joseph Mankiewicz utilise pour décrire les mécontentements intérieurs qui se cachent sous la surface de la prospérité américaine d’après-guerre.

Il existe depuis longtemps une certaine haine de soi dans l’industrie cinématographique, et parfois cette haine de soi mène à de grands films. C'est évident dansTout sur Ève, un film sur le monde impitoyable de Broadway qui aurait tout aussi bien pu concerner Hollywood. Et c'est essentiellement la raison d'être du film à parts égales tragique et sombrement drôle de Billy WilderBoulevard du Coucher du Soleil, dans lequel un scénariste en difficulté (William Holden) découvre les dessous gothiques d'Hollywood après avoir trébuché dans une relation intense avec une star instable de l'ère du muet (Gloria Swanson). La propre histoire de Swanson – elle avait été l'une des plus grandes stars de la Paramount mais avait connu des difficultés professionnelles depuis son apogée – n'est qu'une des façons dont le film présente un sombre miroir à la ville qui a rendu cela possible.

Adaptation de Theodore DreiserUne tragédie américaine, George Stevens a choisi de se concentrer sur la vie intérieure de ses personnages : un ouvrier d'usine qui s'efforce (Montgomery Clift), le collègue avec lequel il romance et imprègne (Shelley Winters) et l'objet de désir intelligent (Elizabeth Taylor) qui dirige lui faire faire des choix cruels. Alimenté par des performances intenses et le savoir-faire de Stevens, il est alimenté par la tension entre ses émotions brutes et l'art de leur présentation - la même combinaison qui a propulsé un autre nominé qui aurait tout aussi bien pu remporter le prix du meilleur film de l'année,Un tramway nommé Désir.

Un western dans lequel le héros passe une grande partie du film à craindre pour sa vie, incapable de rallier ceux qu'il a juré de protéger pour l'aider malgré la justesse de sa cause,Haut midine correspondait pas au moule habituel du genre et ne plaisait pas à tous les admirateurs du genre. Howard Hawks a déclaré qu'il avait faitRio Bravoen réponse au film, découragé par l'apparente impuissance du héros, interprété par Gary Cooper. Mais le film réalisé par Fred Zinnemann a touché une corde sensible tant auprès du public que des critiques, dont beaucoup n’ont pas manqué que son conflit central reflétait la paranoïa de l’ère McCarthy. Mais bien qu'il ait remporté quatre Oscars, dont celui du meilleur acteur pour Gary Cooper, la controverse l'a entouré grâce au harcèlement du scénariste Carl Foreman pour avoir remporté le cinquième devant HUAC. (Parmi ceux qui critiquaient, John Wayne, qui avait refusé le rôle de Cooper et dontL'homme tranquillea également été nominé pour le meilleur film cette année-là.) Foreman a fini par être mis sur liste noire et le populaire, bien que peu aimé, de Cecil B. DeMille,Le plus grand spectacle sur Terrea remporté le premier prix.

Le film qui a fait d'Audrey Hepburn une star de cinéma,Vacances romainesest l'idéal auquel aspirent toutes les comédies romantiques et aboutit à une fin douce-amère que peu ont osé reproduire. Hepburn incarne Ann, une princesse qui s'éloigne de ses maîtres et explore Rome en compagnie de Joe (Gregory Peck), un journaliste mondain qui au début ne la reconnaît pas, puis conspire pour exploiter l'amitié - un instinct qui dure jusqu'à ce qu'il réalise qu'il tombe amoureux d'elle. Co-scénarisé par Dalton Trumbo, non crédité depuis longtemps, c'est à la fois une lettre d'amour à Rome et une distillation de ce que l'on ressent lorsqu'on tombe amoureux de manière inattendue, même s'il y a peu d'espoir que cet amour dure au-delà de la durée d'une aventure.

Humphrey Bogart est devenu célèbre en incarnant un certain type de personnage cool et dur, mais il a créé certaines de ses meilleures performances en peaufinant son personnage à l'écran.Dans un endroit solitaire, par exemple, le trouve en train de sonder l'obscurité sous la surface d'un solitaire endurci. Et dansLa mutinerie de Caïn, il dresse le portrait d'un capitaine de marine qui craque au ralenti, son air d'autorité cachant la rage et la paranoïa qui l'animent. Il y a beaucoup à recommander dans l'adaptation par Edward Dmytryk du roman d'Herman Wouk, sur une mutinerie et la cour martiale qui s'ensuit au milieu de la Seconde Guerre mondiale, mais c'est l'œuvre obsédante de Bogart qui la rend inoubliable.

Pour continuer sur le thème de la rébellion navale : Henry Fonda a passé des années à jouer le rôle principal deMonsieur Robertsà Broadway - si longtemps, en fait, qu'au moment où cette adaptation cinématographique est arrivée, certains le considéraient trop vieux et trop longtemps hors du cinéma pour jouer le rôle. Mais le film suggère que personne d'autre n'aurait pu jouer aussi bien, opposant Roberts de Fonda, un lieutenant de marine de grade junior, à un capitaine tyrannique joué par James Cagney alors qu'ils accomplissent une mission peu glamour pendant la Seconde Guerre mondiale. Le film est un mélange étrange mais puissant d’irrévérence et de patriotisme. Roberts veut se battre mais est tenu à l'écart de la guerre par les caprices de son commandant ennuyeux, alors il riposte avec insubordination. Son origine est également en lambeaux. John Ford l'a dirigé jusqu'à ce que la maladie et le conflit le chassent, ce qui a conduit Mervyn LeRoy et un Josh Logan non crédité à prendre le relais. (Logan, co-scénariste de la version cinéma, a également réalisé un autre nominé pour le meilleur film en 1955,Pique-nique.) Mais l'humour le maintient vivant du début à la fin, et les performances – y compris le tour gagnant du meilleur acteur dans un second rôle de Jack Lemmon – sont inestimables.

George Stevens a remporté son deuxième prix du meilleur réalisateur pourGéant, une histoire tentaculaire sur le pétrole, le Texas, le racisme et les passions contrariées avec Elizabeth Taylor, Rock Hudson et (dans son dernier rôle) James Dean. Pourtant, cela n'a pas suffi à surmonter le blitz publicitaire créé par le producteur Mike Todd pour son adaptation pleine de stars du roman de Jules Verne. (Le fait que Todd soit marié à Taylor a ajouté une tournure supplémentaire à l'histoire.) Néanmoins, au milieu d'une décennie au cours de laquelle les images de prestige mettaient souvent l'accent sur la grandeur,Géantreste un modèle sur la façon de raconter une histoire intime à grande échelle, en se concentrant sur la vie d'une poignée de personnages sans les laisser éclipser par le paysage ou la durée prolongée.

L'industrie cinématographique a perçu la télévision comme une menace dès son introduction et a passé une grande partie des années 50 à essayer de créer de nouvelles façons de rivaliser avec les nouveaux médias du quartier, du cinéma grand écran à la 3D. Mais la télévision et le cinéma ont découvert que leur coexistence pouvait être mutuellement bénéfique, la télévision servant parfois de terrain d'essai pour le matériel cinématographique et une nouvelle génération de réalisateurs perfectionnant leurs compétences sur le petit écran, où ils apprenaient à travailler vite et à tirer le meilleur parti des films. quelques sets et budgets limités.12 hommes en colèrea bénéficié de ces deux tendances, adaptant un téléfilm déjà produit et servant de premier long métrage à Sidney Lumet, qui avait beaucoup travaillé à la télévision. Lumet et un casting remarquable dirigé par Henry Fonda créent un drame intense alors que les jurés débattent d'une affaire que tous, sauf le personnage de Fonda, considèrent comme ouverte et fermée - ce qui l'amène à creuser pour tenter de faire en sorte que tout le monde voie les choses à sa manière.

Le nom du producteur et réalisateur Stanley Kramer est devenu synonyme de films justes sur des problèmes sociaux urgents, et même si ce n'est pas tout à fait injuste, cela ne rend pas vraiment compte de la variété des films qui portent son nom, deHaut midi,La mutinerie de Caïn, etLe Sauvage(qu'il a produit) àC'est un monde fou, fou, fou, fou, une tentative de faire une comédie à une échelle épique.Les rebellesest, au propre comme au figuré, l'un de ses efforts les plus acharnés, enchaînant Sidney Poitier et Tony Curtis ensemble en tant que prisonniers évadés et les forçant à régler leurs différends s'ils veulent survivre. Le film traite des préjugés en les intégrant dans un film de poursuite propulsif, laissant la politique servir le récit et non l'inverse. Kramer n’a pas toujours trouvé cet équilibre, mais cela fonctionne ici.

Otto Preminger n'était pas étranger à la destruction des tabous lorsqu'il a réaliséAnatomie d'un meurtre, après avoir dirigé auparavantLa Lune est bleue —scandaleux pour sa discussion alors choquante sur la sexualité - etL'homme au bras d'or, qui traitait franchement de la toxicomanie. Le thriller judiciaireAnatomie d'un meurtren'a pas fait exception, choquant le public avec un drame judiciaire rempli de discussions graphiques sur le viol. Le fait que ce soit Jimmy Stewart, un avocat décontracté, qui parlait en grande partie, n'a fait que rendre la situation encore plus choquante, et le film a même été interdit pendant un certain temps à Chicago. Une fois brisés, les tabous ont du mal à être rétablis, et son approche directe du matériel pour adultes a contribué à préparer le terrain pour la décennie à venir, une décennie dans laquelle le code de production cinématographique autrefois incontournable perdrait d'abord de son pouvoir avant d'être remplacé par les audiences modernes. système.

Robert Mitchum a rarement l'occasion de montrer son côté plus doux, mais il est pleinement visible dans cette histoire réalisée par Fred Zinnemann sur des colons irlandais-australiens vivant une existence itinérante le long de la frontière australienne. Mitchum incarne un homme dont l'envie de voyager est mise à rude épreuve par les besoins de sa femme (Deborah Kerr) et de son fils, et les magnifiques clichés de Zinnemann de la nature sauvage australienne permettent de comprendre facilement pourquoi quelqu'un aurait du mal à rester au même endroit. C'est un film aux enjeux élevés, bien que peu dramatique, mis en valeur par le tour de rôle comique de Peter Ustinov. Ces qualités auraient pu faciliter le choix d'un chef-d'œuvre commeL'Appartementmais cela reste une histoire passionnante de l'existence tour à tour joyeuse et périlleuse d'une famille.

Une histoire de compromis moral et du lourd tribut du succès qui se déroule dans le monde miteux du billard compétitif, de Robert Rossen.L'arnaqueura remporté neuf nominations aux Oscars et a donné à Newman l'un de ses rôles les plus célèbres, celui qu'il revisiterait des années plus tard dansLa couleur de l'argent,pour lequel il remporterait enfin un trophée du meilleur acteur après six nominations. Le film est devenu un succès inattendu, son succès étant stimulé en partie par des critiques élogieuses et par le sentiment que le film connaissait les tenants et les aboutissants du monde qu'il dépeint. (Le fait que Rossen ait déjà bousculé la piscine a probablement aidé.) Bien que tourné en cinémascope, il est défini par un sentiment de claustrophobie. Ce sont des personnages qui ont toujours l’impression que les murs sont sur le point de se refermer sur eux. Souvent, ils ont raison.

Il n’est pas difficile de comprendre pourquoi la performance de Gregory Peck dans le rôle d’Atticus Finch est devenue synonyme de vertu américaine inflexible face à une opposition féroce. Peck incarne Finch comme un homme doté d'un profond sens du bien et du mal, mais aussi comme quelqu'un capable de profonde déception, quelqu'un qui a du mal à transmettre l'injustice de la vie à ses enfants. À l'instar du film qui l'entoure et du roman de Harper Lee dont il est adapté, il est plein d'espoir mais lucide, conscient de la difficulté de défendre la justice et la tolérance dans un monde qui semble souvent ne vouloir ni l'une ni l'autre.

Le concept de « trop grand pour faire faillite », inventé pour le système bancaire, peut également s’étendre aux films.Cléopâtrea été un échec notoire en 1963, mais cela ne l'a pas empêché de remporter de toute façon une nomination pour le meilleur film. Cela vaut la peine de voir, ne serait-ce que pour voir à quoi ressemble tout cet argent à l'écran, mais pour un meilleur exemple de la croissance d'Hollywood – au sens le plus littéral du terme – consultezComment l'Occident a été conquis, un film omnibus rempli de stars réalisé par John Ford, Henry Hathaway et George Marshall qui retrace les progrès de l'expansion occidentale à travers une série d'histoires vaguement liées. Cependant, son plein effet sera perdu même sur le plus grand écran d’accueil. Il s'agit du film le plus ambitieux tourné en véritable Cinerama, un processus impliquant trois caméras, trois projecteurs et un écran en arc de cercle qui crée une qualité immersive qui n'a d'égal que celle d'IMAX. C'est un bon film, mais un spectacle encore meilleur.

Stanley Kubrick entreprit de réaliserDr Folamourcomme un pur thriller, mais plus il s'enfonçait dans le projet, plus il voyait d'absurdité dans la politique de la guerre froide et dans l'équilibre prudent nécessaire pour empêcher une politique de destruction mutuelle assurée de basculer dans une apocalypse nucléaire. Le résultat – une comédie noire d'obsidienne dans laquelle Peter Sellers joue plusieurs rôles – dépeint une crise déclenchée par l'esprit brisé d'un seul homme, maisgardéen mouvement par les systèmes insensés qui l'entourent. Il est rempli de moments forts comiques, mais c'est le sentiment nauséeux que le sort du monde n'a jamais été aussi périlleux qui le rend obsédant – maintenant plus que jamais.

Voir les plus grands films de 1965 signifiait rester assis pendant un moment. Le gagnant, la comédie musicale mettant en vedette Julie AndrewsLe son de la musique, arrive à 174 minutes.Docteur Jivago, qui a égalisé avec cinq nominations, dure 193 minutes. Le réalisateur David Lean ne voulait pas de succès aux Oscars, après avoir remporté les deuxPont sur la rivière KwaïetLawrence d'Arabieaux victoires du meilleur film et du meilleur réalisateur pour les deux, mais ici, l'Académie a finalement opté pour l'option la plus légère avecLe son de la musique, un succès au box-office qui n'a pas fait grand-chose pour les critiques de l'époque. Les années ont été douces pourLe son de la musique, mais il n'y aurait eu aucune honte à donner à Lean une troisième victoire pour son histoire bouleversante sur les bouleversements en Russie avec Omar Sharif et Julie Christie, une star émergente qui aurait remporté le prix de la meilleure actrice pour un autre nominé pour le meilleur film, l'élégante pièce de moralité britannique.Chéri.

Dans le cinéma, il y a de gros risques et de petits risques. Prendre une pièce d'Edward Albee incroyablement profane sur une longue et sombre nuit dans la vie d'un couple d'âge moyen qui boit beaucoup - et la confier à un réalisateur pour la première fois - est en soi un assez gros risque. Le casting de stars de cinéma mariées qui semblaient au début trop jeunes et glamour pour les rôles ne faisait que rendre le projet plus risqué. Mais avec son adaptation deQui a peur de Virginia Woolf ?, Mike Nichols a montré au public quelque chose qu'il n'avait jamais vu auparavant, enlevant le glamour d'Elizabeth Taylor et de Richard Burton et en laissant leurs paroles dures faire couler le sang alors qu'ils passent une soirée avec un jeune couple qui se laisse entraîner dans les sables mouvants émotionnels qui les entourent. Le risque a été récompensé par une nomination, mais pas par un trophée, et a contribué à repousser les limites de ce qui était permis dans les films d'une manière qui ne serait jamais repoussée.

Contenant de tout, des animaux parlants aux criminels amoraux, les nominés pour 1967 constituent également un échantillon représentatif de ce qui se passait à Hollywood à l'époque, à tel point que Mark Harris l'a utilisé comme sujet pourson excellent livreImages à une révolution. Filtrant une histoire de préjugés à travers un thriller tendu se déroulant dans le Sud profond,Dans la chaleur de la nuita remporté le premier prix. Ailleurs, les deuxLe diplôméetBonnie et Clydea capturé un Hollywood rempli d'idées nouvelles, produit d'une génération émergente de nouveaux cinéastes et de l'influence de la Nouvelle Vague française. Des deux,Bonnie et Clydeest le plus radical, et ses anti-héros violents – Warren Beatty et Faye Dunaway jouant deux hors-la-loi notoires de l'époque de la Grande Dépression – en ont fait le plus controversé, alors faisons-en notre choix alternatif et laissons-le servir de substitut au sismique les changements qui s'opèrent autour d'elle.

Parfois, le champ Meilleure image est défini par ce qu'il laisse de côté. 1968pourraitj'ai vu des signes de tête pour2001 : L'Odyssée de l'espace, Visages,Le bébé de Romarin, ou un certain nombre d'autres films stimulants. Au lieu de cela, l'Académie a joué la sécurité en attribuant le prix à la comédie musicale éclatante de Dickens.Olivier !et je ne suis pas non plus très aventureux avec les nominés.Le Lion en hiver, dans lequel Henri II de Peter O'Toole et Aliénor d'Aquitaine de Katharine Hepburn se disputent pour savoir qui devrait lui succéder comme roi d'Angleterre, s'est avéré en partie controversé.parce quecela semblait être un choix tellement sûr, incitant même plusieurs critiques à démissionner du New York Film Critics Circle après avoir remporté ce prix. Ce n'est pas révolutionnaire, mais O'Toole et Hepburn (qui remporterait son deuxième prix de la meilleure actrice pour son travail) sont remarquables et les échanges vifs du film lui donnent une charge électrique qui le rend tout sauf posé.

Le succès éclatant deCavalier facilea marqué un tournant qui allait contribuer à définir la prochaine décennie du cinéma, une période plus hirsute et moins redevable aux anciennes façons de faire. Les nominations pour le meilleur film l'ont négligé, ainsi qu'un autre signe des choses à venir, le western ultraviolent de Sam Peckinpah.La bande sauvage. Mais un autre nominé pour le meilleur film a proposé une variation plus ludique surLa bande sauvagel'esprit élégiaque de George Roy Hill – réaliséButch Cassidy et le Sundance Kid, avec Paul Newman et Robert Redford dans le rôle de hors-la-loi errant dans un Far West qui commence à les abandonner. Scénarisé par William Goldman, il utilisait l'un des genres cinématographiques les plus vénérables pour explorer l'idée du changement des temps alors qu'une décennie turbulente touchait à sa fin.

La 43e cérémonie des Oscars a fourni une preuve encore plus claire des bouleversements qui se produisent dans le secteur du cinéma. Dans la catégorie Meilleur film, des films néo-hollywoodiens branchés et irrévérencieux commeÉCRASERetCinq pièces facilesrivalisé avec la boule de maïsAéroportetHistoire d'amour(même si ce dernier a habillé son récit minable avec un cinéma inspiré de la Nouvelle Vague). Le gagnant, le biopic pointuPatton, n'appartenait à aucun des deux camps, maisCinq pièces faciles– un film réalisé par Bob Rafelson, alimenté par l'agitation et le mécontentement des années 60, dans lequel Jack Nicholson incarne un homme qui croit ne trouver sa place nulle part – aurait représenté les temps qui changent.

Peter Bogdanovich a fait ses débuts en tant que réalisateur en 1968 avec le thriller inventif à petit budgetCibles, mais son ascension fulgurante a commencé quelques années plus tard avec cette adaptation de Larry McMurtry sur une petite ville du Texas et la jeunesse imprudente qui y habite au début des années 1950. Bogdanovich a grandi en idolâtrant (et plus tard en se liant souvent d'amitié) les réalisateurs et les acteurs du Hollywood classique, mais il ne les a jamais servilement imités. Au lieu de cela, il a réalisé des films qui comblaient le fossé entre le nouveau et l’ancien. Tourné en noir et blanc et rempli d'images influencées par les westerns classiques,La dernière séance d'imagesrend hommage aux influences de Bogdanovich mais a une énergie agitée du New Hollywood et un ton pessimiste qui lui est propre.

L'adaptation par Bob Fosse de la comédie musicale de John Kander et Fred Ebb prend de nombreuses libertés avec ses sources - en supprimant certains personnages et certaines chansons, en en ajoutant d'autres, en élargissant le récit - mais elle capture le même sentiment de malheur croissant que l'ouverture et les libertés personnelles de l'ère de Weimar. Berlin s'efface avec la montée du fascisme. Les défis de Fosse consistaient notamment à monter une comédie musicale à un moment où ils étaient tombés en disgrâce, et bien queCabaretn'a pas grand-chose en commun avec les comédies musicales hollywoodiennes de l'âge d'or, la présence de Liza Minnelli comme vedette procure un sentiment de continuité. Cependant, quiconque s'attendait à une fin heureuse était sous le choc, et la description dans le film d'une sexualité ambiguë et du chaos culturel semblait tout aussi liée au mouvement glam-rock ascendant, qui l'a adopté, qu'aux spectacles MGM d'autrefois.

Les films provenant de pays non anglophones, aussi remarquables soient-ils, doivent généralement se contenter de remporter la catégorie du meilleur film en langue étrangère, mais de temps en temps, il y en a un. Il est très peu probable que l'Académie ait jamais honoré le prix d'Ingmar Bergman.Cris et murmures —l'un des films les plus épuisants du réalisateur - avec un trophée, mais cela aurait reconnu ses nombreuses contributions à l'explosion du talent du cinéma européen essayant de donner un sens à ce qui est arrivé au monde dans les années qui ont suivi la Seconde Guerre mondiale. (Même siLa piqûreest, certes, beaucoup plus amusant.)

N'eut été de l'inclusion du film catastrophe ennuyeux et étoilé d'Irwin AllenL'enfer imposant, ce serait un prétendant au peloton le plus important de nominés pour le meilleur film jamais produit. Celui de Bob FosseLénnyet celui de Roman Polanskiquartier chinoisrestent des classiques vénérés, mais l'année appartenait à Francis Ford Coppola, ne serait-ce qu'à cause des chiffres ; Coppola a sorti non pas un mais deux nominés pour le meilleur film en 1974. Donner la deuxième place à un autre film de Coppola peut sembler excessif, mais ce n'est pas seulement le cas.La conversationun chef-d'œuvre qui peut côtoyerLe Parrain 2e partie, c'est un film étonnamment différent, troquant le style épique de ses classiques de gangsters contre une intimité troublante dans le portrait d'un expert en surveillance (Gene Hackman) qui se défait lorsqu'il se rapproche trop d'une mission.

Un opus magnum qui tente de faire rien de moins que de capturer l'esprit abattu de l'Amérique post-Watergate, le livre de Robert Altman.Nashvillesuit deux douzaines de personnages au cours de quelques jours mouvementés à Music City, aux États-Unis, un lieu où se croisent divertissement et politique et où se côtoient rêveurs et cyniques. L'habitude d'Altman de créer des films à partir d'heures de séquences fortement improvisées aurait facilement pu lui échapper - comme c'est parfois le cas ailleurs - mais les résultats ici sont époustouflants, passant de la comédie à la tragédie et se terminant par une sorte de folie enfiévrée.

En 1976, l'image de bien-être de l'année racontait l'histoire d'un boxeur décousu qui sort de l'obscurité, combat le champion – et perd, n'assurant ainsi qu'une victoire morale. Tel était l'air du temps, mais le voyage de Rocky Balboa s'annonce carrément triomphal à côté de celui de Travis Bickle (Robert De Niro), le chauffeur de taxi aliéné pour qui New York est devenu un enfer. Le réalisateur Martin Scorsese etle scénariste Paul Schraderemmenez le film dans des endroits sombres où peu de films osent aller. L'Académie a répondu par une nomination mais pas de prix, mais sa vision de la plomberie des profondeurs inférieures par un homme dérangé s'est avérée durable.

L’idée mal définie de réalisation exceptionnelle dans le cinéma populaire pourrait ou non revenir à l’avenir. Mais même si c'est une mauvaise idée, il y aquelqueslogique. Les films qui captivent l'imagination du public par la sensation, l'action et les effets spéciaux ont tendance à ne pas remporter le prix du meilleur film, même s'ils deviennent l'un des moments déterminants de leur époque. Il n'y a pas de meilleur exemple que les films de 1977, quandGuerres des étoilesa contribué à définir le cinéma à succès, est devenu un phénomène de la culture pop et a conquis l'imagination de toute une génération - pour voir le plus grand honneur revenir à l'histoire douce-amère de Woody Allen d'une histoire d'amour récurrente et récurrente. (Guerres des étoilescependant, n'est pas vraiment tombé dans l'obscurité à cause de la perte.)

Les films grand public sont pour la plupart restés à l'écart du sujet de la guerre du Vietnam jusqu'à des années après la chute de Saigon, mais en 1978, deux de ces films ont été nominés pour le meilleur film. Michael CiminoLe chasseur de cerfsoffrait une vision cauchemardesque de la guerre, mais celle de Hal AshbyRentrer à la maisonest tout aussi intransigeant à sa manière, décrivant les expériences intérieures d'un capitaine de la Marine (Bruce Dern), de sa femme (Jane Fonda) et d'un vétéran paraplégique (Jon Voight) à la fin des années 60 en Californie. Les protagonistes et la mise en scène intuitive d'Ashby – souvent rythmés par les rythmes des chansons à succès des années 60 avant qu'elles ne deviennent des clichés de la bande originale – aident à capturer l'esprit d'un pays encore en train de comprendre ce qu'il a vécu, ce que cela signifiait et où il devait le faire. allez ensuite.

Un film résolument petit qui est d'autant meilleur que son objectif est serré, cette histoire de passage à l'âge adulte réalisée par Peter Yates suit quatre amis alors qu'ils tentent de naviguer dans l'espace étrange entre le lycée et le reste de leur vie. L'accent appartient à Dave (Dennis Christopher), un cycliste talentueux épris de tout ce qui est italien qui, avec l'aide d'amis interprétés par Dennis Quaid, Daniel Stern et Jackie Earle Haley, se concentre sur la participation à une grande course et essaie de comprendre. quelle est la prochaine étape pour lui. Tourné et se déroulant à Bloomington, dans l'Indiana, le film garde un ton léger sans perdre de vue les options limitées offertes aux enfants de la classe ouvrière des ouvriers des carrières qui ont construit la ville universitaire qui les méprise désormais.

Comme pour l'annéeÀ quel point ma vallée était vertebattreCitoyen Kane, le brûlant de ScorseseTaureau enragédéfaite contre Robert RedfordLes gens ordinairesest devenu un exemple simple de la façon dont les Oscars se trompent souvent. Ce n'est pas vraiment juste deLes gens ordinaires, ce qui est assez formidable en soi. Mais comme un autre film de Scorsese a obtenu une de nos places ci-dessus (et en aura une ci-dessous), donnons celui-ci àL'Homme Éléphant,Le récit de David Lynch sur l'amitié entre John Merrick (John Hurt), un homme difforme exposé dans un spectacle de monstres victorien, et Frederick Teaves (Anthony Hopkins), un médecin qui le prend en charge et l'aide à restaurer son sentiment de dignité. Un drame costumé émouvant qui est aussi un film de David Lynch, il mélange une photographie en noir et blanc saisissante avec une compassion pour les étrangers de toutes sortes.

Un projet passionnant de plusieurs décennies pour le réalisateur et star Warren Beatty,Rougesa apporté l'ampleur d'une épopée hollywoodienne à un sujet que la plupart des épopées n'aborderaient pas : la vie du journaliste radical Jack Reed (Beatty), un écrivain aujourd'hui surtout connu pourDix jours qui ont secoué le monde, son récit de la Révolution d'Octobre en Russie. Ambitieux à tous les niveaux, le film de Beatty mélange un casting de stars (dont Diane Keaton et Jack Nicholson), un cinéma narratif majestueux et des entretiens documentaires avec ceux qui ont connu Reed et son entourage. Cela a valu à Beatty le trophée du meilleur réalisateur, mais le prix du meilleur film s'est avéré plus insaisissable, peut-être en partie à cause du refus du film de tirer des conclusions faciles sur les idées radicales qu'il dépeint.

Conte de fées se déroulant dans les banlieues américaines et habillé d'apparences de science-fiction, celui de Steven SpielbergET l'extraterrestresuggère que même les décors les plus banals pourraient être remplis d'émerveillement via l'histoire d'un extraterrestre qui se réfugie au sein d'une famille encore sous le choc du divorce. Pendant des années, le film le plus rentable de tous les temps, sa narration riche en émotions et visuellement époustouflante capture tout ce que Spielberg a fait mieux que tout le monde à ce stade de sa carrière. Il a fait paraître les choses faciles. Les nombreux imitateurs qui ont suivi ont prouvé que ce n’était pas le cas.

En adaptant le livre de Tom Wolfe sur les débuts du programme spatial américain, Philip Kaufman a livré un film à la fois épique et irrévérencieux, capturant le danger des vols spatiaux (et les programmes pilotes d'essai qui les ont précédés) et l'absurdité d'un environnement politique qui a poussé son existence et le cirque médiatique entourant les premiers astronautes et leurs épouses. En d’autres termes, il reste fidèle au ton cultivé par Wolfe, un film tout aussi à l’aise décrivant des réalisations impressionnantes et les hommes et les femmes imparfaits qui ont rendu cela possible.

"Tu m'aimes bien!" de Sally Field. discours d'acceptation après avoir remporté les honneurs de la meilleure actrice pourDes lieux au cœura donné aux Oscars un moment qui sera certainement présenté dans les moments forts d'ici la fin des Oscars eux-mêmes. Field est remarquable dans le film, et cela n'aurait pas non plus été un mauvais choix pour le meilleur film. Écrit et réalisé par Robert Benton (Kramer contre Kramer) et magnifiquement filmé par Néstor Almendros, il met en vedette Field dans le rôle d'une veuve qui forme une famille de fortune qui comprend un locataire aveugle (John Malkovich) et un sans-abri (Danny Glover) dans une ville du Texas profondément préjugée à l'époque de la Grande Dépression. Benton s'est inspiré de ses propres souvenirs d'enfance au Texas, et le mélange d'affection et de répulsion envers l'endroit qui l'a créé peut être ressenti du début à la fin.

Peu de réalisateurs sont restés aussi engagés et intéressés par le risque du début à la fin de leur carrière que John Huston, qui a continué à prendre des risques jusqu'à sa mort en 1985.L'honneur de Prizzi, l'avant-dernier film de Huston, est devenu à la fois un favori de la critique et du public, mais il aurait pu être un désastre sans un réalisateur aussi capable d'équilibrer la comédie, le suspense et la romance, ou prêt à faire des compromis avec une fin moins audacieuse - bien qu'un casting comprenant Jack Nicholson, Kathleen Turner et Anjelica Huston (la fille de John) aident certainement aussi.

Depuis les années 60 jusqu'aux années 2000, le producteur Ismail Merchant, le réalisateur James Ivory et la scénariste Ruth Prawer Jhabvala ont réalisé des films parfaitement sculptés pour un public d'art et d'essai, souvent des adaptations littéraires capturant un mode de vie aujourd'hui perdu dans le temps. Leur succès commercial et critique a atteint un sommet dans les années 80 et au début des années 90, à commencer par cette adaptation pleine d'entrain d'EM Forster avec Helena Bonham Carter, Daniel Day Lewis, Judi Dench et Maggie Smith.Une chambre avec vueoffre de superbes paysages urbains florentins, des costumes magnifiques et des représentations incomparablement rendues du désir et de la répression – essentiellement tout ce dont une adaptation de Forster a besoin et avec un casting, il est impossible d'imaginer améliorer. L’équipe est devenue une sorte de raccourci paresseux pour des films de bon goût et sans aventure, et injustement. Leurs meilleurs films débordent d'intelligence et de passion.

À la fois un regard drôle et soigneusement réalisé sur une relation compliquée et une étude incisive et prémonitoire du pouvoir des médias de masse, le livre de James L. BrooksActualités diffuséesest le résultat à la fois des recherches exhaustives de Brooks et des compétences en matière de dialogue et de caractère qu'il a passé des années à perfectionner via son travail au cinéma et à la télévision. Albert Brooks et Holly Hunter co-vedette en tant que journaliste et producteur, respectivement, travaillant dans le journal télévisé dont la relation compliquée susmentionnée est bouleversée par l'arrivée d'un nouveau journaliste attrayant, inexpérimenté et charmant (William Hurt) qui se révèle lentement être un effrayant. suggestion de l'avenir du journalisme.

Certains types de films ont souvent du mal à remporter l'Oscar du meilleur film, surtout au cours des dernières décennies : les comédies en général, les comédies romantiques en particulier, et la plupart des films se concentrent davantage sur les femmes que sur les hommes. Celui de Mike NicholsFille qui travaille, dans lequel Melanie Griffith ne cesse de perdre pied alors qu'elle gravit les échelons de l'entreprise tout en affrontant le sexisme et un patron traître (Sigourney Weaver), coche toutes ces cases, ce qui en fait un cheval noir dans la course de l'année, même si elle était l'une des comédies les plus sophistiquées et gagnantes de la décennie. Jouant un personnage qui est un mélange d'intelligence et de détermination issue de Staten Island, Griffith est ici à son plus charmant.

Oliver Stone découvrirait qu'il n'y avait pas de fioritures cinématographiques ni de gestes excessifs qu'il n'aimait pas dans les années 1990, mais avecNé le 4 juillet, il a réalisé l'un des meilleurs films de 1989, une entrée tardive dans un cycle de films des années 80 prenant en compte l'héritage de la guerre du Vietnam. C'est un territoire qu'il avait déjà exploré avec le film semi-autobiographique (et oscarisé)Section, mais il utilise ici les expériences de Ron Kovic, un Marine devenu militant anti-guerre qui est devenu l'une des voix les plus éminentes des anciens combattants après son retour chez lui et son adaptation à la vie de paraplégique. Tom Cruise incarne Kovic de manière mémorable dans une performance qui détruit tout son charme de star de cinéma, l'obligeant à être vulnérable à l'écran comme il ne l'a jamais été auparavant et ne l'a rarement été depuis.

Dix ans après avoir réalisé l'un des meilleurs films de sa carrière et perdu l'Oscar du meilleur film au profit d'une star de cinéma faisant ses débuts en tant que réalisateur, Martin Scorsese récidive.Les Affranchisn'a pas remporté le prix mais, c'est un euphémisme, il constituerait un bon choix alternatif, étant devenu l'un des films les plus admirés - et les plus imités - des années 90, un film qui capture à la fois la ruée transgressive de vivre hors la loi et la longue descente paranoïaque de rester trop longtemps dans la vie.

L'un des produits les plus appréciés de la renaissance de l'animation Disney qui a commencé à la fin des années 1980 – une série de films qui ont insufflé une nouvelle vie à la fois au studio et à l'animation théâtrale dans son ensemble –La belle et la Bêtea fait l'actualité en tant que premier long métrage d'animation à remporter une nomination pour le meilleur film. Il restera le seul film de ce type à mériter cette distinction jusqu'en 2009, date à laquelle la production animée de Disney, Pixar et d'autres studios avait aidé le film à se débarrasser de sa réputation de film strictement réservé aux enfants. Combinant une animation classique dessinée à la main avec quelques fioritures assistées par ordinateur,La belle et la Bêteressemble désormais à un pont entre le passé et le futur.

Celui de Neil JordanLe jeu des pleursétait tellement défini par sa tournure que tous les autres éléments qui rendaient le film convaincant se sont un peu perdus dans la conversation. La grande révélation est, bien sûr, un moment inoubliable, mais ce n'est qu'une partie d'un thriller politique complexe qui commence avec un membre de l'IRA (Stephen Rea) développant un lien avec un soldat britannique (Forest Whitaker) qu'il a aidé à kidnapper – un lien qui l'amène à tenir sa promesse de s'occuper de la petite amie londonienne du soldat (Jaye Davidson). Il fonctionne à la fois comme un film à suspense propulsif et comme une exploration du caractère glissant de l’identité – nationale, idéologique, sexuelle et autre.

Le fugitifjoue presque comme le résultat d’un défi : et si vous faisiez un film qui était essentiellement une longue scène de poursuite ? Est-ce que ça pourrait marcher ? Cela pourrait-il encore sembler substantiel ? En adaptant une série télévisée des années 60 qui avait fait sensation dans la culture pop à l'époque, Andrew Davis a fait appel à des acteurs suffisamment sérieux pour élever un scénario déjà intelligent, faisant d'Harrison Ford le personnage de l'homme en fuite accusé à tort et de Tommy Lee Jones le personnage principal. un homme de loi déterminé à le faire venir. C'est l'un des rares films d'action à avoir remporté une nomination pour le meilleur film, et il n'est pas difficile de l'imaginer comme un gagnant (au moins dans un an oùLa liste de Schindlern'a effectivement mis fin à aucune concurrence dès sa sortie).

Quentin Tarantino (et son co-scénariste Roger Avary) ont dû se contenter du trophée du meilleur scénario original pour l'œuvre marquantePulp Fiction.Mais si tu voisForrest Gumpcomme une célébration sentimentale de tout ce qui concerne le boomer ou un envoi sournois de celui-ci,Pulp Fictionavait plus à dire sur la direction que nous prenions en tant que culture que sur ce que nous avions été. Ce qui ne veut pas dire çaPulp Fictionn'est pas aussi enraciné dans le passé à sa manière que le gagnant réalisé par Robert Zemeckis, mais ses tentatives pour aller sous la surface des tropes de genre et des sensations fortes des films de série B à travers un mélange d'admiration sincère et d'ironie ont contribué à les réinventer pour un nouveau. génération.

Il est rare que l'Académie ait l'occasion de récompenser un filmetson opposé polaire la même année. Les films de 1995 offraient pourtant une telle chance. Au lieu de raconter une histoire de sacrifice et de vengeance machistes, il aurait pu donner les honneurs du meilleur film àBébé, un film qui met l'accent sur l'importance de la sensibilité, de la tolérance et de la communication à travers l'histoire d'un cochon qui ne sait pas qu'il n'est pas censé faire le travail d'un chien de berger et qui le fait quand même. L'Académie ne l'a pas fait, mais dans notre univers alternatif, nous le pouvons.

« Qui êtes-vous ? » » a plaisanté Billy Crystal dans le monologue d'ouverture d'une cérémonie des Oscars qu'il a surnommée « Sundance by the Sea ». Ce fut une année au cours de laquelle le cinéma indépendant s'est fait sentir, une tendance évidente même dans la catégorie du meilleur film. Sur les cinq nominés, un seul,Jerry Maguire, venait d'un grand studio (et même s'il jouait surtout comme un indie). Le prix a été décerné au majestueuxLe patient anglais, sans doute le candidat le plus redevable au cinéma hollywoodien classique. Il aurait tout aussi bien pu aller chez Joel et Ethan Coen.Fargo, cependant, un meilleur représentant de ce qui se passe en dehors du système hollywoodien traditionnel, où les règles habituelles ne s'appliquent pas et où un film sur une policière enceinte enquêtant sur un meurtre dans le haut Midwest pourrait obtenir le feu vert et trouver un public enthousiaste. .

De leurs intrigues labyrinthiques à leurs attitudes et à leur langage racistes sans fard – mais historiquement précis –, les romans de James Ellroy se sont longtemps révélés difficiles à adapter. La passe de Curtis Hanson pour l'un de ses meilleurs livres a déchiffré le code. Il a rationalisé l'intrigue et a atténué le racisme tout en laissant l'esprit intact, et chez Guy Pearce et Russell Crowe - deux acteurs australiens alors relativement nouveaux pour le public américain - il a trouvé l'incarnation parfaite des protagonistes moralement en conflit d'Ellroy. Le résultat a été une nouvelle version des thèmes noirs classiques se déroulant dans un Los Angeles miteux et révolu. Il se joue comme s'il avait été extrait des pages de l'un des livres d'Ellroy, se déroulant dans un endroit où un mauvais virage pourrait conduire n'importe qui sur le chemin de la ruine.

Un peu commeLa liste de Schindler, tout le monde savaitIl faut sauver le soldat Ryan...un film acclamé sur un sujet historique important réalisé par un cinéaste de premier plan – remporterait le prix du meilleur film dès sa sortie. Et puis… ce n’est tout simplement pas le cas. Vingt ans plus tard, il semble d'autant plus étrange qu'une plaisanterie commeShakespeare amoureux —un film sorti etpromu sans relâche par le Miramax des frères Weinstein au sommet de sa puissance– l'emporterait sur l'une des réalisations phares de la carrière de Steven Spielberg. Mais bon, dans nos Oscars dans des univers alternatifs, c'est assez facile à corriger.

1999 étaitune année folle au cinéma, produisant un film singulier après l'autre, deTrois roisàClub de combatàMagnoliaàÊtre John MalkovichàLe projet Blair WitchàLa matrice. Certains d’entre eux ont confirmé les talents majeurs de réalisateurs émergents comme Spike Jonze et David O. Russell. D'autres, commeLa matrice, a innové avec des effets spéciaux époustouflants. Cependant, les nominés pour le meilleur film de l'année ne reflétaient pratiquement rien de tout cela.Beauté américaineCe n'était pas vraiment un choix sûr pour le gagnant, mais ce n'était pas vraiment l'offre la plus inventive de l'année. Ni l'étaientLes règles de la cidrerieouLa ligne verte, ou mêmeL'initié, un film fantastique de Michael Mann, mais réalisé par un réalisateur confirmé se mettant au défi d'apporter le même genre de tension à un docudrame qu'il avait auparavant apporté aux films policiers. Parmi les nominés,Le sixième sensa fourni la meilleure indication de ce qui se passait ailleurs dans le monde du cinéma. Un drame surnaturel apparemment sorti de nulle part, conçu avec discipline par M. Night Shyamalan, un cinéaste dont la plupart des cinéphiles n'avaient jamais entendu parler, il est devenu un phénomène culturel en prenant les spectateurs par surprise – mais le rebondissement n'aurait jamais fonctionné sans la patience investie par Shyamalan. dans la réalisation du film ou dans les performances soignées de Bruce Willis et Haley Joel Osment.

En supposant que l'Académie cherchait à récompenser un film d'action comportant des éléments lyriques comme meilleur film des années 2000, elle avait deux choix faciles : celui de Ridley Scott.Gladiateuret celui d'Ang LeeTigre accroupi, dragon caché. Ils ont cependant opté pour celui qui mettait l'accent sur l'action plutôt que sur le lyrisme. Le combat est une forme de communication dans le riff moderne de Lee sur leWuxiafilms de sa jeunesse, utilisant des scènes de combat époustouflantes pour raconter une histoire d'amour voué à l'échec avec Chow Yun-fat et Michelle Yeoh.

Les gros succès sont souvent remportés aux Oscars et, la plupart des années, les films indépendants ont du mal à rivaliser avec les projets de studio aux poches bien remplies. Malgré son succès critique et ses multiples nominations,Dans la chambreJe n’ai jamais vraiment eu de chance. Premier film officiel de Sundance à remporter une nomination pour le meilleur film, le premier film de l'acteur devenu réalisateur Todd Field est une représentation écœurante de la violence et de ses conséquences, regardant le mariage d'un couple heureux (joué par Tom Wilkinson et Sissy Spacek) se fracturer. après le meurtre de leur fils. C'est une petite histoire racontée avec précision, délicatesse et un engagement sans faille à suivre des choix difficiles jusqu'à leurs conclusions troublantes - autant de qualités qui la rendent remarquable, même si elles peuvent aussi avoir nui à ses chances de remporter des prix.

Martin Scorsese remportera enfin un Oscar quelques années plus tard pourLes défunts, mais il aurait été tout aussi approprié qu'il gagne pour cette histoire d'un New York difficile et perdu depuis longtemps avec Leonardo DiCaprio et Daniel Day-Lewis. Le film a ses problèmes, particulièrement vers la fin, mais son ambition et son engagement à recréer le Manhattan du XIXe siècle, jusque dans ses moindres détails boueux, en font l'une des dernières épopées à l'ancienne, avant les écrans verts et les images de synthèse. des représentations du passé beaucoup moins tactiles et, trop souvent, beaucoup moins immersives.

Un scepticisme persiste à propos de Sofia Coppola après ses débuts en 1999Les suicides viergesdissipé avec cette histoire d'une jeune femme (Scarlett Johansson) qui ne sait que faire d'elle-même et de sa vie, et qui, livrée à elle-même à Tokyo, croise la route d'une star de cinéma d'âge moyen (Bill Murray) au milieu d'une crise de la quarantaine. Leur relation ne cesse d'évoluer au fur et à mesure qu'ils passent du temps ensemble, et les deux trouvent un lien indéniable, même s'ils ne peuvent pas vraiment décider quelle forme cette connexion devrait prendre. Le deuxième effort assuré de Coppola se délecte de cette ambiguïté et de l'état d'entre-mondes de ses personnages principaux, deux personnes qui ne se reverront peut-être jamais mais qui comprennent que leur rencontre fortuite va remodeler leur façon de voir le monde pour le reste de leur vie. vies.

Cela fait honneur à l'attrait qu'Alexander Payne donne à la région viticole californienne (et au vin lui-même)De côtéque le film a fourni à la fois à la région et à sa principale industrie un élan économique pendant des années après sa sortie - parce que sinon il traite le personnage de son protagonistevinl'obsession comme symptôme d'un problème plus vaste. Miles (Paul Giamatti), un écrivain divorcé d'âge moyen, boit trop à l'occasion, mais son véritable problème est l'ornière dans laquelle il s'est enfoncé, une ornière qui ne lui permet pas de passer un week-end dans ses vignobles préférés avec son meilleur ami, Jack ( Thomas Haden Church) peut guérir. Il est en désordre et il le sait, et son dégoût de lui-même devrait le rendre insupportablement désagréable à regarder. Mais la performance de Giamatti – si épineuse et pourtant si vulnérable – retrouve l’humanité de Miles et un espoir faible et persistant dans un film qui a présenté certains des meilleurs éléments des films indépendants des années 90 axés sur les personnages à un public plus large au cours de la décennie suivante.

Nous avions dit d'emblée qu'il ne s'agirait pas nécessairement d'une collection de films qui auraient dû séduire des lauréats moins méritants. Mais faisons une exception, carAccidentest, eh bien, terrible : un regard superficiel mais surchauffé sur le racisme qui finit par tirer des conclusions assez simples.Montagne de Brokeback, en revanche, illustre un autre type de préjugés à travers une histoire d'amour tragique, mais Ang Lee place toujours les personnages du film – interprétés de manière émouvante par Jake Gyllenhaal et Heath Ledger – en premier, en se concentrant sur leurs désirs et les déceptions d'un monde qui veut garder les séparer. Même en mettant de côté sa valeur en tant que film révolutionnaire qui a amené une histoire d'amour gay au grand public, c'est un film profondément ressenti et magnifiquement réalisé - et ses vertus semblent encore plus prononcées lorsqu'il est placé à côté du gagnant de l'année.

Martin Scorsese a finalement réalisé le prix du meilleur film (et a décroché le prix du meilleur réalisateur) pourLes défunts, mais l'Académie aurait tout aussi bien pu remettre un troisième trophée à Clint Eastwood pour le deuxième des deux films de 2006 revisitant la Bataille d'Iwo Jima.Drapeaux de nos pères, qui raconte la lutte pour reprendre une île rocheuse aux Japonais pendant la Seconde Guerre mondiale, du côté américain, en vaut également la peine. Mais son homologue, qui traite la bataille du point de vue des forces japonaises, est encore plus remarquable, capturant les conditions infernales dans lesquelles les soldats ont combattu et l'idéologie impitoyable qui les a amenés sur le champ de bataille.

Avez-vous parfois du mal à vous rappeler si c'étaitPas de pays pour les vieillardsouIl y aura du sangqui a remporté l'Oscar du meilleur film en 2007 ? Si c'est le cas, vous n'êtes pas seul. Les deux sont des films durs et violents ancrés dans des performances effrayantes et plus grandes que nature de grands acteurs. Et tous deux trouvent l’obscurité au cœur de différents chapitres de l’histoire américaine. Le prix est allé àAucun pays, un bon choix. Mais dans cet univers alternatif que nous créons, confions-le plutôt au film de Paul Thomas Anderson.

Le biopic de Gus Van Sant sur Harvey Milk, leader assassiné des droits des homosexuels, aurait facilement pu tomber dans les pièges habituels du biopic, soit en essayant trop fort de montrer comment son sujet a changé le monde, soit en le transformant en un saint à peine caractérisé. Mené par une performance empathique de Sean Penn,Laitne fait rien de tout cela car il dépeint l'immersion de Milk dans l'activisme, l'ascension politique et le meurtre aux mains d'un collègue politicien. Le film transforme un chapitre important de l’histoire américaine en une histoire personnelle captivante qui montre, plutôt que raconte, comment une personne peut provoquer les premières répercussions menant à des changements radicaux.

Si nos gagnants du meilleur film fonctionnent idéalement comme un échantillon représentatif de ce que nous avons valorisé dans les films tout au long de leur histoire, l'un des grands oublis est que la plus haute distinction n'a jamais été attribuée à un film Pixar pendant l'âge d'or de ce studio.En hautCe n'est peut-être pas le meilleur film Pixar, mais c'est le meilleur des deux à avoir obtenu une nomination pour le meilleur film. (Rien contre le grandHistoire de jouets 3, mais c'estmême pas le meilleurHistoire de jouetsfilm.) Le segment d'ouverture déchirant contient certains des meilleurs récits que le studio ait jamais créés, et le reste est également assez formidable (surtout si vous aimez les chiens qui parlent).

C'est une tâche ardue que de tenter de documenter l'histoire alors qu'elle est encore en cours. Compte tenu de ce qui s'est passé avec Facebook et son fondateur Mark Zuckerberg depuis 2010,Le réseau socialpourrait sembler prématuré. Mais au tournant de la décennie, les changements apportés par Facebook se faisaient déjà sentir, et l’histoire de Zuckerberg méritait déjà d’être racontée. Avec les forces du scénariste Aaron Sorkin et du réalisateur David Fincher qui s'équilibrent, le film suit l'évolution de Facebook d'une idée à une force imparable et Zuckerberg de son époque d'enfant arrogant avec une vision de son âge adulte de magnat à la dérive dans un monde. il a aidé à créer.

Pour son magnum opus,L'arbre de vie, Terrence Malick s'est mis à raconter la plus petite histoire possible – le passage à l'âge adulte au milieu du XXe siècle d'un garçon texan qui partage quelques détails biographiques avec Malick – et la plus grande histoire possible, sautant du début des temps à l'au-delà. Ce faisant, le réalisateur efface toute distinction entre les deux, laissant une seule vie, avec toutes ses joies et ses angoisses, remplacer l'existence toute entière. C'est un film d'images, d'ambiances et de moments plus qu'un film d'intrigue, et il attend des spectateurs qu'ils remplissent les fragments de récits qu'il élude. Et bien que Malick ait eu du mal à recréer la puissance de cette approche dans ses films ultérieurs, elle est ici puissante et touchante, se jouant comme le film qu'il avait passé toute sa vie à attendre de faire, en partie par besoin de comprendre ce que signifiait cette vie.

Déformé dans la presse avant même d'être terminé et incompris après sa sortie,Zéro Sombre Trente, le regard approfondi de Kathryn Bigelow sur la chasse à l'homme contre Oussama ben Laden, vue à travers les yeux de Maya, une analyste de la CIA de plus en plus obsessionnelle interprétée par Jessica Chastain, fonctionne à la fois comme un récit journalistique de l'histoire récente et comme une considération du terrain moral abandonné par aux États-Unis dans les années qui ont suivi le 11 septembre. La vengeance a un prix terrible, comme le montrent les yeux hantés de Chastain dans un plan final calme qui est aussi énervant que n'importe laquelle des scènes d'action précédentes.

Peu de réalisateurs sont aussi habiles à combiner audace technique et narration émouvante qu'Alfonso Cuarón, et avecPesanteur, il a trouvé un projet qui a poussé ces deux choses à leurs limites. Sandra Bullock étant bloquée dans l'espace et suite à ses tentatives de plus en plus désespérées pour retrouver son chemin,Pesanteurest un triomphe d'effets spéciaux destiné à être vu sur le plus grand écran possible (et l'un des rares post-Avatarfilms pour faire un usage significatif de la 3D). Mais son pouvoir vient tout autant du rôle de Bullock en tant que femme luttant pour maintenir sa volonté de vivre au milieu de circonstances désespérées et hantée par une profonde perte. Les images de Cuarón auraient été impossibles dans n'importe quelle année précédente, mais les thèmes du film sont intemporels.

Où se trouve Alexandre IñárrituBirdman (ou la vertu inattendue de l'ignorance)créé l'illusion d'avoir été tourné en une seule prise, le film de Richard LinklaterEnfancejoué avec le temps d'une manière différente. Tourné sur une période de 12 ans, ce dernier film raconte le passage à l'âge adulte d'un enfant texan dans une série de vignettes bien choisies. Il est fascinant de voir Linklater tenter de raconter une histoire d'une manière qui n'a jamais vraiment été tentée auparavant, tout en capturant en arrière-plan une Amérique en mutation. (Creusez ces iMac ! Rappelez-vousHarry Pottersoirées de sortie ?) Mais le film fonctionne en grande partie parce que Linklater, comme d'habitude, laisse la profondeur venir au film plutôt que de s'efforcer de l'atteindre. Nous voyons Mason (Ellar Coltrane) accomplir certains rites de passage, mais nous observons surtout des moments ordinaires mais révélateurs à mesure qu'il vieillit et prend tout son sens. Il n’y a jamais eu de film pareil, et il n’y en aura probablement jamais plus.

Celui de Tom McCarthyMettre en lumière, une dramatisation du BostonGlobeL'enquête de , lauréate du prix Pulitzer, sur les abus sexuels sur enfants est un exploit remarquable d'un cinéma lucide, efficace et sombre. Celui de George MillerMad Max : La route de la fureurest à bien des égards son contraire, une entreprise apparemment insensée tournée dans des circonstances éprouvantes et se déroulant dans un monde post-apocalyptique fantastique, fou de vitesse. Mais le film de Miller – un épisode des décennies plus tard d'une série créée par le réalisateur en 1979 – est, à sa manière, un modèle de narration efficace, plongeant les spectateurs dans un désert violent, chaotique et dépourvu de ressources et comptant sur eux pour rattraper leur retard. car il oppose deux héros (Tom Hardy et Charlize Theron) à des suzerains cruels. C'est un excès qui a du sens, mêlant des images indélébiles à des émotions puissantes.

La 89e cérémonie des Oscars sera toujours tristement célèbre pour l'annonce erronée deLa La Terrequi avait été considéré comme un vainqueur possible, voire probable, pendant une grande partie de la course – comme meilleur film. En réalité, le prix est allé au grandClair de lune. Et pourtantLa La Terrereste un film finement conçu et divertissant qui ne mérite pas le contrecoup qu'il a suscité, c'est le mérite de l'Académie d'avoir été accompagné d'une histoire de passage à l'âge adulte non conventionnelle d'un cinéaste émergent qui a mis en lumière des coins du monde rarement représentés. dans les films. Dans un monde sansClair de lune, cependant, celui de Kenneth LonerganManchester au bord de la meraurait également été un bon choix : une histoire déchirante de perte jouée avec une intensité douloureuse – et quelques moments plus légers bien choisis – par un casting dirigé par Casey Affleck.

Enfin, les nominés pour le meilleur film 2017 suggèrent une autre année définie par l'abondance et la variété. La nomination de Guillermo del ToroLa forme de l'eau(qui a gagné) et celui de Jordan PeeleSortir(un concurrent sérieux selon les estimations de la plupart des pronostiqueurs) a signalé que les frontières entre films de prestige et films de genre étaient devenues plus floues. Pendant ce temps, la présence continue de Paul Thomas Anderson et Christopher Nolan en lice a confirmé qu’ils restaient parmi nos auteurs les plus ambitieux ; leurs nominations pouvaient être vues arriver au moment où chacun de leurs films respectifs était annoncé. Ce n’est pas le cas de notre alternative suggérée. Greta Gerwig avait co-écrit plusieurs films précédents et en a co-réalisé un, maisDame Oiseau, ses débuts solo en tant que scénariste et réalisatrice, ont quand même été une surprise, avec son point de vue désarmant et personnel sur le fait de grandir à une certaine époque et dans un certain lieu (Sacramento au début des années 2000), donnant l'impression d'une histoire autobiographique de passage à l'âge adulte à autrefois spécifique et universelle. Le film de Gerwig a rempli l'écran de performances drôles et émouvantes de la part de l'ensemble du casting, mais surtout de Saoirse Ronan et Laurie Metcalf, dans le rôle d'une mère et d'une fille dont la relation est aussi tendue qu'amoureuse. Là où d'autres candidats ont atteint le niveau le plus élevé possible, Gerwig a prouvé qu'un petit candidat pouvait être tout aussi puissant.

Parfois, vous savez simplement qu'un gagnant du meilleur film va se transformer en un "Attendez, quoi?" Comme dans : « Attends, quoi ?Danse avec les loupsbattreLes Affranchis?" Et ainsi de suite. Parfois, il suffit de quelques secondes pour que ce sentiment se manifeste.Livre vert, ce sentiment est apparu presque immédiatement. « Attends, quoi ?Livre vertbattreBlacKkKlansman / Black Panther / Une étoile est née / Le favori?" Et, plus que tout, cela s'applique à l'hommage profondément personnel d'Alfonso Cuarón non seulement à l'époque et au lieu qui l'ont fait, mais aussi à la femme de chambre qui a aidé à l'élever (interprétée par l'actrice pour la première fois Yalitza Aparicio). C'est un voyage à travers le passé non pas à travers les yeux de Cuarón mais à travers les siens, un film unique en son genre tourné dans un magnifique noir et blanc qui reconnaît l'emprise du passé sur le présent et refuse de confiner ce qui s'est passé avant la nostalgie et les souvenirs brumeux. Et c'est cette qualité qui le distingueLivre vertC'est aussi un film trop content pour considérer le passé et ses divisions comme une affaire réglée plutôt que comme faisant partie d'une histoire en cours.Romea reconnu avec émotion que l’acte de se souvenir peut être aussi douloureux que révélateur.

Bong Joon HoParasiteremporter le prix du meilleur film a été choquant pour plusieurs raisons. D'une part, un film en langue étrangère n'avait jamais remporté le premier prix, ce qui rend cet honneur assez surprenant. Mais il était également un peu étrange que l'Académie réussisse si bien un an seulement après s'être aussi trompée. La plupart des experts avaient attribué la responsabilité de Sam Mendes1917en tant que gagnant, mais l'année cinématographique exceptionnellement forte de 2019 a présenté un éventail d'excellents choix, dont beaucoup ont abouti à des nominations. Rétrospectivement, il est étrange de voir avec quelle rapidité le buzz du meilleur film s'est calmé autour du film désarmant et élégiaque de Martin Scorsese.L'Irlandais,L'adaptation audacieuse de Greta Gerwig dePetites femmeset le drame nuancé du divorce de Noah BaumbachHistoire de mariage, qui auraient tous pu faire de bons résultats au cours d'autres années et dont on se souviendra certainement longtemps après la fin de la saison des récompenses. Tout comme celui de Quentin TarantinoIl était une fois… à Hollywood, qui trouve le réalisateur – autrefois un intrus indépendant, maintenant un vétéran de l'industrie – recréant le Los Angeles de sa jeunesse et utilisant une histoire d'amitié, de vieillissement et d'insécurité pour réfléchir à un moment de changement énorme dans l'histoire du cinéma. Le film a permis à Tarantino (principalement) de mettre de côté sa fixation sur les récits de vengeance qui ont dominé son œuvre du XXIe siècle, au profit d'un film drôle et introspectif sur le passage du temps, l'obscurcissement des rêves et les petits triomphes qui découlent de la réalisation. l'art au sein d'un système qui ne le valorise pas toujours – une qualité qui en fait autant une question du présent et de l'avenir d'Hollywood que de son passé.

C'est une année rare où aucun des nominés pour le meilleur film ne serait un gagnant carrément embarrassant, mais 2020 était exactement une telle année. En fait, plusieurs des films nominés en 2020 semblent être des films intemporels, le genre de films qui vivront bien au-delà de leur année de sortie, que ce soit en tant que sujets de conversation controversés commeJeune femme prometteuseou des découvertes tardives commeLe PèreetJudas et le Messie noir. Il est difficile de choisir un seul deuxième choix, mais les nuances du choix de Lee Isaac Chungà la douleurce qui en fait le genre de film qui récompense et invite à des visionnages répétés – donne au film un avantage sur la concurrence. L'histoire suit des immigrants sud-coréens qui tentent de prendre un nouveau départ en tant qu'agriculteurs dans le Midwest américain dans les années 1980 – un plan qui met son mari Jacob (Steven Yeun) et sa femme Monica (Han Ye-ri) de plus en plus en désaccord au fur et à mesure des circonstances. se mesurer à eux. Le film explore les thèmes universels de la famille et de la communauté à travers les détails spécifiques d'une époque et d'un lieu particuliers (ce n'est pas une coïncidence si l'heure et le lieu où Chung a atteint sa majorité). Youn Yuh-jung a remporté le prix de la meilleure actrice dans un second rôle pour son interprétation d'une grand-mère dont le comportement déroute le plus jeune membre de la famille, David (Alan Kim), et à juste titre, mais chaque élément du film sert une histoire de souvenirs vécus dans l'enfance mais pas entièrement compris. jusqu'à des années plus tard.

Attendez, l'Académie a-t-elle réellement décerné le prix du meilleur film à la 94e cérémonie des Oscars ? Quelqu'un peut-il se souvenir de tout ce qui s'est passé aprèsla claque?CODAa gagné le meilleur film ? Si tu le dis. En fait,CODALa victoire de a beaucoup de sens : c'est un film chaleureux, rendu avec amour, bien joué et largement attrayant avec une fin agréable. Ce n'est pas un mauvais choix du tout, mais en le choisissant par rapport au film épineux, thématiquement compliqué et sombrement drôle de Jane CampionLe pouvoir du chienj'ai l'impression de choisir la solution de facilité. Étude sur la masculinité dans sa forme la plus toxique, dans le contexte des derniers jours du Far West, elle explore une manière spécifiquement américaine dans laquelle le machisme, le déni et la violence sont regroupés et les vies qui en sont détruites (sauf, bien sûr, quand ce n'est pas le cas).

La 95e cérémonie des Oscars restera dans les mémoirespour le grand triomphedu très aimé, ambitieux et profondément émotifTout partout en même temps. Ce film restera certainement dans les mémoires comme l'un deslefilms phares de 2022, une combinaison de drame familial et d'action-aventure de genre à cheval sur l'art et le multiplex. Et même si la catégorie du meilleur film ne manquait pas de nominés intéressants susceptibles de faire parler d'eux dans les années à venir (y compris quelques succès massifs au box-office), c'est celui de Todd Field.Entrepôtqui capture le mieux quelque chose d'insaisissable sur le moment contemporain. En racontant l'histoire de Lydia Tár (Cate Blanchett), une compositrice et chef d'orchestre acclamée qui connaît une chute personnelle, le film de Todd Field crée un sentiment de malaise inébranlable. La perte de Lydia est de son fait, mais cela suggère également avec quelle facilité tout dans nos vies peut s'effondrer et un sentiment troublant que la façon dont nous nous percevons peut être très différente de la façon dont les autres nous voient. Ses inspirations sont enracinées dans Me Too et son attention se porte directement sur l'existence raréfiée d'un personnage difficile et imparfait, mais sa représentation d'une vie sans ancrage est obsédante d'une manière qui s'étend au-delà de ses origines.

Oppenheimerressemblait à un gagnant certain du meilleur film depuis au moins la grande convergence Barbenheimer de juillet 2023. C'est un grand film sur un sujet important réalisé par un réalisateur (Christopher Nolan) qui n'avait jamais obtenu son dû aux Oscars. En outre, il s'agit d'une réalisation époustouflante à tous les niveaux, qui a permis aux électeurs de cocher encore plus facilement la case appropriée sur leur bulletin de vote et de lui remettre de nombreux autres trophées, notamment des statues de Nolan, Robert Downey Jr. et Cillian Murphy. Comment un autre chef-d'œuvre de fin de carrière du plus grand réalisateur américain vivant explorant le côté sombre de l'histoire américaine et les mythes que nous construisons autour d'elle pourrait-il rivaliser avec cela ? La réponse : ce n’est pas le cas. Mais la filmographie de Martin Scorsese est remplie de superbes films qui n'ont pas reçu les récompenses qu'ils méritaient, notammentTaureau enragéetLes bons gars. Et comme ces films, Tueurs de la Lune des Fleurs ne sera pas oublié de sitôt. Adapté d'un livre de David Gann, le film dépeint les meurtres de membres de la tribu Osage résultant d'un complot visant à voler ceux rendus riches par la découverte du pétrole. Lyrique, parfois sombre et comique et exaspérant, c'est une représentation globale d'un crime effronté protégé par la richesse et les privilèges qui met en vedette des performances remarquables des deux stars avec lesquelles Scorsese a le plus travaillé - Leonardo DiCaprio et Robert De Niro - et untour époustouflant de Lily Gladstonedans le rôle de Mollie, une femme Osage dont les liens intimes avec l'un des conspirateurs résument à la fois l'horreur des crimes et les liens familiaux et communautaires étroits qu'ils ont trahis au nom de la cupidité.