Photo-Illustration : Vautour et photo avec l'aimable autorisation d'Oliver Look Le Sacre du Printemps
Si 2016 a été la poêle à frire, 2017 a souvent été celle du feu. Dans cette année de déplacements quotidiens, de chocs et de coups de poing, je suis passé du statut de réalisateur opiniâtre à celui de critique, et ces dix productions, allant de l'intime à l'épique, ont toutes touché pour moi quelque chose d'expansif dans leur spécificité. Ils ont évité les grandes tentations d’une année comme 2017 – didactisme, agitprop-erie, démagogie morale – et ont plutôt trouvé la transcendance dans l’exécution d’une vision profondément personnelle.
Même si certains étaient clairs et d'autres assez sombres, j'ai laissé chacun d'eux sentir le petit oiseau de l'espoir battre ses ailes contre mes côtes. C'était un défi d'en sélectionner seulement dix, alors je veux rapidement mettre en lumière certaines qui ne figuraient pas sur la liste, du classique au postapocalyptique, toutes des pièces de théâtre courageuses, passionnantes et interrogatrices de ce tourbillon d'une année :L'Inspecteur du Gouvernement(Théâtre Red Bull),Hamlet(le Public),Indécent(Théâtre Cort),Une maison de poupée, partie 2(Théâtre John Golden),Peter Pan(Chahut),Après l'explosion(Lincoln Centre),Souvenirs Mori(Cinéma manuel @ BAM), etLe présent(Théâtre Barrymore).
Des rumeurs sur la performance de Denise Gough, lauréate d'un Olivier Award, dans le rôle d'Emma, toxicomane - au centre de l'histoire brûlante de réadaptation, d'autodestruction et d'auto-tromperie de Duncan Macmillan - l'ont précédée à Brooklyn. Les mots « tour de force » semblaient attachés à son nom ; des comparaisons avecLa performance d'une génération de Mark RylancedansJérusalemabondait. Les rumeurs étaient vraies. Gough était stupéfiant. Elle a donné une réaction instable et déchirante à une performance – vulnérable, laide, chaotique, désespérée, presque mythique. Entourée d'acteurs de premier ordre et soutenue par la mise en scène électrique de Jeremy Herrin, elle a déchiré la pièce intelligente de Macmillan et a créé un véritable chef-d'œuvre émotionnel.
D'accord, donc je triche ici, mais ces deux pièces de la série Summerworks 2017 de Clubbed Thumb sont restées avec moi pendant longtemps pendant les mois les plus froids, engagées dans une conversation l'une avec l'autre dans mon esprit. Les deux films émouvants et en quête d'Alex BorinskyDu gouvernement(avec son casting de près de 20 femmes de tous âges et de tous horizons) et la pièce spirituelle et vulnérable, principalement monologue, d'Heidi Schreck ont abordé de grandes questions en restant constamment petites. Borinsky a créé une sorte de spectacle civique – une méditation sur la façon dont nous prenons soin de nous-mêmes en tant qu'individus et en tant que sociétés – à partir de guirlandes et de papier kraft, et Schreck s'est débattue avec les idées de droits inaliénables et de répression douloureuse en plongeant profondément dans sa propre histoire. (En tant qu'enfant, elle avait l'habitude de prononcer des discours sur la Constitution pour gagner des prix en argent lors des concours de rhétorique de l'American Legion Hall). Dans les deux œuvres, la pièce était en effervescence à la fois de curiosité et de compassion. Schreck et Borinsky ont trouvé le politique et le puissant dans le personnel.
Il vient de battre des records au box-office au Barrymore, il semblerait donc que cette comédie musicale manifestement différente et délicate attire le public qu'elle mérite. Adapté par Itamar Moses du film indépendant doux-amer d'Eran Kolirin (et avec une musique et des paroles exquises de David Yazbek),La visite du grouperaconte l'histoire d'un groupe militaire égyptien qui, à cause d'une erreur de traduction et d'un bus erroné, finit par passer une seule nuit dans une petite ville israélienne endormie. Un matériau improbable pour une comédie musicale ? Peut-être, mais le spectacle est d’autant plus puissant par son intimité, son manque de glamour et de faste traditionnels, et son langage musical magnifique et unique – un hommage luxuriant et ludique à la musique classique arabe qui semble tout à fait fraîche dans les couloirs de Broadway.
En un an et dans un pays si engagé dans un sérieux mortel, la satire délicieusement sombre de Phillip Howze sur notre penchant pour la tragédie pornographique – et notre désir suffisant de nous sentir comme des citoyens du monde moralement supérieurs – ressemblait à un coup de vent vivifiant. Cette histoire de trois jeunes frères et sœurs vivant dans les décombres d'un pays sans nom déchiré par la guerre était à la fois visuellement frappante (le réalisateur Dustin Wills et la scénographe Mariana Sanchez Hernandez ont fait de la magie à partir de déchets littéraux), brillamment interprétée (Emma Ramos dans le rôle de la sœur aînée, Win, fut une révélation), linguistiquement acrobatique et terriblement drôle.Frontièresest un burlesque moderne et intelligent qui mérite un public plus large.
Plus du meilleur de 2017
Le Théâtre Libre de Biélorussie est un ensemble en exil. Ses codirecteurs artistiques, Natalia Kaliada et Nicolai Khalezin, vivent comme réfugiés politiques au Royaume-Uni depuis 2011. Le fait qu’ils continuent de créer un théâtre poignant, virtuose et résolument dangereux est tout simplement une merveille.Portes en feu– une méditation brutale, intelligente et même morbidement drôle sur l’oppression des artistes dans la Russie contemporaine – était une lente combustion de fureur articulée et d’une extraordinaire physicalité d’ensemble. C’était aussi une lumière dans les ténèbres, une déclaration de foi selon laquelle l’art, comme une sorte de glorieux cafard, survivra quoi qu’il arrive.
L'exploration discrètement dévastatrice de Max Posner sur la tentative d'un fils de gérer les finances de sa mère vieillissante, éloignée et dépensière était à la fois une intelligence ironique et une profonde compassion. C'était aussi un tour de force pour Peter Friedman, en tant que narrateur connu uniquement sous le nom de « Le Fils », et Deanna Dunagan en tant que mère solitaire qui sauve la face, une femme qui sombre dans la démence, qui aime ses enfants même si elle les a quittés, et qui sait qu'ils ne l'aiment pas vraiment. La pièce de Posner – soutenue par la mise en scène sensible et assurée de David Cromer – était à la fois théâtrale et familière, déchirante dans sa proximité émotionnelle avec son foyer et rafraîchissante dans son côté ludique formel.
La compositrice et interprète Heather Christian, lauréate d'un prix Obie, a qualifié son spectacle de messe de requiem - même ainsi, je doute que la plupart de son public de Brooklyn s'attendait entièrement à l'expérience à couper le souffle et, oui, spirituelle, qu'ils allaient vivre. Racontant des histoires sur son éducation dans le Mississippi, évoquant les fantômes de ses ancêtres et, avec son groupe magistral, déversant une série de chansons allant de sournoises à bouleversantes, Christian a créé un rituel communautaire de deuil et de célébration. J'ai senti ma foi dans le théâtre américain se renouveler au milieu des tapis persans moisis et des lampes colorées qui remplissaient l'espace de jeu intime du Starr. Pour les croyants comme pour les sceptiques,Sagesse animalea fait une sorte de miracle.
Le monstre-monarque rôdeur, souriant et improvisant fréquemment de Lars Eidinger a mâché la scène et nous l'a craché au visage dans la production joyeusement méchante de Thomas Ostermeier du Théâtre Schaubühne de Berlin. Ce Richard – qui a effectué un strip-tease terriblement manipulateur devant Lady Anne et a grogné ses soliloques dans un microphone se balançant au-dessus de la scène comme un nœud coulant – était un gloss plus aigu et plus révélateur de nos tyrans modernes que n'importe quel méchant shakespearien habillé d'une perruque jaune. et une cravate rouge. Eidinger était une faim pure et salivante, un portrait époustouflant d’une identité dévorante et finalement auto-consommatrice. Même si la pièce n'était pas parfaite (j'avais particulièrement envie de plus de profondeur dans le traitement des personnages féminins par Ostermeier), ce n'était pas nécessaire. Il a saisi Shakespeare à la gorge et l'a secoué jusqu'à ce que le théâtre s'inscrive sur l'échelle de Richter.
En parlant de l'animal humain, Bobby Cannavale s'est directement lancé dans le rôle central de Yank dans le drame expressionniste emblématique d'Eugene O'Neill de 1921, apportant une physicalité féroce à la poésie rude et maniérée de la pièce. Le réalisateur Richard Jones a exploité à la fois la puissance brute et la satire perçante de cette histoire sur l'aversion mortelle de la société envers ceux qui font le sale boulot qui fait rugir les fourneaux du capitalisme. Visuellement sévère et spectaculaire dans la caverne de la salle d'exercices du Park Avenue Armory - et une classe de maître en performance d'ensemble - ceSinge poiluressenti comme une victoire palpitante pour la théâtralité, un coup de pouce glorieusement discipliné et anti-naturaliste pour une forme d’art qui, de nos jours, ressemble trop souvent à la télévision.
Être témoin en chair et en os du double programme légendaire de la regrettée et incommensurable chorégraphe Pina Bausch est, sans exagération, une expérience qui change la vie. Les deux pièces – qui sont revenues au BAM pour le festival Next Wave 33 ans après leur première à New York en 1984 – déclenchent une sorte de fusion nucléaire théâtrale : un auditorium de plus de 2 000 personnes se penche en avant, liées par les vagues d'énergie qui roulent. des danseurs du Tanztheater Wuppertal presque visiblement. Le cinéaste Wim Wenders — parlant duCafé Müller, une ode à nos rituels quotidiens d'amour et de solitude aussi drôle que physiquement exquis - a crédité Bausch de lui avoir appris plus en 40 minutes"sur les hommes et les femmes que toute l'histoire du cinéma."Et puis il y aLe Sacre du Printemps- aussi vaste et primordial queCafé Müllerest ironique et nostalgique. En tant que compagnon de l'opus de Stravinsky, la création de Bausch est son propre chef-d'œuvre imposant. Ses danseurs – palpitant et se tordant à l’unisson glorieux et terrifiant sur un champ de terre noire – semblent avoir surgi du sol, leurs mouvements anciens, à la fois innocents et charnels, animaux et humains. Revenant en trébuchant dans la nuit après l'éblouissant ensemble de Bausch, brouillés et les yeux vitreux, ils ont tiré leur révérence finale ; Je sentais le monde se réaligner pour laisser place au spectacle que je venais de voir. Certaines pièces changent votre ADN pour toujours.
*Une version de cet article paraît dans le numéro du 11 décembre 2017 deNew YorkRevue.
