Illustration photographique : Rowena Lloyd et Susanna Hayward ; Photos : avec l’aimable autorisation des Studios
Cette année s'est avérée particulièrement bonne pour les longs métrages d'animation sortis aux États-Unis. Rotoscopierugit en retouraux yeux du public avec l'aide de Richard Linklater. Directeur visionnaireMasaaki Yuasaa sorti l'un des meilleurs films d'animation de sa carrière, qui se trouve être une comédie musicale rock se déroulant dans le Japon féodal. Pas un maistroisLes films en stop-motion figuraient dans la liste ci-dessous. Et Pixar a sorti un film complet et émouvant sur unRègles d'une fille canadienne d'origine chinoise. L'art, avant tout, est peut-être ce qui compte chaque année, mais les meilleurs films d'animation de 2022 ont beaucoup contribué à repousser l'idée selon laquelle le support privilégié pour un film d'animation serait la 3D CGI, bien que quelques-uns d'entre eux ceux-ci brillaient presque aussi brillamment.
Plus que tout autre facteur, une clarté de vision prononcée définit les films que nous avons choisi de présenter. Se sentent-ils distincts en atteignant leurs objectifs artistiques, en rendant le médium plus excitant que l'année dernière, en disant quelque chose de nouveau avec la forme d'art qu'ils ont choisie ? Plus important encore, leurs images diverses ont-elles persisté dans nos esprits, comme est censée le faire la meilleure animation ? Les films de cette liste accomplissent tout cela d'une manière ou d'une autre, mêmeBeavis et Butt-Head font l'univers.
La bête marinea été salué pour son action pleine d'action,un sentiment d'aventure proche de l'action réelle, mais ses meilleures scènes sont les plus calmes. Prenez un moment environ au tiers des deux heures, après qu'un équipage de marins ait livré une bataille bruyante, cinétique et violente avec le monstre titulaire, mettant leur navire à rude épreuve et s'imprégnant dans le processus : Nos héros, Maisie (Zaris- Angel Hator) et Jacob (Karl Urban), tombent sous les vagues et sous l'eau, et le monde entier se tait. Maisie montre par-dessus l'épaule de Jacob. et le cadre passe à un plan beaucoup plus large : l'énorme bête marine se cache sous eux, regardant les humains chétifs se tortiller.La bête marineregorge d'images comme celle-là, dans lesquelles le réalisateur Chris Williams utilise le timing, l'échelle et d'autres outils de la boîte à outils du langage visuel pour mettre le public en suspens avant de finalement le récompenser - comme le font tous les meilleurs films d'action, qu'ils soient c'est du live-action ou pas.
Les films de Cartoon Saloon ont tendance à se classer parmi les titres d'animation les moins commerciaux sortis au cours d'une année donnée. Le directeur deLe dragon de mon père, Nora Twomey, le sait et agit en conséquence. "Nous avons une immense liberté pour les films", a-t-elle déclaréle point et la lignedans la foulée du précédent film qu'elle a réalisé,Le soutien de famille. "Nous pouvons raconter des histoires qui ne nécessitent pas nécessairement de vendre des jouets à Noël ou quelque chose comme ça… Raconter des histoires est notre priorité."Le dragon de mon pèreest une autre histoire magnifiquement racontée par un studio réputé pouranimation 2D complexe. Lorsque le jeune garçon Elmer et sa mère rencontrent des difficultés financières, il se déchaîne, s'enfuit et finit par rencontrer un dragon et d'autres créatures parlantes (avec des voix comme Gaten Matarazzo, Ian McShane, Alan Cumming et Whoopi Goldberg). Une fois l'action lancée,Le dragon de mon pèredépeint leur quête controversée pour sauver leur île magique du naufrage dans la mer avec une touche visuelle qui correspond aux émotions sincères du film.
Le virtuose du stop-motion Henry Selick — de retour avec un nouvel effort de réalisateur 13 ans après la sortie du morceau sous-estimé decarburant de cauchemar,Coraline —ne semble pas avoir raté une miette.Wendell et sauvages'intègre parfaitement avec les autres entrées du CV de l'artiste, y comprisLe cauchemar avant NoëletJames et la pêche géante, grâce à son exploration des traumatismes de l'enfance, son humour gothique ample et son utilisation généreuse de gouttes d'aiguilles insensées. Jamais auparavant je n'avais entendu à la télévision la ballade Horndog « Wolf Like Me » utilisée pour bande originale de ce qui est, au moins sur le papier, un film pour enfants, mais c'est exactement cet esprit chaotique qui donneWendell et sauvageson énergie. (Autres apparitions musicales géniales : les Specials, Living Colour, Hot Chocolate, Fishbone et Ibeyi, pour n'en nommer que quelques-uns.) Comme le style visuel et le décor du film, la musique est le reflet de son héroïne, Kat Elliot, dont les parents meurent en les minutes d'ouverture. La tragédie fait dérailler les cinq années suivantes de sa vie jusqu'à ce qu'elle se retrouve dans une école catholique étouffante de sa ville natale pour apprendre qu'une prison privée a envahi les lieux. Lorsque Kat apprend qu'elle peut invoquer deux démons, Wendell (Keegan-Michael Key) et Wild (Jordan Peele, qui a également produit et co-écrit le film), l'enfer se déchaîne littéralement alors que les zombies ressuscitent d'entre les morts grâce à la magie. une crème capillaire et Kat affronte la réalité de la mort de ses parents.Wendell et sauvagen'est pas aussi juvénile qu'un film Disney moyen, et ses effets stop-motion ne sont pas aussi raffinés que ceux de Guillermo del Toro.Pinocchio, mais son cœur bat fort, et c'est une parabole plus proche des problèmes du monde réel auxquels nous sommes confrontés aujourd'hui que presque toute autre version américaine d'animation majeure cette année.
Marcel la coquille avec des chaussuresa fait rire et pleurer le public pendant plus d'une décennie, depuis que le premier court métrage Web de Jenny Slate et Dean Fleischer-Camp a fait ses débuts sur YouTube en 2010, mais son long métrage sorti cette année expose le petit gars ingénieux à un monde beaucoup plus vaste. Le faux documentaire suit Marcel alors qu'il rencontre le cinéaste Dean et se lance désespérément dans une recherche de son ancienne communauté de camarades coquillages. Tournée en stop-motion avec une gamme d'appareils photo adoptés pour la macrophotographie, chaque scène se moque de la relation de Marcel à l'échelle : il crée une corde avec les cheveux de la baignoire, il dort sur du pain tranché, il regarde une carte et ce qu'elle représente de manière bien différente. que nous. La performance charmante et sournoise de Slate dans le rôle de Marcel est drôle tout au long, mais ce qui rend le film surprenant, c'est la gravité qu'il peut porter sur ses épaules d'un pouce.
Le film d'animation de 92 minutes de Kid Cudi – ou, euh, une série télévisée de 92 minutes, si vous suivez le catalogage étrange de Netflix – est un joyau pictural et musical. Conçu comme un accompagnement visuel du huitième album studio du musicien, le film est une comédie romantique sur un aspirant dessinateur de bande dessinée, Jabari, alors qu'il trouve l'amour à New York et tente de pousser son art vers de nouveaux sommets commerciaux. Divisé en chapitres, Manhattan de Jabari est principalement lavé dans un style aquarelle vibrant de DNEG Animation, apportant une vivacité texturée au monde du dessinateur et aux personnages qui l'habitent. Cela fonctionne particulièrement lorsque la musique hallucinatoire et spatiale de Cudi a la liberté de s'effacer, comme lorsque "In Love" commence à jouer alors que Bari invite un amoureux à monter sur son vélo et que les visuels tournent pour tracer le chemin abstrait et brossé des pneus vers le haut. des rues et dans une toile sombre d'étoiles. Ou quand Bari part d'unKaijuversion grandeur nature de sa propre création, Mr. Rager, dans une séquence de rêve totalement désaturée, accompagnée d'une partition électronique entraînante. Comme le dit Craig Jenkins de Vultureplus tôt cette année, « Quand la musique, les visuels et l'histoire évoluent de concert,Entérgalactiqueest délicieusement lâche et vif.
Magnifiquement réalisé grâce à la rotoscopie, une technique d'animation centenaire qui, brièvement,stupidement, presquedéraillél'éligibilité du film aux Oscars cette année,Apollo 10½ : Une enfance à l’ère spatialeest un fantasme sur ce que cela pourrait être d'envoyer un enfant sur la lune. Imprégné de la nostalgie des années 60, le réalisateur Richard Linklater nous fait découvrir la vie du protagoniste Stanley à Houston, en pleine course à l'espace, reliant la croissance de la ville à l'expansion de la NASA et aux changements culturels plus importants de l'époque. Dans ce contexte, visualisé fidèlement via des documents de référence et des vidéos personnelles de l'époque, Stanley, élève de quatrième année, est recruté par l'agence spatiale pour servir d'astronaute et être le premier humain à atterrir sur la lune. En tant que voix adulte de Stanley, Jack Black nous met au courant de ce qu'était la vie à l'époque, racontant des images de films d'actualités animés, des plans photoréalistes de la vie à Houston et l'appréciation du jeune Stanley pour les fusées, les bougies romaines et la quasi-certitude de la vie extraterrestre. La proximité du garçon avec l'histoire est attachante et très spécifique, et le talent artistique rendu à l'écran par Linklater, le responsable de l'animation Tommy Pallotta et les studios d'animation Minnow Mountain et Submarine est indéniable.
Très peu de propriétés animées des années 90 sont aussi malléables pour une renaissance queBeavis et Butt-Head. Le format de base établi par les dessins animés originaux – dans lequel deux frères adolescents, libres des entraves de l’intelligence ou des convenances sociales, crachent dans les yeux de téléspectateurs non refroidis avec des ricanements et des blagues sexuelles persistantes – est pertinent à toutes les époques. "La blague est sur eux", comme l'a récemment déclaré le créateur, doubleur et écrivain Mike Judgemets-le. Ce qu'il vous faut, cependant, c'est le ton et l'exécution, ce que ce film fait à la pelle, jetant le duo dynamique dehumour de bitedans les temps modernes et rôtissant tout, des smartphones au charabia multivers. C'est un véritable exploit que de pouvoir écrire une comédie revival toujours hystérique mettant en vedette des personnages aussi rabougris. Le film est animé dans le même style glorieux et nettement grossier de la série des années 90, moins un éclat HD de 2022 et une poignée de séquences d'action, et à bien des égards, on a l'impression que Beavis et Butt-Head n'ont jamais disparu. Ce sont toujours des fous qui cherchent juste à marquer, et c'est magnifique.
La meilleure sortie animée de Disney cette année, de loin, celle de PixarDevenir rougeétait un classique instantané à son arrivée en mars. Réalisé par Domee Shi, un animateur qui avait déjà travaillé sur sept longs métrages du studio d'animation et réalisé le brillant court métrageBao,Devenir rougese double d'une histoire de passage à l'âge adulte étonnamment fraîche sur une mère et sa filleetl'une des pièces les plus serrées de Pixar à ce jour pour le public millénaire. Son héroïne, Mei, est une jeune fille de 13 ans vivant à Toronto en 2002, obsédée par le plus grand groupe de garçons de l'époque, et son intrigue est tirée des pages deUn film loufoqueetMon voisin Totoro. En fin de compte, c’est le panda roux géant dans la pièce qui la rend spéciale. Mei commence à se transformer un matin en une grande créature à fourrure, que le film utilise astucieusement pour commenter la puberté, son lien avec sa mère et le reste de sa famille matrilinéaire, et finalement l'estime de soi de Mei. Malgré ces résonances thématiques, la critique Vautour Alison Willmoreappréciéà quel point le film semble léger : « Bien qu'il s'agisse d'une mère et d'un enfant canadiens d'origine chinoise, il n'est ni respectueux dans la façon dont il les traite, ni chargé d'obligations pour répondre aux attentes impossibles de tout un groupe démographique disparate de téléspectateurs. » Malgré le fait que ses personnages peuvent se transformer en créatures panda écrasantes, sa scène la plus spectaculaire visuellement est une scène paisible qui se déroule dans une forêt de bambous onirique et floue – un plan astral où Mei interagit avec les femmes de sa famille, trouvant l'amour. et compréhensive lorsqu'elle le fait.
Photo : GKIDS Films/YouTube
L'un des rares films d'animation cette annéepasbasé sur une propriété télévisée déjà au succès colossal (en vous regardant,Dragon Ball Super : Super HérosetJujutsu Kaisen 0!),Toi-Ohest le derniereffort visionnaire de Masaaki Yuasaet les animateurs de Science SARU – une escapade musicale trippante à travers le Japon féodal réinventée à travers des performances rock. Son duo central de musiciens – Tomona, un joueur de biwa aveugle, et Inu-Oh, un danseur né avec une grave inégalité de longueur des membres, entre autres différences congénitales – prennent d'assaut le 14ème siècle en jouant partout où les autorités veulent les supporter, depuis un lit de rivière asséché jusqu'à devant le shogun Ashikaga lui-même, jusqu'à ce que les autorités n'en puissent plus. L'intrigue est relativement simple, mais cela joue en faveur du film. Comme beaucoup d'œuvres de Yuasa, regarderToi-OhIl s'agit plutôt d'offrir à vos yeux et à vos oreilles un festival de chorégraphies et de musiques colorées et exagérées que la plupart du public américain n'entendra probablement nulle part ailleurs.Toi-Ohest sorti en salles dans sa version originale japonaise, mais lorsque le doublage anglais arrivera en vidéo personnelle début 2023 de GKIDS, le concédant de licence ne redoublera aucune des chansons, et c'est pour le mieux.
Ce n'est pas celui de WaltPinocchio, et personne n’en a besoin. La fable en stop-motion des réalisateurs Guillermo del Toro et Mark Gustafson dépasse largement les autres films récemment sortis mais finalement oubliables basés sur le film de Carlo Collodi.Les Aventures de Pinocchio. Cette version – en préparation depuis près de 15 ans – est un sombre fantasme qui rumine sur la moralité et la mortalité dans le contexte de l'Italie de Mussolini. Toutes les voix du film, dont Ewan McGregor, Tilda Swinton, Cate Blanchett et Christoph Waltz, s'en tirent admirablement, mais des remerciements particuliers vont au casting de David Bradley, aliasGame of Thrones' père extrêmement prolifiqueWalder Frey, dans le rôle de Geppetto, et Gregory Mann dans le double rôle de son fils, Carlo, et de Pinocchio. Rien n'est facile pour eux, car Geppetto perd un fils dans les scènes d'ouverture et Pinocchio se heurte à des problèmes pour adapter sa forme animée au fascisme de l'époque. Geppetto noie son chagrin dans l'alcool, et son réseau de soutien dans ce village décoré d'affiches Il Duce ne l'aide pas ; Pinocchio ment et sa figure paternelle est, au début, bien trop frappée pour élever correctement un garçon qui parle avec la voix de son fils décédé. La tactilité en stop-motion met l'accent sur les épreuves de leur vie : considérez les mouvements précis, positionnés et chronométrés des moustaches blanches de Geppetto ou des premiers pas hésitants de Pinocchio dans son cadre en bois. Chaque scène est visiblement gravée grâce aux efforts admirables des animateurs du studio ShadowMachine, ce qui convient à un film sur le travail que nous accomplissons, physiquement et émotionnellement, par amour.
Photo : avec l’aimable autorisation des studios du 20e siècle
Il a surmonté deux ans de retards liés à la pandémie pour enfin arriver, maisLe film Bob's Burgersa contribué à lancer la saison cinématographique d'été avec une touche torride cette année – en apportant ses visuels à petit budget au format reconnaissable et à l'écriture chaleureuse de la série. Le plus grand compliment du film est qu'il donne l'impression d'être un film géant.Bob's Burgersépisode : Comme plusieurs autres séries, le restaurant de hamburgers de la famille Belcher est en danger et ils doivent le sauver, qu'il s'agisse d'essayer de séduire l'agent de crédit d'une banque avec de la restauration rapide ou d'installer un stand mobile près de la Merveille. Quai sans, euh, obtenir la permission. Son humour est aussi amusant que tout ce qui a été diffusé dans la série au cours de la dernière décennie, en particulier la descente de Bob dans une spirale maniaque à propos du sort de son restaurant, sans parler de sa famille (« Oh mon Dieu. Ohhhhhh, non. Ohhhhh, mon garçon », répété par H. Jon Benjamin encore et encore). Ils se frayent un chemin pour sortir du gouffre financier et font exploser un mystère de meurtre en s'appuyant les uns sur les autres, de la même manière qu'ils s'attaquent à tous les problèmes. Maintenant,Le film Bob's Burgersce n'est pas parfait.Il fallait plus de chansons.Mais aucune famille, ni aucun cheeseburger, ne le sont jamais vraiment.
