Du Jake Gyllenhaal délicieusement nerveux à une Rebecca Hall parfaitement cambrée en passant par Taylor Russell en cannibale, et bien plus encore.Illustration photographique : Rowena Lloyd et Susanna Hayward ; Photos gracieuseté des Studios
Le rite annuel deliste des meilleurs de l'annéeme met à bout, je sens ma tête bourdonner d'agitation pendant que j'écris ceci. Ces listes sont fébrilement scrutées puis généralement oubliées en bien moins de temps qu’il n’en a fallu pour les compiler. Pour aggraver les choses, cette année a été uneremarquablement tièdepour le cinéma. Si peu de filmsm'a secoué jusqu'au plus profond de moi, me laissant avec ce sentiment délirant qui survient après avoir été assis dans une admiration devant la grandeur à l'écran. Je veux être enthousiasmé intellectuellement, ému émotionnellement, parlé spirituellement, et même si des films entiers n'ont pas réussi à le faire avec régularité cette année, je ne peux nier qu'un certain nombre de performances ont dépassé leurs histoires respectives. Ainsi, au lieu de classer les films qui ont réussi à me laisser autre chose que froid, je réévalue les performances individuelles qui m'ont électrisé et, ne serait-ce que pour un instant, les films dans lesquels elles se déroulent.
Alors, comment mesurer une performance ? J'étudie la physicalité d'un acteur, sa capacité à ajouter des couches de sens à ses lectures de répliques et sa gestion de sa propre beauté pour créer un plaisir voyeuriste à l'écran. Construisent-ils une vie intérieure pour leur personnage qui suggère des idées et des sensations au-delà des limites du film ? Certains de mes choix dépendent de moments singuliers d’exception ; ces performances n'ont peut-être pas défini leurs films, ni même ne m'ont amené à me soucier du travail du réalisateur dans son ensemble, mais elles sont restées avec moi et m'ont mis au défi d'élargir ce que j'ai vu. Ces dix performances proviennent d'une variété d'histoires, dont certaines que j'ai aimées dans leur ensemble, d'autres que je n'ai pas aimées, mais chacun de ces acteurs a fait quelque chose que tous les grands interprètes devraient : me rappeler les sensations fortes et les douleurs d'être en vie, surtout dans un an. qui semblait inerte autrement.
Je me demande depuis un moment maintenant ce qui m'a si profondément affecté dans la performance de Lee Hye-Young dans le rôle de Jun-hee. Le film mince de Hong Sang-soo est construit sur les affrontements tranquilles d'un romancier acclamé explorant une petite ville en dehors de la métropole de Séoul. Alors que le film la voit dans les librairies ou en train de converser autour de la nourriture et de l'alcool, nous apprenons son désir de réaliser un court métrage ; l'étincelle qui engendre son aveu vient de sa rencontre avec Gil-soo de Kim Min-hee, une actrice acclamée. Mais c'est une dispute qui fleurit entre Jun-hee et une connaissance cinéaste, Hyo-jin (Kwon Hae-hyo) – que Jun-hee considère en faillite créative, choisissant la richesse plutôt que la réussite artistique – qui m'a le plus marqué. Dans l’argumentation, Lee semble inflexible. Lorsqu'elle parle à Kil-soo, elle se penche et ses yeux deviennent doux de passion. Elle prête à Jun-hee une grâce froide qui souligne sa vie artistique durement gagnée, mais c'est en étudiant la posture de Lee que je me suis le plus émerveillé devant sa force en tant qu'interprète. Ses mouvements assurés offrent une image de curiosité – d’une femme plus âgée débordante de vie et d’objectifs, propulsée en avant par l’énergie de sa propre personnalité – à laquelle j’aspirais à l’écran. Le résultat est à la fois banal et profond, à l’image de la vie d’un artiste.
Au début deDécision de partir, Hae-joon (Park Hae-il) est un détective marié dont le dernier cas concerne un grimpeur qui est peut-être ou non accidentellement tombé d'une falaise et est mort. Lorsque l'épouse du défunt, une immigrante chinoise à Busan nommée Seo-rae (un lumineux Tang Wei), qui travaille comme aide-soignante auprès des personnes âgées, entre en scène comme suspecte, je réalise que monamourpour Park Chan-wook en tant que réalisateur. Il est un maestro dans l'art de relier le profane et le céleste, les manipulations qui détruisent les vies et les pulsions dont elles naissent. MaisDécision de partirse penche sur un humour qui, sur le plan tonal et stylistique, détourne plutôt que construit le monde dans lequel il essaie de nous entraîner, jusqu'à la dernière moitié du film, lorsque les performances m'ont apporté un immense plaisir, en particulier lors de sa fin sauvage et déchirante.
Il est difficile de comprendre pourquoi la performance de Park fonctionne si bien sans regarder celle de Wei, mais Park fait ma liste pour la façon dont il joue avec la luxure et le désir, et permet à chacun de briser son personnage. Que puis-je dire ? J'aime voir un homme complètement détruit par l'amour. Le réalisateur Park détaille l'esprit de son détective, comment son obsession grandit et vide bientôt son existence, l'amenant à perdre une grande partie de ce qui définissait autrefois sa vie. Mais c'est la capacité de l'acteur Park à incarner cette obsession dévorante pour l'humanité qui ajoute des niveaux d'intrigue. Considérez un instant ses yeux, définis par une dévastation totale alors que Seo-rae le tient à travers une révélation sur ses sentiments et un tournant crucial dans l'affaire. Étudiez ses cris, s'étendant vers la lumière mourante du ciel dans l'acte final, alors qu'il cherche ce qui ne sera jamais trouvé. Là où Seo-rae est glissant, Hae-join se sent solide. Jusqu'à ce qu'il ne le soit plus. Jusqu'à ce qu'il ne reste plus de lui qu'un besoin brut qui ne sera jamais assouvi à cause des machinations de Seo-rae, qui ont commencé comme un moyen de survie puis sont devenues autre chose.
Ensemble, le cinéaste Luca Guadagnino et sa muse, l'acteur Timothée Chalamet, suscitent en moi une réaction mitigée. Mais je me suis retrouvé charmé par leur dernière collaboration,Les os et tout, car qui s'empare de la vedette avec une force douce et refuse de la céder ? Taylor Russel. Elle a d'abord attiré mon attention sur les tapis rouges cette année, notamment au BFI London Film Festival, vêtue de la couture Schiaparelli : un corset champagne, un canotier noir pointu, une veste courte noire avec des appliqués de raisin, une jupe délicatement drapée sur ses hanches. Sur le tapis rouge, elle se comporte avec une compréhension approfondie de la lumière, des angles et des contours de son corps. Je me suis demandé,Pourra-t-elle transmettre l’énergie qu’elle apporte sur le tapis rouge jusqu’au grand écran ?
RegarderLes os et tout,J'ai réalisé que la réponse était « oui ». Mais elle le fait d’une manière à laquelle je ne m’attendais pas. Elle incarne Maren, une adolescente qui a une envie de manger de la chair humaine, ce qui la conduit, ainsi que son ancien protecteur et père (André Holland), à se déplacer sous des noms de famille d'emprunt. À la suite du départ de son père, Maren se retrouve embourbée par les forces d'autres cannibales, qu'il s'agisse de l'omniprésent Sully (un Mark Rylance effrayant comme l'enfer) ou du jeune homme dont elle tombe amoureuse et avec qui elle voyage, Lee (Chalamet). . Son alchimie avec Chalamet n’est pas du genre dévorante et passionnée. Au lieu de cela, il présente toutes les appréhensions et les problèmes de sécurité qui caractérisent une romance entre jeunes et profondément traumatisés. Russell crée l'image d'une fille à la dérive, cherchant des réponses sur qui elle est et comment elle est devenue ainsi. Après avoir retrouvé sa grand-mère, elle a enfin retrouvé sa mère, Janelle (Chloë Sevigny), qui est également cannibale, même si elle s'est internée dans un établissement public et a mangé ses propres mains. Maren obtient des réponses, mais pas celles qu'elle aurait voulu trouver toute sa vie. Dans cette scène - l'une des, sinonlemeilleur du film - Le doux visage de Russell passe de la nostalgie à la conscience puis à la peur pure et simple, et juste comme ça, Russell se consolide comme une star en devenir.
Comprendre le registre de la performance de Jake Gyllenhaal dans le film d'action relativement concentré et carrément propulsif de Michael BayAmbulance,il faut comprendre ce que la cocaïne peut faire à une personnalité. Comme je l'ai écrit en haut de monrevoir, "Ambulance, le dernier en date du réalisateur Michael Bay, est un film alimenté par la force de volonté nerveuse et la confiance bienheureuse qui accompagnent la consommation de cocaïne. Beaucoup de cocaïne. Si vous me disiez qu’avant chaque plan de tir évanoui ou la lecture de lignes explosives du co-responsable Jake Gyllenhaal, les gens sur le plateau plongeaient dans des montagnes de cocaïne, je vous croirais complètement et totalement. Bay présente Gyllenhaal, qui incarne un criminel de carrière fringant et déséquilibré nommé Danny Sharp, avec une compréhension totale de l'impact de Gyllenhaal en tant que star : une porte de garage flotte vers le haut, la lumière scintille sur le trottoir et nous rencontrons enfin son visage. Il enlève lentement ses lunettes de soleil, lance quelques injures (mais avec charme) et embrasse Will Sharp de Yahya Abdul-Mateen.
C'est un film qui demande une volonté de paraître ridicule, une bravade bruyante,etsincérité (étant donné la dure éducation que Danny et Will ont eue en tant que frères). Gyllenhaal livre l’audace d’un homme habitué à évaluer les autres pour son propre bénéfice. Il y a un érotisme déchiqueté dans cette performance, né du charme d'une star prête à jouer avec sa propre image. Mais ce qui a amené la performance de Gyllenhaal à s'enraciner dans mon esprit est une lecture d'une seule ligne, prononcée après que l'EMT kidnappée par Eiza González ait tenté de s'échapper de son trajet en ambulance de l'enfer en utilisant un extincteur. Couvert d'un film blanc, Gyllenhaal, une mitrailleuse armée dans une main et un air renfrogné gravé sur le visage, crie avec insistance : « C'est du cachemire ! Il serait trop facile pour un acteur de se laisser engloutir par la grandiloquence caractéristique de Bay, mais avec cette lecture d'une seule ligne – à cheval sur la ligne de l'hilarité désarticulée, comme s'il était une méchante lycéenne dont la tenue a été gâchée – Gyllenhaal dépasse facilement ce que le film l'exige.
La femme roiest un film à la fois passionnant (pour son action) et frustrant (pour l'histoire de l'Afrique de l'Ouest et de l'esclavage qu'il ne parvient pas à enchaîner correctement). Mais Lashana Lynch est une telle force que je me fichais complètement de ce qui se passait quand elle était à l'écran. Son personnage, Izogie, est animé par une énergie féroce et une touche de sensualité qui vient d'une mauvaise chienne connaissant sa valeur. Elle me rappelle l'une des dames blondes de Martin Scorsese, comme Sharon Stone dansCasino: des forces de la nature accrocheuses et au charme électrisant qui ne cèdent l'attention que lorsqu'elles le souhaitent. Plus important encore, il y aquelque chosesur la façon dont les blondes de Scorsese et LynchLa femme roiporter des vêtements ; ils utilisent la féminité comme une arme.
La façon dont Izogie de Lynch militarise sa féminité a des résultats sanglants. Dans la séquence de bataille d'ouverture du film aux côtés de sa sœur guerrière du Dahomey, Izogie se déplace différemment de quiconque autour d'elle. Elle regarde un homme qui lui coupe le dos avec la contrariété d'un être humain qui écrase un moucheron. Plus tard, elle soumet ce combattant en le chevauchant et lui plonge ses ongles aiguisés en forme de griffes dans les yeux. Ses mouvements sont rapides, précis, élégants. Alors que d'autres personnages se battent principalement par devoir, par douleur ou par traumatisme – ou alimentés par un mélange des trois – Izogie est alimentée par le plaisir du combat. Même en dehors des séquences d’action, Lynch imprègne sa physicalité d’une férocité et d’un charisme élégants. Au début du film, tout en transmettant la sagesse à Nawi, le protagoniste nostalgique et traumatisé de Ainsio Mbedu, sa démarche a une certaine vitalité dramatisée. Elle ne marche pas tant qu'elle avance avec la force et la sensualité d'une femme à la confiance indéniable qui refuse de prendre moins de place qu'elle ne le mérite.
Je n'ai jamais voulu être parent. Je n'ai aucun attachement fort à mon propre père ni aux images de figures paternelles. MaisAprès le soleilm'a détruit. Les débuts de la scénariste/réalisatrice Charlotte Wells concernent Sophie (jouée en tant qu'adulte par Celia Rowlson-Hall et en tant qu'enfant par Frankie Corio) qui réfléchit à un voyage qu'elle a fait avec son père en Turquie à l'âge de 11 ans. Le film est parsemé de scènes de Sophie adulte dans un club éclairé par des stroboscopes où elle est à jamais hors de portée de Calum (Mescal). Mais l'essentiel du film est constitué des souvenirs de Sophie de ce séjour en Turquie, alors qu'elle commence tout juste à réaliser l'humanité et les complications de ses parents. Dans les vidéos filmées par caméscope de leur temps ensemble, nous pouvons glaner une sorte de tension qui résonne sous l'histoire. Calum est un homme qui lutte sous le poids du présent. Il aime profondément sa fille, mais il n'est pas celui qu'il pensait devenir, et cela – être père très jeune, séparé de la mère de Sophie – n'est clairement pas la vie qu'il souhaite mener. Il est tendu sur des questions financières, comme lorsque Sophie perd son coûteux masque de plongée. Il transporte des livres sur le Tai Chi, qui n'est pas tant une passion qu'un moyen futile d'exorciser ses conflits intérieurs – des conflits que son enfant perspicace comprend. Mescal joue ces contradictions avec un bourdonnement mélancolique, renforcé par la relation confortable et authentique qu'il noue avec Corio.
Ce qui m'a frappé en revoyant le film, c'est à quel point Mescal agit à merveille avec son dos. Dans deux moments cruciaux du film, nous en sommes témoins. Dans la première, juste après que Calum et Sophie se soient installés dans leur bruyant hôtel turc, Sophie dort, son souffle apportant une dimension sonore à la présence de Calum sur le balcon, où il tente maladroitement d'allumer une cigarette avec son bras dans le plâtre. Dans son dos, on retrouve la tension, puis le relâchement qui vient d'une bonne et lourde traînée. Le deuxième cas survient vers la toute fin, après que Sophie ait incité des touristes à chanter joyeux anniversaire à son père. Wells et son éditeur superposent deux images : alors que Calum regarde le chant d'en haut sur certaines marches, son dos nu apparaît. Il est assis sur le lit, seul et nu, et il pleure. Son corps tremble de regret. Son dos se courbe et se plie comme s'il s'agissait d'un point d'interrogation errant. Il n'est pas seulement accablé par la tristesse, mais malade de chagrin. Nous ne voyons jamais son visage dans la scène, mais ce n'est pas nécessaire. Son dos nous dit tout. Après tout, les grands acteurs utilisent chaque centimètre d’eux-mêmes.
Colin Farrell a sans doute connu la meilleure année de sa carrière. Peut-être êtes-vous attiré par son tour méchant et méconnaissable dans le rôle d'Oswald « Le Pingouin » Cobblepot dans le film aux accents noirs.Le Batman;ou, peut-être, son tour très acclamé de retrouver le scénariste/réalisateur Martin McDonagh et son collègue acteur Brendan Gleeson dans la pièce d'époque irlandaiseLes Banshees d'Inisherin allume ton feu. Mais c'est son travail doucement évocateur dansAprès celac'est ce qui m'est le plus resté. Le film de science-fiction futuriste tourne autour d'une famille — Jake (Farrell), Kyra (Jodie Turner-Smith) et leur fille adoptive, Mika (une charmante Malea Emma Tjandrawidjaja) — qui sont sous le choc après leur robot IA, joué avec une curiosité surprenante par Justin H. Min fonctionne mal et s'arrête effectivement, révélant les fissures au sein de leur dynamique familiale. Pour Mika, Yang était une bouée de sauvetage pour sa propre culture chinoise ainsi qu’une amie qui a peut-être davantage contribué à son éducation que ses parents ne voudraient l’admettre.
Que signifie pour un acteur de créer une vie intérieure pour un personnage ? Pour Farrell, cela revient à se stabiliser dans des gestes et des moments infimes, en particulier ceux associés à son travail/passion de préparer et d'entretenir le thé. Mais ce qui est particulièrement fascinant dans cette performance, ce ne sont pas seulement les mouvements méthodiques qui s'y déroulent, ou la façon dont Farrell mélange des émotions contradictoires dans ses yeux – c'est le fait que peu importe son partenaire de scène, et bien qu'il soitlestar d'un film, Farrell n'aspire jamais d'oxygène. Il se calibre soigneusement par rapport à ses partenaires de scène. Vers la moitié du film, Jake est dans la cuisine lorsque Yang lui demande pourquoi il a consacré sa vie au thé. La scène qui se développe est une scène qui, à première vue, semble simple, mais en dessous coule un torrent de questions qui n’ont pas de réponses faciles. Farrell associe la curiosité de Min à une douceur lasse du monde. Leurs corps sont ouverts à différents degrés et ils se déplacent les uns autour des autres avec le calme naturel qui accompagne la vie avec quelqu'un. Farrell se déplace avec une attention particulière dans la conversation, comme si ses mots étaient faits de verre. C'est doux, mais c'est capable de transpercer l'âme.
Dansentrepôt,Cate Blanchett aspire intentionnellement tout l'oxygène de la pièce et de toute conversation entourant le retour triomphal de Todd Field au cinéma. C'est compréhensible. Blanchett est en pleine forme et crée une chef d'orchestre-compositrice égoïste et exigeante nommée Lydia Tár qui semble connaître une grande chute à la suite du suicide d'un ancien amant, ce qui soulève des questions de pouvoir, de manipulation et de l'obsession de Lydia de refuser de regarder le monde. politique des choses. Blanchett s'appuie clairement sur les personnages cool et puissants qu'elle a créés auparavant. Mais en regardantentrepôt,alors que j'étais amoureux de son travail, la personne qui m'obsédait existe en marge de sa performance volcanique : Nina Hoss, incarnant l'épouse de Lydia, violon solo de la Philharmonie de Berlin et musicienne talentueuse à part entière. Lorsque Sharon est présentée, elle semble étroitement blessée, avec toute l'anxiété d'un bouchon de champagne sur le point d'exploser. Mais au fur et à mesure que le film avance, Sharon devient plus qu'une simple épouse abusée tolérant la tromperie et les indiscrétions de son « grand » partenaire. Ses expressions faciales – souvent à la périphérie du cadre, ou encadrées à l’intérieur du cadre par des instruments – témoignent de la dynamique épineuse de l’histoire. Des regards en coin, des sourcils dressés, tout est brutalement dessiné avec un penchant entendu. J'ai toujours été intrigué par les femmes derrière les grands artistes. Ils sont souvent plus précieux, plus talentueux, plus rusés que ce que leurs partenaires veulent bien voir.
Il y a une seule scène qui a assuré le placement de Hoss sur cette liste. Il ne reste que vingt minutes au film et la vie de Lydia bascule. « Les robots du millénaire qui échangent des mensonges », comme le dit Lydia, se régalent des erreurs de sa vie, les allégations laissées par son ancien amant, se transformant en un profond crescendo. Sharon est à juste titre énervée, mais pour des raisons Lydia refuse de comprendre ; elle est trop absorbée par sa propre carrière pour se soucier de sa famille. Lorsque Lydia revient d'un voyage, Sharon apparaît derrière elle dans le noir chez elle. Au début de la scène, alors que Lydia s'affaire à se mettre à l'aise à la maison, essayant d'ignorer les incitations de Sharon et ce qui est clairement le début d'une rupture, nous voyons Hoss mûr de tension dans une chemise boutonnée blanche à fines rayures et non structurée et pantalon. Bras croisés, appuyée contre le mur, Sharon est la plus forte qu'elle ait jamais été dans le film. « Il y a beaucoup de choses que j'accepte chez toi. Et à la fin, je suis sûr que je pourrais surmonter quelque chose comme ça », dit Hoss avec une conviction inébranlable, appliquant chaque mot avec la précision d'un scalpel.
« Que pourriez-vous faire pour améliorer les choses ? » » demande Lydia avec dédain.
"Tu dois me demander mon putain de conseil, comme tu l'as toujours fait", répond Sharon, sa voix révélant enfin la totalité du rôle de Sharon dans la relation. "Comme vous l'avez fait lorsque vous êtes arrivé ici en tant que chef invité à la recherche d'un poste permanent."Comme le dit Hoss dans une interview avec Deadline, « Sharon fait plus partie de cette institution que Tár. Tár est bien plus un invité. Mais Sharon siège dans cette institution, elle a fait son chemin dans le monde de la musique classique allemande, elle la connaît par cœur. Elle connaît toute la politique et elle peut faire en sorte que ça marche. Et le drame de cette relation, je pense, c'est que Lydia, à un moment donné, pense que Sharon ne peut rien faire pour elle et elle ne la laisse pas entrer. Avec Sharon, Hoss crée, avec beaucoup moins de temps d'exécution que prévu, le portrait d'une femme qui travaille peut-être dans l'ombre mais refuse d'être poussée en marge de son propre mariage et de sa vie.
Rebecca Hall a construit une œuvre de femmes aux extrêmes dans des films commeLa maison de nuitetChristine. Résurrectioncar un film n'est pas à la hauteur de l'énorme force des capacités d'interprétation de Hall, mais il lui donne amplement l'occasion de pénétrer le spectateur. Le film d'horreur, en quelque sorte, se concentre sur Margaret (Hall), une mère célibataire professionnelle et exigeante qui contrôle sa vie et sa fille adolescente avec une poigne de fer qui s'épanouit en un zèle obsessionnel lorsqu'un homme plus âgé, David (Tim Roth), profondément traumatisé et a profité d'elle pendant sa jeunesse, réapparaît de façon inquiétante. Dans un monologue de huit minutes – dans lequel la caméra se rapproche de son visage mercuriel jusqu'à ce qu'il occupe tout le cadre – Hall distille exactement ce qui s'est passé entre Margaret et David à un subalterne sans méfiance un soir après le travail. Hall maintient efficacement notre concentration et réalise si pleinement l'intériorité épineuse de son personnage qu'il est facile d'avaler la dynamique narrative archi-motrice qui alimente le scénario. Mais sa performance est bien plus qu’un simple monologue fort. Dans le corps de Hall, nous pouvons voir la tension et la douleur avec lesquelles Margaret marche chaque jour. Ses yeux se déchaînaient de colère et de désir de vengeance, son corps aussi tendu qu'une corde de piano accordée. Il y a des choses dont on ne se remet pas. Et ce sont précisément ces choses qui peuvent entraîner votre perte.
La représentation est souvent discutée de la manière la plus étroite et la plus approfondie dans la critique et le fandom. Mais il y a quelque chose à dire sur le fait de voir une partie de vous dans un endroit inattendu, au sein d'un personnage qui ne vous ressemble pas en termes de race, de culture, de genre, d'expression sexuelle ou même de constitution de votre personnalité, mais qui semble vrai. à vos expériences tout de même. C'est en partie pourquoi Park Ji-Min figure en tête de ma liste.
Dans le film de David Chou, Park Ji-Min incarne Freddie, une adoptée française de 25 ans qui retourne à Séoul à la recherche non seulement des parents qui l'ont laissée partir, mais aussi d'elle-même. Le film et la performance de Park ne fournissent pas de baume facile pour les cicatrices que les parents laissent sur leurs enfants, involontairement ou non. Park établit immédiatement Freddie comme sauvage au point d'être égoïstement propulsé vers la destruction. Lorsque son regard devient vif ou qu'elle jette un regard de côté, elle met en évidence les manipulations qui vont s'ensuivre. Elle se porte avec une soif à chaque pas qu'elle cache avec un extérieur dur et sexuellement chargé. Elle est charismatique, certes, mais c'est un charisme dangereux.
Il est difficile d'identifier une seule scène qui montre le véritable talent artistique de sa performance, car Park fait de chaque scène un repas. Est-ce dans les scènes où elle trébuche, essayant à peine de se familiariser avec la famille de son père – la frontière du langage entre eux ? Est-ce quand elle va embrasser une amie (pas par désir, mais par distraction) pour être repoussée, laissant la dévastation sur le visage de Park ? Est-ce lors d'un rendez-vous avec un homme plus âgé où elle laisse remonter à la surface son côté le plus diablement charismatique, son corps en cuir noir comme si elle n'essayait pas seulement un nouveau style mais un nouveau moi ? Est-ce dans la fin tranquille du film quand tout ce qui reste à Freddie est son propre moi en lambeaux ? Je savais que j'assistais à l'ascension d'une grande actrice lorsque Freddie dansait à l'écran. Dans le chaos de la piste de danse, Park révèle que ce n'est pas la joie que Freddie recherche consciemment, mais l'effacement.
