Les 50 plus grandes scènes de danse de films de tous les temps

Illustration photographique : Emily Denniston et Maya Robinson/Vulture

Ce week-end,Luca Guadagninorefonte maximaliste d'un classique de l'horreur italienSoupirsjetés en version large. Dakota Johnson incarne une ballerine américaine fréquentant une prestigieuse académie de Berlin avant la réunification, encadrée par des instructeurs sévères qui lui donnent une ambiance légèrement satanique. (Peut-être que cela a quelque chose à voir avec tous les crochets à viande ?)Les danses chorégraphiées de Damien Jaletse démarquent comme les sections les plus captivantes des deux heures et demie denses du film, en particulier la pièce de groupe diabolique intitulée« Volk. »Johnson et sa compagnie, drapés de cordons rouges,parcourir des poses tranchantes métaphoriquement – ​​puis littéralement – ​​en courant avec brutalité. Pour les sinistres supérieurs, la transpiration de leurs protégés sert de nourriture. À la Markos Dance Academy, le mouvement est l’essence de la vie.

La danse peut être une communion intense entre l'esprit et le corps, même si ce n'est pas obligatoire. Même si le reste du film s'efface rapidement de ma mémoire, je me souviens clairement de la scène du film de Michael Haneke.Fin heureuseavec une interprétation karaoké du « Chandelier » de Sia avec un accompagnement emphatique sur scène, ne serait-ce que pour son extraordinaire banalité. Dans les sélections ci-dessous, les personnages se déplacent comme un appel à l'aide, comme une explosion de joie, comme une rébellion contre l'autoritarisme et comme un prélude au meurtre. La danse tourmente, apaise, stimule et défie, en gérant souvent plusieurs à la fois. Elle est antérieure au langage lui-même, certains érudits situant son apparition vers 3300 avant JC. Il n'est pas exagéré de dire que la danse doit être incluse dans toute définition large que l'on pourrait donner de la « nature humaine ».

Dans la tentative suivante de rassembler les 50 plus grandes scènes de danse du cinéma, j'ai donné la priorité à l'ampleur : de l'époque, du genre, du ton, du pays. Une poignée d'élites doublent leurs apparitions - Vincente Minnelli, Gene Kelly, Denis Lavant, Fred Astaire et Stanley Donen - mais la gamme complète des acteurs comprend des stars de cinéma de premier plan, des danseurs oubliés de l'histoire et des amateurs de rang donnant c'est leur meilleur coup. Ce canon pèse lourdement sur les comédies musicales, comme il se doit, alors prenez particulièrement note des entrées sélectionnées dans d'autres domaines de la narration. Un film accordera souvent quelque chose de très important à ces actes intimes d'expression de soi, une clé qui ouvre le fonctionnement intérieur d'un personnage. Et enfin, comme c’est le cas pour toutes les listes, cela devrait être le début d’une conversation, pas la fin. Étirez ces marteaux et montez à la barre.

C'est peut-être un ours, mais un passionné de marmeladePaddingtonest avant tout un très bon garçon. Ses véhicules principaux imaginent un monde prêt à le rencontrer à mi-chemin, où la gentillesse peut être une monnaie d'échange et la compassion peut toujours sauver la situation. La puissance de son optimisme optimiste domine même la machinerie du complexe carcéral-industriel dans une scène de générique qui rejoint le méchant comédien.Phoenix Buchanan (Hugh Grant)car il profite au maximum de son temps derrière les barreaux. Il mène ses camarades de prison dans une sélection pleine d'entrain deFolies, et bien que le contraste entre des criminels endurcis faisant des squares de jazz soit techniquement qualifié de « blague », nous sommes simplement heureux de les voir heureux. C'est ce que Paddington voudrait.

Qui d'entre nous n'a pas enfilé une paire de chaussettes tube et tenté de glisser sur un parquet ciré pendant que maman et papa étaient absents ? La prise de conscience inévitable qu'il est impossible de prendre autant de distance que son bon fils Joel Goodson correspond parfaitement au personnage de Tom Cruise, une illusion bien trop charmante pour être réelle. Les films ont d'abord dû l'inventer, et ce big bang de charisme a lieu à la seconde où il a convulsé ses fesses serrées et vêtues de blanc du canapé. C'est une rock star seule à la maison, quelqu'un dont le sens du spectacle est si précis qu'il n'a même pas besoin d'un public pour développer son mojo. Une star, pour ainsi dire, est née.

Armie Marteaudit qu'il était nerveux quand les caméras ont commencé à tourner, mais il suffit de regarder le visage d'Oliverrempliralors qu'il coupe un tapis par une douce nuit italienne : une inconscience propre et facile. La scène quia lancé mille mèmesa conquis le public non seulement parce que Hammer est absurdement et visiblement beau (même si c'est une grande partie de cela), mais parce que son Oliver apporte le même abandon maladroit à ses mouvements qu'il le fait à sa romance avec Elio de Timothée Chalamet. Lorsque nous sommes plongés dans la passion, nous cessons de nous soucier d'avoir l'air cool ou de jouer à l'écart.
Il estjailli et il ne se soucie pas de qui voit, des chambres communicantes où lui et Elio jouent au poulet avec leurs corps jusqu'à la piste de danse, où ils se déchaînent.

Tout tourne autour de l'ascenseur. Allez directement à 3 min 23 s, lorsque Patrick Swayze hisse Jennifer Gray dans les airs comme une offrande à une puissance supérieure toute-puissante. Une personne n'a même pas besoin de connaître les grandes lignes deLibre de toute attacheconnaître l'ascenseur et comprendre sa signification ; nous avons des sièges au sol pour la réalisation du rêve le plus beau d'une adolescente, alors que le monde fond et que bébé se perd dans la poigne sûre et solidaire de Johnny. Qui s'en fout si son père n'approuve pas ? C'est là tout l'intérêt, que leur amour peut éclipser les parents ou la société ou même, pendant quelques secondes, la gravité. Gray fait quelques demi-pas avant de sauter dans les mains de Johnny, un acte de foi récompensé par la confiance.

Après environ deux heures de torture testiculaire très imaginative, les gloutons de punition deÂnesortez dans un éclat de gloire du showbiz. Rendant hommage aux classiques du passé, deChercheurs d'or de 1933chez Buster KeatonBateau à vapeur Bill Jr., ils traversent des décors de scène sonore imitant les piscines, les ranchs de bétail et les pâtés de maisons d’un arrière-plan du vieil Hollywood. C'est un triomphe certifié et trompeusement intelligent pour un film amateur concocté par une bande d'idiots porteurs de cartes. Ils placent leur magnifique automutilation dans une tradition créative plus proche du théâtre musical que des cassettes de skate DIY qui les ont inspirés, arguant que leur volonté d'étendre la forme physique jusqu'à ses limites – et leur attachement au divertissement avant tout, y compris le bon goût – les met en ligue avec les meilleurs saboteurs de l'histoire. Ils n’ont pas entièrement tort.

"En fait, j'ai plutôt envie de m'exprimer maintenant, et j'aurais certainement besoin d'un communiqué !" Audrey Hepburn est pleine de pétards et prête à éclater. Vêtue d'un ensemble beatnik entièrement noir avec un col roulé assorti, elle sort son ya-ya de manière explosive, se froissant et s'étirant aussi grand qu'elle peut. La chorégraphie élaborée trahit le contrôle qu'elle a sur ses pas, mais le sentiment qu'elle pourrait se briser à tout moment fait briller Hepburn. Elle se tord et se tord comme sous l'emprise de la musique, montrant à son compagnon la relation viscérale entre le danseur et la danse. Et à qui donne-t-elle cette leçon improvisée ? Eh bien, nul autre que Fred Astaire.

Marilyn Monroen'était peut-être pas la meilleure actrice de sa génération, ni la meilleure danseuse, mais elle était sans aucun doute la meilleure dans le rôle de Marilyn Monroe. C'est vraiment tout ce que cette vedette exige d'elle, pour être sa bombe inaccessible, même si ce n'est pas une mince affaire. Avec un sourire assez large pour faire craquer une joue, elle prend un bain de soleil dans l'adoration d'une flotte de prétendants bien nantis mimant le suicide pour avoir une chance de sa main, seulement pour détourner leur attention pour des carats solides et fiables. Bien sûr que tu la veux, mais la raison pour laquelle elle est Marilyn, putain de Monroe, c'est que tu ne peux pas l'avoir. « Objet de désir vivant » est un rôle ingrat qu'elle joue pourtant avec conviction, aussi brillants et convoités que les pierres précieuses qui scintillent sur son cou et ses oreilles.

Il n'y aura jamais qu'un seul Prince, et les adieux de son histoire quasi autobiographique d'origine Minnesotan le retrouvent à son Princiest, se pavanant d'avant en arrière sur la scène qu'il sait très bien qu'il possède. Chaque coup de pied, chaque tourbillon, chaque mouvement de cheveux est une note de grâce calibrée par un professionnel accompli qui traite le mouvement comme un saxophoniste de jazz traite l'improvisation. A noter que le réalisateur Albert Magnoli ne se rapproche jamais de Prince qu'un plan moyen ; il faut toujours se rappeler qu'il est sur le piédestal de la scène, crié par sa foule d'admirateurs. Il a vu.
Il vit à l'intérieurson propre cœur, Matt Damon.

Ce n'est pas pour rien que les seules vidéos intégrées de qualité passable disponibles pour cette scène spécifique ne proviennent pas de YouTube, mais de Pornhub et XVideos. (Bonne recherche sur Google !) Dans le rôle de Nomi Malone, une ambitieuse carnivore, Elizabeth Berkley ne laisse rien à l'imagination dans cette frénésie frontale, se tordant sur le yuppie Kyle MacLachlan jusqu'à ce qu'il gâche son short. Ses spasmes d’hystérie érotique sont-ils excessifs ? Bien sûr, ne serait-ce que pour illustrer le mélange de perplexité et de mépris du réalisateur Paul Verhoeven pour les excès de la culture américaine de la fin du XXe siècle. Dans la Sodome éclairée au néon de Las Vegas, comme dans le business sans limites de la danse sale, il n'y a pas de sommet à franchir. À quiconque rejette le tournant héroïque de Berkley en le qualifiant de « mauvais jeu d'acteur » : vous ne connaîtriez pas un bon jeu d'acteur s'il vous grinçait partout l'entrejambe.

De nombreuses sélections de l'œuvre kaléidoscopique du chorégraphe devenu réalisateur Busby Berkeley auraient pu occuper cette place. Il a électrisé des dizaines de personnages avec ses routines vertigineuses dans lesquelles les bras et les jambes forment des formes et des tourbillons, comme des exercices de fanfare sur les aphrodisiaques et l'extase. Mais un seul d’entre eux arbore la présence singulière de Carmen Miranda, resplendissante dans sa coiffe ornée de fruits et légumes. L'icône mène un escadron de jeunes filles aux fruits blonds dans une danse si hautement suggestive que la scène aurait été interdite dans son Brésil natal, de manière apocryphe. Elle sourit malgré les insinuations et la fétichisation de sa nationalité comme si elle savait que sa performance, et en effet, elle-même sera un jour réévaluée et lui sera due par les passionnés du camp. Si tout cela n'est qu'une blague, elle est de la partie.

Dick Van Dyke : impardonnablement mauvais avec les accents cockney, pro accompli avec les vieilles chaussures souples. Il se fraye un chemin dans un dessin à la craie avec la célèbre nounou anglaise et ses pupilles aux joues rouges, la rejoignant dans un doux duo sur le privilège de sa compagnie avec l'accompagnement d'une coterie d'animaux joyeux de bande dessinée. On disait que Walt Disney considéraitMarie Poppinsparmi ses plus grands succès en tant que producteur, et je soupçonne que cette scène pourrait en être la raison, car elle comble avec succès le fossé entre l'animation dont il a fait sa domination à Hollywood et l'action réelle qu'il n'a jamais pu complètement conquérir. Pendant un bref instant brillant, il semblait que l’esprit dynamique de Disney pouvait survivre dans l’environnement hostile de la vie réelle.

C’est le sage Michael Sembello qui a un jour défini la « zone de danger » comme l’espace « où le danseur devient la danse », et dans cette scène, Natalie Portman apporte un soutien convaincant à son évaluation. Elle joueballerine (et probablement schizophrène paranoïaque) Nina Sayersen tant que jeune fille en proie à des forces qu'elle ne peut espérer dompter : d'abord le doute, alors qu'elle se reproche de ne pas avoir atteint la perfection ; puis le désir, alors qu'elle entre en contact avec son identité sous la forme séduisante de Mila Kunis ; et enfin la manie, alors qu'elle s'abandonne à l'obscurité de son esprit et se laisse consumer par elle. Sa métamorphose en une majestueuse créature-oiseau CGI met son développement personnel en termes visuels fantasmagoriques. Elle n'atteint sa forme finale que dans la mort, maîtrisantLe Lac des Cygnesau maximum en l'absorbant.

Nous sommes en 1972. Il doit faire 100 degrés Fahrenheit dans le désert israélien. Vous avez une perruque hippie aux cheveux longs attachée sur votre tête, vous travaillez probablement pour gagner de l'ampleur, et un professeur de danse en sueur n'arrête pas de vous crier dessus de garder l'énergie et de sourire. Je considère les membres du chœur de cette adaptation de l'opéra rock du Nouveau Testament d'Andrew Lloyd Webber comme des héros américains, car dans des conditions qui auraient poussé le commun des mortels au coup de chaleur, ils gagnent chaque centime de cet argent. Cette vedette de l'Act One est inégalée en termes d'agitation, chaque danseur se jetant entièrement dans ses mouvements saccadés. Ils veulent montrer à un Christ rêveur qu’il a toute leur dévotion, et il n’y a pas de moyen plus sacré de le faire que de se coucher à ses pieds dans un épuisement durement gagné.

Comme le dit à juste titre la vidéo ci-dessus, il s’agit du plus grand générique d’ouverture de l’histoire du cinéma, une merveille vivante du monde – le colosse de Rosie. Alors que les allume-feu de Public Enemy dessinent une zone de guerre guérilla-rap sur la bande originale, Perez se penche sur un vernis du réalisateur des Brownstones de Brooklyn, Spike Lee, qui habite chez lui. Elle fléchit plus fort que quiconque ne l'a jamais fait ou ne le fera jamais à nouveau ; elle est la Gene Kelly de la flexion, suffisamment fort pour avoir l'air prête à se battre même lorsqu'elle ne porte pas l'équipement de boxe. C'est le début d'un film conflictuel, irrégulier et chaud de colère juste.

LeIntensifierla franchise et le reste de la série de films de danse pour rendez-vous amoureux ont tiré la plupart de leurs mouvements de ce drame destiné aux adolescents et de son film cousinSauvez la dernière danse. Ils considèrent tous la danse comme un engagement et une activité, explorant les tensions pertinentes pour un public vraisemblablement bien garni de jeunes déménageurs et shakers cherchant un équilibre entre classe et vie. Une routine écrite par Michael Jackson qui joue l'intrigue du film en miniature (j'espère que vous aimez les triangles amoureux !) négocie les écarts entre le classique et le moderne, le personnel et le professionnel, une culture et une autre. Les deuxAu centre de la scèneetSauvez la dernière dansevantent le mouvement comme le grand égalisateur, franchissant les frontières socio-économiques pour unir toute personne ayant un torse suffisamment tendu. Le film se termine par un mariage heureux entre l'ancien et le nouveau, succinctement symbolisé par un changement de costume particulièrement flashy.

Un spectateur curieux pourrait passer des années à ne regarder que des films de Bollywood et ne faire qu'effleurer tout ce que cette industrie en plein essor a à offrir. Les novices intimidés devraient donc commencer par les plus grands succès. Cette distinction convient parfaitement à l'épopée de plus de trois heures de flics et de criminels de Ramesh Sippy, ainsi qu'à la chanson la plus entendue du film largement vu. Le bandit bon à rien Gabbar (Amjad Khan, une légende du cinéma hindi) s'est arrêté pour reposer ses os près d'un feu crépitant avec des villageois en fête, et une locale envoûtante (le sex-symbol connu sous le nom d'Helen) attire son attention avec elle.Nautchétapes pendant que l'acteur Jalal Agha fait une apparition pour faire vibrer lerhubarbe. D'autres productions indiennes appelleraient à plus d'extravagance dans la portée de leurs numéros de danse (continuez à lire), mais pour un magnétisme totalement hypnotisant, personne ne pouvait toucher aux pouvoirs d'hypnose d'Helen.

L'influence actuelle du style sui generis de Joséphine Baker ne peut être négligée, depuispop stars modernesmordant ses vêtements à clapet devant des instructeurs de hip-hop imitant sa tête qui bouge et ses membres caoutchouteux. Son héritage principal est peut-être celui de la première star de cinéma noire, mais même dans une France comparablement tolérante, cet honneur a dû être filtré à travers le prisme de l’exotification occidentale. Le port d'une jupe de banane et rien d'autre lui a valu un nom sur le circuit des revues tout en faisant un clin d'œil aux mêmes relations impérialistes évoquées dans le clip Tutti-Frutti de Carmen Miranda, et dans la scène ci-dessus, les mouvements exagérés de Baker taquinaientstéréotypes racistes du Jazz Age.Comme Miranda, Baker a pris une longueur d'avance sur tout le monde en possédant le morceau, en utilisant sa célébrité et l'autorité qu'elle lui conférait pour bâtir une carrière dont elle pouvait être fière.

L’élément de surprise peut être puissant. Le single « Get Down Saturday Night » d'Oliver Cheatham sorti en 1983 surgit de nulle partLe thriller de science-fiction d'Alex Garland,une embuscade non moins inattendue que la vue de Nathan (Oscar Isaac, un savant fou en passant par Steve Jobs) décollant la peau de son assistant étrangement silencieux (Sonoya Mizuno). En ayant trop vu, Caleb (Domhnall Gleeson) agit comme un substitut de public pétrifié, ne sachant pas si cette soirée disco impromptue sera interrompue par de nouvelles violences. Comme nous, il retient son souffle, à la fois confus, amusé et effrayé. Tout comme nous nous identifions à Caleb, Garland et Nathan sont unis dans leur objectif, lançant une attaque sournoise sans autre raison que de déséquilibrer leurs captifs. À partir de là, tous les paris sont ouverts.

Ah, être jeune et hérissé de méchanceté. Les Teenyboppers Hugo et Kim (Bobby Rydell et une Ann-Margret radieuse) viennent de l'appeler Splitsville et ont hâte de prouver à l'autre à quel point ils s'en remettent en s'associant à quelqu'un d'autre. Une fois que Kim a parcouru les étapes du jour à vélo, se tordant, se secouant et écrasant des pommes de terre dans son berceau.Kiosque à musique américain, aux étapes Conrad (Jesse Pearson) pour mener son troupeau de groupies dans un cha-cha modifié tel un charmeur de serpents. Peu importe qu'Ann-Margaret et Rydell aient tous deux la vingtaine lors du tournage. Le lourd désir adolescent qui flotte dans l'air les rend fous avec un abandon pétillant propre aux années lycée, ou plutôt à la colère rose imaginée par le cinéma.

Le documentaire DIY de Jennie Livingston a ouvert un portail vers la scène underground du drag ball de New York, où les « mères » alpha queen dominent encore aujourd'hui des groupes de vogueurs experts. Parmi eux, Willi Ninja, ainsi appelé parce que « les ninjas frappent fort, ils frappent vite, sont des assassins invisibles, et c'est ce que nous sommes » régnait en maître parmi eux. La vantardise n’est pas vaine ; il se moque des lois de la physique et de la biologie avec une routine qui le voit contorsionner son corps pour lui donner des formes élastiques et angulaires tout en semblant planer au-dessus du sol. Pendant tout ce temps, il est un modèle de stoïcisme, servant un visage mortel tout en laissant son acte parler. La postérité a consacréParis brûlecomme un instantané d'une époque et d'un lieu particuliers, mais pour le regretté icône Ninja, pris trop tôt par le fléau du SIDA, il constitue également une digne nécrologie.

Les séquences de danse non diégétiques ont tendance à surgir d'émotions extrêmes, offrant au personnage un répit de la routine quotidienne en imprégnant son environnement de ses propres sentiments de joie, de mélancolie, de désespoir, etc. Dans cette comédie musicale évanouie de Raoul Walsh, l'ingénue Marion Davies tombe dans un rêve où son béguin pour le crooner Bing Crosby prend une allure onirique, sauf que cela ne fait que la ramener dans la même routine dont la plupart tentent d'échapper. Son fantasme imprègne la vie domestique ordinaire d'un éclat éblouissant, comparant l'acte sain de fonder une maison et de cultiver la terre à une nuit sur la scène du vaudeville. Les épouvantails agités et vaguement troublants qui font du si-do avec elle ne sont que de la sauce blanche de campagne.

C'est le grand paradoxe de la carrière de Bob Fosse que le théâtre musical soit résolument idiot, à moins que ce soit lui qui le fasse. Fosse a remodelé le mouvement de Broadway pour le rendre slinky et sexy, minimaliste et dangereux, granuleux et brut. Ses addictions et ses nombreux enchevêtrements ont constitué la base de cette œuvre de confession Felliniesque, et sa chorégraphie incomparable a atteint sa forme la plus raffinée au moment même où il prenait ses marques de réalisateur. Ce premier numéro du show-in-the-film surnommé effrontément « Airotica » fournit un exemple classique de la méthode de Fosse, mêlant hôtesse de l'air des années 60 et esthétique BDSM dans une approche lascive nous invitant à rejoindre l'ensemble dans une ébats pansexuels. Ce n’est pas pour rien qu’un mouvement de danse époustouflant porte votre nom.

Il y a un argument selon lequel Elvis Presley a inauguré la seconde moitié de la culture pop du 20e siècle avec un mouvement de hanches invitant, et cette étape importante du rock and roll en est un bon exemple. Il suffisait d'une légère bouffée de sexualité pour envoyer les fanclubbers de sa légion dans une frénésie mousseuse, et le numéro giratoire du titre gonfle la présence ineffable du roi à l'écran jusqu'à des proportions d'évanouissement. Avec sa coiffure impeccablement bouclée et son jean narguant les groupes de surveillance gloussants, il se déplace sur la scène sonore comme s'il avait enduit le complexe pénitentiaire-industriel de Crisco. C'est le mauvais garçon et il danse comme tel, ricanant tout en jetant son abdomen de cette façon et de cela avec l'équilibre de précision et de force brute d'un boxeur.N'acceptez aucun substitut.

Réalisé par un Français voyant le Brésilienfavelasà travers les yeux d'un visiteur, la réinterprétation par Marcel Camus de la cour mythique d'Orphée et d'Eurydice a une relation complexe avec sa propre politique raciale. Son attribution d'une fantaisie surnaturelle à une région politiquement turbulente a parfois aseptisé son cadre, mais ses intermèdes de danse enthousiastes et d'observation embouteillent fidèlement l'exubérance de l'époque.Carnavalsaison. Les boissons coulent à flot, le groupe donne des coups de pied et tout le monde est libre de rejoindre la foule. Et puis il y a la sirène Marpessa Dawn dans le rôle d'Eurydice, qui virevolte sans se soucier du monde, une femme qui vaut sans aucun doute le voyage en enfer. Avec toute la joie pure qui jaillit du cadre, on commence à comprendre pourquoi Camus a confondu Rio de Janeiro avec les Champs Élysées.

Comme Joséphine Baker, l'idole du grand écran Anna May Wong a fait de grands progrès en tant que première de sa race à prendre pied dans le foyer raciste d'Hollywood, et comme pour Baker, cette identité a été rapidement caricaturée comme un ensemble de signifiants visuels larges et réducteurs. traits de caractère.Indiana Jones et le Temple mauditIroniquement, le même orientalisme a été cité de manière effrayante, mais tout sous-texte regrettable n'enlève rien à l'équilibre et à la grâce de Wong. Tragiquement consciente de son statut de curiosité itinérante au sein de la bande des caoutchoucnards anglais, elle télégraphie principalement de la tristesse, se couvrant le visage de ses mains en signe clair de désespoir. Bien entendu, les Occidentaux ne répondent que par des huées et des cris.

Un numéro d'ensemble coûteux est aussi bon que son gadget, et dans la scène phare de sa romance bollywoodienne universellement acclamée, le réalisateur Yash Chopra en a deux. N'importe qui peut mettre en scène une combinaison sous une pluie battante, mais il faut une inspiration peu commune pour le faire tout en envoyant la moitié des choristes naviguer dans les airs sur des balançoires. L'intersection de l'audace créative et des tonnes d'argent a conduit à des manifestations babyloniennes de décadence comme celle-ci, dans laquelle Viren (Anil Kapoor) prend plein les yeux de l'adorable Pallavi (Sridevi) tout en se familiarisant avec le terrain autour de sa nouvelle ville du Rajasthan. Il va finir par devenir un adversaire de taille pour sa fille, mais pour le moment, son étonnement pour elle est fort et pur. OMSne le ferais-je pastomber amoureux au premier regard, alors que c'est le premier regard ?

Le peu dansSalut, César !où ScarJo se faufile dans un « cul de poisson » en tant que baigneuse avec une grossesse secrète ? Elle joue Esther Williams, une nageuse synchronisée de renommée mondiale et la muse de certains des appareils les plus humides et les plus fous de Busby Berkeley. (Et pour mémoire,Channing Tatum joue Gene Kelly dansSur la villepour"Non, donne-moi.") Après s'être forgée une réputation de référence en matière de cascades maritimes à Tinseltown, Williams a trouvé le rôle pour lequel elle est née en la personne d'Annette Kellerman, une athlète australienne devenue actrice qui a brisé les limites des femmes dans le sport comme dans le divertissement. Berkeley a mis à l'épreuve les compétences uniques de Williams, car elle reste l'image du glamour tout en se glissant dans et hors de la piscine. À ce jour, les scientifiques ne peuvent pas expliquer comment une plate-forme bordée de cierges magiques entièrement allumés a pu sortir de l'eau sans être arrosée.

Les comédies musicales de Jacques Demy sont des chocolats noirs cinématographiques, des confiseries amoureuses qui commencent douces et se terminent sur une note amère. Les sœurs jumelles Delphine et Solange (Catherine Deneuve et Françoise Dorléac) connaîtront intimement le mécontentement à la fin du film, mais d'abord, elles pourront s'ébattre sur la place de la ville dans un bonheur effervescent avec une paire de garçons costauds qui adorent cueillir. les relever. La chorégraphie de Norman Maen synthétise parfaitement la musique de Michel Legrand, toutes deux aussi enthousiastes, légères et agitées d'excitation hormonale que le chaste flirt qui se joue à l'écran. L'amour est une maîtresse inconstante selon Demy, alléchante juste au-delà de la portée du bras, mais nous pouvons savourer les petits goûts que nous ressentons lors de nos éclairs de bonheur intact. Pour l’instant, un garçon mignon et une journée ensoleillée suffiront amplement.

Donc, pour vous mettre au courant : nous sommes en 2008 (enfin, l’idée de 2008 de 2006) et la Troisième Guerre mondiale a inauguré un État de surveillance alimenté par l’hystérie crypto-fasciste. Notre narrateur Pilot Abilene (Justin Timberlake, jouant à contre-courant et pourtant indubitable comme lui-même) atténue tout le SSPT qu'il a ramené d'Irak en administrant du « Liquid Karma », une drogue intraveineuse qui fait la différence entre le DMT et le 2C-E. . À mi-chemin d'une étrange satire de l'ère Bush dans laquelle le réalisateur J. Richard Kelly indique clairement que tout pourrait vraisemblablement arriver, il prouve qu'il ne plaisante pas en insérant une synchronisation labiale surréaliste autonome de Killers avec un corps complet de danseuses de secours sexy et infirmières. L'incongruité stupéfiante de la scène avec le reste du film la rend en quelque sorte plus à propos, juste un autre détournement hallucinatoire dans un temps d'exécution plein d'entre eux. Détendez-vous et perdez la tête.

En ce qui concerne les métaphores, celle-ci n'est pas la plus subtile, mais depuis quand la finale de l'acte II d'une comédie musicale vise-t-elle la subtilité ? Après avoir éliminé la méchante sorcière (Mabel King) et achevé l'odyssée de Harlem à la brillante ville d'émeraude du centre-ville de Manhattan, l'intrépide Dorothy (Diana Ross) libère les Winkies de leur travail d'esclave à la machine à coudre dans un geste chargé de libérationnisme. L’utopie urbaine ne gagne en puissance que par sa simplicité, en plaçant un tableau de l’excellence noire directement dans le courant dominant des superproductions, là où tout le monde peut le voir. L'auteur-compositeur Luther Vandross et le superviseur musical Quincy Jones voulaient laisser au public une vague d'espoir pour un avenir meilleur. Avec le temps, Judy Garland et les Dorothies de Diana Ross apprennent la triste leçon qu'un endroit aussi aimant et gentil ne pouvait être que le fruit de leurs rêves. Cependant, pendant toute la durée de cette chanson, le ciel semble un peu plus proche de la Terre.

C'est comme une scène d'un tableau de Norman Rockwell, si Rockwell était un petit garçon italien assoiffé. L'avatar de Federico Fellini, Guido, se souvient d'un tendre souvenir d'enfance, d'une réunion avec ses amis pour regarder la prostituée locale (Eddra Gale) couper un tapis sur la plage, et bien que cette image soit considérée comme son premier avant-goût de la sexualité adulte, il considère Saraghina comme un totem de son innocence juvénile. Les femmes confondent et tourmentent Guido dans tous les domaines de sa vie d'adulte, et c'est pourquoi il se languit de la simplicité de ces jeunes années, avant que la gent féminine ne commence à partager ses opinions, à avoir des sentiments et à exiger des choses de lui. Saraghina est apparue à ces garçons à un moment où ils pouvaient se permettre d'être immatures et se délecter de cette immaturité – un luxe qui manque cruellement à Guido.

L'entrée la plus récente de cette liste estégalement la version américaine la plus récente,donc dans l'intérêt de préserver le mystère, restons-en à l'essentiel : Hae-mi (Jeon Jong-seo) s'est coincée dans un triangle amoureux entre le fainéant sympathique Jong-su (Yoo Ah-in) et le dreamboat aisé Ben (Steven Yeun). Elle n'a aucune idée de ce qui va lui arriver, et pourtant, alors qu'elle traverse le crépuscule au son lugubre de Miles Davis, elle touche la sérénité de quelqu'un qui a fait la paix avec son destin. Elle dévoile ses seins à la vue des deux hommes avec la confiance de quelqu'un qui sait qu'elle ne peut pas être touchée, sa distance la soulevant presque à un plan transcendantal. Elle reviendra au sol, mais pendant quelques minutes captivantes, elle est au-dessus de tout.

Allez-y, regardez bien. Dans le rôle de la reine Katrina, une go-go girl à temps partiel et un vampire à plein temps travaillant pour des pourboires dans un club de strip-tease délabré, Grace Jones est là pour être vue. Ornée d'un réseau de dessins griffonnés à la main gracieuseté de Keith Haring, elle constitue un objet particulièrement exquis qui sera regardé par un trio d'étudiants excités. Mais voici Grace Jones,leGrace Jones – surprise, surprise, elle est bien plus que ce à quoi ils s'attendaient. Elle met en scène l'intemporel séduire et piéger avec une finesse surnaturelle, un maquillage de crêpe blanc et une perruque orange effrayée la rendant plus une extraterrestre qu'un monstre. Et au cas où il y aurait une confusion quant à savoir si Jones possédait pleinement son portrait ici, c'est son chant sur la bande originale.

Originaires de l'auguste Savoy Ballroom de Harlem, les Lindy Hoppers de Whitey ont élevé cette permutation frénétique et acrobatique du swing en une forme d'art à part entière défiant la mort. Dans l'envoi joyeusement déséquilibré et écrasant du quatrième mur de l'usine à rêves hollywoodienne de HC Potter, des récits concentriques dans des récits crachent le spectateur au milieu d'une confrontation entre des virtuoses du Lindy-hop comme Al Minns, Frankie Manning et Willa. Mae Ricker. C'est une danse à enjeux élevés, les pros intrépides font honte au Cirque du Soleil alors qu'ils se retournent, se soulèvent, se lancent et s'attrapent, toujours à une légère erreur d'un cou cassé ou d'une cheville écrasée. Inépuisable même lorsqu'elle est serrée dans une tenue de femme de chambre française, Manning a l'air de pouvoir très bien sortir de sa peau.

Ce film est négligé par la postérité parce qu'il s'agit d'une collaboration Vincente Minnelli-Cyd Charisse qui n'est pasChanter sous la pluie, maisceon a une arme secrète en Fred Astaire. Il glisse positivement à travers cette fantaisie déconstruite du film noir, habitant convenablement l’archétype du gumshoe tout en en laissant sortir tout l’air chaud. Astaire avait intériorisé le concept de la danse comme du jeu d'acteur ; dans le clip ci-dessus, il joue avec sa propre voix off, télégraphiant une série d'expressions convaincantes sans manquer un seul battement. Les critiques sont connus pour s'inspirer généreusement des comparaisons de ballet lorsqu'ils discutent du cinéma de kung-fu, mais les arts martiaux ceinture blanche d'Astaire inversent la balance. Dans ce cas, il s'agit de Dick Tracy en passant par Bruce Lee en passant, bien sûr, par Fred Astaire.

Il n'y a vraiment qu'un seul pas de danse dans la séquence la plus tristement célèbre du pamphlet sinistrement hilarant de Mary Harron sur les Reaganites de Wall Street, lorsque le banquier d'investissement instable Patrick Bateman (Christian Bale, meurtrier et optimiste) se tortille un peu après avoir mis ses nouveaux favoris Huey Lewis et les informations en stéréo. Dans cette scène, cependant, il donne sa propre touche à une chorégraphie bien antérieure à la Nouvelle Vague. Il suit consciencieusement les mouvements du méchant slasher, tendant le piège et adhérant à son rituel. (Notez qu'il doit prendre quelques pilules avant de pouvoir trouver le mojo pour tuer.) Les étapes sont les mêmes, mais l'esprit de la mélodie a changé, les notes de guitare pop de "Hip to Be Square" se heurtent de manière comique avec le cartilage juste hors du cadre. Dans cet hybride profane, Harron traduit la confluence de l'agression littérale du romancier Bret Easton Ellis avec la faim impitoyable du capitalisme des années 80.

D'une durée de 17 minutes et de plusieurs suites, le ballet culminant du magnum opus de Vincente Minnelli emmène Gene Kelly dans une tournée intellectuelle à travers la musique de George Gershwin et les peintures de Toulouse-Lautrec, Renoir et Dufy, pour n'en nommer que quelques-uns. MGM a déboursé près d'un demi-million de dollars pour donner vie aux folles expériences de Minnelli et Kelly en matière d'appréciation de l'art interdisciplinaire, finançant des décors gargantuesques et des arrière-plans ornés peints à la main. Mais les véritables stars du spectacle sont les pieds gauche et droit de Kelly, la plume et l'encre de Shakespeare, des instruments envoyés du ciel qui semblent parfois fonctionner indépendamment de leur propriétaire. Quand il commence vraiment à cuisiner, Kelly peut à peine se suivre, tiré d'un côté à l'autre par ses propres pattes comme s'il s'agissait de chiens volontaires tenus en laisse. Le génie de cet homme consistait à maintenir l'illusion de s'accrocher à la vie alors qu'en réalité, il était aux commandes. Mieux encore, il a rendu les choses si faciles.

Hé, les enfants, vous aussi pouvez participer à l'engouement pour la danse qui déferle sur tout le pays ! Cela s'appelle le Pee-Wee, et tout ce que vous avez à faire est de plier les genoux, d'enrouler vos mains dans des griffes de rapace miniatures et de leur donner deux secousses devant, deux secousses derrière. Mais en réalité, l'inclusivité était une partie importante de l'attrait de Peter Pan en costume gris de Paul Reubens, un homme-garçon ravi par presque tout le monde et tout. Ne vous inquiétez pas s'il se retrouve dans une situation délicate avec une bande de motards grincheux après avoir renversé leurs porcs avec des dominos, la simple convivialité et le langage universel de la musique sauveront son bacon. Il désamorce la situation en étant lui-même – en organisant une fête dans n'importe quelle pièce dans laquelle il se trouve et en lançant une invitation ouverte à toutes les personnes présentes. N’importe qui peut participer à son acte, il suffit de crier le mot secret : «TEQUILA!»

À quel point le scénariste-réalisateur Jared Hess veut-il que nous prenions Napoléon Dynamite, connaisseur de lait et ami du genre lama ? Ses 15 minutes sous les projecteurs sont d'abord analysées comme un morceau impassible et rigoureusement engagé de Jon Heder, et peut-être est-ce simplement parce qu'il se révèle être un danseur sensuel et assuré, mais l'aficionado de Tater Tot ressemble à une véritable star jusqu'à ce qu'il galope maladroitement. la scène. Hess condense l'arc du film en un seul paquet compact, présentant Napoléon comme un cinglé facile à ricaner et l'ombrageant progressivement pour exposer la sensibilité, la vulnérabilité – vous savez, l'humanité. Accablé pendant une décennie par la parodie et la surexposition des fêtes de bureau, la réputation du film est désormais en plein essor, et il prouve son côté empathique lorsque Napoléon se dévoile pour partager son art avec ses pairs. (De plus, ces bottes lunaires sont des incontournables.)

Quand vous regardez le nec plus ultra des films de strip-teaseurs avec un groupe d'amis turbulents, un ou six rosés de profondeur, il y a un moment où vous avez vraiment l'impression que le septième art culmine à cette convention à Myrtle Beach. Pour être plus précis, ce moment est celui où Channing Tatum et Stephen « tWitch » Boss se félicitent tout en mimant des rapports sexuels avec leurs partenaires de danse respectifs. Cette suite a repris le splendide culte du corps du premier opus et l'a accompagné, jusqu'à un Avalon hédoniste régi uniquement par le principe du plaisir.Magic Mike XXL est un film sur des gens qui vivent pour que les autres se sentent bien, et le réalisateur Gregory Jacobs partage que cette noble mission n'est jamais plus claire que dans les adieux glorieusement gratuits de Mike. Il laisse tout sur scène (à l'exception de ses sous-vêtements), en poussant l'aine comme il ne l'a jamais fait auparavant.

Francesje l'ai fait,Martyl'a fait, mais Alex l'a fait en premier. Le réalisateur Leos Carax a visualisé l'incarnation de la jeunesse en révolte en envoyant un Denis Levant nerveux dans un sprint sur leruede son Paris futuriste et ravagé par la maladie. Alex tue le temps en ayant des relations sexuelles détachées et peu romantiques avec l'amante séduisante de son employeur véreux (Juliette Binoche), et la matérialisation de David Bowie à la radio envoie cette indifférence mécontente se transformer en hyperkinésie. D'abord plié en deux dans une apparente agonie, Alex se lance ensuite dans une course folle qui ne mène nulle part en particulier, l'analogue parfait pour un punk débordant de vitalité et totalement dépourvu de direction. Sa destination ne fait aucune différence, du moins pas pour lui. Il lui suffit d’évacuer tout l’excès d’énergie de son système.

La prestidigitation de Quentin Tarantino est de rendre cool ce qui ne l'était pas auparavant : les restaurants fantaisies, le Watusi, John Travolta. Il opère ses sorcelleries sur une base chronologique, ressuscitant un cachet culturel pop depuis longtemps expiré en ramenant ses personnages et son public à l'apogée de l'entité en question. Tarantino a fait appel à Travolta avec des souvenirs deLa fièvre du samedi soirfrais dans son esprit, certain que la capacité de grandeur n'avait pas fui l'acteur, et il lui rendit la pareille en livrant la marchandise. Le public plus astucieux connaissait et aimait habiter Vincent Vega comme un spectre possède un vaisseau, une puissante dose de nostalgie émanant du bagage que son personnage de célébrité apportait avec lui. Alors que Vincent et la femme fatale coquette Mia Wallace (Uma Thurman) se perdent dans un pays des merveilles kitsch qui singe leancienflair de8 1/2, le ragoût de références de Tarantino passe au second plan jusqu'à ce qu'il ne reste plus que l'électricité crépitant entre Travolta et Thurman.

Qu’est-ce qui place cela au-dessus des bruissements vestimentaires vifs de « America », de la testostérone graisseuse de « Jet Song » ou des hijinks fous de « Gee, Officer Krupke » ? Tout deHistoire du côté ouestfrémit d'un potentiel tragique, et lors du bal obligeant les factions portoricaines et anglo-américaines à coexister sur la piste de danse, la poudrière manque presque de s'enflammer. Le chorégraphe Jerome Robbins invente essentiellement la bataille de street break-dance avec 20 ans d'avance avec la confrontation entre les Jets et les Sharks, les groupes échangeant des segments de 16 mesures au lieu de coups. Au milieu du chaos, nos Roméo et Juliette (Richard Beymer et Natalie Wood) se distinguent et partagent le genre particulier d'intimité que l'on ne peut trouver que dans une foule de danseurs trépidants. Mais même si la photographie à mise au point partielle relègue leurs rivaux à l'arrière-plan, la tension entre eux persiste, leur fragile écosystème au bord d'une guerre totale.

La vénérée danseuse, chorégraphe et instructrice Pina Bausch, dont la vie et les œuvres reçoivent un hommage mérité dans le somptueux documentaire 3D de Wim Wenders, a fait progresser sa forme d'art en la conceptualisant comme une philosophie holistique. Pour le dire dans les termes les plus simples, elle a prêché que la danse doit d'abord être comprise et intégrée dans l'âme même du danseur avant de pouvoir être exécutée, et elle a mis cette idée en pratique avec cette pièce de Stravinsky. Sur une scène recouverte de terre tourbeuse pour évoquer la base et l'élémentaire (complétée par des chemises de nuit élimées aux tons terreux), des groupes divisés par genre balbutient d'avant en arrière dans l'angoisse, leurs imperfections et leurs mouvements dissonants sont tous au service d'une cause plus noble que simple. unisson. Se prosternant devant leur grande prêtresse Bausch, ils soumettent leur propre corps en guise de paiement sacrificiel pour entrer en conversation avec le divin.

Quand ma sœur était jeune, elle et ses amis passaient des heures devant le miroir à répéter des routines qu'ils avaient vues dans des films ou des clips vidéo ; ce n'est pas un comportement inhabituel pour les filles du primaire, si je comprends bien. Dans l'évasion en langue grecque de Yorgos Lanthimos, un père dictatorial (Christos Stergioglou) retarde la croissance de ses filles (Angeliki Papoulia et Mary Tsoni) en les séquestrant dans leur maison isolée, et leur développement arrêté dresse sa tête déformée alors qu'elles mettent un lo -fi récital pour leurs parents. Ils se déplacent d'avant en arrière, des oiseaux en cage du même genre que leJoan qui joue de l'accordéon, jusqu'à ce que la petite sœur soit fatiguée et que la grande sœur fasse des mouvements salaces tirés de visionnages furtifs de son interditDanse éclairVHS. Bien que son intention soit brouillée dans le dialecte à l'humour noir que Lanthimos s'est depuis répandu sur nos côtes, elle démontre ses premiers caprices d'indépendance provocants. Comme Alex Owens avant elle, elle n’a d’autre choix que de danser pour s’en sortir.

Pas de coupures, pas de gros plans, pas de problème de caméra. Le réalisateur George Stevens n'avait besoin de rien d'autre que Fred et Ginger, un tourbillon de guêtres et de cravates se faufilant sur le sol dans une harmonie parfaite. Dans le sixième de leurs dix films en tant que partenaires, ils ont trouvé leur rythme, liés par la confiance sans mélange d'interprètes habitués aux rythmes des uns et des autres. C'est quelque peu riche qu'ils incarnent des inconnus qui n'ont jamais dansé ensemble – c'est un joueur avec des pieds raffinés, elle est une professeur de danse d'une grande ville qu'il s'apprête à escroquer – dans une scène qui dépend entièrement de leur rapport alchimique. La vieille Astaire fait semblant d'être une débutante mise en forme par la tutelle de Rogers pour le bien de son patron, et pendant un instant éphémère, même elle a l'air choquée de voir à quel point ils vont bien ensemble. Ce qu'elle fait, oui, à l'envers et en talons.

En effet, à la façon dont il utilise sa démarche, on sent qu'il est un homme à femmes. (Pas le temps de parler.) En tant que Tony Manero, le bronco de Bay Ridge, Travolta projette une assurance comme nous, les êtres humains, ne pouvons que souhaiter le faire, l'image même du machisme alors qu'il se pavane sur le trottoir dans ses fils accrocheurs. Tout cela est trop compliqué pour être réel, et l'audace vestimentaire de Tony dément son travail sans issue et sa cohabitation étroite avec sa famille. Mais sur le terrain d'essai éclairé du quadrilatère des discothèques, il peut passer pour son moi le plus ambitieux et gouverner comme un empereur. Les hommes veulent être lui, les femmes veulent être avec lui et les téléspectateurs veulent passer l’éternité sous l’emprise d’une offensive de charme sans égal.

L'équipe d'écriture, de production et de réalisation composée de Michael Powell et d'Emeric Pressburger a ravi le public avec des paysages oniriques luxuriants aux couleurs brillantes et au design opulent, et avec la pièce maîtresse tentaculaire de cette adaptation de Hans Christian Andersen, ils ont atteint un nouveau sommet chimérique. La fable d'une ballerine (Moira Shearer) qui a trouvé une paire de pantoufles enchantée et est devenue la proie de l'infâme cordonnier (Léonide Massine) fournit au groupe de réflexion connu sous le nom de The Archers un magnifique échafaudage sur lequel accrocher sa collection d'influences impressionnistes. Ils forment le lien entre les maîtres des musées tels que Monet et Degas et les nouveaux venus du Nouvel Hollywood comme Brian De Palma et Martin Scorsese, érigeant un pont arc-en-ciel étincelant entre le grand art étouffant et le cinéma pop orienté vers le spectacle. Une équipe créative de classe mondiale a rassemblé tous ses talents pendant 15 minutes envoûtantes, et le résultat est l'un des passages les plus magnifiques de l'histoire du cinéma.

Il doit y avoir quelque chose chez Denis Levant qui donne envie aux cinéastes français estimés de monter leur banger préféré jusqu'à 11. La réalisatrice Claire Denis laisse tomber l'aiguille sur le broyeur de clubs emblématique de Corona pour leMauvais Sangétoileautrescène de danse légendaire, autre libération soudaine d’une verve refoulée. Sauf que cette fois-ci, la cinématographie privilégie la stase au lieu du mouvement, ce qui correspond clairement à un renversement plus profond en jeu : Levant a déchaîné toute son exubérance dans le rôle précédent, mais en tant que sergent Galoup de la Légion étrangère, il ne peut se résoudre à compter avec son pulsions homosexuelles sublimées. Lui et ses hommes doivent canaliser leur libido refoulée vers des activités masculines telles que la lutte, le repassage et, pendant l'épilogue qui se déroule dans une salle des fêtes djiboutienne détachée de la chronologie narrative, des convulsions stylisées. Chassé de l'armée qui lui était si chère, il ne pourra jamais faire face à lui-même. Corona est son dernier refuge.

Le summum du partenariat créatif entre Stanley Donen et Gene Kelly a salué la contrefaçon sous ses nombreuses formes ; des murs de briques en papier, des voix douces pour couvrir les cris stridents, des stars réécrivant leurs propres histoires. Les jeux de caméra à perspective forcée de Donen ont été rendus possibles par un décor de la taille d'un entrepôt qui dure indéfiniment et continue de s'agrandir à mesure qu'il recule et que Kelly se précipite au loin. Bien que Donen et Kelly n’aient qu’une affection pour tous les artifices, leur couronnement excelle par les mérites de ce qu’il y a de réel. Plus précisément, les prouesses techniques de Kelly et de son fidèle bras droit Cyd Charisse, un pilier de vérité dans un palais de beaux mensonges.

Regardez cette scène autant de fois que vous le souhaitez, et vous continuerez à trouver des étapes qui échappent à la compréhension – comment pivote-t-il de là à là de manière si fluide, pourquoi ne tombe-t-elle pas en se penchant comme ça, comment est-il possible que pouvaient-ils anticiper chaque minuscule bizarrerie des mouvements de l'autre ?Chanter sous la pluieprend son pied en tirant le rideau sur nos demi-dieux du divertissement, mais si c'est pareil, je préfère ne pas le savoir. Ce sont des effets pratiques qui ne peuvent être simulés – magiques, en ce qui nous concerne.

« Diamants » Jeunesse(2015)
Disqualifié en finale,Strictement salle de bal(1992)
Une dernière bataille,Ligne de batterie(2002)
« Sauter dans la file d'attente » Jus de Beetle(1988)
Un bal de fin d'année soigneusement chorégraphié,Elle est tout ça(1999)
«Le Frug de l'homme riche», Douce charité(1969)
"Maniaque," Danse éclair(1983)
«Suivez mes traces» Mélodie de Broadway de 1938(1937)
"Le train de l'amour" Les derniers jours du disco(1998)
Bataille de danse NOLA,Voyage entre filles(2017)
« Le toboggan électrique » Le meilleur homme(1999)
Sur la table,10 choses que je déteste chez toi(1999)
"Verseau," La Vierge de 40 ans(2005)
Dans le mouvement des choses,Échangistes(1996)
« Danse des heures »Fantaisie(1940)
"Libre de toute attache," Libre de toute attache(1984)
Au Coco Bongo,Le masque(1994)
« Pas de dames » Salut, César !(2016)
La dernière portion,Vous avez été servi(2004)
«Je ne vous appartient pas» Club des premières épouses(1996)