Photo-illustration : Vautour ; Photos : Studios du 20e siècle, Disney, Hollywood Pictures, MGM, Paramount Pictures, Sony Pictures, Universal Pictures, Warner Bros.
Cette liste a été initialement publiée en 2021 et a été mise à jour pour inclure le dernier film de Ridley Scott,Gladiateur II.
Depuis plus de 45 ans, le réalisateur Ridley Scott ouvre le cadre à des visions d'une grandeur sans égal, depuis les paysages historiques de Rome, du Moyen Âge et de l'Égypte biblique jusqu'au vaste vide de l'espace et de l'eau libre jusqu'aux villes étouffées par le smog. Los Angeles et Osaka, Japon. Son aisance avec les films de genre transparaît dans l’étonnant coup de poing qui ouvre sa carrière : le bretteur absurde.Les duellistes, le film d'horreur sur l'espace lointainÉtranger, et la dystopie de science-fiction deCoureur de lame– mais le véritable dénominateur commun est la quête de la beauté et le don de permettre à une toile de fond pleinement réalisée de jouer un rôle dominant dans la narration.
Une note surprenante sur la liste ci-dessous : Scott a des coupes de réalisateur de plusieurs de ses films —Coureur de lame,Légende,Royaume des Cieux, etLe conseiller– et ce sont toutes des améliorations par rapport aux versions cinéma, souvent nettement meilleures. Le montage théâtral deCoureur de lame, qui ajoutait une narration en voix off pour aider à clarifier l'action, a été largement supplanté par le montage (légèrement plus court) sans voix off, mais les versions alternatives des autres ne sont pas aussi faciles à trouver, notamment en streaming. Dans le cas extrême deRoyaume des Cieux, cela représente 50 minutes perdues et la différence entre unGladiateurune reprise avec un centre faible et un traitement beaucoup plus riche des Croisades et d'un conflit religieux profondément enraciné qui se poursuit encore aujourd'hui.
Il y a un argument à faire valoir que Scott a atteint son apogée trop tôt ou qu'il a gaspillé sa promesse en tant que réalisateur de véritable science-fiction sur une toile de studio. Mais même les pires films de cette liste sont des mondes dans lesquels il vaut la peine de se perdre, car il investit tellement d'énergie créative et technique dans l'atmosphère et la création d'images que ces éléments perdurent, quelles que soient les parties qui ne fonctionnent pas. Et lorsque tout se passe bien, ses meilleures œuvres établissent une norme que d’autres cinéastes ont eu du mal à suivre.
Photo : Paramount/Everett Collection
De loin le meilleur des deux films concurrents de Christophe Colomb de 1992 – l'autre,Christophe Colomb : la découverte, fut une calamité aux proportions historiques —1492 : Conquête du Paradisexpose néanmoins la faiblesse de Scott à être obsédé par une toile de fond somptueuse et à perdre son engagement avec l'histoire qui se déroule devant elle. Gérard Depardieu est certainement un meilleur Christophe Colomb que George Corraface de l'autre film, mais pas plus dimensionnel : voici un personnage historique qui a été un paratonnerre dans le débat sur le colonialisme et son impact sur les peuples autochtones, mais1492choisit de mythifier plutôt que d’interroger. Il est d'une beauté spectaculaire lorsqu'il touche l'eau libre ou explore les merveilles luxuriantes du Nouveau Monde, mais le Columbus qui émerge après 150 minutes est un chiffre de rêve, une réponse facile à un test d'études sociales.
Mieux connu pourLa vie en Provenceet d'autres mémoires à succès sur les excentricités et les splendeurs du sud-est de la France, Peter Mayle a collaboré avec Scott sur l'idée deUne bonne année, un roman qui célèbre plus ou moins les mêmes vertus. Mais Scott n'est pas un réalisateur habile à gérer ce qui est délibérément léger – idem Russell Crowe, sa star – et l'inadéquation des sensibilités donne lieu à un film qui gâche la magie délicate de Mayle. L'histoire banale envoie le banquier d'affaires astucieux de Crowe dans le château et le domaine délabrés de son défunt oncle en Provence, où il est censé préparer la propriété à la vente, mais finit par se synchroniser avec ses rythmes apaisants. Plutôt que d'évoquer les bizarreries de la vie viticole,Une bonne annéefait un choix brutal entre sa vie froide à Londres ou un paradis terrestre plein de vin et de belles femmes. Appel facile.
À part Anthony Hopkins, l'équipe qui a remporté les Oscars derrièreLe silence des agneaux- le réalisateur Jonathan Demme, la star Jodie Foster et le scénariste Ted Tally - tous décédésHannibalaprès la sortie du roman de Thomas Harris en 1999. L'adaptation à l'écran est un bon indicateur de pourquoi : bien que le premier film traitait de la grotesque du tueur en série avec une habileté effrayante, son véritable objectif était Clarice Starling de Foster, une jeune agente du FBI essayant de s'affirmer dans un monde menaçant et dominé par les hommes.Hannibalrefond Foster avec Julianne Moore puis la marginalise principalement en faveur d'un mano a mano absolument dégoûtant entre Hannibal Lecter et une précédente victime (Gary Oldman) déterminée à se venger. Tournant à Florence, entre autres lieux hantés, Scott rend hommage à la saignée ornée de l'Italienjaune, mais sombre dans le rang et l'exploitation insensée.
En mise à jourLes dix commandementsà l’ère des effets numériques 3D, Scott a dépensé 200 millions de dollars pour mettre en scène des miracles et des fléaux bibliques à grande échelle, mais semble plus intéressé par le spectacle en soi que par l’expression d’une véritable conviction spirituelle. Christian Bale et Joel Edgerton s'affrontent avec une intensité appropriée dans le rôle de Moïse, qui conduit 600 000 esclaves hébreux dans une périlleuse fuite d'Égypte, et de son frère Ramsès, le pharaon qui rassemble ses forces contre lui. L'engagement de Scott en faveur de l'exactitude historique l'amène à expliquer le sanglant Nil et la séparation de la mer Rouge comme des phénomènes plus naturels que des actes de Dieu, mais on ne sait jamais clairement quel argument religieux il veut faire valoir. Il vénère sur l'autel de la technique.
Photo : Columbia Pictures/Everett Collection
Nous sommes en 1987. Les stars de Tom Berenger et Mimi Rogers sont brièvement ascendantes. Sting a été choisi pour chanter un standard de George Gershwin au générique d'ouverture. Et la tendance des choquants domestiques sexy aprèsAttraction fatalen'avait pas encore démarré puisque ce film venait de sortir quelques semaines auparavant.Quelqu'un pour veiller sur moiest un produit de son époque, un thriller romantique utile qui finit par paraître chaste et démodé à côté des films qui allaient bientôt inonder le marché du même genre. Berenger et Rogers ont de solides opposés : ils s'attirent l'alchimie en tant que détective ouvrier du NYPD et riche mondain qu'il est chargé de protéger d'un tueur impitoyable, et Scott se prélasse dans les couloirs maussades des ultra-riches de New York. Mais leurs différences de classe sont décrites de manière trop large et l'intrigue est aussi originale que l'un des costumes de Bérenger.
Après avoir joué le héros connard dansRomancer la pierre,Le joyau du Nil, etAttraction fatale, et avant de jouer le héros connard dansInstinct de base,Tomber, etDivulgation, Michael Douglas a joué un héros extrêmement idiot dans le thriller de Scott sur un officier de police de New York en disgrâce qui affronte les Yakuza à Osaka, au Japon. Sa routine de flic à la pointe – veste en cuir, lunettes d’aviateur, moto, pétulance sans fond – est exagérée, tout comme la menace caricaturale de la criminalité clandestine, qui a alimenté une brève panique culturelle face à la domination japonaise. EncorePluie noireest visuellement ravissant, capturant les rues étouffées par le smog d'Osaka avec l'intensité et le dynamisme d'un roman graphique de premier ordre. La surface pardonne beaucoup de ce qui se passe en dessous.
Il n'y a pas grand-chose dans l'exercice brillant de Scott en matière de féminisme brutal : une femme est jetée dans un programme de type Navy SEAL pour défier les barrières militaires entre les sexes. La femme réussit malgré les brutalités et les agressions incessantes. La femme dit "Suce ma bite!"GI Jeannecela ressemble à une variation surTop Gun, du frère de Scott, Tony, fétichisant les rituels machistes de l'élite navale et se terminant par une démonstration concrète des leçons apprises sur le terrain d'entraînement. Il n'y a pas beaucoup de place pour la nuance ici – les marchandages politiques impliqués dans la création de cette opportunité sont particulièrement peu convaincants – et l'érotisme moqueur du film mine le sérieux de son plaidoyer en faveur des femmes en tant qu'égales sur le champ de bataille. Mais l'engagement farouche de Demi Moore dans ce rôle la transforme en une Jeanne d'Arc trash, voulant sa place dans un monde d'hommes.
Dans le classique de 1938Les Aventures de Robin des Bois, Robin des Bois est un iconoclaste heureux, appliquant sa forme de justice sociale et politique avec l'irrévérence joyeuse et les traits habiles d'Errol Flynn, le premier bretteur du cinéma. chez ScottRobin des Boisa une orientation plus historique, ce qui est le premier indicateur que tout le plaisir en a été retiré. Au lieu de s'amuser, Scott donne vie à la crasse et à la crasse de l'Angleterre du XIIe siècle et place le Robin de Russell Crowe au centre d'une bataille contre la tyrannie royale, bien que sans redistribution des richesses à son ordre du jour. L'immense échelle produit cependant des séquences de bataille d'une ampleur et d'une brutalité palpitantes, avec des flèches pleuvant du ciel et des armées se rassemblant sur terre et sur mer. C'estUn cœur braveavec un carquois.
Corps de mensongesa deux des plus grandes stars du monde et a gagné plus de 100 millions de dollars au box-office, mais est-ce que quelqu'un se souvient de la première chose à ce sujet ? Il s'agit d'un thriller parfaitement réalisé sur les efforts de la CIA et des services de renseignement jordaniens pour démanteler un réseau terroriste, mais l'aversion de Scott pour la politique tout au long de sa carrière le prive d'un point de vue fort. Tel un jeu du chat et de la souris entre les autorités et un cerveau terroriste,Corps de mensongesest strictement chiffré, mais cela suggère une rupture révélatrice dans la relation entre l'agent de Leonardo DiCaprio et l'analyste de Russell Crowe : l'un sur le terrain dans les zones de troubles mondiaux, l'autre prenant des décisions depuis son domicile à Washington DC, sans respect pour leur impact dans le monde réel. Il y a ici un petit commentaire sur l'arrogance des Américains qui dictent de loin la politique au Moyen-Orient, mais les tenants et les aboutissants de la mission priment.
Quand la nouvelle de l'inconduite sexuelle de Kevin Spacey a été annoncée moins de deux mois auparavantTout l'argent du mondedevait être libéré, Scott s'est empressé de le remplacer, en choisissant Christopher Plummer dans le rôle de J. Paul Getty et en reprenant à la hâte toutes ses scènes. Ce qui est particulièrement remarquable dans cette décision, c'est que Getty de Plummer domine le film même lorsqu'il n'est pas à l'écran. Alors que son petit-fils de 16 ans est détenu contre rançon par des ravisseurs italiens en 1973 et que la mère du garçon (Michelle Williams) appelle à l'aide, Getty choque le monde avec son insensibilité avare, en disant : « Si je paie un centime maintenant, alors je » J’aurai 14 petits-enfants kidnappés. Scott gère proprement la qualité de course contre la montre de l'histoire, mais c'est la performance de Plummer qui est la plus convaincante ici. Son Getty est à la fois monstrueux et émotionnellement isolé, emmuré par une fortune qui le voue au malheur.
Photo : Fabio Lovino/MGM/Everett Collection
Il y a une grande valeur dans le traitement expansif de Scott sur l'ascension et la chute des Gucci, qui ont créé une marque de mode de renommée mondiale pour ensuite la dilapider à cause d'une mauvaise gestion, de luttes intestines et, finalement, d'un complot de meurtre.trop ridicule pour ne pas être vrai. Comme Patrizia Reggiani, une étrangère qui se marie avec la famille Gucci et élève son niveau de dysfonctionnement déjà élevé à des extrêmes mortels,Lady Gaga semble avoir obtenu la mission. Mais le mélange d'autres performances, comme JLe tour vraiment ridicule d'Ared Letoen tant que fils d'échec flamboyant, déséquilibre le ton du film. Est-ce que Scott est en train de refairegangster américaincomme une grande tragédie italienne ou une comédie scabreuse sur une famille détruite par son incompétence et ses excès ? De toute façon,Maison Gucciça fait un sacré filon. Il manque juste une identité plus certaine.
Librement inspiré d'un événement réel survenu en 1960, lorsqu'une tempête a anéanti laAlbatros, une goélette à deux mâts qui servait d'école aux jeunes marins,Rafale blancheest plus ou moinsSociété des poètes mortssur l'eau, avec Jeff Bridges dans le rôle de Robin Williams. Le capitaine de navire mercuriel de Bridges est un pas en avant par rapport au maniaque oh-capitaine-mon-capitaine de Williams, mais les étudiants eux-mêmes sont un groupe de carrés des années 60 et de rebelles en t-shirts blancs (et sans eux), plus convaincants en tant que spécimens physiques que psychologiques. . Comme avec1492 : Conquête du Paradisquatre ans plus tôt, Scott boit dans la majesté des eaux libres, mais le film ne prend pleinement vie qu'à partir de la séquence titre, lorsque les camarades désormais compétents et confiants sont humiliés sans pitié par Mère Nature.
S'il y avait eu une quelconque passion ou urgence derrière la réalisation d'une suite àGladiateur, ça n'aurait pas été le casa pris près de 25 anspour le faire. Et c'est le problème qui tourmente cette épopée d'épée et de sandales en chiffres, qui remanie principalement l'action du film original sans l'étendre, à part le CGI amélioré qui transforme le Colisée en un aquarium à requins. Bien que Paul Mescal soit un acteur formidable, son rôle de soldat esclave qui se fraye un chemin à travers une Rome corrompue ne fait que faiblement écho à Russell Crowe, et la combinaison de Joseph Quinn et Fred Hechinger en tant qu'empereurs féeriques et sadiques de la ville sont des parties qui n'égalent pas la somme de Joaquin Phoenix. EncoreGladiateur IIest le genre de spectacle accrocheur que Scott peut créer pendant son sommeil,et Denzel Washington, en tant qu'homme de pouvoir qui possède des gladiateurs et a de plus grands projets pour Rome, semble passer un moment inoubliable.
Basé sur le livre de Mark Bowden sur une équipe de commandos de la Delta Force et de Rangers d'élite de l'armée qui se sont engagés dans une bataille féroce dans les rues de Mogadiscio, en Somalie, en 1993,Faucon noir abattuest un récit viscéral de votre présence, raconté strictement du point de vue des militaires américains. Cette approche pose de sérieux problèmes, comme l’absence de contexte pour le combat et le massacre sans fin de Somaliens sans visage, mais Scott approfondit les détails tactiques d’une escarmouche qui a anéanti 18 soldats américains et plus de 500 Somaliens. Il est moralement douteux que Scott adopte une approche apolitique face à un conflit politiquement chargé, mais il est difficile de contester la maîtrise de sa mise en scène, qui rend à la fois la stratégie globale et le chaos sur le terrain convaincants.
Basé surunNew YorkProfil de Frank Lucas dans le magazine, un vicieux magnat de l'héroïne dans les années 1970,gangster américainest une simple épopée de foule sur un ancien chauffeur et protégé du chef de file de Harlem, Ellsworth « Bumpy » Johnson, qui prend le contrôle de l'entreprise après la mort de son patron d'une crise cardiaque en 1968. Denzel Washington incarne Lucas dans le rôle d'un homme qui parle doucement mais qui porte. un type au gros bâton qui aime opérer dans l'ombre, mais frappe avec une brutalité écrasante et souvent audacieuse pour défendre son territoire. Son aventure entrepreneuriale dans une pure drogue thaïlandaise appelée « Blue Magic » attire la chaleur à la fois de la pègre et d'un détective du comté d'Essex (Russell Crowe) qui se bat contre un service de police corrompu de New York. L’histoire des gangsters est plus convaincante que celle de la corruption policière, mais Scott les rassemble dans une époque très vivante où la ville était un jardin d’anarchie.
Plusieurs des films de Scott ont des éditions « Director's Cut », mais il est le cas rare où tous constituent des améliorations par rapport au montage cinéma, dont quelques-uns sont significatifs. La version du réalisateur deRoyaume des Cieux, son épopée massive des Croisades, ajoute 50 minutes complètes à la durée et crée une lecture plus cohérente, immersive et complexe du conflit religieux du XIIe siècle et de ce qu'il pourrait nous apprendre sur les tensions contemporaines entre chrétiens et musulmans. Aucune séquence du film ne peut racheter la performance ho-hum d'Orlando Bloom dans le rôle d'un forgeron qui se rend à Jérusalem pour trouver un réconfort spirituel après une tragédie familiale et finit par défendre la ville contre un siège de l'Occident. Mais Scott n’a jamais pris un plus grand élan en faveur des barrières, et son traitement sympathique du monde islamique compte comme un engagement politiquement audacieux avec un point chaud historique pertinent.
Après avoir débuté sa carrière avec trois classiques consécutifs, Scott s'est échoué avec son fantasme pointilleux sur les licornes, les fées, les gobelins, les nains et la lutte pour empêcher les Ténèbres incarnées de descendre sur un magnifique royaume forestier. Il n'y a pas grand-chose dans les efforts d'un Tom Cruise spirituel pour sauver une princesse virginale (Mia Sara), mais là encore, la simplicité du livre d'histoires est une vertu dansLégende, ce qui est meilleur que sa réputation ne le suggère, notamment dans un réalisateur qui dure près de 20 minutes de plus que la version cinéma et restitue une partition envoûtante de Jerry Goldsmith. Le monde du film est d’une beauté stupéfiante, créant une forêt surdimensionnée d’enchantement et de menace, capable de passer d’une idylle céleste dans une scène au conte de fées de Grimm dans la suivante.
Photo : Warner Bros./Everett Collection
Il y a une noblesse qui vient généralement des personnages qui surmontent des handicaps, sans parler des acteurs qui les jouent, mais un des plaisirs sombres deHommes allumettesest que triompher de l’adversité signifie être le criminel le plus efficace possible. Nicolas Cage, totalement engagé, incarne un escroc souffrant de troubles obsessionnels compulsifs et du syndrome de la Tourette, ce qui complique l'arnaque à la filtration de piscine qu'il mène avec son sale protégé, interprété par un très drôle Sam Rockwell. Le scénario, co-écrit parOnze de l'océanl'écrivain Ted Griffin, est à juste titre sinueux et souvent hilarant, mais il y a une âme dansHommes allumettes, aussi, en particulier dans la relation de Cage avec la fille de 14 ans (Alison Lohman), qu'il ne savait pas qu'il avait.
Comme Commode délicieusement psychopathe dans Scott'sGladiateur, Joaquin Phoenix a huilé l'armure grinçante d'une épopée typique à l'épée et aux sandales, et il fait de même en retrouvant Scott pour incarner Napoléon Bonaparte, dont le génie militaire ne suffit pas à escalader les remparts de son orgueil mesquin. Alors queNapoléondonne à Scott l'opportunité de se plonger dans des séquences de bataille à grande échelle de films commeRoyaume des CieuxetExode : dieux et rois- la bataille d'Austerlitz s'engage pleinement dans la prétendue tactique consistant à briser un lac gelé avec des tirs de canon - c'est la performance de Phoenix qui rassemble cette histoire miniature, en particulier sa relation tumultueuse avec l'impératrice Joséphine (Vanessa Kirby). N’ayant pas peur de faire le fou, Phoenix suggère les possibilités mortelles d’un leader petit à bien des égards.
Superviser la première collaboration scénaristique de Ben Affleck et Matt Damon depuisChasse de bonne volonté- bien qu'avec un crédit de co-écriture certainement crucial à Nicole Holofcener - Scott semble parfaitement à l'aise avec la brutalité et le sang d'un royaume médiéval où le « procès par combat » est toujours une option pour régler les différends. Mais sonRashomon-une histoire de viol rappelée lors de multiples représentations amène la politique sexuelle deThelma et Louiseretour au jeu, avec un esprit de débauche inattendu, déclenché par le tour hilarant d'Affleck en tant que comte décadent qui se moque de l'affaire. Les trois tours principaux – de Jodie Comer dans le rôle de la victime intrépide, de Damon dans le rôle de son mari et chevalier à la mâchoire carrée, et d'Adam Driver dans le rôle de l'écuyer accusé – sont tous excellents, et les aperçus du film sur le pouvoir patriarcal résonnent à travers les siècles.
Photo : DreamWorks/Everett Collection
Le seul film de Scott à remporter le prix du meilleur film — il n'a jamais remporté le prix du meilleur réalisateur, perdant cette fois contreTraficréalisateur Steven Soderbergh —Gladiateurest un retour aux lunettes géantes d'épée et de sandale commeBen-CommentetSpartacus, mis à jour pour l'ère de CGI. L'échelle deGladiateurexplique sa victoire aux Oscars plus que sa profondeur discutable, mais le charisme brutal de Russell Crowe l'emporte, alors que son général déchu survit à la trahison et à l'esclavage et se fraye un chemin à travers divers duels à mort pour se venger du tyran (Joaquin Phoenix) responsable de sa chute. Bien qu'habillé de paysages numériques que les progrès des effets ont rendus moins impressionnants au fil du temps, le film est la quête d'un héros classique, enracinée dans une tragédie familiale et rachetée par la droiture et la détermination d'un homme lésé cherchant justice. C'est le rare gagnant du meilleur film qui aurait probablement une meilleure réputation s'iln'avait pasgagné.
Avec sa suite àProméthée, Scott s'éloigne des particularités artistiques du film précédent pour créer quelque chose de plus proche d'une entrée traditionnelle dans leÉtrangerfranchise, bien que toujours définie par un savoir-faire austère, une architecture céleste ornée et des idées enivrantes sur l'humanité confrontée à sa propre extinction. Il fait également de David, l'androïde joué par Michael Fassbender, un méchant terriblement froid, dont le programme va à l'encontre de l'équipage et des colons qui effectuent un atterrissage inattendu sur la planète infestée d'extraterrestres Origae-6. Katherine Waterston se présente comme un type Ripley compétent qui dirige une équipe de plus en plus décimée, et Fassbender, dans une double performance en tant que David et le plus gentil Walter de nouvelle génération, incarne à la fois la promesse et la menace de l'intelligence artificielle. La série Scott s'est terminée en commençant parÉtrangers'était tourné vers l'action-aventure enExtraterrestreset les suites qui ont suivi, et ici il le ramène à ses racines froides et cliniques.
Le retour de Scott à la science-fiction/horreur qui a fait sa carrière estÉtranger-adjacent — il « partage des brins deÉtranger" C'est l'ADN de ", a-t-il déclaré à l'époque - mais c'est un canard étrange, une préquelle qui tente de livrer les horribles frissons des films de monstres de la franchise tout en explorant des questions fondamentales sur l'existence de l'homme. Travailler avecPerduco-créateur et showrunner Damon Lindelof, qui a révisé le scénario original de Jon Spaihts, Scott construitProméthéeavec une mythologie complexe sur les astronautes en voyage pour rencontrer leurs créateurs, appelés « les Ingénieurs », et les dangers auxquels leur expédition est confrontée. Il faut de la patience (et de multiples visionnements) pour trier tous les signes et prodiges, et encore moins réconcilier ces abstractions avec les spasmes attendus d'une terreur d'un autre monde, mais l'insistance de Scott à détourner l'attentionÉtrangerla série vers une fin plus inattendue et plus étrangement étrange porte ses fruits.
L'un des films les moins bien reçus de la carrière de Scott se trouve également être l'un de ses meilleurs, même si la part du lion du mérite revient à Cormac McCarthy, qui a écrit le scénario original et dont la voix apparaît ici de manière plus dominante que dans les frères Coen. ' adaptation de son romanPas de pays pour les vieillards. À travers l’histoire délibérément standard d’un criminel amateur (Michael Fassbender) essayant d’organiser une expédition de drogue de 20 millions de dollars provenant d’un cartel de Ciudad Juárez, McCarthy regarde l’abîme du mal humain et l’abîme lui rend son regard, sans pitié. Scott met l'accent sur les pièges et les tentations de la richesse et du pouvoir comme lui seul peut le faire, mais à mesure que le schéma commence à se défaire, les monologues philosophiques de McCarthy prennent le dessus avec une beauté et une violence qui leur sont propres. C'est un film pour le moins étrange, entre le bavardage qui freine tout élan narratif et les fioritures excentriques, comme une voiture qui roule pour rivaliser avec n'importe quoi dansTitane. Mais Scott donne tellement à McCarthy qu’il a la sensation d’un grand roman – et d’un futur classique culte.
Les films font souvent ressortir les vertus de la détermination et de la volonté de survivre, maisLe Martien, basé sur le roman d'Andy Weir, fait mieux en valorisant l'importance de la connaissance et de la rigueur intellectuelle pour réaliser l'improbable. Lorsque Mark Watney (Matt Damon) est laissé pour mort sur Mars, secoué par des débris volants et une réserve d'oxygène en baisse, il doit trouver des moyens de prolonger sa vie sur une planète inhabitable dans le faible espoir d'être sauvé. CependantLe Martiena une attitude positive qui est loin de l'impuissance catastrophique qui accableÉtranger, les deux ont en commun une simplicité de survie qui naît d’un seul personnage qui refuse d’accepter l’apparente inévitabilité de l’échec. À une époque où le processus scientifique est présenté comme du vaudou dans certains cercles politiques, il y a une satisfaction de chair et de pomme de terre à regarder un film qui donne l'impression qu'une résolution simple de problèmes est héroïque.
Photo : MGM/Everett Collection
Il y a des moments où l'ampleur du style de mise en scène de Scott semble mal adaptée à l'intimité du scénario de Callie Khouri sur les femmes en cavale, mais commeThelma et Louises'est ancré dans la culture populaire, la portée du film semble plus appropriée – et, à certains moments, véritablement d'époque. Les road movie américains ont souvent profité du paysage occidental et de la liberté qu'il représente, mais il y a un pouvoir unique dans l'image de deux femmes prenant la route, d'abord pour explorer ses possibilités, puis pour échapper à la loi - et au monde de les hommes – car cela empiète sur eux. Geena Davis et Susan Sarandon ont une alchimie exceptionnelle dans les rôles principaux, qui sont soigneusement écrits pour contraster fortement mais révèlent des désirs compatibles d'échapper à leur vie terne et ouvrière. Compte tenu de sa fin, il est frappant de voir à quel pointThelma et Louiseest devenue une pierre de touche féministe d’amitié et de découverte de soi, quelle que soit la fin du voyage.
Pour son brillant premier long métrage, Scott se serait inspiré de la richesse d'époque du film de Stanley Kubrick.Barry Lyndondeux ans auparavant, mais l'absurdité du conflit en cours enLes duellistesa plus en commun avec l'un des films anti-guerre de Kubrick. Keith Carradine et Harvey Keitel incarnent des soldats français de l'armée de Napoléon qui entretiennent une rancune de plusieurs décennies qui les amène parfois à en venir aux mains dans des combats à l'épée, des joutes et finalement des pistolets à l'aube. La maîtrise du genre et l'œil de Scott pour la beauté naturelle sont évidents dès le début, et il se moque sournoisement des règles d'engagement de ce conflit en cours, qui doivent être suspendues chaque fois que Carradine dépasse Keitel ou chaque fois que Napoléon les envoie au combat. Cependant, au fil du temps, leur rivalité consume tellement leur vie que le compromis devient impossible et l’escalade inévitable. C’est une allégorie subtile de la façon dont les pays sombrent dans la guerre.
Il ne faut pas surestimer l'impactCoureur de lameavait sur les visions futures des dystopies de science-fiction, sinon plus généralement l'éclat néo-noir qui est devenu l'aspect par défaut de tant de films de genre sur des paysages urbains scintillants de pluie et d'ombre. Les premiers plans décrivent Los Angeles 2019 comme un lieu méconnaissable transformé par la technologie (voitures volantes !) et la publicité omniprésente, et la scène au sol anticipe la confusion et le danger des androïdes infiltrant la société et submergeant leurs maîtres. La narration en voix off imposée par le studio pour une version cinéma était une erreur – non récompensée par la critique et le public, initialement cool pour le film – mais le montage du réalisateur (et plus tard, « The Final Cut ») permet de se concentrer davantage sur Rick. Deckard (Harrison Ford), un flic farouchement déterminé chargé de traquer une bande de réplicants devenus voyous. A travers ses yeux, le monde deCoureur de lamedevient un voyage au pays des jouets inadaptés, un lieu que les humains cherchaient autrefois à contrôler mais sur lequel ils ont perdu leur emprise. La question de savoir si Deckard lui-même est un humain ou un réplicant est son propre cours de philosophie sur la nature de l'homme, mais la production élégante de Scott fait allusion à un avenir où nous avons tellement cédé à la technologie que la réponse à une telle question cessera d'avoir de l'importance. .
Photo : 20th Century Fox/Everett Collection
Les suites deÉtrangeront été des combats si acharnés entre humains et extraterrestres mortels qu'il peut être facile d'oublier la simplicité effrayante du film original, qui n'avait besoin que d'une seule créature pour décimer l'équipage d'un vaisseau minier de l'espace profond mal équipé pour combattre. il. Candidat sur n'importe quelle liste restreinte des plus grands films d'horreur jamais réalisés,Étrangeremprunte beaucoup à la grandeur feutrée du film de Stanley Kubrick2001 : Une odyssée de l'espace, en particulier le sentiment ironique d’isolement qui accompagne le fait d’être coincé dans l’infini. La performance de Sigourney Weaver dans le rôle d'Ellen Ripley, l'adjudant qui résiste à la menace, est une image durable de force et d'ingéniosité, mais Ripley est également une femme de principes, prête à prendre les décisions difficiles qu'exige un véritable leadership. Si sa décision de ne pas laisser un membre d'équipage infecté revenir à bord n'est pas annulée par ses subordonnés, l'extraterrestre ne parvient même pas à monter à bord du navire. Le film est un puissant cauchemar sur ce à quoi pourrait ressembler une véritable rencontre extraterrestre, avec Ripley affrontant un être mystérieux et hostile, sans les outils pour l'arrêter.
