Renée Elise Goldsberry (au centre) dans le rôle de Prospero.Photo : Joan Marcus
Ceci n'est pas une revue deLa tempête.
Eh bien non, ça l'est. Cela n’y peut rien. Mais j'aimerais prendre un instant une vue aérienne du regard de l'esprit et, avant de monter à bord du navire du roi, faire une pause. Parce que parler de çaTempête, il faut d'abord parler du projet plus vaste auquel il est au service. Et la pièceest- malgré l'accent mis par la production bouillonnante sur les thèmes de la libération de divers liens - en service. Le texte de Shakespeare, sans doute la seule histoire originale du dramaturge, est un échafaudage du domaine public sur lequel construire le point culminant annuel du programme de Travaux publics.
Ce n'est pas un jugement ; c'est simplement un fait.Travaux publics– que le directeur artistique du Public Theatre, Oskar Eustis, décrit systématiquement dans ses annonces d'avant-spectacle sur scène comme « le programme le plus important que nous réalisons » – a maintenant un peu plus de dix ans et commeexubérantetrempli de chants et de dansescomme toujours. Fondée en 2012 par le réalisateur Lear deBessonet et désormais dirigée parTempêtela réalisatrice Laurie Woolery (elle a réaliséComme vous l'aimezpour les Travaux publics en 2017 et dirigera ensuite le Public'sManahatta), Travaux publics n'est pas seulement un spectacle : c'est une initiative artistique massive centrée sur la communauté. Il combine des ateliers et des cours toute l'année avec des repas-partage et des partenariats avec huit organisations différentes à travers l'État de New York, depuis un syndicat de travailleurs domestiques jusqu'à une fondation qui œuvre à la création de communautés de soutien pour les anciens combattants militaires. Les énormes castings des spectacles estivaux organisés par les Travaux publics au Delacorte à Central Park mettent en vedette un noyau d'acteurs professionnels soutenus par un ensemble de plus d'une centaine de membres de la communauté – « des infirmières, des pompiers, des retraités », a déclaré Eustis dans ses remarques, adorables. Des 5 ans, des octogénaires, des break-dancers ! Le principe fondateur des Travaux publics est que le talent artistique n'est pas l'apanage de quelques talentueux mais un droit universel. Chaque âme a un potentiel imaginatif, aspire à s’exprimer et mérite un environnement bienveillant et inspirant pour le faire.
Qui pourrait contester cette prémisse ? Qui le voudrait ? Si une entreprise artistique doit être évaluée uniquement par la pureté de ses intentions – ou, de manière encore plus significative, par le bien net probable qu’elle apporte au monde – alors les productions des Travaux publics ne devraient probablement pas être critiquées du tout. La bonne foi utopique du projet est inattaquable.
Ses productions ne le sont cependant pas. Et aussi délicat que cela puisse être d’analyser l’intention et le résultat – ce qui est voulu et ce qui est fait – c’est aussi, à notre époque de peur et d’aplatissement des nuances, une nécessité. Si le talent artistique est un droit inné, la capacité de se confronter à ce qui est complexe, ambivalent et insoluble l’est également. Mais ceciTempêten'exige pas un tel effort, ni de la part de son ensemble, ni de la part de son public. Par le ton et le tempérament, il doit bien plus à Disney qu’à Shakespeare. Que cela bouge, cela dépendra probablement de l’amour (et/ou de la tolérance) que vous aurez pour chacun de ces étranges compagnons de lit.
Pour être juste,La tempêtetel que présenté par Travaux publics est sans conteste une adaptation. En fait, c'est une comédie musicale à part entière. Avec une musique et des paroles originales de Benjamin Velez et une chorégraphie de Tiffany Rea-Fisher, Woolery'sTempêteraconte toujours l'histoire du duc-slash-sorcier déchu Prospero (la chanteuse puissante et ancienne Angelica SchuylerRenée Élise Goldsberry), mais ses outils sont plus un crescendo et une ligne de coup de pied que l'espace vide et le pentamètre iambique. Une partie du texte de Shakepeare a été préservée, mais le moteur de la production, ce sont ses chansons, et ce moteur est alimenté par le sérieux et le schtick.
Les airs de Velez sont solidement issus du Théâtre Musical Contemporain 101 : palpitants, pop par intermittence, stéréotypés. Il y a une confiture sordide pour les méchants, le frère intrigant de Prospero, Antonio (Anthony Chatmon II), et son ailier tout aussi perfide quoique quelque peu plus sombre, Sebastian (Tristan André). Il y a une chansonnette romantique et légèrement hip-hop pour les jeunes amants, la fille adolescente de Prospero, Miranda (Naomi Pierre), et son beau naufragé, Ferdinand (Jordan Best), dans laquelle ils rougissent et se trémoussent et se disent : « Je vibre avec toi. Il y a un grand numéro de comédie exaltante pour les clowns ivres Stephano (Joel Perez) et Trinculo (j'ai vu Anthony J. Garcia, bien que le rôle soit généralement joué par Sabrina Cedeño). Et il existe de nombreux airs de voyage de héros intenses et sincères pour Prospero. Il y a même un hymne inadapté pour Caliban (Theo Stockman), le « monstre » mécontent qui est obligé d'aller chercher et de porter pour le sorcier.
Ce n’est pas seulement qu’aucun de ces morceaux ne reste longtemps dans votre tête ; c'est qu'ils évoquent presque tous d'autres chansons plus accrocheuses. Grâce aux réflexions musicales de Prospero sur la question de savoir si elle serait un jour capable de « lâcher prise » – de sa fille, de son désir de vengeance – je suis sorti de la série en fredonnant l'hymne oscarisé deune héroïne différente qui lance des sorts. Écraser "Soyez prêt" et "Rue facile» et vous vous retrouvez à peu près avec le bop des méchants d'Antonio et Sebastian. Écoutez Caliban chanter : « Comment puis-je être sûr si je suis un monstre ou un homme ? » et vous pourriez vous retrouver distrait pardes échos de DisneyLe Bossu de Notre-Dame. Dans sa célébration ivre de ses propres aspirations royales, le Stephano de Pérez va même jusqu'à chanter, avec un énorme clin d'œil : «À la vie ! L'chaïm!»
Ce peu d'insolence référentielle aurait peut-être pu s'avérer charmant s'il n'avait pas été noyé dans une mer de jambon et de fromage. Les pauvres clowns là-dedansTempêten'ont rien contre quoi s'opposer, alors ils finissent par simplement pousser. Alors qu'une grande partie de la pièce prend un ton si comique et farfelu, où est le besoin de soulagement comique ? Pendant leurs scènes, Perez et Garcia travaillentdurpour une poignée de rires pour la plupart tièdes. Bien que leur grand succès n'arrête pas exactement le spectacle, ils doivent être soulagés lorsqu'ils y arrivent - et nous aussi. Au moins, cela permet de rompre avec cette marque particulière de maladresse qu'est Shakespeare et qui n'atteint pas.
Mais pourquoi ne devrait-il pas atterrir ?C'estla question. Si l’on veut s’en tenir au langage de Shakespeare, même partiellement, alors pourquoi ne pas donner la priorité à la poésie et à la prose autant qu’à la power pop ? Pourquoi ne pas faire en sorte que la pièce chante à chaque instant ? Les acteurs de Woolery parcourent consciencieusement le texte (Antonio de Chatmon et Gonzalo, le gentil conseiller de Susan Lin, en particulier, ont l'oreille pour ses rythmes), mais la progression globale semble hésitante, le territoire sous-exploré. Il n’y a aucune raison pour que Goldsberry, avec son charisme sans limites et sa capacité à trouver toutes les formes et textures d’une chanson, se sente coincée lorsque le couplet est prononcé. La confiance dans le sens, la joie dans la bouche des mots, l'alchimie de l'authenticité et de l'artifice, voilà autant de choses que le théâtre musical et Shakespeare devraient partager dans le spectacle. Mais dans ceTempête, le texte méconnu semble également mal-aimé. Il s'agit d'un convoyeur d'intrigues guindé plutôt que d'un trésor de cadeaux pour les acteurs et le public : un carnaval du ridicule et un conduit pour le sublime.
Il est peut-être malvenu de vouloir qu'un projet de cette nature – une entreprise logistique manifestement gargantuesque et, pour ses participants, au moins en apparence une véritable source de joie – fasse plus. Mais pourquoi le devrait-il, alors que le matériel disponible offre bien plus ? Ce matériel n'est pas seulement Shakespeare ; c'est le potentiel infini de l'ensemble massif de la production et de la scène Delacorte grande ouverte. Le costumier Wilberth Gonzalez est celui qui s'amuse le plus : Alonso (Joel Frost), le roi naufragé de Naples, et sa bande de copains courtois adoptent des silhouettes élisabéthaines en cuir ; Stephano, qui rêve ivre de royauté, porte une petite couronne intelligente à la Jughead ; et Ariel, souple et espiègle, de Jo Lampert (le serviteur spirituel métamorphe de Prospero) peut faire vibrer une gamme d'ensembles qui donnent tous l'impression qu'ils auraient pu appartenir à Loki du MCU.
Les costumes apportent du zazz, et avec autant de monde constamment et coloré sur scène, je me suis parfois demandé pourquoi la production ne s'était pas penchée davantage sur son ensemble que sur son architecture vivante. Il est émouvant de voir les membres de la compagnie, souvent par douzaines, agir à la fois en tant que témoins et participants de l'histoire. Leurs tableaux changeants sont plus convaincants que celui d'Alexis Distler, qui me rappelle davantageLe Magicien d'OzqueLa Tempête.D'un côté de la scène, abritant le groupe, se trouve la façade délabrée d'une maison de banlieue inclinée, comme tombée du ciel. Au milieu se trouve une charpente de maison ouverte ressemblant à une grange qui indique « brasserie artisanale » ou « lieu de mariage du Vermont ». (Est-ce la même maison sous un angle différent ? Que signifie la maison ? Comment sa modernité correspond-elle aux costumes d'époque ludiques ? Je ne saurais vous le dire.) Puis, de l'autre côté de la scène, se trouvent de sinistres... regardant des arbres. J'attendais toujours qu'ils jettent des pommes.
Bien sûr, l'ensemble ici sert d'arrière-plan - il est facilement mis au point. Mais le sentiment que les choses ne s'emboîtent pas tout à fait, malgré le courant constant d'enthousiasme, persiste au-delà de la conception de la production. Cela persiste dans la friction entre le contenu de la pièce et l'engagement de la série en faveur des vibrations positives. Le synopsis du programme nous apprend que « cette adaptation deLa tempêteexplore le pouvoir de choisir la compassion plutôt que la rétribution. C'est juste. L'histoireestà propos de ça -etil s'agit de savoir à quel point c'est terriblement difficile et comment ce choix, pour quelqu'un qui a construit toute sa vie sur le pouvoir de la colère, a un prix.
La tempêteest l'adieu d'un artiste. En tant que dernière pièce de Shakespeare écrite sans co-auteurs plus jeunes et plus branchés, elle se termine avec un magicien abandonnant sa (ou, dans l'original, sa) magie : « Je vais briser mon bâton », dit Prospero. "Et un son de chute plus profond que jamais / Je vais noyer mon livre." Il se passe ici quelque chose de triste, de riche et d'étrange : la rage de Prospero est liée à ses pouvoirs, à sa capacité d'invoquer et de créer, et les deux sont liés à sa mortalité. Shakespeare examine l'impulsion artistique à la fois dans sa lumière et dans ses ténèbres, et il contemple ce qu'il advient de l'artiste lorsque la création s'arrête. Lorsque Prospero, ayant finalement renoncé à son désir de vengeance, nous dit qu'elle envisage de quitter l'île où elle a été en exil – « Et de là, retire-moi dans mon Milan, où / Une pensée sur trois sera ma tombe » – elle le pense vraiment. Le prix du pardon de Prospero pourrait être sa propre vie.
Nous ne pouvons pas entendre tout le poids de ces mots lorsque Goldsberry les prononce. Ce n'est pas sa faute ; la production lui demande le dynamisme et la vitalité standard d’une héroïne de théâtre musical, et elle y répond. Elle dégage l’éclat sain d’un voyage épanoui de découverte de soi. Et véritablement, même si elle nous chante tout au long de la pièce la « rage qui vit en moi », nous ne ressentons jamais vraiment sa force lancinante et déformante de l’âme. Il y a ici une incongruité entre l'histoire qu'on nous raconte – Prospero est rongée par une fureur amère et apprend finalement à pardonner – et l'histoire que nous recevons constamment à travers l'air et le ton, qui fait de Prospero une mère attentionnée qui fait de son mieux avec une jolie fille. un bon sens de l'humour et, clairement dès le départ, une capacité de compassion. Cette dissonance ne gâche pas la fête du spectacle, mais elle crée une sensation trop courante dans les productions de Shakespeare, musicales ou non : le soupçon rampant qu'au fond, tout cela n'a pas vraiment de sens après tout, que nous Je suis absous d'essayer vraiment de le comprendre. Ce phénomène apparaît également lorsqu'un acteur - ici, Perez dans le rôle de Stephano - s'approche sans enthousiasme d'une blague shakespearienne, puis s'en éloigne rapidement avec un haussement d'épaules et une tasse au public.Je sais,dit ce geste.Je ne comprends pas vraiment non plus. Alors rions en le jugeant ensemble.
Ces pièces ne sont pas parfaites et elles ne sont pas sacro-saintes. Il y a beaucoup de choses difficiles, archaïques, bancales, voire carrément foutues – beaucoup de choses qu'il faudra peut-être couper, ajuster, adapter ou reconsidérer à chaque nouvelle production. Mais ilssontaccessible. Et quand ils sont courageusement élucidés dans toute leur vaste complexité, leur sage sottise et leur complexité morale, ils sont incomparables.
Travaux publics a tellement de choses à admirer. Son esprit est toujours généreux et plein d’espoir. Donc je garde espoir aussi. J’espère la fusion de visions communautaires au grand cœur et inclusives avec des approches nuancées de pièces complexes et sans fond. J'espère des productions dont les joies ne sont pas atténuées mais au contraire approfondies par les choses difficiles qu'elles nous demandent. J'espère, je suppose, pour de nouveaux mondes courageux.
La tempêteest au Théâtre Delacorte jusqu'au 3 septembre.
