Groban et Ashford dansSweeney Todd,à Lunt-Fontanne.Photo : Matthew Murphy et Evan Zimmerman
Il y a deux étoiles duSweeney Toddun renouveau qui devrait vraiment être affiché au-dessus des grands noms à la tête de cette production : Son orchestre et ses ombres. Le premier, dirigé parHamiltonc'estAlex Lacamoire, fournit une interprétation complète de 26 morceaux des orchestrations en velours écrasé de Jonathan Tunick pour la partition de Stephen Sondheim, emmaillotant le théâtre dans une grandeur palpitante et grinçante. Les ombres, via l'éclairage de Natasha Katz, entourent votre champ de vision d'un miasme succulent similaire. Pensez à Dickens écrivant « du brouillard partout » au début deMaison sombre. Katz garde la majorité de la scène enfumée avec des points de lumière illuminant chaque acteur, comme si l'action se déroulait dans le ventre d'un anaconda brûlant du charbon. Lorsque Sweeney parle de Londres comme d'un « trou dans le monde semblable à un grand gouffre noir », vous êtes là avec lui dans les profondeurs pressurisées où ont évolué des créatures affamées et meurtrières.
Complimenter l'éclairage d'une production est traditionnellement la façon dont les critiques évitent de parler de tout le reste, mais l'atmosphère enveloppante est tout l'accent et l'avantage de la production de Thomas Kail deSweeney. Le chef-d'œuvre gothique victorien de Sondheim et Hugh Wheeler a été relancé à Broadway à deux reprises depuis sa première en 1979, les deux fois à une échelle plus petite que celle de Hal Prince.méga-grand original. New York a également vumises en scène de concertsetgros plans sur Broadway. Kail, en pleine forme après avoir réaliséHamilton, vise à raffermirSweeneytout en remontant, en déployant un casting de 25 personnes, un décor à deux niveaux réalisé par Mimi Lien avec une grue imposante – qui va grand et, surtout, expressionniste. Il ne présente pas tant de commentaires sociaux qu’il nous enveloppe dans un cauchemar collectif. Son Londres est plein de fantômes qui se glissent dans le brouillard.
Au premier rang de ces fantômes : Sweeney de Josh Groban, qui scintille mais ne brille pas dans l'obscurité. Groban a un nom assez grand pour donner le feu vert à un renouveau de cette ampleur (pour cela nous le remercions) ainsi qu'un air de gentilhomme plutôt pinçable, ce qui aurait pu être un problème. Il joue définitivement contre le type – mais le contre-type peut être intéressant, le démon barbier de Fleet Street étant le tueur en série préféré de votre mère, chantant certaines des mélodies les plus exquises de Sondheim sur ses scènes les plus tendues. "Pretty Women" arrive lorsque Sweeney est à portée de la gorge du juge, et le doux miel de la voix de Groban donne à ces moments un punch extra-étrange. Je voulais qu'il continue à travailler sous cet angle, mais lorsque la colère de Sweeney monte, Groban essaie de se montrer bourru et le résultat n'est pas convaincant. Son « Epiphanie » est plus mémorable par la façon dont son ombre, éclairée par la rampe, parcourt le fond de la scène que par sa folie consciente. Vous pouvez le sentir essayer d’invoquer un enfer derrière ses yeux. Il se retrouve face à une traînée de poudre, pas à l'enfer lui-même.
Cette limitation ressort du fait qu'Annaleigh Ashford, en tant que Mme Lovett, est devenue sauvage. Elle fait partie de ces acteurs qui seront heureux de s'engager au-delà de tout ce qui leur sera demandé. (Je pense souvent à elle faisant une séquence de chant et de danse pourCBS à propos du concept de programmation télévisée d'automne.) Ici, elle est vigoureuse et nécessiteusene degré, tirant de grands rires, glissant dans un escalier sur ses fesses comme si elle était dans une grande farce, faisant une approximation forte et étrange du cri d'une mouette dans « Au bord de la mer » (Tchekhovien !), et déployant un coucou et un Cockney qui fait que « England » ressemble à « Engelond » (Chaucerian !). Comme pour les tartes de Mme Lovett, la performance trop cuite peut coller à votre palais, mais elle fonctionne dans le contexte de la mise en scène renforcée de Kail. Lovett se lit comme une interprète frustrée – elle adore son harmonium légèrement roussis – qui, au lieu de se retrouver dans une salle de danse, a fait de Sweeney le public dont elle a le plus besoin de plaire. La consommation arrive dans "A Little Priest", à la fois parce qu'Ashford profite de chaque occasion pour souligner les nuances sexuelles de manger de la chair - elle fait monter l'air sur "Oui, M. Todd!" et caresse la zone devant l'entrejambe de Groban pour souligner la discussion sur les parties intimes d'un contre-amiral – mais plus parce que Sweeney est en fait dans ses blagues.
Dans leur « A Little Priest », comme ailleurs, le drame psychosexuel deSweeneyprend les devants. Sweeney et Lovett sont plus occupés à faire des jeux de mots en guise de préliminaires pour que vous puissiez vous concentrer davantage sur la guerre des classes du nombre. Leur complot de vengeance est moins une simple défense de ceux d’en haut qu’une croisade personnelle. C'est les deux, car tout dans cette comédie musicale signifie beaucoup de choses à la fois, mais mettre l'accent sur le côté érotique fait tourner la production dans une direction particulière. Le deuxième acte plonge encore plus dans la violence, avec la ville en feu et les tueries qui s'accumulent, et les émotions qui prennent de l'ampleur alors que la concentration reste serrée. Cela ressemble toujours à un opéra de chambre, même sur une scène pleine de corps. Steven Hoggett chorégraphie l'ensemble pour qu'il tourbillonne comme un murmure d'oiseaux, synchronisé et inhumain. (Il a également faitL'enfant maudit, ce qui explique pourquoi je m'attendais à ce que tout le monde sorte une baguette.) La foule massive isole Sweeney et Lovett en marge et leur offre l'anonymat dont ils ont besoin pour mener à bien leur projet. Au moment le plus effrayant de la production, ils y disparaissent. Vous imaginez que le couple pourrait se rematérialiser derrière vous alors que vous attendez bientôt à un feu rouge.
Le reste des personnages deSweeneysont également attachés à cette foule, chacun tordu comme s’il s’adaptait pour survivre en son sein. Nicholas Christopher fabrique un Pirelli imposant, apparemment un pied plus grand que tout le monde sur scène et toujours un bouffon. Gaten Matarazzo, montant sur scène pour chanter les louanges de l'élixir miracle de son patron avec une joie enfantine, suscite immédiatement la sympathie du public et de Mme Lovett. Le Beadle de John Rapson est si extraordinairement gras que c'est impossiblepasse demander à quoi il pourrait ressembler sur un chignon. Seuls Anthony de Jordan Fisher et Johanna de Maria Bilbao ne collent pas aussi clairement. Les deux semblent charmants, mais la beauté seule ne suffit pas. Les jeunes amoureux sont toujours une proposition difficile dans une comédie musicale qui vous offre tant de grotesques, et ici les deux se perdent parmi eux.
Ruthie Ann Miles dans le rôle de la mendiante.Photo : Matthew Murphy et Evan Zimmerman
Épargnez cependant une pensée et une aumône à la misérable mendiante. Ruthie Ann Miles, que je considère comme magistrale compte tenu de ses performances dansIci repose l'amouretLe roi et moi, fait quelque chose d'incroyable avec le rôle, sortant de la masse de l'ensemble courbée et furieuse, avec une voix qui perce encore haut et vrai contrairement à sa posture vaincue. (Je ressens tellement pour le bas de son dos.) Elle est la voie à suivreSweeneyLe dernier coup de fouet émotionnel de, un personnage qui semble secondaire se déplace soudainement au centre du conte juste à sa fin. Ensuite, ceciSweeney, si enveloppé dans l'obscurité, se retourne dans la flamme du four de Mme Lovett. Les conséquences de la tuerie se répercutent sur Lovett et Sweeney alors qu'il devient clair ce que Lovett cache et qui Sweeney a tué. La folie laisse place à la douceur et au drame. Après tout, le grand gouffre noir de la métropole industrielle contient des gens.
