Le directeur de la photographie Robert Richardson suit Margot Robbie sur le tournage deIl était une fois à Hollywood.Photo : Andrew Cooper/Sony Pictures
Peu de cinéastes travaillant aujourd’hui sont aussi doués pour créer leur propre monde cinématographique que Quentin Tarantino. Le dernier mot du réalisateur,Il était une fois à Hollywood, se déroule dans une reconstitution amoureuse du Los Angeles de la fin des années 60, alors que l'ancien cow-boy de la télévision Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) est aux prises avec une carrière en ruine, et son cascadeur Cliff Booth (Brad Pitt) rend une visite fatidique àun vieux ranch de cinéma, et le voisin de RickSharon Tate (Margot Robbie)se réjouit de sa nouvelle célébrité. On a l’impression que, pour Tarantino, l’opportunité de se vautrer dans la boue de l’époque était tout l’intérêt de la réalisation du film. C'est un monde où le vieil Hollywood existe en tension inquiète avec la nouvelle contre-culture, alors que des hippies mal rasés cherchent de la nourriture aux côtés d'anciens ciné-parcs et de lieux de déjeuner légendaires de l'industrie, et le meilleur vendredi soir possible est une fête au bord de la piscine avec Mama Cass. Jusqu'à la toute fin, il n'y a pas beaucoup d'intrigue ; au lieu de cela, Tarantino veut simplement se connecter, s'allumer et abandonner.
Même les auteurs les plus talentueux ne travaillent pas seuls. La vision du réalisateur n'aurait pas été possible sans le travail de collaborateurs comme le directeur de la photographie Robert Richardson, travaillant sur son sixième film de Tarantino, et la décoratrice Barbara Ling, son premier. Par coïncidence, les deux hommes ont tous deux travaillé sur le film d'Oliver Stone.Les portes, ce qui en fait des experts en reconstitutions cinématographiques de Los Angeles de la fin des années 60. Au cours de deux appels téléphoniques distincts avec Vulture, Ling et Richardson ont expliqué comment ils avaient redonné vie au rêve des années 60.
La pré-production des films de Tarantino prend souvent la forme de conversations en tête-à-tête chez lui, où le cinéaste présente une copie de son dernier scénario et expose sa vision du projet. (Dans ce cas, le script n'incluait pasla fin du film, qui n'a été révélé que des semaines plus tard.) «Il sait à quel point il veut voir quelque chose», dit Ling. "Il dira des choses comme 'Imaginez un enfant de 8 ans allongé à l'arrière d'une voiture et regardant par la fenêtre, que verrait-il ?'"
Tarantino et Ling ont tous deux grandi dans la banlieue de Los Angeles et ont gardé des souvenirs marquants de la ville dans les années 1960. Enfant, Tarantino était fasciné par les chapiteaux lumineux du théâtre de la ville, qui présentent à eux seuls un montage du troisième acte.Il était une fois. Ling, qui était adolescente à l'époque, se souvient avoir fait du stop dans différents quartiers avec le sentiment que la ville entière était ouverte. Ensemble, ils ont réussi à créer une topographie mentale d’un Los Angeles disparu, prêt à ressusciter.
Heureusement, certains monuments locaux de l’époque étaient encore debout. Musso & Frank's, le restaurant où Dalton déjeune avec un agent arrogant joué par Al Pacino, n'a pratiquement pas changé ses intérieurs au fil des années. El Coyote, le restaurant mexicain que Sharon et ses amis visitent un soir d'août fatidique, laissent le film de production dans lemême standle vrai Tate était assis.Repéreurs de localisationj'ai même trouvé uncloche à tacos vintagedans le comté d'Orange, qui était sur le point d'être démoli, car les années 60 seraient-elles même les années 60 sans un peu de kitsch ?
Westwood est revenu à son apogée de 1969. Ling s'en souvient comme d'un point chaud, mais c'est beaucoup plus endormi aujourd'hui. «C'est juste le flux et le reflux de ce qu'a toujours été Los Angeles», dit-elle. « Il n'a jamais trouvé un seul centre. Cela ne fait que déplacer le centre vers une autre zone.Photo : Andrew Cooper/Sony Pictures
On a parfois l'impression que la moitié deIl était une foisLa durée de 165 minutes de est remplie de personnages conduisant d'un endroit à un autre - Cliff naviguant sur Hollywood Boulevard, Sharon se dirigeant vers le manoir Playboy - et comme le véritable paysage de Los Angeles a souvent été créé pour êtrevu à travers la vitre d'une voiture, la version du film devrait l'être aussi. Cela signifiaittransformer un tronçon de quatre pâtés de maisons d'Hollywood Boulevard en une capsule temporelle des années 1960 impeccablement étudiée- pas seulement en installant de fausses façades et façades de magasins qui bordaient autrefois la rue, mais dans le cas de théâtres comme le Pussycat, aujourd'hui disparu, en construisant un faux chapiteau hors site, en le déplaçant pendant la nuit avec des grues, puis en ajoutant le néon sur place. Puisque bloquer les vitrines des magasins pour les tournages de films peutapporte parfois du ressentimentde la part des propriétaires d'entreprises locales, cela ne s'est produit qu'au dernier moment possible, moment auquel le service des accessoires entrait et remplissait chaque vitrine de vêtements d'époque.
En collaboration avec la ville, ils ont élaboré un plan consistant à filmer un côté du boulevard à la fois, puis à revenir des mois plus tard pour filmer les angles inversés. « Si nous avions essayé de tout fermer, cela aurait stoppé la circulation au milieu de la ville », explique Ling. « Hollywood Boulevard, c'est du tourisme 24 heures sur 24, tous les jours de la semaine. Je n'arrêtais pas de penser,Ces enfants ne vont-ils pas à l'école ?Il y a tellement de tourisme qu'on ne peut pas l'arrêter, il suffit de le séparer. Il fallait toujours que des gens surveillent les touristes et s'assurent que personne ne les frappe à la tête avec une échelle.
Pourtant, même si remonter le temps sur Hollywood Boulevard pourrait être l'exploit de conception de production le plus impressionnant du film, Ling se retrouve frappée par une œuvre plus petite. Peut-être le signe le plus sûr de l’influence de Tarantino dans cette ville, la production a pu fermer quelques autoroutes. De la même manière, les artistesSeigneur des Anneauxsculptant des détails que personne d'autre qu'eux-mêmes ne verrait jamais, l'équipe de Ling a travaillé dur pour rendre les scènes d'autoroute fidèles à l'époque, des panneaux de signalisation aux plafonniers. « Nous avons tout fait pratiquement, ce qui ne se fait plus beaucoup. C'est pourquoi cela se démarque, car ce ne sont pas des images, ni des images de synthèse. dit Ling. Le niveau de détail s’étend également aux véhicules sur la route. « Pas seulement les voitures d'époque, mais aussi les services d'époque : les publicités pour les couches, les plombiers que vous avez vus dans les publicités, les bus avec les publicités télévisées, c'est ça Los Angeles. Parfois, sur le plateau, tu te précipites pour faire des choses, et jusqu'à ce que tu voies tout cela ensemble à la fin, tu te dis :Wow, j'espère que ça marchera. Et c’est ce qui s’est produit. Nous avons vraiment capturé la sensation de conduire sur les autoroutes en Californie en 1969. »
Alors que les entretiens de Tarantino avec Ling étaient centrés sur la culture motrice, ses discussions de pré-production avec le directeur de la photographie Robert Richardson tournaient autour du choc des générations de l'époque – « cette zone où le cinéma est passé du vieil Hollywood au nouvel Hollywood », explique Richardson. Le DP serait chargé d’imiter les deux esthétiques. Les scènes de la carrière de Dalton prendraient vie grâce à la cinématographie de la période antérieure, ce qui signifiait un ratio Academy et un noir et blanc ultra-granuleux pour le western télévisé du début des années 60.Loi sur les primes(rendu encore plus granuleux par Richardson poussant le look d'un arrêt), et unSale douzaine-look de style pour l'image de la Seconde Guerre mondialeLes quatorze poings de McCluskey.
Les scènes actuelles, quant à elles, s'inspirent visuellement des westerns de la fin des années 60, comme dans le film de Sergio Leone.Il était une fois dans l'Ouest, les plans de ponts roulants occupent une place importante - mais aussi, dans le grain et la saturation, les films des années 70 comme le film de vengeance ultra-sanglantTonnerre roulant. «Il voulait que ça ressemble à de la vieille école», dit Richardson. (Outre leurs similitudes esthétiques, les deuxIl était une foisetTonnerre roulantpartagent également une prédilection pourviolence à l'entrejambe.)
Richardson et Tarantino sur le plateau.Photo : Andrew Cooper/Sony Pictures
Cette esthétique de retour a été facilitée par le processus particulier de Tarantino. «Pour Quentin, le cinéma est l'élément vital», dit Richardson. « Il tourne sur pellicule. Il projette tous ses quotidiens sur pellicule. Je savais que je devais trouver un look filmé que je pourrais lui donner. Pour le look des scènes de 1969, il s'est tourné versLes huit haineux, pour lequel Richardson et le coloriste Yvan Lucas avaient déjà imaginé un dégradé de couleurs évoquant les westerns spaghetti bien-aimés de Tarantino. Ils se sont appuyés sur ce schéma pour les tons chair riches et les bleus profonds du nouveau film. «C'est le western de Quentin», dit Richardson – une description appropriée pour un film qui présente une poursuite à cheval, une confrontation dans un ranch et une nostalgie générale des jours de gloire révolus.
Quand est venu le temps de tourner la scène occidentale du film, Tarantino a décidé de rompre avec le modèle établi par les autres séries télévisées du film. Le réalisateur a eu l'idée de filmer le rôle crucial de Dalton dans le pilote deLancierpas à la manière des westerns télévisés de l'époque, mais dans le format grand écran anamorphique typique des westerns cinématographiques de l'époque – très stylisés et mélodramatiques, avec de nombreux zooms tendus sur les sourcils froncés. Cela souligne non seulement les enjeux de la séquence (pour Rick, ce concert de salaire pourrait aussi bien être la vie ou la mort), mais cela permet également au spectateur de s'engager pleinement émotionnellement avec Dalton sur le moment.
«Cette séquence est brillamment chorégraphiée, mais aussi brillamment montée», déclare Richardson. « Cela ne convient à personne. Cela continue à couler jusqu'à ce qu'il soit totalement bouleversé, puis cela répète les mêmes mouvements de caméra. Je pense que si tu avais fait le choix d'y aller1,33avecLancier, et puis tu passes à2,39, vous auriez perdu l'impact. Le changement de dynamique aurait échoué. Cela n’aurait tout simplement pas fonctionné. L'absence de montage a également laissé la possibilité à DiCaprio de se déchaîner complètement, et le directeur de la photographie ne tarit pas d'éloges à l'égard de l'homme principal du film. Comme Richardson l'a dit à la toute fin de notre conversation : « Je pense que c'est sa plus grande performance. » Peut-être mêmele meilleur acteur qu'il ait jamais vu de toute sa vie.
