Les 255 artistes du Rock and Roll Hall of Fame, classés du meilleur au pire

Ce classement a été initialement publié en 2018. Il a depuis été mis à jour et révisé. Le Temple de la renommée du rock and roll 2024inductionLa cérémonie aura lieu à Cleveland le 19 octobre, retransmise en direct sur Disney+, puis diffusée sur Hulu. Les intronisés de cette année – une liste comprenant Cher, le Dave Matthews Band, Foreigner, Kool & the Gang, Peter Frampton, Mary J. Blige, Ozzy Osbourne et A Tribe Called Quest – ont été ajoutés ci-dessous.

La liste des intronisés cette année au Rock and Roll Hall of Fame nous montre une fois de plus que l'ère des fondateurs de l'institution est définitivement révolue. Cette équipe, dirigée par Ahmet Ertegun, le magnat légendaire, et Jann Wenner, l'ancien éditeur dePierre roulantemagazine, avait de nombreux défauts, notamment le côté clubbiste, l'incohérence et les oeillères lorsqu'il s'agissait de certains styles musicaux. Cependant, la salle a accepté que le rock and roll était une chose à part de la musique pop et a pour la plupart essayé de reconnaître les artistes qui personnifiaient le mieux ce genre bâtard et très compromis.

Mais Ertegun est décédé en 2006 et, au cours des dix années suivantes, la pression sur Wenner s'est accrue. Un tournant : l’intronisation, en 2018, de Bon Jovi, un serre-tête qu’aucun critique n’avait jamais célébré. Au cours des cinq dernières années, cette tendance s’est accélérée, et désormais le simple succès commercial, même face à l’indifférence critique voire à l’hostilité généralisée, a pris le dessus. (Wenner, qui avait déjà reculé dans l'organisation, a été définitivement licencié l'année dernière après avoir donné ce qui semblait être une interview très défoncée au New York Times.Foisdans lequel il essayait de faire valoir que les célèbres artistes masculins blancs étaient des « philosophes du rock », contrairement aux artistes féminins et noirs.)

Ces dernières années, une tendance encore pire s'est manifestée dans la salle : nous semblons désormais être dans l'ère du pet rock. De plus en plus, nous assistons à l'intronisation d'artistes mineurs qui ont peut-être connu une période de célébrité il y a longtemps mais qui parviennent d'une manière ou d'une autre à provoquer des pincements d'affection d'abord dans l'âme du comité de nomination de la salle, puis dans l'âme du comité de vote, beaucoup moins discriminant. (Et, ce n'est pas un hasard, aidez les keisters à passer les tourniquets du musée de Cleveland.) Dans ces cas-là, toute considération de qualité, d'importance ou d'influence artistique disparaît. Ainsi Pat Benatar et Duran Duran, par exemple, en 2022, et Peter Frampton et autres en 2024.

Dans les deux cas, le point commun est la célébrité et le succès commercial, deux choses qui n'étaient pas mentionnées dans les déclarations d'intention originales de la salle. L'industrie musicale passe beaucoup de temps à honorer de telles réalisations : il y a des palmarès à succès, des disques d'or et de platine, des tas de remises de prix ringardes, des apparitions à la télévision, des contrats de plusieurs millions de dollars et des accords de parrainage, et toutes les autres louches signifient cela très Louche Industry a à sa disposition pour leur rendre la vie encore plus agréable.

Idéalement, il pourrait y avoir un endroit – un Temple de la renommée, par exemple – où quelque chose d'autre qu'une simple célébrité serait reconnu. À Cleveland, ce n’est plus tellement le cas.

Il existe une autre tendance importante qui s’est manifestée avec vengeance cette année. Comme je l'explique en détail ci-dessous, lorsque nous parlons d'intronisés au Temple de la renommée, nous parlons d'un comité de nomination qui propose chaque année une liste d'intronisés potentiels dans la catégorie « interprètes » clés. Un comité de vote beaucoup plus important ramène ce groupe à sept ou huit. De plus en plus, le premier se trouve incapable de faire franchir ce deuxième obstacle à des artistes importants.

En réponse, la salle a pris une catégorie consacrée au soutien des musiciens et des producteurs et l'a transformée en un « Prix d'excellence musicale » en fin de processus. Et vous pouvez fréquemment voir des listes des intronisés chaque année, ce qui brouille la distinction entre les véritables intronisés et les personnes de « l'excellence musicale ». Récemment, LL Cool J et Chaka Khan sont entrés dans la salle de cette façon – et cette année, ils remettent ce « prix » à Jimmy Buffett, le MC5 et Dionne Warwick. (Norman Whitfield, producteur et auteur-compositeur de Motown, est également là, un meilleur exemple de ce que devrait être un intronisé dans une catégorie secondaire : quelqu'un qui a apporté une contribution indélébile à la musique mais qui ne correspond pas tout à fait à la catégorie des interprètes.) Hall devrait faire, c'est laisser au comité de nomination le pouvoir d'inclure des artistes vraiment importants, en gardant intact le prestige de la catégorie des interprètes, et d'acheminer les différentes personnes médiocres vers une sous-catégorie « sensation commerciale » ou quelque chose comme ça. Au lieu de cela, je vois de plus en plus de listes des intronisés de l'année qui ne décomposent pas les catégories, donnant l'impression que LL Cool J, par exemple, est dans la « vraie » salle.

Ce qui suit est une liste de tous les intronisés réguliers au Rock and Roll Hall of Fame, classés par ordre du meilleur au pire. En chemin, nous reviendrons sur les origines de l'organisation et son évolution, avec les commentaires des membres des comités de sélection passés et présents. (Mon entretien avec Wenner a eu lieu des années avant ses commentaires dans leFois.) La liste est révisée chaque année ; les changements dans les classements et les éléments tels que la résolution des oublis sont dûment notés le cas échéant.

Les classements ci-dessous sont pour la plupart établis sur la base de la pertinence de l'intronisation de chaque artiste en fonction des critères énoncés dans la salle, et non de leur qualité de base ou de mon attachement personnel pour les artistes en question. Ces actes ont-ils eu une influence ? Étaient-ils les premiers ? Sont-ils simplement brillants dans tout ce qu’ils font ? (Il y a quelques groupes que j'aime beaucoup dans la moitié inférieure de la liste.) Je sais qu'il n'y a pas assez de femmes ; plus à ce sujet prochainement.

Les personnes intronisées ayant des carrières antérieures dans des groupes (Lou Reed, Paul McCartney, etc.) sont classées sur la base de leur seul travail solo. C'est pourquoi Stevie Nicks, par exemple, est classée là où elle se trouve ; sa carrière solo — c'est-à-dire en dehors de son travail dans Fleetwood Mac, qui était génial et pour lequel elle est déjà présente dans la salle — est marginale. Il existe également quelques catégories, pour les ancêtres importants du country ou du blues, ou pour des gens comme Dick Clark ; Je ne les ai pas inclus dans cette liste. Faites-moi part de toute erreur ou erreur grave d'opinion dans les commentaires ou sur Bluesky à @hitsville.bsky.social.

Enfin, reconnaissons que le comité de nomination a une tâche difficile. Les dirigeants de la salle avec qui j'ai parlé ont tous souligné ce point : chaque fan de musique a son opinion sur ce qui fait un artiste grand ou important. Tout est basé sur plusieurs échelles mobiles de valeur relative, voire d'intérêt. Peut-être que vous n'étiez pas le meilleur dans quelque chose… mais vous étiez le premier. Peut-être que vous ne parliez pas de chansons en soi, mais de sons. Certains groupes ne vendaient aucun disque et étaient très influents ; d'autres en ont vendu tellement - et jouent si bien au jeu des relations publiques en général et sucent si bien les gens de la salle en particulier - qu'ils sont intronisés même s'ils sont très dérivés et ont une attitude fade, n'écrivent pas leurs propres chansons, basent leur acte presque entièrement sur les cheveux du chanteur, et je n'ai rien à dire.

Mais assez parlé de Bon Jovi. Passons aux intronisés !

Il est l'une des trois ou quatre personnes qui ont disposé l'une des pièces originales du puzzle rocheux. Il a introduit de manière décisive une véritable écriture lyrique dans la musique pop. Et il a été le premier à exprimer le sens du rock lui-même, créant une fondation pour la musique – liée à un monde meilleur et à la promesse de l’Amérique – que même les moments les plus sombres du rock and roll reconnaissent tacitement. En tant que personne, il étaitmoins qu'idéal. Mais quand même : l’une des figures culturelles américaines les plus marquantes du XXe siècle.

Au fur et à mesure que nous parcourrons la liste, je vous donnerai quelques détails sur la fondation de la salle et son fonctionnement. Au début, bien avant l'élaboration des plans d'un véritable musée du rock à Cleveland, un groupe dirigé parPierre roulanteAhmet Ertegun de Jann Wenner et Atlantic Records a fait ses débuts au Rock and Roll Hall of Fame avec deux cérémonies d'intronisation-concerts, en 1986 et 1987, réunissant un total de 25 pionniers du blues et du rock, principalement des années 50. , dont Berry, Little Richard, Elvis Presley, etc.

Un son joyeux qui s’est toujours tourné vers l’intérieur, ouvrant la voie à presque tous ceux qui ont suivi – et, avec Elvis, l’incarnation de la célébrité pop.

La troisième intronisation au Temple de la renommée ne comptait que cinq actes et comprenait des stars des années 60 comme les Beatles, Dylan, les Beach Boys, les Supremes et les Drifters. (Les Stones ne sont entrés que l’année suivante.)

Dylan a amené les paroles du rock dans des endroits où ils n'étaient jamais allés auparavant et où ils ne sont plus allés depuis. Il reste non seulement l'avatar sans pareil de l'art pur avec toute sa gloire maussade et pure – et ses faux pas, trébuchements, entêtement et exaspérations – mais aussi l'idéal de l'artiste pour qui ces faux pas, trébuchements, entêtement et exaspérations font partie du point. .Du sang sur les railsest le meilleur album rock jamais réalisé. Même les Beatles ne peuvent rivaliser avec la quantité de ses chansons essentielles.

Il est la plus grande présence personnelle du rock, secouant un pays avec une fusion nucléaire à lui seul de country, de gospel et de blues. Limité uniquement par le fait de ne pas avoir été un auteur-compositeur et, quelle que soit sa vitalité psychique, il lui manque quelque chose – quelque chose, peut-être, dans son âme, mais peut-être juste dans son cerveau – pour mener efficacement sa vie, et encore moins sa carrière.

Issu d'un des milieux les plus sombres de la musique, il était une figure enroulée d'une gravité impénétrable. Il a inventé le funk et a joué avec une concentration fulgurante qui n'avait jamais été vue auparavant et ne le sera plus jamais.

Revenons à notre histoire : Mais ce ne sont pas Wenner et Ertegun qui ont eu l'idée de la salle à l'origine. DansDoigts collants, sa récente biographie délicieusement remplie de saletés de Wenner, Joe Hagan dit que le Temple de la renommée a été conçu à l'origine par un entrepreneur du câble, Bruce Brandwen, qui a décrit la structure de base de la salle, a proposé une émission de télévision annuelle et a enrôlé Ertegun.

Ertegun, si vous ne le savez pas, à son meilleur romantisme, était la quintessence du rock cool et très riche. À partir des années 1940, son label, Atlantic, enregistre Ray Charles, les Coasters, les Drifters, Joe Turner et Ruth Brown ; et dans les années 60, tout le monde, d'Aretha à Cream. Ertegun a ensuite signé les Stones, Led Zeppelin et CSN, et dans les années 80, Atlantic avait encore des succès avec tout le monde, d'AC/DC à INXS en passant par Debbie Gibson. Ertegun a traversé ces décennies comme le fils du diplomate turc qu’il était ; il a vécu, comme le note Hagan dans son livre, à un apogée de suavité, de richesse et de pouvoir baigné de sexe, de drogue et de rock and roll. (L'histoire orale de Robert Greenfield sur la vie d'Ertegun est intituléeLe dernier sultan.) Un certain éditeur de magazine rock regardait avec intérêt.

Prince doit venir après Brown, mais il convient de noter qu'il pouvait faire pratiquement tout ce que Brown faisait - et a également écrit des chansons cosmiques, et a également joué de la guitare à peu près aussi bien que n'importe qui sur cette liste, et a également chanté comme un ange et un diable. , et était également un producteur et auteur-compositeur de rock, de pop et de soul aventureux et sûr de lui. Prince a kidnappé les prétentions à la perversion du rock, les a écorchés et les a façonnés en redingote qu'il sortait lors d'occasions spéciales ou simplement parce que. « Mick Jagger, a écrit Robert Christgau, devrait simplement replier son pénis et rentrer chez lui. » Lors de l'intronisation, Prince a déclaré sobrement : « Trop de liberté peut conduire à la décadence de l'âme. » Il est décédé de façon choquante en 2016.

Entre autres choses, ces gars étaient des critiques de rock, ce qui signifie qu’ils pensaient que le rock du moment était nul. Ils pensaient qu'une bonne chanson devait être rapide, ironique, pleine d'esprit, idéalement évocatrice du son d'un groupe de filles, et avoir des voix mixées très haut. Et encore une chose : il n'était pas nécessaire de savoir jouer de son instrument pour faire partie d'un groupe de rock and roll. Les Ramones nous ont montré que de temps en temps, le rock devait être reconstruit à partir de zéro. Et – sans porter de jugement d’une manière ou d’une autre, mais simplement en faisant une observation – ils ont pratiquement supprimé le blues d’une variété de rock. Johnny a salué George Bush lors de son intronisation. Maintenant, c'est du punk rock.

Avec les Sex Pistols, le groupe le plus influent et conséquent depuis les années 1960 ; avec Public Enemy le idem le plus puissant et sans compromis. Le leader Kurt Cobain est une figure aussi emblématique que le rock a produit, recherchant douloureusement et tragiquement l’honnêteté et l’authenticité – et, à l’entendre le dire, en vain. Finalement convaincu qu'il n'avait pas d'avenir, il se suicida en 1994. L'honnêteté psychologique des chansons de Cobain était révolutionnaire ; Sur le plan sonore, ils ont fait un trou dans la radio et ont bouleversé toute l'industrie du disque, bouleversant les listes de lecture radio, MTV et, par conséquent, les palmarès des ventes, faisant des années 1990 une décennie musicale colorée et inattendue.

Une âme douce qui est morte bien trop tôt. Ses paroles étaient loin d'être comparables à celles de Berry, mais il y avait une puissance et une logique sous-jacentes à ses chansons que tout le monde, des Beatles à Springsteen, reconnaissait et sur laquelle s'appuierait. Regardez le film de son groupe et vous remarquez quelque chose d'autre qui est élémentaire, à ce stade presque archétypal : quatre personnages - deux guitares, une basse et une batterie - jouant les chansons du chanteur, l'image d'un groupe de rock qui durerait un demi-siècle. . Et sa croissance évolutive rend difficile de penser à sa mort déchirante et prématurée (à 21 ans !). (Lui, Otis Redding, Sam Cooke et Cobain sont les plus grandes tragédies du rock.)

De nos jours, certaines personnes ne savent pas grand-chose de Jann Wenner. Il a commencéPierre roulanteen 1967 ; en quelques années, elle s’est placée au centre de la contre-culture. C'est tout à l'honneur de Wenner que, par à-coups, il a donné aux critiques beaucoup de liberté et il a payé des écrivains pour qu'ils réalisent des reportages expansifs, parfois audacieux. Le magazine est devenu une force culturelle importante et l'une des rares publications les plus célèbres de la seconde moitié du XXe siècle.

C'est ce que nous avons vu à l'extérieur. L'intérieur, comme le raconte Hagan, était moins joli.Doigts collants, la biographie de Wenner, est l'histoire accablante d'un lutteur à l'ambition presque infantile qui, bien qu'il ait encouragé (et financé) des tonnes de journalisme honnête, avait tellement de vis morales desserrées qu'il a laissé des décennies d'amis, d'employés, blessés et amers, et les artistes dans son sillage. Par exemple:Pierre roulantes'est si fortement identifié à John Lennon au fil des années qu'il est surprenant de lire que Lennon était tellement énervé par une première trahison de Wenner qu'il ne lui a plus jamais parlé après une interview en 1970 ; après la mort de Lennon, Yoko Ono a quelque peu cyniquement laissé passer la rancune pour garder l'amitié de Lennon.Pierre roulantestock élevé. Et les histoires abondent selon lesquelles Wenner laisse ses copains rock et stars de cinéma vérifier leur profil. Le magazine a traversé plusieurs crises financières dans les années 1970, mais pendant les booms des années 80 et 90, il a commencé à enregistrer des bénéfices à sept et huit chiffres. Avec cet argent et les mécanismes de relations publiques de son magazine, Wenner a finalement pu, après des décennies de surveillance extérieure, s'insinuer définitivement dans le monde de l'hyperprivilège des rock stars (et bientôt des stars de cinéma).

Waters est probablement le plus grand de l'écurie Chess Records, et en fait, de tous les artistes de blues urbain, et était un avatar des premiers rockers comme Chuck Berry. Sa paternité d'une chanson intitulée « Rollin' Stone », son travail de guitare cinglant et sa présence en fusion plane sur tout le rock. Les camarades du label de Waters, Howlin' Wolf et Willie Dixon, auteur-compositeur et producteur clé de Chess Records, sont dans la salle dans la catégorie « Influenceurs ». Sœur Rosetta Tharpe,un artiste sensationnel, a été intronisé en 2018 dans cette catégorie.

Le plus grand balladeur du rock et l'un de ses plus grands rockers ; les quatre premières secondes de son premier enregistrement commercial, « These Arms of Mine », comptent parmi les plus belles choses jamais produites par l’homme. Sa dynamique émotionnelle est inégalée. Un de ses albums s'intituleComplet et incroyable : le dictionnaire de l'âme Otis Redding MY-MY-MY, ce qui résume à peu près tout. Il meurt dans un accident d'avion en 1967.

Des cris de luxure et de désir, une attaque de piano imprudemment extravagante et une énergie diabolique étaient ce que Richard a apporté au rock and roll. Il fut l'un des principaux architectes de la musique. Il était capable de blues plus routiniers et même de chansons calmes. Mais à son meilleur, il était une personnification du priapisme et du pervers à une échelle qui faisait de tous ceux qui le suivaient, même Prince, de simples prétendants. (Son groupe, Richard s'en souviendrait avec tendresse, organisait une orgie après chaque concert.) Mais en 1959, affirmant qu'il avait gagné un million de dollars grâce à la musique du diable, il déclara qu'il allait « faire la paix avec Jésus ». Il a quitté l’entreprise et, même s’il y a eu de nombreux retours en arrière et retours en arrière, il n’a plus jamais été une force artistique.

Avec les Yardbirds, les premiers rockers délibérément axés sur le blues, qui, dans leur période classique (jusqu'en 1972), ne se sont jamais trop éloignés du noyau reconnaissable du blues. Et pourtant, le maelström dense sous les rythmes de leur meilleur matériel de la fin des années 60 était des expériences sonores, mais toujours fondées sur une section rythmique forte, un guitariste rythmique plutôt et un chanteur à la fois hédoniste et intellectuel. LeurMendiantàExilérun est probablement inégalé par aucun autre groupe. (J'avais à l'origine les Stones deux marches plus bas, en dessous de Zeppelin et des Pistols, juste pour souligner que tous les trois étaient radicaux et influents à leur manière, mais je pense qu'il est juste de les mettre en premier.)

Au fil des années, de nombreuses particularités sont apparues dans les intronisations de la salle. Avez-vous remarqué quelque chose d'étrange dans la composition des Stones répertoriée ci-dessus ? Ian Stewart était le claviériste original du groupe, mais a été retiré de la formation officielle parce que son image ne correspondait pas à celle du reste des Stones. Il a joué sur leurs disques et est devenu leur road manager. C'est un bon exemple d'un problème qui tourmente la salle depuis le début : quels membres d'un groupe de longue date devraient être inclus ? Je suis aussi grand fan des Stones que quiconque (et n'ai aucun lien avec le bassiste), et j'aime l'idée d'une salle incluant des gens des coulisses. Mais il m'est difficile de discerner où les claviers constituaient autre chose qu'une partie accessoire du son du groupe dans les années 1960 – et dans les années 1970, les meilleures parties de clavier (« Time Waits for No One », « Memory Motel ») étaient jouées par autres. De nombreux autres membres non officiels du groupe, bien plus importants pour le son ou le succès d'un artiste particulier – de Bernie Taupin, par exemple, à Elton John, ou du Bomb Squad à Public Enemy – sont passés inaperçus dans la salle. C'est pourquoi la salle a été accusée de céder aux pressions extérieures. Je ne pense pas que quiconque au sein du comité de nomination ait dit : « Eh bien, nous devons simplement inclure Ian Stewart ! Il me semble évident que les Stones ont insisté là-dessus et que la salle n'avait pas les moyens de dire non ; tout cela s’est produit au cours de la troisième année d’intégration, créant un malheureux précédent.

Zeppelin a marqué un tournant décisif dans le rock, dans lequel le blues a été soumis par un guitariste plus vrai que nature et son acolyte chanteur, un Viking. Ils ont fourni sans vergogne le heavy metal le plus heavy. Ils ont évité le single, obligeant les fans à acheter leurs albums ou à les voir en concert. Les techniques aventureuses du producteur Page maîtrisaient le rock, le blues et le psychédélisme ; il fait partie d'une petite poignée de producteurs de musique les plus influents. Rien de très profond dans les chansons, mais dans l'ensemble, elles ont probablement les paroles les moins embarrassantes de tous les groupes de hard-rock.

Revenons à notre histoire : dans le reportage de Hagan, Ertegun et Wenner ont conspiré ensemble pour attendre la fin du contrat de cinq ans que Brandwen avait signé, puis ont repris l'organisation. Wenner a ensuite licencié Brandwen comme faisant partie d'une « bande de colporteurs ». L’inévitable procès a été réglé à l’amiable. Bruce Conforth, le premier conservateur de la salle, m'a dit qu'un premier concert-bénéfice mettant en vedette les Who et présenté comme un avantage pour la salle avait en fait permis de récolter des fonds pour payer ce règlement. J'ai demandé à Jann Wenner si c'était le cas. « Non, nous n'avons pas affecté cet argent à cette fin. Les fonds sont allés sur notre compte général. L'argent qui est allé à [Brandwen & Co.] ne provenait d'aucune source. Il serait inexact de dire qu’il a été utilisé directement pour cette colonie. » Quel était le montant du règlement ? "Honnêtement, je ne m'en souviens pas", a répondu Wenner. « Ce n’était pas grand. Je dirais entre un et deux cent mille.

Le groupe a sorti un album studio et a joué un total de huit concerts américains au cours d'une seule tournée désastreuse. Et pourtant, même aujourd’hui, 40 ans plus tard, leur disque semble aussi dur et intransigeant qu’à l’origine. Leur dérision punk pourrait facilement accepter la tournée de retrouvailles lucrative, mais même le cynisme sans limite de Johnny Rotten ne permettrait pas au groupe de se présenter devant les poltrons au pouvoir du Rock and Roll Hall of Fame. A augmenté de cinq crans parce qu'ils restent le seul groupe qui a refusé de honorer son intronisation avec autre chose qu'une framboise. A lire absolument :Le fax de Rotten au hall, si méprisant qu’il n’inclut même pas la ponctuation. («Nous ne venions pas.")

Tina Turner était appelée « la femme Mick Jagger » jusqu'à ce que quelqu'un comprenne : Jagger était l'homme Tina Turner. Elle est la chanteuse de blues-rock par excellence. La plupart des gens ont entendu parler d'Ike Turner en raison du traitement monstrueux qu'il a réservé à sa femme et aux autres. Les spécialistes du rock affirment que son « Rocket 88 », enregistré aux Sun Studios et sorti sur Chess en 1951, pourrait être le premier véritable disque de rock and roll. Turner avait 20 ans à l'époque. Et avec James Brown et les Stones, ils constituent peut-être le plus grand groupe live de la musique. Tout ce que vous devez savoir sur cette tenue estjuste ici.

Ils ont défendu, comme Whitman, les stupides et les fous. S'appuyant sur la promesse des Ramones et la férocité des Pistols, les Clash ont apporté une grande intelligence, une politique rigide mais pour la plupart chaleureuse, et des chansons des chansons (pour être précis :autant de belles chansons que les Rolling Stones) au cours d'une carrière tumultueuse et trop courte. Le plan, à l’origine, était de démolir tout ce qui l’avait précédé et de construire un monde meilleur. Puis Mick Jones a décidé qu’il était une rock star.

Diddley était un grand homme avec un son gigantesque —tribal, insistant, mais toujours de bonne humeur– à certains égards, inégalé à ce jour. Il était également comédien (« Say Man », « Say Man, Back Again ») et a également réalisé toutes sortes d'autres chansons. Je place Diddley au-dessus de gens comme Jerry Lee parce que sans son ampleur folle et son humour marié à son rythme primal et colossal, le rock ne serait pas ce qu'il est aujourd'hui.

Au milieu d'une production révolutionnaire et de coups musicaux (avec la permission de Flash) et d'un cyclone de verbiage (avec la permission de Mel), ces gars ont contribué à créer quelque chose de nouveau sous le soleil, aussi iconoclaste que Bo Diddley, aussi engageant que Fats Domino, et pourtant plus sombre que les Stones ou Marvin Gaye dans sa forme la plus politique, exposant des éléments qui, comme les Beatles, ouvraient des portes de possibilités qui allaient influencer les décennies d'innovateurs à venir et, comme les Ramones, trouvant un nouveau fond primaire. pour que la musique puisse s'appuyer à nouveau.

Au fil des années, de nombreuses rumeurs ont couru sur des manipulations de votes en coulisses dans la salle. Une histoire souvent répétée impliquant Grandmaster Flash a été initialement rapportée par Roger Friedman, à l'époque un chroniqueur en ligne hollywoodien assez bien documenté pour Fox News. Il a déclaré que Wenner avait ignoré certains votes tardifs pour les Dave Clark Five afin de s'assurer que la salle introniserait enfin un artiste hip-hop. J'ai demandé à Joel Peresman, qui en tant que PDG de la Rock and Roll Hall of Fame Foundation est le plus haut dirigeant de l'organisation, si c'était vrai. « Ce que dit Roger Friedman et ce qu’est la vérité sont en réalité deux choses différentes », a déclaré Peresman d’un ton sec. J'ai également interrogé Wenner à ce sujet. «Conneries», dit-il. "C'est la dernière chose que je ferais." J'ai récemment parlé à un initié de longue date de l'industrie qui a déclaré catégoriquement qu'il y avait vu une chicane: il était là lorsque le comité de nomination terminait ses discussions et lisait les nominés de cette année-là - mais lorsque la liste des nominations a été envoyée, elle comprenait un nom supplémentaire. d'un groupe multiplatine, qui a ensuite été dûment voté dans la salle.

Un chanteur dont le talent artistique transcende la musique. La voix avec laquelle elle est née pouvait percer le verre, et sa propre technique embellissait tout ce qu'elle enregistrait. Une grande partie de son travail n'est pas très intéressante, mais quand Ertegun et le superproducteur d'Atlantic Jerry Wexler l'ont mise en contact avec les bons musiciens et chansons, la magie a résulté.

Le grand prêtre du rock, archaïque et polymophiquement pervers, notre première grande star de l'art-rock, créant l'ineffabilité pop (« Changes ») et rock (« Ziggy Stardust ») depuis un perchoir très détaché mais toujours curieux.

La salle est attaquée sur de nombreux fronts : il n'y a pas assez de femmes, etc., etc. L'un des plus flagrants et des plus curieux est sa méfiance à l'égard du côté effacé et glam du rock. Être nominé au cours de votre première année d'éligibilité est un gros problème pour le hall, et nous avons récemment vu des artistes comme les Foo Fighters et Biggie s'y faire une place. Bowie a dû attendre quatre ans et n'a même pas été nominé (!) deux de ces années. D'autres artistes glamour comme Roxy Music, T. Rex et Todd Rundgren ont attendu beaucoup plus longtemps, et des groupes comme les New York Dolls et Mott the Hoople sont toujours à l'extérieur, tandis que presque tous les assemblages hirsutes de branleurs en spandex avec des concombres poussés sur le devant de leurs jeans des décennies intermédiaires ont été introduits. Il est évident que la salle éprouve un malaise tacite avec les stars qui n'occupent pas les rôles traditionnels de rock star masculine - et les stars masculines qui coucher avec des hommes aussi. (Lou Reed n'est entré dans la salle qu'en 2015, près de 20 ans après son éligibilité.) Je n'ai pas approfondi ce sujet avec Wenner. (Après des années de relations avec les deux sexes, Wenner est sorti dans la cinquantaine.) Mais je lui ai demandé s'il y avait un inconfort avec ce côté du rock de la part de la salle. "Je ne le crois pas", a-t-il répondu. "Cela ne m'est jamais venu à l'esprit."

Les excursions à la guitare d'Hendrix n'ont bien sûr jamais été égalées. Sa mort prématurée constitue l'une des histoires les plus tristes du rock et était probablement la personne la plus cool de l'histoire de la musique. Pardonnez-moi une courte digression sur la façon dont Hendrix était recueilli. Dans une scène inoubliable de'Excusez-moi pendant que j'embrasse le ciel, la bio intime d'Hendrix de David Henderson, on retrouve Hendrix avec Marianne Faithfull, alors petite amie de Mick Jagger, dans un club. Hendrix lui explique soigneusement pourquoi elle ne devrait pas sortir avec Jagger – il était, comme le dit Hendrix, « un connard » –pendant que Jagger était assis à table avec eux.

Notez que l'intronisé ici n'est pas Hendrix mais son groupe. Un autre point de pression dans la salle est de savoir quoi faire avec des stars comme Janis Joplin, Hendrix, Tom Petty ou Bob Seger, qui ont réalisé une partie ou la totalité de leur travail le plus important avec un groupe d'accompagnement particulier. Pourquoi les Petty's Heartbreakers sont-ils dans la salle mais pas le Silver Bullet Band de Seger ? Cela n'a aucun sens. La décision d’inclure les joueurs dans le power trio d’Hendrix est également un casse-tête. Mitchell et Redding ont bien fait leur travail, mais ce travail consistait simplement à fournir une vitrine au travail de Hendrix et… ni l'un ni l'autre n'ont rien fait de notable après l'expérience.

Elle a fait sa carrière avec une chanson pop plus jolie (et probablement plus significative) que « Blowin' in the Wind » – « Both Sides Now » – puis, au cours des années 1970, a créé album après album de paroles et de musique d'une rigueur déchirante. Les années 1980 sont difficiles, après quoi elle se lance dans une odyssée du jazz qu’elle seule comprend. Elle reste l’une des présences artistiques les plus austères et sans compromis de la musique. Elle s'est retirée de la cérémonie, apparemment à la dernière minute, après avoir retrouvé une fille qu'elle avait abandonnée en adoption avant de devenir une star.

Il faut se rappeler qu’il était à l’origine le plus en colère des jeunes hommes en colère, son nom étant une déflation pointue d’une icône sacrée du rock. Sous la colère se trouvaient des mélodies et des rythmes exceptionnels, et un parolier amoureux des mots avec quelques comptes à régler, parfois avec les médias et le complexe militaro-industriel mais plus souvent avec les femmes. Il avait une immense ambition et une façon de voir l'amour et la société que le rock n'avait jamais vue auparavant. À une époque où le punk avait ébranlé l'intelligentsia régnante de la musique —Ces groupes pourraient-ils vraiment être aussi bons que les Stones ?!?!- il était clairement, comme on l'a dit ad nauseam et pourtant de manière irréfutable, le meilleur auteur-compositeur de musique depuis Dylan. Il est maintenant un aîné du rock, pas vraiment pompeux mais un peu trop désireux de partager ses pensées (intelligentes mais nombreuses et parfois fastidieuses) sur quoi que ce soit. Son côté critique est si poli qu'il ne mentionne pas qu'il n'a pas enregistré de bonne chanson depuis 1986 environ.

Il était une solide star de la Motown dans les années 1960, offrant succès après succès avec Tammi Terrell et d'autres et livrant un succès mondial avec sa version de « Heard It Through the Grapevine ». Peiné et déchaîné, il a commencé à s'envoler, trouvant une beauté à la hauteur de Brian Wilson dans ses chansons politiques funèbres et ses excursions toujours plus charnelles. Ses murmures angéliques et ses murmures distraits sont désormais des parties indélébiles de la musique ; le quelque peu négligéIci mon cherest l'un des grands albums de rupture pop-soul. Il a été abattu par son père lors d'une bagarre familiale en 1984.

C'était un groupe transformateur, bouleversant le hip-hop en recentrant son monde sur la rue dans son sens le plus quotidien, tant dans les paroles que dans la mode. Les guitares de « Rock Box » étaient très dures, mais d’une manière étrangement Elton John-ish, Run-DMC était séduisant et pas vraiment menaçant, mais jamais assez lâche pour saper l’intégrité de leur art. Et ainsi, sérieux et pas sérieux, ils ont défini un hip-hop précoce et génial qui a brisé les barrières culturelles, raciales et musicales en Amérique et dans le monde. Et même si je n'avais pas besoin de la publicité d'Adidas, j'avais besoin de « King of Rock », une vantardise absurde sur le papier qui, officiellement, reste l'un des moments de reconnaissance les plus excitants de l'histoire du rock and roll. C’était une autre époque, dans les années 1980 : les gens oublient que Newsweek avait mis l’inoffensif fumeur de pot Tone Loc sur sa couverture sous le titre « RAP RAGE ». En fait, les rappeurs n’étaient pas en colère. Encore.

Un ensemble rock-pop-funk tout à fait sensationnel sous la direction visionnaire et étoilée de Stone. Peut-être trop en phase avec l'époque, les rythmes et la musique se font plus sombres, culminant dans le funk aplati deIl y a une émeute en cours,une méditation hypnotique révolutionnaire sur la condition américaine (pas seulement afro-américaine).

Ses chansons les plus simples résonnent encore ; ses productions et arrangements dégagent un kaléidoscope de sons tout en constituant en quelque sorte une image cohérente d'un artiste, digne de l'une des premières personnes à écrire, jouer et produire ses propres disques. Ce n'est pas un philosophe. Mais ses chansons couvrent en quelque sorte les années 1970, plus variées et plus sophistiquées que celles de quiconque dans leur humanisme expansif et leur musicalité de bon goût.

Un explorateur mystique et insatisfait avec une voix capable d'une grande puissance et de nuances. Avant l'âge de 25 ans, il nous avait offert l'une des excursions rock les plus primitives de l'époque (« Gloria ») et l'une des chansons les plus joyeuses et les plus indélébiles de la radio pop (« Brown Eyed Girl »). Il a ensuite créé un cycle de chansons immortelles de paysages oniriques insaisissables (Semaines astrales) puis un morceau définitif de rock-pop-jazz (Danse de la Lune). Et pourtant, il était toujours malheureux et, de toute évidence, il le reste aujourd’hui. Son son sauvage et son mysticisme sans vergogne influenceront fortement des gens comme Springsteen et Patti Smith. Comme Neil Young et Stevie Wonder, il a connu de très bonnes années 70 et depuis lors, il suit une muse tour à tour romantique et dyspeptique – et a refusé de se présenter à l'intronisation. Au cours des décennies qui ont suivi, il est devenu de plus en plus colérique. Pendant la pandémie, cela a évolué vers une triste toxicité. Ses diatribes antivax et ses théories du complot ont définitivement terni sa réputation. (Voir aussi :Clapton, E.)

Une fois, lors d'un concert d'éducation physique, j'ai entendu Flavor Flav dire ceci : « Je soutiens Chuck D. à 100 %. Le frère a souvent raison. Rien ne capture mieux ce groupe. Le groupe de hip-hop le plus visionnaire de tous les temps a épousé des schémas sonores révolutionnaires, gracieuseté de l'équipe de production connue sous le nom de Bomb Squad, avec les mots de Chuck D, qui aurait finalement pu être le plus grand parolier de la musique après Dylan. Mais négocier le statut de célébrité est difficile, et il n'a pas pu gérer la controverse sur les remarques antisémites de l'idiot Griff, qui ont plongé le groupe dans une chute libre et ont miné l'autorité morale de Chuck. Ce qu’il a ensuite aggravé en ruinant ce qui aurait pu être sa plus grande chanson, « Welcome to the Terrordome », en incluant ses propres attaques tendancieuses contre les Juifs. (Euh, Chuck, ce ne sont pas seulement les « soi-disant élus » qui ont été « figés » par les remarques de Griff.) Notez encore une fois les mots « aurait pu être ». Quoi qu’il en soit, j’adore PE mais je pense que la musique et l’histoire les ont laissées de côté.

« La notion de rock dans la salle est très vaste », m'a dit un électeur. "Ils se sont montrés très réceptifs à l'idée d'être ouverts aux groupes hip-hop, même au cours de leurs premières années d'éligibilité." Ce n’est pas faux, mais ce n’est pas tout à fait vrai non plus. Sa vision de la musique est clairement superficielle et penche vers le côté pop-commercial. Je ne sais pas pourquoi Eric B et Rakim, au moins, n'ont pas été recrutés il y a des années ; la salle s'effondre pour faire entrer Biggie dans sa première année d'éligibilité, tout en ignorant les premiers artistes hip-hop qui l'ont rendu possible.
Le hip-hop ne concerne bien sûr pas que les rappeurs. Il y a également eu beaucoup trop peu de reconnaissance envers les gens qui ont construit sa force sonore. Afrika Bambaataa – qui, je dirais, se tient aux côtés de Lonnie Donegan (nous y reviendrons plus tard) comme la personne la plus influente de l'histoire de la musique pop qui n'est pas présente dans la salle – a été nommée en 2008 mais n'a pas dépassé le comité de vote. Depuis, il a été oublié. (Difficile de voir cela changer, cependant ; la réputation de Bambaataa est désormais définitivement ternie après de multiples allégations d'agression sexuelle de la part de jeunes hommes.)

Et puis il y a la question des producteurs de hip-hop. Le Bomb Squad de PE aurait dû être intronisé depuis longtemps uniquement pour des raisons artistiques. La catégorie côté salle, baptisée Ahmet Ertegun Award, qui récompense les gens et les producteurs de l'industrie, n'a été décernée qu'une seule fois à une figure du monde du rap : Sylvia Robinson, de Sugarhill Records. Triste!

Robinson a eu une carrière remarquable, mais cela reste une gestion plutôt minable de la musique qui existe depuis un demi-siècle. Russell Simmons est le candidat le plus évident ; étant donné les multiples allégations de viol et d'agression portées contre lui, cela semble peu probable, mais rappelez-vous que c'est l'organisation qui a accueilli Phil Spector au sein du comité de nomination même après qu'il ait tiré sur une femme au visage, alors restez à l'écoute. DJ Premier, de Gang Starr, pourrait être un bon choix. Cela fait maintenant 30 ans depuis la sortie deLa Chronique, l'une des rares sorties les plus influentes de l'histoire du rock ; dans quel univers les Foo Fighters sont-ils, disons, plus influents que le Dr Dre ? La salle devrait vraiment reconnaître certains des producteurs afro-américains qui ont construit le son avant de se tourner inévitablement vers Rick Rubin.

Feu de l'enfer» était le titre de la biographie de Nick Tosches sur Lewis, et l'enfer semblait toujours brûler à ses pieds. Un boogie démoniaque au piano et des paroles déclamées (« Whole Lotta Shakin' Goin' On », etc., etc.) ont créé un maelström charnel. Lewis était précoce, tant dans le sens positif que négatif, même selon les standards des premiers génies du rock. Considérez qu'il a été expulsé de l'église alors qu'il était adolescent pour avoir transformé les spirituals en boogie woogie - et que, lorsqu'il est apparu qu'à l'âge de 21 ans, il avait épousé sa cousine de 13 ans, il étaitsur sa troisième femme.Lewis, le dernier des grands innovateurs du rock and roll des années 50, est décédé cette année.

Dans un genre de musique qui a été créé et souvent défini par des excentriques sui generis, ce groupe était dirigé par le plus excentrique de tous, le voyageur astral et parangon du funk George Clinton ; le résultat a été un croisement entre James Brown et Frank Zappa avec un cirque à trois pistes, masquant des thèmes assez lourds en dessous. Clinton était un producteur sous-estimé – ses morceaux regorgent d’inventivité sonore, d’humour et d’accroches. Pour mémoire, il n’a pas créé beaucoup de bonnes chansons ; et son étoile serait plus brillante aujourd'hui s'il n'avait pas ruiné sa réputation en devenant un artiste live très peu fiable. Mais une belle présence. Incidemment, lors de l'intronisation du groupe, l'équipe de P-Funk, plus que tout autre groupe, a pris le temps de remercier chaleureusement ses nombreux autres collègues joueurs au fil des ans.

Il a vécu une vie méconnaissable pour la plupart des rockeurs et s'est fait tirer dessus par de vrais criminels, pas par un millionnaire.Écharpeles aspirants envoient des possessions. Sa musique a changé le monde et a apporté une reconnaissance internationale à une petite île pauvre dont personne en dehors d'elle ne se souciait. « Redemption Song » est une composition aussi bonne que « Imagine » ; il est l'un des plus grands chanteurs de musique et l'un des chefs d'orchestre les plus visionnaires ; et presque tous les morceaux qu'il a enregistrés au cours de sa période classique valent la peine d'être écoutés. Marley est décédée d'un cancer en 1981.

J'ai mentionné le comité de nomination à plusieurs reprises. Comment se déroule le processus de vote dans la salle ? Lors de l'aménagement de la salle, Wenner, Ertegun et un groupe d'autres acteurs de l'industrie du disque (c'étaient pratiquement tous des hommes) se réunissaient une fois par an pour voter sur une liste de nominés. (Les artistes deviennent éligibles 25 ans après la sortie de leur premier disque ; c'est une « chose » que la valeur perçue de la nomination diminue au fil des années.) Quoi qu'il en soit, ces nominés seraient ensuite envoyés à un plus grand bassin d'électeurs – le « comité de vote » – qui voterait pour ses favoris. Les cinq à sept premiers votants sont intronisés.

Traditionnellement, le comité de nomination se réunit dans unePierre roulantesalle de conférence, généralement en septembre. Au cours du déjeuner, chaque membre proposant la candidature peut plaider la cause de deux candidats potentiels. Joel Peresman était un vétéran de longue date de l'industrie qui a passé de nombreuses années à diriger la branche concerts du Madison Square Garden avant de rejoindre la Fondation Hall of Fame il y a dix ans. Il a passé du temps avec moi au téléphone pour me décrire le processus, non sans enthousiasme : « Il faut qu'ils soient unavocat», a-t-il déclaré. "Ils doivent créer une histoire à vendre aux autres personnes présentes dans la pièce." Le groupe vote et une liste restreinte est créée. Il peut s'agir de dix à vingt noms. Celui-ci est envoyé au comité de vote beaucoup plus large, un groupe quelque peu amorphe de journalistes et de fouines de l'industrie ainsi que tous les précédents intronisés au Temple de la renommée jusqu'à présent. (Plus d'informations sur les implications de cela plus tard.)

Ce groupe reçoit un bulletin de vote par la poste, accompagné d'une enveloppe pré-adressée et timbrée, pour inscrire ses cinq candidats proposés. Ceux-ci sont renvoyés dans la salle. Peresman dit que la fondation appellera les électeurs qui ont mal rempli leur bulletin de vote et passera également quelques appels pour apporter des bulletins de vote tardifs. Soit dit en passant, il n'y a pas de liste officielle officielle publiée du comité de nomination près de la salle ; ma source pour de nombreux détails factuels dans cette histoire est un site Web appeléfuturerocklegends.com, un site Web obsédé par le Rock and Roll Hall of Fame, supervisé avec une équité scrupuleuse et une attention aux détails par Neil Walls. J'ai pris de lui une grande partie des données sur la salle contenues dans cet article, soit sur le site, soit lors d'une récente conversation téléphonique que nous avons eue.

Inventer le rock progressif était une idée stupide, mais c’était leur idée stupide. Leur voyage improbable comprenait du psychédélisme à prix réduit jusqu'aux monuments sonores des années 70 qui alimentent leur légende jusqu'à aujourd'hui, et un talent si irrépressible qu'ils ont eu certains des singles à succès les plus inhabituels de l'époque.

Un chercheur de rock and roll harcelé par des démons mentaux – et un avatar loufoque de l’authenticité rock. Il a créé du psychédélisme organique à partir du country rock avec son premier big band (« Broken Arrow »), puis il s'est lancé seul, créant probablement plus de grands albums dans les années 1970 que quiconque, à l'exception peut-être de Marley, et oscillant ensuite librement, sauvagement, parfois. de manière erratique, au cours des (nombreuses) années qui ont suivi. Il maîtrisait le grand art de la création de chansons rock qui, bien que souvent légèrement impénétrables sur le papier, transmettaient souvent des significations profondes sur les disques (« After the Gold Rush », « Cinnamon Girl ») ; contrairement à tous les artistes, sauf très peu, il a créé son meilleur travail plus de dix ans après le début de sa carrière, avec un trio d'albums particulièrement puissants —Ce soir c'est la nuit,Sur la plage,Zouma —puis, après une pause et juste pour clarifier sa maîtrise magistrale de la musique,La rouille ne dort jamais; à ce moment-là, il s’est imposé comme le plus grand, le plus provocant et le plus invaincu de tous les survivants des années 1960. Personne ne peut contester la muse erratique de Young, son jeu de guitare (aussi primal qu'un tableau de Clyfford Still), sa voix enthousiaste,très émouvant même au 21ème siècle. Depuis, son travail a été absurdement surestimé par les critiques (il a remporté le sondage Pazz & Jop en 1988), mais pendant des décennies encore, il a piétiné comme un étalon sur les scènes du monde entier, et sa méfiance inhérente à l'égard du mensonge, de la fausseté et de l'inauthenticité reste un problème. force dans certaines parties du monde de la musique, comme par exemple chez Jack White. Puisse-t-il courir longtemps.

Un autre de ces gens disparates qui ont inventé le rock and roll de différentes manières, avec des styles différents et dans des lieux différents ; Domino, en partenariat avec l'auteur-compositeur et producteur Dave Bartholomew, a produit de (très gros) succès du début des années 50, créant une forme magnanime, inoffensive et extrêmement agréable de pop roulante et expansive ; profondément ethnique, mais si ouvert qu’il inclut le monde dans sa contagiosité et son enthousiasme. Le monde l’a apprécié en retour. Parmi les grandes rock stars des années 50, seul Elvis Presley a fait mieux dans les charts pop.

L'idée,la légende,des Velvets est probablement meilleur que leur production réelle. Ils étaient prétentieux et bien souvent inécoutables. Mais la force des chansons profondes et profondes de Lou Reed et l'environnement sonore et cacophonique de Cale étaient quelque chose dont la philosophie du rock n'avait pas encore rêvé. Le mépris du groupe pour la popularité ne l'était pas non plus, du moins au début.

Un groupe de marginaux instrumentaux, tous sauf un du Canada, qui se sont réunis sous le nom de Hawks sous la direction de Ronnie Hawkins et ont ensuite été propulsés à une renommée inattendue grâce à la beauté de l'écriture de Robbie Robertson, puis à un passage en tant que groupe d'accompagnement pour un… [mélange les papiers] B. Dylan. Robertson a eu mauvaise presse après être allé à Hollywood.La dernière valse, mais souvenons-nous de ces chansons, du mysticisme audacieux de « The Weight » à « The Night They Drove Old Dixie Down », une histoire sympathique racontée du mauvais côté de la guerre civile. C'était un artiste imperturbable, capable de se défendre sur scène avec Dylan ou Clapton – et ai-je mentionné qu'il a écrit « The Weight » ? Le groupe n'a pas une très grande carrière enregistrée après le premier ou les deux premiers albums, mais leur premier disque a fourni à l'establishment du rock un presque choc inverse de reconnaissance : « Oh ouais : c'est ce que la musique, au moins en partie, c'est à peu près. Les histoires abondent de gens comme Clapton et Van Morrison faisant des pèlerinages à Woodstock juste pour jouer avec ces gars-là. Lors de la cérémonie d'intronisation, Hudson a pris le micro et a parlé pendant dix minutes, récitant les noms d'une série presque interminable de personnes qu'il ressentait apparemment le besoin de remercier.

Une belle voix, un auteur-compositeur saisissant et une influence indélébile sur la pop, le rock et la soul. L'arme secrète de la Motown ; son bon goût et son élégance stylistique se répercutent encore aujourd'hui dans la musique pop. Si vous n'avez jamais assisté à une cérémonie d'intronisation dans une salle, chaque nouveau membre est « intronisé » par une personne célèbre. Robinson a été intronisé par Hall & Oates, des stars artistiquement légères mais grandes à l'époque. Il s'agit d'un modèle de salle. Les stars contemporaines qui donnent très tôt leur éclat à la salle sont elles-mêmes intronisées un peu trop facilement des années plus tard.

Un groupe britannique d'Invasion très honorable qui, entre autres, peut se targuer d'établir la corde sensible (« All Day and All of the Night », « You Really Got Me »), porté au panthéon par l'écrivain à la fois acide et fantaisiste. fantaisies de Ray Davies (« Waterloo Sunset », « The Village Green Preservation Society »). Cela dit, le très prolifique Ray a définitivement lancé plus de produits de qualité inférieure aux fans que n'importe lequel de ses contemporains. Et aucun groupe n’a eu de pires pochettes d’album, point final. Dans l’ensemble, l’histoire des Kinks n’est pas heureuse. Davies a des antécédents de problèmes mentaux ; son leadership était toxique, et divers Kinks étaient connus pour avoir tenté de s'entre-tuer (littéralement). En plus de tout cela, à un certain moment, l'art de Davies est devenu un peu, ah, large, disons ; mais pour mémoire tout au long des années 1970 (Inadaptés) et dans les années 80 (« Come Dancing »), les Kinks ont produit au moins occasionnellement des disques substantiels – et des succès.

Étant donné qu’ils étaient éligibles depuis plus de 20 ans, c’était l’omission la plus flagrante de l’histoire de la salle. Roxy était l'un des groupes les plus stimulants de son époque, mêlant glam, art rock et certaines espèces de chanteuses européennes très émotionnelles (avec la permission du leader Bryan Ferry) qui, à l'époque, pouvaient faire pleurer des adolescents impressionnables, même si je' Je ne mentionne aucun nom [touxmoncollegeroommatevetoux]. À travers cela, le groupe a superposé une imagerie rock postmoderne ; une sexualité décadente et pleine de regrets ; et des paysages sonores aventureux (avec l'aimable autorisation du membre fondateur Brian Eno). Les premières sorties de Brassy ont cédé la place à plusieurs classiques de l'art-rock (La vie à la campagne,Échoué) puis s'est déplacé à l'époque deManifestedans la haute pop mondiale, dansChair et sangetAvalon,cela n’a sans doute jamais été égalé. Vous pouvez entendre l'influence de Roxy à travers le punk, la New Wave, le post-punk, la nouvelle ère romantique et au-delà.

Roxy est sur un piédestal avec Bowie au Royaume-Uni ; la salle n'a clairement pas d'oreilles pour ce genre de choses. Cela montre également à quel point le comité de nomination est incontestablement centré sur l'Amérique. Le publiciste Bob Merlis, qui a fait partie du comité de nomination pendant de nombreuses années, a défendu Johnny Hallyday, une rock star dont la popularité en France n'a vraiment pas d'équivalent dans le monde occidental.

Les Stooges sont Ur – presque tout ce qui est bruyant et conflictuel qui les a suivis, du métal stupide au punk. Iggy est une icône troublante et un véritable chercheur, du caniveau àDinahà sa vie ultérieure en tant que showman, conteur et prétenseur mince comme du cuir. Ces gars ne me parlent pas, mais ils ont fait tout ce qu'ils ont fait avec ferveur – sourds, au propre comme au figuré, aux supplications de quiconque leur disait de faire quelque chose de différent.

Ces gars incarnaient un style postmoderniste du rock and roll américain qui remplaçait soigneusement les vérités machistes de la musique par un art délibéré et évocateur. Ils ont produit album après album de chansons intelligentes très mélodiques, rythmiquement sérieuses et aux paroles mystifiantes, pour toutes les meilleures filles et garçons du rock. (J'en étais un.) Cela a abouti à "It's the End of the World As We Know It (And I Feel Fine)", l'un des singles les plus agréables de l'époque, et un album intituléAutomatique pour le peuple, un chef-d'œuvre déroutant d'extase, de paradis et de regret.

Alors que les Beatles se fracturaient, il concoctait des singles enflammés (« Cold Turkey », « Instant Karma ») ;Bande Ono en plastiqueest dans une classe à part ; et « Imagine » est une chanson aussi jolie que « Yesterday ». Lennon a grandi en tant qu'homme et en tant que personne dans les années 1970, et s'est attaqué à cela et à tout le reste en public, n'ayant pas peur d'avoir l'air ridicule, et hoo boy, il l'a souvent fait. Il y a des chansons groovy sur tous ses albums solo, saufQuelque temps à New York,mais il faut dire qu'ils sont généralement irréguliers, et non améliorés par les apports de sa femme. Il est revenu à la fin des années 70 avec un nouveau bonjour,Double Fantaisie, et vous savez ce qui s'est passé après ça.

Avec le partenaire de production de Willie Mitchell de Memphis, Green a parcouru une série apparemment interminable de singles soul joyeux sur trois temps. Son style de chant distinctif tombait rarement dans les manières ; il était réservément charnel, prudemment joyeux. Green a également produit des musiciens de soul respectables, dont au moins un,Belle, exquis. J'aurais aimé qu'il reste une fière pop star, mais ses démons personnels et ses tragédies l'ont poussé vers le gospel, où ses talents ne brillent pas aussi fort. La radio pop des années 70 aurait été bien moins texturée sans lui.

Le plus grand country rocker de tous, si vous utilisez ce terme pour désigner les stars de la country venues dans le rock and roll. Une présence gracieuse quoique hantée jusqu’au bout.

Davis était le plus dur à cuire des jazzmen badass des années 40 et 50, s'élevant au fil du temps pour créer une fusion jazz-rock difficile ; comme Waters dans le blues et Cash dans la country, c'est une figure suffisamment titanesque pour être une rock star honoraire. (La salle devrait envisager d'introniser Richard Pryor pour les mêmes raisons – mais pas Steve Martin, bon sang.) Il est à peu près aussi iconoclaste que Dylan, avec l'avantage supplémentaire d'avoir eu une carrière très différente de celle d'un enfant juif de la classe moyenne qui était célèbre et riche à l'âge de 22 ans - comme la fois où Davis a été battu par un groupe de flics de New York pour le crime d'avoir fumé une cigarette à l'extérieur de Birdland,où il était en tête d'affiche.

Une présence gracieuse et élégante au fil des décennies. L'âme réinventée et a failli réinventer le pays aussi.

Si la voix de Redding acceptait l'obscurité, celle de Cooke ne le faisait presque jamais ; sa flûte magnanime incarnait ses chansons, qui semblaient joyeuses même lorsqu'elles étaient tristes. Son envergure en tant qu'auteur-compositeur pop-blues-soul était presque inégalée, de « Another Saturday Night » à « Twisting the Night Away » en passant par « You Send Me » et « A Change Is Gonna Come ». Il avait l'étoffe d'un grand homme et aurait pu devenir une figure majeure de l'ère des droits civiques, mais il a été tué dans une étrange fusillade en 1964, laissant derrière lui l'une des carrières les plus inachevées du rock.

Mené par l'écriture profonde de Townshend, avec des paroles plus tordues, révélatrices et cohérentes que celles de Jagger, ce groupe a toujours été un peu chaotique - jusqu'à ce queTommyils n'ont pas vraiment sorti d'albums réguliers comme la plupart de leurs contemporains, et leurs succès étaient tous décalés, en particulier aux oreilles américaines. (Fait intéressant : le groupe n'a eu qu'un seul hit parmi les dix premiers aux États-Unis au cours de sa carrière, "I Can See for Miles", qui s'est classé au 9e rang.) Mais tout le monde peut désormais entendre la sensibilité mélodique et lyrique de "The Kids Are All Right », l’obsession dans « I Can See for Miles », la maturité et le dégoût de soi dans « Who Are You ». EtTommy, BienTommyne fait que croître avec les années ; la musicalité implacable et la critique de Townshend à la fois du rock et de la religion – deux systèmes de croyance différents et pourtant similaires – méritent tous les soutiens. AvecQui est le prochainetVivre à Leedsils ont montré précisément à quel point le rock de ce côté-ci de Zeppelin pouvait être lourd, avec l'éclat supplémentaire du travail pionnier de Townshend en matière de programmation de clavier, qui, en termes de force rockiste sonique pure, n'a pas été égalé à ce jour. Le groupe a fait une tournée d'adieu rémunératrice et très médiatisée en 1989, et au cours des plus de 30 années qui se sont écoulées depuis, Townshend et Daltrey n'ont cessé de revenir sur la route avec des rebondissements sur le thème. Faites attention, les gars : un de ces jours, nous deviendrons tous sages.

Un gars du Jersey, une gentille épouse. (Il l'a rencontrée au travail.) Plus que toute autre grande star, il est une concoction recombinante de ses ancêtres : Van Morrison, Dion, Presley, Spector, à peu près tout ce qu'il a écouté en grandissant. C'est un hommage à sa vision, à son éthique de travail et à son perfectionnisme qu'il ait fière allure en leur présence. Et ses albums deNé pour couriràNé aux États-Unis. sont effectivement produits.

Une chose dont vous entendez les gens de la salle parler lorsqu'ils envisagent d'inclure des artistes, ce sont des accessoires tels que «… et ils sont toujours en train de jouer!» C’est exactement la mauvaise approche. Les groupes devraient être davantage reconnus pour avoir arrêté tôt et maintenu leur pourcentage de travail de qualité supérieure à un niveau élevé. En théorie, cela pourrait encourager les grands artistes à envisager de se retirer de l’enregistrement plutôt que d’imposer à leurs fans un travail médiocre et laborieux année après année, tard dans leur carrière. (Cela permettrait également d'économiserPierre roulanteaux critiques d'avoir à trouver des moyens de nous dire comment des artistes comme Springsteen et les Stones sont de retour au top de leur forme rock-and-roll et ont, étonnamment, sorti un autre album cinq étoiles.) Dans le cas de Springsteen, le débat pourrait se poursuivre, « Hé, il a écrit « Né aux États-Unis » » Et en réponse, quelqu'un pourrait dire : « J'ai deux mots pour toi : « Outlaw Pete ».

Notez que Springsteen a été intronisésansle groupe E Street. Son manager, Jon Landau, est une figure majeure de la salle, et bien sûr Springsteen lui-même y prête son nom depuis des années. Difficile de croire que son intronisation en solo n'était pas ce sur quoi lui et Landau avaient insisté, ce qui me semble un peu peu généreux. Les E Streeters, dont Steve Van Zandt, ont été maladroitement intégrés dans une sous-catégorie il y a quelques années.

Le reste du groupe n'a pas fait grand-chose, à l'exception des paroles de Mike Love dans les premiers succès du groupe, qui étaient monomaniaques dans leur objectif et, d'une certaine manière, retenaient la vision de Brian Wilson. (Comparez « Little Deuce Coupe » de Love avec « Don't Worry Baby », qui avait un parolier extérieur.) Pourtant, pour pratiquement tout le monde, ils étaient le plus grand « groupe » américain des années 1960, les premiers habitants d'un lieu d'amour lointain et proche. , le sable et le soleil, puis les voyageurs vers des lieux paradisiaques avec de « bonnes vibrations » etSons d'animaux. Et la vision singulière de Wilson – sa quête de « symphonies adolescentes pour Dieu » – personnifie encore aujourd'hui ce génie troublé.

Les Beach Boys ont eu de nombreux membres ultérieurs ; Bruce Johnston a joué à partir de 1965 ou 1966, et c'est Blondie Chaplin, par exemple, qui chantait « Sail On, Sailor », mais contrairement aux membres inutiles des Grateful Dead plus tard, ils n'ont pas été intronisés dans la salle. La cérémonie d'intronisation des Beach Boys en 1988 a été marquée par l'un des premiers et des plus grands effondrements publics des intronisés, celui-ci de Mike Love, qui estun vieux républicain liquidé.

L'auteur-compositeur-interprète le plus sombre et le plus drôle du rock, iconoclaste même selon les standards d'un iconoclaste ; son meilleur album contient une chanson entraînante sur un ours dansant et une chanson séduisante sur la traite négrière, son deuxième meilleur album est un cycle de chansons sur le Sud avec refrain après refrain qui résonnent, sombrement et horriblement, aujourd'hui. Et maintenant, il écrit des chansons pour les films Pixar.

Le groupe fait un bond en avant avecOK Ordinateurc'était en effet une course folle ; "Paranoid Android" était l'un des grands monstres du rock depuis les années 1960, passant à une attaque de guitare pour mettre fin à toutes les attaques de guitare. Ils n'ont pas regardé en arrière, se débattant à la fois avec l'évolution artistique et comment freiner une renommée qui menaçait de les submerger. Et ils pourraient entrer dans l’histoire comme le dernier grand groupe de rock. Radiohead a été élu lors de sa deuxième année d'éligibilité, ce qui est très bien, et celamalgré le dénigrement public de toute l'affaire par le groupe.

« Talk of the Town », « Back on the Chain Gang », « Brass in Pocket », « 2000 Miles »… ils sont tous aussi sophistiqués que le rock l'est, et ils passent aussi pour des chansons pop. Hynde est également l'un de nos chanteurs les plus précis et les plus significatifs, de ce pur vibrato émotionnel à ces murmures sombres.

Avec Jonathan Richman, ils ont montré très tôt que le punk était une chose et non un son ; austère et interrogateur au début, puis avec une paranoïa postmoderne assombrie, puis sur un funk extatique et très mental, rehaussé par une section rythmique de premier plan. Les excursions artistiques du leader Byrne après Heads, en grande partie fastidieuses, sont bien trop assidûment suivies par les fans et les chroniqueurs complaisants.

Ils ont fusionné l’intellectualisme hipster new-yorkais avec l’anomie du sud de la Californie, et l’ont d’abord moucheté puis plongé dans un éclat de haute jazz convaincant. Dans les albums ultérieurs, l'éclat a pris le dessus, mais les éléments allant jusqu'à et y comprisGauchoreste l'une des œuvres les plus suaves du rock.

Becker et Fagen se sont livrés à des recherches de haut niveau sur le Temple de la renommée pendant un an avant leur intronisation, publiant diverses demandes sur leur site Web et se moquant du Hall de diverses manières. (Mon préféré : ils ont lancé un scrutin pour déterminer quels musiciens devraient être intronisés dans la salle dans le cadre de Steely Dan, y compris les noms « Juliana Hatfield » et « Illinois Elohainu ».) Lors de la cérémonie, Becker a prononcé ce baiser : « Nous Je suis persuadé que c'est un grand honneur d'être ici ce soir. En 2001, en revanche, le duo a remporté le Grammy du disque de l'année pour le groupe bien au-delà de son apogée.Deux contre nature.Ils attendaient probablement moins de NARAS.

Ils étaient des stars inévitables autant que n'importe qui sur cette liste, même si cela ne leur semblait probablement pas ainsi à l'époque. Encore plus que Pearl Jam, ils sont doués pourêtrerock stars : Ils se comportent de manière intelligente et responsable et livrent la marchandise en direct. U2 a sorti de très bons albums (commeAttention bébé) longtemps après que c'était prévu et, une fois que les grands albums ont cessé de sortir, continuer à jouer le jeu des relations publiques si bien que les gens ne le remarquent pas vraiment. Leur présence est si grande maintenant qu'on oublie qu'ils étaient des enfants d'une des villes les plus foutues du monde occidental qui aimaient les Ramones. Une section rythmique pas mal, et il faut reconnaître au Edge le mérite d'avoir élargi le son de la guitare rock, généralement au service des riffs riffs riffs. Oui, je suis conscient que le chanteur est devenu ennuyeux. Scène embarrassante dans les nouveaux mémoires de Jared Kushner : L'après-midi, lui, Ivanka et Rupert Murdoch, naviguant sur la Côte d'Azur avec Billy Joel en remorque, se sont rendus à terre pour déjeuner à la villa de Bono.

C’est à cela que sert le Temple de la renommée : ceux qui connaissent John savent qu’il a enregistré la version originale de « Fever » ; c'était aussi un enfant prodige qui a joué avec Count Basie quand il avait 15 ans, a enregistré de nombreux morceaux R&B-slash-rock et a été une source d'inspiration pour une génération de chanteurs de la Motown. Il a été reconnu coupable d'homicide involontaire et est décédé en prison à l'âge de 30 ans.

L'écriture de chansons, le jeu de guitare, le chant et le comportement général de Nelson existent chacun à un niveau remarquable. Son voyage décousu vers la célébrité faisait partieTristram Shandy, partieLes voyages de Gulliver, digne d'être intronisé au Rock Hal à lui seul. Il a attiré l'attention nationale à l'âge de 42 ans, suivi de son évolution picaresque au cours des décennies qui ont suivi, dont vous avez probablement entendu parler (pot, Farm Aid, plus de pot, tournées, « To All the Girls I've Loved Before). », Problèmes IRS, etc. etc. etc.).

Les fans enthousiastes de Jackson insistent sur le fait qu'il est un phénomène pop au même titre que les Beatles ou Elvis. Sa célébrité au milieu des années 1980 était phénoménale, et il l’a stimulée avec diverses tactiques, certaines intelligentes, d’autres trumpiennes et bien sûr beaucoup autodestructrices. Cela dit, remettons les choses dans leur contexte. En 1983, année deThriller, Jackson était présent dans la vie américaine depuis près de 15 ans ; il venait de sortir un album multiplatine et ne proposait qu'une musique pop impeccable. En d’autres termes, c’était une grande star connue qui est soudainement devenue très grande.

Elvis et les Beatles, en revanche, proposaient une musique conflictuelle et controversée – la musique du monde à venir, pas celle du monde dans lequel ils se trouvaient. Comme je l'ai noté plus haut, pratiquement tous ceux qui achetaient un disque de Presley ou des Beatles entraient dans un nouveau monde. C'est différent de ce que faisaient les fans de Jackson. Cela dit, en tant qu'artiste pop, Jackson était certainement innovant et établissait de nouvelles normes. Et en tant qu'archétype pop à la Presley au potentiel raté, très rock and roll. Mais à l’heure actuelle, l’héritage de Jackson est compromis ; c'est difficile pour moi d'imaginer quelqu'un qui a regardé le Quitter le Pays Imaginairefilmêtre capable de voir Jackson, la personne à nouveau, de la même manière. (La salle dit cependantses deux intronisations resteront en place).

Retour au musée de Cleveland : Dès le début, dit Conforth, son travail a été entravé par une division entre les gens de Cleveland, qui avaient investi l'argent et avaient à l'esprit les meilleurs intérêts de Cleveland et le succès de la salle, et les New-Yorkais, dont la plupart ne voulaient pas de la salle de Cleveland en premier lieu. « Les gens de New York pensaient que leur merde ne puait pas », dit Conforth. «C'étaient des gens branchés, artistiques et pétants de l'élite new-yorkaise riche qui savaient ce qui se passait. Ils pensaient que les gens de Cleveland étaient une bande d'imbéciles incapables de déterminer l'heure de la journée. Les gens de Cleveland détestaient les gens de New York parce qu'ils ne leur accordaient aucun respect et leur disaient toujours quoi faire, même si les gens de Cleveland avaient trouvé tout l'argent. Les deux conseils d’administration se détestaient vraiment, vraiment.

John est incontestablement un pop-rocker et non un rocker. Il était flamboyant, mais c'était aussi quelqu'un que l'on pouvait ramener chez sa mère. Mais il y a toujours eu une intégrité indubitable dans sa musique et dans sa personnalité ; avec un mais erratiqueparolier prolifique à Bernie Taupin, il a dominé le rock des années 70 et a sorti plus d'albums bons à excellents au cours de cette période que Paul McCartney et Billy Joel réunis, mais pas Stevie Wonder. Il a courageusement fait son coming-out au milieu des années 1970. Il a aussi quelque chose que Joel n'a pas et qui n'a aucun rapport avec McCartney, à savoir le bon goût. Son mélodrame ne va jamais trop loin et ses instincts pop ont toujours été naturels et fluides.

John est une personne remarquable en soi, bien sûr, mais je pense que la salle aurait pu initialement inclure Taupin, qui a écrit les paroles de la première décennie d'albums de John. (Notez que Taupin a été admis en 2023, dans la catégorie secondaire du Musical Excellence Award.) Tant de personnages sans importance et des derniers jours ont été entassés avec tant de groupes médiocres qu'il semble fou de laisser de côté des gens comme Taupin, qui était incontestablement un élément clé de l’art de John.

La salle n'a jamais trouvé comment gérer le fait que beaucoup de groupes de rock sont en réalité quelque chose de plus que les gens sur les photos de relations publiques. Je ne pense pas que les Monkees devraient figurer au Temple de la renommée du rock and roll, par exemple, mais s'ils devaient y être, il serait insipide d'inclure uniquement les membres du groupe. Après tout, il s'agissait d'acteurs engagés pour jouer un groupe à la télévision, avec derrière eux une équipe de producteurs (parfois en guerre) qui engageaient des auteurs-compositeurs et dirigeaient l'opération au quotidien. Il reste une fiction surannée dans l’industrie musicale qui maintient l’attention concentrée sur le visage du public. En 1990, il y a eu un scandale lorsqu'un duo dance-pop jetable au nom atroce Milli Vanilli a remporté le Grammy du meilleur nouvel artiste… après quoi il a été révélé que les deux gars n'avaient pas chanté sur le disque, et le prix a été annulé. . Bien. Mais n’était-ce pas simplement un cas de générique de musicien inexact ? Le prix n'aurait-il pas dû être attribué à celui quia faitchanter sur le disque ? N'étaient-ils pasilstoujours le meilleur nouvel artiste ?

Diana Ross est maintenant une star depuis près de 60 ans, flottant sur une personnalité (projetée) magique et une voix douce. (Je sais que les autres Supremes avaient aussi des voix spectaculaires, mais les règles sont différentes pour une superstar, et c'est ce qu'est Ross.) Le trio (avec beaucoup d'aide de Berry Gordy, de l'écurie d'auteurs-compositeurs et des équipes de production de Motown) rayonnaient d'une sophistication et d'un glamour qui n'entre jamais en conflit avec les émotions urgentes et les histoires heureuses qu'ils chantaient. Pour mémoire, ils étaient probablement le deuxième plus grand groupe des années 60, après les Beatles. Ross elle-même n'est pas présente dans la salle en tant qu'artiste solo, même si son émergence personnelle dans une carrière solo emblématique des années 70 et 80 a été bien plus importante que celle de nombreux autres groupes intronisés après les années 60, et son statut bien connu d'uber-Diva from Hell la rend emblématique et remarquable d'une manière totalement différente.

Ne me tirez pas dessus si je n'ai pas bien compris, mais la longue histoire des Drifters comprend trois opérations entièrement différentes enregistrées sous ce nom ; McPhatter a chanté sur le tube « Money Honey » ; King sur « Sauve la dernière danse pour moi » ; et Lewis sur les performances les plus intemporelles de l'agrégation, « Up on the Roof » et « On Broadway ». Cette trichotomie artistique crée évidemment des enjeux pour la salle. Ils ont opté pour la solution la plus simple et ont rassemblé tout le monde, mais on pourrait faire valoir que les groupes étaient si différents qu'ils auraient dû être considérés séparément, l'édition mettant en vedette Lewis (dont le nom est quelque peu oublié) l'emportant, et McPhatter et King obtiennent leur propre considération d'intronisation individuelle. Mais je comprends que c'était un désastre, quelle que soit la manière dont cela a été résolu.

Premiers exemples de la puissante beauté émotionnelle que la musique était capable de transmettre, stimulée par le mélange fraternel cosmique de leurs voix. Entre autres choses, tout comme le travail de guitare rythmique, ils constituaient la vitrine parfaite pour les chansons de Boudleaux et Felice Bryant. La prestation des Everlys sur « Je suis jeune, je sais / Mais quand même » dans « Love Hurts » de Boudleaux est une classe de maître sur la façon dont le rock apprenait à inonder des océans de sens dans le moindre mot.

Smith est un personnage intéressant, un peu trop hippie et trop acceptant le chamanisme et la religiosité à mon goût. Elle est également l’une des artistes les plus prétentieuses de l’histoire du rock and roll. Mais les albums un et trois...Chevaux,Pâques– étaient tentaculaires et audacieux, plus audacieux que toute autre chose à l’époque. Elle a également réinjecté dans la musique les niveaux d’exaltation et d’extase de Van Morrison, qui ont ensuite perduré dans l’œuvre de REM, entre autres. Et sur les plus maturesVagueil y a des chansons intemporelles comme « Frederick » et (en parlant d'extase) « Dancing Barefoot ». Rien de ce qu’elle a fait depuis plus de 40 ans n’est comparable.

Pendant ce temps, de retour dans la salle : j'ai demandé à Conforth un exemple de la façon dont la division Cleveland-New York se manifestait. Il a déclaré qu'un jour, peu de temps après avoir commencé à travailler, il avait été brusquement convoqué pour rencontrer Wenner, alors il était consciencieusement monté à bord d'un avion pour New York. «C'était une audience officielle», dit sèchement Conforth. «C'était au nouveauPierre roulanteLes bureaux de [sur la Sixième Avenue]. Le bureau de Jann était dans un coin ; il a des fenêtres en verre sur deux côtés ; assez grande, mais peu décorée, avec un immense bureau dans le coin. J'ai été autorisé à entrer dans le sanctuaire intérieur. Voilà Jann, pieds nus. Il s'assoit derrière cet immense bureau, pose ses pieds nus sur le bureau, me regarde, sort une cigarette, l'allume et dit : « Maintenant, voyez-vous où se trouve le vrai pouvoir ? »

Ces gars-là, avec leurs numéros de nouveauté retentissants et irrésistibles, constituaient un acte de transition important entre le R&B et le rock. La plupart des chansons ont été écrites par Leiber et Stoller, qui ont emmené le groupe avec eux chez Atlantic Records d'Ertegun. Je ne me soucie pas beaucoup des chansons de nouveauté, et encore moins des actes de nouveauté, mais les succès des Coasters sont beaucoup plus complexes et nuancés qu'ils ne devraient l'être.

Il y a quelque chose d'irrésistible chez Eddie Cochran. Presley a toujours semblé un peu olympien ; Cochran était dur et prêt, mais jamais distant. Il ressemblait à un motard au cœur d’or, et il avait la bonne humeur et la conscience de soi pour réaliser quelque chose comme « 20 Flight Rock », le talent pour fournir les mélodies et les rythmes surprenants de tubes comme « Something Else ». Il pouvait jouer de nombreux instruments et enregistrait parfois des morceaux tout seul. Dans les chansons de Cochran, les rythmes ne s'arrêtent tout simplement pas. Mais ceci est une autre histoire tragique du rock : Cochran a été tué à 21 ans dans un accident de voiture alors qu'il était en tournée au Royaume-Uni.

Avec l'aide du producteur Rick Rubin, ils ont fait leur marque avec une extrême bravoure mariée à des échantillons très astucieux et significatifs. Il y a des problèmes d'authenticité ici - ce sont tous des enfants riches de Manhattan agissant comme des Bowery Boys et exploitant une musique ethnique d'un plan socio-économique beaucoup plus atténué, mais ils ont évolué assez rapidement vers des extrêmes sonores pour montrer clairement que leurs intentions étaient plus élevées. , et a réussi à emmener un public avec eux. PR Assez intelligent également pour se distancier formellement des premiers comportements anti-femmes.

Un artiste viscéralement passionnant avec une voix puissante et un esprit magnanime et souple. Elle a été la première rock star féminine ; parmi les artistes non noirs, on pourrait affirmer qu’elle a été la plus persécutée et a enduré le plus d’humiliations pour son art, ayant grandi de manière créative, gay et étrange au Texas. Elle a été chassée à deux reprises avant de trouver sa voix dans une célébrité inattendue ; En plus d'un ménage à trois en cours avec Peggy Caserta et Kris Kristofferson (à entendre Caserta le raconter), la vie de Joplin n'était ni heureuse ni jolie, et elle est décédée tragiquement trois ans seulement après le début de sa carrière d'enregistrement, en 1970.

Je dois m'incliner devant les experts du blues à ce sujet. C'est un personnage adorable; un guitariste sympathique et articulé ; et au-delà de cela, un brillant musicien et réseauteur. (Il a emmené Ike Turner chez Sun Records.) Il est considéré par tous comme un, sinonle, bluesman par excellence, mais il me manque quelque chose. Sa chanson phare, « The Thrill Is Gone », est arrivée tard dans sa carrière. Mais au fil des années, son nom est devenu si emblématique qu’on ne peut pas vraiment en discuter.

Un autre véritable bizarre de la musique, avec une voix céleste, une psyché réverbérante et de nombreux succès.

Elle s'est battue durement pour émerger d'une enclave eurodisco et est devenue, pour un temps, une superstar pop-disco glamour dont les succulents albums gatefold ont pénétré profondément dans la conscience des banlieues américaines, culminant avecMauvaises filles, un puissant triomphe rock-disco.

L'été est arrivé tard (près d'une décennie et demie après avoir été éligible), mais elle reste un bon exemple de la façon dont la salle a été plutôt accueillante envers les femmes - du moins en ce qui concerne les intronisées. Il y a en fait deux problèmes importants mais distincts lorsqu’il s’agit des femmes et du hall. Celui qui a retenu le plus l'attention ces derniers temps, sous l'impulsion du travail louable de la critique et universitaire Evelyn McDonnell, est qu'un pourcentage pathétiquement faible des candidats à la salle sont des femmes. (on peut lireson essai complet de Longreads ici.)

C'est une observation objectivement vraie, mais, respectueusement, je suis quelque peu en désaccord avec l'analyse de McDonnell. La salle a clairement mieux traité les femmes que les hommes homosexuels, par exemple. Le comité de nomination a fait tout son possible pour réunir toutes les personnes auxquelles on peut s'attendre, de Ruth Brown aux Pretenders, en passant par des personnalités légèrement décalées comme Laura Nyro, Nina Simone et Brenda Lee. Il y a plusieurs artistes féminines qui ne devraient clairement pas être dans la salle, parmi lesquelles Joan Jett et Pat Benatar, et, bien sûr, l'intronisation à la carrière solo de Stevie Nicks est le pire du copinage dans la salle. Mais c'est une bonne chose. Il y a aussi beaucoup d'artistes masculins non qualifiés dans la salle, et il faut reconnaître que les pouvoirs en place ont étendu la même opportunité à certaines femmes non qualifiées.

À mon avis, ces dernières années, l'oubli le plus flagrant concernait des personnalités majeures déjà présentes dans la salle au sein d'un groupe mais dont la carrière solo n'était pas encore reconnue, comme Carole King et Tina Turner. Au cours des dernières années, les deux premiers d'entre eux ont finalement été intronisés, et avec (vraisemblablement) Sykes qui bottait les fesses dans les coulisses, nous avons assisté à l'intronisation tardive des Go-Go. En fait, au moins une douzaine d’actes féminins ou dirigés par des femmes ont été intronisés au cours des deux dernières années seulement. Si vous comptez, cela porte le total à environ 45 artistes féminins ou dirigés par des femmes, soit environ un sixième du total. (Si l'on compte les intronisées individuelles, bien sûr, le pourcentage est bien pire, étant donné le pourcentage élevé de groupes de rock comptant beaucoup de gars dans leurs rangs.) Vous pourriez (et devriez) introniser une demi-douzaine d'artistes féminines supplémentaires demain, mais, compte tenu du la nature de la musique et de la salle, cela ne changerait pas beaucoup les pourcentages. À l'heure actuelle, les absences féminines les plus flagrantes en ce qui concerne les intronisées sont Diana Ross et peut-être les Carpenters et PJ Harvey.

Le véritable scandale au Rock and Roll Hall of Fame est le manque de femmes au sein du comité de nomination. Les chiffres fluctuent, mais environ 10 pour cent des membres des comités au fil des ans sont des femmes. L’un des grands changements sous Peresman est que le nombre de femmes dans le comité de nomination a augmenté et semble actuellement être de huit ou neuf, ce qui représente une légère amélioration par rapport aux quatre et cinq que nous verrions dans les années 2010. Mais cela ne suffit toujours pas. Si vous le vouliez, vous pourriez faire valoir qu'il y a moins de femmes que d'hommes intronisés dans la salle parce qu'il y avait plus d'artistes rock masculins que féminins. Très bien, mais il est ridicule de prétendre qu'il n'y a pas autant de fans féminines que de fans masculins ou qu'il n'y a pas autant de femmes qualifiées pour nommer des membres du Rock and Roll Hall of Fame. L'exclusion des femmes du comité de nomination est honteuse. Si vous voulez cibler le sexisme de la salle, concentrez-vous là-dessus.

Turner avait une voix incomparable et contagieuse et l'utilisait, irrésistiblement, pour transformer des chansons joyeuses ni tout à fait blues, ni tout à fait rock en ébats très agréables. L’un d’eux, « Shake, Rattle and Roll », de 1954, est l’un des premiers morceaux de proto-rock les plus indéniables. Enregistré par Ahmet Ertegun d'Atlantic – et également arnaqué par lui – Turner était l'un des nombreux artistes d'Atlantic qui n'ont pas reçu de redevances, ni de déclarations de redevances, pendant des décennies. (Plus d'informations à ce sujet sous Ruth Brown, ci-dessous.) Ertegun a payé les funérailles de Turner, mais aurait certainement pu faire plus pour Turner quand il n'était pas, vous savez, mort.

Un des premiers pionniers du R&B avec une voix céleste ; un showman intrépide et dynamique. Un peu frénétique à mon goût mais les connaisseurs disent que c'est un des grands. Célèbre, il a eu une crise cardiaque sur scène alors qu'il chantait les mots « Mon cœur pleure ! » qui a mis fin à sa carrière.

La quintessence du rock sudiste, avec un côté jazz inattendu et souvent passionnant qui transcende complètement le genre. Duane Allman, décédé dans un accident de moto avant d'avoir 25 ans, était un sacré guitariste (c'est lui qui joue avec Clapton sur « Layla »), et son frère Gregg est un bon chanteur et a écrit de superbes chansons. Les talentueux Betts ont pris de l'ampleur après la mort de Duane et le groupe a continué à se développer de manière crédible tout au long des années 1970. À leur meilleur, c'est-à-dire surÀ Fillmore Estet sur un pourcentage étonnamment élevé de leurs montages en studio de l’ère classique, aussi enivrants soient-ils. Et probablement le seul groupe de rock qui devrait avoir deux batteurs.

C'était le groupe de filles des personnes réfléchies, non supervisé par Phil Spector. À juste titre, la première des groupes de filles à être intronisée.

Libre des Beatles, le premier album solo de McCartney était un brin de pissenlit de néant ; à sa manière, c'était une sorte de truc punk-rock à faire. Il est ensuite devenu une formidable machine à succès et a probablement été l'artiste le plus vendu des années 70.Groupe en fuitereste un album fort. Je trouve McCartney rafraîchissant et unidimensionnel et fiable, à l'exception d'une chose : il est à la fois travailleur et paresseux. Il y a de superbes chansons éparpillées dans ses albums de cette période, et des chansons plus légères et très agréables aussi, mais beaucoup trop jetables. Mais, comme pour tant d’autres choses dans la vie de McCartney, cela n’a pas d’importance. Un jour, alors qu'il n'avait rien de mieux à faire, il enregistra un single intitulé "Mull of Kintyre", qui devint à ce moment-là le single le plus vendu en Grande-Bretagne. C'est ainsi que se déroule sa vie. Vous n'êtes pas obligé de l'aimer. Il t'aime toujours.

Le power trio le plus pur du rock et sans doute ses praticiens les plus iconoclastes, quelle que soit la variante du blues dans laquelle ils travaillent. Dans les années 1970, ce groupe, avec peut-être AC/DC, a en fait gardé le rock pré-punk traditionnel honnête, évitant Zeppelin- comme de la flamboyance pour une attaque de guitare entêtante, régulière et implacable. À leur manière, subtile. Puis ils sont devenus des stars de MTV. Je ne trouve pas cette merde des années 80 intéressante, mais il est clair que personne ne leur a jamais dit quoi faire. Dispositif mnémonique : Le gars qui n'a pas de barbe s'appelle Beard. Hill est décédé en 2021.

T. Rex est l'une des intronisations les plus attendues de la salle. La musique est la manifestation définitive du glamour. L'histoire de Marc Bolan au cours de la seconde moitié des années 1960 est parallèle à celle de Bowie avec le mélange d'une odyssée presque Spinal Tap d'approches musicales changeantes, de pénurie intermittente et de flops esthétiques - qui auraient tous dû le sortir de la situation. la culture. Mais si Bolan était une chose, c’était une star. Fey, intelligent, courageux et apparemment sans gêne, il s'est finalement retrouvé, a inséré ce nouveau personnage dans le paysage rocheux et est devenu une sensation – en Angleterre du moins. Après quelques albums de folk rock scandaleux sous le nom de Tyrannosaurus Rex (l'un des noms de rock les moins appropriés de tous les temps), il est finalement devenu électrique, a changé le nom de son groupe en T. Rex et a grimpé avec un discours dérangé appelé "Bang a Gong ( Mettez-le). C'était essentiellement ça aux États-Unis, mais au Royaume-Uni, il incarnait l'outrage des genres et les riffs soyeux et irrésistibles et avait de nombreux succès avant qu'un accident de voiture ne le tue en 1977. Le voici.en entier, euh, fleur.

Ils sont arrivés tard dans la période classique de la Motown, et leur célébrité initiale a été de courte durée, mais ils ont vendu beaucoup de disques, et avec « I Want You Back », ils étaient sans doute les voix de la concoction pop la plus pure de la Motown. Et le plus jeune avait beaucoup de potentiel. Enregistré plus tard sous le nom des Jacksons.

Le processus de vote au Temple de la renommée est-il truqué ? Personne à qui j'ai parlé n'a dit que c'était définitivement le cas, mais personne n'a pris la défense de la salle pour dire que cela ne pouvait pas non plus être le cas. Particulièrement dans les premières années, personne à qui j'ai parlé ne pouvait se rappeler particulièrement comment les votes du comité de nomination étaient annulés ; et personne ne savait comment les votes des membres du comité de nomination qui n'étaient pas présents en personne étaient pris en compte. Et personne n’avait la moindre idée de la façon dont les votes des grands électeurs étaient compilés. L'histoire de Wenner s'accrochant à un avant-dernier décompte des voix pour faire entrer Grandmaster Flash dans la salle devant les Dave Clark Five m'a surpris de cette manière : Après avoir luDoigts collantsJe ne m’attendais pas du tout à ce qu’un décompte soit tenu en premier lieu. Selon les mots d'un vétéran de l'industrie qui a observé le processus pendant des années : « Je suis sûr que Jann a mis le doigt sur la balance chaque fois qu'il le pouvait. Il s'appelle Jann Wenner : il faisait ce qu'il voulait.» La salle était-elle son « fief personnel », comme Hagan le disait ? "C'est faux et ce n'est certainement pas le cas en termes de qui entre ou sort", a déclaré Wenner. Peresman a déclaré que les bulletins de vote arrivaient et étaient compilés chaque jour, et que Wenner, avant de quitter la salle, n'avait rien à voir avec le dépouillement.

L'un des groupes emblématiques de la Motown et l'un des groupes les plus vendus des années 1960 ; ils ont élargi leur marque dans les années 70 (« Ball of Confusion »), aboutissant probablement au morceau le plus audacieux et inhabituel que Motown ait jamais enregistré, « Papa Was a Rollin' Stone ».

Ce groupe maniaque de blues-blancs, avec les Stones, était le visage commercial du passage des aspirants bluesmen blancs aux rock stars. Les Yardbirds manquaient du poids lourd de l’écriture de chansons Jagger-Richards ; leurs premiers succès ont été écrits par des étrangers. Mais ils ont toujours eu une influence démesurée sur la musique, d’abord avec le guitariste principal Jeff Beck, suivi par Eric Clapton, et leurs expériences sonores ultérieures (comme « Shapes of Things », qu’ils ont écrit), groovy encore aujourd’hui. Mais des disputes sur la direction, l'authenticité et le commercialisme ont marqué la décentralisation du groupe et ont finalement conduit au départ conflictuel de Clapton. Le dernier guitariste du groupe, Jimmy Page, reconstitue l'opération sous le nom de New Yardbirds puis change son nom en Led Zeppelin.

Post-Velvets très erratique en tant qu'artiste solo, avec quatre ou cinq albums classiques (dont deux live) se démarquant parmi la folie totale (Musique de machines métalliques) et plein de trucs étranges, incohérents et embarrassants — et c'est à son apogée ! Mais à son meilleur, il a élargi l'idée et le potentiel du rock avec tout, de sa personnalité de guêpe à son demi-monde chargé de perversion en passant par ses meilleures chansons, dont certaines assez charmantes, qui ont emmené la musique là où elle n'avait jamais été auparavant, et à sa vie personnelle également, y compris le fait de vivre avec une petite amie trans de temps en temps pendant plusieurs années au cours de sa célébrité dans les années 70. Malgré tous ses défauts, la carrière solo de Reed était frappante et importante ; mais il n'a été intronisé que deux ans après sa mort, voire près de 20 ans après son éligibilité, un autre exemple du malaise de la salle face aux stars qui ne respectent pas les règles traditionnelles de genre.

Ballard & His Midnighters est le plus grand groupe de rock dont vous n'avez jamais entendu parler. Ballard a co-écrit et interprété quelques morceaux de proto-rock, notamment « Work With Me Annie », dont les insinuations fades ont captivé l'imagination d'une génération musicale et ont inspiré une série de chansons de réponse. Ils ont un bien meilleur travail que ça. C'est intéressant d'écouter les trucs des Midnighters – c'est une excellente introduction au rock ancien, avec le saxophone comme instrument principal, et ils ont des tas de bonnes chansons.

Ses controverses, depuis « Papa Don't Preach », ont toujours été plus qu'un peuépater le bourgeois, ses proclamations de contrôle des manifestations d’insécurité. Regardez attentivement et vous verrez qu'elle n'a jamais écrit seule un hit numéro un ; et à mesure que sa carrière avance, elle paraît de plus en plus ridicule. Mais ce n'est pas le consensus critique, qui dit qu'elle a changé la donne, un maître en marketing pop, une superstar postmoderne. Peu importe.

L’une des difficultés auxquelles la salle est confrontée est de savoir comment prendre en compte la popularité ; Madonna était, après tout, l’une des plus grandes pop stars de tous les temps. La charte originale de la salle faisait peu de mention de la popularité – et la plupart des directeurs de la salle au fil des ans ont déclaré que l'excellence était le critère clé. Il y a un argument en faveur de l’excellence qui est négligé dans toutes sortes d’efforts artistiques, alors laissez-moi être clair : être populaire vous rapporte beaucoup de choses. Vous obtenez tout l’argent, vous avez toute la liberté et, particulièrement dans le monde du rock – pardonnez la construction sexiste – vous avez toutes les filles ou tous les garçons. Et pourtant, il y a toujours des partisans criards de ce groupe très chanceux qui exigent qu'ils obtiennent également tous les prix d'excellence, simplement parce qu'ils sontpopulaire. Ils ne le font pas ! Va te faire foutre!

Dans le même temps, il existe une couche de groupes de rock dont on ne dirait pas qu'ils sont définis par leur popularité, mais qui, au cours d'une carrière professionnelle importante, ont été quelque peu sous-estimés, disons, par la critique. Les Moody Blues en sont un excellent exemple. Ils ont été les pionniers d'une sorte de rock orchestré, luxuriant, et il faut le dire ambitieux, mais qui n'a jamais été vraiment pris au sérieux.

Ce qu'il faut faire? La salle a été schizophrène. Au début de l'histoire de la salle, Tamarkin, leMine d'orrédacteur en chef, faisait partie du comité de nomination de la salle. Il a présenté une pétition signée par 5 000 personnes demandant l'intronisation des Moody. Tamarkin se souvient qu'on lui a demandé s'il était un partisan enthousiaste du groupe. Il a répondu que non, mais il pensait que les pétitions étaient importantes. La réunion a continué. À peu près à la même époque, se souvient-il, un des dirigeants du label faisait la promotion des Moonglows, le groupe doo-wop ; Tamarkin a déclaré qu'un autre cadre avait déclaré : « Ils ne vendront pas un seul billet pour le dîner », et cette idée a été abandonnée. (Les Moonglows sont finalement arrivés en 2000 ; les Moodys en 2018.)

Au cours des dernières décennies, le long retard dans l'intégration de certains de ces groupes, comme les Moodies et Chicago, indique dans une certaine mesure leur statut de second rang. Il semble maintenant que la salle se précipite pour accueillir des groupes comme les Foo Fighters dans leur première année d'éligibilité. Je pense que la salle devrait résister à ces impulsions, mais à ce stade, ce bateau de croisière de l'enfer a navigué, et Lionel Richie et Jon Bon Jovi s'occupent du piano-bar dans le salon de première classe. Quant à Tamarkin, il a déclaré que son séjour au comité de nomination avait pris fin après la publication d'un éditorial dansPanneau d'affichagecritiquer la salle. "J'ai eu l'honneur d'être pris à partie par Phil Spector devant l'ensemble du comité de nomination", a-t-il déclaré. On ne lui a pas demandé de revenir. Il est maintenant rédacteur en chef d'un site Web animé, Bestclassicbands.com.

Certaines personnes les aiment bien sûr. Les personnes désintéressées peuvent voir qu'ils n'ont enregistré qu'une poignée de bonnes chansons (« Uncle John's Band », « Touch of Grey », peut-être une ou deux autres) et que trop d'« excursions musicales » du groupe pourraient également être décrites comme des « nouilles ». .» Et même si le coin amen des Dead s'est exclamé du fait que le groupe avait un « parolier extérieur » en la personne de Hunter pendant des décennies, le fait demeure que Hunter est un écrivain épouvantable. Mais. Avec The Airplane, les Dead personnifiaient la scène psychédélique de San Francisco telle qu'elle était ; au fil du temps, elle est devenue l'incarnation d'une indépendance communautaire chaotique, mais mal gérée en raison de la déconnexion de Garcia ; et dans leurs derniers jours, ils offraient une ambiance hippie confortable aux stades de yuppies en mauvaise santé.

A noter que le line-up du groupe intronisé dans la salle comprend plusieurs membres très secondaires, allant du douteux (Constanten, Mydland) au ridicule (Welnick, ancien de [chèques notes] the Tubes, qui sont simplement apparus en live avec le groupe quelques années avant la mort de Garcia). Tamarkin dit qu'il a contacté le groupe pour la salle – et que les Morts ont lancé un ultimatum « tout ou rien » à la salle, et que la salle a cédé. Garcia, étant Garcia, était censé être en route mais ne s'est jamais rendu à la cérémonie.

Contrairement à beaucoup de personnes figurant sur cette liste, il était une véritable star. Certainement un personnage tragique (abattu en 1996), un parolier parfois de principe et un rappeur fluide et pas trop tapageur qui a tenté d'élargir la musique tout en gardant un pied dans ses parties les moins estimables. J'aurais aimé que cet homme intelligent soit assez intelligent pour ne pas courir avec Suge Knight. Puisqu'il ne l'était pas – il est incontestable qu'il a participé à la violence d'une escouade de voyous à la fois avec Knight et seul, et bien sûr a été dûment reconnu coupable de viol – il est difficile d'imaginer quel aurait été son héritage s'il avait vécu, et plus encore. l'imaginer se libérer de sa sentimentalité hypocrite. Aurait-il pu devenir l’homme que ses plus grands fans disent qu’il aurait pu être ? Je suis sceptique mais aussi désolé, nous n'allons pas le savoir. À propos, il était un peu inconvenant de la part de Snoop Dogg, dans son introduction à Shakur, de parler de lui et de Shakur qui avaient «des cibles sur [leurs] dos». Je veux dire, Snoop est le gars qui conduisait la voiture en 1993 quand son garde du corpsa tiré sur un gars dans le dos.

Encore une fois, retour à Cleveland. Conforth, le commissaire, est une interview très divertissante. C'était un universitaire qui avait fait sa thèse à l'Indiana sur la scène de San Francisco. Il s’est avéré qu’il n’était pas un bon candidat pour la salle. Une erreur qu'il a commise, admet-il, a été de demander à travailler à Cleveland, ce qu'il pensait logique à l'époque, mais qui a conduit à l'annulation de plusieurs de ses décisions depuis New York. Même deux décennies plus tard, son mandat le rend toujours amusé. La mission du Temple de la renommée était claire dès le début, dit-il : « Voici une autre façon de nous masturber en public et de montrer au monde à quel point nous sommes formidables. » Les difficultés qu'il a rencontrées en travaillant pour Wenner & Co. étaient un tel secret de polichinelle au moment de son départ qu'il a reçu un appel des producteurs du film.Spectacle d'Oprah Winfrey. Ils voulaient qu'il apparaisse dans un segment sur "Quand les emplois de rêve deviennent un cauchemar".

Santana lui-même était un guitariste de guitariste, fluide et – inhabituel à l'époque – typiquement dur dès le début, ainsi qu'un pilier du son de San Francisco. La fusion latino-psychédélique du groupe Santana était distinctive. Contrairement à une grande partie de leur cohorte de hall, tous leurs premiers albums valent la peine d’être écoutés aujourd’hui ; ils sont extrêmement variés et convaincants sans être chaotiques ou flous. Santana était un groupe heavy – et, ce n'est pas pour rien qu'ils pouvaient prétendre avoir livré l'une des performances phares du groupe.Woodstockfilm.

Aucun argument ici. Ces gars sont fondus, aussi bons que l'âme des années 1960.

Cet auteur-compositeur-interprète qui ne circule pas dans les trains a commencé comme conteur légèrement parodique dans une boîte de nuit lynchienne ; il fut presque rock pendant quelques années, puis devint très respectable dans le monde de la musique d'avant-garde, avec des retombées nettement décroissantes pour les auditeurs occasionnels. Avec le recul, il est clair qu'il est en fait une sorte de rocker artistique à la Bowie, issu d'un demi-monde différent. Tout comme Bowie, il a écrit beaucoup de bonnes chansons, comme « Jersey Girl », « Time » et « That Feel ».

Ce talentueux rappeur, un homme-enfant blanc fou, a fait son chemin dans un business noir grâce à ses talents marqués - notamment un débit crachant, un tempérament déclencheur et une technique wowza qui allie vitesse, lucidité et, croyez-le ou non, subtilité. . Ses raps, souvent cinglants, affichaient une combinaison très provocante de bravoure, d'humour et de satire. Pour démontrer son street cred, j'imagine, ces éléments se sont combinés dans ses premières années pour produire tellement de remarques merdiques qu'on a du mal au final à lui pardonner, même si c'est ce qu'il faut faire avec les hommes-enfants quand ils grandissent (enfin). en haut. Encore une fois, c'est un rappeur de premier ordre, mais il convient de noter que beaucoup de ses morceaux les plus délicieux sont un peu solipsistes, ce qui signifie qu'ils parlent tous de son vilain garçon et… de bâillement. Pourtant, il reste intéressant de temps en temps à ce jour, même si son œuvre la plus marquante pourrait bien être lepas« Lose Yourself », solipsiste et positivement rock. Encore une fois, je dois noter que cela fait mal pour la salle d'accueillir un disciple (blanc) aussi franc de quelqu'un comme Rakim sans avoir eux-mêmes intronisé Eric B. et Rakim.

Vous regardez Rod Stewart et vous vous demandez : « Comment ce sportif apparemment désemparé a-t-il pu accomplir de telles choses ? Mais il y a quelque chose là-bas, au plus profond de Stewart – une détente confortable, presque chaton, dans ses premiers travaux avec les Faces, puis une réalisation de soi et une perspective croissantes. Les histoires qu'il a racontées, depuis son premier album solo, ont brossé un tableau de la croissance de ce garçon-homme vers la sagesse. Il a réalisé un travail formidable...Chaque image raconte une histoire, jamais un moment ennuyeux- et puis quelques trucs mal produits, mais même s'il est devenu plus maladroit tout au long du reste des années 1970, il a créé des performances mémorables, à la fois en fouillant de vieilles châtaignes ("It's Not the Spotlight", "This Old Heart of Mine") et en écrivant le sien des classiques aussi (« I Was Only Joking », « The Killing of Georgie »). Depuis lors, il n'a pas eu peur d'être idiot, s'appuyant sur de solides instincts commerciaux et conserve, d'une manière ou d'une autre, un charme princier jusqu'à aujourd'hui.

Même au cours de ses dix premières années, la résilience de ce groupe a été remarquable, genre après genre, leader après leader, acceptant finalement le mélange d'un couple de hippies de la Bay Area en 1975 et concoctant certains des plus grands albums de l'époque. Stevie Nicks a bien sûr sa base de fans et est une forte compositrice, mais elle reste la moindre des versions les plus célèbres des principaux du groupe. Christine McVie est l'une des premières chanteuses britanniques de sa génération (et a également écrit de nombreux succès), et quant à Lindsey Buckingham, eh bien, il a évolué pour devenir un orchestrateur subtil d'ineffabilité pop, peut-être le plus efficace et le plus iconoclaste depuis Brian. Wilson.Rumeursméritait toutes ses ventes, etDéfenseest un chef-d'œuvre. L'omission de Bob Welch, un membre important du groupe au début des années 1970, est une autre exclusion incohérente de la salle.

Il y a beaucoup d’artistes des années 70 restants au Temple de la renommée du rock and roll qui n’y appartiennent pas. Seger est-il différent ? Je dirais « 2+2= ? », une chanson de protestation vietnamienne aussi puissante que le genre produit, et c'était en 1965. (Si vous ne l'avez pas entendu,tu as un régal à venir.) Plus d’une décennie plus tard, il s’est imposé dans la conscience populaire avec le formidable (et au son formidable)Mouvements de nuit, sa chanson titre est le plus grand moment du rock du cœur, et était ensuite un fournisseur fiable de morceaux plus profonds que nécessaire (« Feel Like a Number »). Pas plus tard que « Against the Wind », il a livré du pathétique et de la puissance, et a écrit de bonnes chansons presque jusque dans les années 90. Il joue encore aujourd’hui avec le même T-shirt et le même jean qu’il a toujours porté. Tout le respect.

Nelson a fait partie des deux premières années d’intégration dans la salle, ce que je trouve bizarre. Il a joué le rôle du fils dans la (énorme) émission télévisée des années 50 de son père.Les aventures d'Ozzie et Harriet, et l'a utilisé pour devenir une idole adolescente très fade. (Pour être honnête, il était une très grande star à son apogée.) Certains de ses premiers succès sont devenus intemporels, comme « Hello Mary Lou », et il y en avait beaucoup, dont il n'a écrit aucun. Mais il n’a guère eu d’influence et a disparu, à l’exception d’un tube des années 70, « Garden Party », qu’il a écrit. C'était, assez ironiquement, une réponse quelque peu irritable aux fans peu intéressés par ses nouveaux sons. La vie d’une idole adolescente est une vraie garce. Il est décédé dans un accident d'avion en 1984, ce qui aurait pu rendre nostalgiques les premiers nominés au Temple de la renommée.(Au départ, je l'avais classé beaucoup plus bas, mais après y avoir réfléchi, j'ai dû admettre qu'il fait certainement partie des 100 artistes rock les plus importants.)

Pendant des années dans les années 1980, après Genesis, il était, à sa manière, aussi radical que Reed ou Bowie ; ses albums inattendus - tous intitulésPierre-Gabriel, bizarre en soi – des paysages sonores inquiétants assortis à des sujets parfois dérangeants. Et pourtant, presque à force de volonté, il semblait sortir de son gouffre psychique vers un humanisme plus chaleureux et plus lumineux : « Solsbury Hill » et « Biko », bien sûr, mais aussi « In Your Eyes », qui devint dans son incarnation vivante tout ce que la pop et le rock pourraient être. Plus tard, il est devenu multiplatine et est devenu un peu moins intéressant, même si ses tournées Womad ont parfois capturé la promesse sauvage et pan-tout de son meilleur travail.

Comme ZZ Top, possesseurs d'un son de guitare signature qui va au-delà du primal. Très stupides, très limités, ils sont sortis des années 70 crasseuses avec juste quelques morceaux incroyablement meurtriers (comme « It's a Long Way to the Top [If You Wanna Rock 'n' Roll] ») avant, sur certains entièrement un élan de créativité mystifiant, créant une paire d'albums,Autoroute vers l'enferetDe retour en noir, dont la production et la qualité des chansons ont explosé. Ils recherchaient un son unique à une époque où personne n'aurait pu s'attendre à ce qu'il l'aime, et ont continué à le faire. Et leurs concerts donnent à Motorhead, disons, un son ridicule en comparaison.

La salle a commencé et reste essentiellement un club de garçons, et un club de garçons plus âgés en plus. La salle n’a bien sûr aucun intérêt à exclure les femmes des intronisés et n’a pas fait un travail épouvantable dans ce domaine. Le vrai problème vient du comité de nomination. Au fil des années, il a eu tendance à s’agrandir, puis à subir une purge soudaine ; ceux qui ont été purgés parlent sombrement du retrait des personnes âgées du groupe. C’est peut-être vrai, mais seulement dans le sens où, puisque pratiquement tous les membres du comité sont des hommes blancs de plus de 50 ans – et, dans la plupart des cas, même bien au-delà – il n’y a vraiment personne à larguer, à l’exception des hommes plus âgés. Cela s'est produit en 2007 et à nouveau en 2016.

En plus de cela, le comité est centré sur New York. Les critiques au sein du comité se sont traditionnellement fortement penchés sur lePierre roulantefoule, un groupe dont la discrimination critique s'est atrophiée il y a des années, et en tout cas, au fil des années, a appris à être très conscient des désirs de son patron. Parallèlement au nombre croissant de femmes, la fin de l'influence de Wenner dans la salle semble susceptible d'avoir un effet sur la composition du comité et ses nominations.

L'un des premiers grands groupes de la Nouvelle Vague ; difficile à entendre maintenant, mais à l'époque des Doobies 'n' Supertramp, leurs compositions angulaires, leurs étranges changements de ton et leurs touches musicales semi-postmodernes semblaient quelque peu étrangères et bienvenues. Puis le monde a un peu changé et ils sont devenus des fidèles câlins de MTV des années 80.

C'étaient des poseurs de la Nouvelle Vague cachant un penchant conventionnel, mais il s'est avéré qu'ils en avaient un encore plus non conventionnel : une sensibilité reggae épurée, nerveuse. Et il s’est avéré que tous les trois étaient d’assez bons musiciens. Ils ont flirté avec les ringards mais se sont ensuite réaffirmés avecSynchronicité, untrèsun chef-d'œuvre pop-rock bien produit. A augmenté de quelques crans pour n'avoir sorti que cinq albums, être arrivé en tête et se livrer à une seule tournée de retrouvailles. Le leader Sting est depuis devenu une véritable menace.

Un agréable innovateur de rockabilly, auteur de l’original « Blue Suede Shoes » et d’une poignée d’autres classiques.

Une âme haut de gamme et très intelligente : « For Your Precious Love » de Butler et « People Get Ready » de Mayfield ne sont que pour commencer.

Un artiste austère, certes. Grincheux et discret, lors des dernières tournées de Simon et Garfunkel, il a été le chat trapu et grincheux assis à côté du laboratoire joyeux et maniaque de Garfunkel. Mais ses premiers albums solo, même s'ils ne sont pas aussi cohérents qu'ils pourraient l'être, sont à leur meilleur précis et ouverts, plus matures que S&G, et de temps en temps (« American Tune », « Mother and Child Reunion ») transcendants. . Il a toujours joué avec les musiques du monde, avec des succès intermittents ;Gracelandnous pouvons discuter, mais rares sont ceux qui nieront le moment rock qu’il a créé. Et ses albums de la période classique (jusqu'àRythme des Saints) semble sensationnel sans être surproduit. Les années qui ont suivi, comme pour beaucoup de ses contemporains, ont vu peu de chansons significatives.

Ronnie Spector a une voix qui traverse les âges, et elle a trouvé le cadre déchirant pour les paroles et la musique que lui a données son futur mari Phil Spector ; le résultat — cinq mots,Sois mon / Sois mon bébé– sonne à travers les décennies. La vie de son groupe a été courte et, même si elle reste une icône de la pop, son travail solo n'a jamais trouvé le cadre approprié pour ses talents. Pourtant, en 1960, voici la voix de la plus grande chanson de cette année-là ou peut-être de n’importe quelle année, « Be My Baby ».

L’un des événements étranges de la cérémonie de 2018 a été l’apparition du guitariste de Springsteen, Miami Steve Van Zandt, qui a annoncé une nouvelle sous-catégorie : « Rock and Roll Hall of Fame Singles », pour les chansons importantes d’artistes qui ne sont pas déjà présents dans la salle. Les cinq premiers sont « The Twist », de Chubby Checker ; « Né pour être sauvage », de Steppenwolf ; « Une nuance de pâle plus blanche », de Procol Harum ; « Rumble » de Link Wray ; et « Rocket 88 », de Jackie Brenston et ses Delta Cats. Neil Walls, sur le site Future Rock Legends, écrit : « Cela semble être un nouveauporte arrièreau Rock Hall pour les artistes qui n'arrivent pas à surmonter le obstacle avec les électeurs. … [I]J’ai vraiment l’impression que le Rock Hall essaie d’éliminer certains noms de son arriéré croissant de candidats. Je pense que c'est une excellente idée, même si je trouverais dommage que « Love Will Tear Us Apart » se termine là. A noter que « Jackie Brenston et ses Delta Cats » est en réalité Ike Turner, qui est déjà dans la salle. (Pour mémoire, j'aime mieux "Let's Twist Again" que l'original. Checker a sorti une foisune annonce pleine page dansPanneau d'affichage, se plaignant de son manque de reconnaissance de la part de la salle — et du comité du prix Nobel. Un membre du comité de nomination à qui j'ai parlé croit encore aujourd'hui que Checker s'est fait avoir et mérite une véritable intronisation dans la salle : "Il a permis à lui seul aux abrutis de danser avec les filles", dit-il.)

Cette année, la salle est censée proposer une demi-douzaine de chansons supplémentaires ; J'aimeLes prédictions de Nick Bambach, qui incluent « American Pie », « Rapper's Delight » et Wild Thing des Troggs. Je peux aussi voir « Louie Louie » entrer à un moment donné.

Comme James Taylor, Browne ne s’est jamais excusé pour son écriture simple et confessionnelle. Ses premiers albums comportent de nombreux moments forts en émotions (« Late for the Sky », « Jamaica Say You Will »). Il a ensuite rassemblé son art pour deux cycles de chansons très forts,Le prétendantetFonctionner à vide, après quoi les choses sont vite allées en enfer.

Gros frappeur de soul dans les années 1970 – beaucoup de ses chansons affichent des qualités d’écriture, de chant et de production de premier ordre.

Michael a une histoire assez remarquable, attirant l'attention avec un duo dance-pop assez idiot, le Wham !, joyeux et inutilement ponctué, pour lequel il a écrit et produit les chansons. Il y avait une sophistication sous la plasticité de Wham!, qui s'est manifestée avec la première chanson solo de Michael, « Careless Whisper », une stupéfiante à ce jour. « Faith » que vous connaissez, puis il y a eu quelques virages à gauche sur le reste d'une carrière décidément peu prolifique, mais tout au long de sa carrière, il a joué le rôle d'un auteur pop sérieux. Il est décédé en 2016. Michael a dû cacher sa sexualité pendant de nombreuses années et a souffert de toxicomanie. Attendu depuis longtemps pour son intronisation, je pense que son héritage serait plus fort s'il avait été capable de produire quelques autres succès pop substantiels dans les années 80 et 90.

On se souvient du plus grand groupe de boogie du Sud pour « Freebird », une construction passionnante du premier album du groupe, mais aussi pour la profondeur franche du chanteur-parolier Ronnie Van Zant. Laissant de côté « Sweet Home Alabama », qui n'est pas son meilleur moment, les portraits de Van Zant de perdants pas si adorables (« Gimme Three Steps ») et les passages sombres (« That Smell ») ont élevé le genre à des niveaux que même les Allman ne pouvaient pas atteindre. atteindre. Ils s'amélioraient également – ​​jusqu'à ce que Van Zant et le guitariste Steve Gaines périssent dans un accident d'avion en 1977.

En 2019, Stevie Nicks est devenue la première artiste féminine à être intronisée dans la salle à deux reprises, après avoir déjà rejoint – à juste titre – avec Fleetwood Mac. Sa deuxième intronisation, pour une carrière solo sans grand intérêt qui a commencé avec deux albums mineurs au début des années 1980 produits par l'initié de la salle Jimmy Iovine, est un triste commentaire sur le copinage de la salle. C'est un peu simple de comparer les artistes féminines à d'autres artistes féminines, mais pour mémoire, des personnes comme Carole King, Diana Ross et Tina Turner ont trouvé leur voix solo et leur carrière solo à travers des processus beaucoup plus difficiles et dramatiques. Ils ont pris des risques et ont créé une musique étonnante, imprévisible et intemporelle, au lieu de courir avec de drôles de chapeaux.

Turner, après avoir passé des années sous la dure tutelle de son mari Ike, un agresseur brutal, s'est finalement libérée et a conçu une carrière solo passionnante qui a produit des succès emblématiques et a fait d'elle une icône mondiale de luxe. Et si vous pensez que c'est facile, j'ai un CD d'occasion deC'est elle la patronneJ'aimerais vous vendre.

Un doux combo doo-wop, aussi grand que n'importe quel groupe pop pouvait l'être à la fin des années 1950, avec des morceaux très émotionnels et d'un goût irréprochable comme « The Great Pretender » et « Smoke Gets in Your Eyes ».

Difficile de s’en souvenir aujourd’hui, mais il fut un temps dans les années 1990 où il semblait qu’un courant de rap plus optimiste pourrait finir par dominer la musique. A Tribe Called Quest, à travers cinq albums apaisants, légèrement hallucinogènes et toujours engageants, a lancé et incarné ce mouvement avec des échantillons groovy qui ont pénétré profondément dans les catalogues soul, rock et jazz pour créer un mélange musical qui en disait long. Le jazz, en particulier, a donné au groupe une patine de sophistication musicale alors que les rappeurs réfléchissaient à des questions de cœur et de société d'une manière résolument non dogmatique. Ces gars-là étaient, en fin de compte, des maîtres du son, pas des chanteurs, mais cette évolution clé de la musique aurait dû être reconnue par la salle. Notez cependant que de véritables pionniers du rap comme Eric B. et Rakim ont encore été négligés, un autre exemple de l'anhistoricité lancinante de la salle.

Des folks surnaturellement compétents – ils étaient ensemble à l’adolescence avec un single sorti et un contrat d’enregistrement. Le duo a finalement flotté dans la conscience pop en 1966 avec « The Sound of Silence » – un morceau acoustique dénué de sens.faux-Dylan prétend qu'un producteur a ajouté une piste d'accompagnement rock - et a essentiellement expérimenté via les différentes postures d'écriture de chansons de Simon, avec un succès artistique intermittent («Amérique») et a finalement gagné sa position avecPont sur les eaux troubles, un bel album contenant le titre phare, un véritable hymne pop plus profond et musicalement plus excitant que « Hey Jude ».

Un talent gigantesque, dans les deux sens du terme. King a rendu tout ce qu'il jouait facile et était un incontournable des spectacles multi-genres innovants à l'apogée du Fillmore.Voici une vidéode lui, ses mains géantes éclipsant son Flying V arrière, jouant sa signature « Born Under a Bad Sign » avec SRV.

Certains diront qu'elle n'est qu'une artiste pop, ce qui est le cas d'une certaine manière, mais elle est aussi une grande star du R&B. En plus de cela, elle a une histoire : rassembler le talent pour sortir de l'ornière de ses premiers albums (et, plus important encore, loin de sa famille ignorante) et trouver les collaborateurs dont elle avait besoin en Jimmy Jam et Terry Lewis. Outre la déclaration d'indépendance qui a étéContreJe, elle a augmenté les choses pourNation du rythme 1814, qui vibre encore aujourd'hui de manière substantielle et confiante. Elle a finalement fait siennes quelques années de l’époque, face à des concurrents importants, dont Prince, Springsteen, Madonna et – qui est-ce que j’oublie ? - son frère.

Si Rundgren était un homme heureux de l'industrie et n'avait pas passé autant de ses premières années habillé comme une nymphe des bois, il aurait été dans la salle des décennies plus tôt. (Il a été intronisé 25 ans après avoir été éligible.) Il a enregistré un des premiers classiques du garage-rock, "Open My Eyes", avec son groupe Nazz, à 19 ans. Peu de temps après, il était ingénieur maison à Bearsville, s'occupant, entre autres les choses, celles du groupeTrac. Il a ensuite tenté une carrière solo – parfois habillé en femme, certes, mais en écrivant, en arrangeant, en interprétant et en produisant ses propres (bons) albums et en produisant une poignée de charmants succès pop que l'on entend encore aujourd'hui (« Hello It's Me », « J'ai vu la lumière »). Il a eu une carrière au noir en tant que rockeur spatial, sortant une série d'albums avec un groupe qu'il a appelé Utopia… et une autre entièrement distincte en tant que producteur d'un spectre vertigineux d'albums classiques (et à consonance classique), dont celui de Badfinger.Tout droit, Grand Funk'sNous sommes un groupe américain, etLes poupées new-yorkaises. Tout cela s'est produit avant qu'il ait 25 ans. Bien d'autres choses amusantes ont suivi, et un travail de production encore plus distingué - Meat Loaf's.Chauve-souris hors de l'enfer, chez Patti SmithVague, extaseAlouette, les fourrures psychédéliquesPour toujours maintenant, et d'autres que j'oublie. Mais vous savez, ce n'est pas Lionel Richie. Rundgren s'est toujours moqué de la salle et ne s'est pas présenté à la cérémonie.

Zappa a fait beaucoup de choses dont personne ne se souciait vraiment. Il était aussi prolifique que n'importe qui sur cette liste, a enduré beaucoup de folies dans sa vie, même son travail extravagant ne pouvait pas en refléter, et est mort trop tôt. Il personnifiait également un étrange griffon du rock : il était sans aucun doute la plus grande star du rock doo-wop poilu-hippie stand-up-comic free-jazz de la nouvelle musique. Pour mémoire, son humour était sophomorique (et non archi-sophomorique, véritablement sophomorique), et la plupart de ses enregistrements sont inécoutables, même si bien sûr je suis heureux qu'ils existent pour ses fans.

Power rock du cœur des États-Unis. Le leader et auteur-compositeur Nielsen fait des choses folles à la guitare et donne l'impression que tout est facile. Les pitreries et l'optique - c'est le groupe avec deux jolis garçons et deux gars à l'air idiot - obscurcissent parfois les chansons, qui, à leur meilleur, touchent le génial (« He's a Whore ») et le panthéoniquement génial (« Surrender »). Nielsen n'a pas pu continuer et le groupe a subi une forte baisse de qualité ; les auteurs-compositeurs extérieurs ont assuré une présence revivifiée mais vide de sens dans les charts dans les années 1980. Un live absolument meurtrier, jusqu'à ce jour.

Une reine du R&B très polyvalente et précise des années 50. Quelle polyvalence ? Découvrez le « I Cried a Tear » immaculé – puisce duo torride avec Jackie Wilson, « Think Twice ».Elle a eu une vie intéressante : elle a commencé à chanter sous le nom de « Little Miss Sharecropper » et a ensuite passé 20 ans aux Philippines.

Un grand showman de soul et interprète de chansons, vraiment sauvage, dont les meilleurs tubes — "Pays des 1000 danses", dites - rayonnez une autorité funk-soul-rock groovy.

L'un des premiers guitaristes de blues électrique, mélodiste et innovateur de haut vol, très apprécié par Keith Richards et d'autres bluesheads blancs dans les années 1960. Auteur de « Bright Lights, Big City », « Baby What Do You Want Me to Do », « Big Boss Man », etc.

Reed est un cas intéressant d'artiste qui a eu une carrière d'enregistrement mineure mais une influence plus durable en tant que musicien. Les premières bonnes intentions de la salle de reconnaître un tel travail, comme de nombreuses initiatives de la salle, ont finalement déraillé. Outre la liste principale, il y a la catégorie « premiers influenceurs », pour les gens pré-rock and roll, ce qui est très bien. Nous arrivons ensuite à ce qu’on appelle désormais le prix Ahmet Ertegun, conçu pour les « professionnels de l’industrie non performants » et décerné à des super-fouilles légendaires comme Clive Davis, à des producteurs comme George Martin, à des auteurs-compositeurs et même à certains journalistes. Cela a aussi du sens. La salle principale est réservée aux artistes interprètes et le prix Ertegun aux non-interprètes. Comment la salle a-t-elle pu tout foutre en l'air ?

Asseyez-vous. En 2000, la salle a commencé à accueillir des personnes dans une nouvelle catégorie « Sidemen ». (Notez le nom malheureux, qui, entre autres, indiquait clairement qu'il s'agissait bien d'un club de garçons.) Le bassiste de session Motown, James Jamerson, est arrivé en premier, suivi de James Burton (guitariste d'Elvis Presley), puis du batteur du Wrecking Crew, ce qui semblait bizarre. (Pourquoi juste lui ?) Ensuite, ils en ont donné un à Chet Atkins, qui était l'un des rois de la musique country moderne, pas un sideman pour l'amour de Dieu. (C'est un bon guitariste, mais Roy Clark aussi.) Le « sideman » s'est vite tari, et bientôt, la salle a changé le nom en quelque chose appelé le Prix d'excellence musicale – défini de manière indigeste, répétitive et tautologique comme destiné à honorer « des artistes, musiciens, auteurs-compositeurs et producteurs dont l'originalité et l'influence dans la création musicale ont eu un impact dramatique sur la musique. »

Le premier de ces prix n'a pas été attribué aux Mar-Keys, par exemple, ou à la Muscle Shoals Rhythm Section, mais plutôt, soupir, au E Street Band, qui aurait dû être recruté avec Springsteen. Le suivant est allé à… Ringo Starr. (De tous les instrumentistes de tous les groupes de rock du monde, a-t-il reçu une récompense ?) Parfois, on a l'impression que ces gars (et ce sont surtout des gars, rappelez-vous) n'arrivent tout simplement pas à dormir la nuit en sachant qu'une éventuelle récompense n'a pas encore été obtenue. été accordé à l'un de leurs petits héros. Les choses se sont de plus en plus détériorées à partir de là : la salle ne l'a pas décerné pendant quelques années, puis l'a donné à Nile Rodgers (raffermissant la mémoire du partenaire de production de longue date de Rodgers, feu Bernard Edwards)… puis a réalisé un 180 complet et a commencé à l'utiliser. comme prix de consolation pour les gens, le comité de nomination n'a pas pu dépasser le comité de vote: Gil Scott-Heron (intéressant mais douteux artiste du Temple de la renommée), Judas Priest (idem), Parmi eux, Kraftwerk et le premier rappeur devenu pathétique outil de l'industrie, LL Cool J. C'est vraiment faux et devrait être corrigé. Une solution simple : laisser le comité de nomination présenter un ou deux actes par an par décret. C'est une protection défendable contre les malheurs causés par le comité de vote.

Entre-temps, le prix Ertegun a été transformé en faveur du parti décernée aux copains de la salle, notamment Jimmy Iovine, l'avocat (!) Allen Grubman, Irving Azoff et Jon Landau. On a vraiment l'impression que la vieille garde a décidé de se donner des récompenses avant de partir définitivement. En effet, la nomination de Grubman pour l'intronisation est tellement éloignée de la conception originale des prix que Wenner lui-même, maintenant parti de la direction de l'organisation,j'ai fustigé l'idée même dans Billboard. En résumé, après des années de cafouillage bureaucratique, les catégories secondaires sont maintenues ensemble grâce à un mélange de crachats, de scotch, d'irritabilité et de masturbation mutuelle.

Poète folklorique canadien dont la stature a énormément grandi au fil des ans. Ses premières chansons stentoriennes (toutes ses chansons sont stentoriennes, en fait) peuvent parfois aller jusqu'à l'os, et même dans leurs formes les plus volatiles, capturer une ambiance. Ceux-ci restent une partie indélébile, par exemple, deMcCabe et Mme Miller. Ses concerts des derniers jours étaient des aventures folles et mystérieuses. Je trouve son travail de maturité un peu stéréotypé, même dans sa forme la plus agréable, mais force est de constater à quel point certaines de ses compositions sont devenues une partie définitive de notre monde, « Hallelujah » en étant le meilleur exemple.

Les Byrds ont utilisé des reprises de Dylan comme introduction à une carrière de folk rock baroque révolutionnaire finalement teintée de psychédélisme (« Eight Miles High ») et d'autres trucs, le tout fondé sur la voix flûtée de Roger McGuinn et le plaintif Rickenbacker. Leurs albums sont pour la plupart un mélange de reprises et d'originaux médiocres. Les fans soulignent l'écriture de Gene Clark – bien sûr, je suppose, mais bon sang, nous parlons d'une petite poignée de chansons. De nombreux groupes trouvent un équilibre interne entre les pressions artistiques et publiques de la célébrité pop et créent un réseau de soutien mutuel ; les Byrds n'en faisaient pas partie, en grande partie grâce au comportement toxique de Crosby, et ont souffert en conséquence. Au départ, je les avais classés beaucoup plus haut ; mais au final, c'est un groupe des années 1960 dont le statut d'icône ne correspond pas tout à fait à leur héritage enregistré, qui, à part quelques-uns de ces singles retentissants, est insignifiant à côté de certains autres artistes de l'époque.

Voici un exemple de l'incohérence de la salle : l'intronisation des Grateful Dead, comme je l'ai noté, incluait un gars des Tubes qui n'a jamais enregistré avec le groupe, et pourtant ici la salle laisse de côté Gram Parsons, dont les contributions au sixième album des Byrds ,Chérie du rodéo, en a fait sans doute l'album country-rock et le meilleur du groupe. Cela n'a aucun sens.

Elle est l'une des véritables premières personnalités du hip-hop et était elle-même une écrivaine et une productrice de renom avant de commencer à enregistrer. Elliott a façonné son image à partir de son attitude et de ses sons. Elle ne rappe pas sur quelque chose de trop profond (principalement le sexe), mais sa personnalité vive et géniale, sa maladresse décalée et son kaléidoscope sonore font d'elle l'une des stars du hip-hop les plus fiables et les plus agréables. Elle n’a pas vraiment enregistré grand-chose, mais elle n’a jamais sorti de mauvais album non plus. Un autre exemple d'incohérences d'induction ; le producteur Timbaland a aidé à concevoir son son, mais il n'est pas mentionné, tout comme avec PE et Bomb Squad.

Une star du R&B des années 40 et 50 pour Atlantic Records qui est finalement passée à la pop à l'aube du rock and roll. Elle avait un son et une voix et était probablement la plus impertinente des premières rockeuses. (« This Little Girl's Gone Rockin' », « [Mama] He Treats Your Daughter Mean. ») Brown a également été le catalyseur d'un changement important dans la façon dont l'industrie faisait des affaires au milieu des années 1980 – ce qui est une manière polie de disent qu'elle a contribué à dénoncer le vol systématique d'Ertegun et de nombreux autres propriétaires de labels sans scrupules de l'époque. (En réalité, peu de choses ont changé, mais c'est une autre histoire.)

C'était à l'aube de l'ère des rééditions, lorsque les albums classiques réédités sous forme de CD à prix élevé injectaient des rivières d'argent gratuit dans les résultats financiers des labels. Même si, en vertu de la loi, les artistes ont droit à la fois à des redevances et à des déclarations de redevances, la plupart n'en ont bien sûr reçu aucune depuis des décennies. (Les labels affirmaient soit qu'ils récupéraient toujours leurs coûts de production, soit qu'ils gardaient simplement l'argent.) Un jour, Brown a regardé d'un mauvais œil un album qu'un fan lui avait demandé de signer, notant qu'elle n'en avait pas reçu de redevances. Le fan s’est avéré être un avocat avisé. Le duo s'est lancé dans une offensive de relations publiques, ce qui a déclenché un mouvement qui a conduit la plupart des grands labels à effacer leurs livres sur de nombreux musiciens de rock et de R&B marquants et à recommencer à payer des redevances. La stature d'Ertegun dans l'industrie était déjà telle que tout cela se faisait un peu à voix basse, afin de ne pas laisser entendre que le grand homme lui-même avait participé à des événements aussi néfastes. Comme l'histoire est racontée dans la biographie d'Ertegun de Robert Greenfield,Le dernier sultan, Ertegun a été un vrai connard tout au long du processus.

Je pense toujours que l’intronisation de Whitney Houston n’était pas judicieuse : elle avait certainement un talent, mais je pense que sa personnalité était superficielle et qu’elle était en fin de compte une artiste pop avec toutes les limites du terme. Blige est différent ; elle est plus décousue, plus complexe et plus honnête quant à ses vulnérabilités. Sur pratiquement chaque morceau, vous pouvez ressentir les réverbérations d’un contexte très dur et d’une indomptable durement gagnée. Elle a donné à Sean Combs probablement le meilleur disque qu'il ait jamais produitMa vie, et pourtant elle a fortement évolué depuis ses débuts pour créer et habiter un monde émotionnel permanent dont elle comprend toutes les nuances. En d’autres termes, elle a insisté sur le fait que sa personnalité transcendait la musique pop plutôt que d’être définie par elle.

Un groupe bizarre sur le papier. Un enfant issu d'une famille de militaires qui voulait faire partie des Monkees, un clown des Byrds et un Anglais décadent. Mais leurs voix se sont mélangéessi gentiment– de « Marrakech Express » à « Suite : Judy Blue Eyes », de « Our House » à « Woodstock » de (Joni Mitchell) – qu'ils en sont venus à incarner une branche du son californien presque littéralement du jour au lendemain. (Leur performance à Woodstock, rappelez-vous, était leur deuxième apparition live.) Léger, bien sûr, et pas vraiment mon truc, mais un pourcentage énorme de leurs premiers travaux sonne bien et est toujours diffusé à la radio. Et Stills n’est pas un mauvais guitariste. Notez que Neil Young, une présence importante, presque définitive, sur le deuxième album du groupe et une partie récurrente et récurrente de l'ensemble pendant des décennies, n'a pas été inclus dans l'intronisation. Il est possible, mais peu probable, que le comité de nomination ait estimé que Young n'était pas une partie importante du groupe ; plus probablement, des machinations en coulisses – peut-être une objection de Young lui-même – l’ont tenu à l’écart. Encore une fois, gros problème de cohérence : Young avait-il vraiment moins d'importance dans CSNY que Vince Welnick dans the Dead ?

Les Go-Go's étaient un quatuor entièrement féminin qui écrivait ses propres chansons et jouait de ses propres instruments – et a fini par posséder une bonne partie des années 1981 et 1982. Vous pouvez imaginer les indignités qu'ils ont endurées – jusqu'au fait d'être trompé par Annie Leibovitz pour qu'elle pose pour unPierre roulantese couvrir de leurs sous-vêtements. (La ligne de couverture : «Go-Go est sorti.") Ils ont enregistré deux albums décents après le premier, et la chanteuse Belinda Carlisle s'est lancée dans une carrière solo importante.

Diamond était un solide auteur-compositeur de Brill Building (il a écrit « I'm a Believer », « Red Red Wine », etc.), puis s'est transformé en une icône pop agréable et pas tout à fait soft-rock des années 70 avant de devenir un pur schmaltz du Dans les années 1980, il reste un groupe de tournées très lucratif. (D'après mes calculs, Diamond a rapporté un demi-milliard de dollars en tournée dans les années 2000.) Vous ne pouvez pas vraiment le rejeter ; il a eu trop de hits (littéralement des dizaines de hits du Top 40). Et selon ses propres conditions, il a maintenu une intégrité de baryton ; il sortait des albums studio pas terribles dans les années 2000. Difficile de discuter avec une star d’un secteur évanescent toujours debout plus de 50 ans plus tard. Il a pris sa retraite il y a quelques années à cause de la maladie de Parkinson.

Petty a écrit « American Girl », l’une des plus grandes chansons rock, en plus de son palmarès commercial évident et de son paquet d’albums et d’autres morceaux décents. Accident ou pas, cela montre sa stature après 40 ans de rock fiable et de plus en plus essentiel.

Gladys Knight a une voix d'une chaleur et d'une émotion énormes ; son travail avec les Pips remonte aux années 1950, et à Motown dans les années 1960 et au début des années 70, pour finalement se résoudre de manière satisfaisante après Motown dans une série de succès pop massifs, lui donnant le statut d'icône dans les années qui ont suivi.

Blues classique de Chicago par la voix de blues la plus pure de Chess Records.

Le rock and roll pourrait également englober les chansons d'un enfant d'East Bay qui prétendait venir du bayou. John Fogerty a pris des accords élémentaires et une guitare qui sonne et a façonné quelque chose qui sonnait au moins rustique, et a parfois écrit quelque chose de profond. Et il avait une voix.

L’omission de Joy Division et New Order plane sur la salle ; Je ne sais pas si c'est le manque de femmes dans le processus de nomination et de vote ou simplement la nature club du comité de nomination, mais le manque de respect pour la musique dance depuis le disco semble hautement exclusif. « Love Will Tear Us Apart » est l'un des plus grands singles rock de tous les temps, et les œuvres de New Order des années 80, orchestrées et produites de manière intemporelle, étaient de formidables présences de musique dance underground dans les années 1980. (« Blue Monday » est souvent considéré comme le 12e album de danse le plus vendu de tous les temps, même si je n'ai jamais vu la source de cette affirmation.) Ils ont continué et le monde est venu à eux et ils sont devenus des superstars mondiales. . Les paroles du groupe semblent parfois idiotes, je comprends ; mais il faut aussi convenir qu'au moins trois de leurs albums actuels —Pouvoir,Corruption et mensonges,Faible durée de vie, etFraternité– sont des œuvres substantielles parsemées de bonnes chansons.

Quoi qu’il en soit, j’entre dans les détails pour noter que le seul bon argument contre l’intronisation de groupes comme The Cure, Depeche Mode ou Eurythmics est qu’en ce qui concerne les artistes électroniques de l’époque, ils sont moins importants que JD/NO. Des trois, The Cure est de loin le groupe le plus important : ils étaient issus du punk britannique lors de sa création et se sont rapidement imposés comme l'un des premiers groupes post-punk. Le leader Robert Smith a essayé ces deux compositions intelligentes (une des premières chansons était basée sur celle de Camus)L'étranger, et intitulé, sans compromis, « Killing an Arab ») et des crochets tueurs (comme ceux de « Boys Don't Cry »). Leurs albums sont devenus de mieux en mieux (pas la dynamique rock typique) et Smith a continué à proposer de superbes chansons, comme « Just Like Heaven ». Ils ont fourni à MTV un tas de vidéos inventives, et The Cure a finalement joué dans quelques stades. Et à une époque où de nombreux groupes de rock traditionnel présentaient encore des spectacles old-school, les concerts de Cure étaient des extravagances sonores et visuelles.

Parmi le méli-mélo gonflé de noms ci-dessus, vous remarquerez un intronisé particulièrement étrange : Reeves Gabrels. Il était dans Bowie's Tin Machine à l'époque, et il s'avère qu'il joue avec The Cure depuis les années 2010, période pendant laquelle le groupe a enregistré [chèques notes] zéro album.

Un chanteur visionnaire doté d'une voix douce et d'un caractère pétillant. Britannique, elle est partie en Amérique pour enregistrer un album à couper le souffle,Poussiéreux à Memphiss. C'est elle dans "Qu'ai-je fait pour mériter ça" des Pet Shop Boys. C'est aussi un des premiers artistes gays, et cela n'a pas dû être facile.

Il devient finalement le cœur des Impressions, intronisées huit ans plus tôt. (Mayfield a écrit "People Get Ready", la meilleure chanson soul jamais produite, mais pas "For Your Precious Love".) Son travail dans les années 1970 en tant qu'artiste solo était de haut en bas, le meilleur étant bien sûr celui impeccablement conçu et produitSupermouchealbum, groovy et haut de gamme. Les Impressions étaient un groupe cool et avaient Jerry Butler, mais pour mémoire, les deux intronisations de Mayfield dans la salle sont excessives. Dans la salle, on a parfois l'impression qu'un cadre du comité de nomination est là et dit sans cesse : «Les Impressions ! Les Impressions ! Les Impressions"- puis une fois qu'ils sont entrés, les mêmes gens ont commencé à dire:"Curtis Mayfield! Curtis Mayfield! Curtis Mayfield!» jusqu'à ce que finalement les autres soient épuisés.

Un groupe vraiment intéressant. Ils étaient profondément soul, certes, mais avec des prétentions rockistes – et pourtant ils ont produit plusieurs des singles pop les plus joyeux de l’époque, des chansons qui crépitent encore lorsqu’elles passent à la radio aujourd’hui. Dans leur vie et dans leur art, ils incarnent la promesse de la musique autant que quiconque sur cette liste.

Un des premiers expérimentateurs de guitare, artisan d'un son de guitare primal, note par note individuelle. L'année où Eddy est arrivé, l'un des membres du comité de nomination a invité une personne à la session annuelle du groupe : John Fogerty. Il est arrivé et a lancé un plaidoyer émouvant, auquel le comité de nomination a dûment acquiescé.

C'était la New Wave de New York, c'est-à-dire franc et plus qu'un peu archaïque, avec une présence principale assez redoutable chez Harry. Beaucoup de bonnes chansons aussi. En grandissant, ils ont fusionné la New Wave avec le disco (avec l'aide d'un superproducteur pop britannique) et le côté génial du hip-hop et même du reggae, tout cela pour donner lieu à un grand plaisir pop. Amarré dix crans parce qu'Harry et Stein, irrités par les litiges des membres plus âgés du groupe, les ont empêchés de jouer à la cérémonie, ce qui a poussé Infante à s'éclater depuis le podium. Remonté de dix pour la réponse ronronnée d'Harry : "C'est tellement agréable de voir tout le monde en dehors de la salle d'audience."

Le premier « supergroupe » de rock dont les trois principaux sont tous considérés comme des virtuoses de leurs instruments. La cacophonie avait toujours un sens. (De temps en temps, en tout cas.) Baker était un batteur très engagé. Le résultat a été de solides succès de rock classique. Historiquement, c'est le début du culte de Clapton et la porte vers l'étrange chemin du guitariste vers une alternance d'isolement et de gloire.

Carole King a été intronisée très tôt dans la salle dans une catégorie dérivée pour les auteurs-compositeurs avec son premier mari, Gerry Goffin. Elle a écrit les mélodies de tant de superbes chansons qu'il est difficile de toutes les compter – de « Up on the Roof » à « (You Make Me Feel Like) A Natural Woman », « Will You Love Me Tomorrow » et « The Loco ». -mouvement." King s'est libérée de son mariage et s'est lancée en solo pour trouver une voix intemporelle organique et très engageante sur son deuxième album,Tapisserie. C’était probablement l’album le plus vendu de tous les temps jusqu’à la fin des années 1970 – pratiquement toutes les chansons qu’il contenait ont marqué l’esprit d’une génération.

Il semble évident que son intégration précoce dans la salle en tant qu'auteur-compositeur a permis à sa nomination dans la catégorie des interprètes formels de passer entre les mailles du filet. Alors que la salle essayait de nettoyer certains de ses dégâts à l’époque Sykes, c’était un fruit à portée de main attendu depuis longtemps. Pour mémoire, même si j'admire (comme tout le monde) beaucoup King, et en principe général, elleappartientdans la salle proprement dite, sa carrière solo est un peu mince lorsqu'elle est prise isolément de ses compositions antérieures.

Dire Straits était un groupe important dans les années 1980 ;Frère d'armesest l'un des dix albums les plus vendus de tous les temps dans le monde. Vous voulez les considérer comme un groupe générique avec un étrange penchant pour le port de bracelets sur scène portés d'une manière ou d'une autre par un instrumentiste. Mais soyons honnêtes : le leader Mark Knopfler n’est pas un instrumentiste ordinaire. C'est un guitariste qui ne vaut rarement la peine d'être écouté. En revanche, ses paroles sont rarement profondes et le groupe est souvent ennuyeux. Mais : ils se sont améliorés en concert au fil des années, ont beaucoup de succès et on ne peut pas dire qu'ils ont sorti beaucoup de mauvais albums. De combien d’artistes sur cette liste pouvez-vous dire cela ?

L’intronisation de 2018 a été un point bas pour la salle. Après ce qui était apparemment un effondrement complet du professionnalisme et des compétences dans les coulisses, la salle n'avait personne pour accueillir le groupe, et le bassiste des Straits, John Illsley, a dû monter pour le faire lui-même ! Knopfler et son frère David étaient introuvables. J'entendais Wenner hausser les épaules lorsque je lui posais la question. « Quelques membres ne s'entendaient pas et ne voulaient pas apparaître ensemble. Ce qui est déjà arrivé. Pourquoi n’y avait-il personne pour les introniser ? "Il y avait quelqu'un prêt à les introniser, mais très peu de personnes importantes voudraient les introniser sans la présence de Mark Knopfler."Le résultat était embarrassant.

Haley ressemblait à un con, avec une boucle de crachat collée sur son visage lunaire d'une trentaine d'années. Mais l'attaque nette, la batterie surprenante et le contrôle total de son groupe constituent l'un des mélanges les plus purs, bien que très peu menaçants et par définition dénaturés, de country et de blues. « Rock Around the Clock », une aventure agréable à ce jour, a rebondi pendant plus d'un an avant de devenir le premier hit rock and roll n°1. En 2012, la salle a compensé une foule d'omissions initiales et a intronisé un certain nombre de groupes d'accompagnement laissés de côté lors des intronisations originales, notamment Haley's Comets, Gene Vincent's Blue Caps, Buddy Holly's Crickets, Hank Ballard's Midnighters, James Brown's Famous Flames et Les miracles de Smokey Robinson. Cela aurait été le bon moment pour inclure le Silver Bullet Band, le E Street Band et plusieurs autres ensembles négligés.

Ce n'est pas Jackson Browne, mais ses ballades émotionnelles idiosyncratiques, calmes et réconfortantes, au début des années 1970, ont marqué une sphère d'écriture de chansons personnelle (certains diraient lunaire) que le rock n'avait jamais vue auparavant. Mais Taylor n’est pas léger. Il a grandi assez privilégié mais a dû faire face à des choses (institutionnalisation et dépendance à l'héroïne, pour commencer) qu'aucun adolescent ne devrait avoir à subir. Il faisait partie d'un des premiers groupes crédibles (The Flying Machine), a enregistré un album pour Apple Records et était assez cool pour figurer dans un morceau phare du cinéma underground,Toit noir à deux voies. Cela a donné à ses premiers arts une teinte légèrement assombrie et une crédibilité persistante à mesure qu'il grandissait et devenait de plus en plus léger. Il écrit toujours une bonne chanson de temps en temps.

Parton est une figure fascinante – quelqu’un qui a fait preuve, de temps en temps, d’une sensibilité artistique en filigrane et poétique qui, à son meilleur, se tient confortablement à côté des meilleures œuvres des titans de son époque. C'est une figure américaine qui transcende les genres mesquins comme la musique « country » ou « rock ». Elle a commencé à enregistrer avant Dylan, les Beatles ou les Stones. Elle a sorti près de 200 singles et a mené une vie quelque peu mystérieuse – jouant le rôle d’idiot au sein d’un duo de stars country avec Porter Wagoner, mais augmentant lentement sa présence pendant de longues décennies. Son talent pour le drame, sa construction soignée de chansons et, au fil des années, sa présence emblématique font d'elle une figure culturelle d'une certaine importance, et pour ce que ça vaut, elle a été beaucoup plus ouverte sur son soutien aux questions gays que beaucoup de stars country. . Parton a décliné la nomination lorsqu'elle a été annoncée, mais après beaucoup d'hésitations, elle a fini par apparaître et se produire à la cérémonie d'intronisation.

Un groupe de rock progressif, je suppose, mais détendu et frénétique, parsemé de folk et de jazz britanniques, vantant les immenses talents de Winwood et de Mason également. J'ai toujours aimé le son organique des premiers albums du groupe, étrange pour le genre. Winwood a co-écrit et chanté un hit sensationnel du top 10, « Gimme Some Lovin' », avant d'avoir vingt ans, et sa carrière après Traffic, dans Blind Faith puis jusqu'à devenir une célébrité crédible dans les années 1980, est exceptionnelle. Pourquoi, disons, Jeff Beck est-il dans la salle en tant qu'artiste solo et pas lui ?

Le plus grand pourvoyeur de space pop-soul ; EWF est allé partout où il pouvait aller dans les années 1970, dirigé par White. Les chansons les plus amusantes du groupe sont sauvages, haut de gamme et audacieuses ; à leur meilleur, ils sont sur le territoire de Stevie Wonder.

Une figure emblématique, bien sûr, bien que celle que les gens connaissent depuis des décennies, publie sa version émétique et facile à écouter de "Layla", est avunculaire et imperturbable, si différente de l'âme troublée et angoissée qui a créé la chanson à l'origine. Ses solos semblaient alors enflammés, presque débridés ; quand il a commencé à se replier sur lui-même, les moments de beauté bouillonnante sont devenus sa carte de visite. Il est présent trois fois dans la salle (pour les Yardbirds, Cream et en tant qu'artiste solo), ce qui semble excessif, mais il faut admettre qu'il y a un argument pour cette troisième itération, étant donnéLaïla(techniquement par Derek et les Dominos),Foi aveugle(techniquement par Blind Faith) et plus d'une décennie de succès radiophoniques. Pourtant, les 40 dernières années ont été de faible puissance, sans un seul album ou morceau sur lequel on pourrait pointer du doigt et dire : This Was God. Récemment, bien sûr, l'angoisse de Clapton est revenue, et il s'est joint à Van Morrison dans certains des activismes politiques les plus fous de tous les temps, si vous voulez l'appeler ainsi, du côté des anti-vaccins et autres cinglés. des trucs, et rappelant à nouveau un discours raciste notoire qu'il avait prononcé sur scène dans les années 1970.

J'avaisCoup de pied à l'intérieur, l'album qui a rendu Bush célèbre à l'âge de 17 ans, alors qu'il était un très jeune adolescent ; Je peux chanter toutes les chansons dessus jusqu'à ce jour. Mais Bush m'a perdu à mesure qu'elle évoluait ; Je sais qu'elle est productrice, maîtresse des sons et star respectée au Royaume-Uni, mais je trouve beaucoup de ses constructions instables et pas si intéressantes. Je ne suis pas seul – elle n'a jamais été une chérie critique aux États-Unis – mais je respecte les gens qui l'aiment, et elle est incontestablement une véritable artiste à part entière, et exactement le type d'artiste que la salle devrait reconnaître.

Beaucoup de gens pensaient que ces types étaient des outils :Pierre roulantea eu une longue querelle avec le groupe; Frey, décédé en 2016, semblait sans âme ; et Henley, avouons-le, est un hypocrite criard. Et trop de leurs chansons, même au son agréable, semblent s'en prendre aux mauvaises femmes. Mais regardez les Eagles pour ce qu’ils étaient – ​​une société de rock – et vous voyez que Henley et Frey étaient des co-PDG très compétents. Ils ont gardé le produit dans le pipeline, maintenu la qualité, investi là où ils en avaient besoin (en faisant appel à Joe Walsh, puis à Don Felder). D'une certaine manière, ils méritent un JD Power Award ou quelque chose du genre plutôt qu'une intronisation au Temple de la renommée. Cela dit, il y a des chansons magnifiques dans leur répertoire, et « The Last Resort » et « Hotel California » (avec la musique de Felder) font au moins allusion à la conscience de soi. Cependant, vers le début des années 80, l'arrogance, la complaisance et une aura de suffisance suffisante ont pris le dessus, et cela a été un long travail depuis lors, même si l'honnêteté m'oblige à dire que Henley a des chansons tueuses en tant qu'artiste solo.

Ils sont meilleurs pour être rockétoiles, peut-être, que d'être un grand rochergroupe, mais ils sont si bons dans le premier cas que ce n'est pas vraiment une insulte. Au début, il était difficile de les prendre entièrement au sérieux, étant donné qu'il s'agissait d'un groupe de Seattle qui sortait son premier album en même temps quePas grave. Mais ils se sont bien sûr transformés en une opération sérieuse avec une belle attaque live et un chanteur intrépide quoique trop sérieux. Avec le temps, le groupe s'est ressaisi et a produit de bonnes chansons au milieu de sa suffisance (« Corduroy », « Better Man »). Ils sont en fait devenusaussicélèbres et ont travaillé dur pour se ramener à un niveau de renommée acceptable, ce qui nous ramène à leur talent pour être des rock stars.

Amarré dix crans pour orchestrer l'induction la plus orwellienne de la salle. La première fois que j'ai vu Pearl Jam, ils faisaient la première partie des Jayhawks, et je les ai vus 10 ou 12 fois au cours des trois ou quatre années suivantes, notamment en regardant un spectacle dans un stade depuis le côté de la scène, ce qui était un peu comme si je me tenais dessus. une aile d'un 747 qui décolle. Quoi qu'il en soit, à cause de tout cela, je peux témoigner avec une certaine autorité qu'il y avait un gars nommé Dave Abbruzzese qui jouait de la batterie pour eux à chacun de ces concerts au cours de cette période charnière… mais son nom n'était pas mentionné dans l'intronisation. Il faut supposer que c'est sous les ordres du groupe qu'il s'est fait raidir. Son licenciement, à l'époque – en raison de conflits de ton avec Eddie trop sérieux, qui voulait mettre son propre batteur – était bien sûr la prérogative de PJ ; mais cet effacement peu généreux de l'histoire est une mauvaise image pour ce groupe aux principes élevés, sans parler des moroses qui dirigent la salle.

Le chanteur Stubbs avait une voix titanesque. « I'll Be There » est peut-être le morceau le plus émouvant de Motown.

Ils étaient très populaires dans les années 1960 avec un groove proto-power-pop très mélodique, des harmonies créatives et une écriture de chansons assez sophistiquée. Après le départ de Graham Nash, ils ont réalisé un travail tangentiel mais acharné dans les années 1970 (« Long Cool Woman », « The Air That I Breathe »), avec l'aide d'auteurs-compositeurs extérieurs. Un peu indistinct mais, comme je l'ai dit, rustique.

Carly Simon vient d'une famille riche et, au fil des années, l'obsession à ce sujet est devenue un peu sexiste. (Beaucoup plus de gens savent que Simon était la fille de l'un des fondateurs de la maison d'édition Simon & Schuster que, disons, que le père de Jim Morrison était un amiral très important au début de la guerre du Vietnam.) Mais Simon a laissé un une série de succès forts et assez sophistiqués dans les années 1970, dont elle a écrit pour la plupart au moins la musique, ainsi que deux classiques pop-rock forts : l'un est une chanson de James Bond qu'elle n'a pas écrite (« Nobody Does It Better ») et l'autre un roman à clef sui generis qu'elle a fait (« You're So Vain »). Elle n'a jamais été à l'aise sur scène et a fait peu d'apparitions live. J'ai l'impression qu'avec le temps, ses disques ont perdu un peu de leur profondeur, mais pendant la première moitié de la décennie, elle a été l'une des principales auteures-compositrices-interprètes de chansons soft-rock sur des thèmes adultes.

Ces gars-là n’ont pas sorti de bons albums. Ils sortent à peine des albums écoutables. Mais ils étaient là lorsque la contre-culture s'est créée et au centre de l'une des scènes les plus vibrantes et les plus influentes de l'époque, et ont fourni, pour le meilleur et pour le pire, une bande-son appropriée à l'époque, que le groupe a vue de près et personnellement. (Le chanteur Balin a été frappé par un Hell's Angel à Altamont.) Slick a refusé de venir à la cérémonie.

Un acte féroce à l'époque, avec la voix forte d'Eric Burdon hurlant des hymnes à l'indépendance. Burdon a fait connaître le nom du groupe avec quelques singles inédits dans les années 1970, mais plus tard, Springsteen a ravivé leur réputation en reprenant « It's My Life » en concert et en établissant un lien direct entre la vie de l'ouvrier à travers les décennies et l'Atlantique. Burdon, d'ailleurs, dans l'un de ses accès d'ambition post-Animals, a formé le groupe War, avec lequel il a eu un tube étrange, "Spill the Wine". Ce groupe a évolué après son départ pour devenir un groupe rock-pop latino pionnier avec de nombreux succès – autant que, par exemple, les Mamas & the Papas.Le monde est un ghettoétait l'album le plus vendu de 1971. Pourquoi les nimrods de Journey sont-ils dans la salle et pas ces gars-là ?

La reconnaissance par la salle des joies ineffables de la dance-soul des années 70 est inégale. Cela a amené Kenny Gamble et Leon Huff très tôt. C'étaient les cerveaux derrière Philadelphia International, le label connu pour les O'Jays, Billy Paul et « Me and Mrs. Jones », et un tas d'autres hitmakers. L'un des producteurs maison, Thom Bell, a ensuite produit, entre autres, Stylistics et Spinners. Aucun de ces groupes n'a eu, disons, un succès au niveau de Temptations, donc, à part les O'Jays, il a été difficile pour la salle de les accueillir. Mais ils étaient tous des éléments du son kaléidoscope de l'époque. Quoi qu'il en soit, voici les Spinners, qui, je pense, ont eu le plus de succès, et sans doute les plus variés, de "I'll Be Around" à "Mighty Love" en passant par "The Rubberband Man". Il était temps, et maintenant faisons venir Harold Melvin et les Blue Notes.

Beaucoup de hits brillants, un son groovy, très apprécié par des gens comme Steve Van Zandt. Je pense qu'ils n'ont pas de profondeur.

Une partie de ce que ce groupe a fait était inexcusable, mais ils ont créé suffisamment de chansons émerveillées très agréables pour ne pas être entièrement rejetées ; au final, face à peu de concurrence, ils étaient probablement le moins idiot de tous les groupes de rock progressif des années 70 après Floyd, du moins du côté pop du spectre, et ce malgré un chanteur principal exaspérant et des œuvres tout aussi exaspérantes commeContes des océans topographiques, un disque qui, en plus de son titre ridicule, ne comprenait que quatre morceaux fortement entre parenthèses, d'une durée moyenne de plus de 20 minutes. D’un autre côté, les disques, gracieuseté du producteur Eddie Offord, sonnent plutôt bien. Et vous pouvez faire valoir l’argument : « Oui, ça s’est amélioré ; le sensationnel « Going for the One », un paroxysme d’hyper-virtuosité délicieuse du guitariste Howe, est arrivé assez loin dans leur carrière. Puis un gars des Buggles les a rejoint.

Créateurs de succès hard-rock mélodramatiques avec une configuration unique composée de deux chanteuses hard rock. Et ils ont aussi écrit ces tubes. Ann Wilson a toute une voix. Ils ont fait un retour commercial dans les années 1980 avec l'aide d'auteurs-compositeurs extérieurs. (J'ai l'impression d'écrire souvent cette phrase.)

Selon les règles de la salle, vous êtes éligible à une nomination 25 ans après votre premier disque. Une nomination au cours de votre première année d'éligibilité signifie quelque chose : votre stature est telle que vous devriez être dans la salle immédiatement. Biggie Smalls s'est-il qualifié ?

Je pense que son intronisation était prématurée – une autre des révérences de la salle face au caractère commercial et au désir de vendre des billets pour son grand concert d'intronisation. Beaucoup de gens pensent que Smalls est l’un des meilleurs rappeurs de tous les temps. Pour moi, il est toujours une figure d'une époque où la musique était extrêmement axée sur des tropes psychotiques grossièrement articulés sur le sexe et la violence. Bien sûr, le gangsta rap est une forme valable et, bien sûr, Smalls est un maître, mais c'est toujours un gars qui a écrit des chansons sur le fait de se faire sucer par des « salopes ». Les albums de Smalls, supervisés par Puffy, sonnent bien et se vendent bien, mais Sean Combs a toujours été un producteur superficiel et très dérivé qui a emprunté une myriade d'idées à des personnes meilleures (souvent de la côte ouest). L'échantillonnage du duo était particulièrement naïf : « Mo Money Mo Problems » est un excellent morceau, mais c'est parce qu'il s'agit essentiellement d'une reprise de « I'm Coming Out » de Diana Ross. Il n’y a rien de décontextualisé dans le riff de Rodgers et Edwards. Et à ceux qui disent que c'est une machine à mots, je dis : faisons d'abord entrer Rakim.

Certaines personnes avec lesquelles vous ne pouvez pas discuter. Barry Gibb était une assez grande star dans les années 1960, l’une des plus grandes des années 1970, et un auteur-compositeur à succès et un hitmaker occasionnel pendant une décennie ou deux après. Comme pour Neil Diamond, il est difficile de contester 50 ans de célébrité crédible. La voix de Robin est ce qu'elle est, et je ne sais pas ce qu'a fait Maurice. Après une série de succès tour à tour lacrymogènes et sucrés dans les années 1960, le trio était devenu totalement hors de propos en 1975, mais ils ont intelligemment fait évoluer leur son avec un producteur atlantique avisé et talentueux, Arif Mardin, etPlat principalils ont entamé une résurgence disco de leur carrière que personne n'avait vu venir ; leLa fièvre du samedi soirla bande originale est devenue l'un des disques les plus vendus de tous les temps. Je suppose qu'une grande partie était de la pop jetable, mais il y a aussi « Stayin' Alive », une chanson rock aussi bonne que n'importe quelle chanson de Michael Jackson.

Nous aimons tous Baez. Elle a été la première superstar du folk et a eu de jolis succès. Sa légende a été éclipsée par vous savez qui – qui, par-dessus tout, a inspiré sa plus grande chanson, « Diamonds and Rust », un brûleur d’émotions qui peut encore vous faire frissonner les poils des bras. Je déteste le dire mais, même si elle a un merveilleuxvoix, c'est une personne parfois inécoutablechanteur.

Une présence blues-rock importante et expansive ; plus de succès que prévu.

La réputation et l'image persistante de Sabbath ont toujours transcendé leur travail, leurs albums ou leur présence dans les années 1970. L'argument pour eux est qu'ils étaient responsables du côté dévolu (!) du heavy metal - un accord, livré avec ce qui à l'époque semblait être une vitesse pulvérisante - qui surgissait encore et encore parmi des gens pour qui Zeppelin était sacrément trop fleuri. . L’argument contre a été articulé par Lars Ulrich lors de leur introduction : « S’il n’y avait pas de Black Sabbath, je pourrais peut-être encore être livreur de journaux du matin. »

Laissant de côté la voix indéniable, je ne sais pas à quel point l'œuvre du bien-aimé Ronstadt a vieilli ; après un début organique, elle s'est associée au producteur Peter Asher, dont le style de studio très efficace a vendu beaucoup de disques et, avec le travail tout aussi antiseptique des producteurs des Eagles, des Doobies, de Supertramp et d'autres, a contribué à dénaturer systématiquement un bon une grande partie de la musique (et de la radio pop) pendant cette période. Elle était une interprète compétente sur certaines reprises évidentes et faisait de temps en temps quelque chose d'inattendu.

Un acte solide de Motown, qui veut dire quelque chose. Il a produit deux des tubes les plus retentissants du label (« Heat Wave », « Dancing in the Street »), ce qui n'est pas peu dire.

Ces gars-là avaient une histoire sympa : des progéniteurs du proto-rock-soul (« Shout », « Twist and Shout ») devenus des hitmakers des années 70 (« That Lady »). C’est bien, mais c’est un autre exemple de la façon dont la salle plonge profondément dans certains genres au détriment d’autres.

Simone était un talent distinctif qui a fait face à des difficultés toute sa vie, certaines provoquées par elle-même. Pour mémoire, elle est quelque chose comme une artiste jazz-pop, pas une artiste rock.

Je trouve Vincent un peu trop frais et… peut-être que le mot est immature, même sur un classique comme « Be-Bop-a-Lula ». Pas vraiment de carrière à part cette chanson. Vincent a été blessé dans le même accident de voiture qui a tué Eddie Cochran en 1960. Le reste de sa carrière a été inégal ou triste, et il est décédé à 36 ans.

J'aimerais faire une pause ici et noter ceci. En parcourant la liste à venir, je pense que nous entrons ici dans le domaine des actes qui, même s'ils ne sont pas totalement indignes d'être présents dans la salle pour une raison quelconque, sont nettement inférieurs à un certain nombre d'autres qui n'ont pas encore été intronisés. Voici ma liste actuelle, par ordre approximatif, des actes qui devraient être dans la salle mais qui ne le sont pas, tous basés sur ces matrices mobiles d'influence, d'importance et de qualité.

Joy Division/Nouvel Ordre
Bambaataa Afrique
Lonnie Donegan
Guerre
Diane Ross
Eric B. et Rakim
Ian Hunter/Mott le Hoople
Barry Blanc
Les charpentiers
OutKast
KC et le Sunshine Band
Nas
Warren Zevon
Jonathan Richman
Le Shangri-Las
Les poupées new-yorkaises

Pour mémoire, la publication originale de cette histoire préconisait l'intronisation de Roxy Music, Todd Rundgren, T. Rex, les Go-Go's, Kraftwerk et les Doobies, qui ont tous depuis été intégrés à Kraftwerk dans une catégorie secondaire.

Les Carpenters sont un autre exemple frappant de la façon dont la salle se moque de certains genres. Le soft rock était un genre très répandu dans les années 1970. Pas tout à fait à mon goût au-delà de quelques singles joyeux, mais les Carpenters étaient un vrai groupe ; ils avaient une batteuse, Karen, avec une belle voix incomparable, et son frère, Richard, un auteur-compositeur décent et l'un des producteurs et arrangeurs les plus réussis de l'époque. (Et à tout le moins, « A Horse With No Name » américain devrait être reconnu dans la catégorie des célibataires.)

Les reliques des années 60 qui ont créé la salle ont connu une période mouvementée dans les années 1970, et la perturbation psychique a toujours déformé la vision de cette décennie mal engendrée. La salle n'a jamais su reconnaître le disco, et des stars importantes des années 70 comme Bowie et Lou Reed n'ont été intronisées qu'après des années de négligence.

Cela dit, une conversation que j’ai eue met en perspective certaines des constructions philosophiques auxquelles la salle est confrontée. J'ai aimé discuter avec feu Jim Bessman, écrivain de longue date pourPanneau d'affichageetVariété, ancien membre du comité de nomination, puis membre du comité votant. Je lui ai demandé pour qui il avait voté cette année-là, soit 2019. « Aucun de ceux pour lesquels j'avais voté n'a été élu », a-t-il répondu. «J'ai voté pour cinq. Il y a les Zombies, Link Wray et MC5 – et ceux-ci sont pour moi incontestables. Les deux prochainssontdiscutable, j'ai voté pour Kate Bush, que j'aime et que je considère extrêmement importante, et pour Judas Priest. Pour moi, c’est aussi rock and roll que possible. Bessman m'a également dit qu'il avait passé ses années au sein du comité de nomination à défendre, en vain, la cause de Lesley Gore.

Mon point de vue : Gore est discutable, mais tout ce que j'ai vu dans sa liste, ce sont cinq notes de bas de page sur l'histoire du rock and roll, et non des intronisés au Temple de la renommée. Je pensais que Bessman étaithors de son esprit. Cela m'a rappelé que chaque critique de la salle a sa propre liste d'artistes et que Bessman penserait probablement que ma liste d'oublis est également un gâchis. Peresman et Wenner l'ont répété à maintes reprises : « C'est une question degoût", a déclaré Wenner à un moment donné. Avec le temps, j’ai senti qu’ils avaient raison. Ils parlaient après avoir vécu des années, voire des décennies, un flot incessant de personnes qui leur reprochaient les oublis perçus dans la salle.

Dion avec et sans les Belmont a eu beaucoup de succès, et DiMucci lui-même a une personnalité gagnante. Certains de ses trucs sont schmaltzy et une grande partie étaient des couvertures quelque peu déracinées de meilleures interprétations noires. Je me rends compte que beaucoup de gars des années 60 (quand il s'agit de salle, rappelez-vous, nous parlons principalement de gars des années 60) ont grandi avec lui, et ses chansons sont dans leur psychisme de la même manière que les Smashing Pumpkins, par exemple, vivent dans le psychisme des enfants nés dans les années 80. Pour moi, le cas de Dion se résume à sa seule contribution incontestable, quoique douteuse, à la musique : il est l'articulateur définitif du truisme rock and roll selon lequel les garçons peuvent célébrer leur propre matou (« The Wanderer »). et pourtant, toute femme qui essaie de faire la même chose est qualifiée de salope (« Runaround Sue »). Ce sont des succès solo de DiMucci ; Le plus grand succès des Belmont en tant que groupe était « Teenager in Love ». C'est un autre de ces morceaux de ringard aléatoire que les Belmont n'ont pas été inclus dans l'intronisation.

C'est une tenue bizarre. Si vous avez grandi dans les années 1970, vous connaissiez leurs nouveautés funk légèrement décalées comme « Jungle Boogie » et « Hollywood Swinging ». Puis, alors que personne ne les regardait, ils ont engagé un nouveau chanteur très classe et ont rencontré le producteur qui avait propulsé Richard Strauss au sommet des charts. (Je parle de Deodato, qui a eu un coup de chance en 1973 avec une version funky et jazzée de « Also Sprach Zarathustra », alors dans le Zeitgeist en raison de son utilisation dans2001 : Une odyssée de l'espace.) Le résultat fut une série de singles pop-soul brillants mais très légers dans les derniers jours de l'ère disco. Je voudrais souligner une fois de plus ici que War, qui a eu une demi-douzaine de hits absolument meurtriers dans les années 70 et une sensibilité beaucoup plus provocante, n'est toujours pas dans la salle.

Nyro est un grand excentrique rock-jazz-classique-pop, créateur de quelques ramifications bavardes au grand cœur du Great American Songbook. Puisque je m'appelle Bill, j'aime peut-être « Wedding Bell Blues » plus que la plupart des gens, et je suis heureux que la salle soit ouverte aux excentriques comme elle. Mais Bill the Grumpy Critic note qu'une fois de plus, il s'agit d'une personne de second rang avec un coin amen parmi les baby-boomers au sein du comité de nomination, tandis que les groupes plus importants et plus influents sont ignorés.

Il incarnait le reggae pour les Américains avant même Marley ; a écrit certaines des chansons reggae les plus durables de l'époque (« Many Rivers to Cross », « The Harder They Come ») ; et en tant que star dePlus ils viennent fortétait une icône hors-la-loi pendant une génération. Il a sorti de nombreux albums au fil des ans ; aucun de ceux que j'ai entendus n'est aussi bon que lePlus ils viennentbande sonore.

Un sui generis blues boogie stomper, souvent ralenti jusqu'à des niveaux de barbituriques. J'aime Hooker, mais pourquoi son truc bizarre est-il loué alors que ceux de tant d'autres sont ignorés ?

Ces gars-là ont eu un succès phénoménal pendant quelques années, mais les succès ont chuté assez rapidement après l'arrivée des Beatles. Comme le Dave Clark Five, le résultat est une pop agréable et piquante, rien de plus. Très peu de défis sociétaux à leur sujet – du moins jusqu'à ce que vous arriviez au tube des derniers jours, chanté par le batteur, sur la perte de sa virginité juste après l'assassinat de JFK.

Jay-Z est très riche, considéré comme l'un des meilleurs rappeurs de tous les temps et, bien sûr, fait partie d'un mariage de grande puissance pour les âges. Pour moi, il est l’incarnation du hip-hop corporatif. Son succès remarquable et durable et ses positions astucieuses – de son art à ses actes en passant par son mariage – ont fait de lui une superstar éternelle. Et de temps en temps, il enregistre une chanson avec une certaine force. Mais il y a quelque chose de sombre et de vide chez lui. Le sujet de la plupart de ses chansons est mémoriel. Beaucoup de ses productions sont évidentes et exagérées. Il a collaboré avec R. Kelly bien après que ce dernier ait été dénoncé comme un prédateur et, à part une ou deux déclarations publiques, vous n'avez pas entendu ce prétendu dur dire grand-chose sur Donald Trump au cours des cinq ou six dernières années. Mais : pendant la dernière partie des années 90 et la majeure partie des années 2000, le vide de Jay-Z régnait, et il méritait probablement d'être au Temple de la renommée du rock and roll à un moment donné. Mais son intronisation au cours de sa première année d'éligibilité est un autre signe déprimant de la volonté de la salle de faire du succès commercial son critère de facto de reconnaissance.

La puissance industrielle ou la stridence politique de Rage ne m'ont jamais parlé philosophiquement ou musicalement, en live ou sur disque, et me semblent à ce jour loin dans la liste des artistes majeurs des années 90 qui n'ont pas encore été reconnus par la salle (une liste qui a PJ Harvey en tête). Tom Morello, qui est un bon guitariste et un gars intelligent et doté de principes, est un vétéran du comité de nomination lui-même. Cela signifie, pour être clair, qu'il est assis dans la salle lorsque les gens décident ou non de faire de son groupe l'une de leurs deux nominations au cours d'une année donnée. Ce n’est pas une configuration idéale, et en tout cas, le comité met consciencieusement son groupe en avant depuis des années. Finalement, le comité de vote a mordu. Ce n'est pas un groupe intronisé au Temple de la renommée.

Une âme groovy élémentaire avec un fond très résistant, construite sur les lecteurs de session Stax/Volt connus à l'origine sous le nom de Mar-Keys. Ils ont soutenu tout le monde, d'Otis Redding à Wilson Pickett, et ont eu quelques succès à eux seuls, menés par l'orgue palpitant de Jones, notamment « Time Is Tight » ; dans les années qui ont suivi leur participation à de nombreuses réceptions de premier plan de l'industrie. Leur travail en studio et le sang-froid étudié de Jones mis à part, il est difficile de voir comment leur carrière d'enregistrement peut être qualifiée d'artiste rock régulier, entre guillemets, et c'est ainsi qu'ils ont été intronisés. Pourquoi ces gars-là et pas le groupe house de la Motown ?

Une réfutation banale du dicton de Fitzgerald selon lequel il n’y a pas de second acte dans la vie des Américains. Après avoir été d'assez grandes stars dans les années 1970 sous le nom de Stateside Stones manqués avec une série d'albums de rock américain durs et sobres, ils ont tout foutu en l'air et se sont retrouvés juste de ce côté du flophouse. Une belle histoire américaine (et rock and roll) ! Mais ensuite Geffen, qui a vu une marque précieuse moribonde, les a nettoyés et, plus important encore, les a mis en contact avec des auteurs-compositeurs extérieurs. Avec Desmond Child et Diane Warren (!) qui leur donnaient de fausses chansons rock incroyablement merdiques, ils étaient à nouveau des stars ; ils se sont dégrisés et ont adopté le modèle d'Alice Cooper consistant à se présenter à tous les tournois métaphoriques de célébrités. Leur héritage est constitué de quelques épopées marquantes des années 70 (« Dream On », « Sweet Emotion »), d'une fusion hard rock-rap cool et meurtrière (« Walk This Way » avec Run-DMC), et de nombreux génériques de Diane Warren et Desmond. Pabulum enfant. Child, qui a notamment contribué à « Dude (Looks Like a Lady) », « Crazy » et « Angel », aurait dû être intronisé dans le groupe. (cf. Bon Jovi.)

Doo-wop très haut de gamme, marqué par la voix céleste de celui qu'il chante sur le spectaculaire « I Only Have Eyes for You », un marron même dans les années 50. L’histoire serait mieux servie s’ils avaient été inclus dans la nouvelle catégorie Hall of Fame Singles.

Valens était l'un des premiers rockeurs, connu pour quelques succès rock merveilleusement débridés des années 50 – notamment « La Bamba » – puis faisant partie du même accident d'avion dévastateur qui a coûté la vie à Buddy Holly et au Big Bopper. L'un des premiers rockers hispaniques aussi. Il n’a pas vécu si vite, est mort jeune et a laissé derrière lui un album de grands succès.

Trent Reznor a percé en 1989, avant Nirvana, avec l'attaque industrielle féroce et sombre deJolie machine à haine.Son travail n'était pas tout à fait simple, mais il était assez extrême pour l'époque, et ses shows en club étaient plutôt agressifs. Il a rapidement montré qu'il avait de plus grandes choses en tête, en produisant des océans de sons punitifs à la fois sur disque et en live.

Reznor a été nominé à plusieurs reprises et, en réponse, a fait tout son possible pour dire à quel point il considérait que la salle était une blague. Radiohead, lui aussi, avait été particulièrement impitoyable, et un ancien membre du comité de nomination à qui j'ai parlé a déclaré qu'il avait entendu dire de première main que cela avait freiné le mouvement en faveur des membres du comité de nomination. Les tirs isolés dans la salle ont-ils affecté les nominations ? J'ai demandé à Wenner. «Non», dit-il. « Vous entrez, que vous ricaniez ou non. Vous entrez, que vous soyez présent ou non. Radiohead a été dûment intronisé peu de temps après. Reznor finalements'est présenté pour introniser le Cure lors de la cérémonie de 2019, et cela a apparemment amené les membres du comité de vote à venir.

Ces gars étaient étrangement grandiloquents et le leader Jeff Lynne est un talent incertain. Il y a une certaine force dans « 10538 Overture », de la beauté dans « Can't Get It Out of My Head », quelque chose d'ineffable dans « Telephone Line ». Cependant, rien de tout cela n'est subtil, et il y a suffisamment d'absurdités depuis la fin des années 70 (Xanaduet « M. Blue Sky », pour commencer) pour saper la prétention de Lynne à la substance, avant même qu'il ne devienne un producteur remarqué et intrusif auprès de tant de noms connus que l'intronisation est devenue une fatalité.

Un quatuor au son doux issu de la scène schlock-pop du début des années 60 à Los Angeles et construit autour des talents incertains de John Phillips et de la voix forte de Doherty. Bien sûr, vous adorez « California Dreaming » et « Monday, Monday », mais il n'y a plus rien d'intéressant ici après le premier album.

La salle confond une grande histoire de rock and roll – Lymon chantant « Why Do Fools Fall in Love ? » mais je me retrouve mort d'une overdose d'héroïne à 25 ans - avec un bon rock and rollgroupe, ce que Lymon et les adolescents ne sont pas. Un autre candidat Rock and Roll Single.

Les Small Faces étaient Steve Marriott et Ronnie Lane et ont interprété de douces chansons comme « Itchycoo Park » et « Lazy Sunday ». Ils auraient dû être trop twee pour les mots, mais la voix incroyable de Marriott, son formidable centre rock et la présence mélancolique de Lane sont apparus ici et là dans le rock au cours des années qui ont suivi. Marriott s'est lancé très fort dans Humble Pie. Rod Stewart a rejoint le groupe et le groupe a continué sous le nom de Faces. (Techniquement, les deux groupes n'ont pas le « le » dans leurs noms, mais cela a rarement été observé aux États-Unis.) Ensuite, Stewart s'est laissé distraire par sa carrière solo. L'héritage enregistré de la deuxième itération est plutôt nul ; Stewart et Wood finiraient par se ressaisir et feraient des choses incroyables ensemble sur les albums solo de Stewart. Mais c'est difficile de ne pas aimerle charme traînant et dissolu des Visages.

Un élément clé du brain trust Stax/Volt – co-auteur de « Soul Man », le classique de Sam & Dave ; « BÉBÉ » de Carla Thomas ; et quelques autres succès R&B. Puis il est devenu l'artisan d'une savoureuse âme fondue dans les années 70, devenant finalement juste ce côté-ci d'une parodie de lui-même. Sa seule grande chanson : le « Theme From Shaft », primé aux Oscars et toujours sensationnel. Une grande partie de la renommée de Hayes réside en tant qu'auteur-compositeur ; la salle devrait soit l'introniser comme tel, soit mettre « Shaft » dans la catégorie des célibataires.

Brenda Lee était une très grande star dans les années 1960, mais je ne sais pas pourquoi elle figure au Temple de la renommée du rock and roll. Incontestablement talentueuse et dotée d'une voix enjouée, elle était en réalité une star de la country-pop que l'histoire a largement oubliée 48 semaines par an. Dans les quatre derniers, sa version de « Rockin' Around the Christmas Tree » est en rotation importante à travers le pays. L'argument en faveur de l'inclusion de Lee est que les réalités de l'industrie musicale maintenaient les femmes dans des rôles subordonnés et sûrs, et que ceux-ci devraient également être reconnus. Très bien, mais il y a d’autres artistes dans cette position, comme Lesley Gore, qui ont proposé un art qui repoussait beaucoup plus les limites de la pop.

Il va bien. Encore une fois, la salle s'enfonce dans le deuxième niveau d'un genre tout en laissant de côté les personnes de premier plan dans d'autres.

La voix de Love est une partie indélébile des sons des groupes de filles du début des années 1960, même si on l'entendait sous différents noms, notamment les Crystals (« He's a Rebel ») et Bob B. Soxx and the Blue Jeans (« Zip-a- Dee-Doo-Dah »). Elle a elle-même été créditée sur le titanesque « Christmas (Baby Please Come Home) » ; tout cela était sous l’égide de Phil Spector.

Leur grand succès est, à certains égards, très important – le plus grand succès pop de tous les temps – et leurs voix n'étaient pas petites non plus. Avec l'aide des productions de Phil Spector, leurs singles font partie de l'éther d'une cinquantaine d'années plus tard, et le seront probablement encore dans 50 ans.

Ces gars-là ont commencé dur. Tom Johnston a craché les histoires dans des chansons comme « Long Train Running » et « China Grove » d'une manière bourrue et douloureuse. On ne savait pas pourquoi il s'inquiétait autant à propos de « Miss Lucy », mais c'était ainsi que les choses se passaient à l'époque. C'était un créateur de riffs fiable et facile, et l'autre guitariste, Pat Simmons, jouait bien aussi. Dans l’ensemble, les Doobies étaient un groupe plutôt correct malgré leur nom stupide et le fait qu’ils avaient deux batteurs. Puis Michael McDonald, doux et à la voix enfumée, qui avait eu une petite carrière parallèle sur la scène de Los Angeles, nous a rejoint. Il était un peu moins dur. (L'une de ses premières chansons emblématiques était « Taking It to the Streets ». Oooh – attention, rues ! Parole clé, et je n'invente pas ça : « Nous en discuterons plus loin. ») Flash-forward cinq ans : Johnston est parti, McDonald est ascendant. Regardez cette vidéo deun groupe anodin et épargné qui se balance avec tant de précaution sur « What a Fool Believes » de McDonald's.» Jeff Baxter est assis sur une putain de chaise. C'est une superbe histoire de rock and roll, et elle appartient au Rock and Roll Hall of Fame.

Une tenue soul pré-disco fiable de l'écurie Gamble & Huff ; plusieurs hits chauds, pas grand-chose d'autre. Comme je l'ai dit plus haut, la salle n'a pas tout à fait capturé les gloires de la soul des années 70. On pourrait faire valoir que les O'Jays ne sont pas vraiment au niveau d'un groupe du Temple de la renommée, et il en va de même pour Harold Melvin, les Stylistics, les Spinners, et ainsi de suite. Mais leur absence, et celle des groupes disco comme Chic, KC & the Sunshine Band, Diana Ross et bien d’autres, laisse un grand vide dans l’histoire du rock.

Van Halen était un big band au son presque hystérique (gracieuseté du guitar hero Eddie Van Halen) attaché au chanteur le plus insensé du rock. Assez juste. Mais l’idée qu’Hagar – arrivée après que les frères Van Halen en aient eu assez de Roth – ait un lien avec un Temple de la renommée du rock and roll au-delà du balayage du parking est comique d’une manière totalement différente. En raison de divers problèmes de drogue et de luttes intestines, le bassiste Anthony et Hagar étaient les deux seuls membres à assister à la cérémonie. Bien joué, les garçons !

Je pense que c'était une erreur au début de la salle : ils voulaient faire venir un artiste doo-wop comme signe des intentions de la salle la première année, et ils sont allés avec McPhatter ; l'année suivante, ils ont intronisé les Drifters, dont il avait également été l'un des chanteurs principaux. C'était un gars remarquable avec une voix remarquable, mais il n'a pas besoin d'être dans la salle deux fois et sa carrière solo a été relativement mince. Mais il était sur l'Atlantique, et pendant les années Ertegun, cela suffisait.

À leur meilleur, ils étaient trop bons pour être ignorés, mais pour mémoire, ils devraient également figurer au Temple de la renommée des bozos. Rappelons qu'après les débuts des Gunners, il leur a fallu quatre ans pour proposer une suite légitime - qui comprenait quatre (!) albums complets de matériel, dans lesquels on pouvait trouver environ un et un- des demi-albums de matériel décent. Ensuite, ils ont été vraiment désorganisés et leur comportement – ​​officiellement et officieusement, avant, pendant et après leur apogée – était répugnant. Un véritable coup de grâce, tant pour la salle que pour la prison. A noter que Steven Adler, qui a joué uniquement sur le premier album des Gunners, est dans la salle, alors que le gars de Pearl Jam, qui a joué surContre.etVitalologie, ce n'est pas le cas. Personne ne sera surpris d'apprendre que Rose, après de nombreux drames, s'est retirée de la cérémonie via un billet-doux pompeusement écrit et rempli de jargon juridique.

Ces gars-là ont vendu beaucoup de disques dans les années 1960 – le groupe de surf-rock par excellence, marqué par les guitares meurtrières de Bob Bogle. Ils étaient énormes et fondamentalement un acte de nouveauté, et ils n'ont pas écrit leur grand succès, "Walk - Don't Run".

Ce groupe morne est traité par réflexe avec respect depuis un demi-siècle. Pourquoi? Un pourcentage marginal de son travail enregistré est écoutable ; même les chansons qui sonnent bien – comme, disons, « Riders on the Storm » – sont ruinées lorsque vous réalisez sur quoi vous chantez. (« Comme un chien sans os / Un acteur prêté. ») Et les déclamations peu subtiles de Morrison sont rapidement devenues risibles, comme dans « Touch Me ». Une fois que le groupe est devenu célèbre, il s'est presque immédiatement mis en place tout en déversant un excès de pompe, certains prétendaient en fait qu'il s'agissait de poésie.

La salle devrait avoir une formule qui déduit le crédit lorsqu'un groupe réputé devient une réfutation de lui-même. À leurs débuts, dirigés par Peter Gabriel, il y avait une étrange grandeur dans leur style art-rock, et quelque chose reste de la puissance du groupe à ce jour dansL'agneau se couche à Broadwayet l'épopée « Le souper est prêt », sans parler de l'iconographie inquiétante concoctée par Gabriel. Beaucoup de groupes des années 70 ont évolué : Fleetwood Mac, les Doobies, Roxy. Après le départ de Gabriel, Genesisdéconcentré– dans un trio de frumps d’âge moyen qui maîtrisaient l’art de faire les imbéciles pour les enfants de MTV dans les années 1980. Imaginez David Lynch partirPics jumeauxet Aaron Spelling prend la relève en tant que showrunner. Malheureusement, la salle n'a pas pu proposer une « Genèse jusqu'à ce queVent et Wuthering»induction. Voici comment procéder : amarré dix encoches pourChauffeurs de taxi, dix de plus pourDuc, et 20 autres pour la vidéo « I Can't Dance ».

Ce type était un artiste mineur, connu pour son grand succès – « Runaway » – et pas grand-chose d’autre. À ce stade, c’était comme si la salle nourrissait leur nostalgie au hasard.

Miller est un personnage intéressant ; il a grandi sous la tutelle de Les Paul et est devenu un formidable guitariste dès les débuts de la scène de San Francisco. Au milieu des années 70, il s'était fait une réputation avec quelques chansons groovy (« Living in the USA ») et une tranche classique de pop-psychédélisme sonique (« Fly Like an Eagle » et une partie de l'album qui l'accompagne). Mais ses albums sont par ailleurs, dans l’ensemble, des dégâts impies, et aprèsAiglesa renommée reposait sur une liste toujours plus stupide de singles pop. Miller, qui a vécu assez confortablement ces 50 dernières années, a, pour une raison ou pour une autre, une puce sur l'épaule et a fait la une des journaux enfulminant contre le Rock and Roll Hall of Fame devant la pressedans les coulisses après son intronisation. Je pense aussi que c'est stupide. Ma question pour Steve est : « Alors pourquoi étais-tu là ?

Ces gars sont des idiots, en particulier le batteur, mais ils étaient un groupe pionnier du speed-metal, quelle que soit la valeur de cette musique illustre. J'ai toujours pensé que le groupe méritait un peu plus de crédit parmi ses pairs pour ne pas être particulièrement répugnant à l'égard des femmes. Mais toute la malveillance et le chaos dont ils ont parlé se sont finalement révélés plutôt inefficaces, et ils ont fini par poursuivre en justice les fans qui avaient téléchargé leur musique sur Napster. Ces jours-ci, ils se présentent à tous les événements de l’industrie, se pavanant et essayant de paraître durs. Comme je l'ai dit : Knuckleheads. Et ne me lancez pas dans le batteur.

Notez le nom de Robert Trujillo ci-dessus. Il a rejoint le groupe il y a 10 ou 15 ans, bien après tout album de Metallica digne d'intérêt. Je peux comprendre la politique impliquée lorsqu'un grand groupe que vous souhaitez introniser (et amener des fans payants à votre grande cérémonie d'intronisation annuelle) insiste pour inclure un membre moderne sans importance. Mais cela signifie simplement que la salle aurait dû redoubler de prudence pour assurer la cohérence des autres actes, par exemple en incluant Gram Parsons avec les Byrds.

J'aime les Springfield, mais étaient-ils vraiment un groupe majeur ? Bien sûr, Stills et Young étaient de la partie – mais vite : nommez une chanson de Buffalo Springfield à côté de « For What's It's Worth ». Pourtant, innovateur du country-rock, et avec l'aide de Young, certains s'aventurent dans un psychédélisme organique avec des morceaux comme « Broken Arrow » et « Expecting to Fly ».

Ce groupe de synth-pop précoce, sinon fondateur, s'est séparé au fil du temps d'une multitude d'agrégations de style Human League et a été l'un des premiers à montrer qu'on pouvait faire du rock sans aucune guitare dans le groupe. (C'était un problème à l'époque.) Il avait aussi une structure étrange. Après le départ de Vince Clarke pour former Erasure (il y a maintenant un groupe au Temple de la renommée), Martin Gore a écrit toutes les chansons, Dave Gahan les a chantées et les deux autres gars se sont occupés de la production et de la gestion. Depeche Mode est resté occupé pendant les années 80 et, à vrai dire, s'est un peu amélioré, culminant avecMusique pour les messesetViolateur(même si je pense que sa meilleure chanson, «Everything Counts», est arrivée tôt). L'Angleterre a pleinement adopté le groupe. Aux États-Unis, les relations étaient un peu plus difficiles : elles sont passées presque inaperçues lorsque Depeche a pris de l'ampleur et a joué dans un stade ou deux.

L'argument en faveur de l'inclusion dans la salle est que Depeche Mode était un groupe de synth-rock assez populaire dans les années 80 et 90 – un cran au-dessus des Thompson Twins et autres. L’argument contre est que Gahan a une voix fastidieuse et de stentor et que Gore n’était rien d’autre qu’un auteur-compositeur utile. Le travail de New Order était sombre et complexe pendant cette période. Les Pet Shop Boys créaient des œuvres remarquables de pop espièglement transgressive. Les chansons de Gore, en revanche, semblaient un peu sophomoriques au sens littéral du terme – comme le produit d'un étudiant de deuxième année talentueux qui aimait New Order mais ne maîtrisait pas encore la programmation. Au-delà de ça, les Pet Shop Boys ont deux ou trois excellents albums de rock and roll. New Order propose près d’une demi-douzaine de classiques dance-rock intemporels de premier plan. Depeche Mode n’en a pas. La nomination semble être le produit d'une organisation qui ne comprend pas très bien la musique qu'elle pense honorer.

Vous pouvez considérer Cooper comme un ancêtre glam ou un ancêtre kitsch ; ne possédant rien de comparable à l'intelligence (ou à l'art) de Bowie, il était néanmoins assez malin pour continuer à connaître le succès une fois qu'il avait décidé d'agir de manière effrayante et tout. Il a eu un premier album à moitié convaincant et plusieurs autres succès hard-rock-pop à moitié convaincants, ou à peu près aussi convaincants qu'un succès hard-rock-pop peut l'être. Il a ensuite joué de manière encore plus convaincante le rôle d'un génial showman, masquant un ensemble d'intérêts infantiles et une incohérence esthétique illustrée à la fois par ses apparitions enthousiastes surLes places d'Hollywoodet son restaurant de longue date à Phoenix, le Cooper'stown au rythme indigeste, un bar sportif bien éclairé… avec une superposition de rock gothique.

Ensemble R&B/doo-wop très cool, mené par Harvey Fuqua, une présence certaine. («Dix commandements de l'amour.») Pourtant, une tenue mineure.

Un guerrier heureux et un autre chanteur de soul au cœur ouvert. Mais il y a littéralement des dizaines d’artistes plus importants qui ne sont pas encore présents dans la salle.

Il y a une coterie critique qui aimait ces gars, dont on se souvient maintenant juste pour « Glad All Over », qui n'est pas la moitié de la chanson que la coterie pense qu'elle est. Le reste – une grosse poignée de succès en un peu plus de 18 mois d’apogée – sont tous des chansons simples et trop compactes composées presque entièrement de monosyllabes, comme si les Beatles n’avaient jamais progressé au-delà de « Love Me Do ».

Comme la plupart des gens dans le monde, j'aime Bonnie Raitt, mais c'est une autre artiste qui expose la nostalgie de la salle. Elle a fait une série de bons albums, produits de manière indifférenciée dans les années 1970, et comme beaucoup d'autres héritages des années 70, a connu une réémergence commerciale dans les années 1990, avec une production plus commerciale mais beaucoup moins – quel est le mot ? — l'authenticité. Ouais, je sais qu'elle sait jouer de la guitare, mais encore une fois, le rock and roll ne sonnerait pas différemment si elle n'avait jamais enregistré.

Ces gars vont bien. Doo-wop, une touche de blues, enregistrée depuis des décennies. Mais bon, il n’y a qu’une ou deux chansons meilleures que correctes dans leur sac et le chanteur principal est plutôt anonyme.

Une tenue d'invasion britannique semi-distinctive, livrant un premier hit semi-psychédélique, "She's Not There" (qui est antérieur au semi-similaire "For Your Love" des Yardbirds), et un autre plus tard appelé "Time of the Season". Les fans parlent du deuxième album,Odesse et Oracle,mais, comme on peut le constater, le groupe n'a même pas réussi à épeler correctement le titre, et à vrai dire, c'est un travail très twee et difficile à écouter, en dehors d'une ou deux chansons décentes du talentueux Rod Argent. , qui a connu un succès solo modéré après Zombies. Et c'était la carrière du groupe ! Comparez cela aux Hollies, qui ont enregistré 15 ou 20 albums et ont eu des succès pendant plus d’une décennie. Il s’agit d’un groupe mineur – et sans doute l’exemple le plus triste des fondateurs de la salle, centrés sur les années 60, jetant sombrement dans un dernier souvenir de boomer et raidissant littéralement des dizaines d’actes plus méritants.

Il a eu une série de gros albums et quelques succès, et est souvent regroupé avec des stars des années 70 comme Elton John, McCartney et Wonder. Bizarrement, Joel peut en fait faire les mêmes choses qu'eux, mais environ dix fois pires. C'est en réalité juste un autre Lionel Richie. Joel touche au rock comme il touche au R&B ou au doo-wop ; c'est juste une autre position désinvolte, temporaire ou une opportunité de mimétisme. Il n'a rien à dire, et « We Didn't Start the Fire » pourrait être la chanson rock la plus stupide de tous les temps. Pire encore, certaines de ses postures les plus flagrantes ont été celles avec des chansons que vous ne pouvez pas sortir de votre tête (« Uptown Girl »). Assez stupide pour avoir perdu tout son argent en ne gardant pas un œil sur son manager et assez intelligent pour continuer à offrir aux fans les succès lors de tournées à gros prix.

Cet artiste bien intentionné, sympathique et, à sa manière, humble est un parfait exemple du double standard de la salle. Vous pouvez presque entendre les déclarations pompeuses de quelqu’un dans la salle de nomination : « John Mellencamp mérite certainement d’être au Temple de la renommée du rock and roll ! » Et pourquoi pas ? Il est sérieux, écrit des chansons décentes et respecte pleinement ses aînés. Mais quand même : à quel point est-ce du rock and roll ? Et encore une fois, je l'aime bien. ("Ils m'ont fait changer de nom!", a-t-il chanté de manière attachante dans l'une de ses premières chansons - rappelez-vous qu'il a d'abord enregistré sous le nom de Johnny Cougar.) Mais, mon garçon, vous pouvez voir l'intérêt de ceux qui pensent qu'il est une chaudrée, ce qui Je suis à moitié d'accord avec ceux qui notent que pratiquement tout dans son livre de jeu d'ouvrier est Springsteen Lite, avec lequel je suis entièrement d'accord. Et de toute façon, est-ce que « décent » est la norme ? Bob Seger a écrit littéralement une douzaine de chansons meilleures que tout ce que Mellencamp a imaginé, et le rock ne serait pas différent si Mellencamp n'était jamais né.

Donovan était un adepte facile d'une sorte de poésie-folk-psychédélisme, généralement mais pas toujours du bon côté du risque total, et un hoo-boy quand il ne l'était pas. (« Lalena / Je ne peux pas te blâmer. ») Et puis il y a tout ce qui ressemble à du Dylan de mauvaise qualité.

The Lovin' Spoonful était le plus hippie-dippi des groupes décents des années 60 ; même leur « Summer in the City », semi-dur, n’est qu’à moitié crédible. Pourtant, ils nous ont donné « Do You Believe in Magic », la plus grande chanson hippie-dippie de tous les temps. Le leader Jean-Sébastien deviendra plus tard – comment dire cela ? – excessivement fantaisiste.

La mort prématurée de Darin, due à des problèmes cardiaques, a fait de lui un personnage quelque peu tragique. Cela dit, sa carrière a été celle d'un grand schlock, avec un classique par hasard (« Beyond the Sea ») et une nouveauté à succès (« Mack the Knife ») – tous deux, évidemment, écrits par d'autres (l'un est un air français, et le l'autre est Weill/Brecht) — son seul héritage.

Vaughan était un guitariste électrique dans les deux sens du terme et un dur à cuire. Il est mort trop tôt, dans un accident d'hélicoptère en 1990. Se plaindre qu'il est un frimeur n'est pas pertinent, même si pour les étranges guitaristes de blues blancs du Texas, je préfère Johnny Winter, qui, à côté de Vaughan, est plutôt austère. Je pouvais voir Vaughan être intronisé dans la nouvelle sous-catégorie « excellence musicale ».

Un grand homme, un guitariste sérieux, une présence inflexible. C'est un mec majeur et un solide pratiquant et j'ai passé des nuits agréables dans son club à le regarder jouer. Mais je ne sais pas s'il a un héritage enregistré, et c'est un autre exemple de la salle qui s'enfonce profondément dans un genre, peut-être pour des raisons sentimentales et des amis importants dans les coulisses, et en gardant les autres à l'écart.

Bien sûr, on salue l'inclusivité de cette sélection dans une tenue trop machiste, et trop hétéro aussi. Mais sérieusement : Jett n’a jamais enregistré un album mieux que pas inécoutable, et encore moins un excellent ; ses succès étaient des reprises ; et vivre les Blackhearts, c'était quoi ? Décent? Jett est un autre artiste qui a incontestablement bénéficié de sa présence à des événements en salle dans le passé. (Alerte ironique : l'une de ses reprises était « Crimson and Clover », un tube de Tommy James, dont la musique et l'histoire sont deux fois plus intéressantes que celles de Jett and the Zombies réunies… et n'est pas dans la salle.)

L’un des problèmes qui nous attendent est que nous serons bientôt à l’aube du 25ème anniversaire de la mort du rock. Il est difficile d’imaginer qu’un groupe de rock traditionnel majeur ait succédé à Radiohead. Beck, j'en suis sûr, arrivera à un moment donné. (J'ai hâte de voir comment le film d'introduction sur lui approfondira son implication dans l'Église de Scientologie. Peut-être que la salle pourra convaincre Tom Cruise de l'introniser !) Mais quel artiste majeur viendra après lui ? La foule de Kanye West, et Kanye lui-même, n'arrêteront pas de crier jusqu'à ce qu'il soit là. Wilco, oui… White Stripes, peut-être. Mais regarde çaliste des futurs éligibleset dites-moi qui seront les grandes rock stars intronisées dans dix ans.

Il était britannique mais aussi grec, et juste assez iconoclaste et talentueux pour se créer une niche solide dans les années 1970, alors que les succès ne cessaient de lui arriver. Il s’agit d’un autre choix de nostalgie des baby-boomers très sentimental et non menaçant, introduit bien avant des artistes beaucoup plus influents et intéressants de la même époque.

Ils ont été intronisés par Fall Out Boy, un honneur en soi. (My Chemical Romance avait apparemment un conflit.) Ces gars étaient à l'origine des pets, pas des artistes, dans l'après-guerre.Pas graveexplosion de brat-punk. Puis ils ont grandi, dans le respect de leurs aînés et en inventant des opus toujours plus ambitieux, quoique un peu ennuyeux. Ils sont tellement mainstream maintenant qu’ils ont un spectacle à succès à Broadway, et je pense que l’histoire va les oublier.

N'ayant de comptes à rendre à personne, un artiste aussi recitudinaire que le soft rock ait produit. Pourtant, bien qu'il y ait quelques belles chansons dans son œuvre (outre les succès pour lesquels il est connu), il n'est pas une personne de substance particulière.

Dave Grohl & Co. s'acharne sur la salle depuis deux décennies, et la plupart des observateurs considèrent leur intronisation comme une fatalité. Que cela se soit produit est une parfaite illustration de l’insularité du comité de nomination et de sa lâcheté commerciale croissante. Ce n'est que dans cette salle de réunion (dont Grohl lui-même fait désormais partie) que ce groupe populaire mais méconnu de la critique pourrait être considéré comme un membre du Temple de la renommée et encore moins comme un groupe qui devrait être intronisé au cours de sa première année d'éligibilité. Je ne ricane pas du premier album, qui, j'en suis sûr, était une sorte d'exorcisme pour Grohl, et il a ensuite fait quelque chose qui ressemble à un vrai album pas mal avec un vrai groupe avecLa couleur et la forme. Mais le reste du travail des Foo Fighters est une espèce étrange de thrash-pop familiale dénuée de sens – une impasse fade et anodine du punk rock stimulant que l'ancien groupe de Dave Grohl, Nirvana, incarnait autrefois. Lui et ses camarades de groupe méritent les gros salaires et les accessoires qui en découlent, comme le brillant New YorkFoisprofil commodément lié au scrutin du Temple de la renommée cette année-là. (L'article, de manière amusante, tout en s'efforçant de trouver des choses plus agréables à dire sur Grohl, a donné au groupe un grand mérite pour son éthique de travail assidue consistant à sortir un album tous les trois ans et à donner des concerts qui sont parfois...Mme Springsteen, mes sels odorants !- plus de deux heures.) Les membres tentaculaires et majoritairement masculins de la salle ont voté pour ces gars-là - et ont commodément donné à la salle un grand tirage au sort pour son concert d'intronisation plus tard dans l'année.

Un autre rocher de compagnie. Frampton était une bizarrerie au milieu des années 1970, un sideman efficace dans le féroce Humble Pie de Steve Marriott, puis un fournisseur régulier d'albums solo solidement tièdes, où même les reprises des Stones et de Stevie Wonder semblaient un peu sobres. Il avait également une opération de tournée quotidienne. Rien de tout cela n’explique pourquoi un double album live, en 1976, alimenté par des remaniements de quelques morceaux légèrement accrocheurs de son précédent album solo, est devenu un phénomène. Le suivi,Je suis en toi, était complètement schlock, et son rôle principal dans le film le plus pénible à regarder de l'époque,Le sergent. Groupe du Pepper's Lonely Heart's Club, a définitivement mis fin à sa célébrité deux ans après son apparition.

Putney était un gars suave ; il savait jouer de nombreux instruments, s'est assis avec les Stones, a écrit quelques chansons remarquables (comme « Hello Mary Lou » et « He's a Rebel ») et s'est bâti une carrière avec « 24 Hours From Tulsa », « Town Without Dommage» et d'autres bribes (vraiment) surmenées qu'il n'a pas écrites. Son meilleur morceau reste son premier tube, « (I Wanna) Love My Life Away ». Ni sa carrière devant ou derrière le conseil d’administration ne justifie son inclusion dans la salle devant des dizaines de personnes plus influentes.

Ces gars étaient des stars du doo-wop dans les années 1950 grâce au fausset aigu de Gourdine. Ils se sont réorganisés dans les années 1960 avec des hypermélodrames pop comme « Going Out of My Head » et « Hurts So Bad ». Les gens de Hall comme Jon Landau sont des étudiants en musique et je suppose que je respecte leur jugement selon lequel le groupe était réellement important. Mais c’est un autre exemple de la façon dont la salle a été à la recherche du dernier praticien décent de certains genres mais pas d’autres. Pourquoi les mélodrames de ces gars-là et pas, disons, ceux de Lesley Gore ? Y a-t-il de la musique aujourd'hui qui a été influencée par cet acte et non par Joy Division et New Order ? Je ne pense pas.

C'est un véritable génie décalé de la Nouvelle-Orléans, une relique d'une époque antérieure, et il a eu quelques succès, mais un autre exemple de la façon dont le public (il a joué au Band'sDernière valse) obtient les honneurs devant les étrangers.

Pas grand-chose au-delà de son cri classique sur «Quand un homme aime une femme». Je viens d'écouter son album à succès et il n'y a pas une autre chanson que vous joueriez pour impressionner quelqu'un avec les talents de Sledge. Ce type est plus important dans l'histoire du rock and roll que Kraftwerk ?

Tout ce que vous pouvez faire, c'est baisser les bras. En quoi est-ce un acte du Temple de la renommée ? « Sara Smile » et « She's Gone » sont de merveilleux singles, Hall est un digne promoteur de la soul aux yeux bleus et Oates n'est pas Andrew Ridgeley. Mais ils se sont rapidement transformés en hitmakers pop saccadés. Il s'agit d'un autre exemple d'un acte médiocre dans lequel une célébrité prête son nom aux premières cérémonies en salle, pour être ensuite récompensée tandis que d'autres actes plus importants sont laissés de côté.

Beck est un autre gars qui se présente à toutes les grandes soirées all-stars ; avec ses T-shirts sans manches et son style de jeu wowza inimitable et très maîtrisé, il fait belle figure. Pourtant, Beck a été intronisé parmi les Yardbirds; son travail en solo (notammentFilaireetCoup par coupdans les années 1970) et dans d'autres ensembles au cours des années qui ont suivi n'ont fait de lui qu'une figure mineure et respectée. C'est un guitariste incroyable, tout comme, je ne sais pas, John McLaughlin (qui a joué avec Miles et dont la poursuite d'une fusion tout aussi frénétique à la même époque était beaucoup plus séminale et corsée) et une demi-douzaine d'autres personnes. . Je paierais volontiers de l'argent liquide pour voir Beck en concert demain soir, mais cela ne veut pas dire qu'il n'est pas un intronisé très en club et un autre exemple de la façon dont la salle absorbe par réflexe les pratiquants des postures rock and roll acceptées (ici, le mec sexy mais pas homoérotique avec une guitare).

Mike Bloomfield, qui était la star de ce groupe, est désormais oublié mais il étaitleGuitariste de blues américain blanc de son époque et la quintessence de l'explorateur de la musique sensible au racisme. (Butterfield était un harpiste robuste.) Ils étaient l’équivalent américain des Stones et des Yardbirds, travaillant sur un idiome de blues blanc ; Contrairement à ces Britanniques, cependant, le groupe n’a jamais réalisé quoi que ce soit car ils n’ont jamais enregistré de bonnes chansons. Pourtant, à l’époque, Bloomfield était considéré comme un créateur de tendances. (Dans l'ancienPierre roulantesections de disques, vous pouvez trouver des critiques se demandant : « Que penserait Mike Bloomfield de cela ? ») Il est mort d'une overdose en 1981. Comme je l'ai dit, oublié aujourd'hui et probablement un bon candidat pour la sous-catégorie d'excellence musicale. L'histoire en ce qui concerne la salle est que Wenner, après des années à défendre Bloomfield & Co., a finalement obtenu ce qu'il voulait.

Plus de rock lumpen des années 70. Deep Purple avait deux bonnes chansons, peut-être deux et demie. Leur réputation repose aujourd’hui sur un seul (« Smoke on the Water »). (Sans cela, que sont-ils ? Uriah Heep ?) Et le groupe a immédiatement perdu tout son intérêt après le départ de Blackmore. On n'a jamais vraiment compris pourquoi un groupe comme Deep Purple s'était lancé avant, par exemple, les Doobie Brothers, qui, sans parler de leur nom, avaient dès le début une féroce attaque de guitare et pas mal de singles forts. Il semble évident de ce point de vue que « Smoke on the Water » aurait dû être honoré dans la catégorie singles pour permettre au groupe et au riff emblématique de Blackmore d'être reconnus de cette façon.

Au milieu des années 2010, le groupe de nomination avait formé un sous-comité ad hoc pour régler la gestion incohérente de la salle du hard et du rock progressif des années 70. Rolling Stone a ridiculisé les premières sorties de Led Zeppelin (même la critique de Zoso, écrite d'ailleurs par Lenny Kaye, membre de longue date du comité de nomination, ne mentionne "Stairway to Heaven" qu'en passant), et il y avait apparemment un dédain persistant pour des personnages aussi grossiers. Ce travail, s'il a été réussi, a sans doute conduit à l'intronisation de Yes, en 2017, mais aurait aussi pu aller un peu trop loin, avec Deep Purple and the Moodies. (Je ne veux pas trop entrer dans les détails ici, mais j'ai l'impression que quelqu'un aurait pu plaider en faveur d'un groupe beaucoup plus influent comme Boston, dont le leader Tom Scholz était l'une des figures les plus iconoclastes de l'époque et dont [la sur]production des deux premiers albums du groupe entraînerait des changements significatifs dans la façon dont le hard rock était enregistré.) Ces actes ont également placé des keisters aux places pour la cérémonie d'intronisation annuelle.

Cependant, je pense que la loi des conséquences involontaires est déjà revenue pour mordre le cul. Les membres votants – le groupe, totalisant plus de 1 000 personnes maintenant, qui votent chaque année sur la liste du comité de nomination, qui décide qui entre réellement – ​​comprend, entre autres membres de l'industrie, tous les intronisés précédents. C'est génial, pensez-vous – Joan Baez, disons, ou Paul McCartney, méritent certainement un vote, n'est-ce pas ? Mais qu’en est-il de tous les membres (et parfois des membres élargis) de tous ces foutus groupes amenés ? Ces gens ont inondé la salle ces derniers temps – des scores ces dernières années ! Qu’est-ce qui pourrait mal se passer ? Considérez : à l'heure actuelle, un pourcentage non négligeable des membres votants du Rock and Roll Hall of Fame est constitué d'anciens batteurs des Red Hot Chili Peppers et des Guns N' Roses. Wenner déclare : « [Les intronisés comme] le cinquième batteur de Guns N' Roses ne votent pas. Ils ne remettent pas leur bulletin de vote.

Ils formaient un couple remarquable dans ces années de synth-rock – ou plutôt, Lennox était une figure marquante. Leur partenaire Dave Stewart a écrit les chansons et ensemble, ils ont enregistré quelques succès, même si j'ai toujours senti que leur énergie était un peu forcée. Lennox est un personnage et a continué à créer des disques solo très adultes. Stewart est devenu un producteur de club occupé et prolifique – mais pas particulièrement remarquable. Leur intronisation, ainsi que celle de Duran Duran, est un exemple de l'orientation de la salle vers des actes populaires avec des fans stridents. Encore une fois, il est difficile de voir comment on peut faire ressortir des actes oubliés des années 80 comme celui-ci alors que le Nouvel Ordre n'a pas encore été reconnu. Culture Club aussi, maintenant que j'y pense. (Ils étaient inhabituels et ont apporté un bagage d'influences joyeuses et inattendues à leur musique – et, soit dit en passant, ont eu beaucoup plus de succès qu'Eurythmics.) Mais, comme nous l'avons établi, la salle n'aime pas les garçons qui se déguisent. en tant que filles et se concentre beaucoup plus sur le fait de donner aux acteurs de l'industrie comme Stewart de nouveaux morceaux de foofaraw à ajouter au CV.

Cette intronisation est en quelque sorte une blague. Après le Bangladesh etTout doit passer— c'est-à-dire après 1971 — La carrière solo d'Harrison était en baisse constante. Vous n'entendrez pas cela dans le documentaire de quatre (!) heures de Scorsese, mais sa tournée Dark Horse a été un fiasco, ses disques solo étaient uniformément médiocres et ce gros succès de fin de carrière (« Got My Mind Set on You ») c'était une couverture. Harrison était un membre fabuleux des fabuleux Beatles et il est à juste titre très apprécié.Le concert pour le Bangladeshle film est encore très agréable à ce jour. Mais ce n’est pas un artiste important en tant que figure solo.

L'influence musicale de Crow est nulle ; la musique n'aurait pas été différente si elle n'avait pas existé. Elle n'a pas grand-chose à dire et elle n'a jamais reçu autre chose que l'attention passagère des critiques. Et elle ne vend même pas beaucoup de disques. Ce pour quoi elle est douée, ce sont les contrats de parrainage (beaucoup, beaucoup de contrats de parrainage) et le fait de sucer la salle. L’idée que Crow soit dans la salle au lieu d’un artiste distinctif comme, disons, PJ Harvey, qui a commencé à sortir des albums en même temps, me semble étrange.

Il s’agit peut-être du premier intronisé totalement cynique. La pop a bien sûr sa place au Rock and Roll Hall of Fame, mais pas les dessins animés pop. Et si tusontil y aura des dessins animés, pourquoi pas les Monkees ? Josie et les Pussycats ? Mötley Crüe ? La véritable motivation ici était de donner à la salle quelque chose à commercialiser auprès du public.Oh maman !ensemble. En fait, seuls deux membres se sont présentés à la cérémonie. ABBA est une ligne de choc et rémunératrice, mais ce n'est pas un groupe qui a laissé une grande marque dans l'histoire.

Voici une question corollaire. Que devrait faire la salle à proposimportantdes lignes de punch ? Aux États-Unis, nous connaissons Lonnie Donegan comme un Britannique pur et simple qui a réalisé une version dénaturée de « Rock Island Line ». Son nom est également lié à jamais à un succès de nouveauté, « Votre chewing-gum perd-il sa saveur (sur le montant du lit pendant la nuit ?) ». Mais : ce n’est vraiment pas qui était Donegan. Lui et son ami Chris Barber, musicologues sérieux, ont laissé une marque indélébile au Royaume-Uni dans les années 1950 avec un style musical appelé skiffle, une musique basée sur le blues que les amateurs pouvaient jouer avec des instruments bon marché. Cela vous semble familier ? Le couple est devenu très célèbre en Angleterre à la fin des années 1950 etle skiffle a été une source d'inspiration centrale pour pratiquement tous les joueurs qui allaient stimuler l'invasion britannique.– littéralement des dizaines de personnes sur cette liste. (Le groupe pré-Beatles de John Lennon, les Quarrymen – celui dans lequel il jouait lorsqu'il a rencontré McCartney – était un groupe de skiffle.) Donegan n'est-il pas l'un des artistes les plus influents de l'histoire du rock ?

Voici un autre exemple : KC et le Sunshine Band. Harry Casey et Richard Finch étaient des prodiges de la production qui ont co-écrit et coproduit « Rock Your Baby », l'un des plus grands singles de tous les temps, au début de la vingtaine. Leur groupe KC et le Sunshine Band sont devenus des superstars du disco et de la pop un an plus tard. Mis à part la magnifique Donna Summer, la salle n'a jamais vraiment abordé le disco. Un autre : le « Rapper's Delight » du Sugarhill Gang, le « Does Your Chewing Gum Lose Its Flavor » du hip-hop.

Peu de choses dans le rock m'irritent plus que la façon dont ces frat-boys funksters, peu acclamés par la critique, avec un mépris palpable pour les femmes, ont commencé à se moquer du Rock establishment – ​​et y ont réussi. Des morceaux de poésie hors du terrain comme « Under the Bridge » sont devenus leurs cartes de visite de respectabilité. Leurs comportements révoltants bien documentés à leur apogée sont oubliés ; aujourd'hui, ils sont censés être méchants et street, mais ils sont suffisamment en sécurité pour se présenter à la mi-temps du Super Bowl, et probablement aussi pour faire une synchronisation labiale. Je sais qu'ils peuvent jouer de leurs instruments ; toujours un groupe de dink, et attendu depuis longtemps pour une récompense #MeToo. Et avec huit intronisés ! (Le manager du groupe, Cliff Burnstein, soulignent sombrement les théoriciens du complot, siège au comité de nomination.)

Cette opération root-rock extrêmement inoffensive présente l'émotion discrète du leader Matthews sur un mélange ou un méli-mélo, à votre choix, de styles organiques, mais ne s'éloigne jamais vraiment de la sensation d'un groupe de gars qui jouent à Hacky Sack devenant un peu funky. Ils n'ont jamais été mentionnés dans le sondage Pazz & Jop. En effet, la chose la plus rock and roll à laquelle le groupe ait jamais été associé a été le jour où le chauffeur de son bus de tournée a malencontreusement décidé de vider les toilettes de son véhicule alors qu'il traversait une rivière au centre-ville de Chicago. Un bateau d'excursion se trouvait en dessous à ce moment-là.

Je sais qu'Ice Cube est un formidable artiste ; il est également l'auteur du doux couplet « Vous laissez un juif / Briser notre équipage » et un adepte d'autres absurdités antisémites dont je ne me souviens pas qu'il se soit jamais dissocié, encore moins s'être excusé. Je sais que Dre est l'un des producteurs de musique les plus importants ; c'est aussi un gars qui bat les femmes. Et je sais que « Fuck Tha Police » est une chanson remarquable ; mais je sais aussi que sa genèse est venue lorsque Dre et Eazy-E ont été surpris en train de conduire autour de Compton avec un pistolet à peinture, tirant sur des gens aux arrêts de bus – c'est-à-dire, ruinant les vêtements des travailleurs qui allaient travailler pour un travail de merde. nourrir leurs enfants boiteux. Ces gars sont tous de véritables joyaux. NWA est plus qu'une note de bas de page dans l'histoire du rock, mais le groupe n'a pas grand-chose au-delà de son premier album.

Duran Duran était une bande de poseurs sans gloire des années 80 qui épousaient les fades thatchérismes et déclamaient sur des pistes d'accompagnement atroces tout en courant dans des vidéos debout dans des bateaux ou à côté de mannequins. Le groupe avait dès le début une puce sur l’épaule à propos de tout cela. Ils semblaient se douter à quel point leur attitude était bouleversante. Leur défi flou est mieux apprécié s’il est lu à haute voix avec la voix de David St. Hubbins : « J’aime les fêtes. Je ne pense pas qu'il y ait quelque chose de mal à cela. Et si les gens pensent que c'est glamour, très bien. Mais si les gens pensent que c’est quelque chose de mauvais, j’aimerais avoir des raisons pour cela. » C'est une citation du chanteur du groupe, l'ineffable Simon Le Bon (connu en coulisses sous le nom de « Lardo »).

Les Moody Blues étaient bien pour ce qu'ils étaient et ont eu pas mal de succès au-delà de leurs albums lourds, lents, nombreux et oubliés. L’opération de la fin des années 2010 était dangereusement proche de devenir le Classic Rock Hall of Fame. Les Moodies n'étaient qu'un autre groupe nostalgique des Boomers qui prenaient un bain de langue dans le hall pour aider à vendre des billets pour les installations de Cleveland. Laine, d'ailleurs, que la plupart des gens connaissent grâce à son passage dans Wings, a chanté sur le premier tube du groupe, « Go Now », une reprise. Il a été exclu de l'annonce originale de la salle, mais a ensuite été réintégré.

Le Temple de la renommée du rock and roll devrait-il tracer des lignes ? Il y a de la place pour les artistes les plus controversés du rap, de la country et du jazz. Richard Pryor devrait être présent, sur les principes généraux. Les Carpenters aussi – c’était un groupe de soft-rock légitime. Mais la pop est quelque chose de différent. Historiquement, il est basé sur un ensemble assez restreint de tropes lyriques sentimentaux, c'est séduisant sans défi, et l'authenticité ne fait généralement pas partie du mélange, même si elle a remarquablement évolué. Houston est issue des traditions soul et R&B, mais elle est une chanteuse pop et pas grand-chose d'autre. Il y a une énorme différence entre son travail et les voyages émotionnels beaucoup plus personnels proposés par, par exemple, Mary J. Blige. Il y a beaucoup de groupes des années 60 et 70 qui étaient essentiellement des groupes pop, mais ils étaient clairement contre-culturels à l'époque, faisant partie d'un réseau bouillonnant de créatifs à travers le pays expérimentant le son et emmenant la musique dans différentes directions. Houston n’était rien de tout cela.

Comme Streisand, Houston avait une belle voix et elle en tirait beaucoup d'argent ; comme Julio Iglesias, elle est devenue une icône de la pop et a également gagné beaucoup d'argent grâce à cela. Les fans les plus ardents des artistes pop souhaitent toujours qu’ils obtiennent également toutes les récompenses. C'est à cela que servent les Grammys… et les Billboard Awards, les People's Choice Awards, les American Music Awards, les VMA, et je pourrais continuer (et ainsi de suite). Houston était doué pour être une figure pop, mais n’a rien apporté de plus à ce qui est ou était au fond une force contre-culturelle.

Tout cela dit,Le déclin de Houston était triste, et son histoire personnelle, dans un certain sens, était très rock and roll – sans l'art personnel. Une réalisation douteuse : la participation de Houston à l'émission de télé-réalité la plus sordide de toutes. (Pour une raison quelconque, son montage d'induction n'incluait pas le clip deÊtre Bobby Browndans lequel Brown, assis sur les toilettes, se souvient avec Houston de la fois où il a extrait les excréments constipés de son côlon avec son doigt.)

Malgré cela, le nom de Houston a toujours un éclat. Les représentants de la salle, armés de points de discussion, ont parcouru l'année de sa nomination en affirmant que Houston était l'artiste le plus vendu qui ne se trouvait pas dans la salle. Cette affirmation trumpienne est à la fois hors de propos et incorrecte : Céline Dion et Mariah Carey ont toutes deux vendu plus de disques que Houston, et Garth Brooks et même Barbra Streisand sont dans la même ligue. Houston a été signé à 20 ans chez Arista, dirigé parClive Davis, qui a fait partie du comité de nomination pendant des décennies. Il s’agit d’une autre nomination en club. Avec l'ère du rock désormais clairement révolue et la génération des années 60 en train de suivre le chemin de toute chair (avec les survivants des années 70 juste sur ses talons), la salle prépare des plans pour un attrait plus pop afin de maintenir les ventes de billets. aller à Cleveland à l'avenir.

Un autre groupe des années 70 avec deux chansons et demie décentes et plusieurs décennies d'enregistrement et de tournées inutiles. Aujourd'hui, ce n'est plus un groupe de rock, juste une opération de relations publiques criarde devant et des gars qui se lancent dans l'enregistrement de temps en temps avant de partir sur la route, là où se trouve l'argent. Je suppose qu'il y a lieu de faire valoir que les dessins animés sont une belle tradition rock, en commençant peut-être par Screamin' Jay Hawkins et en passant par Alice Cooper, Kiss, et ensuite - qui ? Marilyn Manson? Mais est-ce là l’argument selon lequel Marilyn Manson devrait figurer au Temple de la renommée du rock and roll ? Gene Simmons a un loyer si bas que son émission de téléréalité lui rapporteL'incroyable famille KardashianressemblerLe fil.

L'année de l'intronisation du groupe, Simmons et Stanley ont tenté de faire valoir que les non-entités avec lesquelles ils jouent ces jours-ci devraient entrer dans la salle avec les membres originaux Frehley et Criss. Leurs demandes ont été rejetées, mais même si je déteste le dire, ils avaient raison ; si Pearl Jam and the Dead peut décider qui entre, pourquoi pas Kiss ?

Maintenant, pour être honnête, voici un autre point de vue, celui de Bill Adler, ancien membre du comité de nomination du Temple de la renommée : « Au moment où je suis arrivé là-bas, Kiss était déjà unscandale. C'était une campagne continue. [L'argument était] qu'ils étaient si grands, mais le comité de nomination snob ne leur donnait pas l'heure de la journée :Putain de baiser. Je m'en fichais, mais chaque année, vous pouviez compter sur les représentants du Temple de la renommée de Cleveland, les gars sur le terrain, pour venir dire : "Il n'y a pas un jour qui passe sans que quelqu'un de Cleveland n'entre dans mon affronter:Pourquoi Kiss n'est-il pas au Temple de la renommée?' Et à un moment donné, j'ai pensé, tu sais, putainmoi. Il s'agit d'une forme d'art populaire. Vox populaire. J'ai voté pour eux.

Je reprends le point de vue de Peresman et Wenner selon lequel les proposants travaillent de bonne foi et que le comité de vote prend ses décisions de manière indépendante. Pourtant, il est difficile de ne pas voir cela comme le « Nous avons besoin d'un grand nom pour vendre des billets pour notre spectacle annuel au Barclay's Center ». (Pour autant que je sache d'après les déclarations de revenus de la salle, le concert rapporte environ 3 millions de dollars chaque année.) Rush est unique parmi les groupes de rock progressif galumphy dans la mesure où il leur manque une seule chanson (vous savez, comme « Roundabout », « Court of the Crimson King », « Freebird », « The Lamb Lies Down on Broadway »), vous pourriez jouer pour quelqu'un pour essayer de le convaincre de l'importance du groupe.

C'est donc à juste titre que le groupe a été intronisé par Rob Thomas. Chicago était un ensemble de rock léger et indulgent, connu d'abord pour avoir introduit des charts de cuivres dans le mix, à peu près en même temps que Electric Flag et Blood, Sweat and Tears, et deuxièmement, pour une chaîne apparemment interminable de deux et même quatre disques dans les années 70. Vous ne pouvez pas contester leurs succès – certains assez doux (« Wishing You Were Here », « [I've Been] Searching So Long »), mais la plupart d'entre eux sont beaucoup plus shlocky qu'ils ne devraient l'être. (Comme « Samedi dans le parc » [devinez de quoi parlait celui-là !] et, comprenez ceci, « Harry Truman » [devinez de quoiqueon en parlait].) C'est probablement pourquoi, bien qu'ils fussent de loin le plus grand groupe américain des années 1970, ils n'ont jamais fait la reprise dePierre roulante.

Journey est le groupe ultime de plaisir coupable. Je viens de la Bay Area, donc « Lights » est une chanson géniale pour moi de temps en temps, et cela ne me dérange pas de l'admettre : j'aime aussi « Don't Stop Believin' ». Mais un plaisir coupable, par définition, c'est quand on aime une chanson d'un mauvais groupe de rock. Journey était un groupe de rock progressif de troisième génération – pas si super-groupe, une bande de nimrods habillés de façon comique qui posaient et se lissaient pendant qu'ils déchiquetaient. Le responsable était Rolie, qui avait en fait fait un travail crédible à Santana. Puis le schlockmeister à la voix forte Steve Perry s'est joint à lui, apportant avec lui un mélange de sentimentalité écoeurante ; cela n'avait rien à voir avec l'esprit du groupe, mais ils l'ont pris et ont couru avec. Ils ont été intronisés par… Pat Monahan, le chanteur de Train. Chad Kroeger a déjà eu un engagement.

Et maintenant, qu’en est-il de Blue Öyster Cult ? "Don't Fear the Reaper" est meilleur que n'importe quelle chanson de Journey. Ils furent l’un des premiers groupes « méta », vus comme du heavy metal d’un côté, quelque chose comme un projet art-rock (avec l’aimable autorisation de l’imprésario Sandy Pearlman et du parolier R. Meltzer) d’un autre. Voici une parole de R. Meltzer : « Avec une grimace intentionnelle et un son terrible / Il tire vers le bas les fils à haute tension qui crachent. » Voici une parole de Steve Perry : « Lovin', touchin', squeezin' / Each other. »

Def Leppard était un groupe de métal léger surproduit et étrangement anonyme qui avait quelques albums à succès au milieu des années 1980. Je n'ai pas de problème avec la présence de groupes de rock idiots dans la salle – où est Grand Funk Railroad, par exemple ? - mais si ces types avaient soudainement disparu, les seules personnes qui l'auraient remarqué, en dehors de leurs familles immédiates, auraient été les comptables de Mercury Records.

Wenner et Peresman ont catégoriquement nié toute interférence avec les procédures de vote. Nous devons les prendre au mot. Mais voici une réserve que j'ai : quand je regarde la composition actuelle du comité de nomination - lePierre roulanteles critiques ; des mecs majeurs comme Landau, Lenny Kaye et Steve Van Zandt ; des vétérans de l'industrie comme Seymour Stein et Bill Flanagan ; des artistes comme Robbie Robertson, Questlove et Tom Morello ; quelques personnes que je connais un peu ou que j'ai rencontrées au fil des ans – je pense, qui parmi ces personnes plaiderait en faveur d'un groupe méconnu et ignoré par la critique comme Def Leppard ? Le comité de nomination compte actuellement environ 30 membres et si, comme on me l'a dit, chaque membre peut plaider en faveur de deux lois, cela fait 60 au total pour les nominations de chaque année. Est-ce que Little Steven, ou Paul Shaffer, ou Kaye défendent vraiment la cause de ces idiots, ou même hochent simplement la tête en signe d'accord pendant que quelqu'un d'autre défend leur cause ?

Les forces obscures présentes dans la salle pourraient-elles insérer un groupe sympathique mais merdique pour vendre des billets pour le spectacle annuel et conduire le public au Hall of Fame Museum de Cleveland ? J'ai récemment parlé à un membre du comité de nomination, qui prétend que ce n'était pas le cas : « Non. Il y a beaucoup de soutien pour Def Leppard dans le groupe. Personne n'est allé [bruit de haut-le-cœur]. Il y a certaines nominations pour lesquelles je pense : « Vous vous moquez de moi ». Je n’ai remarqué personne grincer des dents.

Comme indiqué ci-dessus, la salle n’a pas fait un travail terrible en matière d’intégration des femmes. Ce n'est pas parfait, mais c'est parce que la salle n'est pas particulièrement bonne dans son travail sur tous les points. Il n'y a aucune preuve d'une réticence à reconnaître les artistes féminines, et il y a en fait des artistes féminines dans la salle qui ne devraient pas être là. Exemple concret : l’ascension bizarre du dessinateur et sans substance Pat Benatar. C'est une figure tout à fait triviale avec un petit groupe de succès, dont elle n'a écrit aucun, et le caractère clairement offensant de l'un d'entre eux (« Hit Me With Your Best Shot »), je pense, reflète adéquatement sa sophistication artistique. (Fait amusant : l'un de ses derniers albums s'appelleL'arc-en-ciel de la gravité.)

Pour la cérémonie de cette année, Benatar a été officiellement intronisé avec Neil Giraldo, qui joue dans son groupe depuis le début et a produit ou coproduit beaucoup de ses albums. Comme nous l'avons vu, la liste des producteurs négligés et des personnalités des coulisses qui ont joué un rôle important dans les travaux de nombreux lauréats est longue. Mais bon, le mari de Pat Benatar est là !

On disait toujours que Jann Wenner était tout à fait paralysé avec Jones, mais les têtes plus froides du comité de nomination ont résisté à la reconnaissance de ce groupe rock de troisième rang qui avait quelques singles pop-rock surproduits (« Hot Blooded », « Double Vision »). ") dans les années 1970. En 1979, l'année du lancement de Joy DivisionPlaisirs inconnus,Fleetwood Mac'sDéfense, celui d'Elvis CostelloForces armées, de Marianne FaithfullMauvais anglais, et les ClashAppel à Londres, ces gars ont sorti un album dont la couverture présentait la photo d'une femme essayant de faire une décharge dans un urinoir pour hommes. Vous savez comment ils parlent de la façon dont le rock a été dénaturé, espavé et surproduit dans les années 1970 ? Ils parlent de groupes comme Foreigner. Dans les années 1980, désespérés d’attirer l’attention, ils ont modulé leur son et ont enregistré un gros succès facile à écouter (« I Want to Know What Love Is ») et, encore aujourd’hui, ils sont irritants. (Pas plus récemment que l'année dernière, Graham se plaignait que la salle en voulait au groupe. Je suppose que la blague est de notre faute.) Il y a encore quelques groupes lumpen des années 70 dont vous pourriez faire valoir qu'ils pourraient encore se qualifier pour le Rock. et Roll Hall of Fame, comme Boston ou Jethro Tull. L’étranger n’en fait pas partie.

Si l’on prend en compte la popularité, Queen est le groupe le plus surfait de l’histoire de la musique pop. Cette agrégation absurde avait l'air et sonnait horriblement dès le début, leur musique était un pastiche de pastiches de choses que personne dans le groupe n'était enclin à comprendre, le tout culminant avec "We Will Rock You". Ceux qui détestent la reine adorent dire que la chanson est appropriée pour un rassemblement de Nuremberg, mais vous pouvez aussi voir Leni Riefenstahl l'écouter, pencher la tête et dire : « Nein. Un peu trop. » Leur popularité aux États-Unis a rapidement chuté aprèsLe jeu, mais ils sont restés des super-duper-stars inexplicables au Royaume-Uni et, au fil du temps, ont également réapparu dans la conscience pop américaine. Ils font désormais partie des rares groupes les plus vendus de tous les temps.

Comme nous l’avons vu avec de nombreux artistes, les échelles mobiles du comportement personnel et du talent artistique sont difficiles à gérer. C'est un problème difficile, avec une solution simple. Les critiques et les journalistes, qui sont aujourd'hui trop nombreux à être hagiographes et passent sous silence ou ignorent tout ce qui ternit l'image de l'acte, doivent tout expliquer aux lecteurs pour qu'ils puissent se faire leur propre opinion. Alors prends une chaise.

J'ai toujours trouvé que Queen était du mauvais côté dans presque tout. Il ne s'agit pas seulement de sucerIdole américaine, ou comment, après le succès deBohemian Rhapsody les autres membres du groupe ont donc investi leur catalogue dans des publicités télévisées. (Le dernier en date : « We Will Rock You » dans les publicités de Qatar Airways à l'occasion de la Coupe du monde qui se jouera dans ce cloaque des droits de l'homme.) Ces choses ne sont pas surprenantes pour un groupe qui, à l'époque, jouait contre Sun. City au mépris du boycott de l'ONU du régime de l'apartheid en Afrique du Sud. Permettez-moi d'expliquer ceci à des gens trop jeunes pour le savoir : au début des années 80, l'ONU, en collaboration avec des groupes de défense des droits civiques du monde entier, a déclaré un boycott culturel du gouvernement blanc fasciste et raciste d'Afrique du Sud, qui avait conçu un système qui reléguait la majorité noire à une citoyenneté de seconde zone, et qui n'était pas non plus agréable à ce sujet. Sun City était un casino au Bophuthatswana, l’une des enclaves réservées aux Noirs que le gouvernement de l’apartheid avait créées pour priver les citoyens noirs de leurs droits ; Queen y a joué malgré le boycott et a été dûment et à juste titre mis sur liste noire par l'ONU. « Nous aimons aller dans de nouveaux endroits », a déclaré Deacon.

Le groupe est cependant relégué à 30 crans pour cette raison : après la mort du chanteur principal du groupe, Freddie Mercury, mort du SIDA, l'univers rock tout entier a organisé une émission d'hommage télévisée, diffusée sur MTV, au cours de laquelle des mentions d'homosexualité et de SIDA ont été faites. gardé étroitement secret. Le groupe (et tous les autres participants au spectacle) ont fait savoir à une nouvelle génération d’enfants vulnérables – et à des milliers de personnes mal-aimées, mourant seules dans la rue – que oui, ils devraient avoir honte de qui ils sont.

Lorsque cette histoire a été publiée pour la première fois, beaucoup de gens ont dit que j'étais trop dur envers Queen et MTV ; Compte tenu de l’époque du début des années 1990, m’a-t-on rappelé, le sida et l’homosexualité étaient des sujets sensibles. Voici le problème : faire partie d'un groupe de rock est amusant. Comme je l'ai dit plus haut, il existe une multitude de sexe, d'argent et de privilèges que la plupart d'entre nous ignorent. Le seul inconvénient est que si votre chanteur principal est gay et meurt dans le cadre d'une épidémie qui frappe un groupe déjà confronté à des siècles de persécution, vous devriez vous lever et en parler pour rendre la vie un peu meilleure à tous. les gens qui ne sont pas des rock stars obligés de passer leurs derniers jours couverts de lésions, dépérissant et rejetés par leurs familles et la société en général. Trente ans plus tôt, les Lovin' Spoonful, dans l'une des meilleures chansons sur le rock and roll, l'avaient exprimé ainsi : « Croyez en la magie qui peut vous libérer. » Selon ce standard tout à fait crédible, Queen n’est pas du tout du rock and roll et n’a pas sa place au Temple de la renommée.

Peu d'artistes peuvent égaler la prétention de Cher d'avoir bâti une carrière de plus d'un demi-siècle comprenant à peine plus qu'une exploitation ringarde, une commercialisation avide et un goût atroce. Ses albums étaient toujours bricolés après coup ; sa discographie de singles — commençant en 1964 avec une nouveauté sur le thème des Beatles (« Ringo, I Love You »), puis passant par des reprises plombées des années 60 (« All I Really Want to Do », « For What It's Worth »), un une série de singles glauques des années 70 (« Dark Lady », « Gypsies, Tramps and Thieves »), puis des abominations intermittentes à réglage automatique des derniers jours (« Believe ») - est spectaculaire dans sa gamme d’esthétiques douteuses s’étalant sur une décennie. Dans ses temps libres, elle a joué et, plus assidûment, colporté des cochonneries sur le Home Shopping Network.

Les gars de Bon Jovi ne font pas partie d'un groupe de rock. Bon Jovi, ce sont les gars dufilmà propos du groupe de rock. Tous les membres font bien leur travail ; mais quelle que soit l'efficacité avec laquelle ils ont adopté une position de hors-la-loi édentée (« Wanted Dead or Alive », comme si), des grimaces boudeuses et des coiffures dangereuses, ils n'ont produit qu'un seul chœur passable en plus de 30 ans d'histoire, etc'est avec l'aide de Desmond Child pour l'écriture de chansons. (Si vous aimez « Living on a Prayer », « You Give Love a Bad Name » ou « Bad Medicine », vous aimez Child, pas Bon Jovi. Comme pour Aerosmith, Child devrait être intronisé dans la salle avec le groupe. ) L'aide extérieure à l'écriture de chansons permet au groupe de se concentrer sur des choses comme la coiffure et le marketing. Le leader Jon Bon Jovi a passé une décennie à essayer de devenir une star de cinéma ; l'ironie est qu'il jouait bien mieux le rôle qu'il avait déjà. Dernièrement, il a tâté le terrain à Nashville, suivant les traces de Darius Rucker. Dans dix ans, il distribuera des rentes sur les publicités de Fox News. « Salut, je m'appelle Jon Bon Jovi. Et je veux vous parler d’une nouvelle opportunité passionnante… »

Bon Jovi n'a jamais été un favori dePierre roulante–critiques de style; dansDoigts collants, Hagan écrit :

[Wenner] n'aimait particulièrement pas Jon Bon Jovi, qui, selon Wenner, avait fait campagne sans succès pour se faire introniser au Temple de la renommée en recrutant l'investisseur milliardaire Ron Perelman pour se muscler. "Je ne pense pas qu'il soit si important", a déclaré Wenner. « Que signifie Bon Jovi dans l’histoire de la musique ? Rien."

Qui peut être en désaccord avec cela ? Quand j'ai interrogé Wenner sur ces mots, il a fait valoir un point intéressant : « Je ne pense pas que Bon Jovi soit un groupe sans importance. Ce n'est pas mon goût, je ne pense pas qu'ils soient très influents ou très originaux, qui sont mes critères pour le panthéon, mais je pense qu'avec les années maintenant, les générations changent, et le succès commercial semble être un facteur plus pertinent. élément pour certaines personnes. Il est clair désormais que l'intronisation de Bon Jovi en 2018, aussi comique qu'elle paraisse à l'époque, a été un moment décisif dans l'histoire de la salle, lorsqu'elle s'est enfin libérée des préjugés de ses créateurs, mais aussi de leur protection. Foreigner, Huey Lewis & the News, Nickelback, Train, Matchbox 20, Mumford & Sons — le groupe merdique de chaque génération finira par y entrer. D'où Def Leppard quelques années plus tard.

Lionel Richie était un pilier des Commodores, un groupe passable de lite-funk des années 70 du Tennessee. Il a aidé le groupe à percer pleinement dans le courant dominant avec le hit classique lite-pop « Easy », puis il s'est lancé en solo, produisant ensuite une grosse poignée de succès gluants, gluants et sucrés qui, à l'époque, alimentaient la playlist des adultes. radios contemporaines. Son album le plus vendu étaitJe ne peux pas ralentir. La couverture de cet opus au titre énergique présente une image dramatique de Richie… affalé en arrière sur une chaise dans une grande pièce vide. Étonnamment, il a été récompensé par le Grammy de l'album de l'année en 1985. Pour être honnête, la concurrence n'était pas trop forte cette année-là - à l'exception de, euh,Né aux États-UnisetPluie violette.

Il existe des artistes pop qui apportent une certaine complexité ou une certaine multidimensionnalité à leur travail, mais Richie n'en fait pas partie. AncienPierre roulanteLe rédacteur en chef Alan Light, le même gars de la salle qui livrait la phrase (inexacte et spécieuse) selon laquelle Whitney Houston était l'artiste le plus vendu qui n'était pas dans la salle, a été dûment envoyé avec des points de discussion pour faire la couverture des relations publiques de Richie. Apparaissant dans une émission de Sirius XM, il a déclaré que Richie était entré parce que… il avait fait la une à Bonnaroo ! «Ils avaient McCartney. Ils avaient Elton. Ils avaient Billy Joel… et Lionel Richie était ce créneau un an », a déclaré Light dans l'émission, sur laquelle Future Rock Legends a posté. "Et je pense qu'il est peut-être le seul dans cette case à ne pas être au Rock Hall." Notez comment la pratique fatiguée du festival consistant à lancer un grand acte de nostalgie pour vendre des billets est maintenant utilisée, à la manière d'un miroir de fête, pour justifier une intronisation au Temple de la renommée par quelqu'un qui est censé être un journaliste. R. Kelly a également joué Bonnaroo – en 2013, plusieurs années après que les révélations de son comportement inhumain envers les jeunes filles aient été révélées.

Il s'agit d'une sélection assez mystifiante, un autre candidat au pet rock et un autre exemple de la nouvelle lâcheté des célébrités de la salle. Certaines personnes aimaient Sabbath, et on peut certainement affirmer que le sludge du groupe était pionnier. Et comme tout leader, Osbourne méritait sa seconde vie d’artiste solo et, dans son cas, de star de télé-réalité incompréhensible et d’adorable lourdaud. Mais les critiques du rock blanc comme moi sont régulièrement critiqués pour ne pas être en phase avec les artistes noirs, les artistes féminines ou quoi que ce soit d'autre, ce qui est une préoccupation légitime dans une certaine mesure et fait de toute façon partie du territoire. Mais si vous voulez parler de déconnexion, considérez ceci : au cours de mes nombreuses années en tant qu'écrivain et éditeur, personne...personne- m'a déjà parlé du travail solo d'Osbourne. Personne ne voulait critiquer un album ou couvrir un spectacle. Personne n'a jamais dit : « Hé, tu devrais entendre ce morceau sur le nouvel album d'Ozzy. » Je ne m'en souviens même pasen lisantune critique d'un de ses albums ou l'écoute d'une de ses chansons solo diffusée à la radio, et bien sûr aucun de ses albums n'est jamais apparu dans le sondage Pazz & Jop. Cela ressemble à un autre exemple de la façon dont des noms familiers ou chaleureux capteront les votes du comité de vote sur de véritables artistes sérieux. (Pour être clair, nous parlons de la carrière solo d'Osbourne ; il est déjà dans la salle dans le cadre de Black Sabbath.)

Fleetwood Mac a été intronisée en 1998, donc Nicks était déjà dans la salle, ce qu'elle méritait d'être. Sa carrière solo, que cette intronisation est censée honorer, ne comprend pas grand-chose d'autre que des tubes et demi sur papier glacé (« Edge of Seventeen » et « Stand Back ») et un doux duo avec Don Henley. Vous pouvez même ajouter le Mac pré-FleetwoodNicks de Buckinghamalbum, que j'ai toujours en LP (il n'est jamais sorti sur CD), auquel elle contribue avec quelques chansons remarquablement géniales, comme « Long Distance Winner ». Mais rien dans la carrière solo de Nicks ne justifie son intronisation au Rock and Roll Hall of Fame en tant qu'artiste solo. Nicks a toujours été proche de l'initié de la salle Jimmy Iovine, ce qui l'a sans aucun doute aidée à devenir la première femme à être intronisée deux fois, même si à l'époque il y avait plusieurs autres artistes féminines dans la salle qui avaient eu des carrières solo beaucoup plus conséquentes et aventureuses que Nicks. , notamment Tina Turner (qui sera enfin intronisée en solo en 2022) et Diana Ross. À l'origine, la position de Nicks était plus élevée dans la liste, mais après y avoir réfléchi, il me semble assez objectivement évident que son œuvre (encore une fois, son œuvre solo non-Fleetwood Mac uniquement) est la plus sans conséquence de tous les actes intronisés jusqu'à présent.

Ce message a été mis à jour tout au long.