Photo-Illustration : Franziska Barczyk ; Photos : Crunchyroll, Disney, Sentai Filmworks
Des idoles réincarnées, des détectives désincarnés, des flingueurs pacifistes, etc. Cette année a livré un autre embarras de richesses d'anime dignes d'un battage médiatique - des débuts comme leGarçon Astro-inspiréPlutonpour réconforter des aliments commeSauter et Mocassin, à la conclusion passionnante du dernier spectacle du multivers Gundam. Un certain nombre d'œuvres créatives et réfléchies dans une gamme de styles ont poussé le médium cette année, à travers la magnifique haute fantaisie deGelation : au-delà de la fin du voyageou la post-apocalypse effrayante deIllusion céleste, ou l'expérimentation 3DCG audacieusement expressive deTrigun : Bousculade. Voici dix des meilleures émissions de télévision animées de l’année dernière, suivies de quelques mentions honorables.
Trigunest une franchise d'anime et de manga bien-aimée. Tous ses adeptes n'ont pas aimé les nouvelles conceptions de personnages du Studio Orange et la vision peu familière de l'histoire du créateur Yasuhiro Nightow. Mais pour ceux qui étaient heureux de regarder la nouvelle série selon ses propres conditions, cette adaptation du western de science-fiction de Nightow a été un coup de pouce au début de 2023. (Elle a également déclenché l'une des démonstrations de puissance douce les plus drôles du monde.) toute l'année - lorsqu'un de ses comptes de fans a poussé le travail d'un romancier de science-fiction queeren tête de la liste des best-sellers d'Amazon.)Ruée de Trigunest une démonstration repoussant les limites de l'expressivité du dessin animé dans l'animation 3DCG, un style souvent décrié pour sa rigidité par rapport aux méthodes plus traditionnelles qui est néanmoins magnifique ici.
Bien qu'il conserve une grande partie de la maladresse de Vash le Stampede - un homme tellement recherché qu'il a une prime de 60 millions de dollars « double » sur sa tête en raison du chaos qu'il apporte dans chaque ville de la planète No Man's Land -Débandaden'émousse pas les bords de son matériel source, sautant dans une mythologie enivrante autour des mystérieuses « plantes » dont dépendent les colonies pour leur survie. Vash est également aux prises avec un frère jumeau maléfique, appelé Millions Knives (le nom est plus littéral qu'on ne le pense), qui détruit une ville entière peu de temps après son apparition.Débandadepropose l'un des meilleurs spectacles d'animation de l'année, suffisamment audacieux pour s'aventurer dans de nouveaux territoires narratifs tout en plaçant la barre plus haut en matière d'animation 3D dans l'anime. Lancez la saison deux.
Une version meurtre-mystère d'un classique de la science-fiction,Plutonadapte un manga par Naoki Urasawa (créateur deMonstre) qui réinvente le célèbre film d'Osamu TezukaGarçon Astrosérie pour le 21e siècle. L'histoire d'Urasawa commence avec un robot bien-aimé en salopette nommé Montblanc, guide de montagne dans les Alpes, retrouvé assassiné. L'inspecteur Gesicht, détective lui-même robot, suit les traces de l'assassin des robots les plus avancés du monde et défend leurs droits.
Le spectacle traduit magnifiquement les illustrations du manga d'Urasawa, comme ses sourcils expressifs et ses traits de caractère, tout en ajoutant de nouvelles dimensions grâce à sa coloration numérique et ses effets visuels lumineux et surréalistes, dignes d'un monde artificiel qui a mal tourné. Soulignée par une excellente partition inquiétante, la série adapte également avec dévotion la narration lente d'Urasawa, en privilégiant des récits tentaculaires qui rendent les acteurs secondaires et leurs histoires dans des détails élaborés, souvent déchirants, à travers une conversation approfondie. Prenons un premier exemple du premier épisode, qui s'inspire de l'enquête de Gesicht sur l'histoire de Paul Duncan, un compositeur vieillissant, et de son robot majordome North No. 2. C'est une histoire déjà dévastatrice, rendue encore plus grande par l'incorporation dans la série d'un moment proustien. de mémoire sensorielle, une IA chantant une chanson pour aider un homme à se souvenir de sa mère. En plus de ces histoires intimes,Plutontraite d’une allégorie politique de plus grande portée, en particulier dans sa description d’une guerre qui remplace l’invasion de l’Irak – avec une imitation flagrante de George W. Bush qui fabrique le consentement via la recherche de « robots de destruction massive ». Une représentation cauchemardesque de l’interventionnisme étranger est l’une des nombreuses raisonsPlutonreste captivant, même à travers des épisodes d’une heure.
Poursuivant l'histoire d'un club de kyūdo (tir à l'arc japonais) dans sa quête du succès dans les tournois nationaux et du retour progressif à la forme d'un membre de l'équipe,Tsurune : Le tir de liaisonest un drame sportif somptueux et considéré. Réalisé par Takuya Yamamura, ce qui le distingue d'un certain nombre de séries sportives populaires est son action étroitement contenue : tout est dans le vol d'une flèche, un moment solitaire plutôt que le va-et-vient continu d'un sport d'équipe. Néanmoins, la production du studio respecté Kyoto Animation offre peut-être l'un des spectacles d'animation les plus beaux de l'année. Il est difficile d'en surestimer la beauté, que ce soit dans une salle d'entraînement baignée par la lueur du coucher du soleil ou dans ses gros plans sur une forme de tir à l'arc.
Tsurune : Le tir de liaisonamplifie la nature incroyablement délibérée du tir à l'arc, examinant la routine des arts martiaux jusque dans les moindres détails, imitant la tension et le relâchement exaltant de la corde de l'arc dans son métier même. Grâce à sa production luxuriante, à l'accumulation de comportements répétés et à l'accent mis sur le raffinement des compétences techniques, il devient passionnant d'assister aux flèches en vol, car la caméra trouve toujours des angles créatifs à partir desquels suivre le projectile sifflant. C'est satisfaisant non seulement de le voir atterrir, mais aussi de voir ce que cela représente pour ses personnages.
Sauter et Mocassinest une douce romance d'amitié naissante entre deux lycéens diamétralement opposés dans leur comportement : Mitsumi, le rustre fonceur. rêve grand et projette avec des détails obsessionnels, tandis que Sosuke est beaucoup plus décontracté et même capricieux dans son manque d'ambition - ou peut-être dans son évitement délibéré. Alors que la première panique lors de son premier jour d'école, perdue dans le système de transport labyrinthique de Tokyo, les deux se rencontrent et leur histoire commence.
À partir de là, le réalisateur et scénariste Kotomi Deai suit Mitsumi à travers des expériences classiques d'anime au lycée : conseils étudiants et festivals culturels et bien plus encore, observés à travers des épisodes elliptiques qui avancent dans le temps, petit à petit. Les enjeux sont plutôt à petite échelle, principalement autour de sa tentative de faire bonne impression auprès de ses nouveaux camarades de classe ou de dévoiler lentement le passé énigmatique de Sosuke alors qu'il s'ouvre lentement à elle. Dans le même temps, Mitsumi commence à rassembler un groupe de différents types de personnalité, son attitude sérieuse brisant certaines insécurités et rivalités de longue date. Les regarder s'échauffer les uns avec les autres est un réconfort souligné par le jeu largement comique de Mitsumi et l'animation, produite par PA Works (Guerre des servantes d'Akiba) avec des illustrations douces et arrondies. C'est un délice incroyablement drôle, doux et discret.
Le mystère médical féodalLes journaux de l'apothicairepossède l'un des protagonistes les plus charmants de l'année à Maomao, un solitaire particulier à l'humour sec et un savant avec des médicaments et des poisons qui préfère rester seul. Sa détermination à minimiser ses excursions quotidiennes et sa charge de travail est admirable, mais si elle réussissait, nous n'aurions pas les vignettes magnifiquement animées de la série. Maomao entre dans son rôle par une combinaison de malchance et de curiosité insatiable. Maomao était apothicaire dans le quartier chaud de sa ville natale, elle finit par devenir servante des concubines de l'empereur après avoir été kidnappée et vendue. Curieusement, elle reste plutôt indifférente à toute cette épreuve et décide de garder la tête baissée – avant que son intérêt ne soit piqué par une maladie mystérieuse qui sévit dans les nouveau-nés de l'empereur et leurs mères.
Elle le résout, mais cela attire l'attention des supérieurs, qui la recrutent ensuite comme dégustatrice de poison, puis comme dame d'honneur, ce qui bien sûr conduit à plus de travail de détective, plus d'attention et plus de frustration avec les gens qui ne comprennent pas pleinement la santé corporelle. Son magnifique quatrième épisode, "The Threat", cimente la complexité de Maomao en tant que personnage central au-delà de sa remarquable résistance aux poisons, et introduit une tension supplémentaire dans la série. Sa combinaison d'intrigues de palais avec la perspective des serviteurs de haut en bas et un personnage principal incroyablement sympathique en fait une histoire fascinante. C'est peut-être plus silencieux que les entrées plus pleines d'action de cette année, mais non moins exaltantes.
Quatre ans après sa première diffusion, la deuxième saison tant attendue deLa saga du Vinlandadapte un moment décisif du drame historique de Makoto Yukimura : son protagoniste torturé, Thorfinn, s'engage dans le pacifisme au lieu de suivre la voie de la vengeance qui a ruiné sa vie lors de la première saison. Après avoir traversé la guerre entre les Danois et les Anglais, cette suite est décidément à plus petite échelle : Thorfinn cache désormais son passé de guerrier et vit dans une ferme au Danemark. La série a toujours pris en compte l'impact sociologique et personnel de la violence sur ses personnages et double ici ces thèmes, laissant pour la plupart le champ de bataille derrière elle pour un drame introspectif sur la réhabilitation de son protagoniste.
La série et l'interrogation progressive de Thorfinn sur sa quête de pénitence et sur l'impact de ses décisions sur le monde et les gens qui l'entourent sont incroyablement émouvantes, maisLa saga du Vinlandexcelle également à donner aux acteurs de soutien des vies intérieures riches et compliquées, en les intégrant dans un contexte émotionnel crucial pour son vaste drame historique. Les compagnons de Thorfinn, Einar et Arnheid, subissent leurs propres tragédies, qui éclairent toutes deux sa vision du monde et le conduisent finalement de manière poignante à une déclaration simple et touchante de la part d'un personnage qui a autrefois juré de se venger du sang à tout prix : « Je n'ai pas d'ennemis. »
Cela semble drôle de placer une histoire si intrinsèquement liée à Toronto sur une liste des « meilleurs anime », mais voiciScott Pilgrim décolle, défiant les attentes. Il le fait également dans son propre texte. Plutôt que le remake plus fidèle auquel le public s'attendait après avoir eu un premier aperçu de la conception de ses personnages, il s'agit d'unméta redémarragequi fonctionne avec le bénéfice de 20 ans de recul. Dans le monde deScott Pilgrim décolle, la bande dessinée s'est produite, les événements du film se sont produits, et il y a maintenant une chance pour Ramona – et ses ex maléfiques – de prendre une voie différente pour arranger les choses sur eux-mêmes. C'est à la fois drôle et mélancolique, alternant action hyperactive et moments calmes d'introspection.
Avec la production d'animation de Science Saru, c'est aussi un régal visuel, que ce soit à travers ses séquences de combat dynamiques et déformantes, ou simplement un personnage s'exhibant sur une planche à roulettes. Grâce à ses lignes épaisses et ses visages arrondis, il rappelle avec amour les styles visuels de la bande dessinée de Bryan Lee O'Malley tout en ajoutant ses propres embellissements agréables, de ses combats qui changent la réalité à quelque chose d'aussi petit et spécifique que la silhouette en éclair partagée dans Ramona. et les cheveux de Scott. La mise en scène d'Abel Góngora garde les choses fraîches lorsque le créateur original O'Malley et le co-scénariste/co-showrunner BenDavid Grabinski ne sont pas ludiques et subversifs. C'est l'idéal platonique d'un remake : un remake qui ne se contente pas de revivre le passé, mais cherche plutôt à emprunter un chemin inexploré, à explorer des facettes de ses personnages et de son monde jusqu'alors inexploitées. Si seulement il y avait plus d'adaptations, libres de réinterpréter et de remettre directement en question leur matériel source plutôt que de l'utiliser comme modèle.
Un drame qui change les genres et qui explore les pires aspects de diverses industries du divertissement,Oshi no Koexplore comment ces abus et ces mauvaises habitudes vont de pair avec l'attrait du showbiz. Le parcours de l'histoire dans cette atmosphère de type exposé est à peu près aussi non conventionnel que possible. Ses deutéragonistes Aqua et Ruby Hoshino sont les enfants secrets d'une idole, Ai. Mais ce sont aussi les réincarnations de deux de ses fans, le premier un obstétricien qui l'a soignée puis se fait pousser du haut d'une falaise, le second un patient atteint d'un cancer dans le même hôpital. Leur vie change radicalementencorequand Ai est assassinée par un harceleur – mais les vrais méchants pourraient être une figure insaisissable du secteur du divertissement et le père des jumeaux. Des années plus tard, Aqua se lance dans les industries du cinéma et de la télévision pour trouver le responsable, tandis que Ruby rêve d'être une idole comme sa mère.
Mis à part son histoire désarticulée, le vrai plaisir deOshi no Koest le drame qu'il exploite à partir de sa représentation analytique de l'industrie du divertissement et de la façon dont les affaires entrent en conflit avec l'art. Un arc sur les émissions de téléréalité expose soigneusement les différences de style de production et les exigences pratiques de ces tournages, en le construisant autour d'histoires sur la pression des projecteurs sur les jeunes acteurs et le côté sombre des relations parasociales. Ces digressions perspicaces de son intrigue de vengeance aident à construire le thème central de la performance de la série : les personnages centraux ont joué un rôle depuis le jour de leur naissance, après tout. Le réalisateur Daisuke Hiramaki et le studio d'animation Doga Kobo équilibrent cela avec à la fois de la bonne humeur et l'expression des sentiments qui poussent ces personnages à se produire, comme la passion de Ruby pour la danse représentée dans une tempête de couleurs hypnotiques alors que sa mère lui enseigne, ou dans le spectacle maximaliste frénétique de son concert d'idole qui clôture la saison.
Illusion céleste(aliasTengoku Daimakyoen streaming) rivauxOshi no Kopour l'honneur d'être l'émission la plus étrange de la liste. L'adaptation par Hirotaka Mori du manga post-apocalyptique de Masakazu Ishiguro est volontairement et terriblement opaque – même ses personnages ne savent pas vraiment où ils vont. Toutes les pistes Kiruko et Maru doit continuer est la vague idée d'un endroit qui pourrait être comparé au « paradis », puisque le premier est chargé de protéger le second en tant que garde du corps. Le monde qu’ils habitent est infesté par une épidémie de « mangeurs d’hommes », des monstres surnaturels grotesques qui apparaissent comme des parodies cauchemardesques d’animaux réels – par exemple, un grand oiseau déformé, ou même un poisson doté de membres préhensiles.
Mori construit le mystère à travers deux intrigues parallèles, celle de Kiruko et la recherche de Maru à travers le pays ainsi qu'une histoire se déroulant dans un orphelinat-slash-école-slash-laboratoire isolé, se développant vers un objectif inconnu. Une partie du plaisir deIllusion célesteest déconcerté et terrifié par cela, je vais donc en rester là aux détails de l'intrigue. Son voyage tout au long de la saison dévoile lentement les liens entre une histoire et l’autre. En cours de route, il devient l'un des spectacles les plus fascinants et idiosyncratiques de l'année, plein de créations de créatures créatives et terrifiantes, mais aussi d'une sensibilité qui équilibre son action avec une tragédie silencieuse et un sens de l'humour séduisant.
Alors que le titre de la bande dessinée source de cette émission se traduit par le noyau légèrement plus hardcoreFrieren aux funérailles, la dynamique émotionnelle de la série télévisée est évidente dans son sous-titre :Au-delà de la fin du voyage. Ce fantasme réflexif commence avec un groupe d'aventuriers rentrant chez eux après avoir tué le roi démon, le reste de leur vie devant eux. Pour la mage elfe taciturne Frieren, le reste de la vie de ses coéquipiers se déroule à peine, sa durée de vie se mesurant en siècles plutôt qu'en décennies. Désemparée par leur existence relativement éphémère, elle se lance dans un nouveau voyage, gardant vivants les souvenirs de ses amis et aidant à former une nouvelle génération de héros.
GelerLe sens de l'échelle et de la construction du monde de cache un sombre courant sous-jacent : chaque endroit que Frieren visite est touché par ses bons souvenirs de voyage avec ses compagnons, dont elle a survécu à quelques-uns à la fin du quatrième épisode. C'est fascinant de voir le le changement du monde et Keiichirō Saitō (directeur de monanime préféré de l'année dernière,Bocchi le Rocher !) le démontre à travers des détails visuels vécus – représentant une architecture changeante et des monuments vieillissants dansGelerdes arrière-plans magnifiques et texturés, ou même des changements à plus petite échelle comme la modernisation progressive des costumes. La production d'animation de Madhouse se sent aussi bien dans les moments d'observation tranquille, étudiant l'émotivité subtile de ses personnages, que dans la comédie plus large et ses (rares) scènes de bataille, chacune pleine de chorégraphies d'action et d'effets lourds et percutants. Lorsque la série augmente ses enjeux immédiats, c'est un plaisir morbide de voir la haine vindicative de Frieren envers les démons qu'elle a juré de détruire pendant toute sa longue vie, et à quel point ces menaces prétendument toutes-puissantes sont au-dessus de leurs têtes.
Tout au long de l’année, Kambole Campbell a tenu une liste personnelle des meilleures séries télévisées animées de 2023. Beaucoup de ces sélections apparaissent ci-dessus dans notre top dix. Ci-dessous, le reste des séries animées qui lui ont marqué cette année, présentées par ordre de date de sortie.
Un moment fort de l'année dernière,La sorcière de Mercurea croisé le drame scolaire d'une tranche de vie avec l'opéra spatial de science-fiction habituel de Gundam en passant par l'espionnage industriel et le drame shakespearien. La deuxième partie de son histoire continue la coda étonnamment brutale de la première partie, alors que ses systèmes de pouvoir bien établis commencent à s'effondrer. Même s'il se précipite un peu vers sa conclusion, il est maintenu par un travail de personnages mémorable et d'excellents duels de robots.
Même si la saison a connu des hauts et des bas (en grande partie grâce à unproduction tumultueuse), la deuxième saison deJujutsu Kaisena également mis en place certains des meilleurs épisodes d'anime de l'année, l'un des premiers moments forts étant "Premature Death", le cinquième épisode de son premier arc.
Réalisé par Mamoru Hatakeyama deKaguya-sama : L'amour est la guerrenotoriété,Farce de meurtre de fille morte-vivanteest une série d'une grande netteté et merveilleusement verbeuse qui jette une multitude de personnages fictifs du XIXe siècle dans ses intrigues avec un abandon imprudent - tout le monde, de Sherlock Holmes au Fantôme de l'Opéra, pourrait apparaître dans l'un de ses mystères de meurtre en chambre fermée.
