Le cinéaste le moins contemporain d'Hollywood a réalisé un film entièrement consacré à la prison, aux manifestations et à la police.Photo : gracieuseté de Searchlight Pictures
En matière d'esthétique, Wes Anderson etLe New-Yorkaissemblent aussi bien ajustés que l'un des costumes de marque du réalisateur. Les attentes étaient donc toujours élevées pourLa dépêche française, la « lettre d'amour aux journalistes » autoproclamée du réalisateur, avant même que le film ne soit ajouté à la compétition cannoise, assurant ainsi que ce film sur les journalistes américains en France serait vu en premier par… les journalistes américains en France. (Et, pour être honnête, d'autres nationalités aussi.) C'est peut-être pour cela que, alors que le générique défilait lors de la projection de presse de lundi après-midi, le film a eu droit à une petite poignée de huées, la première que j'ai entendue pendant tout le festival. Les huées pensaient-ils que le film n’atteignait pas les hauteurs attendues d’un titre en compétition ? Avec Anderson revenant au live action pour la première fois depuis le bien-aiméHôtel Grand Budapest, pensaient-ils qu’il était mûr pour être démonté ? Ou bien étaient-ce des critiques gaulois qui trouvaientLa dépêche françaiseun hipsterEmilie à Paris, une vision américaine de la France qui n'a pas grand chose à voir avec la réalité ? Malheureusement, ils se sont enfuis dans le noir avant que je puisse débattre avec eux sur le rôle essentiel que joue l'imagination dans la filmographie d'Anderson, ce qui aurait sûrement été une période passionnante pour nous deux.
Qui qu'ils soient et quelles que soient leurs motivations, leur aversion exprimée ne représente pas le consensus critique surLa dépêche française, que la plupart d'entre nous semblaient apprécier sans penser qu'il approchait des sommets deGrand BudapestouLes Tenenbaum royaux. Le film prend la forme du dernier numéro du titreExpédition, l'avant-poste continental d'un journal américain, voué à donner aux lecteurs du cœur du pays un aperçu de la vie et de la culture française, et dont le siège est dans la ville imaginaire d'Ennui, située sur la rivière Blasé, deux noms qui devraient vous donner un bon aperçu du type de l'humour avec lequel nous travaillons ici. En conséquence, Anderson nous a offert une anthologie, composée de tout ce que l'on peut attendre d'unNew-Yorkaisproblème : une table des matières, quelques croquis légers, puis trois longs métrages charnus. (Pas de mots croisés, malheureusement, même si j'aurais aimé le voir essayer.)
Tout d’abord, une nécrologie. Le film s'ouvre sur la mort duExpéditionLe fondateur et rédacteur en chef bien-aimé de (Bill Murray), un homme avec seulement deux règles : « Ne pleure pas » et « Essayez de donner l'impression que vous l'avez écrit de cette façon exprès. » Nous sommes en 1975 et il est clair que sa mort marque la fin d'un âge d'or, notamment parce que son testament stipule que le magazine doit immédiatement fermer ses portes. (Notez que 1975 est aussi l'année deMâchoires, le glas éventuel des comédies originales des années 70 qu'Anderson a grandi avec amour.) Comme souvent dans l'œuvre d'Anderson, le film est marqué par un sentiment doux-amer d'être légèrement hors du temps : deux des histoires sont racontées par leurs scénaristes d'âge moyen. du point de vue des années 70 criardes, en revenant sur les articles qu'ils ont écrits dans les jours de gloire des années 50 et 60. Les scènes des années 70 sont en couleurs ; les flashbacks sont pour la plupart en noir et blanc, même si parfois ils sont aussi en couleur. (Pour autant que je sache, chaque fois que nous voyons la dramatisation de l'écriture réelle de l'histoire, c'est en noir et blanc, mais je suis prêt à accepter d'autres théories.)
La première et la meilleure des histoires est « The Concrete Masterpiece », dans laquelle la critique d'art de Tilda Swinton, dans son intégralité par Katharine Graham, raconte l'histoire d'un brillant peintre (Benicio Del Toro) qui se trouve également être un maniaque du meurtre. , et la gardienne de prison (Léa Seydoux) qui devient son amante et sa muse. Il y a un frisson deFil fantôme– domination de style et soumission à leur relation – elle a une patience infinie pour ce que son art exige d’elle, mais en dehors du studio, diriger son génie nécessite parfois une main sévère. Ils affrontent un marchand d'art incarné par Adrien Brody qui, comme dansGrand Budapest, représente la cupidité destructrice d’âme. («Tous les artistes vendent leur art», ricane-t-il. «C'est ce qui fait d'eux des artistes.») Tout se déroule à un rythme typiquement fou, mais les scènes de Del Toro et Seydoux ensemble sont ce qui se rapproche le plus de ce film éclair de la découverte d'une âme humaine. Peut-être parce que c'est là qu'Anderson a l'impression d'avoir le point le plus précis sur ce qu'il essaie de dire – quelque chose sur l'ineffabilité de l'art, le pouvoir du défi.
Plus confus est "Révisions d'un Manifeste", une satire légère des étudiants radicaux des années 60 (ici leur slogan se traduit par "Les enfants sont grincheux"), mettant en vedette Frances McDormand dans le rôle d'une journaliste incapable de maintenir sa neutralité journalistique dans le cas de la star de Timothée Chalamet. -dirigeant de la protestation croisé. C'est surtout une corde à linge pour les gags - sur le fait que chaque film de la Nouvelle Vague française a un gars envoyé en Algérie et sur la façon dont tout le monde dans les pièces parle avec un accent britannique - et pour mettre les deux stars au lit ensemble, ce qui signifie que Chalamet est maintenant connecté. à l'écran avecles deuxdes têtes de liste de la course de la meilleure actrice 2018. Anderson tente à la fois une vision vrillée des folies de la gauche militante et un hommage à leur optimisme utopique, mais il ne parvient pas à enfiler l'aiguille, et la conclusion tragique du segment arrive trop rapidement pour avoir un grand impact.
Et puis il y a « La salle à manger privée du commissaire de police », dans lequel le pastiche de James Baldwin de Jeffrey Wright tente de dresser le profil d'un chef expert en « dîners de police » (ils doivent pouvoir être mangés d'une seule main et en silence) et se retrouve mêlé à une saga policière acharnée. Wright est un autre personnage remarquable, faisant un repas de la narration littéraire, et au milieu de l'orgie de coups de feu et de poursuites animées en voiture, il bénéficie également de moments de calme reflétant les points plus larges d'Anderson sur le processus créatif. Vers la fin de son récit, lui et Murray discutent de la fin de l'histoire. Wright pense que c'est bien comme ça, mais Murray veut quelque chose de plus. Wright revient avec un morceau qu'il a abandonné ; c'est légèrement violet, plus ouvertement émotionnel. « C'est la meilleure partie », dit Murray, et ils l'ont donc ajouté. Avait-il raison ? J'ai fait des allers-retours.
J'ai jusqu'à présent négligé de mentionner la fantaisie, en partie parce que c'est un film de Wes Anderson et je ne sais pas s'il y a quelque chose de nouveau à dire à ce sujet. Il suffit de dire que le film comprend également un segment dans lequel Owen Wilson joue un journaliste de voyage cycliste portant un béret, et restons-en là.
Ce qui est plus intéressant, je pense, ce sont les tons de plus en plus sombres aux limites du rêve Technicolor d'Anderson. Il s'agit d'un réalisateur dont le dernier film d'action réelle s'est terminé avec la descente du fascisme sur l'Europe centrale. Ce n'est donc pas tout à fait nouveau, mais il est quand même frappant de constater à quel point ilLa dépêche française, dont le tournage a commencé à l'automne 2018, s'avère refléter les points chauds culturels des 14 derniers mois – d'une manière ou d'une autre, le cinéaste le moins contemporain d'Hollywood a réalisé un film entièrement consacré à la prison, aux manifestations et à la police. Peut-être que toutes ces huées n'étaient qu'une expression de consternation : si même Wes Anderson s'en rend compte, nous sommes foutus.
