Le monde n'est plus le même qu'il l'a jamais étéCelui de David ByrneUtopie américaine, sonmagnifique spectacle de Broadwayqui électrise vos sens directement dans un paradis de scène monochromatique de 90 minutes. (Pieds nus et costumes inclus.) Il y a les normes Talking Heads. Byrne coupe plus profondément. Un soulagement comique inattendu, compliment des réflexions de Hugo Ball. Mais peut-être que la joie principale est transmise à travers la chorégraphie d'Annie-B Parson – une simplicité virtuose qui maintient tout le monde, musicien ou autre, dans un mouvement joyeux et ininterrompu du début à la fin. (Mouvement que, nous vous garantissons, vous essaierez de reproduire dès que le rideau tombera.) Nous avons parlé d'elle à ParsonUtopie américaineexpérience et ce que cela a été de travailler aux côtés de Byrne. Sans surprise, il s’agissait d’une opportunité créative unique.
Comment s’est passée votre première rencontre avec David ?
C'était il y a très longtemps, je pense dans les années 90. Nous avions un ami commun qui l’a amené voir mon travail dans le sous-sol d’une église de l’East Village. Plus tard, je l'ai rencontré par l'intermédiaire de cet ami et nous ne nous sommes plus revus pendant dix ans. J’étais tellement fan. Vous savez comment c'est ! Mais lors de sa tournée Brian Eno il y a quelques années, il m'a demandé, ainsi qu'à quelques autres chorégraphes, de travailler pour lui. J'ai chorégraphié deux chansons pour ce spectacle, puis il m'a demandé d'en faire quelques autres.
Comment cela vous a-t-il amené àUtopie américaine?
J'étais à Londres pour le travail et il m'a envoyé quelques démos de l'album en prévision de la tournée. La première chanson que j'ai entendue était "Dance Like This". Je pensais que c'était tellement génial et plein d'esprit. J'adore l'esprit de David. J’ai trouvé hilarant la platitude de la déclaration associée à l’utilisation excessive des boîtes à rythmes. J'ai eu cette idée que nous pourrions peut-être nous arrêter au milieu de la chanson. C'est un exemple de chanson où l'idée m'est venue tout de suite de ce que je voulais faire. Donc, je travaillais seul. Il m'envoyait des chansons et je travaillais où que j'étais : les hôtels, ma chambre, où que j'étais. C'était un moment vraiment précieux. Entendre le matériel de manière fraîche et l’expérimenter pour la première fois est vraiment important. Si vous l’entendez autant, vous pouvez parfois vous arrêter à ce que vous entendez. C’est la première fois que j’entends quelque chose que je trouve la plupart de mes idées.
Dans quelle mesure David était-il précis quant à la chorégraphie qu’il souhaitait ?
C'était une création étonnante pour cette pièce. Souvent, quand je travaille avec des réalisateurs, ou quand je réalise moi-même, ce qu'on pense au début change souvent. C'est juste et normal. Mais avec ce spectacle, les idées que David m’a présentées au départ n’ont pas changé. Ils portent des costumes gris, tout le monde n'est pas attaché, et nous sommes dans une boîte blanche avec un sol blanc. Mais ça allait êtrechaud. Nous avions tous les deux le sentiment que tout le monde devait aussi avoir les pieds nus à cause de la danse. Les chaussures n’avaient tout simplement aucun sens. C'est ça le spectacle. Il a une esthétique minimaliste mais il est en quelque sorte très chaleureux. Je travaille avec lui depuis si longtemps que je peux littéralement entrer dans son corps.
J'aime regarder comment David construit les choses. Pas seulement le regarder, mais le vivre, car cela affecte tout ce que je fais. J'ai l'impression de travailler avec cet artiste extraordinaire qui découvre les choses en temps réel. Il est extrêmement gratifiant de participer à son processus. Il regarde tout avec des observations très précises, et Broadway a fait de même. C'est vraiment l'un des grands artistes citoyens de notre époque. C'est pourréelavec lui. C'est cool d'être avec quelqu'un qui se soucie autant du monde.
Quel est votre processus pour réfléchir aux concepts de chaque chanson ?
Quelle est la forme de cette chanson ? Que va-t-il se passer ? Est-ce conceptuel ? David me proposait aussi des idées. Il était en Inde et il a vu ce théâtre indien traditionnel et m'a envoyé des photos. Ou alors il faisait du vélo dans les Rockaways et a vu quelque chose d'intéressant. Des choses comme ça. Je sais à quoi il pense. Il ne va pas,Essayons ça pour cette chanson. Il ira,Ce truc m'intéresse, essayons de l'intégrer. C'est un omnivore culturellement. Il n'est pas direct.
Quelles autres choses vous a-t-il envoyé ?
Ce que je préférais, c'était le tout premier texte qu'il m'avait envoyé pour le travail, qui était en fait pour le spectacle Eno. Il m'a envoyé ce film japonais culte des années 70. C'était …doncputain là-bas. [Des rires.] J’ai tellement aimé ça. Il s'agissait de trois mecs japonais qui s'introduisaient dans du matériel de danse à des moments aléatoires. C’était une danse très isolée et étrange, et elle n’avait aucun rapport organique avec quoi que ce soit qui se passait. L'un des mouvements consistait à tendre les bras, à se frapper les épaules deux fois, puis à se frapper à nouveau deux fois. Tout ce que j'ai fait pour David depuis en inclut une version. Il vient de transmettre,J'aime ça et j'y pense. C'est intéressant pour moi. Cela peut sembler anachronique ou paradoxal par rapport à ce sur quoi nous travaillons, mais peut-être que cela peut s'intégrer. J'ai tellement de références dans la série à des choses que vous ne sauriez jamais qui sont enfouies là-dedans, comme Oskar Schlemmer. Vous n'avez pas besoin de savoir que ces références sont là, mais elles m'intéressent. Je suis une sorte de pie.
A-t-il déjà fixé des limites quant à la mesure dans laquelle il souhaitait aller dans la physicalité de la chorégraphie ?
Pas vraiment. Il est très non verbal sur ce qu'il veut. J'arrive avec beaucoup de matériel, puis nous le faisons et je l'enseigne. Parfois, il n'aime pas quelque chose et je peux le sentir.
Qu'est-ce qu'il dit qu'il n'aime pas quelque chose ?
Il ne le dit pas. Il ne finit tout simplement pas par le faire. Il tombe. Je ne peux pas le décrire, c'est tellement non verbal. C'est une ambiance. C'est un manque d'enthousiasme. C'est un très bon chorégraphe pour lui-même. Même quand je l'ai rencontré pour la première fois et qu'il m'a demandé de faire le show, je me disais :Hein, tu es mon chorégraphe préféré, qu'est-ce que tu fais !?Être capable de faire du mouvement pour soi et être chorégraphe sont deux choses très différentes, et il n'est pas intéressé à faire du mouvement pour les autres. Ilestun danseur. Certaines des choses qu'il fait dans la série, il les a totalement inventées.
Selon vous, quelles sont les meilleures décisions qu’il a prises pour lui-même ?
Il fait ce truc où il se tape des mains en traversant la scène dans « Slippery People », c'est tellement amusant à regarder. Il tombe par terre à un moment donné dans "Once in a Lifetime" et je lui ai demandé ce qu'il faisait, et il m'a répondu : "Euh, je descends jusqu'à l'eau dans le sol." Il imagine des choses et ressent la musique. « Loose » ne serait pas le mot approprié, car aucun de nous n'est lâche du tout. Il est incroyable en tant qu'artiste dans sa façon de penser et d'agir. J'ai toujours senti que j'avais une immense liberté.
Y a-t-il certaines chansons qui vous sont venues plus naturellement lors de la chorégraphie du spectacle et qui, au contraire, se sont révélées les plus difficiles ?
La chanson la plus difficile était « The Great Curve », qui n'est même plus dans la série. [Des rires.] Ce n'était pas parce que nous ne l'aimions pas, mais le spectacle était trop long pour le format Broadway. "Tout le monde vient chez moi" est arrivé un peu lentement. Les plus rapides étaient « Ne vous inquiétez pas pour le gouvernement » et « Dog's Mind », qui étaitaussicouper. J'ai dû chorégraphier les ombres dans "Blind" et cela m'a demandé beaucoup de temps pour les maîtriser. Ce n'est qu'une seule lumière !
Y a-t-il eu d'autres chansons testées qui n'ont finalement pas fait partie de la série ?
Nous avons parlé de faire « Nothing But Flowers ». Nous avons également parlé de faire « Doing the Right Thing », mais David a décidé de le retirer parce qu'il pensait que c'était trop ironique. Il travaillait avec une palette émotionnelle et cela ne cadrait pas. Nous avons également parlé de clôturer le spectacle avec « Angels ». C'est une chanson à grande échelle et super épique qui fait voler les gens. Ce n'est pas un rouge foncé comme « Great Curve », c'est plutôt un bleu scintillant. D'un autre côté, cependant, David a ajouté "Je sais que parfois un homme a tort" et "Ne vous inquiétez pas du gouvernement" pour ralentir le début du spectacle, car il estimait que le public de Broadway devrait écouter et ne pas s'embêter. pieds tout de suite. Nous n'avons pas eu de rappel depuis très longtemps aussi, et nous avons pensé :A Broadway, avons-nous même droit à un rappel ?Ils nous ont dit oui, alors nous avons ajouté « Road to Nowhere », notamment parce que les chaînes montent autour de la scène et qu'on peut se déplacer très facilement.
Travailler avec David vous a-t-il laissé plus épanoui sur le plan créatif que d’autres projets dans le passé ?
Dans un sens, oui. Il pense que le corps est une archive plus profonde que n’importe quelle bibliothèque ou site Web que vous pouvez trouver. Si je lui donne du nouveau matériel, il y apporte toujours beaucoup plus en raison de son histoire de danse. Le spectacle devient un peu une chanson avec certaines chansons parce que les gens les connaissent, et c'est beau, et c'est la même chose avec le mouvement. Les gens peuvent connaître le mouvement comme ils connaissent les paroles. Ils ne savent pas qu'ils le savent, même si cela ne fait pas partie du courant dominant. J'avais proposé à David de citer certains des mouvements qu'il avait faits dans le passé, mais il ne voulait pas car il ne veut jamais regarder en arrière. Alors je me suis dit : « D’accord, mais juste un mouvement. » Je voulais que le public réalise que la danse compte et qu'elle fait partie de sa mémoire. Alors il a fait ce truc haletant dans "This Must Be the Place". Il a concédé au passé, une seule fois.
