Photo-Illustration : Maya Robinson/Vautour
Aucun genre n'est aussi fortement façonné par le moment politique et social de son époque que le noir. Malgré cette qualité, le noir est une catégorie insaisissable qui fluctue dans l’imaginaire public. Il a évolué de façon spectaculaire depuis ses débuts dans le Hollywood des années 1940, plongé dans l’ombre et dirigé par des acteurs comme Bette Davis, Barbara Stanwyck et Humphrey Bogart. Avecle dernier opus deVrai détective, qui a terminé sa troisième saison dimanche soir, et des œuvres plus récentes comme Chris Pine de TNT, dirigée parJe suis la nuit, il est à nouveau sous le feu des projecteurs.
Comment le noir est-il devenu le genre que nous voyons aujourd’hui, qui troque souvent le malaise politique et social qui était au centre des œuvres plus anciennes contre une horreur existentielle plus personnelle ? Commençons par une petite leçon d'histoire.
Le noir a commencé comme un style qui s’est rapidement transformé en un genre. Il s'est déroulé à l'origine dans les années 1940 et 1950 à Hollywood, mais il était également présent dans le monde entier, avec des films comme le chef-d'œuvre britannique de 1949.Le troisième hommeet des plats mexicains comme le véhicule Dolores del Río de 1946L'Autre. Il a pris tout son sens pendant et surtout après la Seconde Guerre mondiale, reflétant les angoisses de cette époque, notamment en ce qui concerne l'agitation autour du fait que les femmes assument des rôles qui ne correspondent pas aux normes de genre prédominantes. Le Noir est peut-être plus connu comme un genre obsédé par le crime – pas seulement sous la forme de ses personnages les plus reconnaissables, comme Philip Marlowe de Bogart et des détectives tout aussi complexes sur le plan moral, mais aussi des crimes du cœur et de l’esprit qui conduisent les gens à perdre leur âme. Le noir est un genre intrinsèquement politique et psychologiquement adapté.
Le premier film noir est surtout connu pour ses sautes d'humeur, son expressionnisme, ses dialogues rythmés et stylisés, son éclairage en clair-obscur et ses fins tragiques, où des personnages qui ont transgressé les mœurs de la société ont connu un destin déchirant. Certains films noirs tendaient davantage vers le réalisme poétique, tandis que d'autres s'orientaient vers un expressionnisme presque surréaliste. Ce qui reste le plus immédiatement emblématique, ce sont les archétypes du noir – en particulier la femme fatale – qui parlent des recoins les plus sombres de la psyché humaine. Plus que tout, le noir est un genre très flexible, même à son époque d’origine hollywoodienne. Mais cette définition constitue un bon cadre de référence.
D’une part, c’est une question de timing. La date limite est 1959. La couleur le distingue également. Dans sa période classique, le noir se limitait principalement à une cinématographie maussade en noir et blanc, à quelques exceptions près, comme le festin Technicolor avec Gene Tierney,Laissez-la au paradis(1945). Mais le néo-noir marque un changement majeur qui ne se limite pas aux changements de palette de couleurs, de grammaire visuelle et de temps. Le néo-noir place le genre dans de nouveaux contextes et contextes, et même une pollinisation croisée avec d'autres genres, commeCoureur de lame(1982) le démontre. Dans les années 1960, le noir était devenu autoréférentiel et stylistiquement plus direct, introduisant de nouvelles mœurs dans le genre, remixant souvent le passé comme s'il était en conversation avec l'histoire. Libéré du système de studio original, le néo-noir présente également une violence plus brutale et des scènes sexuellement explicites, transformant ce qui était autrefois un sous-texte en texte. Le noir des aughts a poussé cela à l'extrême, obsédé par le style du genre passé au point où il peut apparaître comme un pastiche vide à laVille du péché(2005). Ces dernières années, des œuvres commeSommet du lac,Destructeur, et d'autres se soucient toujours du style, mais il est ancré dans les enfers personnels que ces personnages naviguent dans leurs paysages urbains et ruraux.
La liste ci-dessous n'inclut pas certains des néo-noirs les plus évidents et les plus appréciés, notammentquartier chinois,Conduire, etZodiaque, afin de fournir un aperçu plus varié du genre. Ces films (et deux émissions de télévision) sont un mélange de classiques cultes, de favoris canonisés et d'obsessions personnelles qui, selon moi, illustrent particulièrement l'âme de cette période du noir et la façon dont elle a évolué au cours des dernières décennies.
Le scénariste-réalisateur Samuel Fuller a fait carrière en utilisant l'excès et le grotesque du pulp pour interroger des sujets controversés. Il n'a jamais été meilleur que lorsqu'il travaillait dans le noir.Le baiser nuest un coup de poing au rythme d'un rêve. Kelly (Constance Towers) est une ancienne travailleuse du sexe qui tente de reconstruire sa vie dans une petite ville en difficulté. Elle est harcelée par des gens qui la traitent terriblement à cause de son ancien métier, mais trouve l'amour avec un descendant de haut niveau qui suggère qu'une fin de vie heureuse est possible. Mais c’est un film noir de Fuller – alors l’amour cède la place à la dépravation, prouvant que même dans les banlieues les plus calmes, l’horreur peut fleurir.
Le chef-d'œuvre tendu et soigneusement construit de John Pierre-MelvilleLe SamouraïC'était la première fois que je voyais l'icône française Alain Delon à l'écran. J'étais tellement perdu dans les profondeurs glacées des yeux bleus de Delon et dans la ruse acérée de son physique que je n'ai pas pleinement absorbé le talent artistique du monde créé par Melville. La beauté deLe Samouraïce n'est pas son intrigue - qui raconte l'histoire d'un tueur à gages (Delon) avec un travail qui a mal tourné - mais la gestion assurée du ton, de l'ambiance et du style, qui tire son chapeau au noir du passé tout en se distinguant comme un un cocktail capiteux unique en son genre. C'est une histoire étrangement émouvante sur la nature de la solitude et constitue l'un des exemples les plus frappants de ce qu'une grande star peut faire dans un rôle.
La raison pour laquelle je suis tombé amoureux du noir, ce sont ses femmes. De la fureur dévorante de Bette Davis dansLa lettre(1940) au tour surprenant et complexe de Marlene DietrichTémoin à charge(1957), le film noir de l'âge d'or classique d'Hollywood offrait aux femmes des rôles contradictoires et séduisants. Libérés des restrictions du code de production Hays, les réalisateurs du nouvel Hollywood des années 1970 ont apparemment oublié l'importance des femmes et la dynamique de genre dans le noir, ce qui rendKlute, qui a valu à Jane Fonda l'Oscar de la meilleure actrice, une valeur aberrante. DansKlute, réalisé par Alan J. Pakula, Fonda incarne la conception de cette décennie des femmes indépendantes que les femmes fatales semblent représenter : Bree Daniels, une travailleuse du sexe pragmatique qui aspire à devenir actrice, se retrouve impliquée dans l'enquête pour meurtre menée par l'héroïne de Donald Sutherland. détective privé. Fonda est en effet magnétique car elle module la performance de sa féminité en fonction des personnes dans son orbite – qu'il s'agisse de négocier les prix avec un client d'une voix délicate et impertinente ou d'essayer de rester stoïquement belle tout en étant cruellement évaluée aux côtés d'autres femmes pour une audition de mannequin. Noir a définitivement perdu quelque chose en s'éloignant de la politique de genre et en changeant les notions de genre qui constituaient un aspect majeur à ses débuts. Mais comme Fonda le prouve dans sa performance séduisante, cela ne veut pas dire que les créateurs du genre ont complètement perdu de vue cette qualité.
Vous pourriez créer une histoire intrigante, quoique limitée, du noir et de sa définition changeante de la masculinité simplement en suivant les adaptations de la création la plus célèbre de Raymond Chandler, Philip Marlowe. Interprété de manière emblématique par Humphrey Bogart avec un soupçon de cynisme ironique dansLe grand sommeil, le personnage a continué à apparaître à chaque époque du noir. DansLe long au revoir, Marlowe, interprété par Elliott Gould, est un homme hors du temps. Sa moralité s'oppose systématiquement au cynisme et à l'amoralité de ses pairs. C'est une version distinctive et très radicale du célèbre détective, avec une finale brutale.
La vue parallaxe, comme beaucoup de films de son époque, est généralement considéré comme un thriller politique. Mais l’appellation de genre « thriller » m’a toujours fait grincer des dents – de nombreux films étiquetés comme tels sont plus précisément décrits comme étant soit de l’horreur, soit du noir.La vue parallaxeIl manque peut-être l'imagerie traditionnelle de la femme fatale et du détective obstiné défait par l'instabilité morale, mais il s'inscrit dans la tradition noire de l'analyse des pouvoirs et des institutions dominants qui influencent nos vies avec un cynisme paranoïaque. Le film, réalisé par Alan J. Pakula (qui a également réaliséKlute), présente un tour fascinant de Warren Beatty dans le rôle de Joseph Frady, un journaliste crasseux connu pour son « irresponsabilité créatrice », qui lance une dangereuse enquête sur une entreprise qui pourrait être liée à l'assassinat d'un membre du Congrès montant et des témoins de l'événement. L'assassinat d'ouverture est toujours choquant par sa brutalité abrupte, et le film continue de surprendre à partir de là en créant un réseau d'intrigues complexe et accablant.La vue parallaxemontre comment la paranoïa dans le noir a évolué, passant d'un ancrage interpersonnel à quelque chose de plus large concernant la peur avec laquelle nous luttons, en raison des organismes politiques et corporatifs qui influencent nos vies. C’est le même intérêt à démanteler le caractère sacré du rêve américain, mais sous un angle différent.
De tous les films de cette liste, le premier film de Paul Schrader se démarque le plus. Son esthétique moite et peu glamour des années 1970, sa partition bluesy et son casting d'acteurs comme Richard Pryor semblent très éloignés de la façon dont le noir est généralement conçu. MaisCol bleua l'âme du noir. Il suit un trio de travailleurs de l'automobile de Détroit en difficulté financière – Zeke Brown (Pryor), Smokey James (Yaphet Kotto), Jerry Bartowski (Harvey Keitel) – qui sont furieux des mauvais traitements infligés par la direction et leur syndicat. Unis par leur colère, ils décident de cambrioler un coffre-fort au siège du syndicat, tombant sur une conspiration qui déchire leur vie. J'ai découvert le film lorsqu'il a été choisi récemment pour un Noir Fest au Music Box Theatre de Chicago. C’est l’un des néo-noirs les plus marquants auxquels j’ai été présenté ces dernières années pour sa réflexion sur l’anti-noirceur, les contraintes écrasantes du fait d’être un travailleur pauvre et sa vision de la Rust Belt.
Avec le néo-noir, les indiscrétions sexuelles et les politiques entre hommes et femmes – souvent sous-entendues au cours des décennies précédentes – passent au premier plan.Chaleur corporelleest un excellent exemple de l’impact de ce changement sur le genre. Le film doit beaucoup à Billy WilderDouble indemnisation.Mais là où ce film a un air froid,Chaleur corporelleest surchauffé et submergé par le désir sexuel, libre de toute manœuvre sous-textuelle. Il fait suite à une liaison entre un avocat incompétent, Ned (William Hurt), et une riche femme mariée aux appétits incalculables, Matty (Kathleen Turner). Même si je crois généralement que la tension des choses invisibles est plus séduisante que les scènes de sexe explicites – et ce film est lourd de sordide – il est difficile de ne pas être fasciné par Turner dans ses débuts décadents et rusés à l'écran.
Mona Lisapossède les deux qualités essentielles au noir : l'atmosphère et l'étude psychologique des personnages. Le film noir de Neil Jordan de 1986 suit George (Bob Hoskins), un ex-détenu engagé par son ancien chef du crime Denny Mortell (Michael Caine) pour agir comme chauffeur et garde du corps pour une call-girl nommée Simone (Cathy Tyson). Cela faitMona Lisacela semble sinistre, mais cela déjoue les attentes. C'est une histoire d'amour surprenante, pleine de chagrin, d'obsession et de nostalgie, pour laquelle le noir est connu. Chacun des personnages principaux est distinctif et magnifiquement interprété, mais c'est Hoskins qui est particulièrement formidable, remportant sa seule nomination aux Oscars pour ce rôle. Il distille ce qu'il y a de si émouvant dans le film : sa représentation de l'amour à la fois comme baume et comme arme potentielle.
Si la femme fatale est la figure la plus emblématique de la période classique du noir, le néo-noir adopte à fond le tueur en série.Veuve noiresynthétise les deux archétypes sous la forme de Catharine (Theresa Russell), une femme fatale méthodique et très intelligente se préparant à son prochain marquage et meurtre.Veuve noireserait remarquable pour la seule performance insaisissable de Russell, mais c'est aussi mémorable parce que le tueur en sérieetl'enquêteur acharné qui la traque sont tous deux des femmes. L'enquêteur Alex Barnes (Debra Winger) est le genre de femme qui lit les nécrologies le matin avec son café et se comporte avec un manque de retenue négligé, ce qui en fait l'antithèse de la séduisante Catharine.Veuve noireest à son meilleur lorsqu'il s'interroge sur la manière dont ces différentes femmes se jouent les unes des autres et sur la manière dont le contrôle change entre elles, créant ainsi une histoire propulsive et saisissante.
Quelque part dans une ville désertique près de Palm Springs, Kevin « Collie » Collins (Jason Patric), ancien boxeur et actuel patient évadé du service psychiatrique, se retrouve mêlé au complot d'enlèvement d'une veuve alcoolique (Rachel Ward) et de sa connaissance douteuse (Bruce Dern). l'enfant d'un homme riche. Chaque représentation ajoute de nouvelles dimensions au paysage surnaturel et scuzzy du film. Patric se démarque en tant qu'homme qui n'est même pas à l'aise dans son esprit.Après la tombée de la nuit, ma douceest la meilleure adaptation de l'œuvre de l'icône noire (et l'un de mes auteurs préférés) Jim Thompson, capturant le poétisme venimeux, le courage, la crasse et l'horreur existentielle piquante qui définissent Thompson. C'est aussi l'un des rares néo-noirs à capter le potentiel envoûtant des voix off, si souvent mal utilisées dans ce genre.
Trois escrocs aux appétits et aux motivations opposés se croisent pour aboutir à des résultats fatals : Lilly (Anjelica Huston), aux yeux perçants et venimeux ; le fils qu'elle a eu très jeune, Roy (John Cusack) ; et sa petite amie plus âgée, Myra (Annette Bening), utilisant toujours son attrait sexuel pour avancer.Les escrocsa été adapté par le réalisateur Stephen Frears et le scénariste Donald E. Westlake, mais malgré son courage et sa pâleur catastrophique, il n'atteint jamais tout à fait l'énergie venimeuse saisissante du roman de Jim Thompson, à l'exception de l'incroyable performance de Huston. Mais le film est hyper-conscient de ses antécédents cinématographiques et littéraires, ce qui lui donne l'impression d'être un digne héritier du paysage noir aigri des années 1940 et 1950 auquel il emprunte une partie de son style.
L'Enlèvementa l’une des fins les plus déchirantes et existentiellement effrayantes que j’ai jamais vues. À première vue, cela ne ressemble pas vraiment à un film noir. Le film de 1991 met en vedette Mimi Rogers dans le rôle d'une femme sexuellement vorace et quelque peu distante sur le plan émotionnel qui se convertit au christianisme lorsqu'elle rencontre une secte qui croit que l'enlèvement est imminent. Le noir n’est pas seulement un genre flexible, mais dont les qualités se sont infiltrées dans tellement de recoins du cinéma que son influence peut être constatée dans des lieux surprenants.L'Enlèvementfait écho au noir dans les détails de son paysage moral, son intérêt pour la sexualité, ses dilemmes existentiels et sa vision de Los Angeles. La ville regorge de malaise désespéré et de glamour creux. CommeRoger Ebert a écrit dans sa critique quatre étoiles du film, "L'Enlèvementest un film imparfait et parfois enrageant, mais il nous met au défi avec la plus grande idée à laquelle il puisse penser, l'idée que nos vies humaines individuelles ont un véritable sens sur le plan de l'infini.
Dans son essai « Le continent sombre du film noir », la critique de cinéma et historienne E. Ann Kaplan décrit la race comme le « signifiant inconscient refoulé » du film noir. Noir a toujours eu une relation complexe avec la race, en particulier avec l'identité noire, qui est souvent impliquée dans les ombres sombres qui enveloppent les visages de ses protagonistes. (Parfois, cela est abordé de manière plus directe, comme dans le premier rôle principal de Sidney Poitier dansPas d'issue.)
Réalisé par l'acteur vétéran Bill Duke,Couverture profondecrée une fable paranoïaque et poétique qui frappe au cœur du malaise racial et économique des années 1990. Russell Stevens Jr. (une magnifique Laurence Fishburne) est un policier qui s'infiltre en tant que trafiquant de drogue et se fraye un chemin dans l'entreprise criminelle. En chemin, Stevens rencontre un groupe de personnages hauts en couleur et égoïstes, dont un Jeff Goldblum mémorable et excentrique. Mais il se sent coupable d’avoir commis des crimes odieux en secret, dont les dommages collatéraux affectent les communautés mêmes qu’il veut protéger. C’est une considération déchirante et parfois même nihiliste de la noirceur, de la communauté et de la capacité de changer de l’intérieur des systèmes institutionnels préjugés. Et ça mijote avec intensité, grâce aux performances et à la mise en scène assurées.
Les femmes noires ont toujours opéré en marge du noir. Il s'agissait d'anciennes servantes interrogées brièvement pour obtenir des informations (Theresa Harris dansHors du passé), chanteurs de salon, intérêts amoureux mineurs. Rarement ont-ils été des personnages aussi importants que Fantasia/Lila (Cynda Williams), membre d'un trio criminel meurtrier dans le film de Carl Franklin de 1992.Un faux mouvement. Lila n'est pas une femme fatale simpliste qui donne une bouffée d'énergie sexuelle à cette histoire à petit budget et aux accents du Sud, sur des criminels en fuite et des détectives qui les traquent. Elle a des raisons morales spécifiques derrière son implication. Lila est rejointe par son petit ami, Ray (Billy Bob Thornton), et l'ex-détenu Pluto (Michael Beach) dans une frénésie criminelle qui les mène en Arkansas, où se déroule la majeure partie du film. L'atmosphère rurale ouvre le film à de nouvelles avenues fascinantes, y compris une excellente performance de Bill Paxton dans le rôle du shérif d'une petite ville qui partage un passé avec Lila. Qu'est-ce qui faitUn faux mouvementun film si captivant montre comment il évite le pastiche vide des noirs des années 1970 et 1980 et utilise plutôt le genre pour affronter les questions de privilèges, de culpabilité blanche et d'anti-noirceur, avec le courage d'une petite ville.
Sutureest une curiosité. Plus que tout autre film de cette liste, il représente mon problème avec la façon dont le néo-noir élude souvent les préoccupations politiques et émotionnelles tranchantes au profit d'une obsession du style. Les partenaires d'écriture, de réalisation et de production, Scott McGehee et David Siegel, ont une formation en design – et cela se voit. La cinématographie en noir et blanc est austère et richement texturée. Chaque cadre a une esthétique épurée, dans laquelle les gens sont positionnés de manière à briller d’une élégance géométrique. La prémisse du film suggère qu'il s'intéresse à la nature de l'identité et de la noirceur. L’intrigue concerne deux demi-frères – le riche Vincent blanc (Michael Harris) et le ouvrier noir Clay (Dennis Haysbert) – qui se reconnectent après la mort de leur père. Ils font souvent des déclarations sur l'étrangeté de leur ressemblance, ce qui est comiquement ridicule, étant donné que Clay est un homme noir à la peau foncée et que Vincent est aussi blanc que possible.Suturejoue avec un certain nombre de tropes noirs remarquables – sosies, identité erronée et amnésie. Il n’exploite jamais la surréalité intrigante et le poids politique potentiel de son intrigue, mais c’est une histoire étrangement envoûtante grâce aux performances principales assurées et à l’ingéniosité visuelle.
Cette série d'anthologies Showtime n'a duré que deux saisons, et c'est un peu difficile à mettre la main sur. Il présente une multitude d'icônes devant et derrière la caméra : Laura Dern, Alan Rickman et Danny Glover ; des producteurs comme Sydney Pollack ; des histoires basées sur l'écriture de non-conformistes du noir comme les romanciers David Goodis et Cornell Woolrich, dont le travail s'appuie sur les traditions et curiosités classiques du noir ; et un éventail surprenant de réalisateurs, dont Alfonso Cuarón, Agnieszka Holland et Tom Cruise. (Oui,queTom Cruise.) Bien qu'il s'agisse d'un néo-noir très imparfait, il est fascinant de voir ces collaborateurs lutter avec les styles maussades, le langage et la grammaire visuelle de la période classique du noir dans le paysage de Los Angeles du milieu du siècle qu'ils créent.
Sans excuse. Émotionnellement froid. Sexuellement vorace. Bridget Gregory, la dure protagoniste impeccablement incarnée par Linda Fiorentino, est l'une des femmes fatales les plus brutales des annales du film noir. Après qu'elle et son mari aient dérobé près d'un million de dollars dans une escroquerie pharmaceutique, Bridget s'enfuit dans une petite ville à l'extérieur de Buffalo avec l'argent et accomplit des actions de plus en plus terrifiantes pour le conserver. Bridget est le nec plus ultra des femmes fatales modernes, représentant à quel point elles sont devenues brutales.
« Les souvenirs étaient censés s'effacer, Lenny. Ils ont été conçus de cette façon pour une raison », dit Mace (Angela Bassett) à Lenny (Ralph Fiennes), obsessionnel et imparfait, dans la meilleure scène du techno-noir violent de Kathryn Bigelow.Jours étranges. Ce qui est génial avec le néo-noir, c'est la façon dont il associe les préoccupations du noir à d'autres genres. Dans le cas dJours étranges, c'est de la science-fiction. Bigelow, avec les scénaristes James Cameron et Jay Cocks, crée à la fin de 1999 un Los Angeles grêlé par le crime et défini par un langage qui lui est propre.Jours étrangesest une expérience maniaque et sensorielle, qui a du sens compte tenu de sa préoccupation d'aborder un large éventail de sujets déchirants, notamment le voyeurisme, le viol et les conflits raciaux. La drogue de prédilection de Lenny est le « jacking in », qui lui permet de ressentir l'effet éphémère de revivre les souvenirs des autres. Lenny utilise cette drogue pour revivre son temps avec son grand amour, Faith (Juliette Lewis), à qui il essaie de revenir avec l'aide de Mace.Jours étrangesest un récit urgent, visuellement extravagant et souvent horrifiant, qui nous emmène à travers cet enfer techno du futur Los Angeles, des hôtels miteux aux fantasmes intérieurs de l'esprit des gens. La seule façon dont ce film pourrait être meilleur est si Angela Bassett – dont la performance tendre et dure lui donne du pathos – était le rôle principal.
Adapté du roman du même nom de Walter Mosley, l'adaptation de Carl Franklin deDiable en robe bleuerecèle de nombreux plaisirs. Dans le rôle d'Ezekiel « Easy » Rawlins, le détective privé de fortune chargé de retrouver une femme blanche disparue nommée Daphné Monet (Jennifer Beals), Denzel Washington se comporte avec grâce et une fanfaronnade enviable. Mais le film, comme tous les grands films noirs, regorge de performances étonnantes, en particulier la performance maniaque et lumineuse de Don Cheadle dans le rôle de Mouse. Le plus intrigant est la façon dont Franklin réinvente le Los Angeles de 1948, interrogeant le paysage racial et le malaise existentiel du point de vue du type de personnages noirs qui ont principalement coloré les marges du genre au cours des décennies passées.
Les WachowskiLiéillustre ce que j'aime le plus dans le noir : il offre l'espace nécessaire pour explorer une variété de désirs et de fantasmes de genre. Trop souvent, les mauvaises leçons sont tirées de la période classique du film noir, ce qui rend ses descendants modernes trop attachés au machisme.Liéest l'un des rares néo-noirs à comprendre le désir qui se développe entre les femmes, pour les femmes. Ou peut-être que j'ai juste un peu le béguin pour Corky (Gina Gershon), l'ex-détenu butch qui entame une liaison avec Violet (Jennifer Tilly), qui se débat avec les boîtes étroites que les hommes dans son orbite ont créées pour elle, y compris son petit ami violent et connecté à la mafia, César (Joe Pantoliano). La relation entre Corky et Violet fait ressortir de nouvelles dimensions chez les deux femmes, rendant ce néo-noir si mémorable.
Jackie Brunest le seul film de Quentin Tarantino que j’aime vraiment et profondément. Peut-être parce que cela semble émouvant, contrairement à ses autres œuvres, même si elles s'inspirent de figures cinématographiques et d'inspirations du passé. Tarantino est à son meilleur lorsqu'il crée des femmes multidimensionnelles et contradictoires, les comprenant au-delà des styles élégants qu'elles peuvent offrir. En tant que titulaire Jackie Brown, Pam Grier est le joyau de son œuvre. Adapté du roman d'Elmore LeonardPunch au rhum, le film est centré sur une hôtesse de l'air malchanceuse qui fait de la contrebande pour un tireur du marché noir nommé Ordell (Samuel L. Jackson) pour joindre les deux bouts. Elle subit des pressions de tous côtés : de la part d'Ordell, d'un sergent avec lequel elle partage une relation tendre et honnête, nommé Max Cherry (Robert Forster), le LAPD.Jackie Brunest une Saint-Valentin scuzzy pour les films de blaxploitation qui ont lancé la carrière de Grier, et le noir, allant jusqu'à remercier Samuel Fuller (dont le néo-noirLe baiser nuest également sur cette liste). Le film est coloré par les performances bien construites de Forster, Bridget Fonda et Robert De Niro, ainsi que par une bande-son meurtrière, une mise en scène tendue, un tas de charme et un courant de menace. Grier est la meilleure partie d'un film déjà empreint de grandeur. Elle est sexy avec un air naturaliste, intelligente, dure, rusée. Elle ne ressemble à personne d’autre dans le genre. Pourquoi n'avons-nous pas plus de films comme celui-ci ?
Paul Newman fait un curieux rôle noir, que ce soit dans le rôle du détective Lew Archer dansHarper(1966) etLa piscine qui se noie(1975) ou dans des travaux ultérieurs commeCrépuscule. Peut-être était-ce à cause de sa beauté éclatante ou de la façon dont il se déplaçait à travers le monde, ce qui est antithétique à la paranoïa déchiquetée qui tient le cœur de tant d'hommes dans ce genre. Aucun acteur américain n'a fait preuve de l'aisance dont fait preuve Newman devant la caméra, qu'il montre ici dans le rôle de Harry Ross, un détective à la retraite aux prises avec le vieillissement et essayant de reconstituer les ruines de sa vie en quelque chose de significatif. Lorsque nous rencontrons Harry, il a un air aigre et réservé, comme s'il n'était pas sûr de la façon dont la vie s'est déroulée de cette façon, même lorsqu'il interagit avec ses amis, un couple marié de stars de cinéma vieillissantes, Catherine (Susan Sarandon) et Jack. Ames (Gene Hackman). Lorsque Jack demande à Harry de lui rendre un service, il se retrouve impliqué dans une affaire vieille de plusieurs décennies concernant le premier mari disparu de Catherine.Crépusculene réinvente pas le néo-noir, mais c'est un portrait sincère du vieillissement et de la perte, et une Saint-Valentin pour un Hollywood qui n'existe plus, soutenu par de belles performances.
De nombreux films de David Lynch ont joué avec le noir de manière ludique, notammentAutoroute perdueetTwin Peaks : Marche du feu avec moi. Mais essayer de cantonner son travail à un seul genre semble être un exercice futile. EstPromenade Mulhollandun noir avec des éléments d'horreur, ou vice versa ? Est-ce important ?Promenade Mulhollandcrée un Los Angeles de désirs contrariés et de chagrins surréalistes, de couleurs criardes et d'hallucinations qui obscurcissent la réalité, ce qui en fait un magnifique exemple de la gestion astucieuse du genre du décor en tant que personnage. Il voyage dans des coins et des vignettes étranges, mais le cœur du film concerne la relation entre l'actrice en herbe Betty (Naomi Watts) et une amnésique (Laura Elena Harring) qui adopte le nom de Rita après avoir regardé une affiche du film noir de 1946.Gilda, avec Rita Hayworth. Lynch embrasse pleinement les qualités surréalistes qui ont touché le noir depuis le début avec son utilisation du son, de la narration non linéaire, du paysage visuel et de la façon dont il joue sur l'identité, alors que les personnages semblent fusionner et se diviser.
Le néo-noir sournois de Brian De PalmaFemme Fataleopère à plusieurs niveaux : c'est une ode à l'archétype titulaire qui pousse la caractérisation dans des directions surprenantes, en particulier lorsqu'il s'agit de la vie interne des femmes ; c'est aussi le propre effort de De Palma pour réfuter les critiques sur la façon dont il écrit les femmes ; et enfin, c'est une belle modernisation des préoccupations classiques du noir.Femme Fatalecommence par des images du classique noir de Billy WilderDouble indemnisation, permettant aux téléspectateurs de savoir immédiatement dans quel genre de monde ils entrent. Le film suit Laure (une star Rebecca Romijn), une voleuse séduisante et intelligente impliquée dans un braquage au Festival de Cannes, qui adopte l'identité de son sosie après s'être suicidée. Ce synopsis ne rend pas compte de la décadence et du côté surréaliste deFemme Fatale, qui est aussi archaïque et séduisant que son protagoniste.
Michael Mann a fait carrière avec des noirs savamment produits, confrontés aux difficultés de la masculinité toxique. Lorsque j'écrivais cette liste, je savais que je voulais mentionner un de ses films, mais étant donné la longueur et la grâce de sa carrière, il était difficile de choisir. Dois-je choisir l'emblématiqueChaleur, qui a permis à Robert De Niro et Al Pacino de s'affronter brièvement mais de manière percutante ? Et l'enfer néon deVoleur? je me suis installé surCollatéralpeut-être parce que c'est son film sur lequel je reviens le plus souvent, en raison du plaisir sincère que j'éprouve à le regarder.Collatéralest renforcé par l'un desLes plus belles performances de Tom Cruise, qui exploite une qualité que la plupart des réalisateurs n'utilisent pas : le malaise effrayant et l'inconnaissabilité qui se cachent derrière son sourire éclatant. Il y a toujours eu quelque chose de pratique, même un peu sombre, dans le charisme de Cruise, qui est pleinement utilisé ici dans sa performance en tant que Vincent, un tueur à gages qui oblige un chauffeur de taxi méticuleux (Jamie Foxx) à le conduire pour faire des hits pour son courant. affectation.
Certains films sont conçus pour hanter. Ils se glissent sous votre peau, s'emparent de votre cœur et ne le lâchent plus.Luxure, Prudenceest l'un d'entre eux, un film défini à la fois par la splendeur et la tragédie douloureuse. Comme le film Hitchcock de 1946 avant lui,Célèbre, Les LeeLuxure, Prudencemélange les sensations fortes d'espionnage, le drame romantique et les qualités séduisantes du noir.Luxure, Prudenceprend son temps pour dévoiler les détails de l'affaire en son cœur, entre M. Yee (Tony Leung, dont le charisme comporte un courant de menace) et Wong Chia Chi/Mme. Mai (un Tang Wei révélateur). Il ne s'agit pas d'une simple arnaque, mais d'un jeu élaboré : Chia Chi fait partie d'un groupe de patriotes chinois radicaux chargés de séduire Yee et de l'assassiner en raison de son rang élevé dans le gouvernement occupé japonais. Chaque image est magnifique, colorée par l'attrait de ce paysage, les vêtements raffinés et les identités changeantes des deux protagonistes.
Le noir a longtemps été considéré comme un genre à prédominance « masculine ». Pour le dire franchement, je pense que c'est de la connerie. Le Noir n'est rien sans les femmes. Ce film réalisé par Bong Joon-ho est centré sur une veuve anonyme (une formidable Kim Hye-ja) qui protège farouchement son fils adolescent, Yoon Do-joon (Won Bin), atteint d'une déficience intellectuelle. Lorsque Do-joon est accusé du meurtre d'une lycéenne et contraint à des aveux fragiles, sa mère fait tout son possible pour le protéger et prouver son innocence, comme elle le croit.Mèrefait écho à un film noir antérieur, le véhicule de Joan Crawford des années 1940Mildred Pierce, dans sa compréhension perspicace des capacités déformantes de l’amour obsessionnel entre une mère et son enfant, même face au froid visage de la réalité.
Parmi les films récents de David Fincher, c'estFille disparue - adapté du roman vivifiant et délicieusement archi du même nom de Gillian Flynn - que je revisite le plus souvent. Il m'a fallu un certain temps pour comprendre pourquoi j'étais si attiré par le film, qui n'est peut-être pas aussi parfait que les précédents travaux de Fincher, commeZodiaque. Est-ce le mystère soigneusement structuré en son centre, à propos d'un mari capricieux, Nick Dunne (Ben Affleck, apparemment dans le rôle pour lequel il est né), soupçonné de la disparition et du possible meurtre de sa femme parfaite, Amy (Rosamund Pike) ) ? Est-ce la gestion assurée du ton, l’humeur morose et les sensibilités pulpeuses que Fincher et ses collaborateurs tirent de cette histoire ? Plus que tout, c'est ainsi que Pike donne vie au génie obsessionnel et fataliste d'Amy Dunne dans un Technicolor émotionnel surprenant. Elle est la synthèse de deux types de femmes qui peuplent le noir depuis ses débuts : l’emblème angélique que la société attend des femmes et l’ignoble femme fatale. Amy ne recherche pas l'argent ou la gratification sexuelle, mais quelque chose d'un peu plus délicat : la loyauté éternelle et l'âme de son mari, qui a eu le culot de trahir son allégeance tacite à une histoire d'amour parfaite qui a toujours été illusoire. Amy est un personnage à la fois frustrant et impressionnant pour les efforts qu'elle déploie pour se venger. Elle est consciente des stéréotypes et des horreurs – comme les agressions sexuelles – avec lesquelles les femmes sont aux prises et les utilise à son avantage. Avec une malveillance glaciale et un charisme exercé, Pike donne vie à ma femme fatale préférée des temps modernes.
Dans le film du scénariste-réalisateur Dan GilroyNightcrawler,Jake Gyllenhaal ressemble à un coyote affamé rôdant dans les rues de Los Angeles, se régalant des restes des tragédies des autres. Louis Bloom (Gyllenhaal) est un vidéaste indépendant qui enregistre des moments de violence et de crime à Los Angeles pour les vendre aux chaînes d'information locales. Bloom est extrêmement lâche et dangereux, manipulant des actes de violence, engendrant la disparition de tous ceux qui se trouvent sur son orbite et faisant même chanter une directrice des informations du matin, Nina (René Russo), pour qu'elle ait des relations sexuelles.Nightcrawlerest direct dans son commentaire sur la nature étroitement liée du journalisme contraire à l'éthique, des désirs des consommateurs et du capitalisme capricieux. Cela rappelle le film noir prémonitoire de Billy Wilder.As dans le trou, qui met en vedette Kirk Douglas dans le rôle d'un journaliste tout aussi amoral et manipulateur.
PhénixC'est le genre de film dont je me souviens pour l'expérience physique. Mon cœur s'est serré dans ma poitrine en regardant ce noir stellaire, qui considère l'identité et l'amour d'une manière à la fois sombre et dévastatrice.Phénixexiste dans une lignée de films noirs prenant en compte les conséquences émotionnelles et interpersonnelles de la guerre peu après le refroidissement des champs de bataille. À Berlin après la fin de la Seconde Guerre mondiale, Nelly Lenz (Nina Hoss), survivante de l'Holocauste et ancienne chanteuse, tente de retrouver un semblant de son ancienne vie. Mais son mari, Johnny (Ronald Zehrfeld), ne la reconnaît pas, car elle a subi une chirurgie reconstructive après une blessure par balle. Pourtant, il voit une opportunité : elle ressemble suffisamment à sa femme pour se faire passer pour elle, afin qu'il puisse obtenir son héritage pour lui-même. Nelly accepte cette ruse même si son amie, Lene (Nina Kunzendorf), la prévient que c'est Johnny qui l'a vendue aux nazis.Phénixest un jeu d'identité déchirant et époustouflant, ancré par une formidable performance de Nina Hoss.
Quand j'ai regardéVrai détectivela première saisonen 2014, c'était comme un éclair, crépitant de l'intensité et de l'énergie que j'aime profondément dans le néo-noir. Je suis devenu obsédé par la saison, qui met en vedette Matthew McConaughey et Woody Harrelson dans le rôle de deux flics de l'État de Louisiane démêlant une conspiration qui détruit leur vie sur une période de 17 ans. Je n'ai pas ressenti le besoin de résoudre son mystère. J'étais fasciné par la façon dont la série considérait le paysage rural de la Louisiane que je connais comme mon foyer, la masculinité du Sud et la manière dont l'obsession s'envenime.Vrai détectiveest rapidement devenu un emblème nocif du type de drame policier obsédé par l’exploration d’une forme spécifique de masculinité toxique et autodestructrice, où les femmes ne sont que des croquis plutôt que des personnages à part entière. Cet argument a du mérite. MaisVrai détectivea de nombreux plaisirs, y compris sa réalisation assurée par Cary Fukunaga, la cinématographie magnifiquement texturée d'Adam Arkapaw et le jeu d'acteur stellaire de toutes les personnes impliquées. Le spectacle reflète une collaboration parfaitement équilibrée : les sensibilités pulpeuses de Nic Pizzolatto équilibrées par l'humour de Harrelson, les touches délicates et riches en émotions de Fukunaga et le courage émouvant de McConaughey. C'est un exemple étonnant de ce qui se produit lorsque l'on place les préoccupations et les questions du genre dans un environnement qu'il a rarement exploré – et c'est un témoignage de la grandeur continue du néo-noir.
Enfer ou marée hautem'a prouvé que Chris Pine est plus qu'une simple paire d'yeux bleus époustouflants au charisme décontracté. Dans le film, Pine incarne la moitié d'un duo de frères (Ben Foster est le frère le plus déséquilibré) qui vole des banques afin de sauver le ranch familial, tout en étant pourchassé par un Texas Ranger dévoué (Jeff Bridges). Pine est une révélation en tant qu'homme qui compromet sa boussole morale pour une cause plus grande et qui prend en compte l'instabilité de son dangereux frère. En raison de son cadre poussiéreux et ensoleillé de l'ouest du Texas,Enfer ou marée hauteest considéré comme un néo-occidental. Et bien que le film réalisé par David Mackenzie et écrit par Taylor Sheridan ait des traces d'un western, son âme est purement noir. De sa configuration de braquage à sa moralité trouble en passant par ses commentaires sur la masculinité et la loyauté,Enfer ou marée hautenous donne le meilleur que ce genre a à offrir.
Le cinéaste Park Chan-wook utilise depuis longtemps le néo-noir pour créer des mondes brutaux, archaïques, émouvants et délirants, conçus pour nous permettre de nous perdre, commeSympathie pour Lady Vengeanceet son film en anglaisChauffeur. Mais j'inclusLa servante, qu'il a co-écrit et réalisé, en raison de la façon dont il met à jour, subvertit et les intérêts les plus importants du queers noir – la dynamique de la luxure, de la classe, de la politique et de l'histoire – d'une manière incroyablement luxuriante. Park Chan-wook transporte le roman de Sarah WatersDoigteuxde la Grande-Bretagne de l’ère victorienne à la Corée sous domination japonaise. Le film s'attarde en raison des formidables performances qui l'ancrent : Kim Min-hee dans le rôle de Lady Hikeo, une jeune femme emprisonnée dans une cage dorée, et Kim Tae-ri dans le rôle de Sook-hee, sa servante tranquille impliquée dans un jeu de confiance élaboré, comme ils tombent dans le désir et l'amour tout en luttant contre les restrictions sociétales qui contrôlent leur vie, conduisant au chaos personnel et au meurtre.
