Dans l'écriture

Harlan Howard, membre du Temple de la renommée de la musique country, a résumé la philosophie de l'écriture de chansons country en une simple phrase : « trois accords et la vérité ». La signification de ce slogan souvent répété peut sembler évidente, mais il y a plus que ce que l’on voit derrière ces cinq mots monosyllabiques. Howard a réalisé une demi-douzaine d'albums entre le début des années 60 et le début des années 80, mais il a gagné sa place dans l'histoire enclassiques du country, sans les exécuter. La vérité qu’il parlait de capturer dans la chanson n’était pas une exactitude autobiographique ; lui et ses pairs recherchaient des histoires et des sentiments qui sonneraient vrais émotionnellement lorsque quelqu'un d'autre les raconterait, ce qui est une chose très différente.

Pendant la majeure partie de l'existence du pays en tant que genre commercial, le travail créatif et les profits qui en découlent ont été divisés de manière à traiter le chant et l'écriture de chansons comme des professions distinctes. Malgré la culture totalement décontractée de l'écriture de chansons à Nashville, les professionnels embauchés pour écrire pour les sociétés d'édition Music Row étaient censés être productifs de manière fiable, produisant des morceaux de qualité qui pourraient être présentés dans toute la ville pour étiqueter les gens d'A&R, les producteurs, les managers et les artistes. Les écrivains ayant une solide réputation et des relations professionnelles avaient plus de chances que leurs chansons soient prises en considération, mais il y avait aussi une mentalité basée sur le mérite dans la sélection des chansons : « La meilleure chanson gagne ». S’il gagnait une fois, il pourrait même remporter des victoires consécutives ; Lorsqu'un artiste avait un grand succès, il n'était pas rare qu'un grand nombre d'autres groupes enregistrent et publient immédiatement leurs propres versions du même morceau.

Chaque génération de lois nationales a eu ses exceptions à la règle. Willie Nelson a fait le pont entre le classicisme jazzy et country-politan et les cycles de chansons hors-la-loi axées sur les personnages. Dolly Parton et Loretta Lynn ont dépeint les décors rustiques et acquis la sagesse de leur éducation montagnarde ainsi que les défis de la féminité moderne. Tom T. Hall a livré des vignettes détaillées avec une intelligence drôle. Kris Kristofferson a imprégné sa narration d'une sensualité poétique. Alan Jackson a trouvé d'innombrables façons de décrire l'adaptation astucieuse d'un bon vieux garçon au monde contemporain. Mais même ces voix reconnaissables s’emparaient des chansons qui leur parlaient, disaient ce qu’elles voulaient dire ou tombaient dans des styles qu’elles trouvaient attrayants.

"Willie Nelson est l'un des plus grands auteurs-compositeurs américains des 60 dernières années, et pourtant il a également enregistré des chansons en dehors", explique Frank Liddell, qui a passé la majeure partie de trois décennies à travailler dans l'A&R, l'édition et la production à Nashville. D’un autre côté, souligne-t-il, « cela n’a jamais fait de mal à George Strait qu’il n’ait écrit aucun de ses succès pendant toutes ces années. »

Strait avait son choix de chansons et d'auteurs-compositeurs. Que les paroles correspondent aux détails littéraux de sa vie n’était pas la question. Ce qui importait était de savoir si Strait, avec son personnage stoïque de cowboy moderne et son sens du phrasé doucement balancé, pouvait vendre le sentiment ou habiter le rôle de manière convaincante.

Cela n’a que très peu de ressemblance avec le système pop contemporain décrit par John Seabrook dansThe Song Machine : à l'intérieur de la Hit Factory. Plutôt que des airs adaptés aux chanteurs, il a écrit que les chanteurs devaient se modeler sur les sons chauds générés par les gourous des studios. Le paradigme du hip-hop diffère également énormément d’un country à l’autre ; pensez à la façon dont les rappeurs sont interpellés par leurs pairs à la moindre possibilité qu'ils aient utilisé des nègres. C’est la même chose pour le rock. À l’ère post-Beatles, quel groupe de rock aurait eu l’espoir d’être vraiment pris au sérieux si ses membres n’écrivaient pas leurs propres trucs ?

De nombreux grands succès country du 21e siècle, dont Blake Shelton, Luke Bryan et Jason Aldean, ont continué à s'appuyer fortement sur d'autres sources de chansons, même s'ils écrivent également eux-mêmes. Mais une tendance contrastée se dessine dans de nombreux secteurs de l'industrie musicale de Nashville : les nouveaux artistes, en particulier les femmes, partent. clair empreintes digitales sur leurs chansons et en mettant l'accent sur les perspectives individualisées de ce qu'ils chantent.

Les années ont vu l'arrivée de plusieurs candidats de cheval noir à la célébrité country :Dierks Bentley, qui avait un angle jeune et influencé par le bluegrass sur la country rock ; le jeune Texan têtuMiranda Lambert; Eric Church, un voyou avec une tendance introspective ; et le prodige fantaisiste de la country-pop Taylor Swift. Leurs succès ne trahissaient aucun modèle évident et unifié, autre que le fait qu'ils étaient tous des auteurs-compositeurs dévoués et qu'Arturo Buenahora Jr., qui gravissait alors les échelons du monde de l'édition de Nashville, a eu la prévoyance de leur donner des contrats d'écriture de chansons avant que quiconque sache vraiment qui ils étaient. étaient.

C’était une sage décision de recruter et de développer des écrivains qui aspiraient à construire des carrières grand public sur des albums remplis de leurs propres compositions. "Il y a 13 coupes à la fois", souligne Buenahora sans prétention. «Vous pourriez parcourir Music Row pendant un an sans que 13 [songs] soient coupés. J’ai réalisé qu’il y avait quelque chose dans cette idée de recruter des auteurs-compositeurs-interprètes et de leur obtenir des contrats [d’enregistrement].” Mais pour Buenahora, et d’autres qui pensent comme lui, le véritable facteur de motivation était la particularité de ce qu’il entendait de la part de ces espoirs. "Quand j'ai vraiment adoré ça", dit-il, "alors je me suis dit : 'Mec, si cette personne quitte mon bureau et que je n'essaie pas de travailler avec elle, cela peut prendre des années, voire jamais, avant quelque chose comme qui franchit à nouveau ma porte.

Church, pour les albums duquel Buenahora a souvent été producteur exécutif, a fait de l'autosuffisance artistique un élément de sa marque,maintenir un cercle serré de collaborateurs, et a établi un accord avec ses fans selon lequelses set lists live seraient riches en morceaux profonds, pas seulement en singles.

Quand Swiftarrivé,remettant en question l'idée selon laquelle les préadolescentes et les adolescentes ne constituaient pas un groupe démographique viable ou souhaitable pour la musique country, elle a encouragé ses auditeurs à entendre ses chansons comme une révélation glauque et une amplification émotionnelle de moments éphémères. Elle a codé les noms des personnes sur lesquelles elle avait écrit dans ses notes de pochette et, lors de sa performance, a mis en place ses chansons comme si elle se confiait à des amis. Cela a continué même après que la production de ses spectacles ait atteint des proportions gargantuesques. Jody Rosenune fois observéque « le cœur d’un spectacle de Taylor Swift est l’intimité… lorsque l’éclat s’éloigne, le groupe et les danseurs entrent dans l’ombre, et Swift baigne les arènes caverneuses dans la lueur chaleureuse d’un feu de camp ».

Beth Laird, qui a travaillé pour l'organisation de droits d'exécution BMI avant de co-fonder la société d'édition et de gestion Creative Nation avec son mari Luke, écrivain-producteur, a pris note de ce que défier la croyance de l'industrie selon laquelle largeur égale accessibilité a fait pour l'attrait de Swift. «Plus elle était précise, plus cela paraissait pertinent», dit Laird, ajoutant: «où vous pensez naturellement que plus vous écrivez de manière générale pour les masses, plus les gens peuvent s'identifier. Mais je pense que c'est tout le contraire.

À peu près au même moment où Swift se faisait une place en tant que créatrice de succès country-pop, Lori McKenna, une auteure-compositrice-interprète de la Nouvelle-Angleterre que Laird dirige maintenant, a fait un détour inattendu et qui a fait la une des journaux dans le système des grands labels de Nashville. Après que trois de ses récits folk contemporains aient atterri sur un album de Faith Hill, McKenna a reçu une invitation à apparaître surOprah, un contrat d'enregistrement et beaucoup d'optimisme quant à ses perspectives commerciales. «Je pensais,Vous ne savez pas tous de quoi vous parlez, que je vendrais autant de disques», rit McKenna. "Je savais que j'allais gagner un peu d'audience, mais je savais que je n'étais pas assez mainstream pour que ça marche." Les chiffres de ventes lui ont donné raison. Malgré tout, sa manière de décrire la vie domestique avec un humour poignant et franc a eu un impact durable à la fois sur les aspects authentiques et authentiques de la vie domestique.créateurs de succès grand publicet ses sorties indépendantes ultérieures, saluées par la critique, y compris l'album de cette annéeL'arbre.

Au début de cette décennie, un nombre croissant de nouveaux artistes signés par des maisons de disques étaient des écrivains-interprètes comme Kacey Musgraves, The Band Perry, Brantley Gilbert, Ashley Monroe, Dan + Shay et Cam et Kip Moore, qui étaient moins susceptibles que leurs prédécesseurs pour enregistrer des chansons dans lesquelles ils n'étaient pas impliqués. Laird ne peut pas vraiment mettre le doigt sur le moment où cette nouvelle réalité s'est installée, mais note que les éditeurs qui voulaient une part du nouveau gâteau ont reconnu la nécessité pour les écrivains figurant sur leurs listes de collaborer avec des artistes stockant du matériel pour les projets à venir.

Il était facile de passer à côté de ces développements pendant un certain temps. La montée de ce qu'on appelle« frère pays »– un modèle de distribution de lignes de collecte et de rythme dont les adhérents exclusivement masculins ont rapidement dominé les ondes – a éclipsé la plupart des autres événements qui se passaient dans le paysage de Nashville. Cela allait au-delà d’une tendance stylistique ; certains interprètes, auteurs-compositeurs et producteurs semblaient reproduire une formule reconnaissable. Son uniformité a favorisé la perception extérieure que les chansons étaient pratiquement interchangeables, et elle est devenue un véritable sujet de fascination lorsqu'unapplication composite transparentesur six célibataires frères est devenu viral.

Aucun artiste n'a surmonté la vague avec plus de grâce que Sam Hunt, qui avait un flair drakéen pour démontrer qu'un homme qui aime vivre à la hauteur peut aussi être en proie à l'anxiété, au ressentiment et aux remords. Le flow doux, parfois meurtri, de Hunt était tout aussi essentiel à son attrait que la perspective sombre de ses chansons co-écrites. Il y avait une texture personnalisée dans sa musique qui s’est avérée prémonitoire et influente.

À ce stade, un certain nombre de groupes country émergents ont au moins un morceau ou deux dans leur répertoire qui se présentent comme une narration particulière, une autobiographie détaillée ou une confession conversationnelle (voir :Kane Brun,RaeLynn,Kelsea Ballerini,Walker Hayes,Tucker Beathard,LANCE,Rachel Wammack,Renée Blair,Dylan Schneider, etTravis Denning). Thomas Rhett est un cas intéressant d’obtention d’une véritable popularité grand public tout en reliant les générations musicales et les modèles de carrière. Le fils d'un retraité de 28 ansartiste d'enregistrement devenu auteur-compositeur à succèsa franchi la porte de Nashville avec un contrat d'édition, puis s'est tourné vers des sources extérieures pour certains de sespropres célibataires, reflétant un chemin suivi par d’innombrables autres actes nationaux. Mais il a continué à faire de l’écriture une priorité même après être devenu une star ascendante et au calendrier serré, au point où nombre de ses prédécesseurs ont renoncé à écrire. «Je pense qu'il met cette partie de lui-même au premier plan de sa carrière d'artiste», observe sa manager Virginia Davis. « C'est une chose consciente et intentionnelle qu'il fait. Cela fait autant partie de lui que ses spectacles.

Le sentiment que Rhett s'inspire, d'une certaine manière, de sa vie personnelle dans sa musique a contribué à nourrir l'investissement de ses fans dans ce qu'il fait. Il a connu une percée majeure en 2015 avec une ballade exprimant son engagement satisfait envers sa femme (il lui a fait une sérénade dans leclip vidéo). Dans sonsingle actuel, il résume avec désinvolture comment il est passé du statut d'auteur-compositeur désemparé à celui de célébrer sa relation avec sa femme sur des albums en vente chez Walmart. «Maintenant, elle a son propre groupe de fans», s'émerveille-t-il avec une fanfaronnade sympathique. « Elle a reçu une coche bleue sur son Instagram. Et j’ai écrit une petite chanson sur le fait de lui tenir la main, et maintenant tout le monde veut mourir heureux, mec.

La musique country a vu son lot de personnages brillants, mais les chanteurs derrière eux ne sont pas traditionnellement désireux de briser le quatrième mur.Ashley McBrydeen a fait une grande partie de son attrait. Consciente du fait qu'elle est plus âgée et moins intéressée à projeter une image embellie que la plupart des artistes bénéficiant de leurs premières promotions promotionnelles auprès de grands labels, elle a créé une carte de visite à partir d'un original intitulé "Fille ne va nulle part.» Dans le récit doucement entraînant d'un outsider, elle fait un pied de nez à un professeur qui a autrefois minimisé ses aspirations, et le fait avec une telle amabilité que ses fans ont l'impression d'être impliqués.

McBrydej'ai peu de tractionà Nashville alors qu'elle visait quelque chose de plus proche d'un attrait de masse. Ce n’est que lorsqu’elle s’est appuyée sur ses capacités de narration confessionnelle et son charisme terrestre que les gens ont vraiment commencé à le remarquer. (Jusqu'à présent, elle a régulièrement multiplié le buzz et la bonne volonté pour montrer ses efforts, mais pas une tonne de diffusion.) Caitlyn Smith a une histoire similaire. Elle a recalibré son approche plus d'une fois, commençant comme auteur-compositeur-interprète dans un café, puis apprenant les techniques de composition de chansons de Music Row pour d'autres groupes et essayant un peu de gloss country-pop.se. Après cela, elle a insisté pour appliquer ses talents à la mise à nu de l'âme et a capturé à quel point cette transition était atroce dans une version acoustique.complaintesorti pour la première fois en 2016. «Je me déverse trois minutes à la fois sur un J-45, mais personne n'écoute», soupire-t-elle devant une guitare choisie avec les doigts, l'air dégonflée par l'indifférence qu'elle a rencontrée. « Ils sont trop occupés à boire sur la note de l'entreprise. Je crie à pleins poumons, j'avoue mes secrets, tous mes péchés. Mais ils s'en foutent, parce que si ça ne sonne pas comme la radio ? Passer."

La chanson s'appelle«Cette ville me tue»et Smith le chante ces jours-ci dans une position réfléchie. Elle a enfin trouvé un exutoire à l'intimité blessée de sa musique, une petite marque de major avec seulement des liens lâches avec le courant dominant country. (Il est dirigé par Shane McAnally et Jason Owen, qui ont vu les risques qu'ils ont pris avec des artistes comme Hunt et Musgraves porter leurs fruits.) « Je pense que pendant un moment, [la pratique à] Nashville consistait à recruter une jolie fille qui a une bonne voix. , et vous lui trouvez des chansons et vous la poussez à travers cette certaine case qui va à la radio », explique Smith. "C'était littéralement une formule universelle qu'ils ont essayée pendant des années et des années." Les jeunes femmes qui ont coopéré n’ont pas réussi à passer beaucoup de temps à la radio. Pire encore, ajoute Smith, le processus ne « créait pas vraiment des artistes auxquels les gens croyaient ». La réponse de Smith était de viser fouille émotionnelle lors de ses rendez-vous de co-écriture. «J'ai enlevé mon chapeau d'auteur-compositeur», dit-elle, «et j'ai en quelque sorte commencé à creuser dans mon propre cœur et à raconter ma propre histoire et ma propre vérité.»

Jillian Jacqueline supposait que c'était ainsi que ses héroïnes country Patsy Cline, Patty Loveless et Martina McBride en arrivaient à leurs chansons, une perspective éclairée par le fait que Jacqueline a grandi en chantant avec un groupe familial dont le répertoire ne faisait pas de différence entre les reprises country populaires, des plats d'auteur-compositeur-interprète de soft rock et des originaux qu'elle a écrits avec ses frères et sœurs. Plus tard, elle a regardé ses sœursgroupea signé sur un label et a reçu du matériel peu adapté à enregistrer. Elle a ensuite vécu une expérience similaire. «C'est lorsque je suis entrée en studio pour commencer à enregistrer ces [chansons] que je n'avais pas écrites que j'ai vraiment réalisé où allait résider le problème», explique Jacqueline. «Cela me semblait vraiment vide. J’étais en quelque sorte déçu.

Elle a trouvé un scénariste-producteur, Tofer Brown (la frontière entre ces deux concerts est égalementdevenir plus flouà Nashville) qui était prête à entreprendre le projet à long terme consistant à l'aider à étoffer un matériel plus bien défini. Danielle Bradbery a décidé que c'était aussi ce dont elle avait besoin, après avoir été précipitée dans le processus de création de l'album, juste après sa victoire d'adolescente surLa voix. Pour ellesuivi, sorti l'année dernière, elle s'est aventurée dans la co-écriture. Son mélange de fraîcheur et d’intensité capture l’ambiguïté de l’émotivité de la génération Z. «Je pense qu'elle a choisi cela comme voie d'expression personnelle», explique Davis, qui dirige également Bradbery. "Elle a dit qu'écrire, pour elle, était comme une thérapie, aller s'asseoir dans une pièce avec des gens avec qui elle avait développé des liens."

Depuis des décennies maintenant, les concerts country suivent une tendance maximaliste, les artistes s'efforçant d'atteindre le statut de tête d'affiche d'arène ou de stade, et avec cela, la responsabilité de créer chaque soir une atmosphère de fête survoltée, de style populiste. Il faut cela et plus encore pour remporter le très convoité trophée de l'artiste de l'année lors des remises de prix annuelles de l'industrie de la musique country, car ces honneurs reviennent à ceux qui représentent le centre du format country. Mais insérer des moments plus calmes de vulnérabilité et de révélation de soi rend pour un type d’expérience d’écoute très différent dans certains quartiers.

Il y a des années, les apparitions de Miranda Lambert lors des cérémonies de remise de prix impliquaient souvent des piétinements, des démonstrations d'attitude démesurées et même des pièces pyrotechniques, mais elle a accompagné le tournant saisissant et introspectif de son film 2016.album, coproduit par Frank Liddell, avec unreprésentationsqui transmettait une conscience de soi aiguë d’auteur-compositeur-interprète. Lors de la récente performance de Musgraves à Nashville lors de la tournée Harry Styles (elle a atteint le niveau d'être réservée surSamedi soir en direct, mais occupe toujours la place d'ouverture des spectacles d'arène), elle a puisé dans sa propre collection actuelle de décorations astucieusement personnalisées.chansons, introduisant une approche particulièrement réfléchie etun timideen demandant à la foule : « Est-ce que l'un d'entre vous a déjà eu l'impression de n'avoir qu'un seul ami ? L'année dernière,Carly Pearcel'a marquéepremier n°1avec une ballade d'auteur-compositeur-interprète qui capturait l'angoisse privée d'une intimité arrêtée. Chaque fois qu'elle le chanteen direct, elle le présente comme son moyen de faire face à la fin cruelle d'une relation. "C'est ce que je préfère, pouvoir avoir un cadre intime et leur dire pourquoi j'ai écrit cette chanson et pourquoi je pense que c'est important", explique-t-elle.

Le fait qu'une performance tout aussi calme de Jacqueline ait conquis les dirigeants de Big Loud Records, la branche label d'un empire de l'édition qui a prospéré sous le système établi pendant le règne de la radio country musclée en dit long sur la façon dont les mentalités évoluent à Nashville. up, des jams accrocheurs, et continue de connaître un succès spectaculaire danscette veine. Le président du label, Clay Hunnicutt, et ses collègues ont assisté à son show dans un petit club et l'ont vue faire taire la foule agitée de l'industrie avec une chanson. "Nashville est généralement une ville blasée lors de ces événements où personne ne quitte le bar, tout le monde finit par parler et personne n'écoute de la musique", dit-il. "Eh bien, cette nuit-là, c'était l'un de ces rares moments où elle a en quelque sorte arrêté complètement la pièce." Depuis sa signature, la stratégie du label a été de publier un flot constant de vidéos, certaines synchronisées avecdes morceaux polis en studio, d'autres la montrant seule dans une pièce,chanter et grattersa guitare à corps creux. « Nous essayons de former un artiste, pas un seul », souligne Hunnicutt.

ActuelPanneau d'affichageles charts country et les playlists country Spotify ne reflètent pas exactement une refonte radicale du format ; ils sont principalement dominés par des groupes masculins offrant des performances plus suaves et plus sensibles sur des rythmes programmés plus élégants. Mais même si l'évolution de la musique country se fait à un rythme plus mesuré [voir : lemorceauJ'ai écrit à ce sujet il y a quelques mois], ceux qui s'investissent dans la santé du genre reconnaissent l'avantage de diversifier leurs portefeuilles musicaux pour inclure ce qui est déjà important et ce qui est susceptible de se consumer plus lentement..

Lorsqu'il s'agit de développer une identité artistique, on reconnaît de plus en plus sur Music Row la relation symbiotique entre la façon dont quelqu'un transmet les choses dans l'écriture d'une chanson et la prestation de celle-ci."Je pense que c'est vraiment compétitif en tant qu'artiste de nos jours », dit Laird, « et pour se démarquer et avoir une carrière à long terme, il faut avoir une voix unique. Si vous êtes capable d'écrire, alors la façon dont vous dites les choses sur le plan lyrique, mélodique et musical peut être vraiment unique et différente de ce qui se passe dans la tendance actuelle. Mais même si elle prête attention à ce qui fonctionne dans le paysage, elle parie : « Je pense que je vais toujours signer des écrivains que je trouve exceptionnels, et ensuite je vais juste essayer de me dépêcher et de trouver comment faire ça marche.

L'un des ajouts les plus récents au roster de Creative Nation de Lairds, Kassi Ashton, a un arrangement de label innovant - elle lance sa carrière d'enregistrement avec des places sur les rosters country et pop - et une mentalité de nouvelle génération sur ce que signifie incarner un personnage. « Il n'y a aucun moyen pour moi de sortir une chanson ou de chanter une chanson sans que les paroles et l'histoire ne m'arrivent », dit-elle. « Je me sentirais fausse en faisant ça… Je dirai gentiment : « Cela » [l'idée de la chanson] est tellement bonne, mais tu devrais la confier à quelqu'un d'autre, parce que je ne pourrai pas transmettre ça aussi honnêtement qu'elle le mérite.'

La chanson d'Ashton, "Californie, Missouri», une lettre ouverte adressée à sa petite ville natale du Midwest, parue plus tôt cette année, et a attiré beaucoup d'attention sur les blogs pour un morceau sorti de nulle part d'un débutant total qui n'était même pas un single officiel. L'impatience transparaît à la fois dans les mots eux-mêmes et dans la façon dont elle s'y précipite sur des accords de guitare crasseux et réverbérants. «Je ne voulais pas que ce soit méchant, mais je ne voulais pas que ce soit doux», explique-t-elle. "Je voulais que ce soit exactement ce que je ressentais." Quiconque a entendu la chanson n'a pu s'empêcher de penser au premier single de Musgraves de 2012,« Joyeux tour »un roulement des yeux face à la pression des petites villes pour maintenir une façade de respectabilité. Il a servi d'introduction à la clarté d'observation de Musgraves. Ashton, qui travaille avec certains des principaux collaborateurs de Musgraves, reconnaît rapidement la ressemblance. «J'ai pleuré quand j'ai entendu cette chanson [pendant] le premier semestre de la première année d'université», dit-elle. "C'était comme : 'Quelqu'un ressent la même chose que moi !'"

Ashton et ses pairs doivent certainement s'inspirer de la production de Musgraves, sans parler de ce que Swift a accompli au cours de ses quatre premiers albums, mais il est significatif que beaucoup d'entre eux trouvent également leur inspiration chez Patty Griffin, une rockeuse folk qui investit son humanisme. des récits d’une fervente sincérité. Smith a fait l'un de ses premiers pèlerinages à Nashville pour la voir jouer, etAubrie VendeursetTenille Townes, tous deux écrivains d'une vingtaine d'années sur de grands labels basés à Nashville, reconnaissent l'influence de Griffin. De même, beaucoup de ces nouveaux artistes, y compris Jacqueline et Ashton, sautent sur l'occasion d'écrire avec Lori McKenna, considérant la collaboration avec l'auteur-compositeur-interprète aîné presque comme un scénario de gourou et de disciple.

McKenna est optimiste quant à cette génération montante. « Le problème avec Jillian, je ne pense pas qu'elle avait d'autre choix [que d'écrire les chansons qu'elle écrit]. C'était juste en elle. Kassi aussi. McKenna est également ravie de voir davantage de ses collègues pros de Music Row se faire remarquer en tant qu'artistes convaincants à part entière. À un niveau ou à un autre, c'est arrivé àBrandy Clark,Natalie Hemby,Travis Prés, Luke Dick, qui dirige un groupe appeléCheveux républicains,Brent Cobb, et d'autres. Depuis que McKenna a commencé à se rendre à Nashville dans les années 2000, avec des attentes façonnées par le circuit folk des cafés indie de Boston, elle ne comprenait pas pourquoi quelqu'un ayant la capacité et la vision de créer sa propre musique ne chercherait pas un débouché pour cela. . Elle dit : « Je me souviens avoir rencontré des gens comme Brandy Clark et leur avoir demandé : « Pourquoi ne ferais-tu pas un disque ? »

C'est un signe de la porosité des frontières entre les catégories musicales, même à Nashville – où il est d'usage pour les artistes de choisir des lignées musicales particulières auxquelles professer leur loyauté – que beaucoup de ces artistes (et leurs influences) ont des liens professionnels avec et des champions dans ce domaine. les formats country et Americana, dont les valeurs esthétiques et les modèles économiques peuvent autrement sembler très éloignés. Certaines saveurs country plus anciennes et plus racines sont bien vivantes sur la scène américaine, aux côtés de nombreux modèles d'auteurs-compositeurs-interprètes confessionnels, littéraires et folk, tandis que la musique country contemporaine est parfaitement à l'aise pour s'adapter aux tendances populaires actuelles, et c'est un autre facteur dans ses jeunes artistes et ses fans adoptent des textures plus personnalisées. Ils y sont gravitant au même moment où nombre de leurs homologues du alt-R&B, du rap emo et du rock indie ont signalé leur méfiance à l'égard des généralisations, créant une musique qui sembleépineux, prudent et particulier. #MeToo a apportéurgence encore plus grandeau travail des jeunes femmes exigeant une prise en compte sociale et politique et réalisant une catharsis émotionnelle avec leurguitares électriques à la main.

Il n’est pas étonnant que tant d’artistes qui tentent de se tailler une place dans le paysage de Nashville avec des définitions plus pointues de la vérité soient des femmes. Ils ont connu une décennie lamentable en matière de diffusion à la radio country, et ne s'en sont pas beaucoup mieux sortis avecstreaming. Pourquoi ne pas affirmer que leurs expériences, leurs perspectives et leur imagination comptent à travers leur musique ? Cela peut être une manière de contrebalancer les généralités des frères de ces dernières années et d’inviter une attention plus soutenue et individualisée. La complexité du cycle de chansons sur double disque que Lambert a sorti il ​​y a deux ans continue d'inspirer la fascination, même à une époque où la capacité d'attention des gens est radicalement réduite. Décrivant l'un de ses morceaux dans un rare et récententretien, a-t-elle précisé, "Ce n'était pas censé être grand, c'était censé avoir du sens."

*Une version de cet article paraît dans le numéro du 6 août 2018 deNew YorkRevue.Abonnez-vous maintenant !