Photo : Maya Robinson/Vautour
Paul Schradern'a pas vu de film avant l'âge de 17 ans, et quand il s'est finalement échappé de sa stricte maison calviniste pour voir le film de DisneyLe professeur distraitdans un théâtre local de Grand Rapids, dans le Michigan, il n'a pas été très impressionné. Ce n’est que lorsqu’il s’est immergé dans le cinéma européen des années 1960 alors qu’il fréquentait l’université qu’il est tombé amoureux de cette forme d’art. "Nous aimons toujours les films que nous regardions lorsque nous sommes tombés amoureux du cinéma", a récemment déclaré Schrader à Nicolas Cage dansEntretienrevue. "Et pour moi, c'était une sorte de cinéma sérieux."
De ses premiers travaux acclamés en tant que scénariste, notamment celui de Martin ScorseseChauffeur de taxi, au cours de ses 40 ans de carrière de réalisateur, la sensibilité rigoureuse de Schrader transparaît souvent, même lorsque les films eux-mêmes n'adoptent pas les modes sévères de ses influences. Ses portraits psychologiques d'âmes perdues cherchant désespérément le salut prennent plusieurs formes : une escorte élégante sillonnant Los Angeles sur l'air de « Call Me » de Blondie (Gigolo américain); un écrivain japonais aux prises avec sa propre répression (Mishima : Une vie en quatre chapitres); un trafiquant de drogue essayant de tourner la page (Le sommeil léger); une ancienne actrice et son petit ami du fonds fiduciaire naviguant dans la dépravation de leur environnement (Les canyons), et ainsi de suite. Les films de Schrader varient largement en termes de qualité et de ton, mais ils représentent tous son intérêt constant pour les personnages aliénés qui s'efforcent d'atteindre la sérénité dans des environnements de cocotte minute.
En l'honneur de la sortie de son dernier film Premier réformé, Vulture a classé les 20 longs métrages de Schrader — son téléfilmChasse aux sorcièresn'a pas été inclus - et le résultat est une liste diversifiée qui peut facilement être réorganisée de plusieurs manières en fonction de sa propre humeur ou de ses intérêts esthétiques. Même si tous les films de Schrader ne sont pas réussis, ils sont presque tous intéressants et, plus important encore, ils représentent différentes expressions de l'homme lui-même. Quelle meilleure façon d’honorer cet auteur convaincu que de se plonger dans sa longue et difficile carrière ?
20.À moi pour toujours(1999)
À moi pour toujours, le riff de Schrader sur les mélodrames des années 40, est mort à son arrivée de presque toutes les manières imaginables. Joseph Fiennes, qui incarne un jeune garçon de cabane qui a une liaison avec l'épouse insatisfaite (Gretchen Mol) d'un magnat des affaires louche (Ray Liotta), est terriblement mal choisi, et il se transforme en amant au visage frais et, plus tard, en défiguré. Les avocats pénalistes ne sont pas non plus convaincants. De plus, le film s'articule autour de la romance passionnée et lubrique entre Fiennes et Mol, un feu qui brûle soi-disant depuis plus de 14 ans, mais le manque palpable d'alchimie entre les deux protagonistes rend l'histoire d'amour complètement inefficace. (Liotta donne une performance typique de Liotta et c'est de loin le meilleur du film.) La photographie ensoleillée de John Bailey est parfois agréable à regarder, mais les machinations de l'intrigue noire et la substance émotionnelle directe et haute sont trop pour le trio. . Tout le monde apparaît guindé et affecté plutôt que douloureusement sincère, comme s'il était trop conscient de l'hommage au travail.
19.Touche(1997)
Les histoires policières pleines d'esprit d'Elmore Leonard sont généralement mûres pour des adaptations cinématographiques, et beaucoup d'entre elles (Hors de vue,Jackie Brun, la série téléviséeJustifié) sont à juste titre plébiscités. Il est donc regrettable que SchraderTouche, basé sur le roman du même nom de Leonard, ne décolle jamais, surtout parce qu'il contient tous les éléments d'un bon moment : une atmosphère rebondissante, une distribution d'ensemble, un humour enjoué et, comme il sied aux obsessions thématiques de Schrader, une histoire religieuse effrontée. CommeÀ moi pour toujours,Touchese concentre sur une romance, cette fois entre un stigmatique doté du mystérieux pouvoir de guérir (Skeet Ulrich) et une assistante sans but d'une maison de disques (Bridget Fonda), mais encore une fois, leur chimie plate laisse un trou béant au centre du film. Le reste du casting démesuré (Christopher Walken, Janeane Garofalo, Gina Gershon et un Tom Arnold très criard) essaie désespérément de s'amuser avecTouchec'est satire médiatique périmée, mais le film ne dépasse jamais le simple oubli. Cependant,Touchemérite un certain crédit pour une scène d'ouverture convaincante et un tour étrange de Paul Mazursky en tant que directeur de disque sordide et profane.
18. Mourir de la Lumière(2014)
Quelques mois avantMourir de la LumièreLors de la sortie en salles/VOD de , Schrader a annoncé sur Facebook que le studio lui avait retiré le film et l'avait fortement réédité sans sa contribution. Plus tard, Schrader et les protagonistes du film, Nicolas Cage et feu Anton Yelchin, ont publiquement désavouéMourir de la Lumière, arguant avec acharnement que ce n’était pas le film qu’ils avaient l’intention de faire. Nous ne verrons probablement jamais le montage original de Schrader (bien qu'il ait secrètement réédité le film à l'aide de DVD de travail dans un nouveau long métrage intituléSombre, dont des extraits peuvent être vus dans sonConférence MasterClass), mais ce qui est disponible est un thriller d'espionnage passable avec une performance de Cage à moitié convaincante. Il est facile de voir des vestiges de la vision originale de Schrader, surtout lorsque le film se concentre sur la détérioration du psychisme de l'agent de la CIA torturé et obsessionnel de Cage en quête de vengeance. Néanmoins, la personnalité du réalisateur est très peu exposée, et bien que le film original de SchraderMourir de la Lumièrece n'était peut-être pas un chef-d'œuvre perdu, au moins cela aurait été un film de Paul Schrader. Au lieu de cela, nous avons simplement un exercice fade de suspense à travers le monde, complété par des scènes de poursuite ternes, des intrigues indifférentes et une xénophobie par cœur.
17. Dominion : Préquelle de l'Exorciste(2005)
La vision de Schrader de la franchise d'horreur historique était de souligner fortement son fondement théologique et d'éviter les traditionnelles frayeurs, un choix qui a effrayé Morgan Creek Productions, qui a initialement mis le film de côté en raison d'inquiétudes quant à sa viabilité commerciale. Lorsque le studio a embauché Renny Harlin pour réécrire et tourner à nouveau un film plus conventionnel, et que cela s'est avéré être un désastre commercial, ils ont réembauché Schrader pour terminer sa version dans le but de récupérer leur investissement composé. Le résultat est un portrait sobre et captivant d'un ancien prêtre devenu archéologue (Stellan Skarsgård, excellent) qui découvre un jeune garçon possédé par le diable lors d'une fouille dans la région de Turkana au Kenya britannique. Bien qu'un peu ennuyeux et gêné par quelques performances médiocres, il est admirable de voir Schrader aborder l'idée du mal comme un phénomène créé par l'homme, même si le surnaturel persiste dans l'atmosphère.Dominion : Préquelle de l'Exorcisteest beaucoup plus réfléchi qu'un deuxième préquel et un cinquième opus d'une franchise ne devraient l'être.
16.Un chien mange un chien(2016)
Anomalie gratuite et grotesque dans la filmographie de Schrader,Un chien mange un chienest un thriller policier captivant et maladif qui suit trois anciens prisonniers (Nicolas Cage, Willem Dafoe et Christopher Matthew Cook) qui sont embauchés pour kidnapper un bébé contre une rançon et foutre complètement en l'air la mission dès le saut. C'est difficile à recommanderUn chien mange un chiensi vous n'êtes pas prêt à avaler une comédie noire vraiment méchante (la scène d'ouverture présente le meurtre brutal d'une mère et de sa fille joué à moitié pour rire), et même dans ce cas, certaines provocations du film sont totalement improductives, en particulier les personnages » un racisme nonchalamment virulent. D'un autre côté, l'esthétique colorée et cokée de Schrader ne s'ennuie jamais, et le film présente un tour de soutien dérangé, mais profondément ressenti, de Dafoe, qui adopte un langage thérapeutique cliché à ses propres fins psychopathes. À la fin, quand Cage commence à lire toutes ses lignes dans une drôle d'impression de Bogart,Un chien mange un chiencommence à avoir un sens tordu.
15. Adam ressuscité(2008)
L'adaptation par Schrader du roman de Yoram Kaniuk de 1968 suit Adam Stein (Jeff Goldblum), un charmant survivant de l'Holocauste qui réside dans un asile israélien fictif spécialisé dans le traitement de la culpabilité des survivants. Stein était un comédien de cirque à Berlin avant la Seconde Guerre mondiale, et lorsque les SS l'ont arrêté ainsi que sa famille, un officier sadique (Willem Dafoe) le reconnaît grâce à son numéro et l'adopte comme son « animal de compagnie », le forçant à se comporter comme un chien. comme un ticket pour sa survie.Adam ressuscitémérite le mérite d'avoir joué remarquablement directement son absurde vanité centrale et d'avoir examiné le sort des hommes bons qui se condamnent eux-mêmes après un échec perçu. L'accent tremblant de Goldblum mis à part, sa performance se situe quelque part entreNid de coucouc'est McMurphy etÉCRASERde Hawkeye, maintient le film à flot, même s'il s'oriente parfois dans des directions infructueuses. Finalement,Adam ressuscitéessaie d'en faire trop avec ses enquêtes philosophiques et théologiques, et la fin beaucoup trop soignée dégage des odeurs majeures. Néanmoins, c'est un effort admirable de la part de Schrader pour donner vie à un livre apparemment inadaptable.
14.Mise au point automatique(2002)
La lourde main moraliste de Schrader finit par être en quelque sorte un handicap dans ce biopic de Bob Crane (Greg Kinnear),Les héros de Hoganstar et déviant sexuel dont le meurtre brutal dans un motel de Scottsdale n'est toujours pas résolu. D'une part,Mise au point automatiquecomprend que Crane est un toxicomane dont le vice est le sexe anonyme et filmé, mais d'un autre côté, il le présente aussi comme un pécheur qui a fait son propre lit, ce qui rend le film un peu confus à la fin. (Cependant, le film s'amuse ironiquement avec le fait que l'agent hollywoodien de Crane [Ron Leibman] agit comme la voix de la raison.) Cela dit, le meilleur tour de carrière de Kinnear dans le rôle de Crane est un moment fort, et regarder l'acteur (et son personnage) exploiter sa sympathie superficielle à des fins effrayantes équivaut à une sorte de divertissement malsain. Dafoe a moins à faire en tant que partenaire de fête de Crane et meurtrier possible, mais il illumine toujours l'écran lorsque le film le laisse se déchaîner. De plus, la vision de Schrader des insectes en guerre sur la culture hollywoodienne des années 60 et 70 a beaucoup à offrir, même si ses sensations bon marché finissent par s'estomper.
13.Le marcheur(2007)
Un portrait psychologique imprégné de la politique de l'ère Bush,Le marcheursuit un autre des « hommes solitaires » classiques de Schrader : Carter Page III (Woody Harrelson, affectant une horrible voix traînante du Sud), un homme gay d'âge moyen qui escorte les épouses d'hommes puissants à des événements sociaux autour de Washington, DC. Bien qu'il finisse par être épinglé comme un Suspect d'un meurtre après que son client/ami (Kristin Scott Thomas) découvre que son lobbyiste est mort, Schrader est beaucoup moins intéressé par le mystère car il est l'état mental en ruine de Page, protégé uniquement par les superficialités dont il a besoin pour maintenir une façade appropriée. Conçu comme une suite directe deGigolo américain,Le marcheurpartage beaucoup de points communs avec le premier long métrage acclamé de Schrader, mais avec un sous-texte queer plus actif vis-à-vis de l'aliénation de son protagoniste et du sentiment de piégé par sa profession. Le film échoue lorsqu'il tente de régler les problèmes, et il souffre souvent d'une austérité suffocante qui est pour la plupart déplacée, mais il reste une étude captivante sur un homme qui découvre sa propre loyauté dans une ville remplie de traîtres.
12.Les canyons(2013)
C'est intéressant à regarderLes canyonsen dehors du contexte de sa sortie initiale, qui a été entravée par une production visiblement troublée, relatée dans un désormais tristement célèbreMagazine du New York Timesprofil, et des histoires de tabloïd sur les divers exploits de la star Lindsay Lohan influencés par la dépendance. Cinq ans plus tard, une fois toute la poussière retombée, ce qui reste est un examen profondément étrange, parfois infructueux, mais jamais inintéressant, du narcissisme dans une culture obsédée par les célébrités. Le scénario de Bret Easton Ellis présente beaucoup de nudité soft-core et d'érotisme sinistre (et il y a aussi une intrigue), et bien que cela soit un peu absorbant, c'est la mise en scène hypnotique de Schrader et la photographie numérique brumeuse de John DeFazio qui élèvent le matériau au-delà de ses prémisses. Lohan et James Deen forment un couple dynamique à l'écran qui incarne bien l'esthétique glamour et terne de Los Angeles, et les deux acteurs s'en sortent bien mieux que la réaction critique contemporaine ne voudrait vous le faire croire. Un portrait superficiel de gens insipides ne peut aller plus loin, etLes canyonsen effet, son accueil s'épuise au moment où Deen commet l'acte de violence obligatoire, mais le film n'est ni un désastre monumental ni un chef-d'œuvre méconnu.Les canyonsest un excellent exemple de film dont le sous-texte éclipse curieusement son texte à tout moment, ce qui en fait une curiosité fascinante.
11.Affliction(1997)
Nolte brille dans le rôle du policier d'une petite ville Wade Whitehouse, dont l'état mental effiloché s'effondre complètement lorsqu'il se convainc qu'un accident de chasse impliquant un riche habitant de l'extérieur fait partie d'une conspiration plus vaste. Adapté d'un roman de Russell Banks de 1989, Schrader limite principalement l'action au point de vue de Wade pour réussir un pari clé, dans lequel la santé mentale inégale de Wade se transforme de manière transparente en un territoire carrément dangereux sous les yeux du public. Encouragé par des photographies sombres et glaciales offertes par Paul Sarossy (collaborateur fréquent d'Atom Egoyan) et par des rôles de soutien captivants de Sissy Spacek dans le rôle de la petite amie de Wade et de la performance oscarisée de James Coburn dans le rôle de son père violent et alcoolique,Afflictionreprésente Schrader dans sa forme la plus sombre. La dernière demi-heure, où tout déraille pour Wade et sa famille, est aussi poignante émotionnellement que n'importe quoi dans sa filmographie, même si elle touche encore et encore la même note morbide. Selon les mots du frère de Wade, Rolfe (Willem Dafoe), qui est le narrateur du film : « Vous ne pouvez pas comprendre comment un homme, un homme normal, un homme comme vous et moi, a pu faire une chose aussi terrible. »
10.Les gens des chats(1982)
Un thriller érotique charmant et schlocky, très vaguement basé sur le film d'horreur du même nom de Jacques Tourneur et Val Lewton de 1942,Les gens des chatssuit l'éveil sexuel explosif d'Irena Gallier (Nastassja Kinski) qui, en arrivant à la Nouvelle-Orléans, apprend peu à peu que ses désirs la transforment en léopard noir, la mettant en danger, elle et son nouvel amant zoologiste (John Heard). Schrader imprègne le film d'une sordide divertissante, infectant à peu près chaque centimètre carré du cadre avec une énergie étrange et sensuelle. L'intrigue est ringarde et utile, et ni Schrader ni ses acteurs ne vendent la mythologie incestueuse du chat-garou du film, maisLes gens des chatsréussit en termes de plaisir purement superficiel. Kinski réussit l'exploit admirable de ne jamais faire un clin d'œil à la caméra alors même que son personnage fait des mouvements absurdes et fantastiques, ce que sa co-star Malcolm McDowell, qui joue le frère prédateur d'Irena, ne parvient pas à accomplir. Bien que la partition palpitante de Giorgio Moroder et la chanson thème indélébile de Bowie équivalent probablement àLes gens des chatsL'héritage durable de, le film est bien plus que la somme de sa musique.
9.Inconditionnel(1979)
Existe-t-il une image de Schrader plus typique que celle de Jake Van Dorn (George C. Scott), un calviniste fondamentaliste strict et éminent homme d'affaires du Michigan, fond en larmes de colère lorsqu'il voit sa fille disparue réapparaître soudainement dans un film porno ?Inconditionnel, le deuxième long métrage de Schrader, introduit et/ou clarifie bon nombre des intérêts thématiques naissants du réalisateur : un étranger contraint d'affronter une sous-culture miteuse ; un homme moral et de principes luttant pour maintenir sa pureté face aux pressions d'un nouvel environnement ; un style voyeuriste qui incarne les désirs subconscients déconcertants des sujets ; un acte de violence climatique qui engendre une catharsis et une possible rédemption. Scott oscille habilement entre l'apparence d'un cerf dans les phares et la rage à peine réprimée alors qu'il plonge dans le monde souterrain de Californie pour retrouver sa fille, mais c'est sa honte palpable face à ce qu'il est devenu à la fin du film qui persiste le plus longtemps. L'esthétique sordide brevetée de Schrader est pleinement exposée, mais en cours de route, il se moque beaucoup de (a) la marchandisation informelle de l'industrie du sexe, et (b) de ses pairs du Nouvel Hollywood, par exemple lorsqu'un producteur de porno s'émerveille devant un film. nouveau réalisateur sur scène, son partenaire mentionne qu'il vient de l'UCLA.
8.Lumière du jour(1987)
Considéré comme un échec artistique par Schrader,Lumière du jour, un film rock and roll du Midwest mêlé à un mélodrame religieux, est l'un des longs métrages les plus sous-estimés du réalisateur. Michael J. Fox et Joan Jett incarnent Joe et Patti, un duo frère et sœur qui joue dans un groupe de bar de Cleveland ; Les cultes de Patti sur l'autel de la musique rock et son style de vie farouchement indépendant se heurtent à Joe, axé sur la stabilité, qui s'inquiète constamment pour le jeune fils de Patti. Pendant ce temps, leur mère religieuse désapprobatrice (Gena Rowlands) jette une lourde ombre sur la famille, qui s'aggrave lorsqu'elle tombe malade. Même si Schrader a raison de dire que le film est visuellement plat,Lumière du jourest toujours un joli portrait de cols bleus de personnes dont les ambitions créatives dépassent de loin leurs capacités et leurs circonstances. Fox vole chaque scène en tant que pacificateur passif de la famille, mais c'est merveilleux de le voir confortablement passer au second plan devant Jett et Rowlands, d'autant plus qu'il était une star majeure à l'époque. Avec un titre accrocheur écrit et composé par Bruce Springsteen,Lumière du jourpoursuit la tendance de Schrader à explorer des personnages dont l'éducation troublée les maintient piégés dans des états de mécontentement, bien que dans un registre musical cette fois.
7.Gigolo américain(1980)
Gigolo américain, sur un escort masculin matérialiste (Richard Gere) qui a une liaison avec la femme d'un sénateur (Lauren Hutton) et est accusé de meurtre, a présenté au monde deux choses : Gere en tant que sex-symbol international et la mode élégante de Giorgio Armani. Influencé par Robert BressonPickpocket, Schrader prend un plaisir sensuel non seulement à objectiver son protagoniste masculin, qui joue un personnage qui accepte avec enthousiasme sa propre objectivation, mais aussi dans les surfaces de son environnement. Il s'attarde sur la garde-robe du gigolo, sa chaîne stéréo, ses œuvres d'art et son appartement impeccablement conçu, autant de symboles de statut que l'on peut atteindre pour un prix pas si minime. Schrader s'intéresse moins au complot meurtrier qu'à l'étude psychologique, et le film échoue lorsque l'histoire doit passer à la vitesse supérieure. Intrigue schématique mise à part,Gigoloréussit en tant que profil d'un pourvoyeur de plaisir dont la générosité masque un mince vernis de solitude, et Gere vend de manière convaincante la dévolution de son personnage d'homme désirable à prostituée sans travail après que ses clients chics l'ont laissé sécher.
6.Le réconfort des étrangers(1990)
Une entrée résolument littéraire dans la filmographie de Schrader,Le réconfort des étrangerssuit un couple britannique (Natasha Richardson et Rupert Everett) en vacances à Venise pour tenter de raviver leur relation, seulement pour qu'ils deviennent la proie d'un autre couple (Christopher Walken et Helen Mirren) qui souhaitent les utiliser à leurs propres fins sournoises. Harold Pinter apporte sa propre touche au court roman d'Ian McEwan, et bien que le romancier anglais soit responsable de l'intrigue, c'est la voix de Pinter qui résonne à travers le scénario. Mais Schrader insuffle ensuite au film son propre érotisme étrange qui rend les débats à la fois sexy et énervants. McEwan en passant par Pinter en passant par Schrader doit être l'une des combinaisons les plus étranges de différentes voix d'auteur dans l'histoire du cinéma. À son tour,Le réconfort des étrangersest un film résolument étrange, qui présente un vernis respectable pour ensuite le jeter au profit d'un jeu psychosexuel. Au final, il est impossible de le confondre avec le travail d'un réalisateur autre que Schrader.
5.Patty Hearst(1988)
L'enlèvement, l'emprisonnement et le lavage de cerveau de Patty Hearst par l'Armée de libération symbionaise constituent l'une des notes les plus étranges de l'histoire américaine, un coup dur pour la soi-disant armée de guérilla qui a finalement marqué sa disparition. Dans son adaptation troublante de l'autobiographie de Hearst, Schrader ne fait jamais de sensationnalisme sur le sort de l'héritière, choisissant plutôt de simplement télégraphier son point de vue limité.Patty HearstLe faible budget de a forcé Schrader à faire certains choix stylistiques qui profitent grandement à l'atmosphère effrayante du film, comme tourner une grande partie de la première moitié dans un placard sombre ; Lorsque Schrader ouvre enfin le monde, l'ensemble des radicaux qui étaient autrefois si menaçants de l'obscurité se révèle à la lumière comme étant des enfants confus et en conflit interne. Tour à tour dérangeant (le SLA invitant gentiment Patty à se faire violer sous couvert d'amour partagé) et sombrement drôle (Teko de William Forsythe déplorant haut et fort qu'il n'est pas né noir parce qu'il ne comprendra jamais les expériences des opprimés),Patty Hearstest une représentation puissante de la façon dont le détachement passif engendre l’endoctrinement. Le portrait effrayant et vide de Natasha Richardson est au centre du film ; ce n'est qu'à la fin, après avoir traversé l'enfer et revenir, qu'elle retrouve enfin son autonomie.
4.Mishima : Une vie en quatre chapitres(1985)
Un biopic époustouflant sur l'un des auteurs les plus éminents du Japon,Mishima : Une vie en quatre chapitresréussit la tâche difficile de dramatiser une vie et une œuvre sans se réduire à l’intrigue d’un récit schématique de montée et de chute. Schrader met l'accent sur un style de collage plutôt que sur le récit, se déplaçant habilement entre une biographie fracturée et des mini-adaptations abstraites de trois romans, illustrant à quel point les deux sont en conversation quasi constante. Ken Ogata dépeint Yukio Mishima comme un homme motivé par ses contradictions internes, et l'acteur refuse catégoriquement de réduire l'écrivain à une somme identifiable de diverses parties, amplifiant au contraire l'ambiguïté opaque de sa performance. Avec une bande sonore exquise de Philip Glass, Schrader invite le public à mariner dans les différents parallèles entre l'existence troublée de Mishima et son art, mais à aucun moment le film ne force le moindre lien. En fait, c'est la distance clinique de Schrader combinée à sa profonde empathie pour son sujet qui oblige le public à réfléchir aux diverses relations entre réalité et fiction. Le résultat est un profil impitoyable qui se double d’un puissant hommage.
3.Le sommeil léger(1992)
DansLe sommeil léger, l'un des meilleurs films « l'homme dans une pièce » de Schrader, Willem Dafoe offre un tour de force émouvant dans le rôle de John LeTour, un trafiquant de drogue new-yorkais fatigué du monde qui passe ses nuits à faire des livraisons à ses clients haut de gamme et à tenir un journal dans son carnet. Lorsqu'une rencontre fortuite avec une ex-petite amie (Dana Delany) le réveille de son sommeil ambulant, LeTour tente de prendre un nouveau départ, mais sa profession et son passé le rattrapent de manière tragique. Bien que l'intrigue littérale puisse être une resucée, le scénario épisodique et l'atmosphère somnambulante de Schrader confèrent au film un rythme décalé, qui menace constamment de basculer dans le chaos pur et simple. De plus, Schrader injecte un sentiment de fatigue émouvant dansLe sommeil léger, une conviction inébranlable que les bons moments sont révolus depuis longtemps et que la seule chose à laquelle on peut s'attendre est un minimum de paix intérieure. Avec les superbes tours de soutien de Susan Sarandon et Jane Adams,Le sommeil légerincarne mieux la vision transcendantaliste du cinéaste que la grande majorité de ses longs métrages.
2.Col bleu(1978)
Inspiré par des histoires de « désillusions réelles », le premier film phénoménal de Schrader affronte de front les innombrables maux du capitalisme avec une histoire sombre mais humoristique sur trois travailleurs de l'automobile à jamais à court d'énergie (Harvey Keitel, Yaphet Kotto et Richard Pryor, dans un récit tragique). performance dramatique négligée) qui volent le siège de leur syndicat et découvrent les preuves d'une opération de prêt illégale liée à la mafia. Alors qu'ils tentent de planifier leur prochaine action, leur syndicat corrompu prévoit de faire taire le trio en les poussant dans des coins auxquels ils ne peuvent pas échapper. Étroitement tracé et profondément habité,Col bleuest l'un des meilleurs films américains sur la classe et la race, montrant comment les employeurs exploiteront les divisions entre les travailleurs pour s'assurer qu'ils ne pourront jamais s'élever au-dessus de leur stature.Col bleuLa plus triste ironie est que les trois amis, désespérés d'affronter The Man, ne se rendent jamais compte qu'ils sont des pions dans un jeu truqué depuis le début. Chaque mouvement qu’ils font ne fait que les amener plus loin vers la tombe proverbiale (et littérale). Le fait qu'un film aussi déprimé puisse également montrer Keitel et Pryor se simulant avec des godes témoigne des pouvoirs de Schrader en tant que cinéaste.
1.Premier réformé(2018)
Premier réformé, résumé des quatre décennies de carrière de Schrader, combine tous les intérêts favoris du réalisateur dans une œuvre magistrale sur un prêtre solitaire (Ethan Hawke, dans l'une des meilleures performances de sa riche carrière) qui adopte le martyre d'un environnementaliste aliéné comme le martyre d'un écologiste aliéné. Le 250ème anniversaire de sa petite paroisse approche. Portrait austère d'un homme dont le corps et l'esprit se défont peu à peu alors qu'il observe un monde apathique à sa propre survie,Premier réforméreprésente le cinéma le plus mature de Schrader à ce jour, mettant en vedette un ensemble de styles empruntés à de nombreux réalisateurs européens du milieu du siècle (Bresson, bien sûr, mais aussi Dreyer, Ozu et Tarkovsky) qui se fondent finalement dans une esthétique qui est entièrement et indéniablement la sienne. Le film présente nécessairement une vision désespérée de l'Amérique alors que ses jours de gloire du XXe siècle s'éloignent, mais Schrader n'est pas du genre à se dérober à une certaine forme d'espoir pour son prêtre isolé. CommePremier réforméJusqu'à son apogée choquant, il présente le salut sous la forme d'une paroissienne enceinte (Amanda Seyfried) qui est également curieuse de savoir comment aller de l'avant après une perte soudaine. Ce n’est pas seulement le meilleur film de l’année jusqu’à présent, mais aussi le meilleur film de Schrader à ce jour.
