Les 25 meilleurs films d'action depuis Die Hard

Il y a un quart de siècle cette semaine,Le chef-d'œuvre d'action de John McTiernanMourir durest sorti en salles, et ce n'est pas un euphémisme de dire que nous sommes encore sous le choc de l'impact. Le film est devenu Bruce Willis – jusque-là considéré principalement comme un acteur comique etjoueur d'harmonica– devenu une star d'action hollywoodienne, un poste qu'il occupe toujours de manière convaincante 25 ans plus tard. Cela a également déclenché des armées d’imitateurs:Il y avaitMourir dur sur un bateau(aliasAssiégé),Mourir dur sur une montagne(aliasCliffhanger),Mourir dur en finale de la Coupe Stanley(aliasMort subite),et ainsi de suite, jusqu'à la double dose de cette annéeMourir dur à la Maison Blanchedes films (aliasL'Olympe est tombéetLa Maison Blanche en panne), sans parler deMourir dur en battant un cheval mort(aliasUne bonne journée pour mourir dur, aliasMourir dur 5). C'est en fait en partie grâce à ces imitateurs (ainsi qu'aux suites moindres de la franchise Willis) que nous oublions souvent à quel point l'original a été réalisé de manière experte.Mourir durest : il s’agit autant d’un personnage parfaitement calibré que d’un film d’action époustouflant.

Alors, à quoi ressemble le paysage de l'action depuis ce jour fatidique de 1988, où nous avons rencontré John McClane pour la première fois en route vers Nakatomi Plaza ? Au cours des derniers mois, j'ai regardé et/ou revu presque tous les grands films d'action réalisés depuis lors pour tenter de trouver les meilleurs. La bonne nouvelle est que de nombreux films d’action géniaux ont été réalisés au cours des 25 dernières années. La mauvaise nouvelle ? Tous vos favoris ne figureront pas sur cette liste.

Tout d’abord, quelques règles de base :

• Tous les films contenant de l'action ne sont pas des films d'action.Croyez-le ou non, il est parfois très difficile de déterminer exactement ce qui constitue un film d'action. Pour les besoins de cette liste, nous avons décidé qu'un film d'action devait non seulement contenir beaucoup de scènes d'action (duh), mais que ce devait être un film qui n'aurait aucun sens si vous preniez toute l'action. scènes – c’est-à-dire que l’action devait être un moyen clé de faire avancer l’intrigue. En conséquence, nous avons filtré de nombreux grands films, voire des chefs-d'œuvre, qui ne pouvaient pas vraiment être qualifiés de véritables films d'action : celui de Michael Mann.Chaleur, par exemple, ou celui de Tony ScottVrai roman, ou la totalitéSeigneur des Anneauxtrilogie.
• Un seul film par franchise.C'est une triche, bien sûr, car toutes les franchises ne sont pas égales : il n'y a qu'une seule grandeMatricefilm, mais plusieurs superIl était une fois en Chineversements. Néanmoins, afin d'éviter que cette liste ne soit submergée par certains films et réalisateurs, nous avons décidé de la limiter à un titre par franchise.
• Aucune animation.Parce que ce ne serait tout simplement pas juste envers les autres films si nous permettions soudainement à Pixar et Miyazaki d'y entrer.

Quoi qu'il en soit, les voici : les 25 plus grands films d'action réalisés depuisMourir dur.

Le frisson particulier et profane de regarder un film de Jackie Chan est le sentiment qu'à un moment donné, vous pouvez être sur le point de voir quelqu'un – généralement Chan lui-même – mourir dans la vraie vie. Ceci, malgré le fait que les films sont souvent des comédies couleur bonbon sans véritable os sérieux dans le corps. (Ils sont rendus encore plus loufoques lorsqu'ils sont doublés en anglais, comme ce film et plusieurs autres l'étaient lors de leur sortie aux États-Unis.) Chan, la star/imprésario, travaillant ici avec l'un de ses meilleurs réalisateurs, Stanley Tong, comprend ce qui rend une cascade vraiment impressionnante. -inspirant : alors que votre film d'action moyen peut montrer quelqu'un tombant d'une hauteur alarmante, puis passer à un plan de son atterrissage brutal, Chan et Tong s'assurent souvent que cela se produit dans le même plan. Et ils trouvent le bon angle de caméra et la bonne distance qui vous permettront de voir que, oui, il s'agit en fait d'une star de cinéma conduisant cette moto alors qu'elle saute dans un train, ou suspendue à cet hélicoptère alors qu'elle survole Kuala Lumpur, ou sauter sur cette voiture qui roule à grande vitesse au milieu de la circulation. Pièce par pièce, ils s'attaquent à votre incrédulité, jusqu'à ce que vous soyez assis là, recroquevillé en position fœtale, effrayé de regarder mais incapable de se détourner. C'est pourquoi Jackie Chan compte. Et pourquoi, lorsqu’il s’agit de cascades à couper le souffle, personne ne l’a encore dépassé.

Divulgation complète : nous ne pensions pas tous que ce film était une merde aussi chaude lors de sa sortie. Ni le surfeur/braqueur de banque philosophique de Patrick Swayze, ni la Fed infiltrée, un peu trop sérieuse, de Keanu Reeves ne semblaient particulièrement convaincants à l'époque. Et à l'époque, le célèbre style de tournage exagéré de la réalisatrice Kathryn Bigelow, plein de longs objectifs, de panoramiques et de scènes d'exposition à couper le souffle, était également une plaisanterie. Mais regardez-le à nouveau et voyez sa grandeur. Reeves, qui jusqu'alors était connu pour se montrer soit trop surfeur, soit trop carré, semble désormais parfaitement interprété dans les deux rôles : qui d'autre pourrait jouer un flic à flèche droite se faisant passer pour un surfeur ? Et le regretté Swayze, qui était autrefois une plaisanterie courante en tant qu'acteur, semble désormais d'un sérieux touchant – un criminel attachant avec son propre type de code tordu. Bien sûr, peut-être que Point Break est stupide, mais c'est un genre de stupidité glorieuse – et glorieusement innocente – à laquelle vous souhaiteriez que l'action moderne se livre plus souvent.

L'idée de l'antihéros n'a rien de nouveau, mais les auteurs d'action sur le TDAH Neveldine/Taylor's Crank la portent à un tout autre niveau. Comme beaucoup d'autres films de ce genre, il s'agit essentiellement d'un fantasme de réalisation de souhaits, mais cette fois, le fantasme n'est pas dans l'action elle-même. Crank est plutôt un fantasme sur la façon dont Chev Chelios de Jason Statham devient un imbécile, compte tenu de sa situation – il a été chargé d'un poison qui arrêtera son cœur, et il doit maintenir son adrénaline s'il veut survivre. C'est donc un gars qui peut tout faire, transformant les ruelles et les repaires humides de la ville de Los Angeles en un paysage de pure et méchante impulsion : il lance des épithètes raciales pour se faire tabasser, il s'introduit par effraction dans les hôpitaux et prend des médicaments. des malades, il s'en prend à sa petite amie dans une rue bondée de Chinatown, et bien plus encore. Dans le concept, c'est Speed, mais avec une personne. En termes d'exécution, c'est un jeu vidéo sur le fait d'être un connard.

Faites toutes les blagues que vous voulez sur les champignons violets brillants et les dragons rhinocéros ailés, mais celui-ci est un gardien, en partie à cause de la personnalité irrésistiblement schizoïde du créateur James Cameron - il est en partie un enfant de la terre hippie-dippy, en partie un fétichiste militaire alpha-mâle. Avec Avatar, il a mis son âme à nu, créant une épopée environnementale et d’action qui parle aussi couramment le badass. Si spectaculaire et étrange que vous devez vous rappeler de remettre vos globes oculaires dans leurs orbites lorsque le générique de fin commence enfin à rouler, le film est à la fois délirant et profondément élémentaire. L'intrigue n'est pas si différente de celle d'un certain nombre d'ancêtres étrangers devenus autochtones, de A Man Called Horse à Dances With Wolves en passant par les livres de John Carter of Mars. Mais Cameron évoque également un monde lointain imaginé dans ses moindres détails, et il a les moyens de mettre en scène des scènes d'action fébrilement complexes et étonnamment brutales. Et il n'a pas peur de transformer l'armée américaine (avec ce langage machiste qu'il connaît si bien) en méchants cracheurs de feu du film. Avatar est-il son plus grand film ? Absolument pas. (Voir plus haut dans la liste pour en savoir plus.) Mais à bien des égards, c'est son plus personnel.Photo : WETA/TM & ? 2009 Twentieth Century Fox - Tous droits réservés - Pas de vente ni de duplication.

Avec cela, le premier des Daniel Craig Bonds, la série 007 est entrée dans une nouvelle ère – plus résistante, rationalisée et avec juste assez de gravité pour suivre le rythme. (Certains ont affirmé que les trois derniers Bonds avaient effectivement nolanisé la franchise, mais ne devenons pas fous ici.) De l'incroyable poursuite en parkour - réalisée avec une conviction qui ne ressemble pas à celle de Bond - à l'histoire d'amour touchante et tragique, Casino Royale est un film d'action à part entière, du genre qui vous enveloppe et vous fait craindre pour un héros autrefois indestructible. Je veux dire, combien d’autres films d’action peuvent se vanter d’une scène où le protagoniste fait un arrêt cardiaque ? (Si vous avez répondu à Crank, d'accord, très bien, donnez-vous un cracker.)

Le thriller élégant de Luc Besson sur une belle street punk recrutée par un service clandestin français et formée pour devenir un assassin mortel est, comme plusieurs des films d'action les plus emblématiques de cette liste, une question de transcendance de la réalité ordinaire : l'histoire d'une personne ordinaire et anonyme. découvrir qu'ils peuvent faire des choses extraordinaires dans les bonnes circonstances. Après toutes ces années, il est étrange de constater qu'il y a relativement peu de scènes d'action réelles. Mais ceux qu’il contient se déroulent de manière exquise. Besson nous garde constamment dans la tête de son personnage principal, qui est aveugle au grand projet de ce que ses payeurs tentent d'accomplir. On découvre l'histoire à travers elle, et on ne sait jamais vraiment ce qui va se passer ensuite. Cela ne semble peut-être pas grave, mais cela rapporte de réels dividendes au public : chaque instant de ce petit film serré et tendu ressemble à une sorte de rebondissement.

Ironiquement, alors que le regretté Tony Scott était l’un des réalisateurs d’action les plus marquants et les plus influents des années 80, ses meilleurs films des années 90 – True Romance et Crimson Tide – n’étaient pas vraiment des films d’action. Puis, avec ce qui s'est avéré être son dernier travail, Scott a livré l'un de ses plus grands, dans ce thriller de train en fuite incroyablement divertissant, à couper le souffle et même touchant. Denzel Washington et Chris Pine sont les deux pros – l’un ingénieur chevronné, l’autre chef d’orchestre débutant – qui doivent arrêter le train de marchandises chargé de matières dangereuses avant qu’il ne déraille et ne gaspille une importante agglomération. Un film qui mélange parfaitement l'action simple dans laquelle Scott s'est spécialisé (« C'est un missile de la taille du Chrysler Building ! ») avec une dynamique étonnamment poignante et consciente de classe entre ses deux héros.Photo : Robert Zuckerman/TM et ? 2010 Société de cinéma Fox du vingtième siècle. Tous droits réservés. Pas à vendre ni à dupliquer.

La plupart des films de cette liste, même les plus sombres, sont encore des variations sur les fantasmes de réalisation de souhaits. Pas ici. Le regard noir du réalisateur japonais vétéran Kinji Fukasaku sur un avenir dystopique où des écoliers s'entretuent pour le sport jusqu'à ce que le seul survivant en sorte victorieux - avec quelques similitudes avec The Hunger Games - est un spectacle d'horreur non-stop où des enfants s'entretuent, avec un texte utile à l'écran. nous disant combien il en reste. (Et au milieu de tout cela se trouve le grand Takeshi Kitano, le professeur des enfants, qui peut faire des choses aussi kitano-esques que poignarder soudainement un adolescent indiscipliné.) Ce n'est pas un monde dans lequel vous voudriez vivre. dans; le film est à la limite inregardable. Et vous aurez envie de prendre une longue douche après avoir réalisé à quel point c'est excitant, drôle et généralement brillamment réalisé.

Il leur a fallu du temps pour enfin réaliser un véritable film Spider-Man. (En cours de route, des talents aussi importants que James Cameron ont fait des tentatives nobles mais avortées.) Ironiquement, l’approche la plus simple s’est avérée être la meilleure. Le premier volet de la trilogie de Sam Raimi raconte comment le ringard Peter Parker est devenu le légendaire super-héros lanceur de toile avec un charme simple et décontracté et beaucoup d'esprit visuel et verbal. Mais pour le deuxième film, Raimi a pris ces blocs de base et a construit quelque chose de plus audacieux par-dessus. Premièrement, il a utilisé des effets de pointe pour créer des scènes d’action d’une fluidité surprenante ; près de dix ans plus tard, ils sont toujours aussi géniaux, non seulement pour leur suspense mais aussi pour leur beauté visuelle. Ensuite, il a donné aux échanges interpersonnels des personnages du film un poids auquel on ne s'attendrait pas habituellement. (Rarement le mélodrame de la page de bande dessinée a-t-il été aussi bien traduit sur l'écran de cinéma.) Il s'avère que Spider-Man 2 est un film sur les liens entre les hommes et les femmes – du désir entre Peter et Mary-Jane Watson. (Kirsten Dunst), à l'effondrement du docteur Otto Octavius ​​(Alfred Molina) à la suite de la mort accidentelle de sa femme, au désespoir persistant de tante May face à l'absence d'oncle Ben. Beaucoup le considèrent comme le meilleur film de super-héros de tous les temps. C'est certainement proche.Photo : Photo de Melissa Moseley/Sony Pictures/Spider-Man?2 de Columbia Pictures

Il s’est avéré que c’était l’une des franchises les plus étrangement abouties. (Sauf, curieusement, pour la deuxième entrée, qui était celle réalisée par John Woo, le visionnaire de l'action.) Et la première est toujours à bien des égards la meilleure (bien que la quatrième, Ghost Protocol, s'en rapproche). Entre les mains assurées du scénariste Robert Towne et du réalisateur Brian De Palma, ce qui était censé être une vache à lait mêlant un véhicule de Tom Cruise et une émission de télévision bien-aimée est devenu quelque chose d'extrêmement personnel et sombre – un film qui se déroule dans une atmosphère telle. la paranoïa et la trahison selon lesquelles rien ne semble jamais réel ou authentique. Ajoutez à cela des dialogues pointus et quelques décors magnifiques – y compris le cambriolage de Langley, très imité et parodié et jamais égalé, qui se produit au milieu du film. C'est une scène qui nous montre à quel point le silence total peut être un outil cinématographique puissant. Et curieusement, sa rigueur tendue justifie en quelque sorte le ridicule explosif et splendide de la poursuite sous Chunnel à la fin du film.

Mon Dieu, tu te souviens de Speed ​​? Il s'agit d'un concept génial et simple et élégant : un bus a été conçu pour exploser s'il passe en dessous de 50 mph. Le réalisateur Jan De Bont et le scénariste Graham Yost montent régulièrement la barre, juste au bon rythme : d'abord, le conducteur se fait tirer dessus et doit être remplacé… puis l'autoroute se termine soudainement… puis ils commencent à fuir du carburant, etc. Entre-temps, une grande romance entre les deux pistes incroyablement belles se dévoilent : c'est, bien sûr, à ce moment-là que la plupart d'entre nous sont tombés amoureux pour la première fois de Sandra Bullock, et c'est aussi à ce moment-là que nous avons réalisé que Keanu Reeves pouvait faire un héros d'action décent. Et bien sûr, son explosion culminante (lorsque le bus, qui contient suffisamment de C4 pour « faire un trou dans le monde », s’écrase finalement sur un avion) ​​est toujours l’une des plus grandes de tous les temps et un bon exemple de la façon dont un spectacle d'action à couper le souffle pourrait être avant que CGI ne rende tout cela si banal.Photo: ? Corbis. Tous droits réservés.

Dans les films Star Wars et Indiana Jones, Harrison Ford était le parfait héros entièrement américain (même si l'un de ces héros vivait dans une galaxie très, très lointaine). Il avait des compétences exceptionnelles et une quantité infinie de plaisanteries, mais au fond, il était toujours un gars ordinaire, juste très confiant. Ainsi, le voir comme le personnage principal de la variante cinématographique du réalisateur Andrew Davis sur la série télévisée classique, jouant un médecin qui a été reconnu coupable à tort du meurtre de sa femme, peut au début être un peu déconcertant. C'est un homme fragile, terrifié, hors de son élément. Mais Ford s'avère être idéal pour le rôle, sympathique mais juste assez distant pour qu'on soit fasciné par lui. C'est important, car il faut aussi avoir une certaine sympathie pour le US Marshal qui est à la poursuite du fugitif, joué par Tommy Lee Jones. En effet, le dialogue souvent répété entre les deux hommes (« Je n'ai pas tué ma femme ! » « Je m'en fiche ! ») devient emblématique de l'attitude pragmatique du film envers l'innocence ou la culpabilité. C'est une belle épopée d'action centrée sur la poursuite.

Cette chose ne s'arrête pas, n'est-ce pas ? Dès ses premiers plans, le troisième volet de la série Jason Bourne (les trois premiers constituaient une jolie petite trilogie, que l'inutile Bourne Legacy de l'année dernière a en quelque sorte altérée) est une démonstration virtuose de la manière d'accrocher votre public et de ne pas le lâcher jusqu'à ce que les toutes dernières images. Le réalisateur Paul Greengrass donne au film l'ampleur d'un film de James Bond (il passe de l'Europe à l'Afrique en passant par l'Amérique) avec l'immédiateté du vous êtes là et de près d'un documentaire. Pendant ce temps, Matt Damon est un héros idéal, à parts égales de chiot, de chiffre et de machine à tuer. Nous ne pouvons pas vraiment dire si l'expression de son visage est vide ou torturée, et lui non plus ; il ne se souvient qu'à moitié de qui il est. L'esthétique de la « caméra tremblante » du film est depuis devenue une ligne de frappe, mais ici elle n'est jamais déroutante, et parfois presque étonnamment claire (jamais plus que dans la célèbre scène de poursuite au téléphone portable du film dans la gare bondée de Waterloo à Londres). Et au milieu des décors vertigineux, il y a même une poésie visuelle tourbillonnante, comme lorsqu'une caméra suit Bourne alors qu'il saute d'un bâtiment et entre par la fenêtre d'un autre - une cascade remarquable, parfaitement capturée.

Il était une fois, avant de devenir le maître du ballonnement à quatre quadrants et de perdre tout sens du timing comique, Michael Bay a réalisé ce film ridiculement amusant et plein d'esprit sur l'agent non testé du FBI Nicolas Cage et le dangereux et vieillissant ex-détenu Sean Connery faisant irruption dans Alcatraz. pour tenter de contrecarrer une tentative terroriste. En plus d'être l'un des films d'action les plus cités de tous les temps (« Les perdants se plaignent toujours de faire de leur mieux. Les gagnants rentrent chez eux et baisent la reine du bal ! »), c'est aussi une réplique parfaite à l'idée selon laquelle les séquences d'action hyperstylisées de Bay étaient en quelque sorte inférieur. Avec le bon type de matériel et des acteurs talentueux qui savent comment intensifier la théâtralité, jeter tout sauf l'évier de la cuisine sur le spectateur peut en fait fonctionner. Malheureusement, c'était la dernière fois que Baymeister disposait d'un scénario et d'un casting à la hauteur de ses ambitions démesurées.

"Est-ce un film d'action?" Vous vous moquez de moi ? Les débuts ridiculement géniaux de Tom Tykwer mettaient en scène Franka Potente dans le rôle d'une jeune Allemande rousse qui doit courir (et courir, et courir) pour d'abord se procurer puis transmettre 100 000 deutschemarks à son petit ami désespéré, afin de l'empêcher de braquer une banque. Et c'est implacable : « Tykwer nous lance tous les tours du livre, puis le livre, et ensuite lui-même », disait Roger Ebert à l'époque. Mais c'est bien plus qu'une simple propulsion à couper le souffle. Avec ses résolutions trifurquées et hypothétiques, c'est aussi une belle méditation presque transcendante sur l'amour, la trahison, le sacrifice et le destin.

À l’époque, nous considérions Jurassic Park comme le film le plus moderne des grands studios – grand, élégant, ultramoderne, pas déplacé. (Nous avons tous ri lorsque le personnage de Sir Richard Attenborough répétait son méta mantra : « Nous n'avons épargné aucune dépense. ») Les effets n'ont plus l'air si spéciaux et nouveaux (même les émissions de Nickelodeon peuvent faire l'interaction des dinosaures CGI avec -les gens maintenant), mais le film conserve toujours sa capacité à faire vibrer, surprendre, voire choquer. C'est un tour de montagnes russes, mais magnifiquement sadique. Et comme tant de films d'action spectaculaires de Steven Spielberg, c'est un film avec une vieille âme – le film de monstres qui met fin à tous les films de monstres. (Seulement, bien sûr, cela a conduit à davantage.)

Si le cinéma hongkongais visionnaire de John Woo consistait à ralentir l'action pour qu'elle acquière le rythme de la danse, alors le cinéma hongkongais tout aussi visionnaire de Tsui Hark était axé sur la vitesse. Et sa plus grande arme était Jet Li. Dans le premier épisode de cette série légendaire (Tsui a produit ou réalisé six films Once Upon a Time in China, dont quatre avec Li – ils sont tous à des degrés divers), la star saute, donne des coups de pied et des coups de poing avec une agilité et une rapidité incroyables. que vous n'en croyez pas vraiment vos yeux. (Rien de tout cela n'est en CGI, au cas où vous vous poseriez la question. Cela est arrivé plus tard et, malheureusement, certains des films ultérieurs de Tsui souffrent de sa surutilisation.) Dans cette épopée, Tsui intègre des observations sur l'honneur, la technologie envahissante de la guerre, la lutte entre tradition et modernité, l’invasion économique étrangère de la Chine, et même le conflit entre les milices locales et le pouvoir centralisé. Pendant la majeure partie de la première moitié du film, le personnage de Jet Li essaie désespérément de maintenir la paix, se bottant le cul pour empêcher tout le monde de se botter le cul. Ajoutez à cela de nombreux décors célèbres – le grand « combat à l'échelle » est toujours l'une des meilleures scènes d'arts martiaux que vous ayez jamais vu – et vous obtenez un film d'action magnifique et innovant.

Comme il est étrange qu'un film qui consiste à se débarrasser des écailles de nos yeux et à voir le monde tel qu'il est réellement soit lui-même si profondément amoureux du monde virtuel qu'il a créé. Parce que Matrix ne consiste pas à voir ce qui est réel et vrai, il s'agit de vivre dans un monde (imaginaire) où un pauvre connard (qui, certes, ressemble à Keanu Reeves) peut se révéler être une figure mystique de sauveur, apprendre le kung -fu avec un simple téléchargement, disposez de l'arme qu'il veut en un instant et pilotez même un hélicoptère avec une simple commande. Oui, les effets étaient révolutionnaires (même si, des années plus tard, il est difficile de dire si le « bullet-time » était une merveilleuse innovation stylistique ou une malédiction qui a détruit à jamais les films d'action), mais sans cette qualité de logique onirique que le film prétend donner. condamner tout en se livrant à des actes impitoyables, rien de tout cela n’aurait eu d’importance. En d’autres termes, la Matrice est la Matrice. Et en ce qui nous concerne, les séquelles n’ont pas eu lieu.

Jet Li n'arrête pas de dire qu'il prend sa retraite. Le moment de le faire aurait été après avoir réalisé cet exquis labyrinthe de poupée gigogne russe/haie épique, un casse-tête stylistique, moral et politique déroutant. Li incarne un combattant envoyé pour envoyer un empereur qui consolide impitoyablement la Chine sous son règne. Mais le film se déroule comme une étrange fable : une conversation entre le monarque réfléchi et paranoïaque et son assassin potentiel, projetant une variété de scénarios qui pourraient expliquer la présence de l'assassin dans la chambre royale. Travaillant avec le plus gros budget et l'ampleur de sa carrière, le réalisateur Zhang Yimou, qui jusqu'à présent était principalement connu pour ses drames sociaux et historiques qui se heurtaient souvent à la censure gouvernementale, prend le concept alléchant et le transforme en quelque chose d'excitant et de mystérieux. Certains y voient une apologie du fascisme, d'autres une méditation sur la relation ténue de l'individu avec un État tout-puissant, d'autres y voient une vision personnelle de Zhang du rôle de l'artiste dans la société. Mais presque tout le monde s’accorde à dire que c’est magnifique et chorégraphié à couper le souffle.

Daniel Day-Lewis a apporté ce qui est désormais devenu son dévouement légendaire à la préparation de cette adaptation par Michael Mann du roman d'aventure classique de James Fenimore Cooper - en fait, il s'agissait plutôt d'une adaptation de la version cinématographique de 1936 - et le résultat a été époustouflant. Les scènes d'action durent souvent Day-Lewis pendant des durées inhabituelles, et il se déplace avec une remarquable combinaison de physique et de grâce. De plus, lui et Madeline Stowe forment l'un des grands couples du cinéma, leur attirance pour les animaux contribuant à alimenter l'intrigue mélodramatique du film. Ce n’est pas seulement l’un des plus grands films d’action, mais aussi l’une des plus grandes romances cinématographiques. De plus, les vingt dernières minutes environ – une course-poursuite soutenue, presque muette et une confrontation imprégnée de douleur, de regret, d'amour, de sacrifice et de beauté éthérée – devraient être projetées dans chaque école de cinéma en boucle continue jusqu'à la fin des temps. .Photo: ? Corbis. Tous droits réservés.

Le LA dépouillé et nocturne du thriller d'action révolutionnaire de James Cameron de 1984, The Terminator, était en accord avec l'ambiance de désespoir apocalyptique de ce film serré et sombre. En revanche, Judgment Day est épique, vaste, brillant – et la destruction est à une échelle bien plus grande. Les effets, bien sûr, sont légendaires : le T-1000, qui peut devenir métallique en un rien de temps et se transformer en à peu près tout ce qu'il veut, est toujours l'un des méchants les plus impressionnants et les plus effrayants de tous les temps. C'était un CGI révolutionnaire, mais la plupart des effets ici ne sont pas du CGI : ce sont de vrais camions qui s'envolent de ces ponts pour cette scène de poursuite. Mais peut-être que la meilleure scène d'action de ce film est la plus simple : au début, les deux Terminators se rencontrent dans un centre commercial et se mettent à se foutre l'un l'autre, réduisant les murs qui les entourent en décombres. (Idée de réflexion : considérez la vision de l'Amérique de son rôle dans le monde à travers le prisme du personnage d'Arnold Schwarzenegger dans les films Terminator - d'une machine à tuer indestructible et toute-puissante à un bon gars quelque peu délicat combattant des machines à tuer encore pires, en passant par spectateur impuissant d’Harmaguédon.)

C'est vraiment fou qu'au moment de la sortie de ce film, la grande question qui préoccupait tout le monde était : « Quentin Tarantino peut-il réaliser une séquence d'action ? » Pulp Fiction et Reservoir Dogs avaient beaucoup de violence et de suspense, et Jackie Brown était tendu et captivant, mais aucun d'entre eux ne pouvait être qualifié de bourré d'action. Ainsi, ce premier volet du magnum opus de QT (initialement prévu comme un seul film, mais sorti en deux) a été un véritable choc - une classe de maître en chorégraphie de combat et en effusion de sang influencée par les mythes, avec des scènes d'action d'une telle intensité aux yeux clairs que vous le feriez. jure que ce type avait fait ces films toute sa vie. En tant que mariée, mère vengeresse, veuve et machine à tuer au cœur du récit, Uma Thurman n'a jamais été aussi belle ; mais là encore, Lucy Liu non plus, jouant la méchante charismatique de ce premier opus, O-ren Ishii, avec sa propre histoire puissante. Et la séquence culminante du film House of Blue Leaves, avec la mariée combattant une petite armée d'assassins brandissant l'épée appelée les Crazy 88, compte certainement parmi l'une des scènes de combat les plus épiques de tous les temps.

Steven Spielberg a passé la première partie de sa carrière à réaliser des films sur des enfants ou sur des hommes qui se comportaient comme des enfants. À tel point que « Spielbergien » a commencé à faire référence à des films qui traitaient des merveilles de l’enfance, avec des scènes de visages émerveillés regardant le ciel et ainsi de suite. Mais dans les années 90, tout a changé pour l’homme qui avait déjà tant fait pour définir les paramètres du paysage du film d’action pour une génération. Maintenant, Spielberg a commencé à faire des films sur les pères – des films sur des hommes qui ont appris l'importance de la parentalité (Hook, Jurassic Park et plus tard La Guerre des mondes) ou qui ont construit des familles de substitution pour eux-mêmes (La Liste de Schindler). Même un drame historique comme Il faut sauver le soldat Ryan est un film très personnel sur une sorte de parentalité symbolique : une nation cherchant à sauver le dernier enfant d'une famille déjà dévastée ; L'IA, bien qu'il s'agisse apparemment d'un jeune garçon robot, est imprégnée du sentiment d'émerveillement, de tendresse et de désespoir d'un parent. Et puis, en 2002, Spielberg nous a livré Minority Report. (Ce fut d'ailleurs une année record pour lui, car c'est aussi l'année où il a publié Arrête-moi si tu peux, peut-être sa déclaration la plus poignante sur la famille à ce jour.) Bien qu'il soit basé sur une histoire paranoïaque et dystopique de Philip K. Dick, c'est un film propulsé par l'instinct parental - des souvenirs hantés du personnage de Tom Cruise sur son fils perdu depuis longtemps jusqu'au meurtre non résolu au cœur du film. Mais la vision de Spielberg de la famille est cette fois-ci plus complexe. Considérez le paternalisme corrosif de la société qu’il dépeint. Une société qui cherche constamment à vous donner ce qu’elle pense vouloir. Une société qui essaie de prédire le crime avant qu’il ne se produise et qui met les futurs auteurs en prison avant qu’ils ne commettent quoi que ce soit. Autrement dit, une société qui a peur de lâcher prise. Ce n'est pas seulement un film réalisé par un père. Il s'agit d'un film réalisé par un père dont les enfants grandissent et qui utilise sa toile cinématographique pour explorer ses sentiments complexes à ce sujet. Oh, et c'est un superbe film d'action, avec des décors magnifiques. Le combat en jetpack est déchirant et hilarant. La poursuite de l'usine automobile est non seulement intense, mais se termine sur un superbe clin d'œil à une scène qu'Alfred Hitchcock a toujours voulu tourner. La séquence araignée-drone est à couper le souffle et grotesque. La poursuite dans le centre commercial, où le personnage de Cruise et la pré-rouage Agatha (Samantha Morton) échappent à leurs poursuivants grâce à sa capacité à voir l'avenir, est non seulement brillante, mais a probablement aussi directement influencé la tristement célèbre scène de la gare de Waterloo dans The Bourne Ultimatum. Mais ce qui rend Minority Report si spécial, si puissant, si historique, c'est le cœur anxieux qui bat en son sein. C'est un film sur la façon d'essayer de protéger vos enfants et de faire face à votre inévitable échec à le faire.

Chaque vrai cinéphile des années 90 aura son propre favori, mais avouons-le, c'était le summum du genre d'action « Heroic Bloodshed » que John Woo a perfectionné à Hong Kong. Le réalisateur a toujours eu une qualité d'élu : il a marié l'éthos classique du dur à cuire de Jean-Pierre Melville avec la volupté de Sam Peckinpah. Il a mélangé l’expérimentation de Scorsese avec l’efficacité de l’action pragmatique de John McTiernan. Mais il n'était pas seulement un artiste d'hommage. Il a pris toutes ces influences et a produit quelque chose qui lui est propre. Hard-Boiled, dans toute sa splendeur pré-CGI, présente toujours certains des plus grands décors de films d'action de tous les temps, sans parler de quelques cascades de moto insensées que Woo ne pourrait jamais s'en tirer ici dans les États-Unis d'Amérique, soucieux de leur sécurité. Pendant ce temps, l'histoire du film sur les loyautés conflictuelles des deux côtés opposés de la loi a été imitée à de nombreuses reprises, mais jamais vraiment égalée. C'est parce que Woo, au fond, est un romantique. Hard-Boiled est peut-être un film d'action difficile et percutant, mais il est également traversé d'éclats d'émotion fleuris, qui réussissent à faire monter les enjeux tout au long. Si nous sommes rivés à nos sièges, ce n'est pas seulement parce que les combats, les fusillades et les explosions sont mis en scène à la perfection, mais parce que nous tenons vraiment à ces personnages. Mais ne nous faisons pas d'illusions : Woo n'aurait rien pu faire tout cela sans Chow Yun-fat. Voilà un acteur qui mélangeait et assortissait de la même manière que son réalisateur. Tout comme Woo a utilisé les influences susmentionnées pour nourrir sa propre vision, son acteur et son alter ego ont également perfectionné l'éthos d'un dur à cuire qui est à la fois un sage et un pro, à la fois seul et profondément passionné. Un acrobate au tir précis qui peut voler dans les airs avec deux pistolets à la main, et un homme ordinaire avec un penchant pour la comédie physique. Il s'agit de Bruce Willis, Alain Delon, Harrison Ford et Jack Lemmon, tous réunis en un seul. Et ici, il est en mode gun-fu badass, associé à Tony Leung à son meilleur.

Tout le monde n'est pas fan des films Batman de Christopher Nolan. (Notre propre David Edelstein, pour commencer,demande avec véhémence d'être en désaccord.) Mais voici ce qui ne peut être nié : le film de Nolan et la trilogie qu'il représente prennent le genre des super-héros - certainement l'itération la plus répandue du film d'action - et le traitent comme quelque chose digne d'une ambition romanesque, un psychodrame épique qui brûle de modernité. pertinence. En tant que tel, c’est un accomplissement pour les âges. Les super-héros sont souvent associés aux démons psychologiques de la société. Dans The Dark Knight, Bruce Wayne/Batman (Christian Bale), qui a toujours été incertain quant à son rôle de justicier masqué nocturne, doit composer avec les deux pôles de son influence. D'une part, il a inspiré des gens moyens et délirants à enfiler des costumes de Batman bon marché et à tenter d'arrêter les méchants, contribuant ainsi à l'anarchie de Gotham ; d'un autre côté, il a inspiré le procureur héroïque Harvey Dent (Aaron Eckhart), qui admire le sens du but et l'attitude sans prisonnier de Batman. (Le contraste est explicite dans le film : les justiciers du quotidien se déguisent en Batman mais ne sont clairement pas notre héros, tandis que certains regardent Dent et imaginent qu'il pourrait être le croisé masqué.) Pour Bruce, Dent représente à la fois la justification et la libération - le le sentiment que ce qu'il a fait n'a pas été inutile, et la promesse qu'il pourra peut-être tout abandonner bientôt. Et puis vient le Joker (Heath Ledger), un anarchiste sans culpabilité qui représente une autre dualité. Il est le revers du super-héros, ses gémissements aigus, ses tenues colorées et ses gestes lâches contrastent fortement avec le grognement rauque de Batman, ses vêtements sombres et ses mouvements lourds et douloureux. Et contrairement à Batman, le Joker aime inspirer ses camarades fous ; comme le film le montre clairement, son arme principale est sa capacité à obliger les autres à faire des choses à sa place. Tous les méchants Batman de Nolan dans la trilogie partagent ce trait déterminant : ils veulent que les habitants de Gotham se détruisent. Ainsi, ils forcent le justicier dans une position qu’il ne peut pas gérer : celle de devoir compter sur les autres. Nolan regarde ces forces opposées se jouer comme une puissance divine, sa caméra pointée parmi les canyons de gratte-ciel de Gotham, sélectionnant souvent des personnages ou des véhicules individuels - un corollaire visuel précis pour un film qui, en fait, parle de la responsabilité de l'individu envers la société. en général. Lorsque la dernière et scandaleuse trahison de Batman survient – ​​lorsqu'il transforme tous les téléphones portables et appareils mobiles de Gotham en un sonar à l'échelle de la ville pour l'aider à retrouver le Joker – il semble au premier abord que Nolan tente en fait de défendre l'État de surveillance selon lequel est apparue aux États-Unis après le 11 septembre. Mais regardez de plus près et vous verrez que c'est la damnation finale du héros. Le Joker a essayé de forcer Batman à se rabaisser, à trahir les choses qu'il défend. Et finalement, il le fait. En matière d'action, Nolan, un peu comme Woo, est plus un Peckinpah qu'un Spielberg : il ne fait jamais de ralenti, mais ses scènes d'action sont moins une question de clarté et d'espace que de mouvement et de rythme. La poursuite en camion dans The Dark Knight est spectaculaire, époustouflante, même si on ne sait pas toujours ce qui se passe. De même, l'invasion à grande vitesse de Batman d'un bâtiment où se cache le Joker vous rendra fou si vous essayez de suivre les détails de l'action, car Batman élimine les leurres et les méchants avec une efficacité à vitesse de distorsion. Mais ouvrez-vous à ses rythmes et cela devient presque magnifiquement abstrait. Malgré de nombreux imitateurs et influences, le monde du cinéma n’a jamais rien vu de comparable à The Dark Knight. Et ce ne sera probablement plus jamais le cas.Photo : TM & ? DC Bandes dessinées. ? 2008 Warner Bros. Entertainment Inc. Tous droits réservés.