Ariana DeBose dansHistoire du côté ouest.Photo de : 20th Century Studios
Vous n'avez pas besoin de le savoir avant d'entrerHistoire du côté ouestque Steven Spielberg avait hâte de faire une comédie musicale pendant presque toute sa carrière. Vous pouvez le ressentir dans la séquence d'ouverture du film, dans la joie avec laquelle il suit le gang blanc des Jets alors que ses membres émergent de sous un tas de décombres et se pavanent dans une rue animée de l'Upper West Side des années 1950. Spielberg ponctue leur promenade avec des aperçus désinvoltes d'objets du quotidien se déplaçant en rythme – un briquet fermé, une pièce de monnaie lancée, un journal soufflé. C'est musical, bien sûr, mais c'est aussi… spielbergien, qui rappelle de nombreuses scènes chorégraphiées avec précision et ludique de ses films précédents. Vous vous attendez à moitié à voir Indiana Jones intervenir et commencer à faire claquer son fouet au rythme du rythme.
Histoire du côté ouestCela ressemble parfois à un film sur lequel toute la carrière du réalisateur s'est construite. Il est, après tout, notre plus grand maître du blocage, et il est difficile d’imaginer une meilleure arène pour démontrer ses pouvoirs. Pas seulement en raison de la grâce et de la rigueur requises pour mettre en scène n’importe quelle comédie musicale, mais celle-ci en particulier, avec la danse moderne inscrite dans son ADN. Ce n’est pas une opinion populaire, mais je la partage quand même : dans le film très apprécié et récompensé par les Oscars de Robert Wise en 1961, la caméra a dû prendre du recul pour admirer la grandeur jazzy et tourbillonnante de la chorégraphie de Jerome Robbins – et le les résultats étaient théâtraux de manière agressive et frustrante. Spielberg va dans la direction opposée : il n'a pas peur de plonger son appareil photo dans les corps qui tourbillonnent, sautent et donnent des coups de pied (leurs mouvements sont cette fois une gracieuseté du chorégraphe du New York City Ballet, Justin Peck). En d'autres termes, il n'a pas peur de faireHistoire du côté ouest, avant tout, un film.
Spielberg et le scénariste Tony Kushner n'ont pas non plus peur de falsifier le récit, d'une manière qui peut sembler subtile au premier abord, mais qui s'avère profonde. Ne vous inquiétez pas (ou, selon votre point de vue, ne vous inquiétez pas), c'est toujoursHistoire du côté ouest: L'histoire des amants maudits Tony (Ansel Elgort) et Maria (Rachel Zegler), lui anciennement des Jets et elle la sœur de Bernardo (David Alvarez), chef des Sharks, le gang portoricain local. Ce qui était autrefois surtout un cadre intelligent dans l'original (Robbins, le compositeur Leonard Bernstein et l'écrivain Arthur Laurents avaient initialement envisagé le projet commeHistoire du côté Est, qui se déroule entre catholiques et juifs, de sorte que le milieu culturel du conte a toujours été, à un certain niveau, greffé sur) devient ici l'occasion d'aborder les racines sociopolitiques du racisme et de la violence de la classe ouvrière.
Le nouveau film s'ouvre sur une rue de New York dévastée et pratiquement bombardée, au milieu du tristement célèbre nettoyage des bidonvilles dirigé par Robert Moses qui a ouvert la voie à ce qui allait devenir un jour le Lincoln Center. Les Jets en veulent aux Portoricains d'avoir emménagé dans un quartier qui était autrefois « le leur » – mais tout le monde est sur le point d'être expulsé, alors ils se battent tous pour les restes. On est bien loin de « deux ménages, tous deux semblables en dignité » : les Sharks semblent être des gars du quartier moyens avec un emploi. Guerriers réticents qui veulent simplement protéger leur peuple, ils conservent un semblant de supériorité morale, tandis que les Jets ne sont qu'une bande de jeunes punks stupides et racistes en quête de combat. La propre hésitation de Tony à rejoindre son ancien gang est le résultat d'une année passée en prison pour avoir battu un enfant égyptien presque à mort lors d'une précédente guerre de territoire.
Tout ce nouveau contexte est important, mais ce qui fait vraiment le film, c'est le cinétique exubérant de ses décors musicaux, en particulier les plus grands et bondés. La soirée de danse au gymnase, au cours de laquelle les Jets et les Sharks et leurs partenaires respectifs s'affrontent, est un kaléidoscope de mouvements, contrastant les mouvements sensuels des Sharks avec ceux des Jets plus agressifs et athlétiques, la caméra tournant et carénant parmi eux. « L'Amérique », quant à elle, commence par une issue de secours au milieu du linge suspendu, se déplace dans les couloirs des immeubles et se déverse dans la rue dans un carnaval animé et coloré de robes virevoltantes et de sourires éclatants.
Spielberg et Kushner ont également redistribué les chansons de manière astucieuse, parfois puissante. Contrairement au film précédent, ils ont restauré le chant de Maria de "I Feel Pretty" après le grand grondement culminant et le meurtre de son frère par Tony - comme c'est le cas sur scène - de sorte que la tragédie plane sur le numéro coloré et bonbon. flottabilité de la boîte ; l'effet est écrasant. Le triste "Somewhere" n'est plus chanté par les jeunes amoureux, mais par Valentina, le cœur brisé de Rita Moreno (un nouveau personnage, remplaçant Doc, le propriétaire de la pharmacie blanche d'origine et la gentille patronne de Tony - elle est essentiellement sa veuve et est maintenant en charge du magasin. ), transformant ainsi une chanson d’amour en quelque chose de carrément civilisationnel. Sur les lèvres de ce personnage interprété par l'actrice qui incarne Anita dans le film de 1961lui a valu un Oscar, la pièce parle moins de deux jeunes amants condamnés rêvant d'un monde où ils peuvent être ensemble et plutôt d'une lamentation pour les millions de personnes qui viennent sur ces côtes à la recherche d'une vie meilleure pour ensuite trouver la haine, l'humiliation et le meurtre. De telles modifications reflètent probablement mieux le paysage sociopolitique plus désespéré de 2021 que l’optimisme de 1957 ou de 1961. Vous quittez ce film précédent en pensant que la réconciliation entre ces personnes pourrait encore être possible. Aucun espoir de ce genre n’existe ici. Mais ces changements ne sont ni opportunistes ni cyniques. Ils sont biologiques. L’histoire prend tout simplement plus de sens de cette façon.
De tels changements semblent également nécessaires pour une autre raison. Parce que tout comme nous avons toujours soupçonné que Spielberg serait dans son élément à la tête d'une véritable comédie musicale, il est également devenu clair au fil des années qu'il était tout à fait d'accord en matière de romance. Ainsi, lui et Kushner détournent judicieusement leur attention des jeunes amants vers les ruines parmi lesquelles s’épanouit leur amour. Il ne serait cependant pas juste de dire qu’ils ne cherchent même pas à avoir une relation amoureuse ; après tout, c'est toujours un riff surRoméo et Juliette. Malheureusement, Elgort et Zegler n'ont aucune alchimie, et leur moment de coup de foudre lors de cette danse susmentionnée reste totalement peu convaincant. Shakespeare l'a vendu avec des envolées célestes de paroles immortelles ; Wise a tenté le coup avec la seule idée cinématographique qu'il avait, qui était de rendre flou tout ce qui se trouvait à l'écran, à l'exception de Tony et Maria. Spielberg s'en sort mieux, isolant les amoureux avec les gants aveuglants de reflets d'un autre monde du directeur de la photographie Janusz Kaminski. On apprécie l’effort, sinon l’effet.
Mais les acteurs eux-mêmes jouent, chacun à sa manière. Zegler est la vraie trouvaille, une chanteuse merveilleuse et une personnalité radieuse, et Spielberg et Kaminski la filment comme une lueur brillante dans un océan crépusculaire ; sa simple présence révèle certains des aspects les plus faciles de la caractérisation de Maria. Elgort, en revanche, se déplace à travers le film comme un aristocrate de la porcelaine. Sa performance de « Maria », qui se déroule au milieu de terrains de jeux abandonnés, de ruelles et d'une flaque d'eau glorieusement chatoyante, semble plus ténue que sincère, comme une répétition dans laquelle l'acteur travaille encore sur ses mouvements. Mais il y a des moments où sa réserve fonctionne. Il ressemble en effet à un jeune homme au passé violent essayant de garder son sang-froid. Quand il vit son grand moment de chagrin juste vers la fin, ses traits distants se transforment brièvement en une bouillie grotesque, et c'est étonnamment tendre.
Je n'ai jamais été fan deHistoire du côté ouest, en partie parce que j'admire plus qu'adore le triomphalisme enjoué et cuivré du son de Bernstein du milieu du siècle, et que la combinaison de la danse moderne et de l'hystérie de la guerre des gangs a toujours semblé être une idée théâtrale vivifiante qui n'a jamais vraiment semblé parfaite sur un écran de cinéma. C'est unmoiproblème, bien sûr. (Il y a aussi, bien sûr, l'indulgence de l'original envers les stéréotypes ethniques, sans parler de tout ce visage brun - mais au moins certaines de ces lacunes pourraient être attribuées à son époque.) C'est certainement le mérite éternel de Spielberg que son film ait fait même ce grognon. (brièvement) oublier (la plupart de) mes problèmes avecHistoire du côté ouest. Je soupçonne que même les passionnés du film de 1961 pourraient convenir que cette itération surpasse le vieux cheval de guerre de Wise. Que cette nouvelle image soit un chef-d’œuvre ou une réinvention magistrale d’un original gênant, cela restera dans l’œil du spectateur.
