Photo-Illustration : Franziska Barczyk ; Photos : Joan Marcus, Ahron R. Foster, Matthew Murphy, Julieta Cervantes, Chelcie Parry, Monique Carboni
C'est la période la plus listée de l'année ! Et maintenant, avec deux critiques sur le rythme du théâtre, vous obtenez 20 meilleurs choix pour leprixsur 10. Sara Holdren et Jackson McHenryje me suis assis pour discutersur ce que le théâtre les a le plus excité, et avant de vous lancer dans leur conversation complète, voici leurs favoris de 2023, des classiques irlandais et des vagins clownesques à Sondheim, la satire, AI et Adjmi.
Photos de l'école.Photo de : Chelcie Parry
Le réalisateur Garry Hynes a co-fondé le Druid Theatre de Galway en 1975, et sous sa direction, il continue de monter des aventures épiques dans l'œuvre de grands dramaturges irlandais, plus récemment dans ce marathon d'une journée rigoureux et magnifiquement interprété du film farouchement drôle, finalement dévastateur de Sean O'Casey. Trilogie de Dublin. En assumantLa charrue et les étoiles,L'ombre d'un tireur, etJunon et le Paycock, le merveilleux ensemble de Druid a fait ressortir l'humour vif des pièces, leur centrage provocateur sur les pauvres et les exclus politiquement, et leur claire résonance poétique - à la fois magnifique et terrible - dans nos propres années 20 fracturées et brutales.
Dans cette « conférence-performance hybride » d'un calme trompeur de l'écrivaine et réalisatrice Annie Dorsen (qui est également la seule chose vivante sur scène), le théâtre se retrouve face à face avec la singularité – et survit. Dorsen a réalisé une série de pièces de « théâtre algorithmique », explorant la nature déjà omniprésente de l’IA dans notre vie quotidienne, dans notre art, dans notre cerveau. Ici, elle a demandé à GPT-35 (le modèle d'IA qui exécute ChatGPT) de créer des versions possibles de la pièce finale perdue d'Eschyle.Prométhéetrilogie. Le robot était là-haut avec elle, sous la forme d'un chœur de voix produit par l'IA émanant d'une série de masques conçus par l'IA, prononçant le texte que GPT-35 générait sur place. Mais Dorsen elle-même était de loin la chose la plus fascinante sur scène. En bricolant sa conférence mot par mot et phrase par phrase à partir d'une myriade de sources – en « empruntant » textuellement comme l'IA – elle a présenté un argument sournois, généreux et profondément éloquent en faveur de l'effort humain, du discernement humain et de la beauté humaine.
Ossie Davis a écrit et joué dans cette satire rusée de Jim Crow South il y a plus de 60 ans, mais entre les mains agiles des acteurs du réalisateur Kenny Leon – en particulier l'ultra-charismatique Leslie Odom Jr. et la comique révélatrice Kara Young – la série semblait plus vif et plus grand que de nombreuses pièces contemporaines. Odom Jr. brillait en tant que personnage principal, un aspirant révérend à l'esprit filou qui retourne dans sa ville natale de Géorgie pour reconquérir l'église qui a été injustement saisie par Ol' Cap'n Cotchipee, le tyran vêtu de lin et adorateur de la Confédération avec le grande maison blanche sur la colline. Et en tant que protégée de Purlie aux yeux écarquillés et aux membres élastiques, Lutiebelle Gussie Mae Jenkins, Kara Young a donné le genre de performance qui devrait figurer dans les programmes de cours de théâtre – enracinée, intrépide et drôle comme l'enfer.
Cela a été une belle chute pour les drames musclés dirigés par un ensemble, et la première production du « Friel Project » de la République irlandaise, qui dure un an, est le film de Doug Hughes.Traductions,fut un triomphe sans prétention. Drôle et tragique, incroyablement lyrique mais sans sentimentalité, la pièce de Friel de 1980 sur la visite de l'armée britannique dans le village fictif de Baile Beag dans les années 1830 – envoyée en mission impérialiste pour redessiner la carte de l'Irlande et angliciser ses noms de lieux – semblait fraîche et pleine de une émotion complexe. La production lucide de Hughes était une vitrine exceptionnelle pour ses acteurs, de Seán McGinley dans le rôle de Hugh, le vieux maître d'école à l'âme poétique, à Owen Campbell dans le rôle de son fils aimant et frustré, Manus, à la lumineuse Mary Wiseman dans le rôle de « Maire aux cheveux bouclés », la la femme que Manus aime et dont le cœur aspire à ailleurs.
Cela a également été une belle chute pour l'Irlande ! Cependant, dans la production vigoureuse et terreuse d'Arin Arbus du chef-d'œuvre de Beckett de 1953, on avait l'impression que Vladimir et Estragon attendaient au bord d'une ancienne route de camionnage quelque part au milieu poussiéreux de ce qui était autrefois l'Amérique. Dans le rôle de Didi et Gogo, Paul Sparks et Michael Shannon ont mis l'humour et l'humanité de la pièce au premier plan dans une paire de performances courageuses et charmantes. Ils ont faitGodotse sentent comme une pièce sur un mariage - avec tous ses raccourcis et son ennui, son affection et ses frustrations - et une chaleur grincheuse accumulée autour d'eux sur le bord de la route glaciale, sans nuire à la rencontre sans âge de la pièce avec l'abîme.
L'idée audacieuse et exubérante de la formidable actrice-écrivaine Becca Blackwell,Arracher Adamsravi non seulement par les pitreries anarchiques de son talk-show (Snatch est un vagin parlant de six pieds de haut, animant une émission de variétés avec son copain sous la ceinture, Tainty, un sage-fissureing périnée), mais aussi, et plus surprenant, avec le cœur pur et doux sous ses éclaboussures et ses paillettes. Curieux, généreux et joyeux, le spectacle de Blackwell – écrit et interprété avec la littéralement courageuse Amanda Duarte – ressemblait à un exorcisme vivifiant des démons de la honte, de la moralité et de l'ironie. C'était le voyage en bus scolaire magique désordonné et glorieusement ouvert dont je ne savais pas avoir besoin.
Il s'avère que le fameux "cassé"Joyeusementn'était rien d'un réalisateur lucide et d'un trio d'acteurs remarquables – dédiés à la sincérité, à la vulnérabilité et à lal'un l'autre- je n'ai pas pu réparer. La belle production de Maria Friedman a joué le rôle directement, permettant à Lindsay Mendez, Jonathan Groff et Daniel Radcliffe d'élargir son cœur de trois tailles. Groff était déchirant en tant que centre compromis de la série, le brillant Franklin Shepard à guichets fermés ; Radcliffe s'est balancé vers les clôtures dans le rôle du nerveux et attachant Charley Kringas ; et Mendez – dont le rôle de Mary Flynn, plaisantante et plaisante, peut sembler aigre et souscrit – était ancrée et radieuse, versant tranquillement son âme dans "Like It Was", laissant toutnousbien plus brisé que la pièce.
En ce moment de notre danse avec la pandémie, on a l’impression que les théâtres hésitent encore à demander au public de rester plus de 90 minutes – c’était donc particulièrement excitant de passer trois heures fascinantes en compagnie d’ambitieux, d’aspirants, parfois cruels. mais toujours des camarades de groupe convaincants qui habitent le magnifiquement conçu de David AdjmiStéréophonique.Avec sept performances formidables (dont Will Brill dans le rôle d'un bassiste écureuil et amoureux de substances et Eli Gelb dans le rôle d'un ingénieur du son sérieux et de plus en plus désenchanté), l'épopée rock and roll inspirée de Fleetwood Mac d'Adjmi livrée sur tous les fronts, de la batterie de Daniel Aukin- direction serrée aux chansons parfaitement calibrées de Will Butler, ancien membre d'Arcade Fire. C’était un hymne au processus créatif, un portrait affectueux et rigoureux de ce que signifie être accro à l’art.
C'est Annie Baker, donc ça a semé la discorde – les gens sont partis à grands pas lorsque les personnages ont commencé à discuter de leurs corps souffrants et de leurs désirs rongeurs avec des détails impitoyablement cliniques – et j'ai adoré ça. Sous la superbe mise en scène de James Macdonald, la pièce de mémoire de Baker sur les patients d'une clinique de « jeûne à l'eau » du nord de la Californie était extrêmement confiante, chargée électriquement mais sereine et, à la manière inimitable du dramaturge, à la fois brutale et douce. Marylouise Burke et Christina Kirk ont ancré un casting stellaire complet, qui a joué l'arrangement méticuleux du langage et de l'espace négatif de Baker comme un sextet virtuose. Mortality était assis face à nous sur une rangée de chaises longues au bord de la piscine, mais il n'était pas seul. La curiosité et la compassion étaient également présentes.
Doux, généreux, de forme apparemment simple mais débordant de complexité, le spectacle solo de l'écrivain-interprète Milo Cramer, composé de chansons inspirées par les enfants à qui ils ont enseigné pendant leurs cinq années en tant que tuteur à New York, était aussi fascinant que doucement drôle. Armé de papier de construction, d'un ukulélé et de quelques claviers, Cramer crée des portraits curieux et compliqués de ses anciens élèves, de lui-même et des institutions d'enseignement et d'apprentissage qui nous ont façonnés, avec ou sans notre attention sur le fait. . En tant qu’aveu d’incertitude, quête de nuance, célébration de ces étudiants – tous dans leur propre voyage difficile – et appel à réexaminer nos valeurs encodées, le spectacle a transcendé son contenant intentionnellement humble. Sa chanson restera longtemps dans ma tête.
Stéréophonique. Photo de : Chelcie Parry
Résolument pastel et anticlimatique, la pièce d'Agnès Borinsky voyait deux frères et sœurs s'enraciner brusquement dans un parc public, puis rester assis là dans une ambivalence alors que le monde changeait autour d'eux, pour le meilleur (dans le sens où ils construisent une communauté d'amis), pour le pire (quelqu'un est très intéressé). en construisant un centre commercial autour d'eux), et généralement plus étranges (il y a une meute de loups au loin). Une métaphore de la vie dans une multitude d’apocalypses présentes ou futures, dont le calme est d’autant plus troublant.
Organiser une pièce de théâtre autour d'un groupe d'étudiants s'inscrivant à un cours d'auto-défense vous offre un moyen tout fait d'aborder les inquiétudes concernant le consentement qui remplissent les pages d'articles d'opinion. Le scénario de Liliana Padilla, qu'ils ont réalisé avec Rachel Chavkin et Steph Paul, est entré dans la mêlée avec un humour à toute épreuve et une grande générosité envers ses personnages, qui ont tous des relations différentes avec le sexe et peinent à exprimer leurs propres besoins autant qu'ils luttent pour maîtriser leurs propres besoins. propres corps.
Si vous voulez vraiment comprendre une comédie musicale de longue durée à gros budget, il est utile de la voir jouée en drag au milieu de la nuit à Bushwick. La série « Fagtasia », qui met en scène des reconstitutions de divers classiques du camp et est organisée par Baby Love (qui jouait Glinda), a eu le génie de s'attaquerMéchant, proche de la mise en scène de la version Broadway mais avec ses propres montages délirants (pas de professeur de chèvre, beaucoup de blagues sur les godes). Aucun événement théâtral que j'ai vu cette année n'a été plus mémorable que de voir Charlene monter au plafond dans une nacelle drapée de tissu noir alors que les gens lui jetaient des billets d'un dollar pendant "Defying Gravity".
Nous avons reçu de nombreuses pièces qui canalisent les fréquences émotionnelles de la pandémie, et nous en attendons probablement encore plus, mais avec sa pièce sur une employée de librairie solitaire à la recherche d'un nouvel emploi, Eboni Booth a touché un type particulier de la solitude qui m'habite. Il y a tellement de choses sur les petites façons dont les gens se réconfortent et bloquent le monde, pris dans ses scènes de William Jackson Harper conversant avec son ami imaginaire (Eric Berryman) autour de cocktails tiki.
De l'autre côté de la quiétude deConfiance principaleréside l'énergie maniaque deCerveau mouillé, la pièce de John J. Caswell Jr. dans laquelle un trio de frères et sœurs adultes tentent de prendre soin de leur père alcoolique qui a peut-être également rencontré une vie extraterrestre. La pièce est implacable, les personnages sont brutaux les uns envers les autres, comme peuvent l'être les membres d'une famille qui se connaissent trop bien, mais après avoir brisé toutes leurs angoisses ensemble, elle arrive à un dénouement étrange, émouvant et plein d'espoir. Peut-être qu’une guérison est possible pour nous tous, ne serait-ce que dans l’espace.
Je ne comprends pas très bien comment Ruthie Ann Miles a réussi à sortir de son rôle éreintant (et voleur de spectacle) de mendiante dansSweeney ToddàPiazza, mais je suis très reconnaissante qu'elle l'ait fait. En tant que mère américaine essayant de protéger sa fille ayant une déficience intellectuelle (la nouvelle venue Anna Zavelson, également excellente) en vacances à Florence, Miles était tout en équilibre, avec une ligne de faille de chagrin traversant sa mezzo-soprano croustillante. Sa performance dans le final de la série, « Fable », où Margaret compte avec tout ce dont elle s'est coupée et tente de rejoindre le monde, était le genre de chose qui vous déchire en deux.
Oui, la nouvelle pièce d'Annie Baker avait un superbe ensemble d'acteurs jouant des femmes lors d'une retraite de bien-être en Californie, oui, la mise en scène était finement aiguisée, et oui, les dialogues étaient drôles… et pleins de pauses étranges (c'est une pièce d'Annie Baker !). Mais ce qui m'a le plus marqué doit être l'éclairage (d'Isabella Byrd), qui passerait du milieu de la nuit à l'éclat d'un lever de soleil, ou vice versa, entre les conversations, vous obligeant à plisser les yeux et à cligner des yeux et constamment, littéralement réajustez votre concentration. Quelle meilleure façon de souligner la demande de vous asseoir avec ces femmes et de leur prêter une attention particulière ?
Un ensemble A-plus de gros frappeurs d'Off Broadway (Brittany Bradford, Caleb Eberhardt, Susannah Flood, Bobby Moreno et Shannon Tyo) jouant d'anciens surperformants du lycée, assis dans le noir, se saoulant et réfléchissant à la mort. Branden Jacobs-Jenkins a abordé de front le moment présent du millénaire – tout le monde se prépare à une réunion universitaire de 20 ans, parle de la pandémie, de l'insurrection et même de ses souvenirs du 11 septembre – avec quelques intrusions du véritable dieu de la mort. . Fait sans entracte, à son avantage,La récompenseressemblait à une descente aux enfers, une plongée dans les profondeurs abyssales de la psyché collective.
Tout surJoyeusementvous fait regarder en arrière : la série se déroule à l'envers, tout le monde parle de son échec original, et même cette production (et en particulier "Opening Doors") vous fait réfléchir à l'histoire de la carrière de Stephen Sondheim, juste un an après sa mort. Mais ce que Maria Friedman fait et qui fonctionne si bien, c'est de garderJoyeusementdans le présent : nous restons tout le temps dans la maison de Franklin Shepard, même si nous remontons le temps, sans jamais nous permettre d'oublier où tout cela va finir (en Californie… huée !). Oui, le casting est incroyable (Jonathan Groff, Daniel Radcliffe et surtout Lindsay Mendez vous briseront tous le cœur – et Krystal Joy Brown vous servira un grand panache du showbiz), mais il y a une efficacité brutale dans la vision de Friedman qui propulse le tout, aux côtés certaines des musiques les plus magnifiques de Sondheim - telles qu'elles sont, toujours superposées à ce qu'elles étaient, vous faisant voir comme elles n'ont jamais été.
Il y a tellement de plaisirs superficiels dans la pièce de David Adjmi sur un groupe de rock des années 1970 (ce n'est paspasFleetwood Mac) qui peine à enregistrer un album : des tenues qui vous donneront envie d'aller dans un magasin de vêtements vintage, une musique de Will Butler qui est vraiment bonne, des dialogues bien d'époque sur tout, deMonty Pythonaux sacs de gallons de cocaïne. Mais toute cette texture et tous ces détails s'additionnent, en trois heures, pour former un traité sincère mais saignant sur l'acte de collaboration, sur la façon dont il peut être totalement gratifiant et exaspérant de devoir faire de l'art avec d'autres personnes. À la fin de la série, les relations ont pris fin, les amitiés sont pratiquement terminées et la plupart de la musique que nous avons vue interpréter par les acteurs (très talentueux) a été coupée de l'album de la série, mais bon, ils en fait.faitquelque chose. Vous êtes impressionné par le fait que quelque chose soit fait, et encore moins quelque chose d'aussi bon queStéréophonique.
Illustration photographique : Franziska Barczyk ; Photos : Emilio Madrid, Joan Marcus, Marc J. Franklin
Jackson McHenry :Ok, c'est le moment : nous devons en parlerJoyeux nous roulons.
Sara Holdren :Bien sûr! Nous l'avons tous les deux sur nos listes – je veux dire, il a été universellement salué.
JM :Qui l'aurait pensé ? Je l'ai vu en décembre de l'année dernière à Off Broadway, et c'est génial d'être si proche des artistes, mais une fois arrivé à Broadway, il a si bien rempli le théâtre… L'expérience de le regarder a été, pour moi, également dynamisée en voyant le film de Sondheim.Nous y sommes à peu près à la même époque.
SH :Regardez, il a fait un dernier chapeau. J'étais heureux que ce soit un projet bizarre et ambitieux. Avec un ours !
