Qu'ils incarnent un protagoniste ou un méchant, ces acteurs voient juste assez fort, regardent juste assez longtemps et livrent juste assez de blagues arides pour brouiller les frontières entre répréhensible et accessible.Photo de : Buena Vista Pictures/Everett Collection
Wes Anderson crée des mondes remarquablement complexes et les peuple de personnes tout aussi particulières. Ses personnages ont tendance à posséder un comportement similaire : ils sont impassibles et staccato, capables de livrer avec dextérité des bouchées de verbiage élaboré. Pourtant, chaque performance semble orientée à un degré légèrement différent, un tour d'acteur distinct faisant toute la différence entre un charmant scélérat, un artiste déprimé, un acolyte fidèle, un intellectuel distant ou un enfant précoce.Bouteille de fuséeDignan etLa cité des astéroïdesAugie Steenbeck existe dans le même univers pastel invraisemblablement centré, mais ce ne sont pas les mêmespersonnes.
Les meilleurs acteurs pour incarner Wes Anderson, dont beaucoup sont apparus à maintes reprises tout au long des 11 longs métrages du cinéaste, semblent à l'aise dans cette étroite fenêtre de tempérament. Ils parviennent à trouver leur propre registre idéal de sobriété dans la cadence de leur voix, et à le mélanger avec une dose de prétention nécessaire aux personnages déjà préoccupés par le fait de se produire eux-mêmes. Ils ont une facilité avec l'absurde, mais ils laissent de la place à l'amour sincère, à la peur, à la gratitude et au regret pour briser leur lourd artifice. Qu'ils incarnent un protagoniste ou un méchant, ces acteurs voient juste assez fort, regardent juste assez longtemps et livrent juste assez de blagues arides pour brouiller les frontières entre répréhensible et accessible.
Les 50 représentations suivantes représentent le meilleur de l'univers cinématographique andersonien (maintenantqui est prétentieux ?), y compris les performances vocales et les narrateurs mais à l'exclusion de Mardochée le faucon. Un acteur peut apparaître plus d'une fois sur cette liste (et plusieurs le font ; Willem Dafoe apparaît trois fois, et il n'est pas le plus récurrent du groupe) à condition que leurs personnages soient suffisamment différenciés (au final, celui de Jeff Goldblum).divers personnagesn'a pas réussi, car il a tendance à dégager des explosions de bizarreries similaires à travers les mondes andersoniens).
Chaque film d'Anderson est représenté sur la liste au moins une fois, mais notez : ceci n'est ni un classement des films d'Anderson (le n°1 sur cette liste seraitLes Tenenbaum royaux, et je ne l'expliquerai pas ici) ni un classement des personnages eux-mêmes (ou bien le vrai salaud de Khaki Scout de Lucas Hedges deRoyaume du lever de luneaurait fait la liste quelque part). Il s'agit d'une enquête sur les performances d'acteurs finement réglées et autonomes.
Margot Robbie obtient l'intégralité d'une scène (plus une photo) de son temps d'écran dansVille d'astéroïdes, mais c'est la meilleure scène du film. Le film parle de beaucoup de choses, mais il s'agit tout autant de l'acte d'écrire, de réaliser, de jouer et même de répondre à une œuvre de fiction. Dans le scénario, Robbie incarne l'actrice qui devait incarner la défunte épouse du personnage de Jason Schwartzman, Augie, avant que sa scène ne soit coupée. En la rencontrant dans une allée des coulisses, Schwartzman (qui joue en fait un acteur qui joue Augie) et Robbie (qui joue également une actrice qui joue la défunte épouse) jouent la scène coupée avec un rapport à la fois tendre et distant de deux. des gens qui auraient pu partager un moment d'intimité artistique si cette scène était restée dans le film. Ce n’est pas le cas, et leur moment se déroule aussi facilement qu’il vient. Il est difficile de jouer à distance de manière à avoir un impact, mais Robbie comble le fossé non seulement avec Schwartzman de l'autre côté de la ruelle, mais aussi avec le public pour le genre de moment purement sentimental que les gens pensent être plus rare dans les films d'Anderson qu'il ne l'est en réalité. .
En commençant par son titre,Royaume du lever de lune(qui est le nom que Sam et Suzy donnent au bras de mer où ils ont installé leur nid d'amour momentané) est un film imprégné de mélodramatique et de convictions profondément ancrées du premier amour. Suzy est la moins bien définie des jeunes amoureuses du film, mais le comportement de Kara Hayward est à juste titre intimidant pour ses parents et les Khaki Scouts qui la poursuivent. Dans une filmographie où les regards au visage de pierre sont une monnaie très échangée, pour le visage de Hayward, se démarquer comme le plus inébranlable est un exploit. Et pourtant, elle est aussi si crédible et séduisante pour le jeune Sam. Le film ne fonctionne pas si Hayward ne peut pas faire les deux. Elle le peut et le fait.
Willem Dafoe s'amuse délicieusement à interpréter Rat, le sinistre garde de sécurité qui menace Fox et ses acolytes. Le personnage est habillé comme un beatnik, parle comme s'il venait du quartier français de la Nouvelle-Orléans et bouge comme un requin sur le point d'affronter les Jets. Dafoe se livre au mélange, se délectant de son accent, une lente traînée qui menace implicitement et explicitement Fox et sa famille. C'est un psychopathe qui aime peut-être un peu trop son rôle de méchant.
Jane finit par être un personnage plus intéressant dans le contexte de la filmographie de Cate Blanchett que dans le contexte des films de Wes Anderson. Elle ne joue plus vraiment des rôles comme celui-ci, vulnérable et impulsive. La Cate Blanchett deCaroleetEntrepôtest silex et déterminé, pas le pétard qu'est Jane. En tant que fan de Blanchett, c'est exaltant à regarder, et ce sentiment éclipse l'idée lancinante selon laquelle Jane n'a pas vraiment de sens en tant que personnage au-delà d'un fossé entre Steve et Ned. C'est la seule chose qui maintient la performance courageuse (Cate Blanchett ! Spunky !) aussi bas sur la liste.
Alors que de nombreux films d'Anderson optent pour des vauriens imparfaits plutôt que pour des méchants, lorsqu'il opte pour des méchants manifestes, ils se présentent soit comme des tyrans (Andrew Wilson dansFusée en bouteille, Lucas Hedges dansRoyaume du lever de lune) ou des brutes. Jopling est définitivement une brute. Dafoe joue le rôle presque entièrement non verbal de présence physique redoutable. SiGrand Budapestest le plus violent des films d'Anderson, en grande partie grâce à Jopling, qui coupe à plusieurs reprises les doigts d'un homme et jette un chat à mort depuis une haute fenêtre, avec des meurtres supplémentaires en plus. Dafoe est une menace ricanante, presque caricaturale, pour convenir à la farce, mais jamais assez pour permettre au public ou aux personnages du film de rire de la menace qu'il présente.
Il est difficile de battre les accusations de tourisme culturel lorsque votre film parle littéralement du tourisme dans la culture d'un autre peuple. MaisDarjeeling's les problèmes en tant que film ne devraient pas compter dans la performance d'Amara Karan. L'actrice anglaise d'origine sri lankaise a fait ses débuts au cinéma dans le rôle de Rita, l'hôtesse du train qui vole des cigarettes et a une brève liaison avec Jack de Jason Schwartzman. La nonchalance avec laquelle elle continue avec Jack pour finir en larmes blasées quand il part est classique d'Anderson.Darjeelingne convient pas à la plupart de ses personnages non blancs, mais dans ses brèves scènes, Karan dessine une femme intrigante et séduisante.
Timothée Chalamet se retrouve plongé dans le grand bain, incarnant un aspirant révolutionnaire qui est plus un symbole qu'un contenu. À son honneur, Chalamet joue sur la laideur de sa jeunesse et décroche certains des moments les plus drôles de ce segment. Il joue le rôle d'intermédiaire dans une confrontation tendue entre Krementz de Frances McDormand et Juliette de Lyna Khoudri en répondant à chacun d'eux, agilement à la marelle autour des loyautés divisées de son personnage pour un effet humoristique.
Si vous vouliez attribuer presque entièrement l'apparition de Tilda Swinton sur cette liste au resplendissant caftan mandarine que Berensen porte lors de sa conférence, il serait difficile de dire que vous vous trompiez. Elle est également sèchement hilarante, car Berensen agrémente son récit de la carrière artistique de Moses Rosenthaler (Benicio Del Toro) d'anecdotes sur ses propres exploits, sexuels et autres. L'affiche académique de Swinton, son quasi-zézaiement et la façon presque espiègle dont elle savoure ses interprétations artistiques sont tous une étude étrange sur l'inspiration du personnage, Rosamond Bernier, bien qu'étant donné qu'il s'agit d'un personnage de Tilda Swinton, une sexualité franche et presque superficielle est omniprésente. . Diapositive suivante !
Edward Norton est tranquillement devenu l'un des interprètes les plus idéaux d'Anderson au cours de la dernière décennie de son œuvre. En tant que voix de Rex, Norton n'a pas beaucoup de poids narratif à supporter, mais en tant que contrepoids le plus utile au chef nihiliste, les intonations déchiqueteuses de Norton donnent le bon ton.
La première fois que Tom Hanks joue dans le bac à sable de Wes Anderson est un succès attachant. Il joue le beau-père d'Augie de Jason Schwartzman, un homme riche qui n'est pas particulièrement chaleureux envers le mari survivant de sa défunte fille. Il n'est pas surprenant que Hanks soit capable de trouver d'autres moyens pour que l'amour de Stanley pour ses quatre petits-enfants – et oui, même Augie – transparaît à travers son extérieur bourru. Il est également gentiment drôle dans une scène où Stanley flirte presque certainement avec Midge de Scarlett Johansson (il connaît son ancien agent, voyez-vous) avant de se rendre compte qu'elle et Augie se regardent par la fenêtre.
Miss Cross est un rôle qui devient de plus en plus difficile pour Olivia Williams à mesure que le récit du film progresse. Au départ, elle est un objet de prédilection pour Max, une tâche simple que Williams accomplit grâce à son charisme et sa beauté innés. Mais ce sont ses sentiments mitigés pour Herman et son impatience croissante face aux absurdités de Max qui mettent le personnage dans une impasse. Au fur et à mesure que le film avance, Williams incarne le Rosemary idéalisé, épuisé et finalement épuisé de devoir parer un Max inapproprié et un Herman déprimé. Williams parvient à maintenir l'agence de Rosemary alors qu'elle est l'objet de la lutte acharnée immature de Max et Herman, ce qui aide à garder cette histoire hors du domaine du cliché.
La performance d'Angélica Huston dansDarjeelingcar la mère quasi-externe des garçons Whitman ne représente que quelques scènes, mais elle en profite certainement au maximum. Patricia est une femme insaisissable qui aime ses fils mais ne veut pas être la femme dont ils ont besoin. Reconnaissant que le gouffre est une chose triste pour elle, Huston tient les gros plans intenses d'Anderson avec une expression à la fois aimante et triste.
Lyna Khoudri, une actrice française algérienne lauréate d'un César, a collaboré pour la première fois avec Anderson surLa dépêche française, jouant aux côtés de Zefirelli de Chalamet dans le rôle de son rival révolutionnaire et de son éventuel intérêt romantique. Elle obtient une scène de confrontation vraiment excellente avec Frances McDormand, une dispute qui se fait passer pour l'affection de Zefirelli mais qui concerne en réalité le territorialisme intergénérationnel. Les yeux de Khoudri évaluent McDormand d'une manière que peu d'acteurs oseraient évaluer un personnage de Frances McDormand et espéreraient s'en sortir avec leur vie. Elle confère à Juliette la confiance mi-formidable mi-brassée de la jeunesse.
Si jamais vous recherchez une performance cinématographique qui représente 90% de posture, ne cherchez pas plus loin que Swinton dans le rôle des services sociaux, qui souffle sur New Penzance juste avant un ouragan et reproche à toutes les figures d'autorité dans son champ de vision de ne pas avoir réussi à rassembler Sam. et Suzy. Anderson aime que ses figures d'autorité soient inflexibles, et les livraisons de Swinton sont chargées d'une compétence impitoyable et juste d'un soupçon de compassion pour les enfants capricieux qu'elle poursuit.
Darjeeling Limitéea été créée à Venise moins de deux semaines après l'annonce de la nouvelle selon laquelle Owen Wilson avait survécu à une tentative de suicide. Cela donne l'impression que sa performance en tant que Francis visiblement blessé (à la suite de blessures subies dans ce que nous découvrons finalement être une tentative de suicide) est quelque chose dont nous devrions nous détourner. Mais Wilson est comme toujours dans sa zone de confort avec Anderson, jouant le dévouement perspicace de Francis envers l'itinéraire du voyage avec sa générosité typique. Le faible désir de Francis d'un élément spirituel dans sa réconciliation avec ses frères est probablement la carte de sortie d'Anderson pour que ce film soit conscient de sa propre superficialité. Wilson est, comme toujours, le vaisseau idéal d'Anderson, à la fois ouvert et faux, impossible à rechigner.
En tant que Dirk, le jeune ami d'école fidèle et pris pour acquis de Max, Mason Gamble a établi le modèle pour tous les personnages enfants de Wes Anderson à venir. L'esprit de corps de Gamble préfigureRoyaume du lever de luneles Scouts kaki de ; son éthique de travail loyale se retrouvera plus tard dansGrand Budapestc'est zéro ; et sa candeur se reflète dans les fils jumeaux de Chaz Tenenbaum. Il ne méritait pas que Max mente à propos des branlettes de la mère de Dirk, c'est sûr.
Les films d'Anderson font souvent un usage habile de la narration, qu'il s'agisse de Courtney B. Vance dansL'île aux chiensou Anjelica Huston dansLa dépêche française. Mais le plus efficace et le plus mémorable fut de loin celui d'Alec Baldwin, racontant les histoires d'échecs presque littéraires qui comprenaientLes Tenenbaum royaux. Le ronronnement rauque de Baldwin prépare le terrain pour les événements du film, avant de revenir de temps en temps avec une perspicacité omnisciente ou une vérité tacite. Les inspirations de F. Scott Fitzgerald derrièreTenenbaumsexigent presque que le film se déroule comme un roman, ce qui rend les contributions de Baldwin nécessaires et appréciées.
Avec une mèche bleue dans les cheveux et un regard perçant pour son ex-mari, Huston incarne Eleanor Zissou avec le plus grand sang-froid. La performance n'est que attitude et yeux plissés, c'est exactement pourquoi vous avez choisi Anjelica Huston.
Il y a un ADN commun entre Julien et Dimitry, celui d'Adrien BrodyHôtel Grand Budapestcaractère, du moins en ce qui concerne leurs attitudes légitimes envers l'art qui ne leur appartient pas. Julien est cependant plus compliqué, oscillant entre ses pulsions capitalistes et humanistes. Brody joue ces virages capricieux en épingle à cheveux pour un effet comique maximal dans ce qui est probablement la plus drôle de ses performances d'Anderson.
Spots de Liev Schreiber ne rejoint réellement le récit que dans la seconde moitié deL'île aux chiens, mais quand il le fait, il a un impact. Il est étonnant qu'Anderson soit allé aussi loin dans sa carrière pour choisir Schreiber, puisque la voix douce de l'acteur convient si bien aux exigences équilibrées d'Anderson. Spots est la loyauté canine personnifiée, et Schreiber exprime le rôle comme un soldat dévoué.
La seule performance de Bryan Cranston à ce jour dans un film de Wes Anderson présente un cas intéressant à évaluer. Du point de vue du tempérament, la prestation de Cranston s'accorde étrangement avec le style d'Anderson, plus conversationnel que archaïque. Mais lorsque Chief, le méchant errant, se voit refuser l'autorisation d'aider sa meute à aider un garçon qui s'est écrasé sur leur île aux ordures, Cranston réussit vraiment. Il vend la résistance en ruine et le passé hanté du chef. Il y a des performances vocales plus drôles dans les films d'animation d'Anderson, mais Cranston mérite le mérite d'avoir fait tant de travail.
La gestion d'Arthur Howitzer Jr. sur le titulaireExpédition françaiseLa publication relie les quatre segments du film d'Anderson de 2021 et donne au film son cœur élégiaque. Après avoir joué dans six des films du réalisateur (plus des apparitions dansDarjeelingetGrand Budapest), Bill Murray est parfaitement en phase avec les rythmes d'Anderson. Murray comprend l'humour et l'humanité dans l'agitation d'Anderson et ne manque jamais de le faire ressortir, une expression de chien battu à la fois. Les brefs moments de Murray à l'écran dans le rôle de Howitzer sont consciencieusement discrets mais significatifs, alors que l'éditeur bien-aimé « dorlote, cajole et protège férocement » ses écrivains.
La première apparition de Brody dans un film d'Anderson est un grand succès. Peter est le plus extérieurement hostile et en même temps le plus reconnaissable des trois frères du film. L'acteur ne s'appuie pas sur la bizarrerie andersonienne, mais il parvient à s'adapter au timing comique d'Owen Wilson et Jason Schwartzman, ce qui n'est pas une tâche facile étant donné à quel point ces deux-là étaient déjà familiers avec les rythmes d'Anderson. Brody décroche également le moment dramatique urgent du film, suscitant une véritable émotion lorsque le film en a désespérément besoin.
Richie Tenenbaum garde ses émotions sous clé plus que quiconqueLes Tenenbaum royaux, ce qui veut vraiment dire quelque chose. Ses sentiments troublants pour sa sœur Margot ne sont exprimés que dans des déclarations neutres et désaffectées, et même sa tentative de suicide est dépeinte de manière plate. C'est un défi pour Luke Wilson de percer avec un tel personnage, et il le fait en armant son triste visage de petit oiseau, et honnêtement, c'est suffisant.
Wallace Wolodarsky est apparu ou a interprété des personnages dans cinq des dix films de Wes Anderson, généralement dans de très petits rôles. Kylie est un véritable personnage majeur, le doux opossum qui finit par devenir le bras droit de M. Fox. La voix de Wolodarsky a une telle qualité de giroflée, adaptée à Kylie, dont les apartés sont à peine reconnus la moitié du temps. Mais qu'il remette en question Foxy ou explique sa ligne de crédit inhabituellement bonne, son effet simple est le film parfait pour le personnage principal du film.
Klaus est le second de Zissou, émotionnellement fragile, un rôle que Dafoe explore avec une réelle exubérance. Il est territorial avec Ned pour attirer l'attention de Zissou. Il est prompt à la colère mais facilement blessé. Les tendances de Dafoe à l'égard des émotions au visage caoutchouteux sont ici exploitées avec beaucoup d'effet.
Bruce Willis a été nominé aux Independent Spirit Awards pour sa tendre performance en tant que capitaine de police de New Penzance. Avec une paire d'yeux tristes et plissés, Willis communique beaucoup sur les sympathies de Sharp pour le pauvre orphelin Sam et la lassitude avec laquelle il le poursuit. Willis n'a pas trop de répliques de rire dans le film, mais il a tout cœur.
La gestion douce d'Etheline Tenenbaum envers ses enfants a donné de meilleurs résultats dans leur enfance teintée de génie que dans leur vie adulte décevante. Mais Huston exprime son inquiétude presque académique à leur égard avec une attention sincère, quoique perplexe. Ses scènes face à Gene Hackman sont encore meilleures. Royal est le seul à pouvoir perturber Etheline, et la façon dont Huston prend vie dans ces scènes donne au film un rare sentiment de spontanéité.
Il y a un côté piquant dans la performance de McDormand dans le rôle de Lucinda Krementz qui se déguise en simple brusquerie. C'est un choix d'acteur intelligent, surtout dans un film de Wes Anderson, où l'on s'attend à de la brusquerie. Krementz est fascinée par les manifestations étudiantes tout en luttant contre son ressentiment face à la naïveté juvénile des étudiants. Il s’agit d’une performance plus complexe qu’il n’y paraît au départ, à la fois plus difficile et plus vulnérable.
Le rôle du jeune lobby boy Zero oblige souvent Revolori – qui avait 17 ans au moment du tournage – à simplement s'accrocher pour sa vie face à l'ouragan de tour de rôle comique de Ralph Fiennes. Mais Revolori profite de ses moments lorsqu'il peut les trouver, maintenant l'éthique de travail enrégimentée de Zero avec des frustrations et des ennuis révolutionnaires (comme lorsque Gustave flirte avec sa bien-aimée Agatha).
À toutes fins utiles, Harvey Keitel dispose d'une scène avec laquelle travailler en tant que Gondo, le chef d'une meute de chiens qui seraient des cannibales. Keitel commence la scène avec un grognement intimidant et la termine dans une mélancolie triste. Entre les deux, le public a le cadeau d’entendre Keitel dire « Fuzzball » et aussi hurler tristement. C'est de loin la meilleure performance du film.
Certaines personnes se sont penchées sur le cas de Wilson quandLa vie aquatiqueest sorti pour ne pas avoir réussi à reproduire de manière crédible un accent du Kentucky. Laissant de côté un instant que la géographie n'est qu'une construction dans un film de Wes Anderson, il semble grossier d'avoir méprisé Wilson pour son travail d'accent alors qu'il livre la performance la plus drôle du film. En tant que Ned, le fils potentiel de Zissou, Wilson franchit la frontière entre le doux et le simple, ce qui convient très bien au récit du film puisqu'il joue sur les appréhensions parentales de Zissou. Lorsque Ned confond avec émotion le klaxon de la barge poubelle avec le chant des baleines à bosse, son accent ne pourrait pas être moins important.
Le récit principal deHôtel Grand Budapestexiste dans une poupée gigogne d'histoires cadres, dont l'une met en scène F. Murray Abraham dans le rôle de Zero adulte se remémorant son histoire avec l'hôtel auprès d'un écrivain, joué par Jude Law. La performance d’Abraham dépasse cependant de loin la fonction de simple narrateur. En contraste avec le ton archaïque et fou de l'histoire de Gustave, Abraham incarne le vieux Zero avec une tristesse romantique pour une époque révolue.Grand Budapestc'est Les ambitions thématiques (parmi elles, le désir d'Anderson de répondre aux tentations de la nostalgie et d'explorer ce à quoi ressemble l'honneur face au fascisme rampant) expliquent en grande partie pourquoi il s'agit du plus grand succès d'Anderson aux Oscars à ce jour, et celui d'Abraham est l'un des plus cruciaux. performances dans le film en ce qui concerne l’histoire qu’Anderson essaie de raconter. Il est difficile d’imaginer quelqu’un de mieux placé qu’Abraham pour incarner cette notion de grandeur mélancolique.
Johansson a déjà exprimé un chien d'exposition dansL'île aux chiens, où elle a donné un air affectueux et conversationnel à ses scènes avec l'égaré irritable de Bryan Cranston qui sonnait parfois plus Linklater que Wes Anderson. Elle est nettement plus rythmiquement andersonienne ici en tant que Midge, l'actrice, et Mercedes, l'actrice qui joue l'actrice. Johansson ne fait pas de grands choix pour différencier ces deux femmes, mais les distinctions sont précises et révélatrices. Elle joue la prudence de Midge avec des phrases coupées et son intérêt pour Augie avec un sourcil sournois levé après qu'il ait si audacieusement pris sa photo. En tant que Mercedes, elle est glaciale et redoutable, bougeant à peine un muscle et communiquant des volumes. Pour un film qui parle suffisamment de technique d'acteur pour qu'il faille un moment pour frapper Stanislavski dans les côtes, Johansson montre à quel point la variété peut exister dans la retenue très imitée d'une performance typique de Wes Anderson.
Même si Ben Stiller a collaboré à l'écran avec Owen Wilson, il n'est apparu que dans un seul film de Wes Anderson. On peut presque comprendre pourquoi dans sonTenenbaumsperformance, qui brise parfois le ton impassible de ses frères et sœurs à l'écran pour des explosions pétulantes plus stilleriennes. Cela fonctionne cependant, d'autant plus que cela mène à la réconciliation touchante de Chas et Royal.
Il n'y a rien de particulièrement Meryl Streep-ian dans ce qu'on demande à Streep de faire en tant que Felicity Fox, l'épouse patiente du personnage principal. Mais le triple lauréat d'un Oscar tire le meilleur parti de chaque lecture de ligne, non pas en allant grand (une quasi-impossibilité dans un film d'Anderson) mais en faisant mijoter les peurs et les ennuis de Felicity à un niveau très bas. Sa prestation de « Si ce que je pense se produit se produit… il vaut mieux que cela ne se produise pas » est l’une des plus grandes livraisons discrètes du dialogue de Wes Anderson.
La première collaboration de Norton avec Wes Anderson l'a vu jouer le chef manuel du Khaki Scout, Randy Ward. Il s'est rapidement révélé être un naturel dans ce monde. Malgré toute sa réputation d'acteur engagé et ennuyeux, Norton se sent si détendu et enjoué avec Anderson. Ward est un scoutmaster à flèche droite, et Norton lit chaque ligne fastidieuse avec un claquement impatient. Mais il est gentil et attentionné à l’intérieur de cette minutie, qui correspond au ton de ce film le plus doux d’Anderson.
La performance de Murray dansRushmorea changé toute la trajectoire de sa carrière jusqu'à ce point, servant de pivot des grandes comédies des années 90 aux rires sinistres des vies d'âge moyen pleines de désespoir tranquille. Cela s’est avéré beaucoup plus amusant qu’il n’y paraissait. Les critiques ont été tellement fascinés par le travail de Murray, le bienfaiteur de Max Fischer devenu rival, qu'ilslui a presque valu une nomination aux Oscarsuniquement par des acclamations. Herman Blume, désillusionné, de Murray est le parfait fleuret pour Max, épuisé mais admiratif du dynamisme de Max. Anderson a contribué à déclencher la renaissance de la carrière de Murray, et en Murray, Anderson a trouvé sa muse la plus durable.
Après des collaborations qui l'ont amené à jouer de vrais enfants (Rushmore,Fantastique M. Fox), des adultes coincés dans des querelles entre adolescents (Darjeeling), les chasseurs (Grand Budapest) et les dirigeants des scouts (Royaume du lever de lune), Augie et Jones se sentent comme les premiers adultes que Schwartzman a joué pour Wes Anderson. CommeVille d'astéroïdesEn tête du film, Augie joue les thèmes les plus lourds du film, à savoir le chagrin du passé et l'incertitude quant à l'avenir. Schwartzman le fait avec une crispation prononcée dans son discours. Il est moins restreint mais plus ouvertement en recherche que Jones, tendrement incertain quant à la façon de donner un sens à cette étrange curiosité d'une pièce. Si des parties, sinon la totalité, deVille d'astéroïdesSi Anderson défend son style méticuleux comme sa propre façon de chercher un sens à l'univers, il y a une douceur dans cette décision de casting. L'adolescent dynamique de Wes est maintenant adulte et mélancolique comme tout le monde.
Eli Cash de Wilson est le bénéficiaire de la réplique la plus drôle deLes Tenenbaum royaux(« Tout le monde sait que Custer est mort à Little Big Horn ; ce que mon livre présuppose, c'est… peut-être qu'il ne l'est pas ? »). Il joue également une gamme d'émotions, de l'amour à la honte en passant par la folie de la mescaline. Wilson met la plupart de son charme horrible de côté pour jouer cet aspirant spatial, décrivant Eli à la place avec un gémissement pitoyable ou un détachement lointain. Il est hilarant, faisant d'Eli le véritable joker du film.
La seule collaboration de George Clooney à ce jour avec Wes Anderson l'a amené à incarner le personnage principal confiant deFantastique M. Fox. Même si les films d'Anderson demandent à ses acteurs d'aplatir leur prestation, sa première incursion dans l'animation stop-motion a considérablement accéléré le rythme, et Clooney suit de près les schémas rapides de son personnage. Le travail de l'acteur avec les frères Coen a perfectionné ses dons pour une confiance insouciante et des plaisanteries rapides, deux qualités que Foxy possède à la pelle. Il gagne des points bonus en faisant lui-même le son du sifflet clic-y caractéristique de Foxy.
Ash Fox est petit. C'est sa caractéristique déterminante. C'est ce qui lui dérange la tête, le met en colère et l'oppose à son cousin Golden Boy, Kristofferson. Schwartzman verse toute l'amertume et la pétulance requises dans Ash, y compris quelques crises de colère très drôles. Tout le respect que je dois à un acteur mature et talentueux, mais Jason Schwartzman se plaintdoncBien. Et il est tout aussi doué pour travailler avec la petitesse vocale d'Ash pour obtenir les moments les plus adorables et finalement héroïques de l'enfant.
Le premier film de Wes Anderson est aussi le moins formellement enrégimenté. Il doit davantage aux styles indépendants des années 90 qu'à ce que nous reconnaissons comme la signature d'Anderson. Dans cet espace, la performance d'Owen Wilson évolue dans deux mondes. Son Dignan, le copain sujet aux problèmes d'Anthony de Luke Wilson, est à bien des égards un classique de Wes Anderson : il est stupide mais confiant ; ses projets sont élaborés dans la conception et les exercices de bouffonnerie dans l'exécution. Wilson – qui décroche le plus d’apparitions sur cette liste avec quatre – joue tout cela avec une couche de charme usée. D'un quart de sourire gêné ou d'un regard penitent baissé, il laisse transparaître la tristesse essentielle de Dignan.
Royaume du lever de lune» demande beaucoup le jeune Jared Gilman dans le rôle de Sam, l'orphelin en colère. Le personnage est hyperlettré, précoce, amoureux mais audacieux dans sa poursuite de Suzy, une paria sociale mais étonnamment redoutable dans une altercation. Gilman comprend tout cela, gazouillant des bouchées de dialogue d'une manière qui échappe au naturalisme mais qui semble toujours appropriée à cet enfant réfléchi au-delà de ses années. Il est aussi très drôle dans son physique disgracieux (il suffit de le regarder danser). Gilman suscite la sympathie du public mais pas notre pitié, offrant au film d'Anderson un héros romantique des plus improbables.
L'inspiration de Roebuck Wright est clairement l'auteur et essayiste James Baldwin, ce qui ressort immédiatement dufaux–Configuration d'interview de Dick Cavett qui encadre sa partie du film. La dextérité de Jeffrey Wright dans sa prestation de ligne est une compétence inestimable pour une performance comme celle-ci. Plus nous avançons dans cette histoire, plus nous voyons la verbosité de Roebuck pour l'armure dont il s'agit. Dans la meilleure scène du film, lorsque Roebuck rencontre Howitzer pour la première fois alors qu'il était emprisonné pour avoir existé alors qu'il était homosexuel, Wright retire cette armure. Avec une larme délicate aux yeux et une tendre expression de gratitude pour la simple décence humaine de Howitzer, il nous montre la vulnérabilité de Roebuck.
Il est étonnant que Gwyneth Paltrow ne soit jamais apparue dans un autre film de Wes Anderson aprèsLes Tenenbaum royaux, ne serait-ce que parce qu'elle a donné l'une des plus grandes performances d'une carrière où elle n'a pas toujours été félicitée pour ses grandes performances. Elle est enfermée dans le rôle de Margot, en phase terminale, peu impressionnée et fumant secrètement dans la baignoire. Elle est la personne la plus renfermée au monde, ce qui constitue un défi d'acteur que Paltrow est plus que prêt à relever, permettant aux détails de son personnage d'apparaître dans de brefs aperçus : un regard nostalgique sur Richie, un ricanement dégoûté lorsqu'elle apprend Eli envoie à sa mère ses coupures de presse, faisant à peine l'amplitude de mouvement nécessaire pour hausser les épaules devant son mari. C'est une symphonie de micro-expressions ennuyées.
Sortant de son caractère découragé dansRushmoreet Raleigh St. Clair, désemparé, dansTenenbaums,Steve Zissou est le Murray le plus classique des personnages pour lesquels il a joué Anderson. C'est un connard plus de la moitié du temps, mais Murray choisit de contrebalancer cela non pas avec un charme libertin (comme il l'a fait d'innombrables fois auparavant) mais avec un courant de regret sous-jacent. Le premier réflexe de Steve est presque toujours de dire quelque chose d'horrible ou de méchant, puis les yeux de Murray projettent le désir de le retirer. Murray éloigne sa performance du style andersonien plus que la plupart des rôles principaux de Wes, ce qui en fait autant un film de Bill Murray qu'autre chose. Par exception à la règle, cela fonctionne plutôt bien.
Max Fischer est le personnage le plus indélébile de la filmographie de Wes Anderson, une créature à la fois admirable et pitoyable dans ses efforts. L'enfant vient de sortir d'une école privée, a dirigé une douzaine de clubs parascolaires ou plus, fait campagne pour que le latin soit ajouté au programme et dirige une production scénique remarquablement détaillée deSerpico. C'est un monstre et une merveille, et Jason Schwartzman n'obtient pas assez de crédit pour avoir esquissé tous les détails ambitieux et lésés de lui. Schwartzman joue tout ce que Max sait, pense savoir ou prétend savoir comme indiscernable les uns des autres, et il applique cette confiance en soi terrifiante à tout, depuis la romance malavisée jusqu'à la société d'astronomie (qu'il a fondée). À bien des égards, Schwartzman a essayé de rabaisser Max tout au long de sa carrière, ce qu'il ne pourra jamais faire parce qu'il était trop bon.
Gene Hackman était notoirement désagréable sur le tournage deLes Tenenbaum royaux, et Anderson a parlé d'être intimidé par le double oscarisé. Ce qui rend d'autant plus miraculeux que la performance que Hackman donne à l'écran en tant que patriarche mauvais payeur Royal Tenenbaum est si adaptée au style d'Anderson. Hackman est le moins blasé de sa famille à l'écran, mais il parvient toujours à utiliser l'euphémisme comme une arme (« J'ai un assez grave cas de cancer ») au milieu de ses déclarations les plus fanfaronnes. Royal est un scélérat, mais Hackman trouve son chemin vers des moments vraiment charmants : taquiner d'un air enfantin Etheline d'Anjelica Huston à propos du bon vieux temps ou consoler tranquillement Chas à propos de son année vraiment difficile. Il est aussi tout simplement le plus drôle qui ait jamais été dans un film de Wes Anderson, qu'il reproche à Pagoda de lui avoir encore une fois enfoncé un couteau ou qu'il baise le cul avec ses petits-fils à travers l'univers miroir d'Anderson dans les quartiers chics de New York.
Pour tous les types de personnages qui se chevauchent et les artistes récurrents avec plusieurs placements sur la liste, nous arrivons à une performance n°1 qui n'a vraiment pas d'équivalent. L'énergie farfelue qu'apporte Ralph Fiennes àHôtel Grand Budapestest inégalé dans la filmographie de Wes Anderson. La formalité fastidieuse de Monsieur Gustave H. coexiste avec sa vulgarité terre-à-terre, une combinaison que Fiennes maîtrise avec une précision étonnante. Il imprègne la prestation incroyablement rapide de Gustave avec une telle dextérité que le public ne manque de rien tout en restant légèrement étourdi. Comme beaucoup de protagonistes d'Anderson, Gustave est un réprouvé de premier ordre, qui courtise les vieilles dames pour leur fortune et autres. Fiennes expose ce côté de lui sans excuses, ce qui ne fait que rendre son côté galant encore plus authentique. C'est une performance qui rassemble tous les éléments de notre petite rubrique pointilleuse : les livraisons en ligne de Fiennes sont parfaitement discrètes ; ses manières donnent à Gustave l'indice parfait d'une prétention effrénée ; sa comédie physique (il faut étudier sa façon de courir) est un don ; et dans ses moments les plus sincères avec Zero, il adopte le regret triste d'un homme, selon les mots d'un autre personnage du film, dont le monde avait disparu bien avant qu'il n'y entre.
La meilleure performance de Jeff Goldblum dans un film de Wes Anderson est celle de Goldblum dans le rôle de l'adjoint Vilmos Kovacs dansHôtel Grand Budapest. Il a un petit plus à faire dans ce film en tant qu'avocat et exécuteur testamentaire, ce qui met en mouvement l'intrigue principale du film. Kovacs a une scène en particulier, face au futur héritier d'Adrien Brody, où Goldblum se débarrasse de son bégaiement caractéristique et défend ses principes.
