Steven Soderbergh ne peut pas quitter Magic Mike

Steven Soderbergh sur le tournage deLa dernière danse de Magic Mike.Photo : Claudette Barius

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Filmographie de Steven Soderberghregorge d'histoires de professionnels mécontents qui annoncent qu'ils sont définitivement exclus du travail qu'ils occupaient auparavant, mais réintègrent instantanément leur domaine lorsqu'on leur propose un défi trop alléchant pour le laisser passer. Les nombreuses photos de braquage de Soderbergh (leL'océantrilogienotamment) sont des exemples évidents, mais le meilleur est peut-être les chroniques de Mike Lane, le maître effacé du bump-and-grind de Channing Tatum qui ne peut s'empêcher de quitter la scène. Dans le troisième volet de la franchise,La dernière danse de Magic Mike,il est de retour sous les feux de la rampe après l'avoir quitté dramatiquement, cette fois à Londres, où il chorégraphie et joue dans une revue théâtrale financée par sa belle amoureuse (interprétée par Salma Hayek, qui, oui, danse avec Tatum dans deux numéros) .

Ni Tatum ni Soderbergh n'avaient l'intention de revenir sur le sujet.Mike magiqueunivers après la suite de 2016,Magic Mike XXL, sur lequel Soderbergh a été producteur, directeur de la photographie, caméraman principal et monteur (il a laissé les fonctions de réalisateur à son producteur de longue date Gregory Jacobs). Mais le public voulait un rappel. Soderbergh et Jacobs ont donc commencé à développer unMike magiqueSpectacle de Broadway sur les premières années du personnage, qu'ils ont interrompuen 2019après le départ de membres clés de l’équipe en raison de « différences créatives ». Pendant ce temps, Tatum et son co-chorégraphe et partenaire de danse habituel,Alison Faulk, avait développé un spectacle de style revue (sans histoire ni chant, juste de la danse),Magic Mike en direct, inspiré de la finale du deuxième film, dans lequel Mike et les gars interprètent des numéros thématiques lors d'une convention de strip-teaseuses. Leur revue a ouvert ses portes au Sahara Hotel and Casino de Las Vegas en 2017 et a fait sensation instantanément ; en 2018, unversion réviséea fait ses débuts à Leicester Square à Londres. C'est là que Soderbergh a vu la production et « était tellement stupéfait que j'ai eu envie de me concentrer sur ce qu'ils avaient fait », explique-t-il.

Le résultat est une collaboration entre Soderbergh, Tatum et le scénariste Reid Carolin qui fictionnalise l'histoire d'origine d'une série qui existe réellement dans la vraie vie. Soderbergh, après avoir annoncé qu'il mettait fin à sa propre carrière de metteur en scène de longs métrages de théâtreen 2011afin de se concentrer sur la peinture et le travail hors cinéma – pour ensuite réaliser plusieurs autres films tout en « se préparant » à prendre sa retraite et, finalement, àdiriger, produire, monter et tourner les 20 épisodesde CinemaxLe Knick —est revenu au fauteuil du réalisateur pourDernière danse,et il est également directeur de la photographie et caméraman principal (sous le pseudonyme de Peter Andrews) et monteur (sous le nom de Mary Ann Bernard). Pourquoi a-t-il décidé de renoncer à une partie du show business qu’il n’a jamais vraiment abandonné ?Je lui ai déjà posé cette question, et nous en avons reparlé lors d'une conversation avant la sortie de son dernier film. MaisDernière dansey répond avec une acuité méta-textuelle : lorsque nous rencontrons Mike, son entreprise de meubles a été détruite par la pandémie et il jure au Max de Hayek qu'il en a fini avec la danse érotique ; deux minutes plus tard, il tourne autour d'elle et accepte de se produire dans son théâtre londonien. L’action est simplement là où se trouve l’action.

Qu'est-ce qui t'a donné envie de revenirMike magiqueune fois de plus?
Celui-ci est une combinaison de tout ce que nous avons essayé d'intégrer dans ces films et, en même temps, une extension. C'est la première fois que Mike est réellement en couple pendant le tournage du film, ce qui était, je pense, une évolution nécessaire pour le personnage. Mais c'est aussi, pour moi, ce que je préfère —un film de processus.

C’est-à-dire un film sur le processus réel de faire une chose.
Droite. Ce qui a été le plus excitant pour moi après avoir vule spectacle live dans sa forme définitiveétait l'idée de faire un film sur la façon dont Channing a imaginé cette série. Cela semble stupide de dire que j’ai été surpris de voir à quel point c’était bon. Après l'avoir vu à Londres, j'ai téléphoné ce soir-là et j'ai dit à tout le monde ce que je voulais faire, ce qui signifiait mettre de côtéleMike magiqueSpectacle de Broadwayque nous développions depuis un bon moment. C'était donc un gros appel téléphonique.

Je veux juste m'assurer d'avoir bien compris : ce film a été construit autour du spectacle live préexistant ?
Ouais. Si Channing, Reid et l'équipe chorégraphique n'avaient pas créé le spectacle live, le film n'existerait pas. Il n’y avait aucune raison impérieuse de faire un troisième film avant cela.

Je pense que c'est une période très intéressante pour avoir des conversations sur ce qu'est le désir, ce qu'est le fantasme, quelle est la différence entre la sexualité et la sensualité. Certes, j’ai l’impression que les films américains sont devenus un peu bizarres à propos du sexe. Il n'a pas disparu, mais il est traité d'une manière tellement étrange ! Soit c'est explicite mais plutôt clinique, soit c'est simplement évité. Je veux dire, je suis excité à l'idée que les gens voient le film et, huit minutes plus tard, regardent cette séquence entre Channing et Salma qui implique une activité dans laquelle on ne voit pas très souvent des stars de cinéma.

La façon dont c'est présenté est intéressante car il s'agit d'une « routine de danse ». Ils sont tous les deux habillés, mais ils font l'amour dans diverses positions. C'est une sorte de clin d'œil taquin et joyeux à la façon dont les scènes de sexe étaient réalisées à l'époque où les films grand public comportaient des scènes de sexe.
Je me souviens d'avoir été à Miami, d'avoir regardé Channing et Alison Faulk, la chorégraphe, suivre le rythme de cette scène. J'étais sur le point de partir pour repérer un lieu et Salma était sur le point de commencer à répéter avec Channing. Alors que je franchissais la porte, j'ai dit : « Il n'y a aucun univers où Salma va faire tout ça. » Et quand je suis revenu, Salma m'a dit : « Non, non, non, non ! Allons plus loin ! Je veux le verrouiller et le plier ! Je veux faire toutes ces autres choses ! » Je pensais,D'accord! Faisons-le!

Donc le numéro est noté R au départ, et quand Salma Hayek s'en mêle, il devient NC-17 ?
Ouais. Elle avait l'impression,Si nous sommes ici, allonsfaireil. Il y a tellement d'elle dans le film parce que nous avons construit ces scènes sur la base de conversations que nous avions avec elle. Les scènes où elle débat ou met Mike au défi de faire quelque chose de meilleur : ce sont toutes des conversations que nous avons eues avec Salma dans lesquelles elle nous mettait au défi d'améliorer le film. Il y a une grande scène de dispute entre eux sur la question de savoir si la performance de « Suavemente » devrait être dans la série : « Vous n'avez pas de point culminant ! » - et ils s'y mettent vraiment. C'est ce que ça fait d'avoir une conversation créative avec Salma. C'est si intense ! Vous devez vous mettre à son niveau. Elle est si intelligente et si rapide que si vous ne parvenez pas à la suivre, elle vous écrasera dessus.

Je veux parler un peu des angoisses de classe inhérentes au film, qui sont présentes même lorsque les personnages ne s'y adressent pas directement.
J'ai toujours été intéressé par ce que font les gens pour gagner leur vie. Comment gagnent-ils de l’argent ? Comment paient-ils le loyer ? Et cela a toujours été au cœur de ces films : les tentatives de Mike de gagner sa vie tout en découvrant dans quoi il est bon. J'ai aimé l'idée que Max soit riche et que Mike, vous savez, doive comprendre ce que signifie être avec quelqu'un qui est aussi aisé. Il n'a jamais été avec quelqu'un pour qui la provenance de l'argent n'est pas un problème.

Vos parents appartenaient à la classe moyenne, n'est-ce pas ?
Ouais. Mon père était professeur d'université, mais il avait six enfants. L’une des meilleures choses que j’ai héritées de mes parents était le manque d’intérêt pour l’argent. L’argent ne leur importait pas vraiment. Il n'y en avait pas beaucoup, les choses étaient serrées, mais on n'en parlait jamais comme ayant une signification au-delà de sa capacité à payer votre loyer et vos factures. Je pense que Mike partage cette attitude. Il a du mal à gagner sa vie, c'est son problème. Littéralement, il dit :Comment puis-je gagner de l’argent pour pouvoir payer mon loyer et manger ?C'est tellement central dans nos vies à tous. Pour moi, c'est toujours au premier plan lorsque je commence à penser aux personnages :Que font-ils,en fait? Quel est leur travail ?Ou s'ils n'ont pas de travail,De quoi s'agit-il ?L'endroit où je pense toujours quand je vois un film qui se déroule dans un univers comme celui de Marvel est :D'accord, sont-ils payés ? Un chèque arrive-t-il tous les jeudis ? Qui les paie ? Combien ça coûte de vivre sur ce bateau ?

Salma Hayek et Steven Soderbergh sur le tournage deLa dernière danse de Magic Mike.Photo : Claudette Barius

Quelles ont été vos inspirations cinématographiques sur ce film ? Vous vous concentrez généralement sur les influences du réalisateur pour chaque projet et elles deviennent des ingrédients clés.
Les trois cinéastes auxquels je pensais en faisant celui-ci étaient Ernst Lubitsch, Bernardo Bertolucci et Lina Wertmüller. Ce sont mes trois types de références, car Max me semblait être un personnage sorti d'un film de Lina Wertmüller. C'est le genre d'énergie et de liberté que je voulais obtenir d'elle.

Où Lubitsch entre-t-il en jeu ?
Lubitsch est destiné aux complications et aux personnages de la comédie hollywoodienne classique. C'est là que Victor (le majordome de Max) et Zadie (la fille adolescente de Max) ont été créés, à partir de Reid et moi qui regardions et parlions des films de Lubitsch des années 30. Toute cette configuration et leurs attitudes sont tout droit sorties d'un de ces films.

Et puis Bertolucci pour le mouvement, le langage visuel du film. Je voulais ce genre de fluidité avec la caméra dont il était vraiment — je ne dirais pas qu'il était un pionnier, mais lorsqu'il s'est mis en collaboration avec Vittorio Storaro et a déplacé la caméra de la même manière qu'il l'a déplacée, en particulier dansLe conformiste, c'était quelque chose que je cherchais à maîtriser.

Le motvoluptueuxme vient toujours à l’esprit quand je pense à Bertolucci. Il y a de tout en abondance.
Ça me manque quand c'est… je ne sais pas sicontrôléest le bon mot ? Mais quand c'est cohérent, quand il y a une grammaire globale qui est utilisée et qu'elle n'est pas juste,Oh, je peux lancer la caméra. Je peux lui faire faire tout ce que je veux. Il y a un but dans le mouvement.

Qu’est-ce qui entre en ligne de compte dans le choix du tournage d’une de vos scènes de danse ?
Dans la danse d'ouverture, je voulais que cette première séquence se déroule à ce moment précis de la journée où vous êtes dans une heure magique et où elle commence à se propager dans la nuit, ce qui signifiait que nous devions la tourner en morceaux sur trois jours. Notre fenêtre chaque jour durait environ 45 minutes. Je ne pouvais faire que deux ou trois prises de chaque angle parce que la lumière tombait et ne correspondait pas à ce qui avait été fait auparavant. Cela signifiait que les plans devaient être plus longs et que je devais le faire en moins de coupes que je ne le ferais normalement.

Et la danse avec toute la pluie qui tombe sur scène ?
Il n'y a que deux scènes du film qui sont filmées à la main : l'extérieur du théâtre sous la pluie lorsque Salma lui dit : « J'arrête le spectacle, c'est fini », et puis, à dessein, la danse de l'eau. Dans mon esprit, ces deux choses sont thématiquement liées. Ce sont des serre-livres. Il crée une danse à partir de l'idée de cette scène avec Salma sous la pluie devant le théâtre. J’ai donc toujours su que les deux allaient être réalisés à la main.

Comme vous pouvez l'imaginer, Channing et sa partenaire dans cette scène, Kylie Shea, ont passé des semaines sur cette routine. Cette merde est difficile à faire quand c'estsec.Il la soulève et la jette partout, et c'est putainmouillé! Vous pouvez tomber et quelqu’un peut être gravement blessé. Ils ont répété dans l’eau pendant des semaines et des semaines pour y parvenir. Quand ça commence à devenir vraiment très fou et intime, c'est à ce moment-là que j'ai décidé sur-le-champ,Okay, je dois vraiment y aller. Nous avions ce tout petit siège avec des dessous de verre, comme cinq jeux de roues au bas. Je me déplaçais sur scène, autour d'eux, avec la caméra. Je les poursuivais juste.

Êtes-vous assis ?
Je suis assis et j'ai la caméra juste au-dessus du sol, et je me pousse partout avec ce siège à roulettes. Je voulais que ça se sente...négligentn'est pas le bon mot, maisrugueux. Je ne visais pas une sorte de composition ou de mouvement typique et classique. Je voulais quelque chose de spontané.

Et soyons clairs : je n'ai pas beaucoup de prises. Ils ne peuvent pas faire cette connerie à plusieurs reprises toute la journée. J'ai dit à Chan ce matin-là : « C'est Omaha Beach. On y va." Le tournage de l'intégralité de la danse aquatique, de l'introduction à la conclusion, a duré dix heures. Et vous savez, nous nous en sommes sortis et personne n’a été blessé.

La danse de l’eau est le moment qui m’a fait souhaiter que le film soit en IMAX.
Eh bien, nous avons certains de ces écrans ! De plus, je n'ai pas donné suite, mais j'ai eu cette idée : je voulais créer un logo pour les projections IMAX avec une carte de marque qui dit : « Photographié en GUYMAX ».

C'est dommage, à mon avis, que les films américains n'aient pas de place pour que Channing Tatum puisse danser tout le temps.
Je pense que si vous lui demandiez, il vous dirait qu'il a tout laissé sur le terrain. L'une des raisons pour lesquelles il voulait faire celui-ci et en était enthousiasmé était de pouvoir dire : « D'accord, c'est probablement la dernière fois que je vais le faire, donc je veux m'assurer de vraiment faire quelque chose de mémorable. »

Lemoment de danse aquatique.Photo : Warner Bros.

Combien de tournages avez-vous personnellement réalisé sur ce film ?
La seule fois où je n'utiliserais pas la caméra, c'était si nous avions un plan si élaboré qu'il nécessitait une tête télécommandée, ce qui signifierait une tête à engrenages avec roues, ce que je ne peux pas bien faire. Lorsque nous faisions des trucs de danse, nous avions généralement plusieurs caméras en marche – au moins deux, parfois trois.

Je suis conscient que ce genre de choses va être jugé et comparé à d'autres films comportant des séquences musicales. Je lisais ces biographies de Bob Fosse pendant que nous étions en préparation, et pour entendre les descriptions de la durée pendant laquelle ils tournaient certaines de ces séquences dans certains de ces films, j'ai pensé :Oh wow, ce serait bien d'avoir une semaine pour tourner une séquence. Mais alors, en même temps, je ne sais pas ! Mon métabolisme n’est pas vraiment construit pour ça. Travailler sur une chose pendant sept ou huit jours ? Ce ne serait pas amusant pour moi.

Dans ton cœur, je me demande si tu n'es pas caméraman ? Vous aimez capturer des instants et cette sensation d’immédiateté vous semble très importante.
Il y a plusieurs raisons pour lesquelles j’ai commencé à travailler comme mon propre directeur de la photographie, et rien de tout cela n’a à voir avec mon talent. Cela avait à voir avec mon expérience sur le plateau. Je voulais une relation plus intime avec le casting. Je voulais contrôler l’élan du décor et la rapidité avec laquelle nous avancions, point final. Je voulais contrôler ça. Je n’aimais pas abandonner ou partager ce contrôle avec quelqu’un d’autre. J'étais prêt à accepter le fait que mon talent dans ce domaine ait un plafond afin de gagner cet élan et d'établir une relation plus étroite avec le casting. J'abandonne donc le fait que je ne suis ni Roger Deakins ni Emmanuel Lubezki.

Si vous ne pouvez pas être Roger Deakins, être Albert Maysles n'est pas un mauvais compromis.
Pas du tout! Et en fin de compte, cela aide à atteindre quelque chose qui, à mon avis, compte vraiment plus pour le public que l'éclairage - qui est le casting, la performance, ce qu'ils pensent des gens qu'ils regardent à l'écran.

C'est pourquoi toutes ces discussions sur le support de capture ne sont en fin de compte pas pertinentes. Jorge Luis Borges a décrit quelque chose comme « deux hommes chauves se battant pour un peigne ». Tout ce qui intéresse le public, c'est l'histoire et les personnages. Ils ne se soucient pas de la raison sur laquelle vous avez tiré ; ils veulent juste une histoire et des personnages qu'ils aiment. Et donc chaque étape de mon processus, alors que je continue d'essayer de l'optimiser, consiste à créer un environnement dans lequel la scène et les performances semblent vivantes et comme si elles se déroulaient devant vous. C'est mon objectif ultime.

L'un de mes moments préférés dans chacun de vos films est le gros plan d'Andie MacDowell dansSexe, mensonges et vidéooù elle découvre avec qui son mari couche. Elle regarde une boucle d'oreille qu'elle a aspirée sur le sol de la chambre et se rend peu à peu compte qu'elle appartient à sa sœur. Vous avez réalisé ce gros plan pendant la post-production parce que vous vous êtes rendu compte au montage que tous les plans que vous aviez étaient trop éloignés. Est-ce que l'un de vos points à retenir est que si vous vous assurez de faire beaucoup de gros plans sur les gens qui réfléchissent, vous pouvez vous sortir de beaucoup de problèmes lors du montage ?
Oh, absolument. On ne penserait pas qu'un gros plan de quelqu'un qui réfléchit aurait un tel pouvoir parce que, en théorie, c'est statique. Mais oui, l’une de mes activités préférées est d’avoir une caméra près du visage de quelqu’un alors qu’un sou tombe.

Mais une autre chose que j'aime faire, c'est regarder l'idée de quelqu'un évoluer au fur et à mesure qu'ilmobile. Vous pouvez probablement rassembler une demi-douzaine de plans différents de personnages dans mes films commençant à comprendre quelque chose pendant qu'ils sont en mouvement – ​​et à mesure qu'ils le comprennent, augmentant la vitesse à laquelle ils se déplacent. C'est le cliché de Julia dans le premierL'océanfilm réalisant que George est peut-être encore quelque part sur la propriété du casino et qu'elle doit le retrouver. Ou Marion Cotillard dansContagionlorsqu'elle se rend compte que les personnes avec qui elle passait du temps ont reçu des placebos et non de vrais vaccins.

Tu me fais penser à l'ouverture deHors de vue, après que George Clooney ait quitté la banque et que vous voyez sa colère monter et qu'il jette son attache. C'est un concombre tellement cool quand vous le rencontrez pour la première fois, et quelques minutes plus tard, il le perd complètement.
Droite! J'essaie de ne pas imposer ces choses, mais quand elles se développent de manière organique, je les accepte. Je n'ai jamais eu l'impression,Oh, tu as déjà fait ça. Tu ne devrais pas refaire ça. J'ai l'impression,Eh bien, si c'est ce dont il a besoin, c'est ce dont il a besoin.Vous devez simplement servir le spectateur, faire valoir votre point de vue et passer à autre chose.

Comment votre approche de cette mission a-t-elle évolué au fil des décennies ?
J'essaie toujours de ramener les choses au minimum. Je pars d'un endroit de,Combien de clichés cela nécessite-t-il ?Assez vite, on arrive àtrèspeu. Parfois, rarement, c'est un. J'essaie de le voir comme une sorte de dessin au trait japonais. Comme,Avec combien de traits puis-je créer une image ?

Quand je regarde des réalisateurs obsédés par le fait de faire chaque scène en un seul plan, je pense :Je te vois essayer de mettre des choses dans cette même petite boîte, et la moitié du temps, tu n'arrives même pas à fermer le couvercle.Pourquoi voudriez-vous faire ça ?
Eh bien, la question que vous devez vous poser dans ces situations est la suivante :Pourquoi est-il préférable de le faire d’un seul coup au lieu d’utiliser l’outil le plus puissant jamais créé dans n’importe quelle forme d’art ?

Ce qui est en train d'éditer.

La coupe.
Lecouper.

Vous racontez beaucoup de blagues avec des coupures. L'un des classiques — vous l'avez fait beaucoup et cela ne manque jamais de faire rire — est « Non, non, non, non, non, non ! Il n'y a aucune chance que je fasse ça ! Plan sur : ils le font.
Pour moi, c'est l'équivalent d'une prise de crachat. Un crachat pour moi est toujours drôle, et j'aurais aimé en avoir plus dans ma filmographie.

Salma Hayek et Channing Tatum dans une de leurs scènes de danse.Photo : Warner Bros.

Pourquoi ajouter une narration ? L'autreMike magiqueles films n'en ont pas.
Reid et moi avons vraiment aimé l'idée que Zadie raconte le film et connaisse ces deux personnages mieux qu'eux-mêmes, même si elle a 16 ans. Mais il y a eu beaucoup de discussions pour savoir si le film en avait besoin. Il y a eu quelques expérimentations avec « Et si Victor était le narrateur ? et "Et si VictoretZadie étaient toutes les deux les narratrices ? Nous avons essayé beaucoup de choses différentes avant de revenir à l’idée originale. Avant, il y en avait davantage, puis nous avons un peu reculé. Mais c’était comme si l’univers du film avait besoin de cette note.

C’était aussi, de manière très nue, l’occasion d’exprimer certaines choses que je voulais vraiment que le film exprime, comme la phrase « La danse ne dit rien quant à son désir ». Je voulais que quelqu'un dise ça à voix haute. C'était important pour moi. Il y a très peu de choses dans ce monde qui ont ce genre de pureté et de clarté, et je pense que c'est l'une des raisons pour lesquelles la danse est si joyeuse. C’était l’attrait de faire ce film. Ce n’est pas souvent que vous êtes capable de faire cela avec quelque chose qui ne semble pas ringard ou écoeurant.

J'ai écrit quelques lignes deLa dernière danse de Magic Mikeil semble qu'ils puissent signifier quelque chose pour vous au-delà de leur fonction dans l'intrigue du film. Je veux vous les lire maintenant et connaître vos réactions. Le premier vient de la scène du déjeuner, où on demande à Mike : « Quels sont vos projets pour l'acte trois ? Et il regarde fixement et dit :
"Nous allons en avoir un!"

Qu’est-ce qui rend cette scène drôle ?
C'est la version turbo d'être complètement perdu sur le plan créatif, de se sentir absolument dépassé et mal préparé. Quand je tourne, je rêve chaque nuit de tourner – et ça se passe toujours mal. Les choses sonttoujoursça va mal. La scène du déjeuner, c'est ça. C'est un cauchemar. Channing dans cette scène est ce que je ressens lorsque je rêve de travail la nuit, c'est-à-dire que tout va mal et que je ne suis pas préparé. Channing est doué pour incarner quelqu'un qui n'est pas tout à fait préparé à ce qu'on lui demande de faire. Il éprouve une forme particulière de panique et d'incrédulité face à ce qu'on lui demande, ce qui est très drôle. C'est amusant de le voir se débattre.

Il ressemble à Matthew Broderick dans le corps de Burt Lancaster.
Il y a quelque chose qui est ressorti des conversations avec Salma et qui m'a vraiment plu lorsqu'il enseigne à l'un des danseurs. Il dit : « D'accord, Harry, essaie de faire un tour de danse. » Et Harry fait ces mouvements. Channing ajoute : "Tous ces mouvements sont géniaux, mais tu dois garder le lien avec elle et ça doit être plus personnel." Et Channing fait exactement les mêmes mouvements que lui mais en mieux. Il le fait simplement mieux. Il estmieuxà cela.

Ce que j'ai aimé dans cette scène, c'est que lorsque vous la regardez, vous avez l'impression que Channing gagne. Et puis Salma sort du public, arrête tout et dit : « Vous avez cet espace incroyable, et vous avez quelqu'un coincé sur une chaise. Pourquoi ne le rendez-vous pas plus large ? » Elle détruit complètement ce qu'il vient de faire. Et elle a raison !

Et vous pouvez voir à cette expression qu'il sait qu'elle a raison.
C'est comme ça que les problèmes se résolvent. Il ne fait pas toujours beau. Il faut parfois entendre des choses que l'on ne veut pas entendre.

La prochaine ligne sur laquelle je veux connaître votre réaction est celle de Max qui déclare : « Cette émission n'a pas pour but de se faire prendre. Seulement."
Oh, elle a écrasé ça ! Il y a une micro-pause là-dedans qui dit que si vous ne réussissez pas, ce n'est pas drôle.

Comment cette phrase résonne-t-elle en vous en tant qu’artiste ?
C'est drôle parce que c'est vrai pour la série dont elle parle, et c'est vrai pour le film dans lequel elle joue. Cela fonctionne à plusieurs niveaux différents si vous l'exécutez aussi bien qu'elle. Nous ne voulions pas faire un clin d’œil au public, vous voyez ce que je veux dire ? Nous ne voulions pas prendre une pose ironique ou faire une méta à ce sujet parce que je ne voulais pas que les gens marchent.dehorsdu film.

La phrase qui m'a vraiment frappé était "Il n'y a absolument rien de plus sexy qu'un corps en mouvement." Cette affirmation s’applique, dans une certaine mesure, à tous les films que vous avez réalisés. Vous aimez photographier des gens, des corps, des visages. Les visages sont également en action.
C'est ce que je vois quand j'imagine quelque chose. Si je lis quelque chose qui me passionne ou si j'imagine quelque chose à partir de zéro, je vois des visages. Je ne vois pas de lieux, je ne vois pas des masses d'éléments coordonnés, je vois ceci : [Tient les deux mains horizontalement devant son visage – une au milieu du front, l’autre sous le menton.] Un visage avec un certain type d’expression.

Je n'arrive pas avec des coups. j'ai besoin devoiril. J'ai besoin d'être sur le plateau, et j'ai besoin d'avoir des gens là-bas, et j'ai besoin de résoudre le blocage. C'est un manque d'imagination de ma part, que je ne peux pas décider comment je veux le mettre en scène avant de l'avoir vu. J'en sais assez pour pouvoir dire au service des transports où garer les camions, mais je ne suis pas doué pour imaginer les choses à l'avance.

L'autre possibilité est que vous ne vouliez pas vous laisser enfermer par les idées préconçues que vous avez apportées au tournage.
Je suis sûr que les gens apprécieraient davantage d'avoir une idée de ce que nous allons faire. Cela peut être frustrant pour les personnes travaillant sur la production. Mais j'hésite vraiment à déterminer quoi que ce soit avant même d'avoir vu où les gens vont se situer. je doisvoiret je le veux toujours, si j'ai l'impression de heurter quelque chose, soit je m'arrête, soit je le déchire. Chaque scène doit se frayer un chemin dans le projet. En ce qui me concerne, la scène ferait mieux de me prouver qu'elle doit être là.

Vous avez plaisanté en disant que le côté physique de votre style de réalisation était le « CrossFit de réalisateur ». Je t'ai vu faire ce qui ressemble à des poses de yoga pour obtenir la photo que tu voulais. Combien de temps peux-tu continuer comme ça ?
C'est ce que je me suis demandé. J'essaie d'imaginer si je pourrais supporter d'être John Huston réalisantLes mortsd'un fauteuil roulant avec un masque à oxygène attaché à mon visage. Est-ce que cela me ferait toujours plaisir ? Je suppose que je ne le saurai pas tant que je n'y serai pas confronté.

Je pense que la question la plus difficile est de maintenir l’amour du métier et du médium. Combien de temps puis-je aimer ce que je fais au point de vouloir me lever chaque jour et continuer à le faire ? Est-ce qu'à un moment donné, j'aurai l'impression d'être à court d'idées ? Je n'ai pas le gène de la grandeur. En ce qui me concerne, je n'ai jamais réalisé quoi que ce soit qui puisse amener quelqu'un à dire : « Je ne peux pas faire ça », comme je le fais quand je regarde quelque chose commeVenez voir. Cela nécessite une façon de penser non seulement au monde mais aussi à soi-même en tant qu'artiste que je n'ai pas. Je suis plus terrestre. Je n'ai pas la capacité de faireApocalypse maintenant. Ce dont je suis capable, c'est tout un ensemble de travaux que quelqu'un pourrait regarder et dire : « D'accord, c'est difficile. C'est délicat d'en faire autant tout en gardant un niveau de qualité constant. C'est le mieux que je puisse espérer.