Après tout, le Festival du film de New York reste un merveilleux phare au milieu de la folie des festivals et de la saison des récompenses d'automne. Sa taille est restée raisonnable. Il n'a pas essayé de se transformer en une première mondiale et une vitrine à la mode pour les Oscars, même s'il a certainement sa part de premières à gros prix et de titres fastueux. Il se donne toujours le luxe de pouvoir choisir parmi les meilleurs films de l’année de Cannes, Sundance, Venise et Toronto – aussi obscurs, stimulants ou controversés que ces films puissent être. En conséquence, le festival continue d'être le genre d'endroit où des artistes comme Lee Chang-dong et Yorgos Lanthimos sont traités comme des héros conquérants, et non comme des randonneurs. Même si tout autour de l’industrie – production, exposition, distribution, réception – a changé, le NYFF est resté fidèle à ses racines et à sa mission. Pour le dire autrement : il diffuse à nouveau des films incroyables, et voici quelques-uns des meilleurs que nous avons hâte de voir (pour la première fois ou à nouveau).
La ballade de Buster Scruggs
Le dernier projet des frères Coen était censé être une série limitée pour Netflix, jusqu'à ce qu'il apparaisse au programme du Festival du film de Venise de cette année sous la forme d'un film de deux heures et demie. Le format omnibus est divisé en six récits frontaliers distincts, en commençant par l'histoire du cow-boy chantant homicide titulaire, et en laissant le nombre de cadavres s'accumuler à partir de là. Les deux premiers chapitres sont aussi sombrement hilarants que tout ce que les Coens ont produit, mais les choses glissent vers la somnolence et la répétition à mesure que la deuxième heure avance. Cela empêchera-t-il un film des Coen Brothers d'être l'un des billets les plus chauds du NYFF ? Absolument pas.
Le favori
Yorgos Lanthimos revient après un sombre détour l'année dernièreLe meurtre d'un cerf sacréavec peut-être la chose la plus proche que nous aurons jamais du « grand public » de sa part. Et pourtantLe favori,avec son scénario ironique et juteux et son trio principal de premier ordre, est toujours très étrange dans sa représentation des excès et des absurdités de la cour de la reine Anne au XVIIIe siècle. Olivia Colman, dans le rôle de Sa Majesté, a remporté le prix de la meilleure actrice après la première mondiale du film à Venise, et elle est au cœur du triangle amoureux méchant, cruel et finalement vulnérable qui alimente la guerre courtoise scandaleuse de Lanthimos.
Rome
Le mot « chef-d'œuvre » a commencé à circuler dès que l'opus d'Alfonso Cuarón a commencé à se dérouler à Venise cette année, et est devenu plus fort après sa première à Toronto quelques jours plus tard.Romearrive pour sa première américaine au NYFF avec une énorme réputation qui le précède, et les New-Yorkais pourraient être surpris qu'un film aussi discret et patient au départ ait mérité toutes ces éloges. Mais le film, qui suit une jeune nounou travaillant pour une famille mexicaine de la classe moyenne supérieure – étroitement basée sur celle de Cuarón – ne fait que grandir et grandir au fur et à mesure, et contient certaines des narrations les plus ambitieuses techniquement et émotionnellement les plus profondes du réalisateur. jamais tenté. Pendant que Netflix se demande si et dans quelle mesure il faudra sortir le film en salles, faites tous les efforts possibles pour voir celui-ci sur grand écran.
Non-fiction
S'il y a une chose dont New York a un excédent, ce sont des gens en pull assis autour d'un verre et discutant de l'état de l'édition. Mais et s’ils étaient des Français à Paris, et si l’un d’eux était Juliette Binoche en CSI : actrice de télé à la parisienne ? Pour les non-francophones, l'ensemble suréduqué du dernier opus d'Olivier Assayas mettra au défi votre lecture rapide des sous-titres, mais cela en vaut largement la peine pour le méli-mélo savonneux d'intellects qui couchent les uns avec les autres et écrivent des histoires sur le fait de coucher les uns avec les autres et de parler du viabilité du contenu numérique. Aucun film de 2018 ne se datera aussi précisément queNon-fiction, et il y a une certaine excitation à cela.
Un long voyage d'une journée vers la nuit
Le deuxième long métrage du réalisateur chinois Bi Gan était l'un des titres les plus aventureux de la programmation cannoise de cette année, et nous espérons que le public new-yorkais sera plus réceptif à sa création hypnotique, noirâtre et absolument inoubliable. L'histoire libre suit un homme à la recherche de son amour perdu dans sa ville natale, mais elle joue avec les rêves et l'expérience de regarder des films : à un moment donné, le public est invité à mettre une paire de lunettes 3D et a droit à une prise de près d'une heure pendant laquelle notre protagoniste (Huang Jute) suit l'objet de son désir à travers le paysage nocturne surréaliste. Si vous vous sentez endormi pendant le film, rassurez-vous : cela fait un peu partie de l'expérience.
À la porte de l'éternité
Willem Dafoe a remporté le prix du meilleur acteur au Festival du Film de Venise pour son interprétation étrangement précise de Vincent van Gogh dans le biopic onirique de Julian Schnabel. Je dis précis-sentimentparce que c'est difficile de savoir à quoi le comparer, maisÀ la porte de l'éternitéon a l'impression que cela capture l'essence d'un artiste si célèbre qu'il est devenu un cliché, et fait apprécier le monde, la réalité et la douleur mentale dans lesquelles il a travaillé alors qu'il était très peu connu. Même si – surtout si – vous pensez avoir vu tous les biopics mornes que vous pensez avoir besoin de voir dans votre vie, celui-ci vous surprendra. Oscar Isaac apparaît dans le rôle de Paul Gauguin et Rupert Friend incarne Theo, le frère fidèle et aimant de van Gogh.
Brûlant
Brûlanta eu des critiques délirantes à Cannes pour sa représentation opportune et troublante d'une Corée moderne intensément stratifiée par les classes sociales.PoésieLe premier film du réalisateur Lee Chang-dong en huit ans (et la candidature officielle de la Corée du Sud aux Oscars cette année) est basé sur une nouvelle de Haruki Murakami et développe ses sources de presque toutes les manières, créant un triangle amoureux/mystère qui mijote tranquillement. vous regardez presque en redoutant le moment où cela bouillonne inévitablement. Le premier long métrage coréen de Steven Yeun est aussi charmant et malveillant que vous l'avez peut-être entendu, et le nouveau venu Jeon Jong-seo donne une performance inoubliable et déchirante dans le rôle de la femme déchirée entre lui et Jong-su, une vingtaine d'années sans but (Yoo Ah-in). ).
Voleurs à l'étalage
Hirokazu Kore-eda ne s'éloigne pas trop de son territoire habituel (très efficace) dans le drame familial qui lui a finalement valu la Palme d'Or cette année, mais il y a un petit punch supplémentaire à apporter.Voleurs à l'étalagecela le propulse à son record personnel – et certainement l'un des meilleurs films de l'année. L’histoire d’une famille chaotique vivant dans une pauvreté désastreuse dans la banlieue de Tokyo parle autant du pouvoir de guérison d’une cellule familiale que de sa fragilité et de sa faillibilité. Sakura Ando est déchirante en tant que matriarche, et elle présente également les dernières performances de l'une des muses de longue date de Kore-eda, Kirin Kiki. Celui-ci n’a (heureusement) pas été trop gâché en ligne, alors ne lisez pas trop avant de vous rendre à une projection.
Guerre froide
Une étoile est néeCette année, il y aura peut-être tout le buzz en matière de romances tragiques et musicales, mais ne dormez pas sur l'éblouissante chanson d'amour d'après-guerre de Paweł Pawlikowski, vaguement basée sur l'histoire de ses parents. En particulier, ne dormez pas sur Joanna Kulig, qui incarne une jeune ingénue enrôlée dans un corps nationaliste de chant et de danse dans la sombre campagne polonaise d'après-guerre qui tombe bientôt dans une romance torride et impossible avec son réalisateur (Tomasz Kot). Leur histoire d'amour les entraîne à travers le rideau de fer, et la musique oscille entre les airs folk entraînants de leur pays natal et le nouveau monde passionnant du jazz parisien, alors qu'ils tentent de comprendre où et quand leur amour peut fonctionner.
Trois visages
Le quatrième et le plus ambitieux des films du réalisateur Jafar Panahi depuis que le gouvernement iranien lui a interdit de tourner et l'a assigné à résidence il y a quelques années, c'est peut-être aussi son œuvre la plus autocritique. Structuré presque comme un mystère, le film suit Panahi et l'actrice populaire Behnaz Jafari (tous deux jouant eux-mêmes) alors qu'ils se rendent dans un village turc isolé pour enquêter sur une mystérieuse vidéo du suicide d'une adolescente. Mais ce n'est pas un roman policier : la véritable attraction ici réside dans la façon dont leur propre relation change et dans la manière dont Panahi utilise son statut pour éviter d'affronter les réalités compliquées de la vie. C'est fascinant : le gouvernement a essayé d'empêcher Panahi de faire des films ; il a plutôt continué à réaliser des films qui interrogent à la fois son rôle de cinéaste et les profondes inégalités de la société dans laquelle il vit.
Le livre d'images
Le dernier film impénétrable et divertissant de Jean-Luc Godard est en fait un montage qui cherche à explorer la manière dont les images créent inconsciemment du sens. Godard parcourt l'histoire du cinéma – à la recherche d'images de guerre, de chaos, de voyages, d'eau, etc. – pour cataloguer la manière dont nos esprits sont organisés à travers les produits culturels qui nous sont présentés. En cours de route, il intègre également des vidéos de surveillance des attaques de l'Etat islamique, les juxtaposant à des images de conflit tirées d'autres films (y compris le sien), pour montrer comment même notre compréhension du terrorisme et de l'altérité est effectivement une émanation de nos expériences avec la culture pop. Et dans une dernière section se déroulant au Moyen-Orient, incorporant des scènes et des plans de cinéma moins connus du monde arabe et au-delà, il suggère une approche alternative pour changer nos cœurs et nos esprits. Ou du moins, c'est une façon de lire ce nouveau film sauvage et déroutant.
Si Beale Street pouvait parler
Le roman de James Baldwin de 1974 sur deux jeunes amants noirs à Harlem dont la vie est bouleversée lorsqu'il est faussement accusé de viol et envoyé en prison a été adapté parClair de lunedu réalisateur Barry Jenkins dans ce qui a été présenté comme une pièce d'époque douce et sautillante dans le temps avec des performances remarquables de KiKi Layne, Stephan James et Regina King. Il s'agit certainement d'une adéquation idéale entre le matériel source et le réalisateur : avec son travail à ce jour, Jenkins est rapidement devenu le chroniqueur le plus passionnant de la mélancolie romantique du cinéma américain contemporain.
Le poirier sauvage
L'histoire tentaculaire du réalisateur turc Nuri Bilge Ceylan, sur un jeune enseignant et romancier en herbe essayant de trouver sa place dans le monde, est le film le plus drôle du cinéaste ainsi que l'une de ses œuvres les plus personnelles. Sautant entre le petit village du protagoniste et la ville où il espère gagner sa vie, et alternant de longs dialogues (souvent hilarants) et des rêveries luxuriantes et oniriques, Ceylan aborde la question de savoir comment un artiste doit s'engager dans son époque - une question clé pour un cinéaste dont la notoriété internationale s'est accrue à mesure que les problèmes sociaux et politiques de son pays en difficulté se sont accrus.
L'autre côté du vent
Eh bien, c'est ici. Que ce soit le dernier film du regretté Orson Welles pourrait être sujet à débat – il y en a un autre intituléLes profondeurscela pourrait encore voir le jour – mais c’est certainement celui dans lequel il a consacré tout son cœur et son âme au cours de la dernière décennie et demie de sa vie. Au moment duCitoyen KaneAprès la mort du réalisateur, le film est resté inédit et inaccessible – en partie grâce à une série presque byzantine de problèmes de droits qui impliquaient non seulement les héritiers rivaux de Welles, mais aussi (non, vraiment) le gouvernement iranien déchu ! – c'est donc le genre de film dont l'histoire en coulisses pourrait être plus intéressante que ce qui est à l'écran. Sauf que ce qui est à l'écran dans cette affaire est également fascinant : un faux documentaire improvisé, film dans le film, en techniques mixtes, changeant de forme, impliquant les tentatives désespérées d'un réalisateur vieillissant pour retrouver sa pertinence dans un monde en évolution. Pour vivre l'expérience complète, assurez-vous également de regarder le film de Morgan Neville.Ils m'aimeront quand je serai mort, un documentaire dense et puissant sur la fabrication deL'autre côté du vent. Orson l’aurait voulu ainsi : Welles lui-même parlait souvent de transformerVenten un documentaire sur sa propre création.
Haute vie
Nous ne l'avons pas encore vu, mais vous nous avez eu à "Claire Denis fait un film spatial", et vous nous avez vraiment vraiment eu à "Juliette Binoche fait des expériences sexuelles sur Robert Pattinson". (Sans parler du « vaisseau spatial conçu par Olafur Eliasson. ») L'un des cinéastes les plus distinctifs de notre époque, Denis travaille dans un style impressionniste et organique qui valorise l'intimité et l'ambiance plutôt que la narration et le spectacle. Il sera donc intéressant de la voir adopter cette approche dans le monde de la science-fiction mélancolique, et rien de moins dans son premier film en anglais.
La cendre est le blanc le plus pur
Jia Zhangke est de retour avec un autre conte couvrant toute une époque sur la Chine moderne, mettant à nouveau en vedette sa femme Tao Zhao, avec qui il a collaboré avec tant de succès en 2015.Les montagnes peuvent partir. Cette fois, Tao incarne l'amant d'un gangster d'une petite ville, qui tire avec une arme à feu pour le défendre en 2001, va en prison et passe la décennie suivante sans ressources et à sa recherche dans une Chine qui évolue si rapidement qu'elle est à peine reconnaissable. d'un jour à l'autre. Tao est tendue, désespérée et plus que convaincante dans le rôle principal, et Jia construit des séquences sublimes à différents moments de son voyage, faisant de la poésie visuelle de la solitude et de l'absurdité du monde moderne.
Heureux comme Lazzaro
Le récit magique et réaliste d'Alice Rohrwacher sur une amitié qui s'étend sur des décennies lui a valu le prix de Cannes du meilleur scénario, et maintenant le film a trouvé sa place sur Netflix pour une sortie plus tard cet automne. Dans la campagne italienne du milieu des années 1990, Lazzaro (Adriano Tardiolo) est un jeune serviteur angélique, soi-disant lent d'esprit, travaillant comme esclave illégal pour la villa d'une baronne du tabac. Il noue une amitié improbable avec l'héritier braillard (Luca Chikovani), qui est écourtée mais qui connaît aujourd'hui un deuxième acte improbable. La mise en scène de Rohrwacher est discrète, avec juste un soupçon d'émerveillement mystique flottant dessus.
Son odeur
Un nouveau film du héros indépendant local Alex Ross Perry est chez lui au NYFF après sa première à Toronto ; il faudra juste trouver un moyen de dire le titre sans grimacer immédiatement. Elisabeth Moss donne ce qui a été décrit comme une performance torride et souvent totalement désagréable en tant que rock star de type Courtney Love. Une fois son apogée passée, la toxicomanie de Beckey s'aggrave de plus en plus et sa personnalité toxique infecte tout ce qui l'entoure. Il s'agit peut-être d'un test d'endurance, mais les fans de Moss et Perry's voudront sûrement voir ce qu'ils mijotent ensemble après l'acidité de 2015.Reine de la Terre.
