100 autres blagues qui ont façonné la comédie moderne

Vers 1847

Pourquoi le poulet a-t-il traversé la route ?

Minstrel est considéré comme le péché originel du show business américain. L’histoire du pays ne peut être séparée du fait qu’il a été construit sur le dos des esclaves noirs, et l’histoire de la comédie moderne ne peut ignorer qu’elle a commencé avec des hommes blancs au visage noir. Cela inclut la première blague que la plupart des Américains apprennent lorsqu’ils sont enfants, et qui trouve ses racines dans le ménestrel du XIXe siècle. « Pourquoi le poulet a-t-il traversé la route ? Passer de l'autre côté » était l'un des rares gags-énigmes fréquemment utilisés par les Christy's Minstrels, un groupe d'artistes au visage noir, formé par Edwin Pearce Christy, qui allait devenir la troupe de ménestrels la plus célèbre de tous les temps. (Un numéro de 1847 deLe Knickerbockerle magazine est considéré comme le premier à imprimer la blague ; cependant, on ne sait pas exactement où la blague a commencé. Il est probable que cela ait commencé comme une blague populaire que Christy's a adaptée.) On attribue au groupe l'invention ou du moins la popularisation de «la ligne», le nom du numéro à trois qui serait au centre du premier d'un ménestrel en trois actes. spectacle, avec «l'interlocuteur» au milieu, entre «M. Tambo » et « M. Os." Des questions-réponses rhétoriques comme « Pourquoi le poulet a-t-il traversé la route ? » ont été exécutés comme un dialogue rapide entre les trois. C'était un précurseur du numéro de vaudeville à deux, et donc un précurseur de pratiquement toutes les comédies futures. L'influence de la plaisanterie, et des spectacles de ménestrels blancs en général, sur la forme est complète et totale, mais il ne faut pas ignorer que le but était d'affirmer la suprématie blanche. La lutte pour une représentation équitable des Noirs dans la comédie se poursuit encore aujourd’hui, plus d’un siècle et demi plus tard ; cependant, les spectacles de ménestrels blancs tomberaient bientôt de mode au profit des spectacles de ménestrels noirs, du burlesque et, finalement, du vaudeville.

1866

Tour de boule de billard

Après la guerre civile, les spectacles de ménestrels mettant en vedette des acteurs blancs au visage noir sont tombés en disgrâce et à leur place sont apparus un certain nombre de ménestrels noirs. Aucun n’était plus populaire que Billy Kersands. Le célèbre comédien de vaudeville Tom Fletcher a écrit : « Dans le Sud, un spectacle de ménestrels sans Billy Kersands est comme un cirque sans éléphants. » Bien qu'il ait finalement écrit les paroles de la chanson qui a permis à tante Jemima de devenir une icône de la crêpe, les plus grands dons de Kersands étaient physiques. "La moindre courbure de sa lèvre ou l'ouverture de ce gouffre béant qu'on appelle sa bouche suffisait à elle seule à convulser le public", a déclaré un observateur. On ne pouvait qu’imaginer la réponse à son tour de balle de billard. Pourtant, cette blague souligne son héritage compliqué. L'acte de Kersands a confirmé bon nombre des pires stéréotypes du personnage lent d'esprit de Sambo vu dans les spectacles de ménestrels blancs. En conséquence, de nombreux Noirs, notamment dans le nord, se sont opposés à son acte. Cela dit, Kersands avait plus de fans noirs que blancs, et sa popularité a conduit les propriétaires de théâtre à assouplir leur politique de ségrégation. De plus, même si sa performance – surtout d’un point de vue moderne – pouvait être considérée comme horriblement offensante, elle était plus nuancée et humaine – même si ce n’était que légèrement – ​​que celles des ménestrels blancs et incorporait certaines traditions folkloriques noires. Comme l'écrit l'historien de la comédie noire Mel Watkins dans son livreDu côté réel, Kersands fut probablement le premier comédien noir à faire face à ce qui allait devenir un dilemme récurrent de Stepin Fetchit àEn couleur vivante: « le conflit entre la satire des images sociales des Noirs et la contribution aux stéréotypes négatifs des Blancs à l'égard des Noirs en général. »

1868

En bas devant

Lydia Thompson

Le burlesque des temps modernes est peut-être synonyme de strip-tease et de pompons, mais lorsque Lydia Thompson et ses « British Blondes » ont frappé l'Amérique pour la première fois en 1868 avec leur spectacleIxion, leur style burlesque victorien était autant une question de débauche d'esprit que de corps. Leurs comédies musicales parodiques se moquaient des traditions du théâtre et de l'opéra, mettant souvent en vedette des personnages féminins dans des rôles principaux traditionnellement masculins et usurpant les chansons populaires de l'époque. Moins d'un an après l'arrivée de Thompson,le New-YorkFoisdéclaraitune « manie du burlesque », malgré le snobisme évident du journal à l'égard de ce style théâtral nouvellement populaire. Dans la première vague du burlesque américain, les productions étaient dirigées par des femmes et les costumes étaient révélateurs – robes au-dessus du genou et collants – ce qui en faisait un régal risqué pour le public qui affluait vers les spectacles. Étant donné que la plupart de la musique utilisée a été volée à d'autres œuvres, ils ont conservé peu de traces de leurs performances, mais leur influence a été énorme, engendrant des troupes à travers le pays et un style qui est resté populaire pendant des décennies, offrant une alternative sophistiquée aux spectacles de ménestrels. et mettre en place la montée du vaudeville. Cela montre également que les femmes racontent des blagues sales depuis aussi longtemps qu’elles sont autorisées à raconter des blagues, un héritage qui perdure encore aujourd’hui.

1879

"Je suis le modèle même d'un major-général moderne"

Gilbert & Sullivan,"Les Pirates de Penzance"

Gilbert et Sullivan avaient écrit un tube à Londres,Tablier HMS, et a mis le cap sur New York pour l'y mettre en scène. Seulement, personne n'était intéressé à aller le voir puisque la loi sur le droit d'auteur ne s'étendait pas aux étrangers à l'époque et qu'un certain nombre de compagnies de théâtre avaient déjà monté le spectacle en Amérique. La solution ? Organisez une nouvelle production en Amérique, déposez-la là-bas et battez les pirates à leur propre jeu. L'opéra-comique classiqueLes Pirates de Penzancecontinuerait en présentant le meilleur exemple de leur modernisation influente de la chanson à motif – « The Major-General Song ». Composé de nombreux types d'humour – jeux de mots, références à la fois historiques et culturelles, satire sociale (un militaire « moderne » doit être instruit plutôt que musclé), et même méta-humour (« cette absurdité infernale »Tablier! ») – la partie la plus drôle et la plus durable reste à quel point elle est absurdement rapide, donnant un rythme comique bientôt vu dans le vaudeville. La chanson a fait tomber la maison en 1879 et elle est encore fréquemment parodiée aujourd'hui. Vous ne connaissez peut-être aucun des centaines de mots, mais je parie que vous connaissez la mélodie, et peu de chansons d'opéra de l'époque victorienne peuvent prétendre cela.

1884

Imbéciles en ville

Marc Twain,"Les aventures de Huckleberry Finn"

L'œuvre la plus célèbre de Mark Twain est surtout connue pour ses commentaires mordants sur le racisme et la panique victorienne face à la jeunesse corrompue, mais la satire de l'homme dans son ensemble est tout aussi importante. Le jeune garçon Huck et l'esclave en fuite Jim rencontrent deux escrocs, appelés le roi et le duc, qui non seulement exploitent leurs semblables, mais les jouent comme des violons. Les deux criminels ne sont pas d'accord sur l'opportunité d'arrêter pendant qu'ils sont en avance, puisque le médecin de la ville qu'ils escroquent les a devinés. Le roi dit ce qui précède, non seulement en remportant l'argumentation, mais en détruisant toutes les villes d'Amérique d'un seul coup. Il y avait beaucoup de gens qui disaient la vérité au pouvoir et écrivaient des choses qui faisaient réfléchir les gens à l'époque, mais à quand remonte la dernière fois que vous avez entendu parler de quelqu'un qui lisait John Esten Cooke pour le plaisir ? Twain a réussi à faire valoir son point de vue parce que vous avez ri quand vous l'avez entendu, en ancrant les blagues dans un caractère spécifiquement drôle, et pas seulement dans une tournure de phrase. Après tout, il y a une raison pour laquelle le prix de l'humour du Kennedy Center s'appelle le prix Mark Twain : une grande partie de ce que nous pensons en termes de comédie moderne vient de cette révélation.

1895

« Bunbury »

Oscar Wilde,"L'importance d'être sérieux"

La pièce de théâtre la plus spirituelle de l'un des dramaturges les plus spirituels à avoir pris la plume,Sérieuxn'est pas seulement une comédie ludique sur les mœurs sur le mariage, mais une vision subtilement subversive de la vie et de l'époque d'Oscar Wilde lui-même. À première vue, l'histoire de Jack et de son ami Algernon, un gad de la haute société, parle de couple, de classe et de mensonges racontés dans la poursuite de l'amour ; grattez la surface, et il s'agit d'identité, d'aveuglement volontaire et de tensions liées à une double vie dans le Londres du XIXe siècle. Au milieu de toutes les réparties et révélations sur les bébés abandonnés dans des sacs à main, la notion de « Bunburying » d'Algernon résume parfaitement la pièce – et le dilemme de Wilde en tant qu'homme marié qui était, au moins, bisexuel. Tout en cherchant à éviter les engagements sociaux fades, Algernon fait semblant de s'occuper d'un ami malade « Bunbury » quelque part dans le pays ; cela reflète la relation de Jack avec son frère inexistant, Ernest. La manière dont Wilde utilise les mots a depuis contribué à engendrer une culture de plaisanterie intellectuelle – adoptée par la comédie à la fois gay et hétéro – et à élever la comédie, en général, comme une forme à traiter avec respect.SérieuxLe sous-titre en dit long : « Une comédie triviale pour les gens sérieux ».

1908

« Conversation indéfinie »

Flournoy Miller, Aubrey Lyles, Mantan Moreland, Nipsey Russell

Flournoy Miller et Aubrey Lyles, un duo qui a commencé comme un simple acte à deux, a ensuite inauguré la Renaissance de Harlem. Amis dans leur enfance, ce n'est que lorsque Miller et Lyles se sont retrouvés à l'université qu'ils ont commencé à écrire et à se produire ensemble. Dans leur partenariat, Miller et Lyles ont créé un morceau qui est devenu la base de nombreuses routines de Vaudeville et est parfois appelé le noir « Qui est le premier ? » Beaucoup d’autres reproduiraient ce va-et-vient sincère, pas seulement des artistes noirs comme, le plus célèbre,Ex Moreland et Ben Carter, mais blanc aussi, y comprisAbbott et CostelloetAmos et Andy. (Miller finira par écrire pour la version télévisée deAmos et Andy.) Moins une esquisse scénarisée qu'une forme, l'idée de leur conversation « indéfinie » était d'anticiper la fin des phrases de chacun et de faire avancer le dialogue. Dans les années 1920, les bandes dessinées écrivaient et jouaient dansMélangez,un succès légendaire de Broadway (qui a connu une reprise primée aux Tony en 2015), mais « Indefinite Talk » s'avérera être leur contribution la plus durable à la comédie. Les comédiens l'ont joué jusque dans les années 1950, comme la version ci-dessous deRevue Rock'n'Roll, l'un des films de vitrine de variétés noires de l'époque (un moment remarquable dans la représentation des Afro-Américains dans les films, à part entière). Au-delà de cela, même si la routine spécifique est tombée en disgrâce, à mesure que les gens ont quitté le vaudeville, son influence a été énorme et fondamentale, aidant à définir le son du dialogue comique américain.

1917

Fontaine

Marcel Duchamp

Marcel Duchamp, comme tous ceux qui faisaient partie du mouvement Dada, souhaitait poser de profondes questions sur la nature de l’art et perturber le statu quo. C’est pourquoi, en 1917, il a acheté un urinoir standard dans un magasin de fournitures de plomberie de la Cinquième Avenue et l’a signé du surnom « R. Mutt », et a demandé qu'il soit affiché dans une galerie avec le titreFontaine. En soi, c'est une plaisanterie racontée aux dépens d'un monde de l'art étouffant, mais sa portée s'étend bien plus loin. Duchamp a sans doute involontairement créé la première pièce anti-comédie largement célébrée. Il y a une raison pour laquelle Andy Kaufman est souvent qualifié de dadaïste. Kaufman partageait un intérêt similaire à se confronter à ce qui susciterait une réaction du public. Duchamp a demandé pourquoi un seau à pipi ne pouvait pas être de l'art de la même manière qu'Andy Kaufman a demandé à son public pourquoi se contenter de lireLe magnifique Gatsbyou chanter « I Trusted You » encore et encore (et encore) n'était pas une comédie. Il ne s'agit pas uniquement de Kaufman ; c'est Steve Allen portant un costume recouvert de sachets de thé ; c'est David Letterman qui jette des objets par le toit. C'est un esprit qui anime depuis lors la comédie. Chaque fois que quelqu'un aimeNorm MacDonald se lève pour lire les blagues de son père lors d'un rôtiou Tig Notaro passe la majeure partie deson set de fin de soirée soulignant simplement le drôle de son que fait un tabouret lorsqu'elle le traîne sur le sol, il est facile de ressentir l'effet de retombée deFontaine.

1923

L'horloge

Harold Lloyd, Fred C. Newmeyer, Sam Taylor, Hal Roach, « La sécurité en dernier ! »

L'homme à lunettes d'Harold Lloyd était une création de comédie silencieuse aussi soigneusement conçue que « Little Tramp » de Charlie Chaplin ou « Stone Face » de Buster Keaton. Malheureux et impuissant face à une adversité sauvage, Lloyd persévérerait toujours d'une manière ou d'une autre… mais à peine, dans un tour que Jackie Chan finirait par apporter à ses scènes de combat comiques. La séquence emblématique montrant Lloyd suspendu aux aiguilles d’une horloge géante sur le cadran d’un gratte-ciel est sans aucun doute l’une des images les plus durables de toute l’histoire du cinéma. Le public était ravi, même si les rapports faisant état d'évanouissements dans les salles de cinéma lors de la séquence finale audacieuse étaient fréquents. La cascade défiant la mort de Lloyd est rendue encore plus étonnante par le fait qu'il l'a exécutée avec une seule main entière, après avoir perdu son pouce et son index dans un accident en 1919 - une perte qu'il a dissimulée dans ses films ultérieurs avec le à l'aide d'un gant couleur chair. La comédie physique et les cascades sont éternellement redevables.

1928

« dégoûté »

Freeman Gosden, Charles Correll, 'Amos 'n' Andy'

En 1926, en tant qu'admirateurs et étudiants des équipes de comédiens de ménestrels de l'époque, Freeman Gosden et Charles Correll créèrent le duo axé sur le dialecte noir.Sam et Henry. Deux ans plus tard, après avoir changé le nom de l'acte enAmos et Andy, les deux hommes blancs créeraient et joueraient dans la première émission à grand succès de la radio, devenant ainsi ce que beaucoup considèrent comme la plus réussie de l'histoire du média. Les blagues comme celle-ci étaient essentiellement du « blackface » à la radio, mais l'attrait et l'impact de l'émission étaient indéniables. Vu dans le rétroviseur de l’histoire, le dialogue malaprop est digne de grincer des dents, mais à son apogée, il a été adopté par le public blanc et noir qui s’est identifié aux luttes des personnages en difficulté tout au long de la Grande Dépression et après. La représentation des Afro-Américains par le duo, qui allait au-delà des plaisanteries d'une seule note, constituait, à l'époque, une avancée majeure en matière de représentation par rapport aux vestiges des ménestrels et aux films hollywoodiens du début du XXe siècle. Pourtant, avec le recul, 90 ans plus tard, la série était indéniablement problématique. Ironiquement, c'était l'adaptation télévisée deAmos et Andy, qui mettait en vedette un casting entièrement noir, qui est devenu un paratonnerre de controverse, avant d'être finalement annulé en 1953 sous la pression de groupes comme la NAACP. (Beulah, l'autre comédie télévisée à succès avec un personnage central noir a également disparu la même année.)Amos et Andydisparition sur le petit écran, la télévision n'aura pas d'autre série comique avec un personnage principal afro-américain avant 15 ans, jusqu'à ce queJulieavec Diahann Carroll a fait ses débuts en 1968.

1928

'CV '

Dorothée Parker

La vie parmi les journalistes et les gens de théâtre qui déjeunaient fréquemment à l'hôtel Algonquin a fait de la poète, critique et nouvelliste Dorothy Parker un modèle d'esprit sophistiqué ; mais son monde ne se limitait pas aux pièces de théâtre, à l'alcool, aux rendez-vous amoureux et aux bons mots qui imprégnaient sa prose. Parker s'épanouit dans les moments de détresse émotionnelle et de conséquences : les joutes dans les coulisses entre hommes et femmes (« Les Sexes ») ou le lendemain de la baise (« You Were Perfectly Fine »). Et même si elle est décédée d’une crise cardiaque à l’âge de 73 ans, elle a beaucoup réfléchi à la nécessité d’en finir plus tôt. Le poème de huit versCVIl s'agit peut-être bien de l'évaluation la plus précise et la plus succincte du suicide dans la littérature, et elle indique la volonté de Parker d'utiliser même les aspects les plus sombres et les plus paralysants de sa dépression comme de l'eau pour le moulin. Les héritiers de Parker ne sont pas seulement ceux qui donnent des critiques littéraires mordantes, comme Fran Lebowitz, mais aussi les comédiens qui vivent dans l'obscurité et qui utilisent des plaisanteries pour lutter contre le monde et leurs pires impulsions – y compris les bandes dessinées actuelles telles que Maria. Bamford et Chris Gethard, qui sont directement aux prises avec l'instabilité mentale.

1928

« Le fils de pute a volé ma montre ! »

Ben Hecht, Charles MacArthur, « La Une »

Situé dans une salle de presse animée de Chicago, cette pièce américaine classique suit les exploits d'une certaine Hildy Johnson, une journaliste courageuse déterminée à se marier et à quitter complètement le jeu de l'information, ainsi que de l'éditeur rusé de Johnson, Walter Burns, et d'un gang durement mordu. de journalistes. Lorsqu'une énorme histoire tombe presque sur les genoux de Johnson – sous la forme d'un condamné en cavale – les manigances avec des maires véreux, des belles-mères débraillées et des bureaux à toit roulant prennent le dessus. Les anciens journalistes Ben Hecht et Charles MacArthur élèvent l'action et la langue vernaculaire de la salle de rédaction hétéroclite, en lui donnant tout le mélodrame, les histrioniques, les fabrications et les exclamations d'un tabloïd. Même une fois la fumée dissipée, les switcheroos ne s'arrêtent pas. Après que le possessif Burns ait offert à Johnson une montre de poche et ait regardé le journaliste à la retraite sortir avec sa future épouse, Burns appelle la police : Johnson, dit-il, a volé cette montre et devrait être arrêté. Le dialogue explosif et rapide a permisLa première pagenon seulement le plaisir du réalisateur, mais il a séduit toute une génération de scénaristes hollywoodiens dans les années 30 et 40 – et a également influencé les stylistes des derniers jours tels que les frères Coen.

1929

'Je ne veux pas maigrir'

Sophie Tucker

Née Sonya Kalish dans une famille juive ukrainienne expatriée aux États-Unis, Sophie Tucker s'est surnommée « la dernière des mamans rouges ». Sa présence scénique cuivrée et ses airs grivois se sont traduits du vaudeville à la radio et au cinéma, faisant d'elle l'un des artistes scéniques les plus connus de la première moitié du 20e siècle. En augmentant sa taille avec des chansons comme « Nobody Loves a Fat Girl » et « I Don't Want to Get Thin », et en faisant appel à ses fans juifs avec des airs comme « My Yiddish Momme », Tucker a connu son plus grand succès dans les années 1920. , tant en Amérique qu'en Europe. Son personnage plus grand que nature a influencé des interprètes féminines ultérieures comme Ethel Merman, Carol Channing, Roseanne Barr et Bette Midler,qui a canalisé le stand-up de Tucker dans son film de concert de 1980Folie divine.

1934

Hattie et Stepin

Hattie McDaniel, Stepin Fetchit, John Ford, Irvin S. Cobb, Dudley Nichols, Lamar Trotti, "Judge Priest"

Acteur comique de grand talent, qui l'a utilisé — certains disent cyniquement pour son propre gain personnel — pour réaffirmer les stéréotypes les plus grotesques, il n'y a peut-être pas de personnage plus compliqué dans l'histoire de la comédie américaine que Stepin Fetchit. Pourtant, en incarnant son personnage L'homme le plus paresseux du monde, Fetchit est devenu la première star de cinéma noire à une époque où la représentation noire dans le cinéma était pratiquement inexistante. Rétrospectivement, même si Fetchit serait encore populaire pendant un certain temps après, ce moment deJuge Prêtre, un film mettant en vedette l'icône de la comédie (et ami de Fetchit) Will Rogers, peut être considéré comme un moment de transition dans la comédie américaine et dans la représentation des Noirs dans la culture populaire. À l'époque, Hattie McDaniels était encore inconnue, mais elle a tellement impressionné le réalisateur John Ford pendant le tournage qu'il a coupé des scènes de Fetchit pour lui donner plus de temps à l'écran. Bien que McDaniels joue une servante, un rôle qu'elle jouerait fréquemment (devenant finalement la première Afro-Américaine à remporter un Oscar pour en avoir joué un dansAutant en emporte le vent), elle est sûre d'elle et vive. Elle fait la blague ; elle n’en est pas une. Elle finira par être également critiquée pour avoir joué le rôle de maman, mais le fait qu'elle soit libre de répondre aux hommes et aux personnages blancs dans le film était sans aucun doute un pas en avant. Elle l’a fait avec une tournure de phrase rapide ou un regard simple et hilarant.

1934

Les trois comparses en médecins

Moe Howard, Larry Fine, Curly Howard, Dell Henderson, Felix Adler, Raymond McCarey, "Men in Black"

Le meilleur travail de ce trio résolument discret de comédiens violents et burlesques s'est produit entre 1934 et 1946 et mettait en vedette la programmation parfaitement équilibrée de Moe Howard, Larry Fine et Curly Howard. Le court métrage oscarisé de 1934Hommes en noirprésente le trio comme des médecins incompétents qui, dans la tradition anti-autoritaire classique, portent atteinte à la propriété de leur environnement ainsi qu'à celle de toute personne de statut. Remplis de leurs gifles, coups de poing, coups d'œil, « nyuks » et « whoops », les Stooges courent à bout de souffle pendant toute la durée du court métrage, infligeant charlatanisme et chaos partout où ils vont. Même si le chaos fou et l'anarchie sans vergogne des Stooges n'étaient pas pour tout le monde, ils ont absolument duré pendant des générations, restant une pierre de touche culturelle dans le succès croisé de nouveauté de MTV de 1983.« The Curly Shuffle » de Jump 'N the Saddle Band, comme point de référence comique courant par Martin Riggs de Mel Gibson dans leArme mortellefranchise, et apparemment comme modèle pour leÂneéquipage.

1936

Pétards de luzerne

Spanky McFarland, Alfalfa Switzer, Buckwheat Thomas, Porky Lee, Rosina Lawrence, Gordon Douglas, Hal Law, Louis McManus, Tom Bell, Hal Roach, « Our Gang »

À partir de l'ère du cinéma muet, plus de 200Notre bandedes courts métrages ont été produits sur une période de plus de 20 ans, présentant aux cinéphiles un casting régulier de délinquants désobéissants, dont Spanky, Alfalfa, Darla, Stymie, Froggy et Buckwheat, en plus de découvrir de jeunes stars comme Jackie Cooper et Mickey Gubitosi (qui seraient changer plus tard son pseudonyme en Robert Blake). Pendant près d’un demi-siècle après leur sortie initiale, des générations ont grandi en regardant ces courts métrages, inspirant et influençant chaque film ou émission de télévision mettant en scène des enfants mal élevés. Il est impossible de voirSeul à la maison, par exemple, sans penser que les violentes plaisanteries de Macaulay Culkin sont des extensions de farces de Rascal comme celle-ci. Cependant, avoir duré si longtemps signifiait également que les courts métrages, qui pouvaient être considérés à un moment donné comme progressistes en décrivant tous les enfants comme égaux, ont finalement fait l'objet d'une controverse pour leur représentation d'enfants de couleur. Eddie Murphy a jeté un éclairage parodique sur la représentation au début des années 1980 avec sa version inspirée du « Buhwheat », contesté verbalement, surSamedi soir en direct.Les courts métrages de l’époque de la Grande Dépression ont disparu peu de temps après.

1939

Bébé Snooks

Fanny Brice, Hanley Stafford, Philip Rapp, "Les folies de l'air de Ziegfeld"

Aujourd'hui, beaucoup de gens qui connaissent le nom de Fanny Brice pensent à la version oscarisée de Barbra Streisand de ses débuts dans la comédie musicale de 1968.Drôle Fille. Mais le vrai Brice était célèbre pour une autre fille : son personnage Baby Snooks, une petite fille précoce de 4 ans qui a fait de Brice un phénomène radiophonique dans les années 30 et 40. Brice a développé l'enfant espiègle à l'époque où elle était une star du vaudeville, parodiant une célèbre enfant actrice de l'époque. Lorsqu'elle est passée à la radio, Bryce a insisté pour s'habiller en costume pour incarner pleinement le personnage, même si le spectacle n'était joué que devant un petit public en studio. Ce qui a charmé les auditeurs deZiegfeld Folies de l'Air(Le spectacle des bébés Snooksaprès cela), c'était la plaisanterie entre la petite fille un peu impertinente (mais jamais méchante) et son papa exaspéré (mais jamais cruel), qui essayait de répondre à chaque plainte « Pourquoi-yy, papa ? que sa fille lui a lancé. Mais malgré le succès de la série, elle ne convenait pas à la télévision ; Brice avait plus de 40 ans lorsque la série a commencé, et même sa voix de bébé parfaite ne pouvait pas la vendre en tant que petite fille. L'émission s'est poursuivie sous sa forme radiophonique jusqu'à la mort inattendue de Brice en 1951, à l'âge de 59 ans. Son héritage s'est perpétué dans l'archétype comique du petit enfant précoce et ennuyeux, qui est resté incontournable depuis, ainsi que dans le travail des personnages. des comédiennes qui ont suivi, notammentEdith Ann de Lily Tomlin,Judy Miller de Gilda Radner, etKaitlin d'Amy Poehler.

1940

Le placard de Fibber

Jim et Marian Jordan, Don Quinn, « Fibber McGee et Molly »

Marian et Jim Jordan, mari et femme dans la vraie vie, ont joué dans l'une des comédies de situation domestique les plus appréciées et les plus anciennes de la radio,Fibber McGee et Molly. Les ouvriers du Midwest du 79 Wistful Vista étaient intelligents mais accessibles comme le sel de la terre. Le gag courant le plus mémorable de la série était le placard surpeuplé de Fibber, dont le contenu s'effondrait sur lui dans une cacophonie toujours étendue d'effets sonores. Fibber semblait toujours oublier la dernière fois, ignorant les supplications de Molly de ne pas ouvrir la porte. Le résultat était une comédie radiophonique à son meilleur, laissant l'auditeur imaginer Fibber enterré sous des montagnes de décombres dans leur théâtre de l'esprit. Le morceau a continué lorsque le duo est passé à la télévision, mais la réalisation visuelle du gag du placard n'a jamais été à la hauteur de l'imagination de leurs fans. La blague, comme beaucoup d'autres à l'époque, a été imitée et imitée par de nombreuses comédies depuis, au point que ses origines ont été quelque peu obscurcies. Mais tout a commencé avec le placard de Fibber.

1941

« Tchaïkovski (et d'autres Russes) »

Danny Kaye, Ira Gershwin, Kurt Weill, Moss Hart, "Lady in the Dark"

En 1941, le grand dramaturge de Broadway, Moss Hart, s'associe aux génies Ira Gershwin et Kurt Weill pour la comédie musicaleDame dans le noir, qui a présenté un jeune artiste alors inconnu nommé Danny Kaye. La chanson « Tschaïkovski (et autres Russes) », dans laquelle Kaye égrène les noms difficiles à prononcer de plus de 50 compositeurs russes en 39 secondes, a été un succès et a transformé Kaye en star. Kaye s'est rapidement lancé dans le cinéma, marquant coup après coup avecHomme merveilleux,L'inspecteur général,Hans Christian Andersen,etLa vie secrète de Walter Mitty. Dans presque tous les films, Kaye interprétait des dialogues et des chansons mettant en valeur son don pour les acrobaties verbales. (Il est particulièrement remarquablela course dans le film de 1956Le bouffon de la courà propos de la « boulette avec le poison » qui se trouve dans le « récipient avec le pilon ».) La précision inégalée de Kaye a séduit le public, mais a également placé la barre haute que des artistes perfectionnistes et travailleurs notoirement travailleurs tels que Sid Caesar et George Carlin citeraient plus tard comme étant une source d'inspiration significative.

1941

Sullivan est interrogé

Joel McCrea, Preston Sturges, « Les voyages de Sullivan »

Sturges n'a pas seulement pris la comédie loufoque et l'a fait sienne, il a également été le pionnier d'un certain nombre de traits que nous voyons les auteurs d'aujourd'hui arnaquer. Il disposait d'un stock d'acteurs vers lesquels il se tournait encore et encore, il écrivait des dialogues naturalistes et il écrivait des intrigues complexes et rapides avec des situations folles. Oh, et son personnage principal dans ce film, Sullivan, a un film de rêve qu'il veut faire un jour intitulé "Ô frère, où es-tu ?" Dans un film de Sturges, même si tout le monde est intelligent et que tout le monde sait immédiatement ce qu'il faut dire, comme dans le cas de cette blague, cela ne semble jamais incroyablement stylisé, prouvant qu'un dialogue plein d'esprit n'a pas besoin de vous rappeler qu'il a été écrit. Sturges a poussé la comédie loufoque plus loin sur le terrain, et quand il a eu fini, il l'a volontiers transmis aux Coen et aux Anderson d'aujourd'hui.

1942

« Le visage du Führer »

Spike Jones, Oliver Wallace, Walt Disney

Avant que le chef d'orchestre Spike Jones ne devienne un nom connu pour ses chansons inédites mettant en vedette des sonnettes de porte, des chiens qui aboient et des coups de pistolet, il a sorti une version bruyante d'une chanson d'un prochain film.dessin animé anti-nazi mettant en vedette Donald Duck. Quelques mois seulement après le jour J et l'entrée des États-Unis dans la Seconde Guerre mondiale, la sortie de « Le visage du Führer » a touché une corde sensible en liant le nationalisme à une sorte de rire moqueur. Le rebondissement loufoque de la chanson et sa répudiation moqueuse des décrets les plus laids d'Hitler, remplis d'une foule d'acclamations du Bronx, en ont rapidement fait l'une des chansons les plus populaires de 1942. Le court métrage Donald Duck produit par Walt Disney est finalement sorti et a remporté un Oscar, ne faisant que renforcer l'héritage de la version de Jones. Bien que le chaos à peine limité du groupe de Jones ait influencé tout le monde, de Weird Al à Mel Brooks en passant par Frank Zappa, Jones a vraiment fait sa marque en regardant Hitler et en soufflant une framboise très forte.

1946

"Huile bouillante"

Charles Addams, « Le New-Yorkais »

Si l’humour noir parle à beaucoup de monde, on ne l’associe pas souvent à la bande dessinée. Mais Charles Addams a toujours été un peu différent. Addams a illustré des centaines de dessins animés, principalement pourLe New-Yorkais, qui servira d'inspiration àLa famille Addams, mais un dessin animé éclipse les autres. Dans ce document, votre regard se concentre immédiatement sur le sommet d'un manoir gothique, où trois humains à l'apparence étrange sont sur le point de verser un chaudron fumant sur le côté du toit. Lentement, votre œil descend pour voir un groupe de joyeux chanteurs de Noël ignorant ce qui est sur le point de se passer. Mais l’élément le plus intéressant ici est l’utilisation de la perspective. Le public ne fait pas partie des chanteurs. Nous sommes avec la famille macabre. Nous surveillons ce liquide bouillonnant et sourions peut-être autant que la famille. Avec un simple dessin, Charles Addams exploite quelque chose qui se cache en chacun de nous, introduit un ton macabre dans la comédie moderne et a ouvert la voie à tout le genre de la comédie d'horreur.

1949

Photographie de famille

Gertrude Berg, Robert H. Harris, « Les Goldberg »

Les créateurs des premières émissions de télévision ont eu du mal à comprendre ce qu’était la télévision : du vaudeville ? Théâtre? Radio avec images ?Les Goldberg,apporté à la télévision en 1949 après 20 ans d'épisodes radiophoniques, fut peut-être la première sitcom télévisée à avoir l'essentiel de la forme. Il n'a pas le clown brillant deJ'aime Lucie,qui a été diffusé environ un an plus tard. Ce n’était pas rempli de blagues. Il n’y avait aucune piste de rire. Le ton était plutôt domestique et parfois sentimental. C'était aussi un spectacle mordant et ironique de Norman Lear, plus doux et avant l'heure. Mais avec une particularité : une femme nommée Gertrude Berg était à la fois créatrice et star de la série, et sa famille à l'antenne était explicitement juive, vivant dans le Bronx et parlant un anglais aux accents yiddish avec les voisins. (Les enfants, bien sûr, étaient entièrement américains, ce qui a mis en place une grande partie de la comédie.) Dans cet épisode, les Goldberg doivent prendre une photo de famille, mais il s'avère que M. Goldberg n'aime aucune des Mmes. Les chapeaux de Goldberg. Après quelques querelles, ils optent pour un chapeau, mais le photographe lui dit de ne pas en porter du tout. Neil Simon prendraitLes Goldberg' formez-vous et courez avec; Moins évidemment, Norman Lear aussi. Zut, cette blague, avec quelques coups de poing modernes, semble provenir deFamille moderne.Au moment où l'émission a cessé de diffuser en 1956, les Goldberg avaient quitté les immeubles pour s'installer en banlieue, comme Lucy et Desi l'ont fait à peu près à la même époque, et leur vie a changé à mesure qu'ils luttaient pour s'assimiler – tout comme celle de l'Amérique.

1950

Introduction de Charlie Brown

Charles Schulz, « Cacahuètes »

Au cours des 50 années pendant lesquelles « Peanuts » de Charles M. Schulz a été diffusé quotidiennement comme bande dessinée, la bande dessinée a évolué à la fois avec le temps et contre lui. Lentement mais sûrement, l'attention s'est déplacée des enfants humains vers un certain beagle bipède, et dans le processus, une grande partie de la tristesse enracinée de la bande a disparu. Aussi aimé que soit Snoopy, c'est le flux constant de défaites inévitables qui composent la vie de Charlie Brown qui restera dans les mémoires. Et c'était là dès le premier strip. Au fur et à mesure que la bande avance, nous voyons Charlie se voir refuser des victoires au baseball, un véritable vol de cerf-volant, une aide psychiatrique et, oui, une chance de jouer au football, créant un contraste unique de mélancolie et de douceur attendue d'un dessin animé sur un enfant. Toute cette complexité de ton était là dès le début, capturée dans seulement quatre images dessinées au trait. C'est une influence évidente sur chaque bande dessinée qui a suivi, de toute évidenceCalvin et Hobbes, mais vous pouvez aussi voir « Peanuts » dans n'importe quel caractère, commeLe bureauC'est Michael Scott, qui cache une pointe de tristesse derrière un sourire comique.

1952

'Je suis ce que je suis'

Ralph Ellison, "l'homme invisible"

1953

« Les diamants sont les meilleurs amis des filles »

Léo Robin,Styne de Noël,Marilyn Monroe,Howard Hawks,Charles Lederer,Joseph Champs,Anita Loos,« Les messieurs préfèrent les blondes »

Les blagues sur les blondes idiotes remontent au XVIIIe siècle, mais c'est le portrait de Lorelei Lee par Marilyn Monroe qui les a cimentées dans la culture pop moderne. Au cours de ce grand numéro de danse, le look emblématique de Monroe, blonde décolorée et orné d'un épais tour de cou en diamant avec une robe rose vif moulante, crée le prototype d'une blonde stupide. Elle doit être flamboyante et féminine et parler doucement et insipidement. Comme elle le dit dans le film : « Je peux être intelligente quand c'est important, mais la plupart des hommes n'aiment pas ça. » Les plaisanteries rapides de Monroe sur l'ignorance feinte sont soutenues par l'enracinement de Dorothy Shaw, interprétée par Jane Russell, dans un duo de comédies féminines rare pour l'époque. Réalisé par Howard Hawks, un réalisateur célèbre pour sa femme au langage dur « hawksien », le film démontre la comédie à travers l'utilisation par l'actrice de l'action sexuelle. La féminité de Monroe n'est pas un objet mais un outil pour obtenir ce qu'elle veut – notamment les diamants. L’ampleur même de la performance de Monroe définit cet archétype fondamentalement américain. Sans elle, il n'y aurait pasRéunion du lycée de Romy et Michele,Cher dansDésemparés, ou Elle Woods deLégalement blonde.

1953

La boîte aux lettres parlante

Allen Funt, « Caméra cachée »

Depuis qu'il y a des gens à qui faire des farces, il y a eu des farces, mais ce n'est que lorsqueCaméra cachée(qui a été développé à partir duMicrophone francémission de radio) qu'ils sont devenus une arme comme outil pour la grande comédie. La farce la plus célèbre de la série impliquait un microphone, un haut-parleur et une boîte aux lettres. Alors que les gens s'approchaient de la boîte aux lettres avec des lettres, une voix qui semblait venir de l'intérieur les interpellait de toute urgence. Cela semble plutôt insignifiant par rapport aux normes d'aujourd'hui, mais c'est parce que nous sommes habitués aux farces impliquant Justin Timberlake qui pleure ou Borat se moquant des fans de rodéo en face. Mais la série a changé la donne, agissant finalement comme un raccourci chaque fois qu'une personne incrédule se retrouvait dans une situation stressante. "Suis-je surCaméra cachée?" les gens demanderaient pendant des décennies. Ironiquement, son héritage survivra probablement à la boîte aux lettres.

1953

La fin

Samuel Beckett, "En attendant Godot"

S'appuyant spécifiquement sur des rythmes de dialogue vaudevilliens, le chef-d'œuvre absurde de Samuel Beckett a ouvert une fenêtre sur ce à quoi pourrait ressembler une comédie plus profonde. La fin se déroule comme une fin classique à deux, mais avec de réelles doses de menace et d'angoisse existentielle.En attendant Godotclairement mené dans les grandes comédies menaçantes d'Harold Pinter et d'Edward Albee, mais son influence sur la comédie en majuscule a également été énorme. Il y aGodotdans l'absurdité inquiétante d'Ernie Kovacs, la noirceur violente de Michael O'Donoghue, l'anti-comédie d'Andy Kaufman et la comédie de recherche de sens de Woody Allen. Cependant, plus que tout, la conversation creuse et intentionnellement distante de Vladimir et Estragon ressemble instantanément à une version allégée de ce qui allait devenirSeinfeldC'est une émission pour rien. La fin, en particulier, semble avoir inspiré la règle de Larry David selon laquelle « pas de câlins, pas d'apprentissage », d'autant plus que Beckett a explicitement évité d'expliquer le sens sous-jacent de son travail. Aujourd'hui, plus de 60 ans plus tard, vous pouvez voir des traces deGodotdans des émissions commeAtlanta,Le bon endroit,Le spectacle Éric André,et la plupart des autres émissions sur Adult Swim également.

1954

« Chaque rue est un boulevard dans le vieux New York »

Dean Martin, Jerry Lewis, Bob Hilliard, Jule Styne, "Martin et Lewis vivent au Copacabana"

L'ère des boîtes de nuit d'après la Seconde Guerre mondiale était glamour et glorieuse, et il n'y a pas d'autre exemple de ce moment aussi légendaire et folklorique que la course à guichets fermés de Dean Martin et Jerry Lewis au célèbre Copacabana de New York. Il a été décrit comme une sensation comparable à celle des Beatles à la Cavern de Liverpool. Leur pouvoir en tant que double acte a secoué le monde du divertissement et les a catapultés au rang de célébrités à la télévision, sur les disques et au cinéma. Leur routine de chant et de danse emblématique « Ev'ry Street's a Boulevard in Old New York » a été présentée dans leur série télévisée de variétés à succès.L'heure de la comédie Colgateet dans leur long métrageVivre ça. Mais ici, même dans cet aperçu mal filmé d'une représentation à la Copa de 1954, l'excitation de voir les artistes vivre dans une boîte de nuit et l'affection qui définissait leur numéro sont palpables. Deux ans plus tard, Martin et Lewis se sont séparés dans l'une des ruptures les plus acrimonieuses du divertissement.

1955

Directement vers la Lune !

Jackie Gleason, Audrey Meadows, "Les jeunes mariés"

Il n'y a pas d'expression plus étroitement associée àLes jeunes mariésque Ralph Kramden se retrouve à court de mots avec sa femme, Alice, généralement parce qu'elle a fait un commentaire mordant à son sujet, puis a menacé de « l'envoyer sur la lune ». La violence domestique n'est pas drôle en soi, ni en 2017 ni en 1955, mais ici, Ralph n'exprime pas tant une menace qu'une frustration. Le spectateur sait que Ralph n’aime personne plus qu’Alice et qu’il ne mettrait jamais la main sur elle. La clé est que la blague ne s'arrête pas là, mais au fait qu'Alice le renvoie. Le coup de poing de Ralph est le résultat de sa perte du combat. La blague est toujours sur lui.Les jeunes mariésn'a pas édulcoré les relations, permettant au public de voir que même si un couple peut se battre, s'il y a vraiment de l'amour là-bas, ils peuvent survivre à tout. Chaque combat de couple de sitcom, que ce soit entre Archie et Edith Bunker ou Homer et Marge Simpson ou Louis et Jessica Huang, a ses racines ici.

c. 1955

Ponctuation phonétique

Victor Borgé

Pianiste-comédien danois qui s'est produit dans les années 90, Borge a livré une forme de stand-up douce et ludique qui concernait principalement la musique classique. Il se produisait à une époque où les concerts étaient plus courants et il était donc facile de parodier les tourneurs de pages debout au piano ou les chanteurs d'opéra qui devaient arriver au bon moment. Sa routine la plus célèbre, cependant, n'impliquait aucune musique : il sortait un livre sur scène et lisait quelques paragraphes tout en parlant et en mimant les signes de ponctuation : unfsss-puttà chaque point d'exclamation qu'il dessinait en l'air, un clic sur sa joue à chaque virgule, s'accélérant au fur et à mesure du passage. On peut entendre son approche cérébrale dans les chansons les plus mordantes de Tom Lehrer, et peut-être dans celles plus politiques de Mark Russell ; vous pouvez certainement voir ses bizarreries littéraires propagées dans tout le verre d'Ira – « Cris et murmures » – « Attendez, attendez… Ne me dites pas ! univers. Une chronique de ponctuation amusante, entre de bonnes mains, s'intégrerait parfaitement, disons, dans le prochain numéro deMcSweeney's.

1957

Les lents parleurs d'Amérique

Bob et Ray

Lorsque les radiomen Ray Goulding et Bob Elliott (père de Chris; grand-père d'Abby) ont plaisanté ensemble pour la première fois à l'antenne au milieu des années 40, ils ne pouvaient pas savoir que leur partenariat naissant durerait cinq décennies. La comédie douce et patiente de Bob & Ray concernait à la fois le médium et le message : elle utilisait les divertissements en plein essor de la radio et de la télévision pour se moquer de la programmation et des personnalités derrière les médias – des journalistes malheureux, des commentateurs sportifs ternes et des célébrités marginales de tous les horizons. gentil. L'un de leurs morceaux les plus reconnaissables, qu'ils ont commencé à faire en 1957, met en scène Bob en tant que porte-parole d'une organisation appelée Slow Talkers of America, et un Ray exaspéré finissant chacune de ses phrases douloureusement prévisibles. Les caractérisations et le rythme derrière le morceau Slow Talker en font un exemple cristallin de ce qui rend leur comédie géniale. Ce genre de jeu avec les conventions de la comédie en double acte a une nette influence surSamedi soir en directet les grands déconstructionnistes comiques des années 70 et 80 – Albert Brooks, Steve Martin, David Letterman et Andy Kaufman.

1959

La fusée lunaire alimentée par Fudge-Cake

Jay Ward, June Foray, Bill Scott, George Atkins, Chris Hayward, Chris Jenkins, Lloyd Turner, "Rocky & Bullwinkle"

Parodie d'aventure animée de la fin des années 50 et du début des années 60 de Jay Ward, le producteur d'une série de dessins animés pionnièreLapin croisé— ébloui par ses intrigues loufoques et ses voix off crackersjack, même si les mouvements de ses animaux anthropomorphes restaient rudimentaires. Alors que la série d'anthologies comprenait des segments mettant en vedette le Mountie Dudley Do-Right désemparé et bien d'autres, l'écureuil chipper Rocky et l'orignal stupide Bullwinkle sont restés sous les projecteurs. Les marques de fabrique de la série comprenaient des cliffhangers mélodramatiques, des jeux de mots intentionnellement mauvais et des blagues complices qui perçaient des trous dans le quatrième mur (« Je suis inquiet, Bullwinkle. » « Les audiences de la série ont encore baissé ? »). Dès le premier arc narratif, « Jet Fuel Formula », la série a mis les Américains au défi de rire de leurs peurs de la guerre froide, alors que la recette prisée de Bullwinkle pour le gâteau au fudge crée un carburant pour fusée que les méchants russes Boris Badenov et Natasha Fatale veulent voler. Non seulement le gouvernement américain s'en empare, mais les hommes venus de la lune aussi – qui préfèrent ne pas avoir affaire à des touristes du tout. Une belle combinaison de haut et de bas, de stupide et d'intelligent,R&Ba ouvert la voie à des gens comme Matt Groening (qui donne aux personnages le milieu initiale J. en l'honneur de Ward).

1960

Une jambe de trop

Peter Cook, Dudley Moore, Alan Bennett et Jonathan Miller, « Au-delà de la frange »

La collaboration de Peter Cook, Dudley Moore, Alan Bennett et Jonathan Miller est considérée comme l'origine du boom de la satire des années 1960 et de la naissance de l'humour britannique contemporain. La revue est devenue une sensation au Royaume-Uni après ses débuts au Festival Fringe d'Édimbourg en 1960. En 1962, la comédie absurde et profondément ironique du groupe a fait sa marque en Amérique avec une diffusion à Broadway. Leur sketch le plus connu, « One Leg Too Few », oblige le public à adhérer au principe ridicule d'un unijambiste voulant auditionner pour l'un des personnages les plus athlétiques et agiles du cinéma, Tarzan. La blague repose sur le physique de Moore, qui saute de haut en bas sur l'unique appendice, chaque rebond soulignant le défaut, et sur la politesse implorante de Cook, alors qu'il tente d'offrir une petite lueur d'espoir à l'acteur qui auditionne. Pourtant, les deux acteurs jouent la situation de manière tout à fait directe, à l’opposé des performances exagérées vues dans les sketches comiques de l’époque. Ce fut une révélation complète et déterminante pour l’évolution de la forme. Leur acte a eu une énorme influence sur Monty Python et Peter Sellers. C'était si marquant pour Lorne Michaels que non seulement il a demandé à Dudley et Cook d'animer un épisode deSamedi soir en directlors de sa première saison, il leur a fait reprendre le sketch.

1961

« Le pays était en péril ; Il mettait en péril ses droits traditionnels de liberté et d'indépendance en osant les exercer.

Joseph Heller

Le temps passé par l'auteur Joseph Heller comme bombardier pendant la Seconde Guerre mondiale a eu un impact sur lui, d'une manière curieusement littérale. Dans la satire de HellerCatch-22,Le pilote sceptique, le capitaine John Yossarian, rencontre des officiers arriérés tels que le major major major major - qui n'occupe ses heures de bureau que lorsqu'il est absent - et fait tout ce qu'il peut pour échapper aux périls du combat. Lorsque Yossarian plaide la folie, il découvre le principe ignoble et sans issue connu sous le nom de Catch-22 : seuls des hommes mentalement instables effectueraient des missions capables de se faire du mal ou de faire du mal à autrui, mais quiconque plaide la folie (dans l'espoir d'éviter ces devoirs) est clairement sain. Quoi qu’il en soit, qu’il soit fou ou mentalement sain, un soldat doit obéir. Cette idée est au cœur du monde à l'envers du roman, comme en témoigne cette blague racontée par le narrateur omniscient à la troisième personne du livre, et au centre deCatch-22L'attaque du complexe militaro-industriel et du Dieu qui l'a créé. Le livre est considéré comme l’une des plus grandes œuvres littéraires du XXe siècle et s’adresse directement aux satiristes politiques de tous bords. Lewis Black, Armando Iannucci et l'ami de Heller, Christopher Buckley, font partie de ceux qui ont cité son influence.

1961

« Déclaration d'indépendance »

Stan Freberg, Byron Kane, "Stan Freberg présente les États-Unis d'Amérique Volume 1 : Les premières années"

Durant ses premières années, le potentiel du jeune format du LP comique (disque long-playing) était encore largement inexploré. La plupart des albums sortis étaient de simples enregistrements de comédiens exécutant leurs numéros devant le public des boîtes de nuit. Puis, en 1961, Stan Freberg, artiste d’enregistrement et « satiriste guérillero » autoproclamé, a fait quelque chose d’inouï. Il a produit une somptueuse comédie musicale extravagante pour l’oreille qui était un voyage satirique à travers l’histoire américaine. Le Los AngelesFoisle décrirait plus tard comme « Le Sgt. Poivre des albums de comédie » etTempsLe magazine l'a présenté comme «sans doute le meilleur album de comédie jamais réalisé». Au-delà de son ampleur impressionnante, l'album utilise avec brio la perspective de la culture contemporaine pour apporter une modernité aux caractérisations révisionnistes de nos pères fondateurs (une nette influence sur le National Lampoon etSamedi soir en direct). Un excellent exemple est la piste de la Déclaration d’Indépendance dans laquelle un Thomas Jefferson sérieux presse un Benjamin Franklin récalcitrant de signer sa « pétition ». Dans sa résistance, Franklin exprime son inquiétude quant au son « pinko » et proteste : « Je ne vais pas passer le reste de ma vie à écrire en Europe ! L’allusion claire à la peur rouge de longue date aux États-Unis et à la liste noire continue d’artistes soupçonnés d’avoir des liens avec le communisme, en comparant l’activisme politique moderne à la guerre d’indépendance, était en soi révolutionnaire.

1961

Le trio de Nairobi

Ernie Kovacs, 'Le spectacle Ernie Kovacs'

Ernie Kovacs a été l'un des premiers expérimentateurs de la comédie, réduisant l'humour à ses éléments les plus simples ou du moins les plus étranges. Son chef-d'œuvre était le Nairobi Trio, un morceau récurrent dans lequel Kovacs et deux invités portant des masques de gorille et des chapeaux derby (souvent l'un d'entre eux serait une célébrité comme Frank Sinatra, mais on ne pouvait pas nécessairement le dire à cause des masques) exécutant un mouvement mécanique et absurde. routine chorégraphiée sur le loufoque « Solfège » du compositeur du XXe siècle Robert Maxwell. Ce qui distingue encore le travail de Kovacs, c'est qu'il a été tourné sans public, créant une sorte de hasard impassible qui conviendrait mieux à ceux qui le regardent à la maison. C'est aussi bizarre que ça en a l'air. On pourrait penser que Kovacs était en avance sur son temps, mais ce morceau a fait sensation. Kovacs a créé une étrange saveur de comédie que l'on peut voir partout maintenant, des Monty Python àSNLà Conan O'Brien. Il est particulièrement difficile d'imaginer un spectacle Adult Swim existant sans la bande de gorilles de Kovacs.

1963

Spider-Man ne peut pas encaisser un chèque

Stan Lee et Steve Ditko, "The Amazing Spider-Man"

Avant le début des années 1960, les super-héros étaient, pour la plupart, des idiots sans précédent. Superman, Batman, Wonder Woman et Captain America étaient totalement exemptés des préoccupations des êtres humains quotidiens, choisissant de crier des platitudes ennuyeuses sur la justice avant de retourner dans leurs antres immaculés pour contempler paisiblement le futur sauvetage du monde. Si l’argent a jamais été mentionné, cela n’a certainement jamais été un problème pour ces bienfaiteurs. Dieu merci, alors, pour l’avènement de Spider-Man, la première icône réaliste de la classe moyenne inférieure de la fiction de super-héros. L'écrivain Stan Lee et l'écrivain-artiste Steve Ditko ont conçu le robot d'exploration des murs pour être un adolescent névrosé et abusé qui se voit accorder brusquement des pouvoirs, puis les trouve autant un fardeau qu'un cadeau. Après tout, la lutte contre la criminalité est une entreprise non rémunérée, et l'enfant doit prendre soin de sa tante âgée et mettre à manger sur sa table, pour l'amour de Dieu. Dans le premier numéro de la série solo de Spidey, nous avons droit à un moment délicieux dans lequel ses ambitions héroïques et ses besoins financiers s'opposent. Il montre à contrecœur ses pouvoirs dans une émission en direct afin de gagner l'argent dont il a tant besoin, mais lorsqu'il reçoit le chèque, il se rend compte qu'il ne peut pas révéler son identité secrète et demande qu'il soit libellé à Spider-Man. . Dès son arrivée à la banque, il est informé que non, on ne peut pas encaisser de chèque si on porte un masque. Le gag est une subversion intelligente de l'infaillibilité des super-héros, produisant à la fois des rires et un regain d'intérêt pour le potentiel du genre – tout en montrant qu'aucune bonne action ne reste impunie, même pour un métahumain altruiste. De plus, l'image de Ditko d'un Spider-Man entièrement costumé faisant la queue dans une banque comme un zhlub total est tout simplement merveilleuse. De nos jours, les films de super-héros de Marvel comptent parmi les comédies les plus regardées de chaque année – bien sûr, les coups de poing et les explosions sont amusants, mais les gens viennent vraiment voir ces idiots éminemment humains se retrouver dans des situations farfelues et plaisantes les uns avec les autres. Avec cette blague, le concept du surhumain étrangement racontable s'est transformé en comédie, et il y est resté coincé depuis.

1963

'Bonjour Muddah, bonjour Faddah (Une lettre du camp)

Allan Sherman, « Mon fils, la noix »

Aux côtés d'Elvis Presley, Ray Charles etHistoire du côté ouest, le LP d'Allan ShermanMon fils, le chanteur folkétait parmi les disques les plus vendus de 1962. Sherman, un producteur juif corpulent de jeux télévisés, a vendu plus d'un million d'exemplaires de son premier recueil de parodies de chansons douces (mais certainement pas gentilles) aux accents yiddish, faisant de lui l'un des géants du boom des disques de comédie musicale de l'époque. , aux côtés de Tom Lehrer et Stan Freberg. Moins d'un an plus tard, Sherman enchaîne avec son troisième album,Mon fils, la noix, qui comprendrait sa chanson la plus connue, "Hello Muddah, Hello Faddah (A Letter From Camp.)" Sur l'air familier de "Dance of the Hours" de Ponchielli, la chanson est un appel désespéré d'un enfant au camp d'été. à ses parents, énumérant les atrocités qu'il est censé subir. La chanson a remporté le Grammy 1963 pour un disque de comédie et restera un éternel favori sur le « Dr. Demento » pendant des décennies – bien après le décès prématuré de Sherman en 1973 à l'âge de 48 ans. Essentiel à son développement, Weird Al Yankovic a inclus l'image d'un LP d'Allan Sherman sur la couverture de son propre premier album. « Hello Muddah » allait trouver un autre public dans les années 90, lorsqu'il inspirait tous deux en partie l'intrigue d'un film.Les Simpsonépisode et étaitjoué comme une blaguedans un autre trois saisons plus tard.

1963

« Est-ce que les gens assis dans les sièges les moins chers applaudiront ? Et le reste d'entre vous, si vous pouviez juste faire trembler vos bijoux.

John Lennon

Les pop stars avaient déjà fait des plaisanteries sur scène et certaines, comme le Rat Pack, avaient intégré des routines complètes dans leurs performances. Les Beatles, qui ont rapidement suscité des comparaisons avec les Marx Brothers, étaient différents. L'exemple le plus célèbre est peut-être celui du Royal Variety Performance, en présence de la reine mère et de la princesse Margaret. Avant de se rapprocher, John Lennon a tiré le meilleur parti de la situation et a prononcé les mots immortels ci-dessus. Tout aussi remarquable que la blague était la façon dont elle a été livrée, avec John s'écartant presque après l'avoir livrée, donnant un coup de pouce penaud à la caméra et un sourire à ses camarades du groupe. Cette plaisanterie serait l'une des premières couvertures médiatiques que les Beatles recevraient en Amérique, avecTempsl’utilisant dans un article intitulé « La nouvelle folie » et un journaliste de CBS notant : « Certains disent qu’ils sont la voix authentique du prolétariat ». Les Beatles sont devenus le plus grand groupe du 20e siècle et l'influence de leur point de vue et de leur attitude s'étendra au-delà de la musique jusqu'à chaque connard comique et mignon qui vous fait un doigt d'honneur avec un sourire enfantin.

1963

'Salut! Nous sommes M. et Mme Peters ! »

Dick Van Dyke, Mary Tyler Moore, Greg Morris, Mimi Dillard, Carl Reiner, Bill Persky, Sam Denoff, "The Dick Van Dyke Show"

C’est en fait la seule blague vers laquelle tout l’épisode se dirigeait depuis 20 minutes. Rob et Laura viennent de ramener à la maison leur nouveau-né, Richie. Rob, après quelques instants de malentendu, se convainc qu'ils ont ramené à la maison le bébé des Peters, le couple dans la pièce voisine. Finalement, Rob convainc les Peters de venir, sans qu'ils sachent qu'ils sont sur le point d'entrer dans une confrontation avec Rob. Jusqu'à ce qu'ils entrent dans la pièce et que le public voie qu'ils forment un couple noir. CBS était initialement nerveux à l'idée d'offenser le public afro-américain, mais le créateur Carl Reiner a fait valoir que la blague ne concernait pas les Peters, car plus tard dans l'épisode, Rob remarque que l'enfant des Peters a des A alors que Richie n'est que médiocre - un commentaire subversif à l’époque. Cette capacité à exécuter une blague d'une durée d'un épisode, si spécifiquement ancrée dans le personnage et également socialement consciente, met en évidence le niveau de qualité et de sophistication.Le spectacle de Dick Van Dykeapporté au genre sitcom à l’époque. Nous tenons pour acquis maintenant qu'une sitcom peut être une œuvre d'art de haut niveau dirigée par un auteur, mais avant que Carl Reiner n'introduise les Petries en Amérique, elle était principalement considérée comme un tarif plus léger et jetable.Le spectacle de Dick Van Dykea été un pas en avant sismique.

1965

Squamish, 43 joueurs

Tom Koch, George Woodbridge, magazine « Mad »

« Tout le monde vous ment, y compris les magazines. Pensez par vous-même. Questionner l’autorité » est le mantra éditorial du célèbreFourevue. Cette mentalité a contribué à la capacité du zine à parodier tout ce qui concerne la culture américaine. À l'origine une bande dessinée EC, le rédacteur en chef Harvey Kurtzman et l'éditeur William Gaines ont fondé le magazine en 1952. Tom Koch, qui avait travaillé avec Bob et Ray, a conçu le légendaire « 43-Man Squamish » et George Woodbridge l'a illustré. Publiées dans le numéro 95 de juin 1965, les trois pages de dessins détaillés comprenaient des images des membres de l'équipe, du terrain du Pentagone et même du National Squamish Rule Committee. Il énumère également toutes les règles absurdes telles que : « En cas de désaccord entre les officiels, la décision finale est laissée au spectateur qui a laissé sa voiture sur le parking avec les feux allumés et le moteur en marche. » Un article de réaction sur le sport collégial concocté est paru deux numéros plus tard. Les lecteurs ont écrit des lettres dans le magazine avec des photos de leurs équipes. L'un d'eux a déclaré qu'ils étaient champions invaincus parce qu'ils étaient la seule équipe de l'Ouest canadien. Ce qui a commencé comme des illustrations idiotes sous-titrées avec des règles non séquentielles s'est transformé en une réalisation subversive. C'estFouau sommet de sa puissance : absurde, stupide, idiot, ridicule. Difficile d'imaginer Weird Al,Les Simpson, ouL'oignonsans cela.

Vers 1965

'Je suis parfait'

Champs Totie

Les premières comédiennes ne pouvaient pas se fier uniquement aux blagues et, tout comme aujourd'hui, l'apparence d'une femme avait un effet important sur la façon dont le public interprétait son numéro. Phyllis Diller a été la pionnière du stand-up féminin avec l'aide de maquillages, de robes et de perruques extravagants pour se moquer d'elle-même. Joan Rivers a repris le flambeau de l'autodérision, mais l'a fait en tant que femme séduisante, mince et bien organisée. Totie Fields, la contemporaine de Rivers, a trouvé un équilibre qui aurait un impact durable sur les femmes dans la comédie : elle se moquait d'elle-même - d'elle-même, en surpoids et petite (4 pieds 11 pouces) - avec l'honnêteté et la confiance en soi d'une femme. Don Rickles. Une femme débauchée et pragmatique qui prospérait dans les boîtes de nuit autant que dans ses nombreusesSpectacle Ed Sullivanapparitions, Fields a ouvert la voie à des femmes comme Roseanne Barr, Lisa Lampanelli et Melissa McCarthy.

1965

Petites notes

Neil Simon, "Le couple étrange"

Neil Simon a commencé sa carrière en tant qu'écrivain pour la télévision pour Sid Caesar et est devenu le dramaturge et scénariste de comédie le plus acclamé et le plus prolifique de sa génération. Après ses premières pièces à BroadwayVenez klaxonneretPieds nus dans le parcouvert avec un grand succès, Simon a frappé le filon mère avec la comédie de copain définitive sur deux colocataires. L’un d’eux est un maniaque de la propreté. L'autre est un plouc.Le couple étrangecréé à Broadway réalisé par Mike Nichols en 1965, avec Walter Matthau et Art Carney, et fut un succès immédiat, remportant les Tony Awards pour Simon, Nichols et Matthau. La version ultérieure du long métrage de 1968 a créé la plus grande vitrine pour l'une des équipes de comédiens occasionnelles les plus adorées du cinéma de tous les temps : Matthau et Jack Lemmon. Le film a également été un énorme succès, menant aux aventures continues de Felix et Oscar dans l'adaptation de la série télévisée à succès mettant en vedette Tony Randall et Jack Klugman. Trois incarnations inspirées d’une idée simple mais brillante qui pourrait se résumer à ce seul discours. En créant une version plus approfondie du duo classique, Simon a créé un modèle qui a depuis été continuellement utilisé à la télévision et au cinéma.

1968

Pat Paulsen pour le président

Pat Paulsen, "L'heure de la comédie des Smothers Brothers"

À la fin des années 60,L'heure de la comédie des Smothers Brothersa offert un foyer à la contre-culture de la comédie sur un support défini comme étant grand public, mettant en vedette une gamme d'acteurs politiquement engagés. des célébrités et des invités musicaux et en recrutant des écrivains remarquables, dont Albert Brooks, Steve Martin et Don Novello. Lorsque les frères ont voulu parodier les élections politiques américaines, ils ont fait appel au comédien de San Francisco, Pat Paulsen, à cause de son impassible. La bande dessinée a été diffusée sous le parti du gouvernement américain Straight Talking, également connu sous le nom de STAG Party, et ses slogans ne plaisantaient pas : « Unis, nous nous asseyons », « Nous pouvons être décisifs, probablement » et « Si je suis élu, je gagnerai ». .» Sa campagne a révélé le pouvoir de la satire lorsqu'elle est menée à l'intérieur du processus et a ouvert la voie à la candidature similaire de Stephen Colbert à la présidence 40 ans plus tard. Lorsque Paulsen fut plus âgé, il exprima une certaine culpabilité à propos de la fausse campagne, notant qu'il avait pris les voix d'Hubert Humphrey lors de sa course serrée contre Richard Nixon. Le fait qu’il ait obtenu des votes démontre le pouvoir des comédiens qui font de la politique.

1968

« Enfile-le à… Meee ? »

Richard Nixon, Judy Carne, Paul Keyes, "Le rire de Rowan et Martin"

Quelque part, quelqu’un accuse les comédiens-animateurs Dan Rowan et Dick Martin du Watergate. Et même s'il n'y a pas de corrélation directe, il est vrai que leur émission de sketchs rapide et légèrement scandaleuse sur NBCRirea fourni à Richard Nixon une apparition qui aurait pu le faire élire. Après que le Grand Débat ait anéanti les chances de Tricky Dick contre John F. Kennedy en 1960, il était impatient d'avoir l'occasion de paraître léger et sympathique à la télévision et a déclaré à l'écrivain Paul Keyes qu'il apparaîtrait parmi les jupes courtes et les décors psychédéliques de la série. Lors de sa brève apparition, Nixon parvient à se tourner vers la caméra et à dire leRireslogan, mais non sans en faire une question délicate et laborieuse. Pourtant, l'effort a été suffisant pour montrer à la nation qu'il n'était pas trop coincé ou boutonné pour s'amuser un peu - et il a été élu deux mois plus tard. Il est difficile de penser que Barack Obama aurait échangé des coups avec Zach GalifianakisEntre deux fougères, Donald Trump aurait laissé Jimmy Fallon s'ébouriffer les cheveux, etSNLdeviendrait un arrêt essentiel de la campagne sans le camée de Nixon. Cela a encouragé les politiciens à être des artistes et des comédiens à faire parfois de la comédie avec les gens sur lesquels ils font habituellement des comédies.

1969

'TRAIT FINAL'

Philippe Roth

Le shtick américano-juif et la littérature américano-juive se sont mélangés pendant des décennies, mais a-t-il jamais existé un mélange plus performant ? Un roman qui commence drôle et en colère et devient de plus en plus drôle et en colère, se transformant en une véritable punchline, explicitement étiquetée PUNCH LINE. Par la suite, les deux idiomes ont fusionné, et vous n'auriez jamais vu Larry David se racler la gorge dans une longue blague sexuelle, ou Jonathan Safran Foer écrire dans un dialecte plaisant d'Europe de l'Est, sans cela.

1969

Perroquet mort

John Cleese, Michael Palin, Graham Chapman, "Le cirque volant de Monty Python"

La troupe de comédiens de six membres, formée à Oxford et à Cambridge, s'est appuyée sur les épaules de ses collègues collectifs de comédie britanniques, les Goons et Beyond the Fringe, pour devenir le premier et le plus important groupe à pénétrer la conscience américaine dominante. Compte tenu de la quantité et de l'impact de leur travail, choisir une seule blague est presque impossible, mais le discours furieux de John Cleese à propos d'un perroquet mort adressé au commerçant joyeusement malhonnête de Palin est probablement le plus célèbre. Le croquis équilibre magistralement ses prémisses surréalistes, sombres et absurdes en établissant des personnages pleinement réalisés avec un conflit clair. En conséquence, il est devenu une pierre de Rosette pour l’écriture de sketchs modernes, étudiée et revue sans cesse par chaque nouvelle génération de comédiens. Son influence se fait rapidement sentir dans les premières années deSamedi soir en direct, ainsi que presque tous les autres spectacles de sketchs depuis. Bob Odenkirk a déclaré queM. Show avec Bob et Davidétait une tentative de faire une version américaine de Flying Circus.

1969

"Les parties qui ont été exclues du livre de Kennedy"

Paul Krassner, « Le réaliste »

Juste avant la publication de William ManchesterLa mort d'un président,Dans son récit de 1967 sur l'assassinat de Kennedy, les représentants de Jackie Kennedy ont lu le manuscrit et ont exigé que quelques pages soient retirées. Paul Krassner, unFouancien élève et fondateur du mouvement Yippie qui avait grandi pour créer son propre magazine satirique,Le Réaliste,a publié un « récit » fantastique et joyeusement dégoûtant de ce qu’ils auraient pu révéler. Dans la scène prétendument supprimée de Krassner, installé à bordAir Force UnAlors que Lyndon Johnson rentrait à Washington avec le corps de JFK, Jackie avait croisé le nouveau président alors qu'il avait des relations sexuelles avec l'une des blessures du cadavre. C’était un exemple spectaculaire de la théorie selon laquelle si vous proposez un mensonge tel que la source ne peut même pas le reconnaître par un déni, il restera incontesté. Les radicaux et les théoriciens du complot, d’Infowars aux Sandy Hook Truthers en passant par le mouvement Birther, ont très bien appris cette leçon. Aux côtés de John Waters, qui, à son honneur, a filmé une reconstitution de l'assassinat avec Divine dans le rôle de Jackie Kennedy à peu près à la même époque,Le réalistes le numéro 75 marque un premier point culminant pour la comédie de mauvais goût.

1970

Le diable m'a obligé à le faire !

Retourner Wilson

Dans une interview de 1979, Flip Wilson a déclaré que le tournant de sa carrière a eu lieu lorsqu'un ami blanc lui a donné un conseil très précis selon lequel il ne devrait pas considérer le fait d'être noir comme quelque chose dont on peut se sentir désolé mais comme quelque chose qui l'étonne. "C'est à ce moment-là que j'ai réalisé à quel point il était intéressant d'être noir", a-t-il déclaré à l'intervieweur. "D'accord. Ils attendent de voir un nègre effrayé ou timide. Pas question, les nègres, c'est amusant. Les nègres, c'est bien ! Comme l'écrit Mel Watkins dansDu côté réel, la révélation « lui a permis de refléter dans son humour une célébration décomplexée de la vie noire ». L'exemple le plus célèbre est Geraldine, qu'il a présentée pour la première fois dans cette routine magistrale de stand-up dans laquelle Wilson joue le rôle du narrateur, Geraldine, Rev et le diable. Géraldine était une femme audacieuse qui, pour reprendre le langage de l'époque, était libérée. Elle était toujours confiante et toujours prête à dire ce qu’elle pensait. Beaucoup ne connaissent peut-être pas Geraldine aujourd'hui, mais même si vous ne saviez pas qu'elle en était la source, ses slogans ont imprégné la culture de chaque race : « Quand tu as chaud, tu as chaud, quand tu ne l'es pas, tu ne l'es pas. » "Ce que vous voyez est ce que vous obtenez." Et bien sûr, l’excuse de Géraldine lorsque les choses ont mal tourné : « Le diable m’a poussé à le faire. » Wilson a exploité le succès des blagues (Le diable m'a fait acheter cette robe, l'album sur lequel la blague est apparue a été un énorme succès et a remporté le Grammy) enLe spectacle Flip Wilson, qui a été la première émission de variétés à succès animée par un Afro-Américain. Geraldine est devenue une sensation et un incontournable de la série, Wilson s'habillant en travesti et séduisant généralement un invité masculin célèbre. Tant par son immense succès que par la richesse de ses personnages, Wilson a préparé le terrain pour le boom des sitcoms noirs qui allait survenir quelques années plus tard.

1971

« C'est votre camion ? »

Ruth Gordon, Bud Cort, Tom Skerritt, Hal Ashby, Colin Higgins, "Harold et Maude"

La sortie de films commeLe diplômé,Cavalier facile, etCinq pièces facilesillustre comment la contre-culture de la fin des années 1960 et du début des années 1970 s'est infiltrée dans la comédie cinématographique. Mais l'exemple le plus original et le plus distinctif de cette œuvre existentielle est peut-être l'histoire d'amour inattendue de Hal Ashby entre un garçon mécontent et une femme âgée irrépressible qui approche de son 80e anniversaire. Avant de rencontrer Maude aux funérailles d'un homme qu'aucun d'eux ne connaissait, on voit Harold en train de faire des farces à tous ceux qu'il rencontre avec d'ingénieuses mises en scène de fausses tentatives de suicide. Mais en Maude, il rencontre son homologue qui, dans sa joie de vivre, vole sans repentir plusieurs voitures, se moquant de la bienséance et de l'autorité. Leur romance devient plus choquante à sa manière subversive que même Bonnie et Clyde de l’époque. Les racines de tout ce que vous aimez dans le meilleur travail de Wes Anderson, en particulier dansRushmore, sont fermement ancrés dans le classique visionnaire d'Ashby.

1972

Divine mange des crottes de chien

Divine, John Waters, « Flamants roses »

Le scénariste-réalisateur John Waters a toujours été attiré par ce geste scandaleux, à la fois en réaction à l'Amérique nette et composée projetée par les médias des années 50 et comme moyen de satisfaire ses propres fantasmes joyeusement tordus. Au début du hit culte à petit budgetFlamants roses,le soi-disant « Pape de la poubelle » présente Babs Johnson – interprété par la drag queen baltimorienne Divine de 300 livres – qui doit repousser les challengers de son titre de « Personne la plus sale du monde ». L'intrigue est minime, mais une fois que le défilé ignoble du film, composé de meurtres, de relations sexuelles non consensuelles avec des poulets et de chants de trou du cul, est presque terminé, Babs s'avance pour accomplir un dernier acte de dépravation. Pendant que la chansonnette de Patti Page « (Combien ça coûte) Doggie in the Window » joue, Divine/Babs s'accroupit derrière un caniche gris hirsute ; elle attrape la crotte du chien, la met dans sa bouche, la mordille et donne finalement à la caméra un sourire brun et brillant. Dégoûtant? Choquant? Drôle? Oui à tout ce qui précède. Waters a codifié un style de camp de masse et l'a utilisé comme une arme contre le « bon » goût, inspirant tout le monde, de Matt Stone et Trey Parker à RuPaul, qui avait Waters.Course de dragsters, auÂneles gars, qui ont fait une apparition dans Waters dans leur deuxième film.

1972

Le dilemme de Maud

Bea Arthur, Adrienne Barbeau, Susan Harris, Norman Lear, ‘Maude’

Bea Arthur est devenue la Jeanne d'Arc des femmes d'âge moyen lorsqueMauda été dérivé deTout en famille, avec sa politique de gauche attirant de nombreux téléspectateurs à une époque de manifestations généralisées au Vietnam. Elle était opposée au refus d'Archie Bunker de changer avec son temps. L'émission contenait certainement du matériel lourd, mais Norman Lear a surtout utilisé sa réputation pour s'assurer qu'un épisode sur le protagoniste de 47 ans décidant de se faire avorter soit diffusé avec le futur.Filles d'orle scénario de la créatrice Susan Harris reste inchangé. Lors de la diffusion de cet épisode, Maude n'était pas officiellement le premier personnage télé à avorter (un non-titre du feuilletonUn autre mondeétait le premier, en 1964), mais jamais un personnage aussi important n'en avait eu et jamais une série n'avait capturé la procédure avec une telle humanité. Et cela signifie des blagues comme celle-ci. Oui, l'épisode en deux parties a abordé le problème avec la sévérité qu'il mérite, mais il l'a également traité avec suffisamment d'humour pour à la fois le rendre authentique et faire passer son message. Débutant 16 ans auparavantMurphy Brunet plus de 40 avantÀ l’intérieur d’Amy Schumer, les deux émissions, et tout le reste, remontent à « la première féministe de la télévision ». Par coïncidence, l'épisode en deux parties a été diffusé quelques mois seulement avant la décision de la Cour suprême dansRoe contre Wade.

1973

Président portoricain

Freddie Prinze, "Le spectacle de ce soir avec Johnny Carson"

En 1973, le comédien new-yorkais Freddie Prinze a eu la chance de faire du stand-up surLe spectacle de ce soir. Cette blague était la plus proche et elle a fait beaucoup rire, tout comme le reste du set. Johnny Carson lui a fait signe de parler sur le canapé, ce qui était la première fois que cela se produisait lors de la première apparition d'un stand-up dans la série. Il n’avait que 19 ans. C’était sa grande chance. Ce fut l’une des plus grandes réussites qu’un comédien ait jamais connu. Bientôt, il jouerait dans la nouvelle sitcom de NBC.Chico et l'homme. (« Ce n'est pas mon travail » deviendrait le slogan de son personnage.) Neuf mois après sa première apparition dansLe spectacle de ce soir, Prinze était la star d'une émission télévisée à succès. Deux ans plus tard, NBC lui a proposé un énorme contrat de 6 millions de dollars sur cinq ans. Quatre mois plus tard, après avoir lutté contre la toxicomanie et la dépression, Prinze s'est suicidé. Il avait 22 ans. Cette histoire est une mise en garde de la comédie stand-up. C'est l'histoire d'en avoir trop, trop vite, et de ne pas en avoir assez. Alors que la comédie était sur le point de prendre son essor, Prinze et son ascension devinrent une légende. À son tour, son premierSpectacle de ce soirla performance est devenue tout aussi mythique et tragique.

1974

"Larry - Rappelez-vous, ils sont tous pareils à l'envers et cela vaut aussi pour Twinky. Celui qui sait, français.

Doug Kenney, PJ O'Rourke, « Parodie de l'annuaire du lycée de National Lampoon de 1964 »

QuandLampoon nationalLes écrivains Doug Kenney et PJ O'Rourke ont décidé de parodier un annuaire de lycée, ce n'était pas destiné à choquer ou à repousser les limites comme le travail du magazine sur la politique, le sexe ou la religion, mais c'était une sorte de révélation : ils ont réussi pour souligner les points communs d'une expérience américaine quotidienne et se moquer d'eux tous de manière ludique. Des années avantLe club du petit déjeunernous a donné ses grandes lignes, la parodie du High School Yearbook de 1964 a fourni des articles sans enthousiasme, des photos horribles, des inscriptions insipides (du professeur de musique : « Don't B#, don't Bb, juste B. ») et un casting de personnages. reconnaissable par tous les enfants des banlieues – le « Psycho », le « Weirdo » et Maria Teresa Spermatozoa, alias « Quickie ». Il a même réussi à raconter l'histoire du propriétaire de cet annuaire en particulier, le terriblement médiocre Larry Kroger, qui se languit de l'introuvable « Twinky » Croup. Bien sûr, un lothario musclé appelé « Français » est arrivé, a séduit l'objet obscur du désir de Larry et a posté cette petite raillerie amicale au-dessus de la photo officielle de l'école de Larry. À un moment donné, Kenny a affirmé que l'annuaire « avait inventé la nostalgie », et il y a ici une véritable joie à identifier des types, mais Larry et ses camarades de classe sont également révélateurs du chagrin d'entrer dans l'âge adulte. De cette façon, l'annuaire a fait place à la foisJours heureuxetFreaks et Geeks.

1975

Les dizaines

Sherman Hemsley, Andrew Rubin, Mike Evans, Berlinda Tolbert, John Ashby, Don Nicholl, Michael Ross, Bernie West, Norman Lear, « Les Jefferson »

Il y a un débat sur l'origine des dizaines en tant que tradition populaire, mais certains historiens la font remonter à la traite négrière, voire même avant. Quoi qu’il en soit, au fil des siècles, il est devenu un élément essentiel de la culture noire. Une chanson de 1921 du comique de vaudeville noir Henry Troy, « Don't Slip Me in the Dozens, Please », est souvent reconnue pour avoir codifié une définition de la pratique, et lutter contre les insultes (souvent rimées) est devenu plus courant dans les villes américaines. Ce n’est pourtant que dans les années 1970 que cette pratique a été représentée dans la culture populaire dominante. Dans la première saison deLes Jefferson, George Jefferson joue les dizaines avec un voisin biracial comme une sorte de test de sa noirceur. La scène capture le jeu de manière authentique et affectueuse. Écrite par l'écrivain noir John Ashby, la scène fait également honneur à Norman Lear, qui a utilisé son influence considérable à Hollywood, après le succès deTout en famille, pour aider à obtenir plusieurs émissions sur les familles noires – en plus deLes Jefferson, il y avaitSanford et filsetBons moments– à l’antenne, proposant (avec des émissions commeCe qui se passe!etGros Albert et les enfants Cosby) le portrait le plus diversifié de la vie quotidienne des Noirs dans la comédie américaine à ce jour. Il s’agissait d’une étape cruciale qui mènerait à des sitcoms entièrement noires, sans parler de l’intégration de la comédie noire qui se produirait au cours des décennies à venir, avec Eddie Murphy, Def Comedy Jam et au-delà.

1975

"Je ne peux pas arrêter ma jambe"

Robert Klein

En 1975, Robert Klein, né dans le Bronx et formé à la Yale School of Drama – et formé à Second City – est devenu le tout premier comédien à introduire la forme d’une comédie spéciale en concert sur HBO. Ce serait le premier d’une série de neuf pour la chaîne câblée premium. Chacune des émissions spéciales ultérieures de Klein se terminerait par des versions réinventées de la routine qui devint sa carte de visite. Créé sur scène au célèbre club de comédie d'improvisation de New York, « I Can't Stop My Leg » marie le jeu virtuose de l'harmonica blues de Klein et sa maîtrise comique. Lui, avec son album classique de 1973Un enfant des années cinquante, a établi Klein comme l'une des trois plus grandes influences citées par la prochaine génération d'artistes de stand-up, aux côtés de George Carlin et Richard Pryor. Jay Leno, Richard Lewis, Jerry Seinfeld, Bill Maher et Jon Stewart ont tous reconnu que Klein avait apporté une intelligence collégiale à l'art du stand-up qui a inspiré leur travail.

1976

Les négociations de l’heure Mao-Tsé Toung

Marlene Warfield, Kathy Cronkite, Arthur Burghardt, Paddy Chayefsky, Sidney Lumet, "Réseau"

En de très rares occasions, une satire prédit l’avenir avec une précision étrange. Exemple concret : le chef-d'œuvre du dramaturge et scénariste Paddy Chayefsky de 1974Réseau.Après que le journaliste stoïque Howard Beale ait levé le voile, il a déclenché un mouvement en encourageant les téléspectateurs à crier : « Je suis fou de rage et je ne vais plus le supporter ! » depuis leurs fenêtres. À partir de là, l’information devient un divertissement, les téléspectateurs confus aspirent tout ce que les programmeurs cyniques leur proposent, et l’humanité se perd dans les rouages ​​de la machine corporative. Certains des moments les plus drôles du film mettent en scène des personnages secondaires tels que le groupe de guérilla violent calqué sur l'Armée de libération symbionaise, qui ne peut s'empêcher d'être pris dans la course aux audiences, à l'argent et au pouvoir. En tant que nouveauHeure Mao Tsé Tounggagne du terrain parmi les téléspectateurs, il y a une négociation tendue sur les contrats qui se termine par le coup de pistolet susmentionné et la déclaration finale cinglante du chef de l'armée. Entre critique médiatique et prophétie boule de cristal,Réseauprésageait non seulement les imbéciles bavards de Fox News mais aussi leurs parodistes, comme ceux vus surLe spectacle quotidienetLe rapport Colbert.

1977

« La guerre, c'est l'enfer »

Alan Alda, Mike Farrell, Larry Linville, William Christopher, Larry Gelbart, Gene Reynolds, Burt Prelutsky, 'M*A*S*H'

Basée sur le long métrage de 1970 du réalisateur Robert Altman, la comédie noire sur un groupe de médecins de l'armée stationnés à l'étranger pendant la guerre de Corée présentait des séries de dialogues rapides et vifs se déroulant de manière improbable dans le contexte sanglant d'une salle d'opération chirurgicale. Créé par Larry Gelbart et Gene Reynolds,ÉCRASERa été créée une saison après la refonte de la grille de télévision du réseau de télévision CBS, qui était auparavant dominée par des comédies rurales telles queBeverly HillbilliesetAcres verts. Mais après avoir marqué avec de nouvelles séries sophistiquées en 1971, dontTout en familleetLe spectacle de Mary Tyler Moore, le réseau s'est senti enhardi et a programmé la comédie cinématographique à caméra unique l'année suivante. La série mélange habilement pathétique et punchlines, même si elle joue dans un pays profondément divisé au sujet de la guerre du Vietnam. Alan Alda a joué le rôle de Hawkeye Pierce, le principal médecin malin dont le pacifisme et l'indignation morale ont été incisivement levés par son esprit groucho marxien. Cette blague, survenue au cours de la saison cinq (Gelbart était parti, mais la qualité est restée incroyablement élevée), montre comment la série a pu aborder les sujets les plus lourds – la moralité, la guerre, la foi – le tout dans une blague bien écrite.ÉCRASERa été une étape importante dans l'évolution continue de la sitcom, inspirant toutes les séries ambitieuses qui ont suivi, deAcclamationsàCommunautéàLe bon endroit.

1977

Miss Piggy séduit Rudolf Noureev

Jim Henson, Frank Oz, Rudolf Noureev, "The Muppet Show"

D'une intro géniale parsemée de gags à des reprises très conceptuelles de chansons à succès populaires,Le spectacle des marionnettesoffert un petit quelque chose pour tout le monde. Son cadre de spectacle de variétés dans le spectacle faisait place aux grenouilles à claquettes, aux émissions de cuisine en charabia et juste assez de temps pour que tous oublient leurs différences et chantent « Bennie and the Jets » avec Elton John. À l'aide de marionnettes expressives que peu de gens avaient vues auparavant, le créateur de Muppet, Jim Henson, et son équipe ont combiné des personnages mémorables, des jeux de mots hokey et des blagues visuelles idiotes dans un grand et grand ragoût. Chaque enfant des années 70 a probablement un souvenir préféré des Muppet, mais aucun segment ne fait la différence entre l'enfant et l'adulte comme celui dans lequel l'amoureuse Miss Piggy tente de séduire le célèbre danseur soviétique Rudolf Noureev hors de sa serviette dans un film. sauna. Pendant que les enfants peuvent profiter d'un cochon agressant une personne visiblement mal à l'aise, les adultes peuvent ricaner du contraste élevé et des implications absurdes d'un tel rendez-vous. Cet intérêt à s'ébattre simultanément avec les enfants tout en faisant un clin d'œil aux adultes (avec un solide jeu de mots) était une caractéristique de Henson - et il est difficile d'imaginer un divertissement familial moderne sans cela.

1978

Demi-esprit

Eugene Levy, John Candy, Andrea Martin, Joe Flaherty, Martin Short, "SCTV"

SCTV, abréviation deTélévision de la deuxième ville(d'après le célèbre théâtre d'improvisation), n'a pas réinventé la roue du sketch-comédie. Ils ont simplement proposé une vision meilleure, débarrassée du relâchement dû àSNLLe calendrier d'écriture d'une semaine et la dépendance à l'égard des performances live. Le format du jeu télévisé a toujours été propice à la parodie, par exemple, mais personne ne le faisait mieux à ce moment-là queSCTV. Sur « Half-Wits », le jeu est à égalité depuis deux semaines avec les quatre mêmes concurrents qui n'ont pas tous répondu correctement à une question. Tout au long du sketch, les candidats se voient poser des questions de plus en plus simples auxquelles ils sont incapables de répondre. À partir de cette seule description, vous pourriez penser que la structure vous semble un peu familière. Norm MacDonald serait d'accord, écrivant sur son Twitter : « J'ai eu l'idée de Celebrity Jeopardy il y a des années en le volant, note pour note, d'un classique de SCTV, Half-Wits. » Alors queSNLétait toujours plus populaire,SCTV, avec son écriture plus pointue et sa voix plus cohérente, a cultivé un public de proto-comédies nerds, inspirant la prochaine génération de comédiens de sketchs, deLes enfants dans le hallàL'ÉtatàMonsieur Show.

1979

« Parlons salement aux animaux »

Gilda Radner, Michael O'Donoghue, "Gilda Live à Broadway"

En 1979,Samedi soir en directavait déjà lancé sa part de grandes carrières cinématographiques. Chevy Chase a été la première à partir pour jouer aux côtés de Goldie Hawn dansJeu déloyal. John Belushi et Dan Aykroyd étaient en train de réaliserLes frères Bluesaprès le tournant qui a changé la vie de Belushi dans l'aubaine du box-officeMaison des animaux. Même Bill Murray, qui a rejoint le casting lors de la deuxième saison, venait de marquer un coup sûr en tant que leader de la série.Boulettes de viande. Mais qu’en est-il de Gilda Radner ? Avec sans doute le catalogue de personnages le plus complet et le plus diversifié surSNL— Emily Litella, Judy Miller, Baba Wawa, Candy Slice, Lisa Loopner, Roseanne Roseannadanna — son heure semblait inévitable. En 1979, au sommet de sa puissance et de sa popularité, elle occupe littéralement le devant de la scène, toute seule, dansGilda en direct à Broadwayau Théâtre Winter Garden. Il présentait ses plus grands succès et présentait l'amusant et sale « Parlons sales aux animaux », qui capitalisait brillamment sur son côté ludique de jeune fille. Il est facile de voir comment Gilda a représenté un changement radical pour les femmes dans le sketch et la comédie en général, introduisant un nouveau sentiment de joie dans la forme, inspirant et influençant chaque génération qui a suivi.

1979

Les humains ne voient pas de tableau d'affichage ; Terre détruite

Douglas Adams, « Le guide du voyageur galactique »

Il est difficile de réaliser une satire véritablement drôle dans la science-fiction, mais Douglas Adams n'était pas un scribe de science-fiction ordinaire. Mélangeant absurdisme, fantaisie fantastique et commentaires sociaux intelligents dans un breuvage comique enivrant, le Britannique éternellement sec a fait sensation dans le monde entier en adaptant sa populaire série radiophonique.Le guide du voyageur galactiquedans un roman de 1979. L'histoire suit un Anglais peu impressionnant nommé Arthur Dent, qui voyage dans le cosmos avec un copain extraterrestre après une apocalypse soudaine. La Terre explose pour une raison ridiculement banale : une équipe de démolition extraterrestre a programmé sa destruction pour faire place à une autoroute spatiale. Leurs vaisseaux spatiaux apparaissent dans le ciel et délivrent un message nonchalant de l'Autorité palestinienne nous rappelant qu'il y a eu une annonce dans un bureau gouvernemental sur Alpha Centauri qui nous a donné à tous suffisamment de temps pour évacuer. Quand quelqu'un informe l'annonceur que nous ne sommes même pas allés sur Alpha Centauri, il nous traite d'apathiques et procède à la destruction. Un écrivain de moindre importance aurait simplement présenté la démolition comme une métaphore des coûts du progrès industriel, mais Adams livre également une plaisanterie mignonne sur les hypothèses erronées et l'amoralité de la bureaucratie qui se renvoie la responsabilité. L'humour des extraterrestres impliqués et parlés familièrement est désormais courant dans des œuvres allant deGardiens de la GalaxieàDocteur Who(pour lequel Adams a écrit au début de sa carrière), mais à l’époque, c’était le talent magique unique d’un pionnier de la fiction spéculative. Il convient de noter en particulier l'influence du livre sur ses compatriotes britanniques Edgar Wright, Nick Frost et Simon Pegg - de la même manière qu'Arthur consulte le guide titulaire pour obtenir des conseils sur la navigation dans l'espace profond, le roman a montré la voie à ce trio de cinéastes pour amener l'ironie littéraire au grand public. fiction de genre publiée.

1982

Appel de farce d'Air Florida

Howard Stern

« La comédie équivaut à une tragédie plus du temps », dit la vieille scie, mais le temps dont on a besoin est souvent sujet à débat. Le roi autoproclamé de tous les médias, Howard Stern, a toujours été à l'avant-garde en matière de réduction de cette durée dans son émission de radio quotidienne. L'exemple le plus tristement célèbre s'est peut-être produit alors que Howard était encore à Washington, DC, à la WWDC, et commençait tout juste à évoluer vers son personnage de choc-jock. Le 14 janvier, un jour après que le vol 90 d'Air Florida s'est écrasé sur un pont au-dessus de la rivière Potomac, Howard a appelé la billetterie de la compagnie aérienne pour demander un billet aller simple pour le pont de la 14e rue. Bien qu'il prétende que la farce n'a pas affecté la décision de la station, Howard n'a pas survécu à l'année à Washington et il est parti à New York pour se faire connaître. Bien que Twitter soit aujourd'hui immédiatement rempli de blagues plus ou moins appropriées au moment où une tragédie survient, Howard a été parmi les premiers à se diriger droit vers la potence et à essayer de faire quelques plaisanteries pendant que la nation pleurait. Ce jour-là, et pendant des décennies après, Howard Stern a repoussé les limites de la comédie de mauvais goût, en particulier de sa version hétérosexuelle et masculine.

1984

'Mange-le'

Bizarre Al, "'Bizarre Al" Yankovic en 3D'

Avec un pied enraciné dans la maladresse de Spike Jones etFoumagazine, Weird Al Yankovic a introduit la parodie dans l'ère MTV. Yankovic a commencé à parodier la musique populaire alors qu'il était adolescent en Californie du Sud, envoyant des enregistrements à domicile à l'émission de radio du Dr Demento. Il finira par obtenir un contrat d'enregistrement et eut quelques succès mineurs avec "Another One Rides the Bus", une parodie de "Another One Bites the Dust" de Queen et "I Love Rocky Road", une parodie de "I Love Rock" de Joan Jett. 'n' Roll. Mais les choses ont changé lorsqu'il a filmé une parodie plan pour plan du clip « Beat It » de Michael Jackson pour sa chanson « Eat It ». Prenez ces paroles qu'il chante dans le clip vidéo dans un comptoir de restauration vide. Cela reflète presque à l’identique ce que Michael Jackson fait au même moment dans la chanson de la vidéo « Beat It », mais au lieu de glisser froidement, Al trébuche et trébuche. Être aussi précis sur le plan sonore et visuel, tout en restant aussi loufoque, était un changement de paradigme. C’était ce qu’on attendait désormais d’une parodie de la culture pop. Ce qui est stupéfiant, c’est que même si plus de trois décennies se sont écoulées, son héritage est toujours fermement ancré. La technologie, notamment en termes de distribution, a changé, mais vous regardez la plupart des parodies Funny or Die ou College Humor et l'étrangeté d'Al est toujours là.

1984

« Souviens-toi de ce visage »

Sam Kinison, « Spécial jeunes comédiens de Rodney Dangerfield »

Avec cette seule blague, la carrière de Sam Kinison a décollé du jour au lendemain, avecle New-YorkFoisfaisant référenceà l'innovation signature du comédien « sauvagement misogyne » comme « un hurlement animalier grotesque qui pourrait être décrit comme le cri primal de l'homme marié ». Et c’est ainsi qu’est né le mythe de Sam Kinison, le comédien rock star. S'inspirant de ses années de prédicateur pentecôtiste, Kinison a apporté du feu et du soufre à la comédie stand-up, criant littéralement ses punchlines.àla foule. Pour Kinison, le public n'était pas son ami, mais son ennemi, et le travail du comédien n'était pas d'être aimé mais de faire rire le public jusqu'à le soumettre. Pour le meilleur ou pour le pire (parfois pour le pire), cela signifiait repousser les limites du côté le plus sombre de la comédie, flirter avec la misogynie, le racisme et l'homophobie. Pourtant, Kinison a eu une énorme influence sur Bill Hicks et a inauguré un style de jeu beaucoup plus conflictuel qui inspirera ce que nous considérons encore aujourd’hui comme une « comédie de club ». Élevant la barre en matière de théâtralité du stand-up, un peu de Kinison est présent dans chaque stand-up force de la nature, comme Lewis Black ou Leslie Jones.

1985

"Tout le monde est jeune"

Sandra Bernhard,'Je suis ta femme'

À la fin des années 70, Mitzi Shore, propriétaire du Comedy Store, a décidé de transformer une petite salle de 50 personnes à l'étage en un espace de représentation pour les comédiennes qui autrement n'auraient pas de temps sur scène. Nommé Belly Room, il est devenu bien plus que prévu, car des talents comiques visionnaires comme Whoopi Goldberg et Sandra Bernhard ont utilisé l'espace pour expérimenter différentes formes de stand-up. Alors que tous deux partageaient une sensibilité théâtrale, Bernhard a été le pionnier d'une sorte de style de stand-up comme d'un numéro de cabaret, qui entrecoupait des histoires personnelles ironiques avec des succès dance et pop tout aussi sardoniques et auto-écrits. Le premier album de Bernhard en 1985Je suis ta femme, basé sur le spectacle solo du même nom, a capturé son style révolutionnaire. Dans «Everybody's Young», Bernhard réfléchit à un fait honnête et frustrant concernant sa vie, puis le transmet immédiatement, le glamourisant avec une chanson pop ironique. Même si elle s'est ensuite fait un nom en critiquant la culture des célébrités (et en en faisant partie via son amitié avec Madonna et son rôle dansRoseanne)dans les années 90, son influence sur l'incorporation du spectacle solo dans le stand-up et la définition d'un cabaret moderne de style comédie Joe's Pub est son plus grand héritage.

1987

«École de théâtre noir»

Robert Townsend, Jimmy Woodard, Keenan Ivory Wayans, "Hollywood Shuffle"

Il y a trente ans, le comédien et acteur Robert Townsend, lassé des emplois d'acteur offerts aux Afro-Américains, a décidé de faire quelque chose. Dans une histoire qui est devenue l'objet de la tradition du cinéma indépendant, Townsend a utilisé plusieurs cartes de crédit au maximum pour réaliser son propre long métrage. Il a écrit, réalisé et joué dans une série de sketchs satiriques qui s'articulaient autour du récit d'un acteur en difficulté. Le film à l'intérieur du film présente le personnage de Townsend comme un « type Eddie Murphy », tous les patrons blancs l'encourageant à être « plus noir ». Le reste du film s'oriente vers les fantasmes de Bobby à la Walter Mitty, y compris la « Black Acting School », toujours d'actualité, où les acteurs noirs apprennent à « agir en noir » comme l'exige Hollywood – c'est-à-dire jouer des esclaves et des membres de gangs. Le sketch, et le film dans son ensemble, ont ouvert la voie àMélangertravail ultérieur du co-scénariste et co-star Keenan Ivory WayansJe vais te faire chier,En couleur vivante, et tout le genre de comédie à changement de code.

Vers 1987

« Tu es malade, Jessy… Malade, malade, malade ! »

Gary Larson, « La face cachée »

Quand la bande dessinée obsédée par les hommes des cavernes, les extraterrestres et les animaux de Gary Larson a atterri à San FranciscoChroniqueen 1980, rien de tel n’avait jamais vraiment eu lieu auparavant. "Peanuts" a fait une légère satire sociale,Doonesburyfaisait de la politique, mais la surréalité intellectuelle de Larson séduisait un autre type de cerveau : un cerveau qui aimait la science, la nature et l'histoire, et qui était heureux de voir tout cela jeté dans un mixeur et servi d'une manière complètement nouvelle. Au cours des 15 années suivantes, les bandes dessinées de Larson ont expliqué pourquoi les dinosaures ont disparu (cigarettes, fumées subrepticement), ce que disent réellement les chiens (« Hé ! Hé ! Hé ! ») et comment se déroulent les séances d'aérobic en enfer. Parfois, cela frappait les lecteurs avec une vision méchante et impossible, comme lorsqu'il imaginait une vache carnivore cuisinant des hamburgers dans une toque de chef tout en étant chahuté par ses camarades bovins indignés. Larson a clairement contribué à ouvrir la voie à des nerds intelligents qui ont depuis fait de sérieux progrès dans le monde de la comédie, notamment avec des bandes dessinées comme Patton Oswalt et des émissions telles queMST3K.

1987

«Peut-être que je n'aurais pas dû donner mon numéro de téléphone au gars qui m'a pompé le ventre, mais qui s'en soucie?» De toute façon, ma vie est finie.

Carrie Fisher

Être toxicomane était la phrase la plus rapide de Carrie Fisher, etCartes postales du borda trouvé la comédie dans les miasmes de son malheur hollywoodien. En tant que progéniture d'une rupture tristement célèbre, Fisher a toujours été insensible au culte des célébrités, mais enfiler les doubles chignons de la princesse Leia a fait de sa culture nerd l'héroïne. DansCartes postales, elle s'est moquée de tout cela : mère et fille – un couple qui n'est pas sans rappeler Fisher et Debbie Reynolds – s'affrontent à chaque page, jouant à la corde pour obtenir l'attention du roman. Dans son one-woman show de 2009Boire un vœu pieux, Fisher a déclaré qu'elle avait toujours su que la scène de la pompe à l'estomac serait la première blague du livre. Cela fonctionne parfaitement, résumant son irrévérence pour Hollywood, la médecine et ses propres dépendances. Carrie Fisher savait bien rire de la texture de sa vie, etCartes postalesa pris son rétablissement au sérieux mais avec humour. Alors que Richard Pryor avait déjà plaisanté sur sa toxicomanie, traiter sa dépendance avec franchise et avec beaucoup d'esprit était quelque chose d'entièrement nouveau.

1988

« Donald Trump, le vulgaire aux doigts courts »

Kurt Andersen et Graydon Carter, "Espion"

Le magazine le plus influent de son époque a laissé sa marque : une typographie minuscule compliquée, des cliparts kitsch, de petites têtes flottantes en guise d'illustrations, des tableaux et des graphiques analysant tout ce qu'il couvrait, et de grandes histoires mémorables racontées avec une sensibilité ironique et une rigueur sans ironie. Mais il est clair que son seul emblème doté des jambes les plus longues était l’épithète péjorative composée avec un trait d’union, une mise à jour de l’ancienne épithète péjorative composée d’un trait d’union.Tempsstyle de maison. «Laurence Tisch, milliardaire nain grossier», «chaton sexuelSalon de la vanitémannequin Diane Sawyer », « l'homme amoureux musqué et supersuave Billy Dee Williams » :Espionner'Les rédacteurs de l’ouvrage avaient le don de résumer une personne entière en trois ou quatre mots. Y compris un « Donald Trump vulgaire aux doigts courts », dont la rage face à cette caractérisation continue à ce jour, et qui a maintenant son tout petit doigt sur le bouton. (Triste !) Leur irrévérence désinvolte se poursuivra bien au-delà du dernier numéro du magazine en 1998 ; il est presque impossible de trouver un blog amusant qui ne dépend pas au moins un peu deEspionnerLa voix et le ton de.

1988

La bête noire

George Meyer, « l'homme de l'armée »

Bien avant que George Meyer ne devienne l'épine dorsale deLe Les Simpsonéquipe de rédaction, il était un auteur de comédie respecté à New York, travaillant pour David Letterman etSNL.Puis il s’exile volontairement à Boulder, dans le Colorado, et sa légende commence véritablement. Là, Meyer a crééHomme de l'armée, un zine lo-fi rempli de petites blagues et d'histoires enivrantes et piquantes d'écrivains qu'il admirait (dont Bob Odenkirk, Roz Chast et Jack Handey, qui y a contribué ses premières Pensées profondes). Les écrivains n'étaient pas crédités, ce qui a permis à Meyer de façonner et de cultiver la sensibilité particulière du magazine. La parution de « America's Only Magazine » ne comptait que trois numéros, mais les auteurs de comédies parlent encore de ses réflexions hétéroclites et de la pureté de ses intentions sur un ton ravi. L’ensemble de la série présente une sorte de ton imperturbable et jovial et certains des meilleurs gags – comme celui ci-dessus – restent dans la lumière même tout en jouant avec l’obscurité existentielle.Homme de l'arméeLe mélange de poèmes, d'histoires de chiens hirsutes, de dialogues et de blagues sur les blagues a jeté les bases d'une façon de penser la comédie qui se perpétuerait dans la série télévisée la plus longue de l'histoire, et au-delà.

1988

"Ce n'est pas un astéroïde"

Joel Hodgson, « Théâtre scientifique mystère 3000 »

Et si, au lieu de simplement animer des segments autour des pauses publicitaires pendant la projection du film, l'animateur faisait des commentaires tout au long de l'événement, comme vous et vos amis idiots vous moquant d'un film schlocky à la maison ? Le concept était à la fois innovant et familier. La vraie différence, cependant, résidait dans les blagues qu'ils faisaient, comme le fait qu'ilsGuerres des étoilesréférence, ci-dessus, dès le tout premier épisode. Le spectacle était suffisamment bon marché pour que Joel Hodgson, le créateur du spectacle et animateur humain original, ait été autorisé à façonner l'étrange spectacle de marionnettes comme il le souhaitait, en grande partie intact, et par conséquent, il était rempli d'humour nerd. Jamais auparavant il n'y avait eu autant de Frank Zappa,Star Trek,Docteur Who,et d'innombrables autres références nerd regroupées dans une seule émission. Hodgson aimait dire cela dans la salle des écrivains, si quelqu'un demandait : « Est-ce que les gens comprendront ça ? le refrain était "Ledroiteles gens comprendront ça. Ces gens ont découvert le spectacle et ont compris qu’il était fait juste pour eux.MST3KL'influence de s'est d'abord fait sentir dans les salles de comédie alternative par des comédiens comme Patton Oswalt et Brian Posehn, menant finalement à la sitcom la plus populaire à la télévision,Théorie du Big Bang.

1989

'Quai Dickory Hickory'

Andrew Dice Clay, 'Le Diceman Cometh'

Au moment où Andrew « Dice » Clay a atteint le rang de superstar de la comédie à la fin des années 80, il n’y avait pas grand-chose de nouveau dans sa comédie d’insultes misogyne. Son positionnement, cependant, était différent. Son ascension est directement corrélée à la réouverture du débat sur le politiquement correct, dont son acte constitue l’antithèse. Deuxièmement, Andrew Dice Clay était ostensiblement un personnage qu'Andrew Clay Silverstein, l'homme qui l'incarnait, n'aimait pas. Ensemble, Clay a codifié une sorte de stand-up qui impliquait de prononcer des propos explicitement offensants avec l'implication tacite de « Je plaisante ». Après Clay, le style de comédie « c'est une blague » deviendra de plus en plus populaire, même si les stand-ups n'avaient pas de personnages évidents à blâmer. (Si vous élargissez ce groupe pour inclure les animateurs de télé-réalité, nous venons d'élire l'un de ces gars président.) Dans l'émission spéciale de stand-up 2016 du populaire comédien australien Jim Jefferies, par exemple, il a directement préfacé un peu le viol par Bill Cosby. en expliquant que ce n'était qu'une blague et qu'il ne voulait pas être violé par Bill Cosby. Ces comédiens soutiennent que le club de comédie est un espace sûr pour explorer ces pensées sombres sans agir en conséquence dans le monde réel. Leurs critiques soulignent que les fans brandissent leurs poings comme preuve qu’ils font plus de mal que de bien. Ce cycle – les comédiens utilisant leur liberté d'expression pour dire des choses inappropriées, suivis par les membres du public utilisant leur liberté d'expression pour s'en plaindre – tourne en rond depuis que l'horloge de Clay a sonné deux heures, et ne s'arrêtera pas de si tôt.

1989

Buddy Cole sur le racisme

Scott Thompson, « Les enfants dans le hall »

De toutes les contributions durables à la comédie apportées parLes enfants dans la salleL'irrévérence caractéristique de , le personnage de Buddy Cole de Scott Thompson pourrait être le plus vital. Les années 80 et 90 ont été un moment particulièrement homophobe dans la comédie, avec des insultes lancées avec désinvolture par les plus grands artistes de la décennie – comme Eddie Murphy, Sam Kinison et Andrew Dice Clay. Les monologues de Cole sur leEnfants" Les émissions de télévision étaient une réaction à cela, à la fois implicitement etexplicitement. Jusque-là, si vous étiez LGBT, vous étiez soit la cible de la blague – les gags idiots du Blue Oyster Bar duÉcole de policeles films utilisant la panique gay comme punchline sont particulièrement odieux – ou enfermés dans le moule de Paul Lynde. Buddy Cole a plaisanté sur le fait d'être gay et sur le fait que c'était parfaitement normal et génial. Mais Buddy n’était pas seulement un personnage gay parlant d’être gay. Le génie de Buddy, c'est qu'il était un personnage gay qui parlait de tout. On oublie parfois que la blague en zézaiement, qui résume parfaitement le personnage, faisait partie d'un long monologue sur le racisme et les stéréotypes qui nous divisent. Buddy remet en question toute la prémisse de l'animosité raciale et conclut son intervention avec un appel à la compréhension lancé avec son sarcasme ironique caractéristique. «Je ne sais pas de quoi il s'agit, nous sommes tous ici juste pour trouver l'amour. Je pense simplement que le monde serait bien meilleur si les scientifiques pouvaient garder leurs règles à calcul dans leur pantalon. Cela me rappelle quelque chose que Yoko Ono a dit un jour à Malcolm X dans un bistro à Rome. « Oh, la nourriture est horrible. Mais le serveur est hilarant. » Buddy Cole a contribué à changer la façon dont les hommes homosexuels étaient représentés dans la comédie. Il a fallu un certain temps avant que la comédie grand public ne rattrape son retard, mais l'impact de Buddy Cole et Scott Thompson est resté évident près de trois décennies plus tard.

1989

'Pas!'

Mike Myers, Dana Carvey, "Saturday Night Live"

En 1833, Thomas Carlyle écrivait : « Je considère maintenant le sarcasme comme étant, en général, le langage du diable… » ​​Wayne Campbell serait probablement d'accord, mais à la manière de Dio. Lorsque Mike Myers a présenté pour la première fois le personnage de Wayne àSamedi soir en directen 1989, sur la base de la description, l'écrivain Conan O'Brien a tenté de l'éloigner. Plutôt,Le monde de Wayneest apparu dans le quatrième épisode de Myers en tant que membre de la distribution dans la tristement célèbre machine à sous « dix contre un ». Presque immédiatement, le croquis est devenu une partie de l’air du temps, introduisant un flux constant de slogans. "Certainement pas!" "Nous n'en sommes pas dignes!" « Schwing ! » Toute cette ironie et cette angoisse se sont finalement parfaitement résumées à un seul mot crié, dans la troisième incarnation du sketch. Le « non ! » La blague, que certains attribuent au groupe Anthrax pour avoir utilisé pour la première fois dans les années 80, est simple : quelqu'un dit quelque chose qui semble authentique, puis le sape immédiatement avec un « Non ! » moqueur. - mais aprèsLe monde de Waynec'était bientôt partout. L'American Dialect Society a nommé « non » son mot de l'année en 1992. Le sarcasme allait sans doute devenir la forme dominante de comédie dans les années 90, incarnée par le « non » vivant. blague, Chandler deAmis. Bien que son utilisation ait pratiquement disparu à la fin de la décennie, « non ! » réapparaît encore de temps en temps, qu'il soit utilisé par Borat ou par notre président élu.

1990

Les enfants de Bébé

Robin Harris, "One Night Stand"

Pendant des années après l'invention du club de comédie, les stand-ups noirs ont été pour la plupart relégués dans les soirées noires ghettoïsées des clubs traditionnels jusqu'à ce qu'ils soient jugés capables de traverser la frontière. Puis, à la fin des années 80, il y a eu une augmentation des clubs de comédie appartenant à des Noirs, qui ont permis aux stand-ups noirs de parler directement au public noir de la vie dans leurs quartiers communs, sans se préoccuper des opinions des étrangers. Robin Harris, comédien et acteur né à Chicago et élevé à Los Angeles, était un comique de la scène de la comédie noire de Los Angeles et représentait le style qui a émergé. Avec un personnage bourru mais adorable, qui rappelle Redd Foxx à son apogée, Harris a cultivé une clientèle enragée en tant que MC maison au Comedy Act Theatre de South Central. Sa prestation au lance-flammes d'improvisation de foule est devenue une légende, inspirant une nouvelle génération de comédiens, dont Bernie Mac et Cedric the Entertainer. L'industrie du divertissement a entendu le buzz et se rendait au cœur du quartier de Crenshaw pour voir Harris dans son élément. Des rôles au cinéma tels que son rôle inspiré de « Sweet Dick Willie » dans Spike Lee'sFaites la bonne chosesuivit bientôt. La documentation la plus significative sur le stand-up de Harris est son film HBO de 1990.Une aventure d'un soir,qui s'appuie sur sa signaturehuit minutesroutine consistant à chaperonner un groupe d'enfants coriaces à Disneyland. Avec son étoile montante, Harris est décédé d'une crise cardiaque plus tard cette année-là, à l'âge de 36 ans. Le morceau, soigneusement composé et incroyablement spécifique, a pu être directement traduit en long métrage d'animation deux ans plus tard. .

1992

« Top model (tu ferais mieux de travailler) »

RuPaul, Jimmy Harry, Larry Tee, « mannequin du monde »

Le clip de « Supermodel (You Better Work) » a fait ses débuts sur MTV pendant les vacances de 1992, et rapidement – ​​également de manière surprenante, compte tenu de la domination du grunge à l'époque (même si Kurt Cobain en était fan) – a fait de RuPaul une star. Le single est finalement devenu le plus grand single grand public de RuPaul, atteignant la 45e place du classement.Panneau d'affichageHot 100. Mais les chiffres minimisent l'importance de la vidéo elle-même, qui est devenue canonique dans le domaine du drag, car elle a été la première véritable introduction de l'Amérique traditionnelle au vocabulaire, au style et à la verve des drag queens. « Supermodel » lui-même est un modèle sur la façon de faire du drag commercialisé, où il est rempli de références à la culture pop. Par exemple, la blague dans la dernière scène de la vidéo fait référence au classique des années 1950.Boulevard du Coucher du Soleil. RuPaul canalise son meilleur Gloria Swanson, tous sourires serrés et sourcils jaloux. Son personnage de mannequin semble plus âgé à ce stade, mais il est toujours avide de gloire et obsédé par son apparence. À l'époque, il était nouveau de regarder une version camp d'un vieux personnage hollywoodien, quelque chose qui est depuis devenu un standard dans son émission.La course de dragsters de RuPaulet au-delà. La première plaisanterie du drag est que la performance n'est pas réelle : c'est une représentation hyperbolique d'une autre personne. Mais la vraie plaisanterie, bien sûr, c’est l’idée que tout cela était réel au départ.

1992

"C'est comme essayer de donner un Tic Tac à une baleine"

Adèle Givens, « Def Comedy Jam »

Avec « Je n'ai pas peur de vous, enfoirés » de Bernie Mac, c'est sans doute la blague la plus célèbre de l'histoire deDef Comedy Jam, et peut-être le plus gros rire jamais vu à la télévision (pouvez-vous imaginer plus grand ?!). Comme Mac, Givens était un produit de la scène de la comédie noire de Chicago, et même si elle est probablement une auteure de blagues plus forte, elle aussi a prospéré dans ses interactions avec le public. La blague Tic Tac et la réaction qu'elle suscite reflètent l'amélioration du statut des comédiennes dans la scène du stand-up noir. Bien qu’il y en ait toujours eu, de Moms Mabley à Whoopi Goldberg, elles ont été traitées comme des exceptions – un peu comme les femmes de la communauté blanche du stand-up. Des comédiens comme Givens, Sommore, Laura Hayes et Mo'Nique (qui ont fait ensemble une tournée en tant que reines de la comédie) ont prouvé que les comédiennes pouvaient frapper plus fort, devenir plus sales et être plus honnêtes que leurs homologues. Des blagues comme celle-ci ont également élevé la barre en matière de créativité et de spécificité des insultes du travail de foule que les comédiens de club de toutes races tentent toujours de suivre. Même si elle n’a peut-être pas eu les opportunités télévisuelles et cinématographiques offertes à ses homologues masculins, Givens a constitué un pas en avant en affirmant la place de la femme noire dans la comédie. Des blagues comme celles-ci ne pouvaient être niées.

1992

Journaux du Santaland

David Sedaris, «Édition du matin»

Il est difficile d'imaginer la scène narrative actuelle – y compris les spectacles en direct comme The Moth et la liste toujours croissante d'auteurs dont les recueils d'essais personnels envahissent les sections mémoires des librairies – sans David Sedaris et ses premières apparitions sur NPR.Édition du matin,et plus tard,Cette vie américaine. Le misanthrope de Caroline du Nord à la voix douce nous a guidé à travers ses jours en tant qu'elfe de Macy's : guidant les clients ici et là dans le rôle de son personnage à moitié joyeux, Crumpet, flirtant, esquivant les bagarres et faisant "Away in a Manger" avec son impressionnante voix de Billie Holiday. . Le baryton nasal et l'accouchement sec de Sedaris étaient curieux mais tout à fait normaux ; cela a bercé les auditeurs jusqu'au moment où il leur a révélé ses petits fantasmes méchants (comme celui ci-dessus). Plus longs que les anecdotes et plus courts que les autobiographies, les segments digestes de Sedaris ont jeté les bases d'histoires à la première personne méchantes, incisives et presque toujours sincères dans des livres, notammentNuetMoi, je parle joliment un jour. Tous les comédiens qui ont écrit un livre d’essais, de Tina Fey à Sarah Silverman en passant par Patton Oswalt, lui doivent beaucoup de gratitude. En outre, Sedaris, avec l'interprétation de son œuvre, a préparé le terrain pour la NPR-ification de la comédie, où des comédiens, comme Mike Birbiglia et Tig Notaro, ont trouvé de grandes percées surCette vie américaine,et d'autres, comme Phoebe Robinson et Jessica Williams, ont même leurs propres émissions de radio publique.

1992

Merde, Gina

Martin Lawrence, Tisha Campbell-Martin, John Bowman, Topper Carew, 'Martin'

Les années 1990 ont été une période remarquable pour la comédie noire à la télévision.Def Comedy JamàEn couleur vivante, et tout le reste. Le nouveau réseau Fox était à l'avant-garde de cette explosion de créativité, avec les éléments susmentionnés.En couleur vivante, Roc,Vivre célibataire, et la série qui a fait de Martin Lawrence une superstar. Ce fut un moment décisif pour la portée de la comédie noire contemporaine, commeMartinea été adopté par un public qui, autrement, n'aurait peut-être aucune idée du hip-hop joué par le personnage principal éponyme. Peut-être qu'ils ne pouvaient pas comprendre le fait d'avoir un voisin commeBruh Homme, mais tout le monde pouvait comprendre la relation entre Martin et Gina, une mise à jour moderne du couple classique de sitcom, avec le petit-ami-mari irascible et maniaque et la petite-amie-femme toujours indulgente et presque toujours juste. Et tout cela a été capturé dans le slogan le plus durable de la série : « Merde, Gina ». Dit de différentes manières – parfois juste « putain », parfois « bon sang, Gina » – et pour signifier diverses choses – parfois « je t'aime », parfois « je veux faire l'amour », souvent « je suis épuisé ». de choses à dire et je suis frustré »- c'était un témoignage de la capacité de Lawrence en tant qu'interprète. (Le conflit réel entre Lawrence et l'actrice Tisha Campbell de Gina – des accusations de harcèlement sexuel, une détente qui impliquait que Lawrence et Campbell ne partageaient pas de scènes ensemble – a aigri leur alchimie initiale, mais il ne fait aucun doute que ce qu'ils ont partagé à l'écran était le cœur saignant de la série.) Lawrence connaîtrait une période de succès sur grand écran dans des films commeMauvais garçonsetStrie bleue, mais ce fut de courte durée. Il n'a pas fallu longtemps avant qu'il joue dans Schlock commeChevalier noiret enfreignant la loi, se retrouvant finalement hospitalisé à plusieurs reprises. Mais leMartineLa série reste une référence, non seulement dans sa filmographie, mais dans les annales de la comédie noire.

1993

Ours se masturbant

"Tard dans la nuit avec Conan O'Brien"

David Letterman a introduit l'idée du spectacle de fin de soirée entre guillemets, où le format était traité avec une distance ironique. C'est une blague dadaïste du genre « Nous avons un spectacle de fin de soirée etceC'est ce que nous décidons de faire : nous déposons des objets du toit. Quand Conan O'Brien a pris le relaisTard dans la nuit, il a poussé cette philosophie encore plus loin, ajoutant un sentiment de bêtise débridée. Dans un trèsLes Simpson-à la manière de Harvard, il s'est spécialisé dans la création d'une configuration très sophistiquée pour un moment très stupide, et il n'y a pas de meilleur exemple de cela que l'ours masturbateur, qui venait généralement expliquer l'économie ou comment une destitution fonctionne, pour ensuite commencer à se masturber vigoureusement. La blague n'est pas seulement que Conan a demandé à une personne de se déguiser en ours qui se masturbait sur "Sabre Dance", mais aussi qu'il a continué à récupérer l'ours. C'est la comédie denous passons juste un bon moment ici, en étant des idiots enfantins et des idiots.L'esprit d'O'Brien'sTard dans la nuitinfusé toute la nuit qui a suivi, mais peut également être vu dans le relâchement et la bêtise des podcasts populaires commeComédie Bang ! Claquer!.

1994

Maître ivre

Jackie Chan, Lau Kar-leung, Edward Tang, Tong Man-ming, Yuen Chieh Chi, "La légende du maître ivre"

Vous regardez Jackie Chan à son apogée et vous voyez un peu tous les maîtres de la comédie physique : Buster Keaton, Harold Lloyd, Charlie Chaplin, Chevy Chase, etc. Ce qui est incroyable, c'est qu'il les incarnera tous, tout en exécutant un scène de combat précisément chorégraphiée. Chan a réalisé de grandes cascades au cours de sa carrière – en particulier lorsqu'il a commencé à travailler avec des réalisateurs américains – mais il est à son meilleur dans des scènes comme celle-ci, où il peut offrir une performance comique plus nuancée. Le plus grand truc de Chan est de se donner un handicap dans une scène de combat – dans ce cas, il doit se saouler de plus en plus au fur et à mesure – ce qui le place effectivement comme un outsider à la Lloyd essayant juste de persévérer. Puis, venant de la position d'un homme ordinaire, il est capable de rire partout avec des expressions faciales presque vaudevilliennes. Après quelques faux départs (comme le très méconnuGrande bagarreen 1980), Chan est devenu un nom bien connu en Amérique avec leHeure de pointesérie, ce qui donneLa légende du maître ivreobtenir une distribution réussie aux États-Unis plusieurs années après sa sortie en Chine, gagnant ainsi une place surTempsla liste des 100 plus grands films de tous les temps. Jackie Chan a combiné le burlesque et les arts martiaux comme personne avant lui, augmentant le niveau d'action que l'on pouvait attendre dans une comédie et la comédie dans un film d'action, mettant ainsi la table pour les deux films commeDead PooletRenseignements centraux.

1995

L'esprit de Noël

Trey Parker, Matt Stone, "South Park"

Il était clair, dès la première grande introduction à la petite ville de montagne du Colorado de Trey Parker et Matt Stone, que le monde qu'ils construisaient était déjà complètement formé et complètement fou. Dans ce qui est officiellement le deuxième court métrage d'animation en stop-motion de South Park, quatre petits enfants blancs à la bouche ronde escortent Jésus nouvellement revenu au centre commercial – où l'attend l'ennemi juré de Jésus, le Père Noël. Les deux figures paternelles des fêtes de fin d'année se disputent sur la commercialisation de Noël, se battentCombat mortelstyle et tue Kenny par inadvertance. À la fin de l'épisode, Stan, Kyle et Cartman apprennent une leçon totalement erronée sur la signification de la période des fêtes ; apparemment, il s'agit de cadeaux. Le fait que les garçons interprètent immédiatement la seconde venue du Christ comme un complot de vengeance contre leur ami juif Kyle est parfaitement révélateur de l'aventure profane, blasphématoire et ridicule qui est la nôtre.Parc Sud.Pas étonnant que cela soit devenu l'équivalent du « viral » au milieu des années 90 : les cassettes VHS ont fait le tour d'Hollywood comme une sorte de carte de Noël, et ont finalement atterri sur Comedy Central. Le court métrage de Parker et Stone a donné naissance à la série qui a encore du punch aujourd'hui, et le duo continue de repousser les limites de l'humour offensant, sur le câble et dans leur célèbre comédie musicale de Broadway.Livre de Mormon.

1998

« Travesti exécutif »

Eddie Izzard, « Habillez-vous pour tuer »

Cependant, Eddie Izzard défie pratiquement toute catégorisation, puisqu'il a lui-même choisi le surnom de « travesti exécutif », c'est celui qui est resté. Le comédien et acteur britannique a fait son apparition sur scène après avoir attiré l'attention au célèbre Festival Fringe d'Édimbourg en Écosse il y a plus de 25 ans. Personne n’avait jamais vu un homme comme lui auparavant. Il était lettré et absurde, souvent jusqu'au surréalisme et au glamour. Mais son apparence n'a jamais été campagnarde, bouleversant les conventions comiques établies de longue date concernant les hommes vêtus de vêtements pour femmes. Ce n'était pas un peu. C'était Izzard qui jetait le gant concernant sa propre identité et, ce faisant, faisait en comédie ce que David Bowie avait fait en rock and roll. Izzard est rapidement devenu un phénomène international, interprétant sa comédie dans plusieurs langues sur tous les continents. John Cleese l'a surnommé le « Python perdu » et toute une génération de nouvelles voix dans la comédie queer et britannique, notamment Noel Fielding de « The Mighty Boosh », sont clairement sa progéniture.

1998

Barbecue familial

John Leguizamo, "Monstre"

Les comédiens font des spectacles solo depuis au moins la victoire de Tony de Lily Tomlin en 1977Apparaissant Nitely. Gilda Radner, Whoopi Goldberg et Sandra Bernhard ont organisé des spectacles similaires de cette façon. Chacun offrait une combinaison de personnages, de narration et de chansons. John Leguizamo a fait ses débuts dans cette tradition, avec son prix Obie et Outer Critics Award en 1991.Bouche de Mamboet lauréat du Drama Desk Award 1993Spic-O-Rama, dans lesquels il a joué de nombreux personnages. Puis, en 1998, il a fait sa percée (c'est-à-dire de manière créative, puisqu'il s'était déjà établi à Hollywood à ce moment-là), avecMonstre, un one-man show sur son enfance. Combinant des éléments du spectacle solo basé sur des personnages et des monologues comme Spalding Gray, John Leguizamo a atterri sur quelque chose d'entièrement nouveau. Comme dans cette blague, il racontait des histoires à la Bill Cosby, par exemple sur un pique-nique familial, mais habitait ensuite les proches dont il parlait, ce qui aboutissait à une expérience de stand-up inhabituellement riche. La performance lui rapportera un autre Drama Desk Award, ainsi qu'un Emmy pour la version HBO. Avec Julia Sweeney, il a lancé le boom des spectacles solo de la fin des années 90 et du début des années 2000, où il semblait que chaque stand-up donnait à ses actes des arcs narratifs. Au fil du temps, cela est devenu moins une tendance, mais plutôt une manière différente pour certains stand-ups d'aborder leur forme.

1998

VH1 Divass en direct

Kathy Griffin, « Coupe de discussion chaude »

Lorsque Kathy Griffin a commencé à se produire sur scène dans les années 90, elle a rapidement découvert qu'elle n'était pas une bonne personne pour les clubs de comédie traditionnels. "J'ai réalisé que je bombardais les clubs parce que je perturbais le rythme d'écoute standard de setup/punchline, setup/punchline", écrit-elle dans son livre de 2009.Sélection officielle du club de lecture. Griffin est un conteur qui se délecte de la culture pop et des expériences personnelles, et l'extrait ci-dessus, deTasse de conversation chaude, illustre le style conversationnel qui portera sa carrière pendant des décennies. Cela arrive au milieu d'une discussion de 12 minutes surVH1 Divas en direct, dans lequel elle récapitule l'intégralité du spectacle, s'adressant constamment au public comme une amie bavarde (« Oh, vous avez entendu la rumeur selon laquelle Céline et Mariah ne s'aiment pas ? »). À l'instar d'une Joan Rivers contemporaine, ce qui fait le succès du numéro de Griffin réside en partie dans le fait qu'elle occupe une perspective à la fois interne et externe. En tant que personne se produisant sur scène et régulièrement à la télévision (cette émission spéciale a été enregistrée alors qu'elle était co-star surSoudain, Susan), c'est une célébrité (même si elle se considère comme une « D-List »), mais elle parle de célébrités et de potins sur les célébrités avec le même enthousiasme que votre voisin curieux qui savoure chaque page deNous chaque semaine.Elle traite son public sur un pied d'égalité et comme la moitié d'une conversation, ouvrant la voie à des bandes dessinées contemporaines telles que John Early, Beth Stelling et Phoebe Robinson.

2001

"Ne sachant pas quoi faire d'autre, une femme prépare un gâteau au drapeau américain"

L'oignon

Après les attentats du WTC et du Pentagone le 11 septembre, de nombreux Américains ont été tellement secoués qu'ils se sont réellement demandé si et comment ils rireaient à nouveau. Heureusement, les écrivains fidèles du journal satiriqueL'oignonétaient là pour lancer le processus. Le numéro publié deux semaines seulement après le 11 septembre était un travail véritablement vivifiant et cathartique. C'était également le premier numéro distribué par la rédaction après avoir pris racine dans le Wisconsin et déménagé à New York. Les gros titres remarquables, qui étaient les plus prochesL'oignona toujours laissé l'émotion s'infiltrer dans son détachement ironique, y compris des éléments tels que « Dieu avec colère clarifie la règle « Ne tuez pas » ». Une histoire qui a portéLe OignonLe témoignage d’une femme instable préparant un gâteau au drapeau américain, même si elle n’avait « jamais exprimé de sentiments de patriotisme sous forme de gâteau », a été la marque distinctive de la magnificence des réalisations d’un « homme de la région » de niveau intermédiaire. Cet acte banal et dénué de sens, doté de ce sentiment de profonde douleur, s'est adressé directement à une population désarticulée au cours des derniers mois de 2001 et a aidé de nombreux comédiens à retourner au travail.

2001

'Journal'

Elizabeth Banks, Paul Rudd, David Wain, Michael Showalter, "Wet Hot American Summer"

Été américain chaud et humideest sans doute le film de comédie alternative déterminant de l'année, devenant la pierre de touche des goûts les plus stupides d'une génération. La comédie, surtout après Steve Martin, a toujours essayé de trouver des moyens intelligents d'être stupide, et les co-scénaristes David Wain et Michael Showalter ont atteint de nouveaux sommets dansHumide et chaud.Dans cette scène, Paul Rudd, pas encore sur la liste A, prononce mal le motjournalcommejournaliste. Et pas seulement ça, il pense que connaître la bonne façon de prononcerjournalsignifie que Lindsay est intelligente. Ce niveau de stupidité ne devrait pas fonctionner, mais le film crée un univers distinctif où cela a du sens, comblant le fossé entre les stand-ups alternatifs ironiques et acerbes des années 90 (commeChauds et humidespropre Janeane Garofalo) et ses films larges et discrets (Il y a quelque chose à propos de Mary). Et cet univers continue d'être revisité, explicitement dans le préquel Netflix du film, mais aussi dans le sens de l'humour général des nombreux projets dans lesquels ce casting légendaire a été impliqué, depuis le travail de Wain surHôpital pour enfantsau travail d'AD Miles en tant que rédacteur en chef deL'émission de ce soir avec Jimmy Fallon.

2001

Bonnes et mauvaises nouvelles

Ricky Gervais, Stephen Merchant, « Le bureau »

En 2001, Ricky Gervais a inventé l’un des protagonistes principaux les plus divertissants et les plus mal adaptés de l’histoire de la télévision. David Brent, directeur général d'un bureau de marchand de papier, a du mal à adopter un comportement socialement acceptable. Même si le spectacle est axé sur un ensemble, les autres personnages jouent le rôle d'un homme hétérosexuel dans la dynamique. Leurs personnalités variées créent un cadre réaliste et ancré que Brent peut mettre mal à l'aise. Un classiqueBureauÀ ce moment-là, Gervais dans le rôle de Brent évoque la sincérité au début d'une déclaration pour ne faire suite qu'à une pensée douloureusement maladroite et profondément égoïste. Il est le maître des grincer des dents, et grâce à cela, un nouveau type de comédie a pris le dessus à l'échelle mondiale. Finie l'ironie non filtrée qui définissait une grande partie des années 90, et à sa place, il y avait une blague qui venait de quelqu'un qui essayait sincèrement d'être aimé et qui échouait si lamentablement. Évidemment, David Brent a ouvert la voie à la version américaine deLe bureau, mais on peut voir des lueurs des BritanniquesBureaudans presque toutes les comédies authentiques, maladroites et fondées des 15 dernières années.

2002

Corde raide alligator

Steve-O, "Jackass : le film"

Les cascades risquées et le fait de regarder des amis se blesser font partie intégrante de la comédie depuis l’ère du cinéma muet. La bande d'idiots à la peau épaisse et partageant les mêmes idées que Johnny Knoxville a poussé les choses à l'extrême. Des voiturettes de golf écrasées, des luttes contre des anacondas dans des piscines à balles et des fusées éclairantes depuis des trous de cul étaient quelques-unes des pièces individuelles du spectacle ; superposés les uns aux autres, les actes horribles se déroulaient comme des épaves de train devant lesquelles il était impossible de s'arrêter de rester bouche bée. Dans l'une des premières cascades qui auraient pu réellement entraîner la mort de quelqu'un, Steve-O tente de marcher nu sur une corde raide, en sauvegardant un jockstrap rempli de poulet cru. Personne ne pouvait croire que cette marque MTV de frère schadenfreude augmentait son QI, mais elle rendait n'importe quelle farce ou émission de caméra cachée antérieure en comparaison et a engendré un certain nombre d'imitateurs édulcorés, deDes jokers peu pratiquesaux idiots sur YouTube, et a également élevé la barre quant à ce que le public des comédies interpréterait comme une situation dangereuse, que Sacha Baron Cohen franchirait, quelques années plus tard, avecBorat.

2003

La main de Buster

Tony Hale, Mitch Hurwitz, « Développement arrêté »

AvantDéveloppement arrêtéet avant Internet, le rappel fonctionnait d'une manière : obtenir un rire de reconnaissance en faisant référence à une blague déjà faite. Puis, assez effrontément (considérant qu'il s'agissait de configurations dont les gains seraient des saisons qu'ils n'auraient peut-être jamais et qui exigeraient que les gens aient accès à des DVD qui pourraient ne jamais sortir ou à des rediffusions qui pourraient ne jamais avoir lieu), Mitch Hurwitz a décidé d'inverser la situation en plaisantant. cela changerait le sens de lignes auparavant inoffensives. "Cette fête va être tirée d'affaire !" » a déclaré Buster en avril 2004, mais ce n'est qu'en mars 2005 – lorsque Buster se fait mordre la main par un phoque et remplacée par un crochet – que cela devient une blague. Même chose pour unmainplein d'autres moments qui viennent de passer lors du premier visionnage. (Il y avait aussi quelques exemples de ce qui serait considéré comme une préfiguration classique.) Cela a essentiellement révolutionné le timing fondamental d’une blague. Hurwitz et son équipe ont à leur tour modifié la relation du public à la blague, en leur demandant d'être un participant actif, soit en trouvant la blague, soit, au minimum, en la recherchant. Un nouveau niveau de densité de sitcom-blagues a été atteint. Les blagues sur les œufs de Pâques sont désormais une pratique assez courante, avec certaines émissions commeKimmy Schmidt incassableouBoJack Cavalierje les utilise occasionnellement, et montre commeCommunautéetArcherde la même manière, nous recherchons des coins et recoins pour placer des blagues pour les fans les plus purs et durs.

2006

Hymne national kazakh

Sacha Baron Cohen, Dan Mazer, Peter Baynham, Anthony Hines, Todd Phillips, Larry Charles, « Borat : les enseignements culturels de l'Amérique au profit de la glorieuse nation du Kazakhstan »

L'histoire va: AvantBoratest sorti, les cinéastes ont organisé une projection spéciale pour les poids lourds de la comédie, dont Larry David, Garry Shandling,Les Simpsonl'écrivain George Meyer et Judd Apatow, et après la fin du film, Meyer s'est tourné vers Apatow et a dit : « J'ai l'impression que quelqu'un vient de me jouer le rôle.Le sergent. Poivrepour la première fois. » En partie,Boratcela ressemble à une montée en puissance d’une grande partie de l’histoire de la comédie. Il y a l’humour dialectal, il y a une réticence à la Kaufman à briser le personnage, il y a unDr Folamour– niveau satire, il y a une comédie de copains, il y a un poisson hors de l'eau, il y a de l'humour grinçant, il y a de l'humour dégoûtant, il y a une comédie de cascades. Et tout s’est réuni pour amener cette humble farce au rang de grand art. En intégrant le sentiment de danger réel, en plaçant Borat en territoire ennemi (même si la foule ne sait pas qu'ils sont ennemis, mais pourrait s'en rendre compte à tout moment), Cohen & Co. a trouvé un moyen de faire monter la tension dans la mise en place de une blague à un niveau sans précédent. Pour qu’une foule de gens l’acclament lorsqu’il dit : « Puis-je dire d’abord que nous soutenons votre guerre terroriste ? - dévastateur. Puis, quand il chante les paroles incroyablement stupides de l'hymne inventé,c'estquand la foule hue. Il s'agit de la comédie "Lucy in the Sky With Diamonds".Boratl'influence deLe rapport ColbertC'est peut-être le plus évident, mais vous pouvez également le voir dans la plupart des satires traditionnelles en général, en particulierFrontal complet avec Samantha Beela méchanceté etLa semaine dernière ce soirC'est une grosse bêtise. Mais au-delà de ça,Borat, sans doute, a inspiré toutes les comédies qui ont suivi, sinon dans la forme, du moins en élevant la barre de ce qui est possible.

2009

Gays contre Noirs

Wanda Sykes, "Je vais être moi"

En 2009, les États-Unis venaient d'élire leur premier président noir et la lutte pour l'égalité du mariage était plus intense que jamais.Je vais être moi, sorti cette année-là, Wanda Sykes articule avec éloquence les complexités de l'identité. L’évolution des points de vue sur la race et l’identité sexuelle a clairement trouvé un écho chez le comédien récemment sorti. Elle décortique avec brio les contrastes entre l’identification comme gay et comme noir. Comme l'explique le morceau, être noir était évident dès la naissance, mais malheureusement, l'homosexualité est toujours considérée comme quelque chose de choisi. Par exemple, elle « n’avait pas besoin de se présenter comme noire » auprès de sa famille, et ainsi, une belle prémisse est née. Elle imagine un scénario dans lequel elle aurait dû parler à ses parents de sa couleur de peau. La blague a été considérée comme un classique instantané et reflétait le changement prochain de la comédie vers une lutte contre la politique de l'identité.

2011

'RIP 2011 : 2011-2011'

Megan Amram

La meilleure façon de résumer la comédie d'Amram pourrait bien être la citation de sa mère qui constitue sa biographie sur Twitter : "C'est cette comédie étrange, sexuelle et anti-comédie qui est à la mode en ce moment." Et même si ce style d'humour est immédiatement reconnaissable en 2017, il ne l'était pas autant avant que Twitter ne crée un espace d'entraînement (et souvent une salle d'audition) pour les comédiens. Cela s'est produit à peu près au moment où Amram a obtenu son diplôme de Harvard et a rejoint le site de médias sociaux, en 2010, devenant ainsi l'une des premières écrivaines « inconnues » à acquérir une notoriété, et finalement des concerts d'écriture télévisée de qualité, grâce à son travail dans la limite des 140 caractères. . La beauté du tweet d'Amram réside dans la simplicité de ses répliques adaptées à Twitter (comme la blague ci-dessus qui a reçu plus de 4 000 RT et a lancé une tradition annuelle), alors que Twitter célébrait les comédiens qui ont condensé la structure de la ligne de frappe en une seule. drôle d'unité. Son style est devenu une norme pour les autres comédiens et les aspirants auteurs de comédie qui souhaitent tweeter ou se frayer un chemin vers le sommet, en particulier les femmes qui peuvent être intimidées en poursuivant des emplois d'écrivain de comédie traditionnellement dominés par les hommes. Les années ont passé et la façon dont les « blagues » étaient utilisées sur Twitter a été corrompue ; la démocratisation de la comédie proposée par Twitter a finalement enhardi le nationalisme blanc et, par conséquent, un président (et vice versa).

2011

« Suis-je le seul à prétendre que je suis dans un clip vidéo quand je suis seul ? »

Issa Rae

La première blague du premier épisode d'Issa RaeLes mésaventures d'une fille noire maladroiteprésente au spectateur bien plus que la prémisse duPrécairesérie Web du créateur 2011. Il s'agit en fait d'un récit à la première personne très personnel, une introduction à tout son champ d'intérêt : le vaste espace entre la vie intérieure d'une femme afro-américaine et les banalités bien plus atroces du monde extérieur. Cette blague représente le changement majeur que YouTube et la production numérique relativement bon marché ont offert à la comédie. Les personnages, les points de vue et les voix qui n'étaient auparavant pas entendus dans la culture dominante disposaient d'une plate-forme pour atteindre un large public avec des mondes hyper-spécifiques. Rae est finalement passée de YouTube à HBO, mais sa voix comique est restée aussi développée et individuelle que le premier moment gênant.

2012

Blocage des enchères

Keegan-Michael Key, Jordan Peele, Peter Atencio, « Key & Peele »

En 2012, la comédie à sketches semblait quelque peu au point mort avec une époque qui se terminait àSamedi soir en directalors que Kristen Wiig et Andy Samberg quittaient la série, et que les gens devenaient nostalgiques des sketchs classiques deLe spectacle de ChappelleetM. Show. Il y a eu beaucoup de sketchs en ligne et dans les théâtres d’improvisation, mais rien n’a vraiment éclaté. Puis, franchissant la porte quiPortlandiea ouvert une fissure,Clé et Peeleest arrivé avec un niveau d'exécution sans précédent et a, à son tour, déclenché un mini boom du croquis américain. Les créateurs Keegan Michael-Key et Jordan Peele ont suivi.Le spectacle de Chappelledans leur capacité à construire des sketchs qui mettaient en scène l'absurdité des relations raciales, mais ils étaient aussi beaucoup plus des classiques du sketch dans la veine deSCTV. En conséquence, leurs meilleurs sketchs incorporaient à la fois des commentaires raciaux et des innovations formelles. Le « bloc d'enchères » estClé et Peeleà son meilleur : une prémisse intelligente et subversive – deux esclaves qui sont insultés lorsque des maîtres potentiels n'enchérissent pas sur eux lors d'une vente aux enchères – parfaitement réalisée. La différence ici, et avec toutK&Ples meilleurs croquis, était la direction. FréquentClé et PeeleLe réalisateur Peter Atencio capture exactement l'apparence et la sensation des films d'esclaves hollywoodiens. Bien qu’il ne s’agisse pas d’une parodie directe, cette sensation cinématographique a changé la donne, repoussant encore davantage la précision tonale que le public attend de la comédie.À l’intérieur d’Amy Schumerc'est célèbre12 hommes en colèrela parodie et l'étrangement précisDocumentaire maintenant !appris une chose ou deux deClé et Peele, tout comme le croquis américain du sommet de la montagne,SNL, qui ne sait plus vraiment faire des parodies ou des hommages préparés à la hâte (à moins qu'une partie de la blague soit que ça a l'air mauvais).

2014

Le choix

Julia Louis-Dreyfus, Matt Walsh, Armando Iannucci, Roger Drew, Ian Martin, "Veep"

C'est soit le destin, soit la roue du temps qui revient sans cesse qui a progressivement donné naissance à la comédie HBO d'Armando IannucciVeepà la hauteur de la politique américaine moderne, mais même lors de la première de la série en 2012, il était clair que le véhicule de Julia Louis-Dreyfus offrait un nouvel aperçu dévastateur de la politique nationale, décrivant nos dirigeants comme des personnages piégés dans une sitcom absurde sans fin. Aucun épisode n'a mieux capturé le sentiment de réalité-satire des dirigeants de notre pays que « The Choice » de la troisième saison, dans lequel la vice-présidente de JLD, Selina Meyers, doit déterminer sa position sur l'avortement via un jeu d'échecs politique byzantin. Ses convictions personnelles ne doivent jamais entrer en jeu, car que Dieu l'aide si la population comprend qu'elle est une femme. Passer au peigne fin le travail de Iannucci surDans la boucleetL'épaisseur de celui-ci, les dons comiques légendaires de Julia Louis-Dreyfus et une touche géante d'actualité,Veepreprésente un nouveau sommet de satire politique, extrêmement perspicace sans être partisan.

2015

Rattachement

Abbi Jacobson, Ilana Glazer, Stephen Schneider, Lucia Aniello, Paul W. Downs, "Broad City"

L'impact de cette blague a été rapide, les nerds de la comédie et les chroniqueurs de conseils sexuels se réjouissant de ce que cela disait de notre moment comique actuel, où le sexe et la sexualité peuvent être drôles sans être la cible de la blague. Abbi et Ilana sont des personnages féminins dont la sexualité est intégrée à leur identité humaine, mais qui ne sont jamais transformées en véhicules de blagues sur le sexe. Même si le rendez-vous d'Abbi et Jeremy ne fonctionne pas pour d'autres raisons, ses préférences sexuelles n'amènent jamais non plus la série à le mépriser. Et le fait que la réaction d'Ilana soit une réaction de joie plutôt que de ridicule démontre clairement ce qu'il y a de si important et unique dansGrande ville. Alors que tant de comédies impliquant des femmes tournent autour de la compétition,Grande villeC'est une comédie d'autonomisation. Avant que ce terme ne soit récupéré par les entreprises, Abbi et Ilana ont découvert la comédie en se disant « Yas, reine » pour le bonheur de chacun.

2016

Justin Bieber noir

Austin Cruté,Donald Glover,Stephen Glover,"Atlanta"

Donald Gloverdit une foisson objectif pourAtlantaétait « de montrer aux gens ce que ça fait d’être noir ». Plus précisément, dans l'épisode le plus mémorable de la série à ce jour, depuis sa première saison, à juste titre acclamée,Atlantaa montré aux gens ce que ça fait d'avoir Justin Bieber noir. La réponse : c’est bizarre, inconfortable et profondément drôle. C'est un exemple parfait de la façon dont la série utilise sa comédie surréaliste pour pousser la nouvelle esthétique noire plus loin que ce qu'elle a été vu dans la culture populaire dominante. Non seulementAtlantadépeignent la diversité intraraciale, mais il dépeint les questions intraraciales d’identité. Traiterait-on Justin Bieber différemment s'il était noir ? Un Justin Bieber noir saurait-il qu'il est traité différemment d'un Justin Bieber blanc ? Que signifie être Justin Bieber ? Que signifie être Justin Bieber s'il était noir ? Que signifie être noir ? Que signifie être une personne ? Glover's est une comédie de questions, présentant des situations inhabituelles et faisant rire dans la maladresse et la confusion. L'épisode fonctionne à la fois comme une satire du privilège blanc et comme unEn attendant Godot– comme une méditation comique sur l’existence noire. Cela ressemble à l’aboutissement de toutes les comédies qui l’ont précédé, et aussi à quelque chose de complètement nouveau.