Les 100 blagues qui ont façonné la comédie moderne

La plus ancienne blague connue, un proverbe sumérien, a été racontée pour la première fois en1900 avant JC. Oui, c'était une plaisanterie de pet : « Quelque chose qui n'est jamais arrivé depuis des temps immémoriaux ; une jeune femme ne pétait pas sur les genoux de son mari. Ne vous sentez pas mal si vous ne comprenez pas – quelque chose a définitivement été perdu dans le temps et la traduction (il faut imaginer que c'était l'équivalent mésopotamien de « Les femmes font du shopping »), mais pas avant que la blague ait contribué à ouvrir la voie à presque 4 000 ans d'humour de toilette. C'est juste dommage qu'on ne sache jamais le nom du génie sumérien à qui l'on doitSelles flamboyantes.Mais avec l'essor de la comédie en tant que forme d'art commercial au XXe siècle et les progrès de la comptabilité moderne, il est désormais beaucoup plus facile d'attribuer le mérite des innovations en matière de narration de blagues, ce qui est exactement ce que Vulture a décidé de faire avec cette liste de les 100 blagues qui ont façonné la comédie moderne.

Quelques notes sur notre méthodologie : Nous avons défini ici le terme « blague » de manière assez large. Oui, une blague peut être une réplique construite à partir d’une configuration et d’une punchline, mais elle peut aussi être un acte de comédie physique. Faire semblant de se mettre une aiguille dans l'œil ou faire caca dans la rue en portant une robe de mariée : deux blagues. Une blague, telle que définie par cette liste, est un moment discret de comédie, qu'il s'agisse d'un stand-up, d'un sketch, d'un album, d'un film ou d'une émission de télévision.

Par souci de clarté, nous avons établi certaines règles de base en matière d'inclusion. Premièrement, nous avons décidé très tôt que ces blagues devaient être interprétées et enregistrées à un moment donné. Deuxièmement, en nous excusant auprès des Monty Python, dont l’influence sur la comédie contemporaine est immense et indéniable, nous nous sommes concentrés uniquement sur l’humour américain. Troisièmement, nous n’avons inclus qu’une seule blague par comédien. Et quatrièmement, la liste n’inclut pas les comédies que nous avons finalement jugées mauvaises, nuisibles ou rétrogrades.

La liste a été dressée par Jesse David Fox, rédacteur en chef de Vulture ;New Yorkle rédacteur en chef Christopher Bonanos ; les comédiens Wayne Federman, Phoebe Robinson, Halle Kiefer et Rebecca O'Neal ; les historiens de la comédie Yael Kohen (auteur deNous avons tué) et Kliph Nesteroff (auteur deLes comédiens); et les journalistes Elise Czajkowski, Matthew Love, Katla McGlynn, Ramsey Ess, Dan Reilly, Jenny Jaffe, Lucas Kavner etLe Gardienc'est Dave Schilling. (Fox, Bonanos, Keifer, O'Neal, Czajkowski, Love, McGlynn, Ess, Reilly, Jaffe, Kavner et Schilling ont écrit les présentations.)

Sans plus tarder, voici les 100 blagues qui ont façonné la comédie moderne. Ils sont répertoriés ci-dessous par ordre chronologique, accompagnés de vidéo ou d'audio. Utilisez le curseur de la chronologie pour passer à différentes époques ou à des comédiens spécifiques.

1906

PersonneBert
Williams, Alex Rogers
"Je n'ai jamais rien fait à personne /
Je n'ai jamais rien reçu de personne, pas le temps /
Et jusqu'à ce que je reçoive quelque chose de quelqu'un, un jour /
Je ne ferai jamais rien

pour personne, pas de temps »Bert Williams était l'artiste comique noir le plus populaire en Amérique au tournant du 20e siècle. Mais sa célébrité s'est considérablement accrue lorsqu'il a mis les chansons de son spectacle Abyssinia sur disque et sur cylindre. Ce disque comprenait le morceau pour lequel il était le plus connu, « Nobody ». C'est un morceau optimiste dont l'arrangement dynamique est perpendiculaire à son message mélancolique d'isolement et de déception, un dispositif devenu depuis omniprésent. L’idée au centre de « Nobody » – se moquer de l’autodérision d’un malheureux schlemiel – a été ce qui a alimenté son énorme succès. Et avoir un homme noir comme protagoniste tragique de la chanson a ajouté à sa nouveauté et à sa longévité comique ultime, donnant naissance à un genre comique où la vulnérabilité et l'ennui n'étaient pas tabous, mais des sujets bienvenus. Sorti à une époque où les enregistrements sur cylindre étaient à leur apogée, Williams est devenu largement connu pour la chanson, et il a été obligé de la chanter à pratiquement toutes ses apparitions, pour le reste de sa vie.

1913

Cohen au téléphoneGeorge L. Thompson, Monroe Silver, Joe Hayman
« Êtes-vous là ? Hier soir, le vent est venu et a fait sauter le volet devant ma maison, et je veux que vous envoyiez un car-pen-ter - une carpe. Oh, tant pis, je le ferai réparer moi-même.

.

Bien qu'il ait commencé comme une routine scénique, « Cohen on the Telephone » se distingue par l'adoption de deux technologies émergentes : le téléphone et le phonographe. Développé en Angleterre par Joe Hayman, le monologue définitif du vaudeville juif est devenu plus grand que n'importe quel comédien en faisant sensation aux États-Unis lorsque des comédiens américains comme Barney Bernard, George L. Thompson et plus particulièrement Monroe Silver ont incarné le personnage de Cohen et ont enregistré couvertures de la routine. Construit sur le principe classique d'un malentendu et d'un accent, il a popularisé le dispositif comique consistant à entendre la moitié d'une conversation téléphonique. Ce fut une influence indéniable sur les légendes de la comédie Shelley Berman et Bob Newhart.

1925

Dîner dansantCharlie Chaplin, La ruée vers l'or

QuandLa ruée vers l'orfait ses débuts en salles, Charlie Chaplin était déjà la plus grande star du cinéma, mais ce film, quiVariétéappelé"la comédie la plus grande et la plus élaborée jamais filmée", a consolidé sa place dans l'industrie. La légende raconte que cette séquence, dans laquelle le personnage de Chaplin rêve de divertir Georgia, la fille du dancing, avec quelques fourchettes et petits pains, a tellement charmé le public que dans certains cas, il a interrompu la projection et a obligé le projectionniste à refaire le film. pour qu'ils puissent le revoir. Ce morceau était quelque chose de différent pour la comédie à l’époque. Ce n'était pas juste un autre rire bon marché ; cela a montré que vous pouviez créer une séquence hilarante qui faisait également avancer l’intrigue. Parce que cette scène était si joyeuse, elle rend la réalité encore plus déprimante lorsque le Clochard se fait poser un lapin pour son dîner. En étant parmi les premiers sur grand écran à ajouter un peu de tragédie à sa comédie, Chaplin a placé la barre plus haut dans l'art de la plaisanterie.

1927

Buster Keaton et le trainBuster Keaton, le général[Alors qu'il est assis à l'avant d'un train, Johnnie Gray aperçoit une traverse de chemin de fer sur les voies devant lui ; il attrape une autre traverse de chemin de fer et, avec un timing parfait, s'emboîte l'une dans l'autre, faisant basculer l'une et l'autre s'effondrer.]

Athlétiqueest l'un de ces mots qu'on utilise souvent lorsqu'on parle de films muets, mais Keaton le mérite vraiment : il était très agile, réalisant toutes ses cascades physiques – dont beaucoup étaient véritablement dangereuses – sans coupures, souvent en une seule prise. Les films qui en résultent sont de véritables comédies d'action, précurseurs deLes frères Bluesou les films de Jackie Chan. Ils sont aussi, en partie à cause de son ambition cinématographique et en partie parce qu'il a eu suffisamment de succès pour justifier des budgets décents, simplement plus grands et plus beaux. que la plupart des films muets. Alors que Chaplin réalisait des miniatures poétiques intimes, admirables mais parfois écoeurantes, Keaton réalisait des peintures murales larges et lumineuses qui ne nécessitent pas beaucoup d'ajustement de votre état d'esprit.Le généralfonctionne toujours comme une comédie cinématographique et dure 90 ans.

1929

Côtelettes d'agneau
Brûlures et Allen
Burns : Aimez-vous aimer ?Allen : Non.Burns : Aimez-vous embrasser ?Allen : Non.Burns : Qu'est-ce que vous aimez ?Allen : Côtelettes d'agneau.Burns : Côtelettes d'agneau. Pourriez-vous manger deux grosses côtelettes d'agneau seul ? Allen : Seul ? Oh non, pas seul. Avec des pommes de terre, je pourrais.

De nombreuses stars du vaudeville du début du XXe siècle ont quitté la scène pour contribuer à alimenter les médias en plein essor que sont la radio et la télévision, mais peu étaient plus grandes ou plus brillantes que George Burns et Gracie Allen. Leur routine signature, « Lampchops », porte en elle le véritable esprit vaudevillien dans la mesure où elle livre avec joie un peu de tout : de l'esprit, des jeux de mots, des morceaux d'affaires physiques et une chansonnette divertissante sur l'amour, complétée par une chaussure souple. Dans cette version de huit minutes enregistrée sous forme de court métrage Vitaphone, Burns, avisée et sèchement sarcastique, se rapproche de l'innocente Allen, qui flotte sur son propre nuage tout en défendant son intelligence et la raison pour laquelle elle est plus qu'une femme (« Ma mère a un photo de moi quand j'avais 2 ans"). En plus de résumer l'alchimie trompeusement facile du duo, "Lambchops" montre très clairement pourquoi le courageux Allen était un critère par lequel les futures dames "étourdies" - par exemple Chrissy deLa Compagnie des Troisou Phoebe deAmis- serait mesuré.

1931

Bacon, haricots et limousines
Will Rogers
« Eh bien, parce que 1932 est une année électorale, vous voyez, et les Républicains voient toujours que tout semble bien l'année électorale, vous voyez ? Ils nous donnent trois bonnes années et une mauvaise – non, trois mauvaises et une bonne.

Quand Jon Stewart animaitLe spectacle quotidien, il y avait de nombreuses fois où on pouvait sentir que Stewart était vraiment gêné par l'injustice sociale ou par le personnage médiatique idiot dont il parlait, et même si Stewart parlait avec le cœur, il pouvait toujours vous faire rire. C’est ce qu’a fait Will Rogers dans les années 1930. Avec un charme rustique et rustique, Rogers est devenu une figure nationale en discutant du gouvernement et de son approche humoristique et logique de ce qui n'allait pas avec celui-ci. Au milieu de la Grande Dépression, Hoover a présenté un plan destiné à encourager les groupes locaux à lutter contre le chômage, et il a demandé à Rogers d'apparaître à la radio pour aider à promouvoir ce plan. Ce qu'il a eu, ce sont ces blagues. Chaque génération a besoin d’un Colbert pour présenter la vérité de manière divertissante, et Will Rogers a été l’un des premiers que nous ayons eu.

1932

Laurel et Hardy contre un piano
Laurel et Hardy, Hal Roach, James Parrott, HM Walker, The Music Box
Ollie : C'est la maison là-haut. Juste au-dessus du perron.

Laurel et Hardy sont engagés pour livrer un piano dans une maison de Los Angeles et découvrent à leur arrivée que la porte se trouve en haut d'un escalier très raide et très étroit. C'est ça. Le principe simple lui permet de devenir une pure expérience de comédie physique : combien de variations possibles peuvent-elles sonner sur « Le piano monte à mi-chemin ; le piano redescend” ? C'est comme une fugue de Bach, avec un thème et des variations, puis des variations sur les variations, même si le clavier de Bach s'est retrouvé en meilleur état que cet instrument cabossé.

1933

Nous partons en guerre
Les Marx Brothers, Leo McCarey, Duck Soup
«Ils ont des armes /
Nous avons des armes /
Tous les chillun de Dieu ont des armes »

Il existe de nombreuses façons différentes d’exprimer ce que vous ressentez face à l’état du monde. Les Marx Brothers ont utilisé la folie. DansSoupe De Canard, Groucho est nommé chef du petit pays de Freedonia, mais lorsque le pays voisin de Sylvanie tente de l'annexer, Freedonia entre en guerre. Les dix dernières minutes du film commencent par la chanson « The Country's Going to War », dans laquelle les habitants de Freedonia chantent avec enthousiasme à propos du conflit à venir, mais la chanson se transforme lentement en un spectacle de ménestrels dans lequel les frères chantent « All God's Chillun Got ». Des armes. La bataille finale est une attaque rapide de blagues, semblable au pistolet Tommy que Groucho utilise pour tirer accidentellement sur ses propres soldats. Cette section deSoupe De Canardapparaît brièvement dans Woody AllenHannah et ses sœurs,lorsque le personnage d'Allen, au milieu d'une crise existentielle, a une révélation : plutôt que d'essayer de tout comprendre de la vie, nous devrions simplement en profiter. Les Marx Brothers n’ont peut-être rien pu faire contre la guerre à venir, mais ils nous ont certainement donné de quoi rire.

"Quand je vais bien, je vais très bien… Mais quand je vais mal, je vais mieux"
Mae West, je ne suis pas un ange

C'est presque un crime de choisir une seule des plaisanteries brillantes et paillardes de Mae West, mais il est difficile de dire qu'il existe une blague qui résume plus parfaitement le pouvoir concis et percutant de West. Un dramaturge qui fut autrefoisarrêtée pour son matériel risqué, West a écrit elle-même ses meilleures répliques, dont celle-ci, tirées de son film à succèsJe ne suis pas un ange, qui a provoqué un tel choc et une telle indignation auprès du public qu'il a contribué àinstitution du Code Hays restrictifà Hollywood. Avant cela, elle était une des premièressujet à la censure de la FCC. Elle était aussi une des premièresdéfenseur des droits LGBT et de la liberté sexuelle, et dans les années 1930, elle auraita acheté l'immeuble haut de gamme dans lequel elle vivait pour le forcer à se déségréger. À la fois renégat, sensation au box-office et sex-symbol improbable, elle a remodelé les règles mêmes de la comédie. Quand elle était bonne, elle était très bonne, mais quand elle était mauvaise, elle était absolument dure à cuire.

1934

Cours d’auto-stop
Claudette Colbert, Clark Gable, Frank Capra, Robert Riskin, C'est arrivé une nuit
Ellie : Je vais arrêter une voiture et je n'utiliserai pas mon pouce.
Pierre : Qu'est-ce que tu vas faire ?
Ellie : Un système qui m’est propre…

L'un des premiers exemples de comédie loufoque de l'époque de la Dépression, le charmant film de road-trip de Frank Capra a créé un modèle durable pour les fictions romantiques d'évasion mettant en vedette des protagonistes au tempérament incompatible, avec une touche d'humour burlesque et des plaisanteries verbales qui valent la peine d'être récitées. Le journaliste arrogant de Gable, Peter Warne, découvre une histoire et un intérêt amoureux chez Ellie Andrews de Colbert, une héritière têtue fuyant la poigne de fer de son riche père. La signature du film est un gag visuel dans lequel Peter apprend à Ellie à faire du stop ; après qu'une demi-douzaine de voitures passent en succession rapide, Ellie s'avance, remonte sa jupe pour révéler une petite jambe, et le conducteur suivant s'arrête immédiatement. La tactique améliore l'homologue chauvin d'Ellie et consolide l'idéal de la femme impertinente et cuivrée dont le sex-appeal est un outil soumis aux machinations de son esprit intelligent. Dans le contexte de cette modernitéApprivoiser la musaraigne, la sensibilité intelligente et sexy de ce morceau a influencé une foule d'autres cinglés légèrement débauchés, et a été transmise à des amants potentiels argumentatifs, deAu noirs David et Maddie à Archer et Lana deArcher.

1936

La querelle
Fred Allen, Jack Benny
Allen : Un certain violoniste présumé devrait avoir honte.

C'est la blague que Fred Allen a plaisantée en réponse à un enfant violoniste qui jouait dans son spectacle, qui a marqué le début dela « querelle » légendaireentre Allen et Jack Benny. Créer une fausse rivalité pour attirer l'attention n'était pas nouveau lorsque Allen, ironique et intelligent, a commencé à tirer sur son ami de longue date Benny à l'antenne, mais leur engagement envers le gag l'était. Les deux hommes se sont lancés des insultes dans leurs émissions et ont fait des apparitions occasionnelles dans les programmes de chacun, ils ont organisé un concours « Pourquoi je ne supporte pas Jack Benny » et un match de boxe en trois rounds entre Allen et Benny a été annoncé ( même si cela ne se concrétisera jamais). Le couple a maintenu le spectacle pendant une décennie. Ce brouillage de la frontière entre la réalité et la comédie se reproduira encore et encore par la suite, avec de grands moments tels que l'incursion d'Andy Kaufman dans la lutte, les campagnes présidentielles de divers comédiens et, dans une certaine mesure, la comédie de Sacha Baron Cohen. Allen n'a jamais fait le saut vers la télévision, ce qui, malheureusement, le laisse dans l'ombre des grands comiques de cette époque, mais lorsqu'il s'agissait d'une comédie intelligente qui récompensait le public pour son attention, personne ne l'a fait mieux que Fred Allen.

Vers 1937

« Emmenez ma femme… s'il vous plaît. »
Henny Youngman

Il est difficile de dire avec autorité exactement qui a inventé le one-liner, mais le comédien de Borscht Belt, Henny Youngman (l'homme que Walter Winchell appelait « le roi des one-liners ») est sans doute responsable du plus célèbre de tous les temps. Tout comme la moustache, les sourcils, le nez et les lunettes de Groucho sont devenus synonymes de « comédien », « Prends ma femme… s'il te plaît » est l'idéal platonicien d'une blague. Le format est encore imité à ce jour : utiliser une phrase familière pour attirer les gens, puis prendre un virage serré à gauche. Et bien que la blague soit considérée comme shticky et hacky à ce stade, elle est structurellement d’une élégance trompeuse, car la configuration se cache à l’intérieur de ce qui semble être une transition. Bien qu'il ait écrit des dizaines, voire des centaines de milliers de blagues au cours de sa vie, la légende raconte que la plus célèbre de Youngman était le résultat d'un accident..Lorsqu'il a commencé à travailler sur leLe spectacle de Kate Smith, l'épouse bien-aimée de Youngman, Sadie, a amené avec elle un groupe de ses amis dans les coulisses. Agacé, Youngman a amené sa femme au machiniste et lui a dit : « Emmenez ma femme,s'il te plaît.« Le reste appartient à l’histoire.

1938

Qui est en premier
Abbott & Costello
Abbott : Qui est le premier.
Costello : Je vous demande qui commence en premier.
Abbott : C'est le nom de l'homme
.Costello : C'est qui s'appelle ?
Abbott : Oui.

Aucun sketch ne s’est imprimé plus intensément dans la psyché américaine au siècle dernier que « Who’s on First ». Cette scène impeccablement structurée de surnoms de baseball et de pronoms épineux était à la fois le germe de l'incroyable carrière d'Abbott et Costello et son joyau. Le sketch lui-même perdure pour un certain nombre de raisons : sa prémisse simple délivrant une myriade de lignes de rire, la dynamique claire schlemiel-schlimazel entre les interprètes, l'espace qu'il laisse pour l'embellissement et la livraison ratée lui donnent l'impression d'être un modèle Ford délabré. T prend de la vitesse alors qu’il fonce vers le bord d’une falaise. Alors qu'Abbott, calme et serein, explique minutieusement la composition de son équipe de baseball - "Qui est en premier, quoi en deuxième, je ne sais pas est en troisième" - Costello tombe tête baissée dans un malentendu rendu plus drôle par ses jappements furieux et impuissants. Des hommages affectueux aux rythmes et aux plaisanteries antagonistes d'Abbott et Costello peuvent être trouvés dans d'innombrables films de copains, ainsi que dans les projets actuels de fans tels que Quentin Tarantino et Jerry Seinfeld. L'histoire du sketch nous apprend également quelque chose sur la relation américaine avec la propriété du matériel comique ; alors que l'acte était tiré d'actes de vaudeville similaires de l'époque, Abbott et Costello ont protégé le droit d'auteur de « Who's on First » en 1944.

1941

Champs de toilettes amoureux
WC Fields, Edward F. Cline, Ne donnez jamais une pause à un meunier
Fields : J’étais autrefois amoureux d’une belle blonde, ma chérie. Elle m'a poussé à boire. C'est la seule chose pour laquelle je lui suis tellement redevable.

Le comique corpulent et buveur a prononcé cette phrase dans son dernier rôle principal dans une carrière entachée par l'alcoolisme. Mis à part les problèmes hors écran, Fields a trouvé un moyen de faire rire le public et de soutenir un personnage qui détestait les enfants autant qu'il aimait l'alcool et faisait un pied de nez rouge aux normes de la société. Des générations plus tard, nous aurions Archie Bunker, Larry David et des dizaines d'autres misanthropes semi-adorables, tous redevables à Fields.

1948

« Votre argent ou votre vie… »
Jack Benny, le programme Jack Benny
Criminel : Votre argent ou votre vie… Benny : [Pause.] Criminel : Écoute, mon pote. J'ai dit ton argent ou ta vie. Benny : J'y réfléchis

Cette blague est réputée pour avoir suscité les plus longs rires de l'histoire de la radio. Bien que cela puisse paraître exagéré, cela a permis de créer la blague parfaite pour représenter la plus grande star de la bande dessinée. Jack Benny avait beaucoup de blagues récurrentes associées à son personnage : quel que soit son âge, il insistait toujours sur le fait qu'il avait 39 ans ; il était nul au violon ; et il était très bon marché. Ainsi, lorsque le personnage de Benny rentre chez lui et reçoit l'ultimatum « Votre argent ou votre vie », le public du studio est déjà en train de mourir lorsque Jack fait une pause. Lorsque Benny dit enfin : « J'y réfléchis », le public explose. C'est une blague qui ne peut être racontée que par ce personnage, alors que le public anticipe déjà sa réaction. C'est le type de blague difficile à écrire que les séries de longue durée commeLes Simpsonou des personnages récurrents surSamedi soir en directil faut sans cesse inventer pour surprendre le public. Une blague parfaite pour le personnage, mais qui surprend toujours le public – personne n’a réussi comme Benny.

Milton Berle dans Drag
Milton Berle, Théâtre Texaco Star
"Et maintenant, mesdames et messieurs, je vous présente la star de la télévision américaine n°1, votre épouse de juin, Mildred Berle..."

Nous étions en 1948, un an après le début de la diffusion télévisée commerciale, et littéralement personne n'avait compris ce que serait ou pourrait être la comédie télévisée. Berle avait travaillé sur un million de scènes, en commençant par le vaudeville, et avait une idée : l'écran noir et blanc de dix pouces signifiait que presque rien ne pouvait submerger, et plus la représentation était large, mieux c'était. Des shticks peu subtils, des costumes ridicules, des bavardages, un rythme effréné et frénétique - tout s'est avéré parfait pour l'image tachée sur un écran noir et blanc de dix pouces. En quelques années, la télévision est devenue un peu plus sophistiquée (et les écrans sont devenus plus grands) et la carrière de Berle a commencé à s'essouffler, mais vous pouvez toujours repérer son ADN comique dans n'importe quel club où un comique humilie habilement un chahuteur derrière lui. la chambre.

Vers 1950

Jean Carroll sur la fierté de son mari
Jean Carroll
"Je n'oublierai jamais la première fois que je l'ai vu, debout sur une colline, ses cheveux au vent - et il était trop fier pour courir et l'obtenir."

Alors qu'il y avait d'autres comédiennes féminines – à la télévision et au cinéma, ou dans le cadre de doubles actes – Jean Carroll a été la première à percer en se tenant seule sur scène. Bien qu’on l’appelle la « femme Milton Berle » et la « femme Bob Hope » (elle devait être comparée aux hommes, car il n’y avait pas de comédiennes à qui la comparer),tu la regardes se lever maintenantet vous voyez un style qui lui est propre. Sa prestation rapide qui se faufile dans les punchlines alors qu'elle se fraye un chemin à travers un monologue, comme dans la blague ci-dessus, semble d'une modernité saisissante et pourrait vous rappeler Amy Schumer ou la façon dont Jim Gaffigan livre ses punchlines en fausset à voix basse. . Elle a bougé si vite et était si en avance sur son temps qu'elle dit littéralement au public de rattraper son retard. Ed Sullivan l'a cependant compris, lui demandant d'apparaître dans la série plus de 20 fois. Regarder ces apparitions était une jeune Lily Tomlin, quihabillé comme Carroll quand il était enfant.

1952

Un tramway nommé ???
Sid César, Imogène Coca, Votre Spectacle de Spectacles
Blanche : Eh bien, quand j'ai quitté la plantation, je suis allée à la Nouvelle-Orléans. Et là, j'ai rencontré un monsieur très riche qui veut m'épouser… [Stanley mange du poulet pendant qu'elle continue de parler.]

La première émission télévisée de Sid Caesar a connu un tel succès que son sponsor n'a pas pu produire suffisamment pour répondre à la demande du public et a dû annuler l'émission. Sa deuxième émission était si populaire qu'elle a été annulée afin que le réseau puisse la diviser en deux émissions différentes. Milton Berle a compris comment faire de la comédie à la télévision ; Sid César l'a perfectionné.Votre spectacle de spectaclesétait fondamentalementSNLavant qu'il y aitSNL: Un hôte invité interpréterait des sketchs avec Sid, Imogene Coca, Carl Reiner et le reste des joueurs, et une chanson ou deux serait interprétée. Il y avait déjà eu des parodies à la télévisionYSoS, mais ce programme a été parmi les premiers à écrire des parodies capitalisant sur les atouts spécifiques de ses interprètes. Regardez comment, dans "Un tramway nommé", Sid, l'un des plus grands comédiens physiques de tous les temps, se voit confier un certain nombre de blagues physiques à réaliser, qui n'ont pas nécessairement quelque chose à voir avec le film original. Pourtant, il est capable de résumer toute la performance légendaire de Marlon Brando en 30 secondes de repas négligés. Sans Sid, il n'y aura probablement pas de Mel Brooks, Woody Allen, Carol Burnett,Foumagazine, ouSNL.

Bande transporteuse de chocolat
Lucille Ball, Vivian Vance, J'aime Lucy
Lucy : La voilà qui arrive. [Lucy met des chocolats dans sa bouche, dans son chapeau et dans sa chemise. Met un chapeau sur sa tête.]

Comme si le fait d'être sans doute la plus grande star de sitcom américaine du 20e siècle n'était pas une réussite assez impressionnante, Lucille Ball a également brisé d'énormes barrières à la fois à l'écran et hors écran. Elle fut la première femme àdiriger sa propre société de production, la raison pour laquelle CBSa changé d'avis sur l'autorisation des couples multiethniques à la télévision, et c'est probablement la seule raisonStar Trekexiste (non, sérieusement). CependantJ'aime Luciepeut sembler presqueobscènement sain maintenant, à l'époque, des histoires comme celle de « Job Switching » – Lucy et Ethel obtiennent un emploi tandis que Ricky et Fred agissent comme leurs femmes au foyer – étaientassez repoussant les limites, sans parler du fait qu'il a été le pionnier de la configuration d'audience en direct à trois caméras, sans laquelle nous n'aurions pasAcclamationsouSeinfeldouAmisouLa théorie du Big Bang. Mais ce que Lucille Ball (et Vivian Vance dans le rôle d'Ethel) ont fait dans des scènes comme lapour toujours-parodiéLa scène du tapis roulant au chocolat a ouvert la voie à des générations de comédiens pour qu'ils soient sans vergogne drôles, intrépides et idiots sans retenue, tout en écrivant leurs propres règles.

1953

Veste Joe McCarthy
Mort Sahl
« Avez-vous vu la veste Joe McCarthy ? C'est comme une veste Eisenhower, sauf qu'elle a un rabat supplémentaire qui s'ajuste sur la bouche.

Dans les années 1950 à San Francisco, alors que le public s'attendait à ce que les artistes montent sur scène en veste et cravate, Mort Sahl se promenait sous les projecteurs dans un pull rouge vif désarmant et des kakis fraîchement repassés, un journal omniprésent à la main. Il était souvent pris pour un étudiant du club branché Hungry i, et cette apparence sans prétention s'avérait utile, car son humour d'actualité mordant était connu pour diviser la pièce. Aucun sujet n’était interdit, aucune cible n’était taboue, pas même la chasse aux sorcières communiste de l’Amérique de l’ère McCarthy. Mais Sahl l’a rendu acceptable en s’adressant à son public dans sa propre langue, avec un conversationisme et un intellectualisme sans précédent. Dans la blague qui l'a aidé à développer une secte, par exemple, il a invoqué le mot alors populaireVeste Eisenhower, dans une métaphore accessible sur la campagne alarmiste du gouvernement oppressif. AvantLe spectacle quotidienouLe rapport Colbert, il y avait Mort Sahl, qui en plus d'avoir une énorme influence sur Woody Allen, était l'ancêtre de la comédie politique stimulante que nous connaissons aujourd'hui.

Vers 1956

Pickpockets contre voyeurs
Redd Foxx, Laff du Parti
« Quelle est la différence entre un pickpocket et un voyeur ? Un pickpocket vole des montres.

L'incroyablement prolifique « King of the Party Records » était une figure révolutionnaire à son époque, faisant du commerce de phrases de paillardise et de longues histoires qui transperçaient les clubs noirs du Chitlin' Circuit, ainsi que les foules blanches sur le Strip de Vegas. Avant de jouer dansSanford et fils, Foxx a trouvé sa voix racontant le genre de blagues déplacées que l'on pourrait attendre d'un oncle ivre qui se déchaîne après le dîner de Thanksgiving ; public dans les premiers enregistrements de son multivolumeLaff du Partiles albums rient avec un enthousiasme si débridé qu'il est facile de deviner le genre de sortie qu'il a fournie à un public par ailleurs poli des années 50. La blague du pickpocket n'est certainement qu'une des milliers que Foxx avait dans sa poche, mais elle représente deux choses qu'il aimait le plus dans une blague : les jeux de mots et le sexe. Le discours franc et franc de Foxx, qui brise les tabous, lui a valu de nombreux admirateurs, même si ses descendants les plus évidents sont des conteurs joyeusement sales tels que Richard Pryor et Eddie Murphy.

1957

« C'est quoi Opéra, Doc ? »
Chuck Jones, Michael Maltese, Mel Blanc, Arthur Q. Bryan, Looney Tunes
Elmer Fudd [sur l'air de « La Chevauchée des Valkyries » de Wagner] : « Tuez le Wabbit »

Ce n'est pas pour rien qu'en 1994, 1 000 professionnels de l'animation ont nommé le chef-d'œuvre de Chuck Jones « What's Opera, Doc ? » le plus grand dessin animé de tous les temps. Il est étonnant de voir combien d'histoires et de comédies ils couvrent en si peu de temps. Parodiant les opéras de Richard Wagner (sans oublier ceux de DisneyFantaisieet sans doute Bugs Bunny et Elmer Fudd), il raconte essentiellement tout « Ring Cycle » en moins de sept minutes. Sa densité a influencé, et continuera d’influencer, tous les dessins animés qui lui ont succédé.

Qu'est-ce qu'Opera DocparÎle Brumeuse1

1959

"Personne n'est parfait."
Billy Wilder, Joe E. Brown, Jack Lemmon, certains l'aiment chaud
Jerry : Je suis un homme !
Osgood : Eh bien, personne n'est parfait.

Deux musiciens de jazz sont accidentellement témoins d'un meurtre commis par un gang et partent en fuite, déguisés en femmes. L’intrigue semble plutôt anodine aujourd’hui, mais dans les années 1950, le Code Hays exigeait que les films soient « moraux » et « sains ».Certains l'aiment chaud,avec son travestissement et ses allusions à l'homosexualité devaient être faites sans l'approbation du Code de production cinématographique. Interdit au Kansas et condamné par le Vatican, la dernière réplique du film est tout simplement parfaite, clôturant brusquement 120 minutes de folie subversive tout en faisant subtilement allusion à l'idée que les gens devraient aimer qui ils veulent aimer. La blague est hilarante mais étrangement touchante, subversive mais romantique, tout en résumant essentiellement tout le film ; il n'est pas surprenant que le film figure en tête de presque toutes les listes des meilleurs films de comédie de tous les temps.

Bach à Bach
Nichols et May, improvisations en musique
May : Trop de gens considèrent Adler comme un homme qui a rendu les souris névrosées. Il était plus, bien plus.
Nichols : Bien plus encore.
Mai : Bien plus encore.
Nichols : Beaucoup plus... Pouvez-vous vous déplacer un peu ? Je tombe du lit.
Mai : Je suis désolé.
Nichols : Beaucoup plus.

maisUne soirée avec Mike Nichols et Elaine Maya été le plus grand succès critique et commercial du duo, il est encore plus facile de voir à quel point ils étaient révolutionnaires avec leurs débuts plus bruts,Improvisations en musique.Il y a tellement de choses dans cette blague. Il y a la plaisanterie naturelle et l’intensification subtile du dialogue improvisé ; le duo s'est rencontré plus tôt dans la décennie en tant que membres des Compass Players, le groupe d'improvisation fondateur qui comprenait également Alan Alda, Ed Asner, Shelley Berman et Del Close, dont les membres, la même année que la sortie de ce disque, ont fondé le Second Ville. Au-delà de cela, la blague est remarquable par la façon dont elle rendait bien la façon dont parlaient les gens haut placés du milieu du siècle. Nichols et May ont parodié affectueusement les tendances rythmiques et les prétentions intellectuelles, dans lesquelles les discussions sur l'oreiller deviennent un jeu de référence littéraire la plus impressionnante et la plus obscure. (Leur va-et-vient ressemble à unAnnie Hallsortie, et c'est sorti18années auparavant.) Après Nichols et May, et certains de leurs pairs, la comédie ne serait plus principalement définie par un homme en smoking racontant des blagues dans une boîte de nuit. Pourtant, ce qui est le plus agréable dans la pièce, c'est d'entendre Nichols et May s'amuser : ils étaient leur propre public et surtout ils se faisaient rire. C'est une influence que l'on constate encore aujourd'hui, alors que la comédie est devenue plus insulaire, dépendante de références de plus en plus obscures. L'idée de faire de la comédie pour vous-même, vos amis et les gens qui pensent et vivent le monde comme vous le faites était rare avant Nichols et May, et fondamentale pour la comédie après.

1960

Moniteur d'auto-école
Bob Newhart, L'esprit boutonné de Bob Newhart
« Tourner à droite ici ? [Pause.] Eh bien, c'était encore ma faute. Vous voyez, je parlais de la rue suivante. Pas la pelouse de cet homme.

À l'époque de Lenny Bruce et de Mort Sahl, de la satire sociale et de la bande dessinée « subversive », il était étonnant qu'un ancien comptable qui ressemblait au meilleur ami de votre père puisse sortir des albums de comédie à succès et devenir sa propre institution de comédie. . Bob Newhart avait toujours l'air d'inventer son numéro au fur et à mesure, ce qui le rendait non seulement accessible, mais aussi excitant. Dans « The Driving Instructor », son style caractéristique est exposé : un monologue à sens unique dans lequel vous n'entendez que les réponses confuses de l'instructeur, plutôt que l'élève conducteur, plus déséquilibré, de l'autre côté. La plupart de ses morceaux suivaient ce genre de structure « hétérosexuel, fou », et celui-ci ne fait pas exception. Vous avez également une bonne idée de son timing expert ; peu de gens pouvaient vivre dans une pause confuse comme Bob Newhart, et il est devenu l’un des bandes dessinées les plus appréciés de tous les temps, influençant toutes les bandes dessinées discrètes qui ont suivi.

1961

Dick Gregory sur les restaurants séparés
Dick Gregory, Dans Vivre en noir et blanc
«Je suis entré dans un restaurant, qui n'était pas le bon restaurant, dans le Mississippi… Je me suis assis, la serveuse blonde s'est approchée de moi et j'ai dit : 'Je voudrais deux cheeseburgers.' Elle a dit : « Nous ne servons pas de personnes de couleur ici », et j'ai répondu : « Je ne mange de personnes de couleur nulle part ! »

Il y a un casse-tête au centre de la carrière du comique Dick Gregory : est-il un comédien attiré par la politique ou le politicien le plus drôle du pays ? Au début de sa carrière, il était beaucoup plus clair de quel côté de la barrière il se trouvait. Après avoir quitté l'armée, Gregory a raconté des blagues dans des salles en noir et blanc, a obtenu l'aide de son admirateur Hugh Hefner et a travaillé sur des apparitions à la télévision pour provoquer la réflexion et motiver l'action à travers la comédie. Même si ses premières émissions contenaient des répliques percutantes sur tout, des voyages dans l'espace à la consommation d'alcool, son regard lucide sur la vie des Noirs dans le Sud ségrégué restera son héritage. Cette blague de restaurant a été l’une des premières à saper la ségrégation et la discrimination dans un lieu public avec audace, intelligence et humilité. Qu'il ait eu en tête de livrer une cuillerée de sucre pour aider le public à prendre le médicament ou simplement de canaliser sa colère en rire, c'est difficile à dire, mais les blagues marquantes comme celle ci-dessus ne trahissent jamais la moindre pointe d'amertume. Ce contemporain de Mort Sahl et de Lenny Bruce, qui se produit encore occasionnellement à 84 ans, a touché des penseurs irascibles, comme Paul Mooney, et géniaux, comme Bill Maher.

Comment détendre vos amis de couleur lors des fêtes
Lenny Bruce, Américain
« Euh, tu as déjà mangé quelque chose ? Je ne sais pas s'il reste de la pastèque, du poulet frit, des dés ou des rasoirs. Nous verrons si nous pouvons vous arranger quelque chose.

L’idée de la culpabilité blanche comme ligne de frappe ne semble pas nouvelle aujourd’hui, alors que dénoncer publiquement des personnes et des organisations pour des microagressions raciales en utilisant les mots à la mode les plus récents en matière de justice sociale est une voie viable vers la célébrité en ligne. Mais en 1961, alors que le statut d'allié n'était ni assumé ni attendu, "Comment détendre vos amis de couleur lors des fêtes" de Lenny Bruce a audacieusement accusé et ridiculisé son public cible, et a dit quelque chose d'important et de nouveau. L'orateur de cette partie a clairement les meilleures intentions, mais parvient toujours à s'exprimer presque exclusivement avec des stéréotypes ou des compliments imprégnés de généralisations non confirmées. Par exemple, dans la blague ci-dessus, il ne se moque pas des racistes malveillants, mais des ignorants quibien vouloir dire.C'est une ligne dans le sable que personne n'avait tracée avant Bruce. La blague capture également l'intrépidité de la comédie de Bruce, qui n'a pas peur d'offenser ou de se présenter comme un méchant pour se moquer de l'injustice (voir aussi :ce peu). Bien que sa comédie soit inédite, c’est finalement la raison pour laquelle il continue d’être tenu en si haute estime. Il n’est pas difficile de voir son influence chez George Carlin, Bill Hicks et tous les comédiens politiques du dernier demi-siècle.

1962

L'impression Kennedy
Vaughn Meader, La Première Famille
Président Kennedy : J'ai une conférence importante dans 15 minutes, donc je dois être habillé dans dix minutes, ce qui signifie que je devrai avancer vers notre chambre avec une grande vig-ah.

Il est désormais évident que tout sketch ou toute émission de fin de soirée digne de ce nom aura quelqu'un qui pourra se faire passer pour le président, mais il fut un temps où cette pratique était impensable. Puis vint Vaughn Meader, avec sonret l'accent de Harvard-Nouvelle-Angleterre. Après avoir perfectionné son imitation du président Kennedy dans les boîtes de nuit, Meader a libéréLa première famille, un enregistrement de croquis de JFK. Malgré son ton enjoué, James Hagerty, ancien attaché de presse du président Eisenhower et haut dirigeant d'ABC, l'a qualifié de « dégradant pour le président ». Le public américain n'est cependant pas d'accord, car l'album fait sensation, devenant le disque le plus vendu à l'époque. Dans tout le pays, des gens citent la blague ci-dessus. Le président Kennedy lui-même a pris la parole,disant lors d'une conférence de presse, "Vaughn Meader était occupé ce soir, alors je suis venu moi-même." Gerald Ford de Chevy Chase, George Bush de Dana Carvey, Barack Obama de Jordan Peele : la comédie a toujours contribué à façonner la perception du public à l'égard d'un président – ​​et tout a commencé ici.

Vers 1963

Le sachet de thé humain
Steve Allen, Le spectacle de Steve Allen
[Vêtu d'un costume orné de sachets de thé, Allen est lentement descendu dans une cuve d'eau chaude, après quoi les machinistes y ajoutent des tranches de citron et du sucre ; le public propose alors des tasses de thé.]

Il n'y a aucun moyen d'atteindre David Letterman sans Steve Allen, dont les débuts de carrière à la télévision - y compris la première itération deL'émission de ce soir,ainsi que plusieurs autres séries – était pratiquement anarchique pour la télévision en réseau. Lui (et Ernie Kovacs, qui figurerait partout sur cette liste s'il n'était pas mort jeune dans un accident de voiture) ont juste essayé n'importe quoi : des tours de caméra, des interviews d'hommes dans la rue, réelles et simulées, des appels téléphoniques à des inconnus au hasard. dans des directions étranges. Letterman a rendu hommage à Allen (et l'a crédité) souvent et ouvertement : son costume Alka-Seltzer imite explicitement la cascade du sachet de thé, et lui aussi s'est inspiré de la fontaine de comédie sans fin qui vient de l'observation des cinglés de la rue.

1964

La salle de guerre
Stanley Kubrick, Peter Sellers, Dr Folamour ou : Comment j'ai appris à arrêter de m'inquiéter et à aimer la bombe
Président Merkin Muffley : Messieurs, vous ne pouvez pas vous battre ici ! C'est la salle de guerre !

Le personnage principal en fauteuil roulant fait le plus rire avec son bras droit incontrôlable et ses explosions occasionnelles qui révèlent sa loyauté envers Adolf Hitler. Mais la meilleure réplique du film appartient au président Merkin Muffley, un autre des trois personnages interprétés par Sellers. Le discours est si puissant, si sérieux, qu’il faut quelques secondes pour réaliser à quel point la phrase est absurde, alors que le monde est confronté à une destruction assurée. La civilisation n'a plus peur des armes nucléaires comme avant, mais le sentiment du « Eh bien, tout est foutu, alors autant en rire » en fait un trésor intemporel et un sommet de satire politique.

Le bâton
Jonathan Winters, Jack Paar, Le programme Jack Paar
« Envoyez ces gros félins ! [Pause.] Euh, envoyez les plus petits.

Aux débuts de la télévision, les réseaux avaient la possibilité d’expérimenter, de jouer et parfois d’échouer – et sans cette liberté, le pays n’aurait peut-être jamais entendu parler du comique d’improvisation chaleureux et antique Jonathan Winters. Après quelques premières apparitions dans des émissions telles queOmnibus,il a trouvé une maison surLe spectacle de ce soirpendant le mandat de cinq ans de Jack Paar en tant qu'hôte. De temps en temps, le public avait un avant-goût de ses personnages établis, comme la vieille dame impertinente Maude Frickert ; d’autres fois, Winters recevait un accessoire ou deux, puis était encouragé à se laisser aller. L'une des apparitions les plus célèbres de Winters avec Paar a eu lieuLe programme Jack Couple, où il s'est retrouvé avec un bâton à la main, étirant sa tasse en caoutchouc et créant impulsivement une série de scénarios en succession rapide. Alors que le comédien va à la pêche, combat des taureaux et rapporte aux officiers supérieurs qu'il a vu des coléoptères géants, il trouve souvent des personnages riches ainsi que des lignes de punch nettes. Avec l'agilité mentale et le physique affichés ici, il est facile de comprendre pourquoi les générations successives de bandes dessinées, Robin Williams en particulier, ont imité Winters de toutes les manières possibles.

Vers 1964

Le coucou branché
Mamans Mabley
« Ils ont attendu dix minutes, 15 minutes, 20 minutes, une demi-heure, 45 minutes. Finalement, le coucou, vous savez, a suinté. Il portait ses lunettes noires. Je l'ai regardé et j'ai dit : 'Mec, quelle heure est-il ?'

À une époque où la plupart des comédiens de couleur étaient relégués au succès uniquement sur le circuit de Chitlin, grâce à des apparitions meurtrières dansLe spectacle Ed SullivanetL'heure de la comédie des Smothers Brothers, le grand public a accueilli à bras ouverts une « sale vieille dame » nommée Moms Mabley chez eux. On ne sait pas si le morceau de coucou de Mabley l'a précédée comme une blague qu'elle a faite sienne ou si elle est à l'origine de la blague qui sera plus tard reprise par des grands de la comédie tels que George Kirby et Redd Foxx, mais c'est Moms qui a mis la blague. sur la carte. La cadence incomparable de Mabley et son timbre graveleux unique ont donné lieu à un écrit incontestablement hilarant sur un sujet (cacher avec succès de la marijuana dans une horloge à coucou lors d'une descente de police, après quoi le coucou se défonce et oublie ou néglige de roucouler pendant des heures) qu'à l'époque aurait été considéré au mieux comme indélicat, et l'aurait élevé d'une simple blague solide à quelque chose qui ne serait pas déplacé dans la série comique la plus bleue que vous puissiez trouver.

1965

Le chiffon du Vatican
Tom professeur
« D'abord, tu te mets à genoux /
Jouez avec vos chapelets /
Inclinez la tête avec beaucoup de respect /
Et génuflexion, génuflexion, génuflexion… »

Un professeur de mathématiques à Harvard commence à écrire des chansons amusantes inspirées de Cole Porter, publie lui-même un album et, peu de temps après, interprète ces chansons chaque semaine à la télévision nationale. « The Vatican Rag » est le regard satirique de Lehrer sur le Concile Vatican II, qui a tenté de moderniser l'Église catholique en se débarrassant des hymnes et en y introduisant de la musique populaire. Avec des blagues comme celle ci-dessus, Lehrer ne se contente pas de se moquer d'une vache sacrée, il l'abat. « Weird Al » Yankovic cite Lehrer comme l'une de ses plus grandes influences musicales, et il est très facile de voir le lien.

Le Tomahawk
Johnny Carson, Ed Ames, The Tonight Show
[Ed Ames lance un tomahawk, essayant de ne pas heurter le contour à la craie d'un cow-boy. Il frappe le cowboy juste entre ses jambes.] Carson : Je ne savais même pas que tu étais juif.

Lorsque les gens repensent à la carrière de Johnny Carson, l'accent est mis en grande partie sur les blagues monologues et les comédiens qu'il a présentés au public national. On oublie souvent que Johnny était un artiste naturel et rapide. Après Ed Ames, co-star à la télévisionDaniel Boonea fini par frapper le cow-boy à la craie avec un tomahawk, juste entre les jambes, le public a explosé. Johnny a attendu son moment, allant même jusqu'à empêcher Ames de récupérer le tomahawk avant de lâcher un ad-lib qui perdurerait dans un million de spéciaux bêtisiers pendant des années à venir..Johnny était rapide, il était risqué sans rien dire de sale et il savait comment transformer une erreur en télévision classique.

1967

Don Rickles sur Pat Boone
Don Rickles, Le spectacle de Dean Martin
« Pat Boone, une de nos grandes stars, n'est-ce pas ? A un spectacle de jour. Il est merveilleux, la façon dont il s'exprime : "Salut, je m'appelle Pat Boone !" — qu'est-ce que tu veux, un cookie ? Tu te ridiculises et tu ne vas nulle part, mon pote, et je suis un ami.

Tandis que Don Rickles, alias « M. Warmth », se faisait un nom dans les casinos mafieux de Las Vegas aux côtés de Shecky Greene, d'autres comédiens se réunissaient à cinq pourLe spectacle Ed Sullivan. Contrairement à ceux de ses pairs, le numéro de Rickles nécessitait du temps et de l'espace pour être exploré, et surtout, un public de haut niveau pour se moquer sans relâche.Le spectacle de Dean Martina fourni une scène de télévision nationale pour son acte d'insulte à une célébrité en le mettant dans son élément et en recréant une salle d'exposition à Vegas, avec des stars de l'époque, comme Boone. Rickles est un bouffon modèle lorsqu'il se moque des puissants – même des présidents – donc le fait que Boone ait bu du lait pendant son acte était fondamentalement comme un lay-up. La clé de la blague pourrait être « et je suis un ami », car le truc de Rickles a fonctionné, comme les meilleurs torréfacteurs depuis, parce qu'il a insulté par amour. Son acte intrépide et subversif a fini par faire de lui un habitué de la télévision.L'émission de ce soir,une star des rôtis et une source d'inspiration pour les générations futures de bandes dessinées d'insultes. En termes simples, Chris Rock n'était pas la première personne àoffrir un cookie à quelqu'un.

1968

Le monologue des Oscars de Bob Hope
Bob Hope, les Oscars
"Bienvenue aux Oscars, ou, comme on l'appelle chez moi, à la Pâque."

Il est difficile de choisir une seule blague de Bob Hope, car il en a eu des millions. Eh bien, peut-être pas un million, mais il possédait un « dossier de blague » de 85 000 pages qui a été numérisé par la Bibliothèque du Congrès. Hope a accueilli les Oscars 19 fois et, bien qu'il soit l'une des plus grandes stars d'Hollywood, il n'a jamais été lui-même nominé pour un Oscar. Présentant l'émission en 1968, il a ouvert l'émission avec l'une de ses blagues les plus célèbres : "Bienvenue aux Oscars, ou, comme on l'appelle chez moi, à la Pâque." Avec cette blague succincte, dans sa cadence influente et indubitable, non seulement nous obtenons une boutade amusante et autodérisoire mettant en scène sa longue carrière dans le show business, mais il fait également allusion à la façon dont Hollywood perçoit la comédie. Bien sûr, nous aimons tous rire, mais est-ce de l'art ? Hope était l'ambassadeur comique des États-Unis et, dans le cadre de ses fonctions, il a inspiré (et employé) d'innombrables comédiens au cours de sa très longue carrière. Mais cela ne signifiait pas qu'il allait obtenir une nomination aux Oscars (il a cependant reçu 5 prix d'honneur).

Le printemps pour HitlerMel Brooks,Les producteurs« Le printemps pour Hitler et l'Allemagne /
L'Allemagne est heureuse et gay /
Nous marchons à un rythme plus rapide /
Attention, voici la course des maîtres. »

Ah, l'irrévérence ! Nous vous tenons pour acquis de nos jours, car vous êtes apparemment partout, mais n'oublions pas les pionniers. DansLes producteurs,Mel Brooks a décidé de toucher les intouchables : les blagues sur l'Holocauste. Faire en sorte que le point culminant de votre film soit un numéro de chant et de danse ironique sur la gloire d'Hitler et du parti nazi était pour le moins risqué à l'époque, et de nombreux studios et distributeurs n'y toucheraient pas avec dix- poteau de pied. Le film a reçu des critiques très mitigées et c'était un premieréchec au box-office. Mais apparemment, le monde a vite repris ses esprits, puisque Brooks a décroché un Oscar pour son scénario, tandis queLes producteursest devenue l'une des comédies les plus appréciées de tous les temps, donnant finalement lieu à une comédie musicale du même nom à Broadway au succès retentissant. Vulgaires, satiriques et remplis de blagues ethniques, les premiers travaux de Brooks inspireront tout le monde, des Zucker Brothers à Trey Parker et Matt Stone, dontLivre de Mormonn'aurait pas existé sansLes producteurscomme précurseur.

1969

'Je n'abandonnerai jamais. J'en suis à ma 14e année d'un plan beauté de dix jours.
Phyllis Diller, Le spectacle Ed Sullivan

Personne ne s’est autodéprécié comme Phyllis Diller, véritable pionnière dans l’art de se moquer de soi. Elle a découvert qu’il est utile pour un comique non seulement d’avoir quelque chose de « qui ne va pas » chez lui, mais aussi de le mettre en valeur, surtout lorsqu’il se présente. L'une des premières blagues qu'un comédien écrit est généralement une forme de « Je sais à quoi vous pensez », suivie d'un coup de pot auto-administré pour désarmer le public. Pour Diller, cela s'est manifesté par le port de robes de sac extravagantes et d'une coiffure et d'un maquillage exagérés, voulant que la foule se concentre uniquement sur ses blagues. (Remarque : elle a fait de nombreuses apparitions à la télévision à la fin des années 50 et au début des années 60, mais comme vous pouvez le voir à son look, elle était faite pour le boom des télévisions couleur de la fin des années 60.) Pour cela, chaque comédien, homme et femme. femme, doit quelque chose à Diller. Tout d’abord, Joan Rivers, qui a perfectionné son comportement en se lançant dans des phrases sur le fait d’être une femme juive célibataire. Rivers portait cependant des robes plus mignonnes.

1970

L'entretien de Marie
Mary Tyler Moore, Ed Asner, James L. Brooks, Allan Burns, The Mary Tyler Moore Show
Lou : Tu sais quoi, tu as du courage !
Marie : Eh bien, oui…
Lou : Je déteste le sperme.

Ces trois mots – « Je déteste le courage » – prononcés par Ed Asner en tant que futur patron de Mary, lors de la scène de l'entretien d'embauche du pilote, capturaient de manière tranchante ce que c'était que d'être une femme célibataire essayant d'entrer sur le marché du travail. début des années 70 et la dynamique fondamentale (proto-Leslie Knope contre Ron Swanson) qui propulserait la série à travers sept saisons acclamées par la critique. Et pas seulement cela, mais il était dirigé vers Mary Tyler Moore, une actrice dont l'Amérique est tombée amoureuse dans le rôle de Laura Petrie, l'épouse fictive de Dick Van Dyke. Incroyablement poignant à l'époque, il a également établi un modèle pour une protagoniste féminine charmante mais maladroite essayant de tout avoir (voir : Liz Lemon).

1971

Ernestine parle à M. Veedle
Lily Tomlin, le rire de Rowan et Martin"
Nous sommes la compagnie de téléphone, M. Veedle. Nous sommes tout-puissants. C'est puissant avec un omni devant.

Ernestine de Tomlin a explosé après ses apparitions dansRire. L'opérateur téléphonique était aussi important qu'un personnage fictif, apparaissant dans d'innombrables autres émissions de fin de soirée et dans les propres projets de comédie de Tomlin, allant même jusqu'à interviewerCherà un moment donné (Cher !). Ernestine a insisté, avec un rire reniflant un peu sinistre, et elle a fait semblant d'être votre amie, ce qui la rendait dangereuse. Cette blague en particulier a frappé le plus durement, comme le dit «M. Veedle »était censé être Gore Vidal. L'ensemble de l'entreprise était subversive à l'époque, commentant la tendance des grandes compagnies de téléphone à extorquer de l'argent et des informations aux clients. Au départ, Ma Bellj'ai essayé d'arrêterle moment ne s'est jamais produit, même s'ils ont ensuite joué gentiment et lui ont offert un « prix de service communautaire ». Tomlin reçoit rarement suffisamment de crédit pour son statut de pionnière, l'écrasant en tant que « femme dans la comédie » et en tant que personne humaine généralement hilarante avantSNLc'était même une chose. Son influence a touché tous les interprètes de sketchs et de personnages qui l'ont suivie, de Gilda Radner à Mike Myers en passant par Kristen Wiig.

DaveCheech et Chong, Cheech et Chong
« C'est, c'est Dave, mec, tu vas ouvrir ? J’ai les affaires avec moi.
"OMS?"
« Dave, mec. Ouvrez.
"Dave?"
"Ouais, Dave, allez, mec, ouvre, je pense que les flics m'ont vu."
"Dave n'est pas là."

Un Américain d'origine mexicaine de Los Angeles évite le repêchage et rencontre un homme mi-blanc mi-asiatique au Canada. Ils forment un duo comique. La source de leur matériel ? Marijuana. Un sketch sur une affaire qui a mal tourné à cause d'un fumeur en état de mort cérébrale devient un succès, conduisant à des albums plus hilarants sur l'herbe, la musique et la race, puis finalement à une franchise de films. Il est difficile de qualifier la comédie de Cheech et Chong de « sophistiquée », mais il y a quelque chose de singulier dans « Dave », qui est essentiellement un « Who's on First » stoner. Il y a une humanité dans ce court sketch, notamment dans le personnage confus de Chong. La comédie stoner est toujours aussi forte aujourd’hui – sinon plus aujourd’hui, à mesure que l’herbe devient socialement plus acceptable – et cela remonte à cette punchline de trois mots.Grand Lebowski,Vendredi,Ananas Express,À moitié cuit,Grande ville, etc. : Tout cela.

David Brenner sur les préposés aux stations-service
David Brenner, Le spectacle de ce soir
« Avez-vous déjà remarqué que vous entriez dans une station-service, les instructions du préposé commencent toujours de la même manière : 'Maintenant, regarde mon pote, sors de la station.' Non, je veux conduire les pompes pendant neuf heures ; Je ne veux pas quitter la gare.

Avez-vous déjà remarqué: Quatre mots qui définiront toute une génération de comédiens, et Brenner fut l'un des premiers stand-ups qui y sont associés. Il a utilisé cette expression pour lancer la blague ci-dessus dans son premierSpectacle de ce soirensemble, et il serait utilisé dans bien d’autresSpectacle de ce soiralors que son style est devenu de rigueur lors du boom de la comédie qui a suivi. Avant Jay Leno ou Jerry Seinfeld, il y avait Brenner qui, commeRichard Lewis l'a dit, était le roi de la comédie d'observation.

Vers 1972

«Je n'ai aucun respect.»
Rodney Dangerfield
« Je n’ai aucun respect : j’ai joué à cache-cache ; ils ne me chercheraient même pas.

C'est la blague qui a tout déclenché. Dangerfield a eu la seconde mi-temps, mais, commeil a dit à un intervieweur en 1986, il lui fallait mettre quelque chose « devant : j’étais si pauvre, j’étais si bête, alors ceci, alors cela ». C'était en 1972, l'annéeLe parrainest sorti. « Tout ce que j'ai entendu, c'est le mot « respect »il a dit au New YorkFois. « 'Vous devez me respecter' ou 'Respectez-le'. Je me suis dit : cela ressemble à une drôle d’image – un gars qui n’a aucun respect. Cela a changé la donne pour Dangerfield, qui a lutté pendant des années sous le nom de Jack Roy. Avec une nouvelle image et un nouveau slogan, il est devenu une star de la comédie, s'appuyant sur le travail de Henny Youngman et Don Rickles pour créer des répliques plus sombres, plus réalistes et plus spécifiques. Les comédiens ont un âge idéal pour leur comédie, et il semble que Dangerfield devait être un peu plus âgé et beaucoup plus grisonnant avant que l'Amérique veuille avoir de ses nouvelles. Au moment où il a vraiment réussi, dans les années 80, Dangerfield avait déjà la soixantaine. Vieux, mais pas trop vieux pour faire avancer le stand-up.

1972

Archie Bunker rencontre Sammy Davis Jr.
Norman Lear, Carroll O'Connor, Sammy Davis Jr., Bill Dana, Tous dans la famille
Archie : Maintenant, sans préjugé, mais, vous savez, je vérifie toujours avec la Bible ce qui se passe ici. Je pense que, je veux dire, si Dieu avait voulu que nous soyons ensemble, il nous aurait réunis. Mais regardez ce qu'il a fait. Il vous a envoyé en Afrique et nous a envoyés dans tous les pays blancs.
Sammy Davis Jr. : Eh bien, il a dû leur dire où nous étions, parce que quelqu'un est venu nous chercher.

Il est difficile de décrire, à cette distance, les ondes de choc quiTout en famillerayonné dans l'étang de télévision en réseau. La plupart des sitcoms de la fin des années 60 étaient les plus pâles du pap, dans leMunstersetL'île de Gilliganveine; à moins que vous ne comptiez sur le statut de jeune et célibataire du personnage de Marlo Thomas.Cette fille, il était difficile de trouver ne serait-ce qu’un soupçon de la dynamique sociale qui anime le pays. Soudain, une famille du Queens avec un père raciste et un gendre gaucher se disputait – très vigoureusement ! - sur la guerre du Vietnam et la dynamique raciale, traitant du crime et de l'hypocrisie et, dans un épisode, d'un contact très serré avec un violeur. La série n’a presque jamais glissé dans le territoire des épisodes très spéciaux; les éléments axés sur les problèmes étaient intégrés dans leurs prémisses, et restaient généralement drôles. L'épisode de Sammy Davis Jr. a fait monter les enchères avec une apparition de célébrité, et quelle célébrité idéale pour Archie à rencontrer : noire, juive, borgne et extrêmement charismatique.

1973

Comédie moins un
Albert Brooks, Comedy Minus OneAudio
Albert : Merci, merci et bonsoir, mesdames et messieurs. Je m'appelle Albert.
[Pause.]
Albert : Attends une minute, comment pourrais-tu être moi ?
[Pause.]
Script inclus avec l'enregistrement
Albert : Merci, merci et bonsoir, mesdames et messieurs. Je m'appelle Albert.
Toi : Et je suis toi.
Albert : Attends une minute, comment pourrais-tu être moi ?
Toi : Je n'ai pas dit que j'étais toi. J'ai dit que j'étais moi.

Au début de sa carrière, le comique, acteur et réalisateur basé à Los Angeles Brooks avait envie de déstabiliser allègrement les royaumes de la comédie avec lesquels il était entré en contact. Lorsqu'il est apparu dans des émissions de variétés télévisées à la fin des années 60 et au-delà, Brooks a insufflé une nouvelle vie aux vieux tropes de la comédie en rendant évident le subterfuge habituel impliqué dans certains types d'actes. À savoir, l'un de ses premiers morceaux, sur leRetourner le spectacle Wilson, le mettait en scène déconstruisant la ventriloquie en racontant des blagues et en bougeant sa bouche de manière évidente ; même si cela ne semble pas drôle sur le papier, le scénario connaisseur de Brooks et sa livraison rapide l'ont fait briller. Sur son premier album,Comédie moins un,il vous a même invité – oui, vous – à vous impliquer dans l'acte. La chanson titre, une routine sur un voyage au garage, laisse des espaces vides pour les lignes lues à haute voix à la maison à partir d'un script inclus à l'intérieur de la couverture de l'album. Au cours de la scène, vous – oui, vous – escroquez essentiellement Brooks (et la bande dessinée invitée Georgie Jessel) tout en reprenant toutes les lignes de rire. Cependant, si vous écoutez simplement, ce qui est probablement le cas de la plupart, vous n'entendrez que Brooks et Jessel ne parler à personne. L'intelligence derrière l'expérience et la verve avec laquelle elle est menée rendent les blagues irrésistibles. C'est le genre d'expérience anti-comédie qui a sans aucun doute eu un effet sur Andy Kaufman et Steve Martin, sans parler de pratiquement tous les comédiens alternatifs des 20 dernières années.

1975

Association de mots
Paul Mooney, Chevy Chase, Richard Pryor, Saturday Night Live
Intervieweur : Lapin de la jungle !
M. Wilson : Honky !
Intervieweur : Spade !
M. Wilson : Honky, honky ! Je
Intervieweur : Nègre !
M. Wilson : C'est foutu.

"Word Association" n'a même pas été écrit par l'un des scénaristes de la série, car Pryor a insisté pour que la série engage Paul Mooney pour la semaine. Mooney est l’un des plus grands esprits comiques de tous les temps en matière de race, et ce croquis le montre bien. Ce point culminant « Nigger » – « Dead honkey » semble toujours dangereux et révélateur, en partie à cause de sa simplicité et de sa simplicité. Luneécrit dans ses mémoiresc'était la chose la plus simple qu'il ait jamais écrite, car tout ce qu'il avait à faire était d'écrire ce que c'était que d'interviewer des dirigeants de NBC plus tôt dans la semaine pour travailler sur la série. En tant que pièce de comédie, elle exigeait de l’attention. C'est un rôle que la comédie a malheureusement continué à jouer depuis : obliger les gens qui aiment croire que le racisme n'existe plus à s'y confronter et, idéalement, à rire de leur inconscience. Il s'agit sans doute du sketch le plus important sur la race jamais écrit, et de toutes les comédies sur la race, que ce soit par Chris Rock, Dave Chappelle ouClé et Peele- suit son chemin.

1976

Le roi des impressionnistes
Michael O'Donoghue, Saturday Night Live

"Il y a une chose sur laquelle je pense que tout le monde est d'accord, c'est qui est le gars le plus gentil du show business. Et bien sûr, je parle de M. Mike Douglas. Ouais! Ouais, allez ! Vous savez, j'étais à la maison l'autre jour et j'ai vu l'émission de Mike, et une drôle de pensée m'est venue. Je me suis demandé : et si quelqu'un prenait de très grosses aiguilles en acier, disons de 15, 18 pouces de long, de grosses aiguilles en acier avec des pointes vraiment pointues, et les plongeait dans les yeux de Mike. Quelle serait sa réaction, hein ? Je pense que ça pourrait ressembler à ça. [O'Donoghue tourne le dos à la caméra pour préparer son impression. Il se retourne, met ses mains devant ses yeux et hurle de façon maniaque.]

SNLLa saison inaugurale de a laissé le public ébranlé pour de nombreuses raisons, notamment le penchant de la série pour l'humour brut et grossier et l'irrévérence des acteurs envers la culture populaire dans laquelle ils ont grandi. Le sinistre prince derrière une grande partie des ténèbres était Michael O'Donoghue, un artiste et écrivain célèbre non seulement pour avoir contribué àLampoon nationalmais en créant des satires noires telles que « Le livre pour bébés vietnamiens ». En plus d'avoir appris à l'étranger enthousiaste de John Belushi à prononcer des expressions anglaises telles que « Je voudrais nourrir les carcajous du bout de vos doigts », O'Donoghue s'est fait connaître dansSNLC'est la première année de en tant qu'imitateur. Buck Henry est monté sur scène et a informé la foule que le « roi des impressionnistes » était en route. O'Donoghue, vêtu d'une veste et d'une cravate typiques de Vegas, se demandait aimablement à quoi cela ressemblerait si Mike Douglas avait des aiguilles en acier enfoncées dans les yeux. Les cris agressifs et les agitations qui ont suivi ont été un choc, et l'engagement sauvage d'O'Donoghue l'a vendu comme une comédie. (Henry a conclu la phrase en demandant gentiment : « Étrange, n'est-ce pas ? ») Ce gag violent et dégoûtant était un gant lancé à son public, un test pour voir jusqu'où ils étaient prêts à aller, et le les répercussions du geste peuvent être ressenties chez des générations d'acolytes de la comédie noire.

Je suis allé avec le vent !
Carol Burnett, Harvey Korman, Tim Conway, Vicki Lawrence, The Carol Burnett Show
Ratt : "Cette robe est magnifique."
Starlette : "Merci, je l'ai vu dans la fenêtre et je n'ai pas pu y résister."

L'un des divertissements familiaux les plus stupides et les plus doux jamais diffusés à la télévision en réseau,Le spectacle de Carol Burnettsavait exactement comment plaire à son public. Alors que Burnett et son casting de rires invétérés étaient connus pour leurs personnages récurrents, leurs grandes performances et leur rupture sur scène, ils se sont également engagés dans des parodies de films opulentes et qui plairont au public. Le spectacle a repris de nombreux classiques, dontDouble indemnisationetD'ici à l'éternité,mais c'était leur parodie du monument sudiste d'avant-guerreAutant en emporte le vent– et un gag visuel en particulier – qui est resté dans l'esprit des fans. Comme Scarlett elle-même, la starlette de Carol Burnett démolit et transforme ses draperies en une robe de fortune lorsqu'elle cherche à séduire Ratt Butler de Harvey Korman. Mais lorsque Starlet descend le long escalier, drapée dans ses rideaux, il est clair qu'elle a négligé un aspect simple de la modification : la tringle à rideau, qui dépasse de deux pieds de chaque côté de ses épaules. Ce genre de détail impeccable a contribué à pousser la parodie du film vers de nouveaux sommets, et une ondulation de son influence n'a pas été ressentie uniquement dans des émissions en plein essor commeSCTVetSNL,mais dans des visuels magistraux conçus par des gens commeClé et Peele.

Elayne Boosler sur l'hypocrisie sexuelle masculine
Elayne Boosler
[Les hommes] veulent que vous criiez « Vous êtes le meilleur » tout en jurant que vous n'avez jamais fait ça avec qui que ce soit auparavant.

Quand Elayne Boosler est arrivée sur la scène de la comédie dans les années 1970, elle a ouvert la voie à la bande dessinée féminine avec son matériel impétueux et pro-sexe.Un New York de 1979Foisarticlea souligné son approche sans vergogne du stand-up – elle ne s'autodévalorisait pas, elle n'était pas très intéressée à perdre du poids et elle n'avait pas honte d'être une femme. Dans cette blague, elle donne la parole au point de vue de la femme en matière de rencontres et de relations sexuelles occasionnelles, à une époque où les bandes dessinées féminines étaient rares. Il lui fallut encore une décennie avant de devenir la première femme à avoir sa propre émission spéciale d'une heure (elle dut cependant l'autofinancer), et même si elle ne devint jamais vraiment l'histoire à succès de ses pairs, comme Jay Leno et Andy Kaufman, elle a ouvert la voie à toutes les comédiennes ultérieures qui n'avaient pas peur d'affronter les garçons.

1977

Introduction d'Annie Hall
Woody Allen, Marshall Brickman, Annie Hall
« Il y a une vieille blague : deux femmes âgées se trouvent dans une station de montagne de Catskill, et l'une d'elles dit : 'Mon garçon, la nourriture ici est vraiment épouvantable.' L'autre dit : « Ouais, je sais, et de si petites portions. Eh bien, c'est essentiellement ce que je ressens à propos de la vie : pleine de solitude, de misère, de souffrance et de malheur, et tout se termine beaucoup trop vite.

Le chef-d'œuvre d'AllenAnnie Hallregorge de blagues et de moments qui ont irrévocablement changé la comédie, mais c'est la célèbre intro du quatrième mur du film qui mérite d'être mentionnée, car elle résume essentiellement la carrière d'Allen en une seule blague. Dans ce document, l'écrivain-réalisateur-star s'appuie littéralement sur le travail de ses prédécesseurs comiques, prenant des blagues et les rendant plus introspectives, névrotiques, existentielles et cérébrales.Annie Halla été la dernière vraie comédie à remporter l'Oscar du meilleur film, battant SGuerres de goudrondans le processus. Cela tombe bien : l'histoire du cinéma de science-fiction peut être divisée en avant et aprèsGuerres des étoiles; on peut en dire autant deAnnie Hallet la comédie.

7 mots que vous ne pourrez jamais dire à la télévision
George Carlin, George Carlin à l'USC
"Merde, pisse, putain, chatte, enculé, enfoiré et seins."

Bien que Carlin ait peut-être eu des routines plus philosophiques que celle des sept gros mots qu'on ne peut pas prononcer à la télévision, on ne peut nier ce poids lourd de censure et de jubilation linguistique. Carlin était présent lors de la tristement célèbre arrestation pour obscénité de Lenny Bruce et a lui-même été arrêté dans des circonstances similaires, de sorte que son examen évolutif de la pruderie sélective de la nation a été alimenté par des expériences très réelles. La routine résume la volonté insatiable de Carlin d'examiner l'hypocrisie dans notre culture – qu'il s'agisse d'hypocrisie dans le domaine de la religion, de la langue ou de la politique – et sa détermination à ouvrir les yeux de son public sur les rites et rituels qui retiennent la société. Même si Carlin ponctue son discours avec une boucle rythmée et récurrente de sept mots, son érudition et son incisivité font de ce morceau la dissection la plus intelligente des gros mots à ce jour. Carlin a revisité la routine pendant la majeure partie de la décennie. Il a été entendu pour la première fois sur son disque de 1972Clown de classe, mais sa performance la plus emblématique aurait pu être lorsqu'il l'a finalement interprété à la télévision, dans son émission spéciale HBO de 1977, qui fournissait un avertissement avant de s'y lancer. Bien sûr, les bandes dessinées peuvent dire presque tout ce qu’elles veulent à la télévision de nos jours. Le relâchement de nos mœurs nationales y est peut-être pour beaucoup, mais la croisade de Carlin a sûrement eu une certaine influence. L'impact de ce morceau peut également être ressenti par des profanateurs et intelligents qui repoussent les limites comme Bill Hicks et Patrice O'Neal, et des émissions commeÀ l’intérieur d’Amy Schumer.

« Excuuuuuuuuuuse Meeeeeeeee ! »
Steve Martin, Soyons petits

Tiré de son premier album de 1977,Soyons petits, le morceau « excusez-moi » de Steve Martin est un moment de comédie incroyablement complexe. Il commence par jouer du banjo, dit au public qu'il va s'écarter un peu de sa routine habituelle, demande un éclairage d'ambiance, puis se lance dans une diatribe apparemment hors du scénario sur le fait que l'équipe des coulisses ne répond pas à ses normes. , laissant la foule se demander si cela fait partie du spectacle ou s'il s'agit simplement d'un comédien un peu diva. Puis il arrive enfin à la punchline, deux mots simples, longs et trop exagérés : « Excusez-moi ! » Et puis il recommence à jouer de son banjo, faisant apparemment savoir au public que ce n'était qu'une blague stupide brillamment conçue. C'est l'expression la plus pure de l'anti-comédie que vous puissiez trouver : c'est une série humoristique, donc les gens s'attendent à ce qu'il se passe quelque chose de drôle, ce qui serait vraiment surprenant (et doncvraimentdrôle) c'est si quelque chosepas drôlearrivé. (Oui, expliquer l'humour l'assèche un peu. Désolé.) Cette blague existe comme une sorte de patient zéro pour lequel on peut retracer tellement de comédie qu'il est presque idiot d'en faire une liste. Quand même:Les Simpson,M. Show,Été américain chaud et humide, Norm Macdonald, Tim et Eric, et tant d'autres comédiens alternatifs, passés et présents, ont suivi les traces de Martin. Le fait que la blague ait créé un slogan national et fait de Martin une mégastar du stand-up sans précédent témoigne de son caractère révolutionnaire.

1979

Richard Pryor sur sa crise cardiaque
Richard Pryor, Richard Pryor : Live en concert"
Tu penses à mourir, n'est-ce pas ? Je n'y ai pas pensé quand tu mangeais tout ce porc !

L'homme qu'un nombre écrasant de comédiens et de fans de comédie épousera comme le meilleur de tous les temps, Pryor était à son meilleur en matière de folie, confessionnel, rauque et bleu dans le cadre du live. Il s'ensuit que les performances filmées de Pryor,Vivez sur le Sunset StripetLive en concerten particulier,sont des puissances incontestables. Ce dernier voit Pryor transpirer à travers sa chemise et se contracter derrière sa moustache, coller et tisser alors qu'il passe d'un sujet à l'autre, un peu comme les combattants dans sa partie sur la boxe. Comme d'habitude, Pryor fait des observations parasites sur la race aussi facilement qu'il se penche sur la toxicomanie, et révèle ses vulnérabilités aussi rapidement qu'il se lance dans la politique. Il dépeint également beaucoup de choses étranges, dont la plus mémorable est une crise cardiaque. C'est un sujet effrayant et délicat que Pryor expose sans hésitation, se tordant le corps sur le sol alors qu'il se souvient d'une grande force qui a arrêté sa respiration et l'a même réprimandé : « Vous savez, les Noirs ont de l'hypertension, de toute façon, n'est-ce pas ? Surveillez votre alimentation ! C'est un morceau libre et magnifique qui a inspiré une horde de bandes dessinées, dont Chris Rock et Louis CK.

1980

"Je suis sérieux... et ne m'appelez pas Shirley"
Leslie Nielsen, Robert Hays, Jim Abrahams, David Zucker, Jerry Zucker, Avion !
Rumack : Pouvez-vous piloter cet avion et le faire atterrir ?
Ted : Tu ne peux sûrement pas être sérieux.
Rumack : Je suis sérieux... et ne m'appelle pas Shirley.

Avion!est sans doute l’exemple cinématographique par excellence d’un humour brillamment stupide, et cette blague est peut-être la plus stupide – et donc la meilleure. Le classique de 1980 regorge de répliques citables et de blagues superposées qui s'améliorent avec le temps, mais personne ne vole plus la vedette que Leslie Nielsen au visage impassible implorant Robert Hays de faire atterrir leur avion incontrôlable. Il a été nommé l'une des « plus grandes citations cinématographiques de tous les temps » par l'American Film Institute, et son génie réside dans sa simplicité homophonique : c'est drôle, je peux le dire par expérience, à la fois pour un petit enfant et pour un critique de comédie professionnel. C'est le genre de boutade que des milliers de scénaristes ont tenté d'imiter : comment pourrait-onPouvoirs d'Austin,Zoolander, ou d'innombrables personnages de Will Ferrell et Melissa McCarthy existent sans cette seule ligne ?

L'histoire du Dalaï Lama
Bill Murray, Harold Ramis, Brian Doyle-Murray, Douglas Kenney, Caddyshack
Carl : Donc on finit le 18 et il va me raidir. Et je dis : 'Hé, Lama, hé, que diriez-vous d'un petit quelque chose, vous savez, pour l'effort, vous savez.' Et il dit : "Oh, euh, il n'y aura pas d'argent, mais quand tu mourras, sur ton lit de mort, tu recevras une conscience totale." Alors je l'ai fait pour moi, ce qui est bien.

À la fin des années 70 et au début des années 80, l'influence du théâtre d'improvisation Second City sur la comédie américaine était omniprésente, et il n'était pas nécessaire de chercher bien plus loin queSamedi soir en direct, avec John Belushi, Gilda Radner et Dan Aykroyd qui ont tous fait leurs armes dans la série. Et puis il y avait Bill Murray, l'homme qu'Harold Ramis, ancien de Second City, appelait fréquemmentle meilleur improvisateur verbal qu'il ait jamais vu.Alors, quand Ramis a eu la chance de diriger le film d'improvisationCaddyshack, il a laissé Murray sans laisse. La scène du Dalaï Lama est un témoignage hilarant de la formation en improvisation et de l’ingéniosité du cerveau humain, influençant pratiquement tous les artistes comiques qui l’ont suivi. Désormais, on demande à chaque acteur d’une comédie s’il a pu improviser des répliques sur le plateau – c’est pourquoi cette blague. Et puis il y a l'étiquette sarcastique – « Alors j'ai eu ça pour moi, ce qui est sympa » – qui a donné le ton à de nombreux protagonistes comiques par la suite. Toute la carrière de Vince Vaughn repose essentiellement sur cette ligne.

1982

"La cocaïne est la façon dont Dieu vous dit que vous gagnez trop d'argent."
Robin Williams, une soirée avec Robin Williams

Comme toutes les blagues de Williams, dans une tornade de riffs, c'est la blague déterminante du Comedy Boom des années 1980, une époque où trop de comédiens gagnaient trop d'argent et le dépensaient pour trop de cocaïne. Williams, avec ses luttes contre les abus et son personnage maniaque sur scène, l'incarnait mieux que quiconque (même s'il disait n'avoir jamais eu de bons résultats). Sept mois avant d'enregistrer l'émission spéciale de HBO dans laquelle la blague apparaît, Williams était sorti avec son ami John Belushi ; le lendemain matin, Belushi serait retrouvé mort d'une overdose de drogue. Williams n’a jamais été connu pour être le comédien le plus confessionnel, ne serait-ce que parce qu’il ne reste jamais assez longtemps sur un sujet, mais il y a une vérité puissante dans sa blague la plus célèbre.

1983

Bill Cosby sur l'éducation d'un joueur de football
Bill Cosby, lui-même
« Salut, maman ! »

D'accord, nous devons compartimenter ici et considérer Cosby, aussi difficile que cela soit devenu, exclusivement sur les mérites de sa carrière de stand-up – parce que ces mérites sont stupéfiants. Il fut un temps où son matériel sur la vie et la famille comblait les fossés raciaux et explorait le rôle de la paternité moderne d'une manière qui a donné naissance à des bandes dessinées telles que Ray Romano, Louis CK et Jim Gaffigan. « Salut, maman ! » était la distillation parfaite de sa comédie articulant clairement les frustrations et l'ingratitude uniques d'être parent – ​​en particulier, dans ce cas, celui qui est négligé. C'était un morceau si simple et si persistant que Carlos Mencia serait accusé de l'avoir attrapé des décennies plus tard.Seencouragerait également les dirigeants de NBC à donner à Cosby, qui avait déjà quelques émissions de télévision ratées à son actif, un autre essai sur le petit écran. L'effort qui en résulte,Le spectacle Cosby,était révolutionnaire et apprécié, jusqu'à ce qu'il ne puisse plus l'être.

Les enfants adoptés d'Andy Kaufman
Andy Kaufman, David Letterman, Tard dans la nuit avec David Letterman
Letterman [criant dans les coulisses] : Andy ! Andy, tu es sur le point de faire ça ?
Kaufman [depuis les coulisses] : Dans une minute. je serai prêt dans une minute
.Letterman [aux « enfants adoptés »] : D'accord, euh, eh bien, ce sera sympa quand Andy viendra ici.

Kaufman et Letterman sont, bien sûr, deux légendes de la comédie, chacune avec de nombreux éléments qui pourraient avoir leur place sur cette liste. Mais il y a quelque chose d’agréable à les réunir, car ils étaient des âmes sœurs pour élargir le sens de la comédie et du divertissement. Kaufman était un invité fréquent de l'émission Letterman'sTard dans la nuit, chaque apparition faisant avancer la comédie, ou du moins de côté. La blague ici, qui se déroule pendant 12 minutes hilarantes et gênantes, est que Kaufman a adopté trois enfants ; cependant, au lieu de bébés, ce sont trois hommes noirs adultes, Herb, George et Tony (alias Tino). Ce qui aurait pu être un gag ponctuel se transforme en un moment encore plus long au fur et à mesure que Letterman les interviewe, avec Andy disparaissant pendant un moment et revenant pour se faire passer pour Elvis. Cette apparition n'est pas aussi célèbre que lorsqu'il a été agressé par le lutteur Jerry Lawler en 1982, mais elle est très révélatrice de ce que ces deux-là ont apporté à la comédie. Kaufman, à son meilleur, appuyait sur les boutons de la comédie avec une innocence enfantine ; Letterman l’a fait avec une ironie perplexe. Kaufman mourrait moins de neuf mois après cette apparition ; c'est banal à dire, mais c'est très vrai : la comédie n'a jamais été la même.

1984

Va à 11
Christopher Guest, Rob Reiner, Michael McKean, Harry Shearer, C'est une ponction lombaire
Marty : Pourquoi tu ne fais pas simplement 10 plus fort ? Et faire de 10 le chiffre le plus élevé et le rendre un peu plus fort ?
[Pause]
Nigel : Ceux-ci vont au 11.

Même s'il doit certainement quelque chose aux BeatlesUne dure journée et nuitet le prédicteur de télé-réalité d'Albert BrooksLa vraie vie,C'est une ponction lombairea fait progresser la substance et le style du faux documentaire et a défini son avenir. Le film fait suite au retour tumultueux du trio rock insipide et imprimé léopard Spinal Tap, joué par Christopher Guest, Harry Shearer et Michael McKean. Cette scène entre l'idiot Nigel Tufnel de Guest et le documentariste doucement acceptant Marty DiBergi, joué par Rob Reiner, illustre parfaitement la combinaison de structure et de jeu qui fait du film sa propre sorte de Stonehenge comique. Alors que Nigel, désemparé, insiste sur le fait que les gros chiffres sur les cadrans des amplis du groupe les rendent spéciaux, Guest & Co. embrouille parfaitement les prétentions des musiciens pop avec une conjonction de caractère, d'esprit d'improvisation et de timing comique. Sans des moments subtils mais marquants comme celui-ci, il n'y aurait pas de comédie à couper le souffle commeLe bureau- sans parler des friandises des derniers jours de GuestEn attendant GuffmanetMeilleur du spectacle.

1985

Le cambrioleur de Steven Wright
Steven Wright, j'ai un poney
« Je suis rentré à la maison l'autre jour et tout ce qui se trouvait dans mon appartement avait été volé et remplacé par une réplique exacte. Je ne pouvais pas y croire. J'ai dit à mon colocataire : "Regarde ce truc, c'est une réplique exacte." Il a dit : « Est-ce que je te connais ? »

Les one-liners sont aussi vieux que la comédie elle-même, mais peu de comics les maîtrisent aussi bien que Steven Wright, dont l'album de 1985J'ai un poneyregorge de blagues intelligentes et serrées. Tout dans la manière de Wright - son stoïcisme, ses mots précis, son refus d'interagir avec le public - a fait de lui une superstar pendant le boom des années 80, et sa capacité à identifier les aspects banals de la vie et à les transformer en idées absurdes reste inégalée. De toutes ses blagues, celle-ci sur les répliques exactes se distingue par ses images et ses nombreuses couches – elle raconte une petite histoire avec une extrême brièveté. Il est évident pourquoi et comment Wright a inspiré des légions d'autres bandes dessinées, notamment le regretté et grand Mitch Hedberg – celui de « Je me droguais ». Je le fais toujours, mais je le faisais aussi » – mais aussi Demetri Martin, Myq Kaplan et Zach Galifianakis.

Poussin surfeur
Whoopi Goldberg, directement de Broadway
« Alors je rentre à la maison et je dis : « Maman » et elle répond : « Quoi ? Et je dis: "Je suis totalement PG." Et elle dit : "Oh, tu es dans un film." Et comme si finalement je l'avais, tu sais. Et c'est comme : 'Non, je ne suis pas dans un film.' Je suis totalement enceinte, comme Marie l'était avec Jésus, sauf que je sais qui était le père.

Avant d'être lauréate de l'EGOT, Whoopi Goldberg, plus que n'importe quel comédien de sa génération, a rendu le stand-up plus théâtral. Pour ses débuts en tant qu'actrice, elle a eu des opportunités dans des clubs de stand-up comme le Belly Room du Comedy Store de Los Angeles, qui, contrairement au célèbre Original Room, était plus ouvert à l'expérimentation et, plus particulièrement, aux femmes. Là, sans scène de fin de soirée en vue, elle était libre de faire un spectacle qui durerait bien plus d'une heure. Finalement, avec l'aide du réalisateur Mike Nichols, elle a présenté son spectacle à Broadway. Filmé pour HBO commeDirectement de Broadway, la blague ci-dessus a été racontée par Goldberg dans le rôle d'une surfeuse californienne (pasValley girl) qui tombe enceinte par accident. La comédie vient de la spécificité et de la qualité du personnage. Aux côtés de Sandra Bernhard, le mélange par Goldberg des one-man shows de stand-up et de narration a changé la donne, avec John Leguizamo dans les années 90 et les Mike Birbiglias du monde d'aujourd'hui suivant ses traces.

1986

"Aucun homme n'a jamais levé la main sur la robe d'une femme à la recherche d'une carte de bibliothèque."
Joan Rivers, Johnny Carson, The Tonight Show

Ce n'est pas une mince affaire de se battre en talons, mais Joan Rivers en a fait une carrière. Elle avait de la motivation, de l'intelligence et de l'endurance, et elle ne s'est jamais excusée pour ses blagues. Après avoir trouvé sa voix à Second City au début des années 60 à Chicago, Rivers a envahi le club de garçons du centre-ville de New York au Bitter End et au Gaslight Cafe, jouant aux côtés de Woody Allen et Bill Cosby. Elle a noué des liens étroits avec Johnny Carson et, à partir de là, elle a décollé – écrivant, animant des spectacles, faisant des tournées et exposant l'éthique de travail d'une fourmi charpentière jusqu'à la fin de sa vie. Comme beaucoup d’autres bandes dessinées disposant d’un vaste catalogue de one-liners (et dans le cas de Rivers, d’un catalogue physique de fiches), Rivers a réutilisé le matériel quand cela lui convenait. Cette blague était celle que Rivers utilisait depuis des années, mais utilisée ici en référence à Christie Brinkley, elle représente un point médian entre les années du centre-ville de Rivers et les années du tapis rouge à venir. Même si elle était souvent méchante et brutale, les meilleurs films de Rivers ont pesé sur la vie des femmes américaines – leurs luttes avec la romance, leur corps et avec le patriarcat en général. Cette phrase résume complètement la compréhension de Rivers de ce à quoi une femme est confrontée malgré les paroles des hommes. Il y a des comiques bavards, par exemple Kathy Griffin, qui doivent leur carrière à Rivers, tandis que d'autres comme Whitney Cummings etChris Rochevient de s'inspirer de sa capacité à fabriquer un zinger pointu.

1988

Roseanne sur les mères qui travaillent
Roseanne Barr, John Goodman, Roseanne
Dan : Réparer l'évier est le travail d'un mari, et je suis le mari.
Roseanne : Et je suis la femme, donc c'est mon travail de faire tout le reste.
Dan : Oh, ne me donne pas ça.
Roseanne : Oh, eh bien, ça doit être vrai. Je passe huit heures par jour à l'usine, puis je rentre à la maison et j'y consacre encore huit heures. Je cours partout comme un fou, reprenant —
Darlene : Maman, où est la cassette ?
Roseanne : Dans la salle de bain, troisième tiroir.

C'est presque choquant de revenir surRoseannec'est pilote à travers le prisme des comédies en réseau d’aujourd’hui. Le pilote est désordonné, les blagues ne sont pas rapides, ni référentielles, ni remplies de moqueries, et les personnages sont lourds etd'apparence normale, sans Token Hot Person dans le peloton. Ils se crient dessus et se crient dessus, et ne semblent pas se soucier que quiconque puisse les entendre. Même le public du studio semble plus réel,comme s'ils s'amusaient vraiment et n'avaient pas été stérilisés par des machines. L'émission était révolutionnaire dans son honnêteté et dans sa représentation d'une femme dirigeante de la classe moyenne inférieure en tant que mère qui travaille, quelque chose d'inédit sur la télévision en réseau. Cette blague capture parfaitement le personnage de Roseanne, car elle ne peut même pas expliquer à quel point il est difficile d'être une mère qui travaille sans être interrompue par l'un de ses enfants. Le succès de la série — l'une des cinq émissions de télévision les mieux notées au cours de ses cinq premières années de diffusion — a donné naissance à au moins quelques comédies ultérieures, commeLa grâce sous le feuetRéba,bien que rien à l'antenne depuis n'ait capté le ton de Roseanne de la même manière.

La scène du salon de coiffure
Eddie Murphy, Arsenio Hall, John Landis, Clint Smith, venant en Amérique
Saul : Et Rocky Marciano ?
Clarence : Oh, les voilà. Et voilà, chaque fois que je commence à parler de boxe, un homme blanc doit sortir Rocky Marciano de leurs fesses. C'est leur seul, c'est leur seul. Rocky Marciano! Rocky Marciano! Laissez-moi vous dire quelque chose, une fois pour toutes : Rocky Marciano était bon ; mais comparé à Joe Louis, Rocky Marciano n'est pas une merde.
Saul : Il a tabassé Joe Louis.
Morris : C'est vrai, il a cogné le cul de Joe Louis.
Clarence : Joe Louis avait 75 ans lorsqu'ils se sont battus.

Le va-et-vient fougueux dans cette scène du premier film d'Eddie Murphy est impressionnant avant même de considérer le fait que Murphy joue à la fois Saul et Clarence. C’était la première, et sans doute la meilleure, fois où nous voyions Murphy réaliser ce qui allait devenir son acte multi-personnages emblématique. C'était un cadre parfait : représentant la culture du salon de coiffure qui n'avait jamais été vue sur grand écran, cela a permis à Murphy de faire ce qu'il faisait mieux que quiconque : dire de la merde et incarner des personnages très spécifiques. La grosse récompense arrive à la fin, mais tout ce que Murphy dit avant est tout aussi hilarant. Même si vous regardez aujourd'hui, il est toujours incroyable de voir à quel point Eddie Murphy était une puissance de la comédie. Murphy était la plus grande star de la comédie de la seconde moitié du siècle, apportant une vitalité et un sentiment d'actualité à la comédie. Il est difficile de comparer sa célébrité à celle d'un seul comédien ; l'approximation la plus proche pourrait être qu'il ressemblait à l'intégralité du casting original deSamedi soir en directL'influence de s'est condensée en une seule personne.

1989

«J'aurai ce qu'elle a.»
Meg Ryan, Billy Crystal, Nora Ephron, Rob Reiner, Estelle Reiner, Quand Harry rencontre Sally...

Quand Harry rencontra Sally…a été la rampe de lancement d'une série apparemment infinie de comédies romantiques, qui tentaient toutes de reproduire la magie de cette scène parfaitement conçue. Meg Ryan, avecune idée génialeet une performance parfaite, a fait exploser les conventions du dialogue affectueux, poussant la tension classique de la comédie romantique à des sommets jamais vus auparavant. Et puis le réalisateur Rob Reiner passe à sa mère, Estelle, qui livre la réplique la plus répétée de la scène la plus célèbre de l'histoire de la comédie romantique. (Nous vous mettons au défi de penser à un moment plus souvent cité dans une comédie romantique. Que vas-tu dire : « Tu m'as eu au bonjour » ? Un jeu d'enfant !) C'est une blague, presque catskillienne dans sa prestation et sa judéité. (Estelle a rencontré le père de Rob, Carl, alors qu'elle était scénographe dans les Catskills.), ce qui, d’une certaine manière, relie la plaisanterie à cette époque. C'est une ligne directe : Woody Allen met à jour la ceinture du bortsch, etQuand Harry rencontre Sallymet à jour sa mise à jour.

1990

Paula Poundstone sur Pop-Tarts
Paula Poundstone, Chats, flics et autres
«En fait, je mange une boîte de Pop-Tarts par jour. Je ne suis pas fier de ça.

Tout sur ce morceau de 1990 du spécial HBO de Paula PoundstoneChats, flics et tout çase sent en quelque sorte joyeux. Cela a été motivé par un couple au premier rang qui lui tendait une boîte de Pop-Tarts - "Alors vous avez luBattement de tigre?" » demande-t-elle lorsqu'ils avouent qu'ils savaient qu'ils avaient apporté sa saveur préférée – mais évolue vers une méditation sur ses relations de longue date avec la pâtisserie. Cela a la sensation quotidienne de la comédie d'observation des années 1980, mais cela fait allusion à la scène alternative qui allait bientôt surgir – le morceau a commencé avec une simple lecture de la boîte sur scène pour remplir le temps. Contrairement à de nombreuses comédiennes de l'époque, le matériel de Poundstone n'avait pas grand-chose à voir avec son sexe, optant plutôt pour une bêtise accessible à tous. Elle allait être tellement associée à la marque queelle a réalisé une vidéo spéciale pour eux. Cela aurait été difficile à deviner à l'époque, mais ce passage préfigurait beaucoup d'humour culinaire à venir :Jim Gaffigan sur les poches chaudes,Patton Oswalt sur les célèbres bols de KFC,Paul F. Tompkins sur le gâteau contre la tarte,Brian Regan sur Pop-Tarts, et, curieusement,un Jerry Seinfeld plus âgé sur Pop-Tarts.

Homer saute la gorge
Matt Groening, James L. Brooks, Sam Simon, Jay Kogen, Wallace Wolodarsky, Dan Castellaneta, Les Simpsons

Lorsque "Bart the Daredevil" a été diffusé en 1990,Les Simpsonn'était pas encore la plus grande sitcom à la télévision – mais l'épisode a aidé la série à faire un pas de géant dans cette direction. Qu'une douce scène de bonne parentalité et de liens père-fils entre Homer et Bart conduise à cette chaîne de stupidité parfaite est un exemple du spectacle à son meilleur – une comédie de premier ordre avec du cœur. Mais une fois qu'Homer s'est envolé sur le skateboard, l'acharnement du gag – la brutalité sans fin, la répétition stupide – a ouvert le spectacle à de nouveaux niveaux d'absurdisme qui deviendront sa marque de fabrique. Peu de temps après, nous avons vu émerger la scène de la comédie alternative du début des années 1990, une scène qui savourait la comédie idiote, ridicule et souvent inutile. C'était un rejet du stand-up plus traditionnel qui dominait dans les années 80, etLes Simpson" L'influence décalée pouvait être vue dans des émissions commeTard dans la nuit avec Conan O'Brien,M. Show avec Bob et David,L'État,Le spectacle Ben Stiller,La Brigade des Citoyens intègres,gars de famille, etParc du Sud, sans parler de toute une génération de comédiens.

1992

Benita Butrell
Kim Wayans, en couleur vivante
Benita Butrell : [Au policier] Ne dites rien de mal à propos de Mme Jenkins. C'est une femme bien, une femme bien. Je ne prendrais rien à personne. C'est une femme bien, chérie. Ne parlez pas de Mme Jenkins, ou je me transformerai en Ice-T sur vos fesses. Ne parlez pas de Mme Jenkins. C'est une femme bien, une femme bien. [À la caméra] Ne lui tournez pas le dos. Les doigts d'une femme sont plus collants qu'une crotte de nez dans un pot de miel. Je ne suis pas du genre à bavarder, donc vous n'avez pas entendu ça de ma part.

AvantEn couleur vivante, vous ne pouviez pas trouver une émission humoristique où la noirceur était le paramètre par défaut. Dans un épisode de « WTF », Chris Rock a expliqué son désir d'être présentEn couleur vivanteau lieu deSNL: "Je voulais être dans un environnement où je n'avais pas à traduire la comédie que je voulais faire." C'est l'environnement dans lequel Kim Wayans a pu jouer Benita Butrell, une vieille potine noire du quartier, dont la bande dessinée n'était pas basée sur le fait qu'elle était noire ou féminine..Cette blague, qui se déroule pendant les émeutes de Los Angeles, se termine par son célèbre slogan, et crépite toujours avec une spécificité de langage et de caractère. Même si le manque de points communs dans les expériences, les références et les tropes culturels a créé un gouffre entre ce quiEn couleur vivantefaisait et ce à quoi le grand public des sketches comiques s'attendait, le mandat et la popularité de la série ont suffisamment réduit l'écart pour que les créateurs de couleur puissent créer un art qui est maintenant, à juste titre, considéré comme universel.

Un spectacle pour rien
Jerry Seinfeld, Jason Alexander, Larry David, Seinfeld
Jerry : Alors on va sur NBC, et on dit qu'on a une idée d'émission pour rien ?
Georges : Exactement.
Jerry : Ils disent : « De quoi parle votre émission ? » Je dis : « Rien ».
Georges : Et voilà.
Jerry : Je pense que vous avez peut-être quelque chose ici.

En classiqueSeinfeldmode, cette blague est tirée de l'épisode de la saison quatre « The Pitch », qui est construit autour d'une réplique citable. Bien qu’il soit utilisé pour définir le spectacle dans le spectacle, « un spectacle pour rien » a continué à définirSeinfeldaussi. Oui,Seinfeldil ne s'agissait de « rien », dans le sens où il se concentrait sur les détails du quotidien, un peu comme Seinfeld l'avait fait dans son stand-up. MaisSeinfeldc'était aussi une question de néant, c'était une question d'absurdité. Comme l’a si bien dit Larry David : « Pas de câlins, pas d’apprentissage ». Son ton comique cynique, qui ne ressemblait à rien à l'époque, a continué à dominer une grande partie de la comédie télévisée qui allait suivre.

"Je n'ai pas peur de vous, enfoirés."
Bernie Mac, Def Comedy Jam

Comme d’autres exemples de cette liste, l’histoire de cette blague est devenue une sorte de légende partagée entre comédiens. Quand Russell Simmons a crééDef Comedy Jam, les bandes dessinées noires qui avaient passé des décennies à travailler dans l'obscurité savaient qu'elles pouvaient être créées ou brisées très publiquement. Les tensions dans les coulisses étaient naturellement fortes. Et lors de cet enregistrement de l'émission, le public s'est montré rude, huant le comédien qui passait devant Mac. Bill Bellamy a prévenu Mac avant son set : "Soyez prudent, ce public est coriace." À quoiMac a répondu, "Je travaille là-dessus depuis trop longtemps - j'ai travaillé trop dur - je n'ai pas peur d'eux!" Qu'a fait Mac ? Il monte sur scène, prend le micro et dit exactement cela au public. Instantanément, le public explose de rire. Le moment a tellement capturé ce qui était passionnant dans la comédie noire à l’époque. Il y avait cette urgence, cette bravade, une grandeur qui exigeait de l’attention. Faites un zoom arrière sur cette blague et vous obtenez Martin Lawrence ; vous obtenez le reste des rois originaux de la comédie, Steve Harvey, DL Hughley et Cedric the Entertainer, qui, avec Mac, ont sorti un long métrage de stand-up extrêmement populaire réalisé par Spike Lee en 2000 (et le film sorti par la suite).Reines de la comédie, mettant en vedette Laura Hayes, Adèle Givens, Sommore et Mo'Nique) ; vous obtenez des BETVue BD, dont Kevin Hart était l'animateur en 2008 - vous obtenez tout le boom de la comédie noire des années 90. Il y a une raison pour laquelle plus de 3 millions de personnes ont regardé le clip sur YouTube.

1993

«Vous pourriez être un redneck.»
Jeff Foxworthy, vous pourriez être un redneck si...
"Si vous allez à une réunion de famille pour rencontrer des femmes, vous pourriez être un redneck."

C'est l'une des nombreuses blagues qui se terminent par la même punchline – « tu pourrais être un redneck » – sur le premier album géant de Jeff Foxworthy, intituléVous pourriez être un redneck si…La blague, comme toutes les blagues, est un objet parfait et léger – une boule disco comique qui a fière allure mais qui est totalement creuse à l’intérieur. L’économie du langage et la vivacité des images peintes par Foxworthy sont tout à fait étonnantes. D'autres exemples tirés du même dossier incluent : « Si vous avez déjà été trop ivre pour pêcher, vous pourriez être un redneck » et « Si votre père vous accompagne à l'école parce que vous êtes dans la même année, vous pourriez être un redneck. Foxworthy joue avec les mêmes stéréotypes ruraux-sudistes, mais pour un public de ruraux du Sud, ce n'est pas de la satire mais une occasion de rire de soi. Cette seule blague a fait entrer Foxworthy dans le courant dominant, a lancé une manne de merchandising et a donné naissance au Blue Collar Comedy Tour – sans parler de l’esthétique comique au poulet frit et aux sourcils bas associée à la troupe. En fait, des tournées de stand-up culturellement homogènes ont fleuri grâce à Foxworthy. Vous pourriez assimiler cela à une sorte d’incident du Golfe du Tonkin pour la comédie, mais tout comme une chanson pop ringarde, cette blague ne pourra jamais être délogeée de notre conscience.

"Au fait, si quelqu'un ici travaille dans la publicité ou le marketing… tuez-vous."Bill Hicks, Révélations

Dans son spécial de 1993Révélations, libéré peu de temps avant sa mort tragiquement précoce, Bill Hicks avait beaucoup à dire. Après avoir passé 15 ans à chercher un public, il avait rencontré un certain succès en Grande-Bretagne, dénonçant les méfaits de la culture américaine auprès d'un public réceptif. Et les sujets de son bugaboo actuel étaient les annonceurs et les spécialistes du marketing. Avec ses assurances constantes qu'« il n'y a pas de blague ici », la voix de Hicks est une haine pure et calme, se transformant lentement en une expression de rage impuissante face à l'état du monde. C'est un excellent morceau qui fait allusion à toutes les idées brillantes qu'il aurait pu explorer s'il avait vécu ; pour commencer, sonSurLa politique libérale et le mépris du stand-up traditionnel auraient pu le placer bien sur la scène de la comédie alternative qui venait tout juste de se développer. Son descendant comique le plus direct est probablement Doug Stanhope, mais son attitude furieuse a inspiré une génération de satiristes de tous bords.

1994

Ace Ventura Détective Cul
Jim Carrey, Tom Shadyac, Jack Bernstein, Ace Ventura : détective pour animaux de compagnie
Ace Ventura [se retourne, se penche et tient ses fesses] : Excusez-moi, j'aimerais vous poser quelques questions.

Dans l'une des nombreuses critiques joyeusement dédaigneuses du premier véhicule vedette au succès retentissant de Jim Carrey,Owen Gleiberman a écrit, "Carrey suggère qu'un malade mental en fuite se fait passer pour un animateur de jeu télévisé - et, ce qui est pire, son truc hyperboliquement odieux est toute la foutue émission." La décennie suivante des comédies en studio, cependant, a été définie par ce type particulier de personnage principal outrageusement large et fou que vous aimiez inconditionnellement ou profondément méprisiez (voir :Tommy Boy, Austin Powers, Zoolander, pratiquement tous les films d'Adam Sandler). Ces films étaient également remarquables pour être PG-13, une classification MPAA dont les studios ont vraiment commencé à comprendre comment tirer parti dans les années 90. Parler de ses fesses n'est pas énervant pour les adultes qui ont revu le film (ou des films similaires), mais c'était exaltant pour les adolescents qui sont allés voir ces films en masse, grâce à leur classement PG-13.

Maître du cul
Margaret Cho, demi-heure de comédie HBO
« Mes parents sont très conservateurs, mais étonnamment gay-positifs. À la fin des années 70, nous possédons une librairie à San Francisco, sur Polk Street, qui était alors un immense paradis gay. Et ma mère, pour une raison quelconque, était responsable de la section porno gay. Alors chaque jour, elle se promenait là-bas : « Je ne sais pas pourquoi nous avons ce livre ! Moran, qu'est-ce qu'un « maître du cul ? » « Maman, je n'ai aucune idée de ce qu'est un maître du cul. Est-ce que c'est comme un Thigh Master ? « Je ne sais pas, est-ce un maître du cul ? Qu'est-ce que c'est? Qu'est-ce que le maître du cul ?'

Après avoir fait la première partie de Seinfeld, apparu surLe spectacle de la salle Arsenio,et développerFille entièrement américainepour ABC, Margaret Cho était en pleine forme lorsqu'elle a enregistré sa demi-heure de comédie sur HBO en 1994.Fille entièrement américaineallait par la suite échouer, en partie à cause de la mauvaise gestion par le réseau de ses personnages asiatiques et asiatiques-américains, mais rétrospectivement, il est étonnant de penser qu'un réseau a essayé de présenter la comédie de Cho dans une sitcom traditionnelle. Dans ses premiers sets comme dans son matériel ultérieur plus audacieux, Cho explore un échantillon représentatif de la vie (être un enfant d'immigrés, la vie des Asiatiques et des Américains d'origine asiatique, le racisme, les problèmes LGBTQ, les droits des femmes et une tonne de sexe). personne d'autre ne servait à ce moment-là (voire jamais), et certainement pas avec l'honnêteté caractéristique de Cho. En écoutant son émission spéciale plus de 20 ans plus tard, la voix de Cho est à la fois authentique et scandaleuse, et confessionnelle sans sentiment d'autodérision - un mélange qui semble nouveau même dans le monde de la comédie d'aujourd'hui, et qui explique son énorme public à la fin des années 90 jusqu'au années 2000. La carte de visite des travaux antérieurs de Cho ? Une blague intitulée « Ass Master », dans laquelle sa mère américano-coréenne pose des questions sur le porno gay vendu dans la librairie familiale de San Francisco. Dans cette blague, Cho inclut des récits confessionnels, des impressions, la vie queer, la famille et le sexe. Cette capacité à tout rassembler, désormais courante dans la scène de la comédie post-alternative avec des stand-ups comme Chelsea Peretti, James Adomian et Kyle Kinane, était la marque de Cho au début des années 90.

1995

Notes de Janeane GarofaloJaneane
Garofalo, demi-heure de comédie HBO
« J'ai un morceau de papier, ne me dérange pas. Je suis un professionnel, mais j'ai beaucoup de Nutrasweet dans mon organisme et je n'ai pas une bonne mémoire à court terme. J'ai, tu sais, beaucoup de choses dont je veux discuter avec toi et je ne me souviens même pas de quoi il s'agit. Je les ai sur un morceau de papier. Ne me dérange pas. Si j’y jette un coup d’œil, ce n’est pas parce que je m’en fiche, c’est parce que je ne me souviens de rien.

Avant 1995, grâce à des apparitions surLe spectacle Ben Stilleret le filmBouchées de réalité, Janeane Garofalo était déjà un incontournable de la comédie alternative. Mais avec son spécial HBO, pour lequel elle a apporté des notes sur scène avec elle, elle était chargée de proposer une comédie alternative aux masses. C’est cette décision qui a rapidement supprimé le showbiz du stand-up et tout le glamour résiduel de Las Vegas qu’il avait autrefois. Le stand-up était libre d'être désordonné, lâche et, surtout, honnête. Grâce à Garofalo (et à certains de ses pairs, comme Marc Maron), la vérité – et non la présence sur scène ou une écriture pointue – est devenue l'atout le plus précieux du stand-up. La comédie a changé, et à son tour, le public de la comédie a changé. Les gens ne voulaient plus voir un acte raffiné ; ils voulaient voir tout ce qui était nouveau, tout ce qui se passait actuellement dans la vie du comédien. Qui a-t-elle influencé ? Tout le monde.

"Je vais te faire planer aujourd'hui"
Chris Tucker, Ice Cube, F. Gary Gray, DJ Pooh, vendredi
Smokey : Je sais que tu ne fumes pas d'herbe, je le sais, mais je vais te faire planer aujourd'hui, parce que c'est vendredi, tu n'as pas de travail et tu n'as rien à faire.

Cette phrase, dite par Smokey de Chris Tucker, et le personnage de Ice Cube, Craig, qui se fait virer pendant son jour de congé, préparent le terrain pour les événements qui se déroulent dansVendredi. En apparence, c'est l'une des nombreuses blagues sur l'herbe faites tout au long du film (dont la plupart ont été tournées dans la rue où le réalisateur F. Gary Gray a grandi, avec des acteurs priés de ne pas porter de vêtements rouges comme les membres du gang des Bloods parce que c'était le territoire des Crips) , mais cela en révèle également davantage sur ces deux meilleurs amis vivant à South Central LA. C'est le genre de blague que les gens font lorsqu'ils ne peuvent pas parler honnêtement de la difficulté qu'ils ont à vivre. C'est ce qui faitVendredisi singulier : non seulement il a trouvé un moyen de communiquer à quoi ressemblait la vie dans le quartier tout en gardant les choses amusantes, mais il a ouvert la voie à un certain ton de comédie à la fois solide et large. Tu n'as pasSalon de coiffuresansVendredi; vous n'avez pas pratiquement tous les films de Seth Rogen sansVendredi.

1996

Les Noirs contre les négros
Chris Rock, Apportez la douleur
« Qui est le plus raciste, les Noirs ou les Blancs ? Ce sont des noirs ! Tu sais pourquoi ? Parce que nous aussi, nous détestons les Noirs !

Spécial 1996 de Chris RockApportez la douleurcimenté leSNLetEn couleur vivantele statut d'ancien élève en tant que voix nécessaire sur la question raciale aux États-Unis, et cette blague en particulier a été une révélation. Il articulait des idées complexes, largement tacites, sur la race, qui dépassaient la dichotomie noir-blanc et mettaient au défi les spectateurs de toutes races. Explorer un sujet aussi sensible avec un langage controversé était un acte de haute voltige – pensez : « Il se passe des conneries avec les Noirs en ce moment. Il y a comme une guerre civile entre les Noirs, et il y a deux côtés : il y a les Noirs, il y a les négros. Les négros doivent partir »- etRock a parlé des mois qu'il a consacrés à le faire fonctionner. Bien que le discours énergique et le rythme agité de Rock aident à le vendre, la blague fonctionne en raison de sa structure classique et irréprochable : il s'agit simplement d'une blague pertinente et culturellement avisée sur l'un des sujets les plus controversés de l'Amérique moderne, et son héritage plane sur toute bande dessinée qui en parle. course.

1998

Le béguin de David Duchovny pour Larry
Garry Shandling, David Duchovny, The Larry Sanders Show
Larry : Donc, nous avons ce grand show final ce soir et Kevin Costner abandonne.
David : Oh, merde.
Larry : Et, vous savez, c'est la dernière soirée du spectacle, alors serait-ce imposant de vous demander si vous feriez le spectacle ?
[David, qui porte un peignoir, décroise les jambes.]

Sans doute la meilleure comédie en coulisses de tous les temps,Le spectacle de Larry Sandersest certainement la meilleure comédie « sur scène et en coulisses » de tous les temps. Sur le plan tonal, nous n'avions jamais rien vu de tel auparavant, et la série a ouvert la voie à d'autres comédies mono-caméra sèches et maladroites à venir, commeLe bureauetLimitez votre enthousiasme.Beaucoup des meilleursPonceusesles épisodes ont construit un conflit dans les coulisses, puis l'ont laissé se dérouler sous les lumières vives du talk-show nocturne de Larry (voir : presque toutes les intrigues secondaires impliquant l'acolyte déséquilibré de Jeffrey Tambor, Hank). L'émission a également permis à ses invités célèbres d'étirer des muscles imprévisibles et de saper leur personnalité publique (vous vous souvenez de John Ritter et Gene Siskel qui se sont presque battus l'un contre l'autre ?) - une tactique qui a également fait des merveilles pour Ricky Gervais.Supplémentsdes années plus tard. Les apparitions récurrentes de David Duchovny ont été un véritable moment fort, car sa sexualité et son possible « béguin » pour Larry étaient une source de confusion et d'inconfort. Duchovny a confirmé au Huff Post il y a quelques années que tout cela étaiten fait, c'est son idée, expliquant qu’il a précédé toutes les « conneries de bromance » qui ont suivi. La tension était réelle ! La saga a culminé dans la finale quand il a montré à Larry ses déchets,Instinct de base-style.

L'histoire de l'Everest
David Cross, Bob Odenkirk, Jay Johnston, Jill Talley, Mr. Show avec Bob et David
« Personne ne me prend au sérieux. Moi qui ai conquis l’Everest, je suis dépeint comme un imbécile maladroit… » [Il trébuche et se fait écraser les mains par une voiture]

« L'histoire de l'Everest » n'est pas un sketch sur l'Everest ; c'est le croquis d'un homme abattu par une collection de 200 dés à coudre en verre. C'est aussi un mélange exquis d'intelligent et de stupide, de comédie et d'anti-comédie : la combinaison qui a fait le film de Bob Odenkirk et David Cross.M. Showla pierre de touche de la comédie branchée des années 90. Le réseau de production HBO était alors plus petit, doncM. Showréussissait toujours à se sentir underground et coincé dans l'esprit de nombreux nerds de la comédie (dont certains ont ensuite réalisé leurs propres émissions de sketchs, c'est-à-direGéant humainetPortlandie). Dans le croquis, le fier grimpeur Jay Johnston tente de parler à sa famille de l'ascension du sommet de l'Himalaya, mais il frappe à plusieurs reprises ladite collection de dé à coudre alors qu'il se dirige vers le sol. Comme pour la plupartM. Showscènes, la chute au centre de « l’Everest » est présentée dans un cadre éblouissant et orné. Le grimpeur découvre bientôt que sa folie dans son salon, et non son exploit incroyable, a été immortalisée dans un film. Affolé, il s'éloigne du cinéma et effectue une dernière chute dans la rue sous les moqueries des spectateurs ; ainsi, le véritable titre du sketch se révèle comme un dernier gag exagéré, « L'histoire de l'histoire de l'histoire de l'Everest ».

Conversation de sexe anal
Sarah Jessica Parker, Kim Cattrall, Kristin Davis, Cynthia Nixon, Darren Star, Michael Patrick King, Sex and the City
Samantha : Tout ce que je dis, c'est que c'est une expression physique que le corps était, eh bien, il a été conçu pour expérimenter. Et PS, c'est fabuleux.
Charlotte : De quoi tu parles ?! Je suis allé chez Smith!
Samantha : Écoute, je dis juste... le bon gars et le bon lubrifiant...
[Carrie, Miranda et Samantha commencent à rire. Le chauffeur de taxi se met à rire. La voiture heurte un nid-de-poule.]
Charlotte : Qu'est-ce que c'était ?!
Carrie, Miranda, Samantha : Un aperçu !

Alors que de nombreux critiques reprochentLe sexe et la villepour ne pas avoir proposé de personnages féminins réalistes et pleinement étoffés (et avoir sombré dans le porno couture à plusieurs reprises), ses fans l'apprécient pour ce qu'elle était : une comédie burlesque centrée sur les femmes qui a inauguré une façon nouvelle et rafraîchissante de parler sur le sexe. Alors queSATCLes dilemmes sexuels de variaient largement du sale à l'absurde, les blagues sexuelles n'étaient jamais jetables, servant plutôt de point de départ pour une conversation culturelle plus large sur l'amour et les fréquentations. La conversation en taxi sur le sexe anal de la première saison est une caractéristique des idées de la série sur la comédie : les blagues sont à la fois un langage entre amies et une nécessité virtuelle lors de la négociation du monde ridicule des rencontres. (Seulement quelques semaines ?!?!) Le fait qu'une série puisse être essentiellement une conversation d'un an entre quatre femmes et un succès fulgurant indéniable a changé la donne pour la comédie d'Amy Schumer,Filles,et fondamentalement n'importe quelle émission dans laquelle des femmes parlent franchement et de manière hilarante de sexe.

« Est-ce que c'est… du gel pour les cheveux ? »
Les frères Farrelly, Cameron Diaz, Ben Stiller, Il y a quelque chose à propos de Mary

Les Farrelly Brothers s'étaient déjà établis avecBête et plus bêteetPivot principal, mais ensuite il y avaitIl y a quelque chose à propos de Maryet le « gel capillaire ». Si Cameron Diaz mettait une liasse de sperme de Ben Stiller dans ses cheveux, elle poussait la comédie dégoûtante à un point jamais vu auparavant (sérieusement, jusqu'à ce queFilles, pouvez-vous penser au nombre d'autres fois où vous avez vu du sperme au cinéma ou à la télévision ?). Ce qui est fou, c'est que le film, avec cette blague en bonne place dans sa publicité, a rapporté près de 370 millions de dollars dans le monde, ce qui constitue le record jamais réalisé par une comédie classée R (et n'est actuellement dépassé que parLa gueule de boisetLa gueule de bois II). Il a donné naissance à ce que l'on appelle aujourd'hui la comédie hard-R, un phénomène qui allait vraiment s'implanter dans les années 2000. Les décors comiques poussant la MPAA sont désormais inévitables, mais c'étaitIl y a quelque chose à propos de Maryqui a planté son drapeau dans le genre de la plaisanterie. Aujourd’hui encore, ce drapeau est dressé comme les cheveux de Mary.

2001

Trop tôt
Gilbert Gottfried, Le rôti du Friars Club de Hugh Hefner
«J'ai un vol pour la Californie. Je ne peux pas prendre de vol direct – ils ont dit qu'ils devaient d'abord s'arrêter à l'Empire State Building.

Au lendemain du 11 septembre, il n’y avait pas de consensus sur la manière de recommencer à se moquer du monde. Des émissions de fin de soirée basées à New York commeLettreman,Le spectacle quotidien, etSamedi soir en directopté pour des retours sincères et doux, tout enL'oignona publié son meilleur article à ce jour. Mais trois semaines seulement après les attentats, Gilbert Gottfried a rejeté les subtilités deLe rôti du Friars Club de Hugh Hefner, où il a raconté cette blague et a reçu un chœur de huées et de « trop tôt » de la part du public. (En réponse, Gottfried entra dans uninterprétation légendaire de la blague des coulisses « Les Aristocrates ».) Il est difficile de dire que c'était la première blague à recevoir le traitement « trop tôt », mais ce n'était certainement pas la dernière (ce n'était même pas la dernière pour Gottfried), alors que le débat sur la manière dont les comédiens réagissent aux tragédies se poursuit depuis, notamment avec l'essor des médias sociaux. Cependant, avec le recul, avec le recul, les gens ont crié « trop tôt », trop tôt ; sa plaisanterie faisait ce que la comédie devrait faire : ne pas se moquer des victimes ni minimiser la souffrance légitime, mais trouver l'humour honnête dans l'horreur réelle à une époque sensible.

2002

La ceinture des étrangers
Dave Willis, Matt Maiellaro, Aqua Teen Hunger Force
Ignignokt : Eh bien, que pensez-vous de la ceinture lorsque vous êtes froid comme la glace ? [Les Mooninites gèlent Carl et lui volent son porno.]

Pour se concentrer sur n'importe quel moment deAqua Teen Hunger Force,la série animée low-fi sur les produits de restauration rapide humanoïdes, vise directement le genre d'absurdisme à plein régime qui en est venu à représenter l'ensemble du bloc de programmation Adult Swim de Turner. Dans la première de ses 11 saisons,ATHFdonne le ton de son chaos avec des antagonistes, dont les délinquants morveux en 2D, les Mooninites. Dans l'épisode « La vengeance des Mooninites », Ignignokt et Err acquièrent une ceinture miraculeuse qui fournit « tous les super pouvoirs du supergroupe Foreigner des années 70 » et commencent à torturer nos héros – évoquant la chanson de Foreigner « Cold as Ice » pour figer un personnage. et en donnant une autre « Double Vision ». (Finalement, Carl, son voisin blanc-trash, transforme sa propre tête en un tableau Connect Four en invoquant « Head Games ».) Cette tournure bizarre de la culture pop représentait la nouvelle version maximaliste du réseau sur la comédie de fin de soirée : intelligente plutôt que lâche. , et rempli de tellement de blagues que manquer une n'a pas d'importance. Sans des notions comme la Foreigner Belt, il n’y aurait pas de segments frénétiques de Tim & Eric, pas de « Too Many Cooks », et certainement pas de publicités étranges et aléatoires pour Old Spice et Skittles à la télévision nationale.

2003

Suprémaciste noir et blanc
Dave Chappelle, Neal Brennan, Le spectacle de Chappelle
[Clayton Bigsby enlève sa capuche KKK pour révéler qu'il est noir. Les participants au rassemblement suprémaciste blanc sont stupéfaits. Une femme vomit. La tête d'un homme explose.]

AvantLe spectacle de Chappelle, le monde avait apprécié des spectacles de sketchs mettant en vedette des acteurs majoritairement noirs, mais jamais auparavant les réalités des relations raciales en Amérique n'avaient été présentées de manière aussi irrévérencieuse. Opposés à des sketches comme « Word Association », qui affrontaient de front les tensions raciales, Chappelle et son co-créateur ont utilisé des prémisses ridicules pour souligner l’absurdité de l’environnement national. Prenez le meilleur sketch de la série (bien qu'il n'égalera jamais la popularité de « I'm Rick James, Bitch »), diffusé dans le premier épisode. Chappelle joue un suprémaciste aveugle et noir et blanc. C’est un concept à la fois idiot et brillant. En faisant en sorte que le suprémaciste blanc soit noir, cela souligne à quel point le concept de préjugé racial est insensé, étant donné que ce que nous considérons comme la race n’est qu’une construction sociale. Cela vous fera exploser la tête. Cela a instantanément changé la comédie sur la race dans ce pays, carClé et Peelejoué avec quelques années plus tard. Le sketch, et le spectacle en général, ont également changé le discours public sur la responsabilité sociale et la comédie. Quels types de blagues est-il acceptable de raconter à quels types de personnes ? Et répéter ? Ceux-ci sont-ils des comédiens de couleur pour s'assurer que leurs fans blancs n'interprètent pas mal leurs intentions ? Chappelle a présenté le sketch en disant que l'ami pour qui il l'avait joué avait déclaré que cela ferait reculer les Noirs, préfigurant une époque où la comédie était scrutée comme jamais auparavant.

Bush contre Bush
Jon Stewart, L'émission quotidienne
Stewart : « Ce soir, tout change. Nous allons avoir un débat honnête et ouvert entre le président des États-Unis et l'homme qui, selon nous, a la perspicacité et le courage de lui tenir tête. Alors, tout d’abord, George W. Bush, 43e président des États-Unis, se joint à nous ce soir. Bienvenue, Monsieur le Président.
Extrait du président Bush : « Bonsoir, je suis ravi de répondre à vos questions ce soir. »
Stewart : « Eh bien, merci beaucoup, monsieur. Je suis heureux de leur demander. De l’autre côté, nous rejoignant depuis l’an 2000, le gouverneur du Texas et candidat à la présidentielle, George W. Bush.

Quand Jon Stewart a pris la relèveLe spectacle quotidienen 2000, il ne pouvait pas savoir que l'une des élections présidentielles les plus ridicules de l'histoire aurait lieu dans quelques mois, ni que son titre de couverture électorale, « Indécision 2000 », se révélerait si prémonitoire. Dans les années qui ont suivi, le lent accident de train de l’administration Bush a donné à Stewart et à son équipe une formidable opportunité de faire de leur tout nouveau spectacle de fin de soirée une institution qui, à terme, accueillerait des présidents et des premiers ministres. Ce segment a été l'un des premiers et des meilleurs moments d'indignation juste de la série, utilisant un format qui allait devenir un incontournable de la série : l'utilisation de clips vidéo contrastés pour mettre en évidence l'hypocrisie de quelqu'un. En fouillant dans les archives de l'élection présidentielle de 2000 du gouverneur Bush et en comparant ses déclarations avec celles du président Bush de 2003 à l'approche de la guerre en Irak,Le spectacle quotidienutilisait intelligemment les ressources dont disposait toute agence de presse pour fournir le type de journalisme responsable que les médias ne parvenaient pas à faire.

2004

« Garçon, ça a dégénéré rapidement ! »
Will Ferrell, Adam McKay, présentateur : La légende de Ron Burgundy

La comédie d’Adam McKay qui a contribué à donner le ton à une époque de comédies à succès de Will Ferrell est également une pierre de touche de la culture millénaire. Pour un film qui était sans cesse citable, la persistance d'une scène s'est particulièrement attardée : après la scène de combat épique, la discussion de retour à la rédaction. La scène autoréférentielle est l’incarnation de ce qui allait être défini au cours de la décennie suivante comme une nouvelle vague de comédie ironique, dans laquelle faire quelque chose d’absurde doit immédiatement être suivi d’en souligner l’absurdité. C'est un truc astucieux que vous verrez pratiquement tous les soirs dans l'un des quatre théâtres de la Upright Citizens Brigade. Alors que les premières époques d'improvisation récompensaient l'engagement envers la scène, UCB, dont McKay faisait partie à ses débuts, permet un détachement dans les deux sens : vous êtes dans la scène, mais vous êtes également en dehors de la scène. . Vous assassinez quelqu'un avec un trident ; vous soulignez que vous avez assassiné quelqu'un avec un trident. En dehors de l’improvisation, ou de la vraie vie d’ailleurs, la ligne reflète également l’amour d’Internet pour souligner les choses. «Cela a dégénéré rapidement» est devenu une autre façon de dire «c'est arrivé».

2005

« Noooooooon, Kelly Clarkson ! »
Steve Carell, Judd Apatow, Mickey Mia, Seth Rogen, Romany Malco et Paul Rudd

Il est difficile de créditer autre chose que la scène dans laquelle Steve Carellen faita sa poitrine incroyablement poilue cirée comme catalyseur qui a suralimenté l'empire Judd Apatow de comédies sincères classées R. C'est un tour de force en une seule prise, alimenté par des jurons, ponctué d'éclats presque « adorables », comme celui mentionnantIdole américainegagnante Kelly Clarkson. Carell sacrifier son corps pour un moment était le geste ultime pour son personnage : un gars de bonne humeur victime de la pression hypermasculine de ses pairs, surtout à une époque où la « métrosexualité » avait émergé et perturbé la politique de genre au niveau large de la culture pop. Quant aux homologues de Carell, y compris son cireur, leurs véritables réactions d'hilarité et d'horreur lui donnent cette sensation de bêtisier, comme si vous regardiez déjà les scènes supprimées encore plus drôles, une technique qui s'est infiltrée dans presque tous les films partiellement improvisés à suivre. .

«J'ai été violée par un médecin… Ce qui est si doux-amer pour une fille juive.»
Sarah Silverman, Jésus est magique

En 2005, Sarah Silverman était une comédienne bien connue sans spécial stand-up complet. Célèbre pour elleblagues controversées et déplacées, elle a lancé son film-concert,Jésus est magique, avec ce vers provocateur, qui incarnait tout ce qui faisait d'elle une comique révolutionnaire : sa volonté de jouer avec les stéréotypes tout en défiant les frontières du goût via son alter ego mièvre et étourdi. Cependant, pour le meilleur ou pour le pire (souvent pour le pire), la blague a lancé une tendance où il semblait que chaque comédien avait besoin d'une blague sur le viol. Pourtant, son personnage provocateur a toujours eu plus de profondeur et de vulnérabilité que la plupart des types de choc-jocks, et dans ce one-liner parfaitement formé se trouve la graine d'elle plus tard,matériel plus furieux sur le viol. Sans Silverman, qui avait auparavant rebondi entre les clubs, les scènes alternatives et les sketches comiques, il n'y aurait pas d'Amy Schumer ou d'Anthony Jeselnik, bien que son influence se fasse sentir dans tout le spectre de la comédie.

Dimanche paresseux
Andy Samberg, Akiva Schaffer, Jorma Taccone, Chris Parnell, Saturday Night Live
Parnell : Mais d'abord, mes douleurs de faim collent comme du ruban adhésif /
Samberg : Allons voir Magnolia et mangeons quelques cupcakes /
Parnell : Il ne fait aucun doute que cette boulangerie a des glaçages à la bombe /
Samberg : J'aime ces cupcakes comme McAdams aime Gosling

The Lonely Island n'a pas créé la « vidéo virale » ni leSNLDigital Short, mais il a introduit le premier dans le courant dominant et le second dans le 21e siècle. La première de leurs vidéos idiotes à chanter, « Lazy Sunday », n'aurait pas pu être mieux chronométrée : elle a été créée littéralement deux jours après le lancement officiel de YouTube. Certes, NBC n'a pas vraiment compris le pouvoir de la viralité à ce moment-là – le réseau a supprimé « Lazy Sunday » du site de partage de vidéos et l'a limité à iTunes (bien que gratuitement) – mais la vidéo s'est néanmoins répandue sur Internet. (Des années plus tard, il a à juste titre trouvé une place permanente sur YouTube.) Même si « Dick in a Box » était peut-être la meilleure vidéo et « YOLO » sans doute leur meilleure chanson, le mélange parfait de mélodie entraînante, de vidéo simple et d'idée loufoque. dans « Lazy Sunday », a engendré, pour le meilleur ou pour le pire, une mer d’imitateurs.

2006

Dîner des correspondants de la Maison Blanche
Stéphane Colbert
«Maintenant, je sais que certains sondages indiquent que cet homme a un taux d'approbation de 32 pour cent. Mais les gars comme nous, nous ne prêtons pas attention aux sondages. Nous savons que les sondages ne sont qu'un ensemble de statistiques qui reflètent ce que les gens pensent dans la « réalité ». Et la réalité a un parti pris libéral bien connu.»

Se présenter pour entendre Stephen Colbert, ou son personnage d'expert de droite, « Stephen Colbert », lors du dîner annuel des correspondants de la Maison Blanche en 2006 a dû être l'un des plus gros faux pas de la présidence de George W. Bush – sans compter ses décisions politiques emblématiques. , bien sûr. Jamais le premier n'a faitRapport Colbertet actuelSpectacle tardifl'animateur Colbert prouve son intrépidité plus que lors de ce set époustouflant de 20 minutes. Insouciant du visage sombre de Bush ou du malaise stupéfait du public, Colbert a poursuivi son assaut comique à quelques pas du POTUS. S'adressant directement à Bush, Colbert s'est moqué du penchant du président pour les séances de photos creuses et a comparé l'administration en difficulté auHindenburg. La blague ci-dessus illustre l'attitude de Colbert, reliant ironiquement le personnage conservateur de Colbert à Bush pour mettre en cause le conflit de longue date du POTUS avec les médias et son désintérêt pour l'opinion publique. La livraison rapprochée et personnelle de cette pique, entre autres, a rafraîchi la satire politique en la rendant immédiate, dangereuse et nécessaire.

2007

Louis CK sur ses enfants
Louis CK, Sans vergogne
"L'autre enfant que nous avons, c'est une fille, elle a 4 ans, et c'est aussi un putain de connard."

Dans un univers alternatif, Louis CK aurait facilement pu rester un très bon stand-up new-yorkais sous-estimé, un autre mec blanc d'âge moyen se produisant au Comedy Cellar tous les soirs. Mais dans son émission spéciale HBO de 2007Éhonté, il a traité sa fille de 4 ans de connard, et les choses ont changé. L'honnêteté de son point de vue en tant que père essayant véritablement de s'engager avec ses enfants, tout en voyant le monde à travers les yeux d'un comique cynique, a été cathartique pour les parents et révélatrice pour les non-parents, et a mis en lumière les coins les plus sombres de cela. une dynamique parent-enfant intime et fondamentale qui est rarement explorée. Cela inciterait des légions de stand-ups à démonter leurs propres relations et préjugés, et augmenterait la mise pour mettre leur âme à nu sur scène.

2010

Marc Maron sur sa blague sur Adam Sandler
Marc Maron, Robin Williams, "WTF"
Williams : C'est aussi quand vous faites des blagues sur des personnes célèbres ou sur n'importe qui et que vous les rencontrez ensuite.
Maron : Eh bien, Sandler ne m'a jamais pardonné quelque chose.
Williams : Tu es sérieux ?
Maron : Un peu. J'ai fait cette blague où je l'ai utilisé comme descriptif, vous savez, je me suis moqué des fans d'Adam Sandler. Et puis je l'ai croisé à l'improvisation un soir, et il m'a dit : « J'ai entendu dire que tu parlais de moi. » Et je me dis : « Ouais, je l'ai fait à la télévision. »

Vers 2009 et 2010,un deuxième boom de la comédie a explosé, au cours de laquelle les fans ont développé une relation différente avec la comédie : les « nerds de la comédie » autoproclamés étaient aussi intéressés (sinon plus intéressés) par la vie des comédiens dans les coulisses que par leurs blagues fabriquées. Et la conversation de Marc Maron avec Robin Williams, dans le 67e épisode de « WTF », a été sa percée. C'était une légende ayant le genre de conversation franche sur la comédie et le fait d'être un comédien qui était auparavant relégué dans les salles vertes et les concerts en tournée. Maron et Williams échangent des histoires, et Maron évoque une vieille blague et le problème qu'il a avec un autre comédien (un thème des premiers « WTF ») qui en a résulté. C'était une conversation, c'était à l'intérieur du baseball et des centaines de milliers de personnes l'ont entendu.

2011

Intoxication alimentaire liée à une robe de mariée
Kristen Wiig, Melissa McCarthy, Maya Rudolph, Jessica St. Clair, Ellie Kemper, Wendi McLendon-Covey, Annie Mumolo, Paul Feig, Judd Apatow, demoiselles d'honneur
Lillian : Ça arrive. Cela arrive. Cela arrive. [Elle s'agenouille au milieu de la rue.] C'est arrivé. C'est arrivé.
Whitney : Oh non. N'ose pas abîmer cette robe.
Annie : Tu le fais, n'est-ce pas ? Tu chies dans la rue.

Quatre ans aprèsChristopher Hitchens a écrit unSalon de la vanitéessaiarguant que les femmes ne sont pas drôles, est sorti un film qui allait changer la conversation sur les femmes dans la comédie au cours de la prochaine décennie. Son succès a prouvé qu'un casting entièrement féminin pouvait créer une comédie à succès de la taille de Judd Apatow, classée R, pour le plaisir de tous les sexes. Et rien n'a dit cela plus fort que la scène dans laquelle ils ont tous collectivement brisé leurs robes. Bien qu'il s'agisse d'une séquence d'événements scandaleux, elle a aussi de la subtilité : vous ne voyez jamais vraiment de caca (même si vous voyez beaucoup de vomi) et ils n'essaient pas de faire paraître l'humour scatologique « sexy » simplement parce qu'il vient d'une femme. (pense:Harold et Kumar vont au Château Blanc). Au lieu de cela, il y a quelque chose de presque punk rock chez Maya Rudolph agenouillée dans la rue dans sa robe de mariée blanche immaculée.

2012

Voix de ma génération
Lena Dunham, Filles
Hannah : Je pense que je suis peut-être la voix de ma génération. Ou du moins une voix. D'une génération.

Filles, plus que toute autre comédie de sa génération, illustre la bataille sans fin du jeune entre une confiance irrationnelle et un dégoût de soi extrême – ce que cette blague illustre. Lors de la première de la série, cette citation a été utilisée par les critiques pour marteler le nombrilisme de la série, mais elle a habilement ridiculisé et satirisé l'art de la mythification personnelle. Nous devons supposer que Dunham savait que son émission représenterait un groupe démographique entier et, d’une certaine manière, c’est le cas. Grâce à son narcissisme, sa sensibilité émotionnelle, sa confusion et son besoin désespéré d’appartenance, Hannah est vraiment la voix de sa génération. Cette voix a inspiré des comédies commeTu es le pireetMaître de Aucuncontinuer à explorer le même paysage complexe et lourd de dépression, d’ambition et d’identité, sans cligner des yeux.

"Bonjour, j'ai un cancer."
Tig Notaro, Live

Avant 2012, Tig Notaro était un chouchou de la comédie alternative dontles performances reposaient fortement sur des absurdités loufoques. Mais avec un set inoubliable au Largo de Los Angeles, elle a changé la trajectoire de sa carrière et a placé la barre plus haut en matière d'honnêteté sur scène. Les mois précédant sa prestation l'avaient vue souffrir de problèmes de santé mettant sa vie en danger.C.diff, rompre avec un partenaire et perdre sa mère dans un tragique accident ; puis, juste avant le spectacle, on lui a diagnostiqué un cancer du sein. Cette ligne déchirante a donné le coup d'envoi à l'un des sets de stand-up les plus importants de tous les temps et est immédiatement devenue un élément du folklore, alors que les bandes dessinées et les membres du public décrivaient ce spectacle époustouflant.

2013

Maria Bamford sur la façon dont les gens parlent de la maladie mentale
Maria Bamford, posez-moi des questions sur mon nouveau Dieu !
« Les gens ne parlent pas des maladies mentales comme ils parlent des autres maladies. Si je me disais : « Wow, apparemment Steve a un cancer. C'est comme : « Va te faire foutre ! Nous avons tous un cancer, n'est-ce pas ?

Depuis Richard Pryor, la comédie s'ouvre au confessionnal ; les stand-ups ont été libres de parler des parties les plus sombres de leur esprit. Mais que se passerait-il si ces pensées les plus sombres n’étaient pas bizarres ou comiquement bizarres ou « ce que tout le monde pense », mais quelque chose de vraiment faux ? Au cours de la dernière décennie, Bamford a poussé la comédie dans cette direction. Elle s'attaque aux rebondissements de son esprit comme un chat vraiment intelligent et drôle le ferait avec une pelote de laine, en la frappant avec émerveillement pour le plus grand plaisir de tous ceux qui ont la chance d'en être témoins. Et elle lutte contre la stigmatisation entourant la maladie mentale et la comédie à ce sujet, en écrivant la blague parfaite ci-dessus, en visant directement la stigmatisation. La bonne nouvelle est que cela semble fonctionner, si lemontée des sadcomset des émissions avec des histoires de dépression et de maladie mentale commeBoJack Cavalier,Tu es le pire, etEx-petite amie follesont une indication.

Tina et Amy accueillent les Globes
Tina Fey, Amy Poehler, aux 70èmes Golden Globe Awards
Poehler : Je n'ai pas suivi la controverse autour de Zero Dark Thirty, mais quand il s'agit de torture, je fais confiance à la femme qui a passé trois ans mariée à James Cameron.

Tina Fey et Amy Poehler n'étaient pas une inconnue lorsqu'elles ont été sélectionnées pour animer les Golden Globes en 2013, mais l'histoire a montré que tous les grands comédiens ne sont pas de grands animateurs de cérémonies de remise de prix. Fey et Poehler ont commencé avec des monologues relativement sûrs, et c'est sur cette phrase, à mi-parcours, qu'ils ont affiné leur concentration. Attirant l'attention sur la réalisatrice oscarisée Kathryn Bigelow, Poehler n'a pas attaqué son film controversé mais son ex-mari peu aimé. Le résultat fut une plaisanterie presque parfaite ; bien construit, parfaitement rythmé, drôle même si vous ne connaissiez vraiment pas les détails et encore plus drôle si vous le connaissiez. Son impact a été instantané. Écoutez comment la pièce réagit : après que la première vague de choc ait résonné dans la pièce, un véritable rire s'ensuit. Bien plus qu'un gag rôti par une célébrité, la blague a établi le point de vue du couple en tant que blagueurs révélateurs de la vérité, sans vergogne et pro-femmes, sans peur.

2014

Hannibal Buress à propos de Bill Cosby
Hannibal Buress
« Il passe à la télé : « Relevez votre pantalon, les Noirs. J'étais à la télé dans les années 80. Je peux parler aux gens parce que j'ai eu une sitcom à succès. Ouais, mais tu as violé des femmes, Bill Cosby, donc ça te fait descendre de quelques crans.

Hannibal Buress n'avait probablement pas l'intention derendre justice à des dizaines de femmesou déclencher un dialogue national sur la prédation sexuelle lorsqu'il a commencé à qualifier explicitement Bill Cosby de violeur dans son stand-up. Cette blague n’était même pas prête à être diffusée à grande échelle – elle est devenue publique via une vidéo granuleuse prise sur un téléphone portable. Mais son impact a été monumental, faisant parler des accusations qui harcelaient le vénérable Cosby depuis des années. Et le contexte compte : Buress, l’un des jeunes comiques noirs les plus célèbres d’aujourd’hui, visait peut-être le comédien noir le plus emblématique de l’histoire ; la plaisanterie elle-même consiste à sortir de sa désapprobation flagrante. Ce faisant, il a fait ce que tant de comédiens prétendent faire mais qu’ils accomplissent rarement : briser les tabous, dire l’indicible, se faire des ennemis. Que ce soit son intention ou non, les paroles de Buress ont porté leurs fruits : il y a presque certainement une ligne directe entre sa plaisanterie etLe récent acte d'accusation de Cosby, et c'est dans ce nouvel environnement que la comédienne Beth Stellinga récemment raconté sa propre histoire d'abus dans la communauté de la comédie. En ce qui concerne l'influence, il est difficile de penser à de nombreuses blagues qui ont eu plus d'impact.

2015

Salope, tu ferais mieux d'avoir mon argent
Ellen DeGeneres, Jimmy Fallon, Justin Timberlake, The Tonight Show

La nuit qui a suivi les débuts de Stephen Colbert en tant qu'animateur deLe spectacle tardif,Spectacle de ce soirhôte Jimmy Fallonaurait voulu affirmer la domination de son émissionet la sensibilité. Il l'a fait en voyant Ellen DeGeneres faire sa meilleure imitation de Rihanna, agitant sa main comme un pistolet et prononçant les mots "Bitch Better Have My Money" sous le regard de Justin Timberlake. C'était drôle ? Non. Mais c'était vraiment amusant ! Et cela a du sens, car pendant son séjour tard dans la nuit, Fallon a poussé un style de comédie qui équivalait à amusant et drôle. Mieux encore, DeGeneres, qui après une carrière de stand-up respectée a sans doute été la pionnière de ce style avec son émission de jour, était au centre de l'acte. Bien sûr, c’est devenu viral : ce style de comédie populiste est facile à comprendre et se propage encore plus facilement.

12 hommes en colère à l’intérieur d’Amy Schumer
Amy Schumer, Jessi Klein, Daniel Powell, Ryan McFaul, À l'intérieur d'Amy Schumer
"Je ne pense pas qu'elle soit une protagoniste sexy..."
"Mais Kevin James l'est?"

À bien des égards, 2015 a été l'année d'Amy Schumer, en grande partie grâce à son émission Comedy Central,À l’intérieur d’Amy Schumer, a consolidé sa place dans le canon de la comédie. Avec ce sketch d'un épisode, une recréation parfaite du film de 195712 hommes en colère, Schumer a mis le public à sa place – c’est-à-dire comme une personne très drôle jugée par certains plus pour son apparence que pour son talent – ​​et a produit l’une des demi-heures de télévision les plus drôles et les plus pointues de mémoire récente. Il y a trop de répliques pour choisir la plus parfaite ("Oh, Amy. Je ne t'ai pas vu là-bas. Je pensais que tu étais un nain de jardin") mais le cœur de la pièce - que 12 hommes doivent décider si Schumer est "chaud" assez » pour apparaître à la télévision – est le type d’idée brutalement hilarante qui apparaît rarement à la télévision. Avec ellepitch parfaitLumières du vendredi soirparodie,le mémorable « Last Fuckable Day »et« Girl, You Don't Need Makeup », lauréate d'un EmmySchumer s'est retrouvée à l'avant-garde en 2015 avec une excellente comédie féministe commeGrande villeetSœursa envahi le paysage.