Photo : Macall Polay/Searchlight Pictures
James Mangold n'a pas peur d'être considéré comme un compagnon réalisateur. "Les gens m'interrogent sur ma polyvalence ou mon manque d'accroche dans un genre ou autre", dit-il, soulignant que pour lui, ce refus d'être coincé est enraciné dans les films qui l'ont inspiré : Mangold était un jeune adolescent fou de cinéma. pendant une grande partie des années 1970, lorsque la génération Movie Brat a redéfini le cinéma américain. Mais il souhaitait fusionner l'influence de ces auteurs avec celle de réalisateurs qui avaient efficacement traversé l'âge d'or d'Hollywood, comme Michael Curtiz, Howard Hawks et Victor Fleming. Sa filmographie – qui a véritablement démarré après un premier passage avorté chez Disney, où il a co-écritOlivier & Compagnie- couvre ainsi toute la gamme des épopées policières commeCoplandaux drames psychologiques commeFille, interrompue, aux westerns comme15h10 pour Yuma, aux comédies romantiques d'action commeChevalier et jour, aux films de super-héros commeLoganetLe carcajou, à la suite la plus récente d'Indiana Jones.
Et bien sûr, des drames biographiques sur des génies musicaux. Timothée Chalamet de Mangold avec Bob Dylan,Un inconnu complet,est son deuxième film de ce type à ce jour ; l'oscariséSuivez la ligne, avec Joaquin Phoenix dans le rôle de Johnny Cash, était son premier. Les deux films sont assez différents, bien qu'ils présentent des qualités nettement mangoldiennes : ce sont des plongées vivantes dans leur milieu (Un inconnu complet(la reconstitution de Greenwich Village au début des années 1960 est tout à fait transportante), et ce sont fondamentalement des drames de personnages sur la collision de personnes aux sensibilités différentes. En effet, même si la performance de Chalamet est remarquable, ce qui transparaît réellement dansUn inconnu complet- de par sa conception - estl'effet que le génie de Dylan a eu sur les gens autour de lui, dont l'icône folk Pete Seeger (Edward Norton) et la chanteuse Joan Baez (une superbe Monica Barbaro), une légende à part entière. Le film se penche sur la période qui a précédé le Norfolk Music Festival de 1965, lorsque Dylan est devenu « électrique » et a aliéné de nombreux membres de la communauté folk. Autrement dit, il s'agit d'un artiste qui refuse de se laisser enfermer, réalisé par un artiste qui refuse de se laisser enfermer.
j'ai regardéUn inconnu completavec mon fils l'autre jour. Il a 15 ans et ne connaît rien de Bob Dylan, mais il a beaucoup apprécié le film. Cependant, il était vraiment intrigué par les scènes finales de Newport 65. Il demandait : « Pourquoi lui lancent-ils des objets ? »
Bob lui-même se demande encore un peu pourquoi c'était si important. Surtout si l’on considère que Johnny Cash a joué avec les Tennessee Three sur cette même scène de Newport. Bob s'est donné beaucoup de mal pour me faire comprendre que lorsqu'il est arrivé à New York, apparemment pour devenir chanteur folk, ce n'était pas son seul objectif. Ce n'était pas comme s'il avait changé d'avis qui lui donnait envie de rocker ; il est arrivé fan de Little Richard et de Buddy Holly, et ces choses l'émouvaient. Et à un niveau moderne, ce que Bob a fini par faire serait aujourd'hui classé comme du soft rock. Mais ils avaient des standards différents selon les gens, et clairement le problème que les grands caca-bahs du mouvement folk avaient avec le passage de Bob à l'électrique concernait moins la musique elle-même que l'abstrait - le poteau central soutenant tout leur chapiteau de cirque était les laissant.
Vous nous montrez à quel point il était important pour des gens comme Pete Seeger d'Edward Norton qu'un chanteur folk ait atteint un tel niveau de renommée – ce que cela signifiait pour le mouvement folk culturellement et politiquement. Pourtant, il semble difficile de décrire dans un film aujourd’hui à quel point cette « trahison » de son passage à l’électrique a dû être dramatique.
Il y a tellement de films où l'on dit : « Si nous ne les arrêtons pas, c'est la fin du monde. » Mais peu importe le nombre de fois où les dirigeants de studio demandent des répliques comme celle-là dans un film, je ne pense pas que cela augmente réellement les enjeux - parce que ce qui vous importe vraiment, c'estTom Cruise survivra-t-il ?Ou les autres personnages de ce film pour lesquels vous avez de l'affection. L’état du monde est tout simplement trop abstrait. Même dans un film moins bourré d'action commeUn inconnu complet, la même chose reste vraie : je ne suis pas sûr que les enjeux de la musique folk et de la musique rock, sous quelque forme que ce soit, seraient un jour aussi puissants ou significatifs en eux-mêmes pour un public sans comprendre les problèmes de caractère qui les sous-tendaient. J'avais donc l'impression de faire un film sur une famille. Newport 65 était en réalité un dîner de Thanksgiving devenu fou, au cours duquel le fils prodigue, le père et plusieurs oncles et autres se battent. Et comme dans de nombreuses familles, rien n’est plus pareil après Noël ou Thanksgiving.
J'ai une théorie selon laquelle ce film ne parle pas vraiment de Bob Dylan mais plutôt des gens qui l'entourent.
Vous avez raison, même si, pour ceux qui ont l'esprit littéral, une phrase comme celle-là semblera trop extrême - car elle est certainementestà propos de Bob. L’une des choses les plus importantes que j’ai faites lorsque je suis arrivé sur le film a été de renforcer la taille des autres rôles. C'était plutôt un spectacle de camées quand je suis arrivé. Mais je voulais vraiment suivre ces autres personnes autant que possible. Parce que lorsque vous explorez Bob, vous êtes en quelque sorte confronté à deux choix. Est-ce que je fais le « biopic » standard, où il est le protagoniste et il porte un certain poids de pressions, de secrets et de souffrances qui seront déchargés à un moment donné dans le troisième acte dans une sorte de Tim Hutton – Judd Hirsch –Les gens ordinairesscène? Je ne pensais pas que quelque chose de semblable fonctionnerait pour ce film. J'ai pensé à un de mes anciens mentors (et à celui d'Edward d'ailleurs), Milos Forman, ainsi qu'à Peter Shaffer, et aux structures et stratégies entourantAmédée. Autant il s'agissait de Mozart, autant ce film parlait de l'effet que son génie laissait sur les autres – le sillage de cœurs brisés, de déceptions et d'envie. J'ai donc pensé qu'une autre façon de comprendre Bob serait de comprendre ceux qui l'aimaient et qui étaient à différents moments inspirés, déçus, frustrés, blessés ou aimés par lui.
Edward Norton dans le rôle de Pete Seeger.Photo de : Searchlight Pictures
Amédéem'est immédiatement venu à l'esprit lorsque Bob a déclaré : « Les gens n'arrêtent pas de me demander d'où viennent les chansons. Mais ils ne demandent pas d’où viennent les chansons. Ils demandent pourquoi ils ne sont pas venus vers eux. Dans Amadeus, Salieri en veut à Mozart parce que c'est à lui que vient l'inspiration, même si Salieri a travaillé toute sa vie pour cela.
Oui, mais ici, c'est Mozart qui reconnaît que les gens lui en veulent parce qu'il est bon – qu'être bon produit de l'admiration mais aussi une sorte d'envie tacite, avec laquelle il faut vivre de manière cohérente. « Pourquoi fairetoimérite ce cadeau ? C’est la question de Salieri. C’était aussi la scène avec laquelle j’étais le plus sûr que Bob aurait un problème lorsqu’il lirait le scénario. Mais il y avait en lui une solitude que je voulais trouver un moyen de transmettre. Parce que çasolitude– c'est quelque chose dont Dylan m'a parlé, en utilisant ce mot – explique beaucoup de choses.
C'est aussi une idée très romantique, n'est-ce pas ?R.Romantique – cette idée du poète solitaire comme moyen de transmission de l’inspiration ? Nous ne voyons pas autant cela dans les films dans les représentations de la créativité.
Eh bien, nous avons beaucoup d'intrigues à propos des films et nous voulons que tout ce qui est expliqué avec les dialogues soit encore plus précis. Les studios sont également devenus très religieux quant au fait de vouloir des éléments dans la colonne centrale, la colonne de dialogue du script. Si un personnage aime un autre personnage, il veut que quelqu'un dise : « Je t'aime ». Mais quand quelqu'un dit « Je t'aime » dans un film, cela ne veut pas dire qu'il l'aime. Ce ne sont que des mots. Ce sont quand même les yeux qui vont vous dire si c'est sincère ou pas. Pour tous les types de films que je fais, j'aime vraiment essayer de créer des moments où il faut lire les acteurs.—ces grands tournants qui ne sont pas forcément marqués par un morceau de dialogue mais plutôt par un gros plan ou une sorte de moment intérieur où l'on se rend compte que quelque chose a changé. Une fois que vous avez mis cela en place avec de bons acteurs, les regarder naviguer et étendre ces choses, qui sont presque muettes, est vraiment excitant. Il y a un moment dansUn inconnu completquand Timmy et Monica chantent « Blowin' in the Wind ». Et quand la chanson se termine et que la bulle éclate, j'adore ce qui se passe entre eux deux : toutes leurs autres conneries disparaissent littéralement lorsqu'ils chantent ensemble ; c'est presque comme une scène de sexe.
C'est peut-être l'une des scènes les plus sexy que j'ai vues dans un film cette année.
Et puis ils arrêtent de chanter, et il y a ce genre de moment de cigarette, et Monica se tourne vers Timmy et dit : "Alors c'est quoi ?" Et il la regarde, déconcerté, et dit : « Je ne sais pas. » J’aime la façon dont ils l’ont magnifiquement réalisé et prolongé. Parce que quand elle dit : « C'est quoi ? elle s'offre. Alors, ça fait mal quand il dit : « Je ne sais pas ». Parce qu'il ne prend pas. Et il n'y a presque personne en ville qui n'accepterait pas cette offrande, à l'exception de ce mec maigre. Vous voyez Monica aux prises avec l'ecchymose de l'ego causée par le rejet, puis vous sentez le professionnel en elle prendre le relais et demandez : « Alors, avez-vous enregistré cela ? Elle pivote immédiatement et dit : « Si je ne peux pas l'avoir, je peux peut-être avoir la chanson. » La beauté pratique de chacun de ces personnages est qu'ils continuent de s'étouffer, chacun d'eux se blessant et se blessant mutuellement.
Ce que j'ai remarqué dans vos films, c'est qu'ils mettent toujours en scène deux personnages très différents qui entrent en collision. Même dans un film comme celui-ci, où nous avons un drame à plusieurs personnages, l'histoire se déroule en grande partie comme une série d'interactions entre deux personnages.
Ouais. Une série de paires. Je pense que toute politique est locale. Certains des éléments artistiques les plus importants à mettre en place dans le film sont des personnages ayant des points de vue très opposés, des points de vue émotionnels et ce dont ils ont besoin du monde.
C’est quelque chose qui se retrouve tout au long de votre travail, quel que soit le genre.15h10 pour Yumaest un grand western, mais c'est aussi un film sur la collision de ces deux personnages interprétés par Russell Crowe et Christian Bale.
Cela concerne aussi la famille ou la structure familiale. Il y a une famille dans le gang de Russell. Une chose dont Russell et moi avons parlé était justement ce sentiment de lassitude qu'il ressent à diriger cette meute de chiens sauvages et sauvages. Il en a assez de se sentir puissant et autonome. Et Christian est à l’opposé : il s’est senti impuissant toute sa vie et il en a assez de se sentir impuissant.
Y a-t-il eu un moment où vous avez réalisé que c'était là que résidaient vos forces en tant que cinéaste ou que c'était ce que vous deviez faire ?
C'est ainsi que je résout les problèmes auxquels je suis confronté. Les films dont je me suis souvenu toute ma vie, qu'ils soient américains ou internationaux, oui, ils sont magnifiquement composés. Oui, ils sont magnifiquement édités. Oui, ils sont visuellement frappants. Mais si le caractère n’en fait pas partie, alors ce ne sont que des défilés de mode.Désert rougeetL'aventurefonctionne non seulement à cause du style d'Antonioni, mais aussi à cause de la façon dont cela s'entremêle avec la manière unique de jouer de Monica Vitti, une sorte d'ambivalence et d'ennui qui fonctionne avec les visuels.
Vous souvenez-vous du premier film que vous avez vu ?
Eh bien, mes parents me disent que c'était le casMarie Poppinset que j'ai été tiré du théâtre en criant parce que je ne pouvais pas le supporter ; c'était tout simplement trop effrayant. Mais le film dont je me souviens estLe Magicien d'Oz— L'original de Victor FlemingMagicien d'Oz.
N'est-ce pas fou qu'il faille nuancer ça maintenant ?
Ouais, n'est-ce pas ? «Le Flamand». Mais cela a eu une énorme influence sur moi.Fille, interrompueest effectivement une version deMagicien d'Oz. Parce que c'est un film qui vit principalement dans un rêve, et un rêve dont le héros sent qu'il ne peut pas s'échapper et découvre qu'il pourrait avoir tout le temps, ce qui signifie que toute la lutte de l'image entière était redondante ou inutile. Mais c'est construit sur le caractère – la jeune adolescente déprimée qu'est Dorothy et au-delà.
Quand avez-vous su que vous vouliez devenir cinéaste ?
Quand j'étais enfant, dans les années 70, faire des films semblait être le métier le plus excitant au monde. Ce n’était pas différent d’un adolescent qui disait : « Je veux être astronaute ou joueur de football. » Bien sûr, cela semblait être un rêve impossible, mais tout commence au stade de l’impossible. Mes parents n'ont jamais vraiment su siChauffeur de taxiC'était la chose appropriée à emmener avec un enfant de 12 ans à cette époque, alors mon père m'a emmené voir tous les films des années 70. Tout cela mêlé àLes Aventuriers de l'Arche PerdueetGuerres des étoilesetSugarland ExpressetRencontres rapprochéesetRéseauetTous les hommes du président.
Vous avez commencé votre carrière chez Disney il y a plusieurs décennies. Comment est-ce arrivé ?
J'avais réalisé un court métrage à Cal Arts qui avait attiré l'attention des chefs de studio, des agents, etc. J'ai fini par obtenir mon diplôme en juin 1985 et j'ai obtenu un contrat de scénariste-réalisateur chez Disney en juillet. Eisner et Katzenberg venaient de reprendre Disney et souhaitaient peupler leur campus de jeunes cinéastes. Chris Carter était là, Phil Joanou et d'autres. Ce n'étaient pas de grosses affaires en termes d'argent, mais ils nous ont tous donné un bureau et une maison et ont créé l'idée que nous serions une équipe agricole pour cet empire naissant. Je les ai lancésJames et la pêche géante, je les ai lancésStuart Petit. Mais je me suis trompé dans leur mandat. Ils voulaient juste que je fasse le genre de films qu’ils avaient fait à la Paramount. Je veux dire, tu parles d'un enfant. J’étais sous contrat dans un grand studio avec ces gros frappeurs et joueurs autour de moi, et j’avais 21 ans. C'était une chose merveilleuse et incroyable que je sois arrivé à cet endroit, mais je n'avais aucun travail derrière moi à part un court métrage brûlant. Il m’était donc impossible de faire valoir une voix. Ils m'ont chargé d'écrire un long métrage d'animation pour eux, ce qui, à l'époque, n'était même pas leur objectif. C'était une expérience glorieuse, mais je sentais que ça n'allait pas marcher.
Timothée Chalamet as Bob Dylan inUn inconnu complet.Photo de : Searchlight Pictures
À ce moment-là, tu as fait quelque chose de surprenant—tu es retourné à l'école de cinéma. Qu’est-ce qui vous a décidé à y retourner ?
Ce n'était pas une décision de partir. Je n'avais pas les moyens de supprimer le premier salaire de ma vie et un travail confortable dans un studio juste pour me redécouvrir. J'ai été relâché, puis j'ai travaillé pendant un moment pour écrire la narration des bandes-annonces, et j'ai écrit un spécial Claymation pour Pâques pour Will Vinton. J’ai commencé à être tellement déçu par le monde du cinéma. J'ai essayé d'adapter celui de Richard FordLe rédacteur sportif. J'ai essayé d'écrire mon propre roman, mais je n'ai trouvé aucun achat nulle part. Et dans la dépression de ne pas savoir vers qui me tourner, j'ai décidé de retourner dans le refuge d'une école de cinéma parce que c'était la dernière fois que je me souvenais d'avoir été vraiment heureux. Je suis retourné dans l'Est à l'Université de Columbia pour me sortir et me donner quelques années pour développer quelques scénarios.
Quelle est la chose la plus importante que vous ayez apprise à Columbia ?
Écriture de scénario. Je m'étais impliqué dans le cinéma parce que j'étais seul. Ayant emménagé dans la ville de mon lycée à la fin du collège, je n'étais pas lié par des amitiés, et le fait d'être cinéaste m'a d'une manière ou d'une autre donné une structure sociale et m'a également récompensé par des amitiés et des collaborateurs. L’acte d’écrire était une corvée que je devais accomplir pour avoir quelque chose à filmer. J'avais lu tous les livres de scénarisation, mais je n'étais absolument pas inspiré par la façon dont l'intrigue était utilisée pour tracer un film. Cela ressemblait à un cours de danse laborieux où on me demandait de poser mon pied sur ces marques au sol. J'ai suivi un master de réalisation avec Milos. Il m'a demandé : "Eh bien, qu'est-ce que tu vas réaliser ?" Je réponds : « Je n'ai rien. Je vais écrire un film. Et parce qu’il était extrêmement cool, il a dit : « D’accord. Eh bien, de quoi parle le film ? J'ai répondu : "Un type vraiment gros et invisible." Et il répond : "Eh bien, ce n'est pas une histoire, c'est juste une idée." Il m'a donné son adresse dans le Connecticut : « Commencez à l'écrire. Envoyez-moi 20 pages par semaine. Donc, j'écrivais 20 à 30 pages par semaine et je les envoyais dans le Connecticut, et il venait un mardi et me montrait comment il les avait annotées. Et environ trois semaines plus tard, il a dit : « Juste ici, à la page 47, où sa mère meurt et il n'en parle à personne, c'est votre film. » Et il a ajouté : « Essayez simplement de ne pas arriver si tard. Cela ne devrait pas être à la page 47. » C’était la première fois que quelqu’un sculptait au lieu de prescrire comment un film pouvait être réalisé. J'ai appris qu'on pouvait faire les choses autrement, en générant beaucoup de matériel de personnages, puis en le passant au crible, et dans le processus de montage, en faisant du récit un processus secondaire.
Je m'en souviendrai toujours. Il y a une scène dansLourdoù Debbie Harry montre à Liv Tyler comment gérer la caisse enregistreuse de la pizzeria locale où ils travaillent. « N'insistez pas là-dessus. Appuyez sur le bouton rouge, puis appuyez dessus. Ensuite, le tiroir s’ouvrira. Et Liv disait : "D'accord, ça." Et elle dit: "Non, tu dois d'abord frapper ça." Une page entière de cette leçon sur la façon d'utiliser une vieille caisse enregistreuse. Milos a fait le tour de la page entière, et il est entré et a dit : « J'adore cette page. C'est la vie ! » Je n'avais jamais entendu un professeur d'écriture de scénario me dire une chose pareille : « Je m'en fiche si cela fait avancer l'histoire en ce moment. Je ressens juste une tranche de vie humaine que je reconnais ici. Si vous écrivez dans cet espace, un véritable drame se produira. Bien entendu, le drame est déjà en train de se produire. Vous avez une serveuse d'âge moyen et une toute nouvelle très jolie qui est arrivée pour travailler là-bas. Il y a une tension innée dans la scène.
Ce qui me rend beaucoup plus ambivalent, c'est l'intrigue. Je ne peux pas faire un aperçu. Je l'ai dit mille fois, mais même quand Dylan m'a demandé quoiUn inconnu completc'était à peu près, je me disais : « C'est l'histoire d'un gars qui suffoque dans le Minnesota et laisse sa famille et ses amis derrière lui et traverse la moitié du pays, se crée une nouvelle identité, construit une nouvelle famille, de nouveaux amis, s'épanouit de manière créative, connaît un succès retentissant. , et commence à suffoquer et s’en va. Et il a souri. Je suis sûr que je décrivais, à un degré ou à un autre, un motif constant tout au long de sa vie – ces périodes de réinvention, d'explosion créative, puis de retrait.
Il y avait plusieurs éléments structurels au début et à la fin qui ont été vraiment cruciaux pour moi dans la conception du film. L’un d’eux tombait sur la chanson de Woody Guthrie, « So Long, It’s Been Good to Know Yuh ». J'avais cette idée que le film parlait d'adieux, donc c'était génial de trouver une chanson qui parlait d'avancer et de recommencer, une chanson qui joue plusieurs fois dans le film et qui est très visible au début et à la fin. Mais j'ai aussi pensé que le film devait commencer par une arrivée – l'arrivée de Bob – qui bien sûr est un départ de quelque part, et qu'il devait se terminer par son départ.
Donc, apparemment, vous faites toujours des westerns.
Honnêtement, oui ! Pourquoi pas? Je ne suis pas sûr que ce ne soit pas ce que Bob fait, chanter ses ballades. Le genre et la vie réelle ne s’excluent pas mutuellement. De plus, ce ne sont que des mythes : le western est le film de samouraï, et le film de samouraï et le western sont en quelque sorte les frères du film noir. Ce ne sont que des fables dans un contexte moderne et donc pas si différentes des contes celtiques et des contes chinois anciens. Ainsi, cet étranger arrivant avec une guitare sur le dos, avec très peu d'argent et un carnet rempli de secrets et de magie, est une ouverture classique à presque tous les contes, et c'est l'ouverture réelle de celui-ci.
Et en plus, Bob a clairement des pulsions de fabuliste qui invente son histoire au fur et à mesure qu'il la vit. Si nous le considérons comme un dieu omniscient, alors c'est une sorte de manipulation et il joue avec nous. Mais il y a une autre façon de le lire, surtout quand on le voit comme un jeune de 19 ou 20 ans nous racontant ces histoires sur sa vie sur les rails et au carnaval et apprenant les accords des cowboys :C'est un souhait.Il ne veut pas être le fils d’un quincaillier bourgeois. C'est un jeune homme qui rêve qu'il vient de quelque chose de plus romantique, sexy et intéressant.
Vous êtes passé du rêve aux films de Spielberg à la collaboration avec lui. Avez-vous été surpris par la réponse àIndiana Jones et le cadran du destin?
Pour moi, il n'y avait qu'une seule façon de faire le film, c'était d'inclure l'âge d'Indiana Jones dans l'histoire. Vous ne pouviez pas l'ignorer. Mais la réponse a également été double ou triple. Il y a évidemment ce groupe chaud et dérangé qui est en colère parce qu'il y a une femme dans le film, et je ne peux pas les aider. Chaque film d'Indiana Jones met en scène une protagoniste féminine importante qui sauve parfois Indy des ennuis. Mais les réactions du public n’ont pas été ternes du tout. Cela a juste eu une réponse commerciale difficile. Cela faisait tellement longtemps depuis le volet précédent que peut-être qu'il n'y avait tout simplement pas ce « vouloir voir » intégré pour le public de moins de 40 ans, ce qui est strictement une décision commerciale. Ma décision de faire le film était que j'avais travaillé surUn inconnu complet, qui a été abandonné à cause du COVID. Il n’y avait aucun moyen de faire un film à prix moyen ou bas pendant la pandémie, et Timmy avait des engagements surDune. J'allais donc devoir m'absenter du projet Dylan pendant au moins deux ans. À ce moment-là, mon téléphone a sonné et c'étaient Harrison Ford, Steven Spielberg et Kathy Kennedy qui m'ont demandé si je voulais les rejoindre et faire ce film.
Qu'est-ce qui les a poussés à vous appeler ?
Eh bien, il faudrait leur demander, mais c'était juste aprèsFord contre Ferrari, que je pense que Steven admirait vraiment. En fait, je connaissais Harrison depuis un moment et il suivait mon travail. Mais je soupçonne qu’en essayant de suivre les traces de mes héros, j’ai développé un ensemble d’œuvres assez diversifié. Steven a évidemment un style, dans la façon dont il bloque et déplace les acteurs devant la caméra, mais il a aussi une formidable polyvalence. Le même cinéaste qui a réaliséRencontres rapprochéeségalement faitMunichetTintinetMâchoires, qui est essentiellement une aventure d'horreur, etLa liste de Schindler. Et George Lucas aussi, si vous regardez son CV complet. Alors, peut-être, d'une certaine manière, ils l'ont vu, mais je ne pouvais pas commencer à le dire. Pour moi, c’était une chance profondément personnelle de collaborer avec mes héros.
Avec Indiana Jones, je voulais qu'il y ait un lien avec les autres films, mais il faut aussi dire quelque chose de nouveau à chaque image, comme l'a fait Steven.Raidersest bien plus une aventure hollywoodienne classique avec de l'humour – un film d'Errol Flynn, si vous voulez, avec un héros sardonique plus moderne. EtTemple mauditest plutôt une version pulpeuse d'Indiana Jones par EC Comics. Et puisDernière croisadedevient une chose complètement différente. C'est un film père-fils contre la montre et c'est bien plus une comédie loufoque. Et avecCrâne de cristal, Steven essaie de déplacer Indiana Jones dans les années 50 et hors de la période dans laquelle les trois précédents existaient, ce contexte direct de la Seconde Guerre mondiale. Et ce changement est délicat, car une grande partie du ton des films d’Indiana Jones est qu’ils existent dans l’âge d’or hollywoodien des années 30 et 40. À la seconde où vous prenez ces personnages et les déplacez dans une époque où Jackson Pollock peint et Elvis passe à la radio, il y a une dissonance entre le bel idéalisme et l'héroïsme de la vieille école de la mythologie d'Indiana Jones et la façon dont le monde change.
Cela nous amène à une autre chose que les gens ont tendance à oublier, à savoir qu'aprèsRaiders, chaque film d'Indiana Jones a suscité une forte dose de scepticisme, même s'ils rapportaient de l'argent. C'est un cycle : les gens sont déçus par chaque nouveauté et puis plus tard ils réalisent :Oh, c'est en fait plutôt génial.
Vous devez devenir immunisé contre cela.Raidersest un film presque parfait. En tant que confection pop et en tant que pièce de personnage et d'un million d'autres façons, c'est juste une démonstration étonnante de talent cinématographique, de narration et d'acteur irrévérencieux, de comédie et de panache. On pourrait presque dire la même chose pourGuerres des étoileset peut-êtreL'Empire contre-attaque, en les regardant ensemble ; tout ce qui suit, il y a des plaintes sur ce qui manque. Et cela va de pair avec le territoire bien-aimé de la propriété intellectuelle. Ma plus grande leçon à ce sujet a étéLogan, dans le sens où j'avais toute la confiance de ma star et du studio, et j'ai fait un changement de ton majeur par rapport à tout ce qui existait auparavant.X-MenouCarcajoules films étaient comme. Et il y avait un certain élément de rejet des tissus qui se produisait alors que les fans sentaient même dans les bandes-annonces où cela allait. À l’époque, cela suscitait beaucoup d’inquiétude. Mais soit vous allez entrer dans un univers connu et le pousser vers un nouvel endroit, soit vous allez entrer dans un univers connu et reproduire ce qui existait auparavant. Certaines personnes seront bouleversées quoi qu’il arrive. Et cela fait partie du fait d'être fan. Je ne peux pas leur enlever ça.
Pensez-vous que vous avez eu de la chance que lorsque vous êtes entré dans le monde Marvel, vous y soyez arrivé via Fox ? Le fait que ce ne soit pas Disney vous a-t-il donné plus de liberté pour faire ce que vous voulez ?
Je ne pense pas que ce soit un secret que dans le monde Disney Marvel,Loganne serait jamais arrivé. Je pense que même Kevin Feige dirait ça. C'est juste la façon dont ils font des films là-bas.
Ce qui nous ramène à Dylan. Il y a eu d'autres films de Bob Dylan, certains très bons, réalisés par de gros frappeurs. J'imagine qu'il faut une certaine bravade pour dire : « Très bien, maintenant je vais en faire ma version. »
Beaucoup de gens ont des sentiments différents sur ce que Bob signifie pour eux, et en fin de compte, je ne peux pas créer quelque chose qui les satisfasse tous. Il y a ces observations clichées sur Bob : Bob l'énigme mystérieuse, Bob le provocateur ludique. Ils ne sont pas faux. Et parce que Bob est cool, cela vous donne, en tant que cinéaste, envie de faire un film vraiment cool, cérébral et artistiquement positionné sur un artiste aussi cool, cérébral et artistiquement positionné. Mais pour moi, faire le film lui-même comme une sorte de postulation sur son style serait (a) inconfortable, parce que je ne saurais pas comment le faire, et (b) il est tellement cool que j'ai toujours l'impression que tu le ferais. ressemblez simplement à l'ami idiot avec le chapeau cool à côté de lui.
En plus, je dois aider mon partenaire, mon jeune acteur, à habiter ce type, pour que tout ne puisse pas être que des espiègleries. Quand on commence avec un jeune de 19 ans qui n'a même pas les moyens de manger, il ne se sent pas en contrôle – ce n'est pas quelqu'un qui a déjà un plan directeur sur la façon de manipuler la machine médiatique mondiale avec des moyens énigmatiques et déroutants. des histoires. C'est exactement ce qu'il est. Mais çatravaillé. Alors il s’y pencha plus fort. Il y a eu un moment vers lequel Timothée et moi travaillions, c'était quelque part après qu'il ait chanté « The Times They Are A-Changing ». Il assiste à un grand concert à Newport en 1964, et il dévoile cette chanson peu de temps après la mort de Kennedy, et le niveau d'adoration qui lui revient, avec le public chantant et criant pour lui et amoureux de lui - comment traite-t-il que? Ce n’est pas qu’il soit vide, mais il ne comble aucun trou. Ce n'est pas ce qu'il cherchait. La chanson elle-même, me semble-t-il, est ce qu'il recherche.
C'est aussi un sujet qui m'intéresse :Pourquoi sommes-nous si insatisfaits de tout ce qu'il nous a offert ?Ce n'est pas comme s'il était Howard Hughes ou quelque chose comme ça. Cinquante-cinq disques de musique entièrement écrits par lui-même. Même dans le contexte du film, je pense que Timmy chante 26 chansons dans le film. Ce sont tous, en un sens, des monologues. Ce sont des expressions géantes de soi-même au niveau le plus primaire, et des attitudes concernant l'amour, la politique, les mondes, la liberté, l'esclavage – et pourtant nous sentons qu'il y a quelque chose d'insaisissable qu'il ne nous offre pas. Je pense que c'est parce qu'il refuse ce genre de truc classique : « Voici mon traumatisme d'enfance ». Mais il est aussi moins explicite dans ses paroles que beaucoup d’autres. Ses chansons sont devenues si influentes non seulement parce qu'elles sont très belles, mais aussi parce qu'elles sont extrêmement inclusives. "La réponse, mon ami, souffle dans le vent." Eh bien, cela n’exclut le point de vue de personne. Il ne prend pas vraiment position comme le ferait Phil Ochs. Il tient toutes les portes ouvertes. Les réponses dépendent de nous.
