Photo-Illustration : Maya Robinson/Vautour
Cette liste a été publiée pour la première fois en 2018 et a été mise à jour pour inclureVille d'astéroïdes.
Classement des films deWes AndersonCela ressemble à un jeu de dupes, car c'est un auteur d'auteur, avec une sensibilité si rigoureusement définie et articulée que vous êtes enclin à l'adopter pleinement ou à la rejeter complètement. Il ne fait pas d'expériences ratées, ni de projets de studio en location, ni de projets ponctuels en mode mineur. Et même si sa fortune commerciale a connu des hauts et des bas, rien ne prouve qu'il ait jamais eu envie de s'intégrer au marché – ou même qu'il sache comment le faire s'il le pouvait.
Son premier long métrage,Fusée en bouteille, pourrait être considéré comme un plan des choses à venir, mais au-delà de cela, chaque instant de ses films a été complètement réfléchi et réfléchi, ce qui explique pourquoi la pénibilité image par image de l'animation stop-motion était si bien adaptée àFantastique M. Foxet sa superbe comédie,L'île aux chiens. Les faux pas sont rares, voire inexistants. Chaque film est exactement tel qu'Anderson l'avait prévu, sans le hasard ou le flux et le reflux de la plupart des carrières de réalisateur.
À mon avis, Anderson a onze pour onze, et la séparation sur la liste ci-dessous est une question de degrés plutôt que d'énormes variations de qualité entre un long métrage et le suivant. N'importe quel autre jour, les sept premiers pourraient changer de place et se sentir toujours bien, même si les meilleurs films d'Anderson ont des couches d'émotion et de profondeur thématique qui ne se révèlent souvent qu'après deux, trois ou quatre visionnages, lorsqu'un petit coup d'œil ou bien un élément de conception de production prend une signification qui n'était pas apparente auparavant. Demain, la liste pourrait être différente. Dans dix ans, la situation pourrait être inversée. Voici comment les choses se présentent aujourd’hui :
Dans une certaine mesure,Darjeeling Limitéeest un acte inconvenant de tourisme spirituel, pas mieux queManger, prier, aimerou d'innombrables autres films sur des Américains blancs privilégiés transformant un paysage étranger en le lieu de leur transformation holistique. Il y a quelque chose de pervers dans le choc entre la sensualité indisciplinée de l'Inde et la qualité hermétique d'une production de Wes Anderson, qui fétichise les petits détails, comme les plaisirs complémentaires du citron vert sucré et des collations salées, et fait des habitants locaux de simples tremplins vers la croissance émotionnelle. Pourtant Anderson, inspiré par l'exotisme Technicolor de Jean RenoirLa rivière,comprend que lui et ses personnages – trois frères à moitié séparés (Owen Wilson, Adrien Brody et Jason Schwartzman) traversant du chagrin et des revers personnels – viennent en Inde en tant qu'étrangers et transforment ce passif en un atout.Darjeeling Limitéesouligne la folie de ces hommes empruntant les rails avec des montagnes de bagages littéraux et métaphoriques en remorque, et comment le pays les humilie avant qu'une guérison puisse commencer. Il faut du temps pour que les personnages – et pour Anderson – arrivent à la phrase « Fuck the itinéraire », et ils le pensent vraiment.
Une ébauche selon ses standards seulement, le premier long métrage d'Anderson comprend bon nombre des caractéristiques des films à venir : des couleurs brillantes et des cadres parfaitement composés, des schémas fantaisistes dessinés à la main, des gestes romantiques audacieux, une camaraderie fragile entre étrangers et un courant de mélancolie qui coule juste sous la surface. Il a également établi le personnage à l'écran d'Owen Wilson dans le rôle de Dignan, un visionnaire sombre dont l'imagination criminelle s'étend jusqu'à cambrioler la maison de son ami, à commettre un braquage en dehors des heures d'ouverture dans une librairie locale et à partir « en cavale » avec son copain déprimé Anthony (Luke Wilson) et un chauffeur en fuite (Robert Musgrave) dont la seule qualification pour le poste est de posséder sa propre voiture. La version d'Anderson du tableau du crime maladroit est hilarante et sans conséquence, maisFusée en bouteillea une véritable compréhension du sentiment de jeunesse à la dérive. Alors que les futurs films seraient plus serrés et plus utiles, aucun ne laisserait place à un beau détour comme Dignan et Anthony enfermés dans un motel, où Anthony entretient un lien muet avec une femme de chambre hispanophone.
Un parodiste de Wes Anderson ne pouvait concevoir mieux qu'un hommage à l'âge d'or deLe New-Yorkaisse déroulant dans un avant-poste journalistique de la ville française fictive d'Ennui. Et pourtant, l'engagement d'Anderson envers sa sensibilité et son métier est intégré dans cette sublime anthologie d'histoires, qui honore la plus belle tradition journalistique consistant à ouvrir une petite fenêtre sur la vie des autres – et à le faire également de manière concise, dans un nombre de mots limité. Jouant comme trois pièces « Shouts & Murmurs » liées ensemble par une charmante introduction enveloppante au papier lui-même,La dépêche françaisesuit l'amour entre un artiste emprisonné à moitié fou (Benicio Del Toro) et sa gardienne (Léa Seydoux) ; un étudiant révolutionnaire (Timothée Chalamet) participant aux émeutes évoquant mai 1968 ; et un profil de chef qui se transforme en une histoire policière pleine d'action. Anderson remplit le film si densément de visages familiers et d'informations visuelles détaillées qu'il peut sembler à la fois accablant et léger au premier visionnage. Une seconde fait un joli soufflé.
La deuxième incursion d'Anderson dans l'animation stop-motion est peut-être son divertissement le plus généreux et le plus accessible, ce qui est une chose étrange à dire à propos d'un film assombri par les thèmes de l'autoritarisme, de l'internement et de l'extermination. Dans un futur Japon dystopique, un démagogue au visage sombre combat une épidémie de « grippe canine » en mettant les chiens du pays en quarantaine sur une île poubelle, où ils voyagent en meute et vivent de nourriture pourrie. L'intrigue de base reflète le classique anti-guerre brutal de Kon Ichikawa.Feux dans la plaine, dans lequel les soldats japonais meurent de faim sur l'île philippine de Leyte pendant les derniers jours de la Seconde Guerre mondiale, et Anderson prend au sérieux l'oppression politique et le pouvoir de la dissidence. Mais ce médicament se prend avec une grosse boule de sucre Alpo : une voix animée par les joueurs habituels d'Anderson, ainsi que de nouveaux venus comme Greta Gerwig, Courtney B. Vance et Yoko Ono ; une fusillade ininterrompue de plaisanteries et de pitreries canines ; etfigurines et décors magnifiquement rendus, qui représentent le Japon en miniature de maison de poupée. Ce n'est que plus tard queL'île aux chiensse révèle comme un film plus profond et plus troublé que ne le suggèrent ses abondants plaisirs superficiels.
Au fur et à mesure que la carrière d'Anderson avançait, les subtilités et les couches de ses idées, de ses personnages et de son architecture narrative sont devenues si denses que sa filmographie a commencé à ressembler à la progression hebdomadaire du film new-yorkais.Fois' mots croisés, avecFusée en bouteilleetRushmorecomme les lundi et mardi faciles à résoudre et les autres deviennent de plus en plus difficiles chaque jour.Ville d'astéroïdesest un film niché dans une pièce télévisée et une introduction en coulisses, et son décor, une petite ville du sud-ouest du milieu des années 1950, évoque les mystères de l'espace et les intimités mélancoliques de l'amour adolescent, du chagrin adulte et de la famille. liens trouvés dans les films d'Anderson commeRoyaume du lever de luneetLes Tenenbaum royaux. Il a également une liste de distribution si longue qu'il a dû fermer Hollywood pendant un mois. Pourtant, l'évocation par Anderson des merveilles et des angoisses de l'Amérique d'après-guerre ajoute une tension unique aux drames personnels au sein de l'Amérique.Ville d'astéroïdes, et la beauté pointilliste investie dans ce lieu fantasmé est un plaisir infini. Les rencontres extraterrestres dans le monde d'Anderson ne commencent ni ne se terminent par un visiteur venu des étoiles.
En brûlant 50 millions de dollars en studio, Anderson transforme son affection pour les aventures maritimes de Jacques Cousteau en une production aussi surchargée que le petit submersible qui transporte son ensemble au fond de l'océan. En guise de suivi àLes Tenenbaum royaux,La vie aquatiquesemble manifestement déséquilibré, mais l'abondance de concepts délicieux compense largement: un bateau avec diverses bizarreries et commodités, comme un sauna (avec une masseuse suédoise parmi le personnel), une salle de développement et de montage de films, et deux soi-disant des dauphins intelligents qui nagent sous le pont ; créatures marines en stop-motion ; un guitariste brésilien, Seu Jorge, qui interprète des chansons de David Bowie en portugais ; des acteurs amusants comme les stagiaires non rémunérés de l’Université de l’Alaska du Nord et le « comparse de la société obligataire » à bord pour maintenir les coûts au niveau ; et des affrontements avec un équipage rival bien financé, dirigé parJeff Goldblum, et une bande de pirates incompétents. Anderson ne peut pas payer chaque élément de manière satisfaisante, mais la scène climatique, qui met Zissou et sa compagnie de Bill Murray face à face avec le « requin jaguar » qui a coûté la vie à son meilleur ami, est peut-être la plus belle séquence qu'il ait jamais mise en scène.
Avec un titre qui évoque la qualité enchanteresse des fantasmes illustrés de YA – le type de livres avec des couvertures chargées et des cartes détaillées à l'intérieur –Royaume du lever de lunecapture les émotions exacerbées du premier amour, lorsquedeux adolescentssont emportés par une passion naïve et débridée. Sur l'île fictive de New Penzance sur la côte Est, un univers andersonien raréfié accessible uniquement par ferry, Sam (Jared Gilman) et Suzy (Kara Hayward) s'enfuient respectivement du camp de scouts et de chez eux pour se créer une idylle grâce au mer. Les deux forment un couple étrange – le garçon est un inadapté orphelin, la fille est une sophistiquée qui se comporte comme une héroïne de la Nouvelle Vague française – mais Anderson oppose la pureté de leurs sentiments l'un pour l'autre au chaos des adultes, comme les parents de Suzy (Bill Murray et Frances McDormand), ou le chef de troupe de Sam (Edward Norton), dont l'expérience de vie est faite de déceptions et d'échecs accumulés. L’effet global est profondément doux-amer : l’amour des jeunes et la désillusion des adultes ne coexistent pas seulement à New Penzance, ils se mélangent et créent quelque chose de nouveau.
Le premier (et à ce jour) d'Andersonseulement) l'adaptation est tirée du roman pour enfants de Roald Dahl — avec des détails supplémentaires tirés du roman de DahlLe champion du mondeet la vie de l'auteur – mais les deux sensibilités sont si compatibles que c'est presque comme regarder Anderson révéler sa propre histoire d'origine artistique.Fantastique M. Foxmarque également sa première incursion dans l'animation stop-motion, qui, au contraire, s'adapte mieuxsa minutie artisanaleque l'action en direct. Bien qu'il ne s'agisse pas d'un film pour enfants traditionnel, il y a quand même beaucoup de merveilleuses intrigues à la Dignan impliquées dans le vol de M. Fox (George Clooney) dans les fermes voisines de Boggis, Bunce et Bean, et le film a la chaleur de une ancienne production Rankin-Bass. Anderson semble être la dernière personne apte à commenter le thème herzogien de la civilisation et de la nature animale de l'homme, mais la tendance de M. Fox à agir de manière impulsive, quelles qu'en soient les conséquences, le place tout à fait dans la lignée de Dignan, Max Fischer dansRushmore, Steve Zissou dansLa vie aquatique, et Anderson lui-même, qui n'est rien d'autre qu'un iconoclaste têtu. La principale différence est qu’Anderson dévore probablement une préparation de pigeonneau plus raffinée.
Perchée au sommet d'une montagne dans le pays fictif de Zubrowka en Europe de l'Est, la structure éponyme deHôtel Grand Budapestse présente comme un monument au service et au design impeccables - et, en tant que tel, un monument qu'Anderson, en toute modestie, s'est construit pour lui-même. Bien que l'édifice en ruine de l'hôtel à la fin des années 60 ressemble à la gloire fanée de la maison Tenenbaum, Anderson revient sur des jours meilleurs, avant que la Seconde Guerre mondiale et le communisme ne l'attaquent.Le concierge de Ralph Fiennesest le substitut naturel du directeur, le gars en coulisses qui s'occupe de chaque détail du fonctionnement de l'hôtel tout en faisant des efforts extraordinaires pour plaire aux clients, même si cela implique de coucher des octogénaires.Hôtel Grand Budapestest non seulement un grand film sur la réalisation, mais aussi sur la narration elle-même, empilant élégamment une poupée gigogne de chronologies avec une aventure à travers le pays, l'empiétement de la guerre mondiale, des détours dans la société secrète des concierges et une poursuite en stop motion. un site abandonné des Jeux olympiques d’hiver.La vie aquatiquea eu du mal à maîtriser un agenda aussi chargé, mais comme le Monsieur Gustave de Fiennes, Anderson gère tout cela avec une habileté étonnante.
L'astuce du titre n'est qu'un début : nous nous attendons à regarder un film sur la royauté de New York, le type qui aurait pu émerger si les trois enfants Tenenbaum (Gwyneth Paltrow, Ben Stiller, Luke Wilson), tous prodiges, n'avaient pas atteint leur apogée. tôt et s'est éteint. Il s'agit plutôt d'un film sur la famille de Royal Tenenbaum (Gene Hackman), le patriarche grisonnant qui les a abandonnés il y a longtemps, laissant une maison qui ressemble à un musée non conservé des gloires passées. Parmi ses nombreuses vertus,Les Tenenbaum royauxest un témoignage de l'économie de style et de langage d'Anderson : il contient suffisamment de personnages et d'intrigues secondaires pour accueillir un film deux fois plus long ou plus - l'IMDbrésumé de l'intriguecompte neuf paragraphes et 928 mots – mais toutes les émotions sont distillées en lignes simples ou en moments hors du temps. (Des visionnages multiples sont utiles pour tous les films d'Anderson, mais ils sont essentiels ici.) Sa capacité à écrire à travers l'ensemble transforme la famille en un organisme inoubliable, palpitant de tristesse et de regret et d'un petit élan tardif de résilience décousue. . Le nom de Tenenbaum est peut-être synonyme d'échec, mais le film est en fin de compte une affirmation touchante de la famille et de la façon dont elle peut gérer les inévitables déceptions de la vie.
Deux ans seulement aprèsFusée en bouteille, Anderson a réalisé l'une des grandes comédies sur le passage à l'âge adulte, empruntant beaucoup àLe diplômé, mais bouleversant son histoire d'apathie post-universitaire pour se concentrer sur son contraire : un jeune de 15 ans (Jason Schwartzman) qui ne manque pas de confiance et de vision, mais qui a beaucoup de place pour la maturité et la croissance.Rushmoreraconte la précocité de Max Fischer - ses mises en scène théâtrales de films bruts commeSerpico, son implication et la création de nombreuses autres activités parascolaires, sa fréquentation d'une enseignante de première année (Olivia Williams) deux fois son âge - mais Anderson lui permet également d'être insensible et imparfait, submergé par le narcissisme juvénile et la honte d'être un enfant pauvre. dans une école privée d'élite. En tant qu'Herman Blume, riche industriel enveloppé dans la mélancolie, Bill Murray a ouvert un autre front dans sa carrière, puisant dans de profondes réserves de tristesse et d'âme auxquelles il n'avait jamais pleinement accédé auparavant. Il n'y a pas une seconde perdue en 93 minutes deRushmore, qui semble à la fois utile et personnel, le produit d'un type Max Fischer qui revient sur l'adolescence avec l'empathie et la sagesse qu'il n'avait pas à l'époque.
