Chaque film réalisé par Clint Eastwood, classé

Photo-illustration : Vautour ; Photos : Universal Pictures, Warner Bros.

Cet article a été initialement publié en 2018 et a été mis à jour avec les versions ultérieures, notamment le dernier film de Clint Eastwood,Juré n°2.

Clint Eastwood s'est réinventé à plusieurs reprises au cours d'une carrière qui s'étend maintenant sur plus de 60 ans, mais il faut généralement du temps pour que tout le monde s'adapte aux changements. Après avoir travaillé comme petit joueur pendant des années, il apparaît pour la première fois dans le rôle inhabituel d'un technicien de laboratoire dans le film monstre de 1955.La vengeance de la créature —Eastwood a trouvé la célébrité à la télévision dans le rôle de Rowdy Yates dans la longue série westernCuir brut. Puis, à une époque où les stars de la télévision avaient du mal à faire la transition vers le cinéma, il a découvert la célébrité au cinéma par un chemin non conventionnel, voyageant en Europe pour y incarner un personnage connu plus tard sous le nom d'Homme sans nom dans trois westerns du réalisateur italien Sergio Leone :Une poignée de dollars,Pour quelques dollars de plus, etLe Bon, la Brute et le Truand.

Ces films sont devenus des succès mondiaux qui ont fait d'Eastwood une icône du grand écran, mais dès qu'il s'est débarrassé de son image de star de la télévision, il a découvert qu'il en voulait plus. Avec l'argent de ces films, Eastwood a créé la Malpaso Company (plus tard Malpaso Productions), dans le but d'exercer davantage de contrôle sur le matériel dans lequel il est apparu – et éventuellement de réaliser, ce qu'il a commencé à faire avec le thriller de 1971.Joue à Misty pour moi.

Bien qu'il ait souvent mêlé les deux volets de sa carrière, c'est la réalisation plus que le jeu d'acteur qui est depuis lors l'objectif d'Eastwood, même si le public et la presse avaient tendance à le considérer comme un passe-temps secondaire au cours des premières années. Eastwood était d'abord l'Homme sans nom et le Sale Harry ; tout le reste est passé en deuxième position. Au moment où Eastwood commençait à être reconnu comme un réalisateur compétent de films de genre grâce àLe hors-la-loi Josey WalesetLe gantelet, ses ambitions s'étaient déjà approfondies, tout comme son engagement à réaliser des films qui exploraient et jouaient avec sa propre image sur grand écran.

Cette phase a atteint une sorte de point culminant avec le film de 1992Non pardonné, un western à la réussite artistique indéniable qui remportera l'Oscar du meilleur film, et les années qui suivirent virent Eastwood redoubler d'efforts pour poursuivre le projet qui lui plaisait. Aujourd'hui âgé de 94 ans, il est depuis lors prolifique et imprévisible, réalisant des films allant du thriller policier aux mélodrames en passant par une comédie musicale à l'ancienne.

Personne ne produisant des films au rythme d'Eastwood ne peut être formidable à tout moment. Il aime travailler vite avec peu de répétitions et peu de prises, travaillant souvent à partir de scénarios toujours dans le même état dans lequel ils se trouvaient lorsque l'ébauche a atterri pour la première fois sur son bureau, ce qui est désormais une anomalie dans une industrie qui aime les réécritures, les reprises et les idées testées sur le marché. . Parfois, l’approche produit des classiques, parfois non. Mais il est impossible de retracer une tendance à ce déclin. Eastwood reste capable de produire un résultat étonnant après une série d’efforts décevants. Et même les films d’Eastwood les plus faibles ont leurs qualités convaincantes en partie parce que, alors que personne n’y prêtait attention, Eastwood a appris à être un grand réalisateur. Comme Don Siegel, un collaborateur qu'Eastwood a étudié alors qu'il commençait à envisager de réaliser son propre film, Eastwood travaille comme un artisan. Chaque prise de vue et chaque mouvement de caméra compte, et si le travail n'est pas spectaculaire à chaque instant, Eastwood a l'habitude de construire une image d'une puissance étrange ou d'une beauté désarmante qui révèle à quel point il a réfléchi à ce qu'il fait - même si il réfléchit et prend des décisions plus rapidement que le réalisateur moyen.

Avec la sortie deJuré n°2, C'est le 40ème film d'Eastwood, nous en avons profité pour classer ses films en tant que réalisateur, en nous en tenant strictement à ceux pour lesquels il est crédité en tant que réalisateur. (Selon tous les rapports, Eastwood a pris les rênes du thriller de 1984.Corde raide, par exemple. La raison : le réalisateur original travaillait trop lentement, un péché capital dans le monde d'un cinéaste toujours prêt à passer à la suite.)

Photo : Warner Bros./Everett Collection

L'élément le plus proche d'un effort purement mercenaire dans la filmographie d'Eastwood,La recruele trouve en train d'essayer de suivre le rythmeArme mortelle,Mourir dur, et d'autres films d'action alimentés par l'adrénaline de l'époque. Eastwood incarne un flic vieillissant qui fait équipe avec la recrue éponyme, un enfant riche interprété par Charlie Sheen. Les stars n'ont pas beaucoup d'alchimie, il y a une scène inconfortable dans laquelle le méchant de Sônia Braga agresse sexuellement Eastwood, et quelques séquences d'action décentes ne peuvent pas racheter le reste. Même cet habitant du sous-sol n’est jamais moins que regardable, mais pourquoi le choisir alors qu’il existe de bien meilleures options ?

Une autre tentative de suivre les tendances commerciales,Firefoxest arrivé présenté sous la forme d'un thriller techno de pointe dans lequel le major Mitchell Grant d'Eastwood, un vétéran du Vietnam rappelé à contrecœur en service, est envoyé derrière le rideau de fer pour voler un avion soviétique futuriste. Mais Eastwood ne s'envole pas avant la dernière ligne droite de ce qui est par ailleurs un thriller d'espionnage trop long et implacablement bavard, et même alors, les effets spéciaux du grand John Dykstra varient énormément en qualité. Le film obtient quelques points pour avoir Grant souffrant du SSPT et hanté par ses expériences de guerre, ce qui introduit une certaine ambiguïté dans son intrigue fracassante, mais par ailleurs, il n'y a pas beaucoup d'intérêt ici.

Sans aucun doute le film le moins vu d'Eastwood, son troisième long métrage dépeint la romance entre un agent immobilier divorcé (William Holden) et un hippie à l'esprit libre (Kay Lenz). La relation semble toujours plus paternelle que transgressive, Eastwood a du mal à trouver beaucoup d'élan, et l'idée de libération sexuelle du film implique principalement que Lenz enlève souvent sa chemise pendant que Holden regarde d'un air endormi. Universal ne savait pas quoi faire du film et l’a effectivement enterré. C'est intrigant en tant que capsule temporelle du Los Angeles du début des années 70, mais pas grand-chose d'autre.

Photo : Keith Bernstein/Warner Bros./Everett Collection

Eastwood a passé une grande partie du début des années 10 à tourner autour d'une nouvelle version deUne étoile est née, un projet qui,tu as peut-être entendu, sera finalement repris par son ami Bradley Cooper. Alors au lieu d'avancer avecune versionqui, à un moment donné, aurait pu mettre en vedette Beyoncé et Tom Cruise (ou Leonardo DiCaprio et Esperanza Spalding), Eastwood a tourné cette version parfaitement fonctionnelle de la comédie musicale de juke-box de longue date qui raconte l'histoire des créateurs à succès des années 60 Frankie Valli et des Quatre Saisons dans chanson. Rien ici ne suggère qu'Eastwood ait résisté aux cinéphiles en ne faisant jamais de comédie musicale jusqu'à présent.

Le film le plus étrange de la carrière d'Eastwood,Le 15h17 pour Parisraconte l'histoire de Spencer Stone, Anthony Sadler et Alek Skarlatos, trois Américains dont la vivacité d'esprit et le courage ont stoppé une attaque terroriste dans un train reliant Amsterdam à Paris. Le film d'Eastwood raconte l'histoire depuis le début, en suivant les héros éventuels depuis leur enfance, où ils sont joués par des enfants acteurs, jusqu'à l'âge adulte, où Stone, Sadler et Skarlatos jouent eux-mêmes. Construire un film entier autour de quelques moments décisifs n’est pas aussi fou qu’il y paraît ; Eastwood l'avait fait quelques années plus tôtSouiller, un film plus haut dans cette liste. Mais pourquoi consacrer une grande partie du film à des scènes des trois protagonistes en tournée à travers l'Europe avant l'attaque ? Pourtant, même si les protagonistes ne sont pas tout à fait naturels devant la caméra, leur présence donne au film une énergie étrange, tout comme le casting de tant d'acteurs comiques (Jenna Fischer, Judy Greer, Jaleel White) dans les scènes d'enfance. . Cela ne fonctionne pas vraiment, mais vous ne verrez pas un autre film comme celui-là.

Eastwood incarne Jonathan Hemlock, historien de l'art, alpiniste et ancien assassin appelé à sortir de sa retraite contre sa volonté pour éliminer un méchant dans les Alpes suisses. Film pour la plupart stupide qui semble conscient de sa propre absurdité, il possède un point fort : les séquences d'escalade, dans lesquelles Eastwood fait ses propres cascades. Pourtant, Eastwood n’était pas apte à incarner un homme mystérieux international, et il semble en être conscient. En dehors deFirefox, il laisserait sagement les histoires d'espionnage aux autres dans les années à venir.

Grande épopée américaine qui ne fonctionne tout simplement pas, ce biopic de J. Edgar Hoover suit la carrière du directeur du FBI depuis ses débuts jusqu'à la mort de Hoover en 1972, date à laquelle il était devenu l'un des hommes les plus puissants d'Amérique. Travailler à partir d'un script parLaitSelon l'écrivain Dustin Lance Black, Eastwood n'hésite pas à explorer la sexualité opaque de Hoover, et le réalisateur résolument de droite n'ignore pas les abus de pouvoir de Hoover. Mais le film, bien que joliment monté, est partout, racontant l'enlèvement de Lindbergh un instant, les tentatives de Hoover de faire chanter Martin Luther King Jr. l'instant d'après, et ce manque de concentration ne permet jamais à la grande histoire qu'il veut raconter d'émerger. Cela n'arrange pas non plus les choses : une performance criarde de Leonardo DiCaprio dans le rôle de Hoover et un maquillage de vieillesse peu convaincant qui devient une distraction constante dans les scènes se déroulant plus tard dans la vie de Hoover.

Un casting solide – Eastwood et Laura Linney sont particulièrement bons – et une direction généralement solide ne peuvent pas élever ce thriller banal avec une prémisse remarquable. Eastwood incarne un voleur de bijoux qui voit le président des États-Unis (Gene Hackman) tuer sa maîtresse. Le film atteint les rythmes attendus mais, malgré son milieu et un scénario de William Goldman, n'a pas vraiment grand chose à dire sur le pouvoir, absolu ou autre.

Pouvoir absolua lancé une tendance pour Eastwood, qui a apparemment commencé à parcourir les livres de poche d'aéroport et les best-sellers mystères à la recherche de matériel, à partir du milieu des années 90. Cela porterait ses fruits quelques années plus tard avecRivière mystique, mais pour y arriver, il fallait traverser des films commeVrai crimeetAnalyse de sangd'abord. Le premier trouve Eastwood jouant un journaliste essayant de déterminer la culpabilité ou l'innocence d'un homme condamné à mort dans une adaptation d'un roman d'Andrew Klavan.Analyse de sangle trouve en train d'adapter un best-seller de Michael Connelly dans lequel un agent du FBI enquête sur un tueur en série après une transplantation cardiaque. Eastwood joue dans les deux, et tous deux souffrent de certaines langueurs de fin de carrière qui ont commencé à s'infiltrer dans ses films après un certain point, principalement en raison d'une tendance à laisser les scènes de dialogue se dérouler encore et encore sans trop se soucier du rythme ou de l'allure. Les deux sont parfaitement acceptables, mais ni l’un ni l’autre n’est jamais extraordinaire.

Photo : Warner Bros./Everett Collection

Adaptant les mémoires du tireur d'élite des Navy SEAL Chris Kyle – qui a enregistré 160 victimes confirmées au cours de dix années de service, dont une longue période en Irak, avant d'être tué par un Marine en difficulté sur un stand de tir chez lui – Eastwood semble déchiré entre une action captivante. film et explorant le bilan de la guerre sur ceux qui les combattent. En fin de compte, le film ne fait ni l'un ni l'autre avec aucune profondeur, bien qu'il soit rehaussé par la performance émouvante de Bradley Cooper, qui suggère qu'il se passe plus de choses derrière les yeux de son personnage qu'il ne peut se résoudre à le dire à haute voix. Le film est devenu un énorme succès, mais il fait partie des films de guerre les moins approfondis d’Eastwood.

Le point de vue d'Eastwood sur un autre type de best-seller, le récit de John Berendt sur un meurtre parmi l'élite de Savannah, en Géorgie,Minuit dans le jardin du bien et du maltrouve Eastwood transportant des camions vers le Sud moderne et explorant à la fois un mystère réel et la couleur locale. Pourtant, le rythme d'Eastwood permet un peuaussibeaucoup de temps pour s'imprégner de tout cela, et le décor devient plus mémorable que l'histoire centrale. Une performance effrénée de Kevin Spacey n'arrange pas les choses, même si le film est plus un raté qu'un désastre.

Le même rythme délibéré deMinuitfait parfois obstacle à une autre histoire vraie, cette fois celle d'une année mémorable pour l'équipe sud-africaine de rugby, dont la victoire à la Coupe du monde 1995 a offert au pays un moment crucial d'unité dans les années qui ont suivi l'abolition de l'apartheid. Matt Damon incarne François Pienaar, le capitaine de l'équipe majoritairement blanche, inspiré par sa relation avec le président du pays, Nelson Mandela (Morgan Freeman). Ce n'est pas l'exploration la plus approfondie de l'histoire récente, mais Damon et Freeman sont tous deux formidables et les moments forts sont assez mémorables, y compris des scènes de rugby passionnantes et une séquence émouvante dans laquelle Pienaar et son équipe visitent la cellule que Mandela avait élu domicile quelques années plus tôt. .

Damon et Eastwood ont de nouveau fait équipe pour le prochain film du réalisateur, un drame surnaturel inhabituel dans lequel Damon incarne un homme torturé par sa capacité à communiquer avec les proches disparus des autres. Son histoire n'est que l'une des trois qui se déroulent au cours du film, les autres étant celles d'un journaliste de la télévision française secoué par une expérience de mort imminente (Cécile de France), et d'un garçon londonien qui peine à se remettre de la mort de son jumeau. frère. Scénario de Peter Morgan (Givre/Nixon,La Reine), le film est souvent plus lourd que profond (même s'il a de fervents admirateurs). Malgré cela, il présente certains des visuels les plus maussades d'Eastwood – tournés, comme chacun des films d'Eastwood depuis 2002, par le directeur de la photographie Tom Stern – et il y a une séquence au milieu dans laquelle le personnage de Damon se lance dans une romance ténue avec une femme solitaire jouée par Bryce Dallas. Howard, c'est l'un des meilleurs travaux que l'un ou l'autre acteur ait jamais réalisé.

La sanction de l'Eigera apparemment donné à Eastwood le goût de l'action exagérée, qu'il continue de s'adonner dans un film où il incarne un flic endurci chargé d'escorter un témoin d'un procès (Sondra Locke) de Las Vegas à Phoenix. En chemin, il tombe amoureux et commence à réaliser qu'il fait partie d'un piège. Fort, rapide et criblé de balles, il joue désormais comme la graine à partir de laquelle sont nés de nombreux films d'action des années 80 et 90. Si personne ne semble profondément investi dans le film personnellement, tout le monde semble quand même s'amuser.

Photo : Warner Bros./Everett Collection

De 1971 à 1988, Eastwood a joué dans cinq films dans le rôle de « Dirty » Harry Callahan, un flic de San Francisco qui n’a aucune utilité pour l’autorité et qui a une gâchette qui démange. Il n'en a cependant réalisé qu'un seul : ce quatrième film, qui fait revivre le personnage après sept ans d'absence et mélange l'approche du tournage d'abord, posez des questions plus tard, à l'humour loufoque - c'est un excellent film pour les fans de des bouledogues pétants - et un complot de vengeance contre un viol qui ne cache pas ses sympathies pour Jennifer Spence (Sondra Locke, co-star fréquente d'Eastwood et son partenaire hors écran à l'époque), la femme qui a fait tomber les hommes qui l'ont attaquée, elle et sa sœur, il y a des années. . Ses scènes d'ouverture donnent l'impression qu'Eastwood fait son meilleur riff sur Hitchcock (ou du moins Brian De Palma), et bien que le film ne puisse pas maintenir cette intensité, c'est de loin la meilleure des suites, et l'un des exemples les plus prononcés. d'un thème récurrent que l'on retrouve dans de nombreux films d'Eastwood : l'horreur de la façon dont les hommes traitent les femmes et la colère justifiable qui en résulte.

Dans le cadre de l'un de ses projets les plus ambitieux, Eastwood a sorti deux films sur la bataille d'Iwo Jima en 2006, l'un du point de vue des soldats américains et l'autre du point de vue des soldats japonais. L'entrée du côté américain,Drapeaux de nos pères, est arrivé en premier, et c'est le moindre des deux en grande partie parce que son compagnon est une réalisation tellement époustouflante. Cela ne signifie pas pour autant que celui-ci doit être négligé. Adaptant le livre non fictionnel du même nom de James Bradley et Ron Powers, le film se concentre sur trois soldats américains impliqués dans la bataille et sur la levée du drapeau au mont Suribachi, un moment immortalisé dans une célèbre photographie et la sculpture commémorative du Corps des Marines d'Arlington. Le fait que l'image que nous connaissons était en fait un deuxième lever de drapeau, recréant le moment d'une séance photo après que le secrétaire de la Marine ait réclamé le premier drapeau comme trophée, est au cœur de ce que fait Eastwood dans le film, qui dépeint la guerre à la fois comme campagne militaire et comme campagne de relations publiques. Salués pour leur héroïsme tout en étant toujours aux prises avec leurs expériences, les soldats découvrent que cette dernière fait également des victimes.

Eastwood est apparu dans de nombreux westerns, mais il n'en a réalisé que quatre, qui vont du très bon au magistral. Le moindre d'entre eux,Cavalier pâlese situe carrément dans la catégorie « assez bon », principalement parce qu'il est éclipsé par d'autres films. Eastwood incarne le mystérieux « Preacher », apparemment un esprit de vengeance qui dérive dans un petit village minier de Californie harcelé par une puissante famille minière, qui en viendra à regretter sa cupidité. Ce n'est pas aussi surnaturel queVagabond des hautes plaines, pas aussi riche émotionnellement queLe hors-la-loi Josey Wales, et son intrigue doit énormément àShane. Mais même le moindre des efforts occidentaux d'Eastwood démontre une compréhension remarquable du fonctionnement du genre, de ce qu'il signifie pour l'identité américaine et de la manière dont il s'y intègre en tant qu'acteur et réalisateur.

En 1983, les États-Unis ont envahi Grenade, une nation insulaire des Caraïbes, une brève action militaire qui avait déjà été largement oubliée au moment où cette représentation sur grand écran est apparue sur les écrans quelques années plus tard. À bon escient, le film comprend qu'il ne doit pas s'agir que de l'invasion de la Grenade, qui constitue le dernier acte du film et sert de pierre angulaire à l'histoire du sergent d'artillerie de longue date Thomas Highway (Eastwood) et de ses tentatives de fouetter un groupe indiscipliné de nouveaux Marines en forme. Eastwood est amusant en tant que soldat profane et sans conneries dont les hommes le détestent jusqu'à ce qu'ils en viennent à l'aimer, et le film décrit efficacement comment ce sont des hommes comme Highway, plus que les cuivres au-dessus de lui, qui donnent son caractère à l'armée. C'est aussi le premier exemple d'un thème qui deviendra plus important dans les films suivants : comment une génération cède la place à la suivante. Laissant son âge devenir central dans son personnage, il incarne un homme au bord de la retraite, s'interrogeant sur son héritage, ce qu'il a accompli, ce qu'il a abandonné et ce qui va suivre.

Eastwood a fait ses débuts en tant que réalisateur avec ce thriller efficace dans lequel il incarne Dave Garver, un DJ de jazz habile qui commet l'erreur d'entamer une relation avec une fan obsessionnelle (Jessica Walter). Travaillant avec un budget modeste sur son terrain d'origine en Californie du Nord, Eastwood s'est révélé être un réalisateur efficace dès le début, créant un thriller tendu sur les conséquences de jouer avec les affections d'une mauvaise femme - et, il convient de le noter, il l'a réalisé bien avantAttraction fatalea transformé les films sur les harceleurs obsédés en un sous-genre virtuel. Le film a servi à la fois de preuve qu'Eastwood pouvait livrer les marchandises commerciales et de signal qu'il avait des ambitions en tant qu'artiste, grâce à un détour par le Festival de Jazz de Monterey et une séquence mémorablement fleurie sur "La première fois que j'ai vu" de Roberta Flack. Votre visage.

Photo : Warner Bros./Everett Collection

Eastwood semble également comprendre comment il s’intègre dans une certaine génération de stars de cinéma – et que cette génération glisserait inévitablement dans le passé.Cowboys de l'espacerassemble un casting de stars d'acteurs d'un certain âge, faisant équipe avec Eastwood avec James Garner, Tommy Lee Jones et Donald Sutherland dans l'histoire de quatre pilotes vieillissants de l'Air Force qui n'ont jamais eu la chance d'aller dans l'espace mais sont appelés à quitter l'espace. retraite pour arrêter un satellite soviétique datant de la guerre froide qui menace de tomber sur Terre. L'histoire est mince et les rythmes prévisibles, mais le casting est un délice, et un sentiment d'émotion rampant approfondit un film qui célèbre une génération particulière d'Américains tout en reconnaissant que leur temps était compté et que de nouvelles façons, de nouvelles personnes et de nouvelles idées prendraient bientôt leur place - un thème repris deCrête du chagrinqu'il reviendrait quelques années plus tard.

Eastwood avait clairement en tête les icônes du XXe siècle alors que les années 80 se transformaient en années 90. Pour cette adaptation de 1990 du roman autobiographique de Peter Viertel, Eastwood assume le rôle de John Wilson, un réalisateur plus grand que nature déterminé à attraper un éléphant lors du tournage d'un film en Afrique. Jeff Fahey incarne Pete Verrill dans un récit à peine déguisé des expériences de Viertel accompagnant John Huston lors de son tournage.La reine africaine. Trouvant un juste milieu entre la voix incomparable de Huston et son propre grognement distinctif, Eastwood travaille ici aux limites de sa gamme d'acteur, mais la performance fonctionne quand même dans un film qui est davantage une critique d'un certain type de bravade machiste - telle qu'incarnée par Huston mais aussi par Eastwood lui-même – qu’une célébration de celui-ci. "Il y a des moments dans la vie où on ne peut pas se demander si c'est la bonne ou la mauvaise chose à faire", dit Wilson, et le film ne recule pas devant les implications les plus sombres de la direction que mène ce genre de réflexion. Négligé à l'époque, cela a fourni un signe précoce qu'Eastwood prévoyait de continuer à se mettre au défi dans les années qui suivraient.

Il y a tellement de choses à admirer dans le film d'Eastwood sur Richard Jewell, l'histoire de l'agent de sécurité injustement devenu suspect après avoir découvert une bombe aux Jeux olympiques d'été d'Atlanta en 1996, qu'il est dommage qu'un élémentmenace d'éclipserses vertus. Alors commençons par mettre cela de côté :Richard Jewell dépeintAtlantaJournal-Constitutionla journaliste Kathy Scruggs (Olivia Wilde), qui a révélé que le FBI enquêtait sur Jewell, a couché avec une source du FBI (Jon Hamm) afin d'obtenir une histoire. Le journal et ceux qui connaissaient Scruggs ont protesté contre cette représentation, et il est ironique qu'un film sur l'horreur des accusations injustifiées participe à la même chose. Dépassez cela et dépassez le sentiment que l'histoire donne au libertaire Eastwood une chance dedes problèmes avec le gouvernement et les médias, et vous trouverez une étude émouvante du personnage d'un héros improbable qui sert également de représentation de la façon dont le monde d'un homme pourrait s'effondrer sans que ce soit sa faute. Interprété avec émotion par Paul Walter Hauser, Jewell apparaît comme un homme frustrant et trop zélé – le genre d'homme tour à tour enclin à amuser et à frustrer ceux qui l'entourent – ​​mais aussi comme une personne de bonnes intentions qui est faite souffrir pour un acte courageux et altruiste. Sam Rockwell, en tant qu'avocat malchanceux, et Kathy Bates, en tant que mère protectrice de Jewell, complètent le casting en tant que seules personnes à soutenir Jewell alors qu'il se transforme de chouchou des médias en ennemi public apparemment du jour au lendemain.

Photo : Universal/Everett Collection

Se déroulant dans le Los Angeles des années 1920 et basé sur une histoire vraie étrange et exaspérante,Changelinmet en vedette Angelina Jolie dans le rôle de Christine Collins, une mère célibataire dont le fils de 9 ans a disparu. Quelques mois plus tard, la police de Los Angeles réunit la mère et l'enfant – mais il y a quelque chose qui ne va pas. Christine insiste sur le fait que l'enfant n'est pas le sien et, malgré les preuves médicales à l'appui de ses affirmations, elle est placée en institution lorsqu'elle insiste sur le fait qu'on lui a donné le mauvais garçon. En dire plus reviendrait à gâcher les rebondissements du film, même si les rebondissements ne sont pas vraiment le but du film ; elle s'intéresse davantage à ce que signifie être une femme rendue impuissante par un système patriarcal et corrompu qui n'hésite pas à exploiter les stéréotypes sur l'instabilité féminine. Jolie est parfaitement interprétée, et bien que le film s'essouffle dans sa dernière partie, il s'agit d'une représentation obsédante et toujours d'actualité de la façon dont l'autorité est abusée et comment les institutions laissent la souffrance tomber sur les plus vulnérables.

Les cinéastes ont tenté d'adapter le roman de N. Richard Nash de 1975Pleurer machoà peu près depuis sa publication. Parmi les anciennes stars potentielles figuraient Robert Mitchum, Arnold Schwarzenegger, Roy Scheider et même Clint Eastwood, qui a failli y parvenir des décennies plus tôt, mais a choisi de le faire.La piscine morteplutôt. Même s'il aurait pu être agréable d'avoir été épargné par la dernière et la moindre des aventures de Dirty Harry, le film qu'Eastwood a fini par réaliser des décennies plus tard suggère qu'attendre était la bonne idée. Aujourd’hui âgé de 91 ans, Eastwood ressemble à un homme considérant le poids de ses choix à la fin de sa vie. Il incarne Mike Milo, une ancienne star du rodéo engagée par un ancien patron pour récupérer Rafo (Eduardo Minett), le fils de 13 ans du patron, au Mexique. Ils vivent quelques aventures au cours du voyage, mais le film se concentre principalement sur la conversation transformatrice et à peine reconnue entre le vieil homme et le garçon, une conversation dans laquelle Mike montre par l'exemple qu'être le dur à cuire que Rafo imagine n'est pas tout. j'étais ravi de l'être. C'est un film doux, mais avec une profondeur sournoise. Eastwood a toujours son air renfrogné, mais il incarne un homme qui veut laisser derrière lui toute la colère et la frustration qui ont formé ce regard renfrogné.

Eastwood entretient une relation longue et loin d’être décontractée avec la musique. Au sommet de sonCuir brutrenommée, il a sorti leAlbum de 1959 Clint Eastwood de Rawhide chante les favoris des cowboys. Il est apparu dans la comédie musicale troubléePeignez votre wagonsans s'embarrasser. C'est un pianiste accompli qui s'intéresse depuis toujours au jazz et il a composé les belles musiques de films commeRivière mystiqueetBébé à un million de dollars.

Il n’est pas difficile d’imaginer un univers alternatif dans lequel il poursuivrait cette passion. AvecL'homme de Honkytonk, Eastwood s'est présenté comme un chanteur condamné et fictif de l'époque de la dépression, Red Stovall. Plugger de longue date avec un problème d'alcool et un cas de tuberculose qui s'aggrave, il voit une invitation à auditionner pour le Grand Ole Opry comme sa dernière chance de gloire et prend la route pour Nashville avec l'aide de son neveu Whit, 14 ans ( Kyle Eastwood, le fils d'Eastwood). Le film évite le mélodrame pour un voyage agréablement décousu qui capture la plénitude de la vie délabrée de Stovall alors qu'il se termine par une finale déchirante, un hommage à ceux dont les voix ont été réduites au silence avant de pouvoir vraiment être entendues. Kyle Eastwood est plutôt bon dans un rôle exigeant, mais contrairement à plusieurs autres enfants d'Eastwood, il a choisi de ne pas devenir acteur. Il est plutôt devenu musicien.

L'homme de Honkytonka été négligé en 1982, mais cela n'a pas dissuadé Eastwood de décrire la vie d'un autre musicien tragique quelques années plus tard. Rompant avec l'orthodoxie du jazz au milieu des années 40, Charlie Parker a été le pionnier du bebop et a contribué à dégager le terrain que le jazz explorerait au cours des prochaines décennies. Mais il a lutté contre la dépendance tout au long de sa carrière, et ces dépendances ont écourté sa vie. Le biopic d'Eastwood ne réinvente pas la forme, mais son approche majestueuse et respectueuse évite d'exploiter ou de glorifier les luttes de Parker et évite les clichés selon lesquels la dépendance et le génie sont inextricables. Il a également, à bon escient, laissé une grande partie du film reposer sur les épaules de la star Forest Whitaker, qui trouve l'humanité dans l'icône.

Photo : Claire Folger/Warner Bros./Everett Collection

Réaliser un film dans lequel il joue également pour la première fois depuis 2008Grand Turin, Eastwood se présente ici comme Earl Stone, un horticulteur de 90 ans qui traverse des moments difficiles et commence à vendre de la drogue pour un cartel. Alors qu'un agent du FBI (Bradley Cooper) se rapproche de lui, Earl est aux prises avec une vie passée à négliger sa famille et à se demander s'il n'est pas trop tard pour faire amende honorable – tout en charmant un groupe de trafiquants de drogue endurcis et en se plaignant de la façon dont les enfants de nos jours. dépendent trop de leur téléphone portable. Retrouver avecGrand Turinscénariste Nick Schenk pour une histoire factuelle, Eastwood incarne à nouveau un homme regardant la mort et essayant de comprendre ce qui compte vraiment. Et pourtant, le film est étonnamment amusant – et Eastwood en particulier est un délice irascible – même s'il fait le tri dans l'obscurité morale du commerce de la drogue et considère ce qu'il faut pour rester à flot dans une économie américaine impitoyable.

Le deuxième film d'Eastwood en tant que réalisateur, et son premier western, le voit reprendre une variation de son personnage de Man With No Name jouant, oui, un homme sans nom qui se rend dans une ville minière isolée et prend la tâche de la défendre contre une bande de hors-la-loi. – tout en révélant seulement plus tard qu’il a son propre agenda. Eastwood et Bruce Surtees, son directeur de la photographie préféré au milieu des années 80, remplissent ce film étrange et atmosphérique — écrit parArbrecréateur Ernest Tidyman - avec des images obsédantes, d'autant plus que les véritables intentions du protagoniste deviennent claires. (L'obscurité implacable du film s'étend, juste avertissement, à une première scène de viol qui est en grande partie le produit du même moment culturel nauséeux qui a produitChiens de paille.)

Film d'une tristesse presque insondable, cette adaptation du roman de Dennis Lehane, tourné à Boston, explore le rôle du hasard et du destin dans la refonte des vies tout en décrivant comment le passé ne lâche jamais vraiment son emprise sur l'avenir. À la base, il s'agit d'un mystère de meurtre, mais il s'intéresse moins aux rebondissements d'une histoire policière qu'aux répliques destructrices causées par le meurtre de Katie Markum (Emmy Rossum), la fille de l'ex-détenu Jimmy Markum (Sean Penn). Jimmy dirige un dépanneur dans le quartier, où il a grandi aux côtés de Sean (Kevin Bacon) et Dave (Tim Robbins). Sean est devenu flic, Dave ne s'est jamais vraiment remis d'un enlèvement d'enfant au cours duquel il a été emmené dans la rue tandis que Jimmy et Sean ont été laissés pour compte, et les vies des trois hommes se croisent à mesure que le mystère de la mort de Katie s'approfondit. Les grandes performances audacieuses et profondément accentuées de Penn et Robbins menacent parfois de renverser le film, mais une tristesse profonde et un fort sentiment d'appartenance le maintiennent ancré. C'est un film sur la façon dont les fantômes persistent et comment les lieux qui nous ont fait garder leur emprise sur nous, que nous restions ou partions.

Photo : Warner Bros./Everett Collection

Parler de Clint Eastwood signifie inévitablement parler de sa politique, qui peut être difficile à cerner. Libertaire autoproclamé, il soutient les lois sur les armes à feu, a exprimé son opposition à la plupart des guerres depuis la Seconde Guerre mondiale et n'a aucun problème avec le mariage homosexuel. À un moment donné dans les années 1980, il donnait de l'argent à la fois à des groupes soutenant l'Amendement pour l'égalité des droits et à Bo Gritz, un ancien officier des forces spéciales qui s'est réinventé en mercenaire déterminé à retrouver les prisonniers de guerre qu'il croyait encore en vie au Vietnam. Il n'a pas beaucoup d'utilité pour l'implication du gouvernement dans la plupart des aspects de la vie quotidienne,résumant son point de vue à Ellen DeGenerescomme « laissez tout le monde tranquille ». (Rien de tout cela ne l’a empêché de faire une apparition embarrassante à la Convention républicaine de 2012, au cours de laquelle il a parlé devant une chaise vide.)

Eastwood n'a pas non plus beaucoup d'utilité pour les piétés libérales, ce qui explique probablement son attirance pour Walt Kowalski, le héros de son film de 2008.Grand Turin. Un travailleur automobile à la retraite de Détroit heureux de lancer des insultes ethniques, une tendance que le film tente d'expliquer dans une scène par la façon dont parlent les gars d'une certaine génération. Ce genre de justification est difficile à avaler, que ce soit dans la vraie vie ou au cinéma. Ce n'est pas non plus vraiment le but deGrand Turin, dans lequel les actions de Walt comptent plus que ses paroles. Ces actions impliquent de se lier d'amitié avec Thao Vang Lor (Bee Vang), un adolescent Hmong qu'il surprend à contrecœur en train d'essayer de voler sa bien-aimée Ford Gran Torino de 1972 sous la pression d'un gang local. La relation change à la fois Walt et Thao, et le film offre l'expression la plus complète de l'un des intérêts clés et durables d'Eastwood : ce qui change et ce qui reste lorsqu'une génération cède la place à la suivante. Malgré tout le sectarisme exprimé par son protagoniste, le film voit clairement l’Amérique comme une grande tente avec de la place pour tous.

Juré n°2est arrivé au milieu de rumeurs selon lesquelles ce serait le dernier film d'Eastwood. Ne soyez pas surpris si ce n'est pas le cas. Bien qu'il ait maintenant plus de 90 ans, Eastwood ne semble pas être lié par les limites des simples mortels. Final ou pas,Juré n°2ne joue jamais comme le travail d'un metteur en scène fatigué ou qui a perdu un pas. Travaillant à partir d'un scénario pointu de Jonathan Abrams, Eastwood lance une fois de plus un examen de la moralité, de la justice et de la culpabilité dans un film de genre convaincant. Dans ce cas-ci, il s’agit d’un thriller judiciaire avec une tournure étrange. Nicholas Hoult incarne Justin, un homme affable qui est convoqué comme juré lors d'un procès pour meurtre et se rend compte que c'est lui, et non l'accusé, qui pourrait être responsable de la mort de la victime. (Cela semble plus invraisemblable dans la description que dans le film.) Toni Collette joue le rôle de Faith, une procureure dont les élections sont en jeu et qui a besoin d'une grande victoire. Au fur et à mesure que le procès se déroule, tous deux se retrouvent au milieu de luttes éthiques et morales en tant que patients. Un film captivant explore la nature de la vertu et de la culpabilité, ainsi que la question de savoir dans quelle mesure nous sommes prêts – ou devrions-nous nous demander – de sacrifier pour faire la bonne chose.

Eastwood a fait fortune pour Warner Bros. en 1978, aux côtés d'un orang-outan dans la géniale comédie aux mains nues.Dans tous les sens mais en vrac. Il a utilisé une partie du capital qu'il avait accumulé pour poursuivre des projets originaux commeBronco Billy, un film au grand cœur sur l'équipe hétéroclite derrière un spectacle itinérant du Far West à loyer modique, à l'ancienne mais plein d'entrain. Eastwood incarne « Bronco » Billy McCoy, un expert en équitation et en virevoltage de corde qui regorge de bons conseils pour les jeunes « partenaires » qui constituent les membres les plus enthousiastes de son public jamais particulièrement nombreux. Sondra Locke joue à nouveau, cette fois dans le rôle d'une héritière arrogante obligée de voyager avec la série – et qui finit par apprendre non seulement que Billy vendait des chaussures dans le New Jersey, mais que le reste de la troupe n'est pas exactement des produits de la série. Le Far West non plus. Eastwood peaufine son personnage et pousse les clichés du Far West à leur extrême absurdité, mais il ne se moque pas non plus. Le film célèbre l’Amérique comme un lieu où même les icônes les plus ringardes jouent un rôle dans l’élaboration de nos valeurs et où chacun peut se réinventer pour devenir la personne qu’il veut être – et devrait être.

Après le succès deNon pardonnéEastwood a mené une autre exploration de ce que signifie la justice en Amérique à travers l'histoire de « Butch » Haynes (Kevin Costner), un condamné évadé au début des années 60 au Texas qui kidnappe Phillip, un garçon de 8 ans protégé (TJ Lowther), puis le retrouve. lui-même forme un lien inattendu avec son otage orphelin. Eastwood joue le rôle d'un Texas Ranger sur son chemin chargé de travailler avec Sally Gerber (Laura Dern), une criminologue aidant la chasse à l'homme dont les opinions empathiques l'obligent à reconsidérer son propre passé avec Butch. Écrit par John Lee Hancock (Le côté aveugle), le film au rythme méditatif nage dans l'ambiguïté du personnage de Butch et présente l'une des meilleures performances de Costner. Costner incarne Butch comme un homme qui n'a jamais vraiment eu de chance, capable d'une compréhension et d'une tendresse extraordinaires, mais tout aussi capable de commettre des horreurs sur ceux qu'il rencontre, et tandis que le film pose des questions difficiles sur la responsabilité de la façon dont un tel homme est né - et que faut-il en faire. Eastwood et Dern passent de bons moments ensemble – c'est encore un autre film dans lequel Eastwood incarne un homme mis au défi de repenser ses hypothèses par la prochaine génération – mais c'est le lien entre Butch et Phillip qui rend le film si convaincant et finalement si obsédant.

Comment dramatiser l’histoire de Chesley « Sully » Sullenberger, le pilote de ligne qui, après avoir perdu ses deux moteurs à cause d’une volée d’oiseaux, a fait atterrir son avion en toute sécurité sur le fleuve Hudson en 2009 ? C'est une histoire remarquable mais aussi assez courte. Des oiseaux ont heurté un avion. Le pilote fait atterrir l'avion. Tout le monde vit. Nous avons terminé. AvecSouiller, Eastwood et le scénariste Todd Komarnicki utilisent l'incident comme un point central auquel le film revient sans cesse, le traitant comme les quelques moments révélateurs sur lesquels se sont construits les moments de Sully et qui définiraient le reste de sa vie. En mode Everyman complet, Tom Hanks incarne Sully comme un homme dont l'héroïsme et le professionnalisme sont inextricables. Cet atterrissage remarquable n’est que le prolongement d’une vie d’efforts pour accomplir le travail, qui implique de laisser derrière lui tout problème qu’il pourrait avoir à la maison ou toute impulsion de panique. Le film étend la vérité en présentant l'enquête ultérieure du National Transportation Safety Board sur ce qui ressemble à une inquisition visant à éliminer un homme bon, mais le dispositif dramatique permet au film de mettre ces moments décisifs sous le microscope alors qu'il y revient à nouveau et encore une fois, examinant la pensée de Sully et trouvant une dignité tranquille dans des scènes d'un homme faisant simplement son travail du mieux qu'il peut dans des circonstances incroyablement éprouvantes.

Quiconque souhaite identifier le moment où Eastwood s’est imposé en tant qu’artiste devrait commencer ici. Mais d’abord, il convient de mentionner les origines troubles du film. C'est une adaptation du livreLe hors-la-loi rebelle : Josey Wales(aliasJe suis parti au Texas) de Forrest Carter, le pseudonyme d'Asa Earl Carter qui allait écrire les mémoires du canularL'éducation du petit arbre, l'histoire inventée de son éducation par les grands-parents Cherokee. Carter allait ensuite être dénoncé comme un membre de la suprématie blanche du Klan qui avait autrefois écrit des discours pour George Wallace, et la question de savoir si sa carrière littéraire était une tentative de s'en distancier, un exercice opportuniste ou une combinaison des deux reste une question en suspens. Le film a commencé la production sous Philip Kaufman, mais lorsque lui et Eastwood se sont brouillés, Eastwood l'a renvoyé du film, ce qui a conduit la DGA à créer « la règle d'Eastwood », interdisant à toute personne impliquée dans la production du film de licencier et de prendre la relève pour un certain temps. directeur.

Pour autant,Le hors-la-loi Josey Walesest tout sauf le fruit d'un arbre empoisonné. Eastwood joue le personnage principal, un homme entraîné à contrecœur dans le camp confédéré de la guerre civile après le massacre de sa famille. Refusant de se rendre, il s'éteint pour le Texas, acquérant une notoriété de hors-la-loi célèbre alors qu'il accumule une sorte de famille de fortune qui comprend un chef Cherokee (le chef Dan George), des colons malheureux du Kansas et d'autres. Le film se double d'une étude sur un homme qui a abandonné la vie pour s'y retrouver attiré par les besoins des autres ; Josey veut être seul, mais le monde a d'autres projets pour lui. C'est aussi rempli de violence que n'importe quel western d'Eastwood, mais c'est en son cœur un appel à la compassion et à la réconciliation après un moment de grande division – un thème qui a trouvé une résonance particulière dans les années qui ont suivi la guerre du Vietnam.

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Le roman de Robert James Waller de 1992Les ponts du comté de MadisonLes critiques ont roulé des yeux, mais il est quand même devenu un best-seller imparable. Peut-être que le livre attendait juste d'être adapté en un grand film, comme le sont certains livres. (J'ai déjà luLe parrain? Ce n'est pas non plus une écriture si brûlante.) En travaillant à partir d'un scénario de Richard LaGravenese, Eastwood en a fait l'un de ses meilleurs films, même si accéder aux grandes parties signifie dépasser un dispositif de cadrage grinçant dans lequel une paire de frères et sœurs fait le tri. les biens de leur mère décédée Francesca, une épouse de guerre italienne qui a commencé une nouvelle vie dans l'Iowa. Là, ils découvrent les preuves d'une liaison ancienne entre leur mère et unNational géographiquephotographe nommé Robert Kincaid. Coupure sur un flash-back se déroulant au milieu des années 60 où se déroule une romance émouvante et lente. Meryl Streep et Eastwood jouent le couple central, dont la relation s'approfondit à mesure qu'ils parcourent un ensemble de ponts photogéniques. Eastwood s'était rarement laissé aussi vulnérable à l'écran auparavant et il génère une alchimie extraordinaire avec Streep, qui incarne une femme redécouvrant des passions qu'elle pensait avoir laissées derrière elle des années auparavant. Le film raconte simplement une histoire simple, en se concentrant sur les désirs exaltants de ses personnages – et sur leur compréhension croissante du fait qu’agir selon ces désirs pourrait leur briser le cœur.

La seconde moitié du diptyque Iwo Jima d'Eastwood considère la bataille du point de vue des soldats japonais qui se sont retranchés dans des tunnels et ont combattu jusqu'à la mort contre la force d'invasion. Comme dansDrapeaux de nos pères, Eastwood s'intéresse tout autant à la vie individuelle des hommes qui combattent et aux forces politiques qui les ont amenés sur le champ de bataille, qu'au combat lui-même. Ici, cela implique de suivre un soldat au plus haut niveau possible – le général Tadamichi Kuribayashi (Ken Watanabe) – et un grognement – ​​le PFC Saigo (Kazunari Ninomiya) – alors que la bataille s'intensifie et qu'il devient de plus en plus clair qu'elle ne peut pas être gagnée. Les films d'Eastwood associent le respect de l'armée à un dégoût pour la guerre et à l'insensibilité des officiers qui traitent leurs soldats comme des rouages. Il est rempli d'images horribles de la vie dans les tunnels, où le simple fait d'attendre de mourir dans des conditions horribles est devenu une sorte de torture ; le film met l'accent sur les expériences de soldats qui ont été traités comme de la chair à canon par les commandants. Et même s'il fonctionne seul, il est encore meilleur en tant que compagnonDrapeaux de nos pères, le changement de perspective suggérant que l’expérience de la guerre reste la même pour les soldats, quelle qu’en soit la cause. Eastwood insiste pour trouver l’humanité partout, même dans les circonstances les plus déshumanisantes.

Un briseur de cœur,Bébé à un million de dollarscommence comme une histoire sportive propulsive d'opprimé sur un entraîneur de boxe capricieux nommé Frankie (Eastwood) et une combattante prometteuse nommée Maggie (Hilary Swank) qui insiste pour qu'il l'entraîne. Contre l'instinct de Frankie, mais avec les encouragements de son collègue de longue date « Scrap-Iron » Dupris (Morgan Freeman, qui raconte également), Frankie est d'accord et ils rencontrent un grand succès – puis la tragédie survient. Un mélodrame à l'ancienne réaménagé pour le 21e siècle, il est magnifiquement interprété par Eastwood, Swank et Freeman, incarnant des personnages qui nouent un lien familial alors qu'ils travaillent vers un objectif commun et cherchent à réparer les endroits brisés de leur vie. Eastwood réalise avec la certitude que les émotions de la pièce – adaptées d'histoires écrites par un entraîneur de boxe qui a écrit sous le nom de FX Toole – seront suffisantes pour obliger les téléspectateurs à rester avec le film même si la possibilité d'une fin heureuse s'éloigne de voir. Le film a remporté plusieurs Oscars : meilleur film, meilleur réalisateur pour Eastwood, meilleure actrice pour Swank et meilleur acteur dans un second rôle pour Freeman – tous bien mérités.

Photo : Warner Bros./Everett Collection

Au début des années 80, Eastwood est entré en possession d'un scénario écrit par David Webb Peoples intituléLes meurtres de putains. Contre l’avis de Sonia Chernus, rédactrice en chef de longue date à Malpaso, qui l’a qualifié de « poubelle » et s’est opposée à ses grossièretés généralisées, il a décidé de le faire – mais pas tout de suite. Plus tard, racontant à son biographe et ami Richard Schickel qu'il pensait que « l'âge serait un avantage », il attendit que le temps le rattrape ; cela lui a permis de jouer de manière convaincante le rôle de William Munny, autrefois un tueur redouté, aujourd'hui veuf essayant de vivre une belle vie en tant qu'humble éleveur de porcs. Mais le besoin se fait sentir lorsque la maladie frappe son bétail, alors il part avec le « Schofield Kid » (Jaimz Woolvett) bruyant et inexpérimenté et son ancien partenaire flingueur Ned Logan (Morgan Freeman) à la recherche de cow-boys qui ont mutilé une prostituée, pour collecter une somme considérable. prime offerte par les camarades prostituées de la victime. L'impitoyable chasseur de primes English Bob (Richard Harris) se dresse sur leur chemin ; le shérif « petit » Bill Daggett (Gene Hackman) ; et la conscience de Munny, qui souffre des crimes qu'il a commis autrefois et à l'idée d'en commettre davantage.

Non pardonnéfonctionne d'abord comme un western captivant, mais c'est aussi une méditation sur la violence (à la fois dans la culture pop et dans l'histoire américaine), le personnage d'Eastwood à l'écran, le péché et la possibilité que nous ne trouverons jamais de rédemption sur Terre. C'est le film parfait réalisé juste au bon moment et, à ce jour et probablement pour toujours, l'adieu d'Eastwood au genre qui l'a fait. Cela lui a valu ses premières nominations aux Oscars et ses premières victoires, pour le meilleur film et le meilleur réalisateur (rejoints par le prix du meilleur acteur dans un second rôle pour Hackman et le trophée du meilleur montage pour Joel Cox). Du respect enfin, mais est-ce important ? En fin de compte, pour Eastwood, c'est toujours une question de travail et il y a toujours un autre film à faire.