pour les filles de couleurau stand.Photo : Marc J. Franklin
Quandpour les filles de couleur qui ont pensé au suicide / quand l'arc-en-ciel est suffisantest arrivé à Broadway en 1976, il a joué au Booth Theatre. Maintenant, il revient en triomphe et vous pouvez comprendre pourquoi il est retourné dans son ancienne demeure. Le Booth est intime pour une maison de Broadway : la scène est basse, presque une extension du niveau de l'orchestre, et l'unique balcon se blottit contre elle. Le chef-d'œuvre théâtral de danse-théâtre de Ntozake Shange — elle a inventé le termechorégraphiepour le décrire – y prospère. Sa série de monologues lyriques, prononcés par des personnages anonymes Lady in Red, Lady in Orange, etc., ont été parlé pour la première fois dans les cercles de lecture féministes et les bars de la Bay Area. Vous avez vraiment besoin d'en faire l'expérience dans ce genre d'endroit sombre et proche, quelque part où vous pouvez entendre la personne deux rangées plus loin exprimer son approbation, claquer des doigts, voire même réciter.
Il y a un léger mystère sur la relation de la série avec le personnage très apprécié (et copieusement nominé)renaissance du centre-villeau Public en 2019. Le Théâtre Public produit à nouveau, et une grande partie de la compagnie de ce spectacle précédent est toujours en place : trois des sept interprètes, la moitié de l'équipe de conception. Il ne s'agit cependant pas d'un transfert ; c'est une nouvelle production. Surtout, la chorégraphe de la production, Camille A. Brown, a pris les rênes de la direction de Leah C. Gardiner, et le travail qui en résulte ressemble moins à un partage communautaire (Gardiner a souligné la douce vibration de Shange) qu'à un ballet avec langage. , lapidaire et sculpté. Les sept Dames ne se contentent pas de danser, elles bougent désormais de manière spectaculaire, en particulier la Dame en marron (Tendayi Kuumba, l'un des danseurs vedettes du spectacle de David Byrne qui vient de fermer ses portes).Utopie américaine) et la Dame en jaune (D. Woods).
La production adopte un look et un son étourdis par la chaleur des années 70. La musique au piano de Martha Redbone et Aaron Whitby déambule de manière groovy, touchant chaque instant avec un peu de puanteur, un peu de funk. Les costumes de Sarafina Bush ont tendance à comporter des coupes – soit au niveau du ventre (comme pour Kenita R. Miller, enceinte de huit mois), soit au niveau de la clavicule – une sorte de fierté dans la peau qui fait briller la pièce d'une chaleur estivale. Le scénographe Myung Hee Cho laisse la scène vide tout en suspendant de grands écrans rectangulaires au-dessus, qui tourbillonnent ensuite d'images galactiques abstraites (Aaron Rhyne a réalisé la conception de la projection) et de champs d'étoiles flous et palpitants, rouges et noirs. Rhyne projette également des images de visages de dames ou des images agrandies de peinture, les épaisses crêtes montrant encore la marque du pinceau. La peinture change sous les lumières de Jiyoun Chang. Parfois, il semble doré, parfois noir.
En examinant les images mises à disposition par la production pour cette revue, il m'a semblé étrange qu'elles ne ressemblent pas vraiment à ce que j'ai vu. Les images donnent l'impression que la production se déroule sur le plateau d'une cérémonie de remise de prix, mais je ne l'ai pas du tout vécu de cette façon. Il y a une étrange astuce de perspectivepour les filles de couleur,qui concentre si étroitement votre attention sur les artistes qu'ils surgissent dans votre mémoire, effaçant l'environnement. Par exemple, j'ai l'impression d'avoir vu Okwui Okpokwasili prononcer en gros plan son prodigieux monologue de La Dame en vert, mais bien sûr, elle était à dix mètres de moi, sur une scène.
quelqu'un a failli partir avec toutes mes affaires
pas mes poèmes ni une danse que j'ai abandonnée dans la rue
mais quelqu'un a failli s'en aller avec toutes mes affaires
Comme un cleptomane qui travaille dur et oublie en volant
c'est à moi / ce n'est pas ton truc
Même si tu n'as jamais vupour les filles de couleur,vous aurez l'impression de voir un classique bien-aimé et très manipulé. Les autres dames murmurent « alla my stuff, alla my stuff » en prévision alors qu'Okpokwasili glisse sur le devant de la scène pour interpréter l'air ; c'est comme regarder une arène chanter une chanson préférée. Il y a quelques touches contemporaines – la Dame en Orange (Amara Granderson) fait une imitation sournoise reconnaissable à un moment donné – mais pour l'essentiel, le spectacle semble aussi immuable qu'un joyau, déterré déjà brillant.
Dans une interview de 1979 sur ce qui fait un poète, Shange a déclaré que cela se résumait à « un effort très conscient pour être concis, puissant et aussi illusoire que possible, afin que le langage puisse… vous amener à plus de conclusions que celle du poème. » Les conclusionsdansses poèmes incluent le toucher comme qualité de guérison, la proximité des femmes noires et brunes avec le danger et une récupération provocante de la sensualité. Les Dames parlent de solitude existentielle (« être en vie, être une femme et être de couleur est un dilemme métaphysique / je n’ai pas encore vaincu ») et de l’effort nécessaire pour continuer à aimer face à la violence. Ils racontent des histoires, parfois avec rauque, parfois avec une tendre inquiétude. Les hommes ne les traitent pas avec douceur, même s’ils les manipulent souvent pour leur propre plaisir. « A l'aube, je ne peux pas m'arrêter de sourire », crie la Dame en jaune à propos de la perte de sa virginité, et les femmes apparaissent constamment comme des déesses, priées par des amants éblouis et lubriques.
Les conclusions que les poèmesconduire à, cependant, sont encore plus mystiques. Ils ont à voir avec les énergies édifiantes des femmes qui se tournent les unes vers les autres et se regardent, comme elles le font après la section de Lady in Purple (Alexandria Wailes), réalisée en partie en langue des signes américaine, ou lorsque la Lady in Blue (Stacey Sargeant ) exécute un monologue bouleversant, et la Dame en marron danse pendant, ou plus précisément,commeson. Brown est l'une de nos meilleures chorégraphes, et elle tourne son esprit de mouvement vers la façon dont les corps des femmes sculptent et occupent de l'espace – en particulier la façon dont ces arrangements peuvent réellement rendre le poids plus facile à supporter.
Et il y a beaucoup de poids à porter. La section la plus intransigeante de Shange arrive tard dans la soirée, lorsque Lady in Red de Miller raconte l'histoire du violent Beau Willie Brown. Beau vient chercher sa petite amie Crystal quand il est fou à cause de la drogue, et l'histoire de Shange avance si vite, c'est comme si l'attaque se déroulait réellement devant vous. Pendant tout ce temps, Brown laisse Miller seul sur scène, non accompagné et flamboyant comme un feu de joie. Mais ensuite, Dieu merci, elle ramène les femmes. Brown les rassemble en phalange – il n'y a que sept femmes, mais elles semblent souvent plus nombreuses – et ils ramènent Miller dans leur entreprise. Sans vouloir devenir trop mystique, mais cette reprise impeccablement interprétée et superbement chorégraphiée parvient à la même chose pour beaucoup d'entre nous dans le noir. La danse, a déclaré Shange, lui a permis de comprendre la planète de la même manière que « les particules atomiques vivent l’espace ». Si tel est le cas, alors les particules atomiques doivent s’aimer énormément. Ils doivent toujours être si reconnaissants de se revoir, chaque fois que la gravité – ou un réveil – les ramène dans les bras l'un de l'autre.
pour les filles de couleur qui ont pensé au suicide / quand l'arc-en-ciel est suffisantest au Booth Theatre.
