De Ntozake Shange'spour les filles de couleur…,au Public.Photo : Joan Marcus
La belle production de Leah C. Gardiner de Ntozake Shangepour les filles de couleur qui ont pensé au suicide/quand l'arc-en-ciel est suffisant,aujourd'hui au Théâtre Public, c'est un renouveau en trois sens. Tout d'abord, l'évidence : le chorépoème de Shange (un mélange de monologue poétique, de danse et de chant) est un classique, aujourd'hui ramené dans l'une de ses salles d'origine après 43 ans d'absence. La production de The Public de 1976, qui a continué à Broadway et a ensuite connu une grande renommée, a été appréciée, et cet amour a ensuite porté le texte profondément dans les veines du théâtre américain. Beaucoup d’entre nous qui le connaissent l’ont rencontré à l’université, où des enseignants (poètes, universitaires et praticiens) nous l’ont administré comme une drogue.
Deuxièmement, il fait revivre la femme Paulette Williams elle-même, l’artiste-activiste radicale qui a choisi les noms de Ntozake (« Celle qui vient avec ses propres affaires ») et Shange (« Celle qui marche avec les lions »). Shange est décédé l'année dernière, espérant toujours voir cette production mise en scène. Mais la série parle si clairement dans sa voix qu'elle semble se tenir quelque part juste au-delà des murs en miroir du décor, en train d'appeler. Le pouvoir depour les filles de couleura toujours été la façon dont il maintient la qualité chuchotée de la poésie – un poème établit un lien parlé dans l’esprit entre le mot et le lecteur – malgré tout le brouhaha qu’exige la mise en scène. Certains monologues de la série sont écrits du point de vue d'une version de Ntozake ; certains sont clairement construits autour de personnages. Mais tous ont une intensité particulière, une façon de venir directement de l'auteur au public. En quelques instants, Shange marche à nouveau avec nous.
Troisièmement, grâce à la mise en scène intimiste de Gardiner, il s'agit d'un réveil en tant que service, d'un cercle de partage quasi religieux réuni dans la Grande Tente. Le public est proche, certains même sur scène : le scénographe Myung Hee Cho transforme la salle en club en coulisses, avec des miroirs sur les murs et des boules disco groovy au-dessus. (Dans un moment charmant juste avant le début du spectacle, les boules disco s'élèvent dans le plafond, tout comme les lustres du Metropolitan Opera.) Chaque interprète, identifiée uniquement par la couleur de sa robe, échange sa position de prêtresse et de congrégation ; quand l'un parle, les autres restent pour la plupart sur scène, assis et regardant, s'affirmant mutuellement. Dans l'air de bravoure de la série de la Dame en rouge (Jayme Lawson), l'histoire se transforme en une douleur dévastatrice et immédiate. Le jour où je l'ai vu, la Dame en violet (Alexandria Wailes) en a ressenti un tel chagrin que la Dame en vert (Okwui Okpokwasili) lui a pris la main.
La poésie de Shange est aussi vive qu'elle l'était il y a près d'un demi-siècle, mais c'est cette qualité de retournement l'un vers l'autre qui rend le spectacle si riche. Les poèmes parlent des blessures de la femme noire : comme le dit la Dame en jaune (Adrienne C. Moore), « être vivante, être une femme et être colorée est un dilemme métaphysique / je n’ai pas encore vaincu ». Les Dames racontent des histoires d'éveil sexuel joyeux, mais aussi de viol ; ils racontent des histoires de femmes confiantes et pleines d'esprit qui pleurent pour s'endormir. Pourtant, une fois évoquées et dansées, les blessures se transforment en baumes cicatrisants. La Dame en bleu (Sasha Allen) chante une partie de son texte (la musique nouvellement composée est de Martha Redbone) ou les femmes dansent ensemble dans la chorégraphie extatique de Camille A. Brown, et vous les regardez se soutenir. Le public vit certainement son expérience, portée par le son, le courage et la beauté. Mais celui-ci est destiné aux Coloured Girls du spectacle : à chaque représentation, elles sont l’arc-en-ciel, et elles suffisent.
Même si je viens de te recommander d'aller voirpour les filles de couleur(récemment étendu !), je vais aussi devoir insister pour que vous voyiezEst-ce une pièce.jea écrit à propos deàForum d'artplus tôt cette année, lorsqu'il était à la cuisine pour une courte période en janvier. Cette expérience a court-circuité mon cerveau : ce fut une surprise totale de voir les méchants ironistes de la compagnie Half Straddle de Tina Satter se convertir soudainement au théâtre politique, et je me souviens m'être senti étourdi et un peu défoncé à cause de leur sentiment d'indignation aiguisé par l'ozone. Quand j'ai appris que le spectacle serait transféré au Vineyard pour un engagement plus long, j'ai été ravi de le revoir : il contient l'une de mes pièces de performance préférées. Crayons baissés, vote positif.
Les décisions scéniques sont extrêmement simples. La réalisatrice/conceptrice Satter a pris la transcription de l'arrestation de Reality Winner en 2017 et l'a utilisée textuellement comme texte court et précis. (Le gagnant, si nos crises politiques quotidiennes vous ont fait oublier, est le spécialiste du renseignement qui a divulgué un document confirmant que les Russes avaient piraté nos machines à voter.) Quand il y a des expurgations dans le compte rendu, les acteurs se taisent et les lumières gonflent un peu ; si une page entière est masquée, la scène devient sombre. Le reste du temps, Reality (Emily Davis) et les agents du FBI (Pete Simpson, TL Thompson et Becca Blackwell) ne disent que ce qui a été réellement dit : des choses étranges et ordinaires, des choses auto-incriminantes, des choses dévastatrices et des blagues.
J'étais heureux de voir que même sans élément de surprise,Est-ce une piècefrappe fort. Sophocle ne pouvait pas imaginer une meilleure tragédie (une femme, soucieuse de civisme et d'action juste, marche à reculons vers le danger), et nous devons généralement nous tourner vers les frères Coen pour ce genre de comédie maladroite (le père nerdball de Simpson au FBI estFargocroisé avec Ed Grimley). Bon sang, il faudrait demander à Kafka de proposer un personnage et un décor aussi brillamment pervers : la jeune fille qui parle haut, porte des baskets Pikachu, terrifiée à l'idée de pouvoir effrayer le trio d'hommes armés. Pourtant, c'est la réalité, n'est-ce pas ? C'est la réalité.
Le spectacle n'a pas beaucoup changé depuis janvier - il se déroule toujours dans un brouillard rétro-éclairé (Thomas Dunn a réalisé la conception de l'éclairage), et la puissance du spectacle vient toujours de sa juxtaposition des mecs clownesques du FBI avec Davis frémissant et profondément ressenti. Au rappel, elle tremble encore ; enfer,jetremblait encore. En janvier, j’ai dit que sa performance m’avait fait sentir « commotionné » et, dix mois plus tard, la voilà qui joue comme une grenade avec l’épingle tirée. Saviez-vous que Winner est toujours en prison, purgeant la peine la plus longue jamais prononcée pour avoir divulgué des informations gouvernementales aux médias ? Davis le sait clairement ; et ça la traumatise. Dans sa performance électrisante et sans peau, nous voyons le coût d’une telle canalisation chamanique. C'est presque dangereux de la laisser faire, mais ici aux États-Unis, si vous voulez dire la vérité, vous devrez souffrir.
pour les filles de couleur qui ont pensé au suicide / quand l'arc-en-ciel est suffisantest au Théâtre Public jusqu'au 1er décembre.
Est-ce une pièceest au Vineyard Theatre jusqu'au 10 novembre.
