La scène du balcon sans balcon dansHistoire du côté ouest,au Théâtre Broadway.Photo de : Julieta Cervantes
Il y a un grondement à Broadway en ce moment, et – tout comme avec ces pauvres malheureux Jets et Sharks – personne ne gagne. La bagarre se déroule en plein milieu deHistoire du côté ouest,où la reprise du réalisateur belge Ivo van Hove a été mortellement divisée contre elle-même, tuée par ses propres choix de mise en scène et de conception.
Dominée par un mur de projection de taille IMAX montrant toutes sortes de vidéos – un flux en direct d'acteurs sur ou dans les coulisses, un film pré-tourné des rues de New York la nuit – la production semble perversement douée pour trouver le mode exact qui interférera avec chacun. moment et intention. Il y a certainement quelques bons éléments dans la série, et Maria (Shereen Pimentel) et Tony (Isaac Powell) – clairs, à la voix douce, sans affectation – sont fiers de leurs rôles emblématiques. Le superbe Tony de Powell vibre d'énergie et d'optimisme chiot ; son interprétation de « Maria » est révélatrice, un spectacle et un coup de coeur. Si Maria de Pimentel semble moins capable d'échapper aux sabotages occasionnels du spectacle, sa soprano est extrêmement charmante, un chant argenté au-dessus du reste du bruit cuivré et fanfaron de l'ensemble.
Mais quand çaHistoire du côté ouestveut être réaliste, les choix de toile de fond sexy-wexy de van Hove le rendent ringard et anodin ; lorsqu'un artiste essaie d'être authentique, un zoom en direct maladroit révèlera l'artificialité. L'attention, tant celle du public que celle des interprètes, est divisée de manière critique. Peu de gens sur terre peuvent exprimer simultanément un gros plan devant la caméra et un « plan large » de la réalité ; c'est le cauchemar d'un acteur. Cela donne à l'expérience une qualité étrange et saccadée : le fait de savoir que nous sommes toujours, d'une manière ou d'une autre, en train de regarder quelqu'un de bon dans son pire état.
Pour être clair, il ne s’agit pas d’une condamnation générale de la réparation de quelque chose qui n’était pas cassé. Decoursil est compréhensible qu'un réalisateur rencontre ce matériau et veuille se rebeller. C'est là le défi de sa filiation terrifiante : composée par Leonard Bernstein, écrite parArthur Laurentet Stephen Sondheim, façonné par Jerome Robbins. En termes de théâtre musical, tous nos papas sont réunis au même endroit, et le contenu est une pure fureur adolescente. Van Hove ressent clairement cette impulsion de grand-père ; vous pouvez le sentir résister à tous les anciens succès du projet original. Depuis plus de 60 ans, les productions présentent les équipes en guerre deCôté ouestavec celui de Robbinscourir, sauter et claquer.Mais dans la version réduite de van Hove, alors que l'orchestre joue le propulsif Prologue de Bernstein, les Jets déambulent dans la caverne nue du gigantesque théâtre de Broadway, aussi frais que des concombres homicides. Ils s'arrêtent au bord de la scène sans fioritures, regardant vers l'extérieur comme des suspects dans une file d'attente. Les Requins sortent à grands pas, nous lançant à leur tour des regards menaçants. La musique de Bernstein court, saute et s'accroche à eux depuis l'orchestre sous leurs pieds ; les trompettes les supplient de bouger – mais ils restent immobiles d’un air de défi.
Nous avons donc tout le temps de jauger les délinquants. Le costumier An D'Huys met tout le monde dans des vêtements de ville modernes, si le terme « vêtements de ville » peut s'étendre au-delà des sweats à capuche pour inclure des bandeaux, des pantalons de danse à paillettes et des tatouages temporaires sur le visage. (Appelez cela des loisirs de gang surélevés.) Bientôt, l'énorme mur du fond se remplit de leurs images. Une caméra montée sur le rail du balcon effectue un zoom avant pour nous montrer des gros plans de 20 pieds de haut de l'entreprise, ricanant et posant durement en haute définition. Vus du public, ils ont l’air si sinistres ! Mais à l’écran, ils sont… si jolis. La chorégraphie du long panoramique de la caméra le long de leur ligne transforme les Jets et les Sharks de durs à cuire en nous regardant fixement en modèles servant un œil puant prêt pour la piste. C'est le premier geste que la vidéo met à mal ; ce ne sera pas la dernière.
L'interprétation de Van Hove est hobbesienne : brutale et courte. L'histoire luxuriante de Roméo et Juliette de 1957 a été réduite à une heure et 45 minutes sans interruption, et l'une des chansons les moins préférées de Sondheim, « I Feel Pretty », a été entièrement supprimée. La chorégraphie de Robbins a disparu, remplacée par le travail de la postmoderniste belge Anne Teresa De Keersmaeker, bien que sa contribution soit en réalité un mélange de styles étonnamment conventionnel. La comédie musicale elle-même lui force la main : si les gens chantent sur le mambo-ing, alors ils devront faire du mambo.
Même si cette série fait flipper les critiques depuis le début, la nouvelle équipe a décidé de (davantage ?) souligner la sauvagerie de la série. Les « railleries » déjà viles de l'amie de Maria, Anita (Yesenia Ayala, une actrice profondément efficace et une danseuse étonnante) ont été traduites en une scène de viol sans ambiguïté, filmée dans un coin caché du décor par une caméra voyeuriste. La composition raciale a changé : les Jets, écrits comme un gang blanc, constituent désormais un groupe diversifié dirigé par un Riff noir (Dharon E. Jones), ce qui rend parfois délibérément difficile la distinction entre les Jets et les Sharks. Cependant, les figures d’autorité sont toujours blanches : Doc (Daniel Oreskes, touchant dans de minuscules instants) est toujours le pharmacien juif bien intentionné ; Le lieutenant Schrank (Thomas Jay Ryan) et l'officier Krupke (Danny Wolohan) sont toujours des portraits terrifiants et antipathiques de la coercition légale des Blancs. Ces tentatives de commentaire politique rebondissent de manière peu flatteuse, car la série ne semble pas savoir comment gérer la violence explicite dans un monde où les combats sont si dansants. Le sournois et vaudevillien « Gee, Officer Krupke » estdéjàsur les malversations de la police, par exemple, donc mettre derrière lui un montage de Noirs menottés et un sanctuaire dédié à ceux abattus par les balles des flics est en quelque sorte à la fois embarrassant sur le nez et un grave raté de ton.
Et les problèmes du monde réel touchent déjà la série. Leles manifestations continuent– certains dans les rues devant le théâtre – à propos du choix d'Amar Ramasar dans le rôle du chef de gang Bernardo. L'année dernière, Ramasar était l'un des danseurs du New York City Ballet suspendus et expulsés pour avoir échangé des photographies nues de femmes de la compagnie. Après intervention d'un arbitre, il a été réintégré. Le producteur Scott Rudin et van Hove ont tous deux été interrogés sur le choix de choisir Ramasar ; les deux ontexpriméleur plein soutien. Van Hove a décrit le danseur comme «acquitté», ce qui peut signifier qu'il n'a pas compris les mesures disciplinaires prises par le NYCB.
Mais Ramasar, une fois choisi, avait en réalité besoin d’une forme très différente de soutien à la réalisation.Histoire du côté ouestexige énormément de ses interprètes, et la voix chantée de Ramasar est instable, son jeu d'acteur, rendu ridicule par son accent portoricain de scène, martelé. Parmi tant de triples et doubles menaces, même son élégance ballet – quand il saute, c'est comme un dauphin qui tourne – semble être une petite offrande. Dans les débuts de Ramasar à Broadway,Carrousel, la production de Jack O'Brien a fortement orienté son temps sur scène vers le mouvement, en s'appuyant sur ses atouts. Ici, il est l'un des nombreux danseurs « America » perdus dans la mêlée des scènes de combat, et De Keersmaeker ne lui offre jamais une séquence de bravoure. Dans l'intrigue, cependant, il est l'équivalent du Tybalt de Shakespeare, le prince des requins qui doit garder unie toute une communauté portoricaine. Bernardo donne le ton : c'est un défi d'acteur difficile. Van Hove le laisse exposé.
Ce qui nous ramène à cette étrange division, ce sentiment d'une production qui se bat intérieurement et laisse les acteurs se débrouiller seuls.
L'esthétique austère de Van Hove, conçue par son brillant designer de longue date Jan Versweyveld, est plus épurée et plus abstraite que le look typique de Broadway ; il modernise automatiquement tout ce qu'il touche, de Shakespeare à O'Neill. Il a également une façon d'intensifier et d'interpoler la sexualité masculine dans des classiques américains relativement serrés - comme dans son film homoérotique.Une vue depuis le pont, ou sa version deLe Creusetqui salivait à cause du saignement de John Proctor. Ici, il lance à Riff et Tony un regard persistant, nez à nez, qui nous fait nous demander comment Riff voit la défection de Tony, et tous les gars aiment se battre sans chemise sous une gigantesque tempête de pluie sur scène, parce que les chemises sont tellementconfinement.
Jusqu'ici, tout va bien. Mais lorsque van Hove introduit ces composants vidéo, son contrôle vacille et s'effondre. À son meilleur, c'est un minimaliste, doué en compression et en réduction. Mais même s'il travaille avec la projection depuis des lustres, les paysages cinématographiques de ses émissions sont trop souvent bâclés et peu attrayants. Ici, ils sont dans leur pire état : esthétiquement rudimentaires (ils semblent avoir été réalisés par une demi-douzaine de mains différentes), et l'ensemble de la composition scénique n'a presque jamais été pris en compte.
Et à quoi servent-ils ? Un grand pourcentage des images est au ralenti, nous regardons donc un Tony de 25 pieds marcher d'un air maussade dans une rue au ralenti, ou les Jets se frapper mutuellement au ralenti, ou Bernardo enfiler une chemise… dans ralenti. Nous n'avons pas tendance à voir beaucoup de femmes dans ces séquences, elles s'orientent donc directement vers une ambiance de boys band, de clip vidéo. (Mec, One Direction a eusérieux.) Pire encore, ce sont les images en direct. Sur scène, les acteurs se tirent parfois dessus depuis des iPhones instables, ce qui crée une toile de fond vertigineuse et distrayante. Et certaines scènes d'intérieur, comme la pharmacie de Doc, sont tournées dans des décors entièrement réalisés qui sont partiellement ou totalement cachés au public. Des caméras fixes surveillent les coins ; leurs transmissions ont l'aspect plat des scènes de feuilleton, et elles ne rendent aucun service aux acteurs qui s'y trouvent.
Alors, est-ce que tout cela est poubelle ? Non. C'est voué à l'échec pour de longues sections, mais il y a suffisamment de matériel prometteur pour souhaiter que tout le monde puisse simplement prendre un an de congé et réessayer. Bien sûr, l’écran domine complètement la scène tout en donnant l’impression d’être une réflexion après coup – mais cela facilite la première décision. Éteignez les projecteurs. Les bons moments sont déjà ceux qui ne reposent pas sur la vidéo. Le grondement de la pluie est par exemple passionnant, et De Keersmaeker fait écho à d'autresRoméo et Julietteballets pour mettre en scène une puissante scène de balcon sans balcon, avec Maria et Tony se penchant comme des figures de proue des navires alors que leurs communautés les séparent. Et au lieu du traditionnel ballet « Somewhere », van Hove demande à l’ensemble de chanter la chanson ensemble sous une lumière sodique orange foncé, les amoureux du monde entier rêvant de marcher deux par deux. Il généralise le sort du couple central à l’ensemble de l’entreprise. C'est dans ce simple « Somewhere » que van Hove touche le fil conducteur de son propre show. Il échappe au littéralisme claustrophobe de la vidéo ; il dit quelque chose de nouveau, de précieux et de beau à propos deHistoire du côté ouest.« Quelque part » s'avère être simplement une scène avec des corps dessus. Commencez à partir de là.
Histoire du côté ouestest au Broadway Theatre.
*Une version de cet article paraît dans le numéro du 2 mars 2020 deNew YorkRevue.Abonnez-vous maintenant !
