Soupirs Photo : Moviestore/REX/Shutterstock
L'apogée duSous-genre du cinéma italien connu sous le nom dejaune n'a pas duré très longtemps et la plupart des entrées relevant de son égide très spécifique n'ont pas été diffusées dans les cinémas américains. Mais un groupe de cinéastes avertis auto-sélectionnés sont néanmoins tombés amoureux de cette espèce sinistre de film slasher et ont gardé son héritage vivant jusqu'à nos jours. Des personnalités connues aux goûts aventureux (Alfred Hitchcock, Eli Roth) et des sensations underground (le Britannique Peter Strickland, le duo belge Hélène Cattet et Bruno Forzani) ont trouvé leur inspiration dans l'accent quasi pornographique du mouvement sur la splendeur visuelle plutôt que sur les petites choses gênantes. des choses comme la logique ou la réalité. Le dernier ajout à leurs rangs autosélectionnés est Luca Guadagnino, qui succédera bientôt au film presque universellement acclaméAppelez-moi par votre nomavec une adaptation d'un genre plus noueux,s'attaquer à la panique surnaturelle du balletSoupirs.
Même si cela ne rentre pas dans les limites dejaune, le film est le plus connu de son réalisateur, Dario Argento, l'affiche du sous-genre et le sujet d'une nouvelle rétrospective de 12 films au Metrograph Theatre de New York. Argento a codifié, affiné et sans doute perfectionné les tropes emblématiques de la forme : une structure d'intrigue détraquée, des éclats de psychédélisme rendus dans des couleurs éclatantes, le gant de cuir noir comme symbole global de danger et de désir. Si l’on peut dire que ses films parlent de quelque chose dans un sens thématique, ce serait le sexe et la mort, et il ne s’est jamais éloigné de ses obsessions favorites. Pourtant, placez le style assez loin sur la substance, et il s’avère que le style devient une substance à part entière.
LeSoupirsla sortie et les salutations qui l'accompagnent telles que celles de Metrograph donneront certainement un coup de pouce au profil d'Argento, donc ces fiers connaisseurs qui veulent avoir l'air autoritaire en novembre devraient commencer à se préparer maintenant. À cette fin, Vautour a compilé cet aperçu rapide des meilleures œuvres d'Argento. Un bon conseil pour ceux qui sont intrigués par ses méthodes : recherchez « Sergio Martino » sur Google. Ensuite, recherchez « Mario Bava » sur Google. Ensuite, recherchez « Lucio Fulci » sur Google. Vous pouvez probablement partir de là.
La « Trilogie animale » (1970-1971)
Après s'être familiarisé avec le monde de l'écriture de scénario (il a notamment assisté Sergio Leone et Bernardo Bertolucci sur le scénario deIl était une fois dans l'Ouest), Argento a démarré en force dans sa carrière de réalisateur avec un trio de films regroupés par titres de salades de mots vérifiant le nom du royaume.l'animal. Il a gardé le meilleur pour le premier avecL'oiseau au plumage de cristal, a continué sur sa lancée avecLe chat à neuf queuesen 1971, et termine en force la même année avecQuatre mouches sur velours gris.Chaque film suit un schéma similaire : un client cool et créatif (un romancier américain en vacances, un journaliste bien habillé, un batteur de rock and roll) se prend les yeux sur un meurtre et se lance dans une enquête indépendante pour laver son nom et /ou sauver sa peau. Partout où il passe, des cadavres surgissent comme des pissenlits au rythme des compositions lounge lointaines d'Ennio Morricone, débouchant sur une confrontation sanglante révélant l'identité du tueur.
L'intrigue est répétitive lorsqu'elle n'est pas activement exaspérante -Chata été ainsi nommé en référence à l'abondance d'impasses poursuivies par son détective amateur - mais sert à juste titre d'échafaudage à Argento pour monter ses objets d'art tordus..Les gros plans de globes oculaires, obligeant le spectateur à la fois au voyeurisme et à l'exhibitionnisme ; le masque effrayant du Dutch Boy dont le sourire sans vie hante tout leMouches; les plans expressionnistes en POV nous invitant à rejoindre le tueur par le biais d'une maternité de substitution. (Argento a notoirement insisté pour que ses propres mains soient utilisées lors du tournage des étranglements à la première personne dans plusieurs films, le chiot malade.) Il a égayé les rythmes habituels du tueur en liberté avec des envolées bizarres, piégeant sa proie sous un énorme sculpture abstraite en métal à l'apogée deOiseaudans un jeu de mots visuel effronté. L'esthétique est une douleur.
Rouge profond(1975)
Argento n'a pas réinventé la roue à son retour aujauneécole suite à un envoi loufoque de politique révolutionnaire intituléLes cinq jours de Milanen 1973. Ce critique considère plutôtRouge profondêtre le meilleur film d'Argento, en particulier parce qu'il s'est mis au défi de s'en tirer davantage avec les mêmes paramètres qu'il avait déjà fixés, élevant tous les mêmes éléments privilégiés vers de nouveaux sommets d'art désarticulé. Il a tenu la promesse du titre et plus encore, inondant ses cadres de sang d'une teinte que l'on ne trouve pas naturellement dans un corps humain. La caméra d'Argento n'avait jamais été aussi librement mobile, glissant dans les escaliers et se détachant des murs pendant les airs frénétiques du meurtre. Son intérêt continu pour la psychologie pop a donné naissance à son intrigue la plus salace à ce jour, un ragoût freudien de poupées tueuses effrayantes, de traumatismes refoulés et de signaux musicaux déclenchants. (Invoquant la même énergie plus cool que cool qu'il a apportée à la scène de la mode londonienne enExplosionune décennie plus tôt, la star David Hemmings s'intégrait parfaitement dans le monde échangiste et hipsters post-beatnik d'Argento.)
Il faut prêter attention à Goblin, le groupe de rock progressif italien responsable de la partition maussade, sinueuse et obsédante. C'était une bénédiction déguisée que Pink Floyd ait dit non quand Argento les a approchés pour la première fois, le renvoyant en Italie et dans les bras du compositeur Giorgio Gaslini, qui a demandé l'aide de la vingtaine dégingandée et morose qui l'avait bouleversé lors d'un concert. spectacle en direct plus tôt cette année-là. Des différends avec le réalisateur ont finalement conduit Gaslini à quitter le projet, un cas d'addition par soustraction s'il en est, dans la mesure où cela a permis à Goblin de se déchaîner dans le studio avec une supervision minimale. Dans leurs crises d'épilepsie de free jazz, de solos de saxophone tourbillonnants et de tours furieux de synthétiseur, ils ont ouvert la voie à l'album de John Carpenter.Halloweenthème et inspiré des métalleux et de Tyler the Creator. Bonne chance pour purger leberceuse pour bébése moquer de la terreur du public face à vos cauchemars.
Soupirs(1977)
Les chercheurs se demandent depuis longtemps si cette fantasmagorie peut techniquement être considérée comme unejaune, le film ayant rompu ses liens avec la Terre et dérivé vers un nouveau plan de pure fantaisie. Pour ceux d'entre nous qui ne se soucient pas de taxonomie, il s'agit toujours d'un voyage hallucinatoire dans un enfer riche de plaisirs et de tourments, quelle que soit la manière dont vous l'appelez. Jessica Harper, faisant le même morceau d'ingénuité qui a fait d'elle une sensation culte instantanée dans le film de Brian De PalmaLe Fantôme du Paradistrois ans plus tôt, met en scène une ballerine américaine s'inscrivant dans une académie de danse d'élite à Fribourg, en Allemagne. Quelque chose semble un peudésactivé, cependant; peut-être que ce sont les asticots qui tombent du plafond, peut-être les drogues présentes dans la nourriture, ou peut-être le fait que ses instructeurs sont des sorcières liées à un ancien rituel qui exige des sacrifices de chair réguliers.
Il s'agit du mélange d'influences le plus somptueux d'Argento, mélangeant la mythologie occulte du XIXe siècle sur les chagrins religieux avec les contes de fées sombres et violents popularisés par Hans Christian Andersen, puis mettant le tout à ébullition. Creuser profondément pour trouver ses points de référence a abouti à une atmosphère étrange renforcée par un éventail peu orthodoxe de victimes ; les habituels garrots et coups de couteau sont pour la plupart supprimés, remplacés par la chute d'un danseur dans un tas de barbelés instantanément matérialisé, pour ne citer qu'un exemple. Alors qu'Argento ne comprend que quelques scènes de danse, l'émotivité fébrile de la performance façonne la trame du film, qui continue de gagner en intensité jusqu'à ce que le final fracassant le miroir pénètre directement dans le subconscient. Un avertissement pour les non-initiés : vous ne regarderez plus jamais un talisman de paon lumineux de la même façon.
Obscurité(1982)
Après ses alliances avec le mystiqueSoupirset son suiviEnfer, Argento revient aujauneavec vengeance. Je veux dire cela littéralement : pour montrer qu'il n'était pas intimidé par le fan fou qui n'arrêtait pas de l'appeler avec des menaces de mort, Argento a écrit un film sur un romancier d'horreur ciblé par un harceleur nocturne reconstituant les meurtres macabres de ses œuvres écrites. Pour plus de piquant, il inclut également une scène dans laquelle son avatar indique à ses critiques exactement où ils peuvent pousser leurs objections à ses passions pour la peau féminine et le carnage. Le dénouement plonge encore plus profondément dans le métatextuel, impliquant allègrement Argento lui-même dans ses crimes contre les goûts sensibles. Il est assez révélateur que le film le plus personnel d'Argento implique l'humiliation sexuelle et la dissociation temporaire.
Tout en criant à ses ennemis, Argento a continué à innover derrière la caméra et dans la salle de montage. Sa transmission d'informations visuelles n'avait jamais été aussi complexe ou précise ; de multiples visionnages révèlent des indices sur l'identité du tueur, codés dans des panoramiques ciblés à travers une pièce ou dans des coupes bien visibles. Il a continué à localiser l'étrangeté en rendant les objets du quotidien hostiles et étrangers, en obtenant sa photo la plus saisissante d'un filament brûlant dans une ampoule brisée. Mais l'arme secrète d'Argento a toujours été le banal. Dans son univers chaotique, le mal se cache souvent là où les victimes se sentent à l'aise et au dépourvu, de jour comme dans l'espace public. Il souhaite que ses téléspectateurs passent le reste de leur vie à se préparer avant d'entrer dans une pièce vide, conscients qu'elle peut très bien contenir une tuerie en cours.
Traumatisme(1993)
Les dernières années de la carrière d'Argento ont été gâchées par une série de ratés (s'il vous plaît, aimez-vous et évitez de voir sonDracula 3D) et des polémiques autour de sa fille Asia. Mais avant tout cela, il avait réussi une affaire de famille sur le sol américain. Asia incarne une patiente anorexique lors d'un séjour dans un hôpital psychiatrique de Minneapolis, où les infirmiers ont la mauvaise habitude de se faire étouffer par un engin diabolique connu des fans sous le nom de Noose-O-Matic. Comme le titre l'indique clairement, Argento est de retour sur son parcours Psych 101, créant l'histoire la plus démente d'une filmographie qui en regorge. Et les névroses s'étendent plus que d'habitude aux recoins plus sombres du subconscient d'Argento et de sa collaboratrice/amante Daria Nicolodi – le rôle d'Asia est basé en partie sur sa vraie demi-sœur Anna, qui a lutté contre des troubles de l'alimentation jusqu'à sa mort prématurée et accidentelle peu de temps après. la sortie du film.
La postérité a identifiéTraumatismecomme un départ pour Argento sur plusieurs fronts. C'est le rare exemple d'une protagoniste féminine qui a survécu pour voir le générique de fin défiler, le début d'un partenariat créatif prolongé avec sa fille et un signe précoce de sa contrainte ultérieure à élargir son réseau d'attrait auprès du public américain. Et pourtant, tous les films de Dario Argento (même les mauvais !) sont si immuablesson, presque gravé de son cachet exclusif dans le sang. La marque d’un grand cinéaste est sa capacité à créer un langage visuel sui generis qui distingue son œuvre du reste de l’époque, du genre ou de la nation. Placez une image aléatoire d'Argento devant quelqu'un qui a une compréhension fonctionnelle de son corpus, et il sera immédiatement en mesure d'identifier son point d'origine. Il a pleinement revendiqué la tension vive et onirique de l'horreur à laquelle le courant dominant de la franchise n'ose pas toucher. Son héritage perdure aujourd'hui dans le circuit culte et dans le monde des arts et essais, dans la chambre à coucher et à l'asile, ou partout où quelqu'un enfile un gant de cuir noir.
