Michelle Pfeiffer dansMère! Photo de : Paramount Pictures
Mère! est un film débordant de plaisirs cinématographiques surréalistes et gonzo. Le scénariste-réalisateur Darren Aronofsky a créé un véritable régal pour les sens, riche en ambiance, texture, paysages sonores et folie visuelle. Il entremêle le gnosticisme, les récits bibliques, la mythologie et les commentaires environnementaux pour créer un film d'horreur qui traite autant de l'acte de création que de la manière douloureuse, voire sadique, dont les femmes sont réduites dans le mariage par les hommes qui les regardent principalement. comme muses. Qu'il réussisse ou non à atteindre ses objectifs est une tout autre affaire. Je reste profondément inquiet et mitigé sur le film ; J'apprécie l'audace avec laquelle Aronofsky construit ce grand mythe, même si je trouve que la cruauté dont est victime le personnage de Lawrence n'a pas la nuance émotionnelle nécessaire pour la justifier.
Pourtant, je suis sûr d'une chose : chaque fois que Michelle Pfeiffer est à l'écran, le film devient électrique. Au milieu de tout ce chaos, le premier moment qui me vient à l'esprit lorsque je pense au film est Pfeiffer, encerclant une Jennifer Lawrence pâle et effrayée, avec un sourire narquois tranchant sur le visage qui suggère que son personnage est capable d'une grande violence. Elle est la seule actrice du film capable de donner du poids à son rôle sans sacrifier la nature mythologique qui sous-tend sa construction.
Le film commence comme une exploration tendue d'un mariage tendu à travers le prisme d'une jeune épouse (Lawrence) et de son mari poète beaucoup plus âgé (Javier Bardem), dont la vie est bouleversée par un coup à la porte - d'abord d'Ed Harris, puis de sa femme, jouée par Pfeiffer. Le film n'explore que brièvement la dynamique de ce quatuor avant qu'il ne devienne une autre bête ; Même après que les disputes familiales de Pfeiffer et Harris aient fait couler le sang et la folie dans la maison de Lawrence et Bardem, l'attention reste fermement centrée sur Lawrence. Mais en brefs éclairs, Pfeiffer suggère un autre récit alléchant :Qui a peur de Virginia Woolf ?à travers les fables de l'Ancien Testament.
Les personnages dansMère!ne sont pas des prénoms, mais des titres archétypaux. Bardem est « Lui » ; même Lawrence n’est créditée que comme « mère ». Pfeiffer et Harris sont respectivement crédités comme « Femme » et « Homme ». Aronofsky demande à ses acteurs de remplacer des personnages bibliques et mythologiques importants – Caïn et Abel, Adam et Ève, Dieu – ce qui crée une expérience narrative bouleversante, mais encourage également des performances qui semblent un peu en apesanteur, manquant de la nuance nécessaire à leurs traumatismes. résonnent au-delà du domaine de l’allégorie. Parmi les acteurs principaux, c'est Pfeiffer qui est capable de donner du sens au personnage - elle marie avec force l'exploration de la création biblique, les connotations mythologiques,etcommentaire domestique infernal. Il y a une gravité dans la performance de Pfeiffer qui lui permet de réussir là où les autres acteurs principaux échouent, à l'exception de brèves poussées – elle chevauche les frontières entre incarner un symbole et accorder au personnage suffisamment d'intériorité pour se sentir aussi comme une femme de chair et de sang. La présence de Pfeiffer assombrit la maison et évoque un certain nombre de personnages : lorsque sa main serpente autour de l'épaule de Bardem, elle se sent à la fois comme un serpent envahissant le paradis et comme une femme tendant la main pour s'accrocher à quelqu'un à la suite d'une perte. Lorsqu'elle penche la tête sur le côté, examinant Lawrence pour trouver le bon point d'impact avant de se diriger sournoisement vers la jugulaire avec une remarque sur la différence d'âge dans son mariage, j'ai pensé à Lilith et au genre de femme qui, ivre, prend plaisir à mettre en valeur les profondeurs de son mariage. des fissures dans la vie des autres tandis que la sienne s'effondre. Elle suggère également Hécate, et plus particulièrement Ève ; elle est la représentation primordiale de la femme comme péché incarné, de la femme comme usurpatrice, et aussi du genre de femme qu'il est facile d'imaginer attraper à la vitrine d'un restaurant, ivre au brunch. Regarder Pfeiffer, c'est être témoin d'un maître au travail.
La grandeur de Pfeiffer en tant qu'actrice repose sur plusieurs contradictions. Oui, elle est capable de passer du statut de tentatrice glaciale (Écharpe), la femme d'un agent de la mafia réticente qui fait éclater du chewing-gum presque autant qu'elle crache des répliques (Marié à la foule), un voleur vêtu de latex qui incarne la fureur féminine (Batman revient), et une sorcière harcelée essayant d'atteindre la jeunesse éternelle (Poussière d'étoile). Mais le récent retour de Pfeiffer dans des films de haut calibre dignes de ses talents n'est pas seulement le bienvenu en raison de sa polyvalence ou de son étonnante capacité à se transformer physiquement et vocalement pour un rôle. Aucune actrice moderne n'évoque mieux la riche tension entre la compréhension de l'importance d'être une grande beauté et le dégoût d'être vue. L'hostilité de Pfeiffer envers le regard masculinMère!s'avère tellement subversif qu'il devient une démonstration de la façon dont une grande actrice peut être autant l'auteur d'un film que son réalisateur.
Lors d'une récente conversation avecDarren Aronofsky pourEntretienmagazine, dit Pfeiffers de sa carrière : « Je n'avais aucune formation formelle. Je ne viens pas de Juilliard. J'étais juste en train de me débrouiller et d'apprendre devant le monde. J'ai donc toujours eu le sentiment qu'un jour, ils découvriraient que je suis vraiment un imposteur, que je ne sais vraiment pas ce que je fais. Le moment le plus instructif de l'interview survient un peu plus tard, lorsque Pfeiffer admet : « Je travaille toujours de manière assez instinctive – c'est un peu comme entendre le rythme du personnage dans ma tête. » Cet instinct et cette volonté de faire ses preuves expliquent peut-être à quel point la carrière de Pfeiffer a été vaste depuisÉcharpe :Elle est apparue dans des fantasmes sombres, des films noirs surchauffés, des comédies romantiques et des drames à gros budget. Elle a joué des mères célibataires et des méchantes, des sorcières et des dames de la classe ouvrière essayant juste de s'en sortir. Ce que Pfeiffer fait de mieux, c'est de jouer des femmes à la limite de la raison, de la société ou de la découverte de soi.
Bien que nous ne soyons que dans la première moitié deMère!, l'énergie et les prouesses de Pfeiffer sont pleinement visibles, son impact se fait sentir longtemps après qu'elle ne soit plus à l'écran. Cela est dû en grande partie à son physique, qui a toujours été son plus grand cadeau. Choisissez n'importe quelle performance au cours de sa carrière de plusieurs décennies, mettez le film en sourdine et vous pourrez retracer la vie intérieure de la femme qu'elle incarne simplement en la regardant bouger. DansMère!,c'est un plaisir de voir Pfeiffer jouer une chienne en train d'avaler de la limonade enrichie, son corps devenant languissant à chaque gorgée qui passe. Pourtant, elle conserve le côté prédateur et la grâce serpentine qui font trembler Lawrence.
Bien sûr, si vous vous tourniezMère!en mode muet, vous manqueriez à quel point ses lectures de lignes sont délicieuses, équilibrant des évaluations coupantes et des insultes venimeuses, le tout enveloppé dans une brume ivre. On peut dire que la scène qui montre le mieux comment Pfeiffer utilise sa voix et son physique est celle où elle voyage avec Lawrence dans les entrailles de la maison pour faire la lessive. Pfeiffer lance avec désinvolture des insultes à propos du sous-sol inachevé et des divisions claires dans le mariage de Lawrence. Lorsqu'elle réduit l'espace entre eux pour faire une remarque vertigineuse sur le choix de sous-vêtements de Lawrence, Lawrence ne peut s'empêcher de se sentir plus petite en comparaison. Pfeiffer est si puissant dans ce rôle que cela suffit à susciter de la sympathie pour le personnage de Lawrence.
Bien sûr, Lawrence a le rôle le plus délicat, étant donné la façon dont elle remplace la déesse mère grecque et incarnation de la Terre, Gaia – une représentation plus païenne de la divinité, de la création et du féminin, qui contraste dramatiquement avec celle de Bardem. Dieu de style Ancien Testament. Elle est masochiste et dévouée à son mari génial, régulièrement brutalisée et ne lui accordant aucune vie intérieure sur la page, à l'exception de quelques étincelles occasionnelles d'agressivité passive. Elle est dans presque toutes les images du film, et c'est son point de vue qui nous guide à travers les merveilles infernales créées par Aronofsky. Pourtant, à mesure que le film continue, elle se sent de moins en moins comme une personne pleinement réalisée, ce qui rend difficile pour nous de ressentir pleinement de la sympathie, ou pour que sa brutalité apparaisse bien plus qu'un exercice creux de grotesque.
C'est parce que Lawrence n'est pas tout à fait adapté pour le rôle. Lawrence a deux modes principaux en tant qu'actrice : des héroïnes stoïques aux yeux de silex (L'os de l'hiver;le Jeux de la faimfranchise) et un showboating largement représenté qui repose entièrement sur le charisme et aspire l'oxygène de la pièce (presque tout le reste, mais surtout son travail avec David O. Russell, commeLivre de jeu des doublures argentées). Ici, elle n’a rien de tout cela à quoi s’accrocher. Ce rôle exige qu'une actrice ait une vie intérieure, projetant plus que ce qui lui est confié, alors qu'Aronofsky construit son héroïne sans nom en tant que Gaia. Des actrices comme Joan Fontaine et Olivia de Havilland sont devenues des légendes en incarnant leurs personnages infailliblement bon enfant et masochiste dévoués avec l'intériorité nécessaire pour que vous puissiez vous connecter à leur sort. Lawrence a du mal à faire de même, ce qui devient de plus en plus clair lorsqu'elle est à l'écran avec Pfeiffer.
Au grand détriment du film, Pfeiffer est le seul acteur capable de suggérer systématiquement que son personnage a une vie au-delà des murs de la maison en ruine qui constitue le seul décor du film. Elle fonde sa performance et lui confère la vivacité nécessaire pour qu'elle résonne au ténor du mythe. Avec un regard, un sourire narquois, un regard noir, elle est capable de suggérer toute une histoire. Elle ravit. Elle défie. Et comme tous les grands acteurs, au final, elle se transforme.
