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Depuis plusieurs années, le format des radios country est devenunotoirement avarevers de nouveaux artistes féminins en quête de diffusion. Une seule femme arrivée sur la scène cette décennie a réussi à établir un modèle de succès radiophonique, et c'est Kelsea Ballerini, 23 ans. Elle a obtenu sa plus grande visibilité au-delà du monde country lorsqu'une nomination aux Grammy Awards du meilleur nouvel artiste lui a valu une performance lors de la télédiffusion des récompenses de février dernier.aux côtés des pop-rockers danois Lukas Graham. "Je n'essayais pas seulement de ne pas gâcher les gens qui me connaissaient", dit Ballerini à propos de la pression qu'elle ressentait, "mais c'était aussi ma première rencontre avec des gens qui ne me connaissaient pas."
Il n'y avait aucune raison d'avoir des attentes particulièrement élevées lorsqu'elle a sorti son premier single, le morceau country-pop chipper«Aime-moi comme tu le penses»en 2014 et son album,La première fois, l'année suivante, ne serait-ce que parce qu'elle était une inconnue totale qui n'avait ni le cosigne des collaborateurs de marque de Nashville, ce qui peut faire une énorme différence pour les débutants dans l'industrie insulaire de la musique country, ni le poids d'un puissant label derrière son. (Son label indépendant, Black River Entertainment, était encore relativement nouveau dans la ville et n'avait pas encore fait ses débuts.) Cela a cependant aidé que Ballerini semblait parfaitement en phase avec les changements esthétiques et toniques qui se produisent dans le courant dominant du country - vers des styles plus cool, plus cool et plus cool.effets vocaux plus occasionnelset des chansons construites autourimpulsions programmées et rythmées.
Aimant se présenter comme une fille de ferme de l'Est du Tennessee qui avait étudié le modèle de Taylor Swift et dont la première expérience de concert était une performance de Britney Spears, Ballerini a apporté une effervescence juvénile et une audace modeste mais coquette à son matériel, qu'elle a tous écrit ou co- a écrit. Elle s'est également révélée travailleuse et organisée, en étudiant rapidement la création de son image glamour de fille d'à côté, en utilisant les médias sociaux pour que les fans se sentent personnellement au courant de son plat délibéré et en cultivant l'auteur-compositeur-interprète. l'intimité du style au milieu d'une production étincelante et à grande échelle - l'héritier logique d'un trône vide depuis que Swift a terminé son crossover pop. On pouvait voir Ballerini tester la puissance des moments de conversation lorsqu'elle travaillait un intermède acoustique au milieu de ses sets live ; elle commençait à parler d'une expérience de rupture frustrante, ayant l'air de compatir avec des amis lors d'un brunch, attachait sa guitare sans perdre un battement, insérait des extraits de la Baie James, de Justin Bieber et des tubes de Timbaland, puis demandait au public de se lever. leurs lampes de poche de téléphone portable en signe de solidarité alors qu'elle se lançait dans son coup le plus fort et le plus pensif,"Pierre Pan."
Lorsque Ballerini a commencé à travailler sur son album suivant, elle a programmé des séances avec quelques producteurs très demandés, Shane McAnally et Luke Laird, mais a finalement décidé de rester avec son équipe locale, les jeunes scénaristes-producteurs Forest Glen Whitehead et Jason. Massey, qui avait marqué ses premiers coups sûrs en travaillant avec elle. Le résultat estSans aucune excuse, un cycle de chansons sournoisement ambitieux qui sortira le 3 novembre. Ballerini y se situe carrément dans la jeunesse adulte avec des manipulations habiles et détaillées de ses perspectives d'écriture et de ses inflexions vocales, et un fil narratif qui la transporte des post-mortems flétris d'une relation contraignante à la réflexion. sur le processus passionnant mais instable de maturation et de prise en compte du manque de confiance de l’amour. Elle chante beaucoup à courte portée avec confiance sur fond de production électronique maussade qui intègre des synthés d'une précision épineuse, des rythmes froids et propulsifs et des textures acoustiques à moitié immergées. Bien conçu, pop et véhiculant un sentiment clair d'identité artistique, c'est le genre d'œuvre qui a le potentiel de vraiment élargir son public, et elle le sait probablement.
La campagne promotionnelle de Ballerini bat déjà son plein. Elle est récemment allée à la télévision pour partager son albumtitre et date de sortie, et a maintenu un flux constant d'annonces depuis (à propos de la photo du jardin de style victorien de la pochette, de la liste des 12 chansons, des options de précommande), en plus d'envoyer ses fans sur une application compatible.une sorte de chasse au trésor.
Mais Ballerini n'a pas encore accordé d'interview approfondie sur l'album. Chez elle à Nashville pendant seulement 48 heures – dont une partie pour emmener sa mère à un spectacle de John Mayer – Ballerini a hâte de parler et de bien faire les choses.
Au début, vous avez parlé de vouloir vous connecter avec une tranche d'âge allant des jeunes filles et des préadolescents jusqu'aux adolescents plus âgés et à la vingtaine, mais vous avez finalement réalisé que vous attiriez l'extrémité supérieure de ce spectre. Comment cette idée a-t-elle façonné votre approche dans la réalisation de votre deuxième album ?
J'ai dû me permettre d'avoir 23 ans. Je pense que pendant un moment, j'ai essayé de revenir dans l'espace libre dans lequel j'avais fait mon premier album. Mais non seulement j'avais 19 ans, mais je n'avais jamais fait rien de tout cela. J'étais tellement naïf. J'étais si vert. Je ne suis plus cette fille. J'ai dû comprendre quelles insécurités avaient changé, lesquelles j'avais vaincues depuis le dernier album, quelles nouvelles j'avais, tout ça. Pour moi, il s’agissait de faire un album qui parle de tout ce qui a changé dans ma vie ces dernières années. Si je peux en parler ouvertement et de manière vulnérable, alors la majorité des gens qui l’écoutent s’identifieront probablement à l’une de ces émotions, qu’ils soient plus jeunes ou plus âgés.
Dans la musique pop, il existe de nombreux exemples de ce à quoi peut ressembler la transition d’une perspective d’adolescent à l’âge de jeune adulte.
Du bon, du mauvais.
Britney Spears l'a expliqué avec "Je ne suis pas une fille, pas encore une femme". Justin Bieber a fait sa transition, tout comme tous les membres des One Direction et Miley Cyrus. La liste est longue. Il y a beaucoup moins d’exemples dans le monde rural. Taylor Swift est la principale. Y a-t-il des exemples qui vous ont marqué lorsque vous avez pensé à faire ce choix vous-même ?
Je pense que Taylor l'a fait avec beaucoup de grâce en country. Je compte évidemment beaucoup sur elle. Je pense que la façon dont elle l'a fait, et je pense que la façon dont cela fonctionne bien, c'est lorsque vous faites des disques qui sont purement vous-même – je pense que lorsque vous êtes aussi véridique et honnête, les gens s'identifient à cela. Je n'ai jamais été du genre à vouloir une grande transition dramatique, tu sais ? Je pense juste que si vous écrivez sur votre vie, les gens vous verront grandir.
Pour le deuxième album consécutif, vous avez écrit ou co-écrit tout le matériel. C'est quelque chose que vous avez continuellement souligné comme étant au cœur de votre identité : le fait que vous êtes un auteur-compositeur. Pourquoi était-il si important pour vous non seulement d’écrire, mais aussi de vous assurer que les gens sachent que vous écrivez ?
Je pense qu’il était vraiment crucial pour moi de donner plus de cœur à cet album. Je voulais que les gens écoutent ce disque et, sans regarder le générique, sachent que j'ai écrit chaque chanson. C’est à quel point je voulais que ce soit personnel. Avec le premier album, surtout avec les chansons amusantes, séduisantes et pop que nous avons sortiescomme simple, les gens ne m'ont peut-être pas connu en tant qu'auteur-compositeur, ce qui est vraiment cool, car c'est juste le prochain chapitre pour moi.
Comment diriez-vous que vous avez utilisé votre prestation vocale pour exprimer à quel point votre point de vue sur le monde a changé ?
[Quand j'ai réalisé] mon premier album, je n'avais jamais fait de concert avec un groupe complet auparavant. Ma voix, tout ce qu'elle connaissait, c'était moi et ma guitare. Je pense qu'au cours des deux dernières années et demie de tournée, j'ai vraiment appris à connaître ma voix et à savoir ce que je peux et ne peux pas faire. Je pense que je suis beaucoup plus à l'aise dedans maintenant. J'ai trouvé plus de poches et plus de flips vocaux et tout ça. J'ai trouvé des niches dans lesquelles je suis vraiment à l'aise maintenant et que je ne connaissais pas auparavant, tout simplement parce que j'ai eu la chance de tout essayer.
L’effet est que votre chant semble souvent plus confessionnel et conversationnel.
La façon dont nous coupons les voix – tout le monde le fait différemment – mais pour moi, je n'aime pas une voix parfaite. Surtout sur des chansons comme « Machine Heart » et « In Between », on peut entendre que je venais de terminer une course de deux semaines et que ma voix était fatiguée. Et on peut entendre les jours où je revenais de vacances et où j'avais une voix plus forte. Vous pouvez entendre où j'étais. Ce n'est pas parfait, mais c'est émouvant et c'est de la musique pour moi. C'est ce que cela devrait être, quand vous pouvez entendre un souffle avant de prononcer une phrase et qu'il n'est pas [édité]. J'adore ça. Cela le rend réel. Donc quand nous avons fait cet album, j'ai fait peut-être une heure de chant pour chaque chanson, et nous n'y avons pas trop réfléchi.
Je peux dire que vous avez trouvé différentes façons de faire passer une chanson. « Get Over Yourself » en est un excellent exemple, avec la manière cool et robotique avec laquelle vous prononcez le refrain.
Je pense qu’une autre chose était d’être vraiment à l’aise avec des influences extérieures sur cet album. J'adore la musique rap. Je pense que la musique country et le rap sont des génies lyriques de manières très différentes, mais [tous deux] lyriquement intelligents. Je suis obsédé par les schémas et les rythmes du rap. J'aime le fait que vous puissiez avoir des refrains que vous devez chanter à tue-tête pour que ça compte vraiment, comme « Miss Me More ». Ensuite, j'adore [how] « Get Over Yourself » [on dirait que] vous le dites simplement avec désinvolture, parce que vous ne vous en souciez vraiment pas. Et ça fait partie de la chanson.
Je m'intéresse également à la façon dont la production a changé. Cela fait également partie de la façon dont vous capturez un moment particulier. Avez-vous l'impression que cet album reflète le ton maussade qui apparaît dans une grande partie de la musique que font vos contemporains pop et R&B ?
J'ai tellement confiance en [collaborators] Forest [Glen Whitehead] et Jason Massey. Forest me connaît très bien en tant qu'auteur-compositeur. Nous écrivons tellement de choses ensemble. Il a des chansons sur mes deux albums. … Ce qu'ils font si bien, c'est qu'ils correspondent sonorement aux paroles. Donc « Graveyard » est sombre, maussade et bizarre, et ce morceau est sombre, maussade et bizarre. "Machine Heart" est stimulant, comme si vous vous leviez et disiez: "Ce n'est pas grave si je pleure maintenant." La piste ressemble à ça.
Vous avez élargi votre cercle de co-scénaristes.
Je n’en ai tout simplement pas eu l’occasion la première fois. J'étais tellement nouveau. Et j'en suis reconnaissant, parce que j'ai pu avoir cette fierté supplémentaire quand ça a fonctionné comme ça, parce que [j'avais fait ma musique] avec mes amis et nous avons tous eu notre premier numéro 1 ensemble. Sur ce disque, je voulais garder ce parallèle avec Forest, mais je voulais aussi me retrouver dans la pièce avec des gens qui m'ont inspiré pour commencer à écrire des chansons, comme Hillary Lindsey et Shane McAnally. Je pense vraiment que ces deux-là ont vraiment contribué à façonner l’album. Ils ne le font pasavoirpour co-écrire, mais ce qu'ils font, c'est aider à faire ressortir quelque chose de magique chez l'autre personne.
Lorsque vous étiez un artiste non confirmé travaillant avec des collaborateurs non confirmés, vous n'aviez pas accès aux meilleurs auteurs-compositeurs et producteurs de Nashville. Quand ces portes se sont-elles ouvertes pour vous ?
Je ne sais pas. Petit à petit, au fur et à mesure que j'ai commencé une tournée radiophonique et que mes chansons étaient diffusées à la radio. Je pense simplement que plus je me suis impliqué dans la communauté de Nashville et dans la communauté des artistes et de la radio, je pense que c'est en quelque sorte à ce moment-là que cela a commencé à s'ouvrir.
Il y a quelques paires de chansons qui m'ont frappé. La première paire était « Roses », qui adopte une vision nostalgique et mélancolique d'une relation adolescente, et « High School », qui critique un gars qui essaie de vivre dans le passé. L'autre était "I Hate Love Songs", qui rejette les clichés romantiques, et "Unapologeically", qui dépeint l'irrationalité de céder à l'amour. Comment avez-vous l’impression d’avoir capturé les contradictions d’être là où vous en êtes dans la vie ?
« Roses » est ce moment où vous décidez de revenir sur une relation avec tendresse, et non de regarder en arrière avec colère ou amertume. Vous dites simplement : « Nous étions bien pendant un moment. » Et « High School » a été écrit sur une relation au lycée. Il s'agit du moment où vous quittez la maison et que vous revenez et réalisez à quel point vous avez changé et eux ne l'ont pas fait. J'ai l'impression que beaucoup de gens traversent cette transition, qu'il s'agisse de quitter l'université ou de poursuivre leur rêve à New York. J'étais la fille de la chanson. C’était une histoire que j’avais écrite et qui était si réelle. Rendre cet album chronologique était important pour moi. "Je déteste les chansons d'amour" est cette façon originale de dire: "Je me sens tomber amoureux de toi, mais je n'en ai pas envie." Et puis « Sans aucune excuse », c'est ce moment où vous vous dites : « Je suis partant ».
« I Hate Love Songs » a un côté doo-wop, et les chansons doo-wop étaient pleines de romance bubblegum dans les années 50 et au début des années 60.
Absolument!
C'est presque comme si vous disiez qu'il existe un langage familier pour parler de romance, mais cela ne vous suffira pas.
Eh bien, cela veut dire : « Je ne veux pas faire partie des clichés de l'amour, mais je t'aime. »
Sinon, comment la chronologie façonne-t-elle l’histoire de l’album ?
Cela commence littéralement par une rupture que j'ai vécue il y a deux ans et demi lorsque j'ai sorti mon premier disque, et c'est juste angoissant. Je n’ai pas vraiment montré ce côté-là de moi-même sur le premier album. Il y avait une chanson impertinente intitulée "XO".
Il y a une différence entre être impertinent et être angoissé.
C'est vrai. Je pense que c'est juste une découverte de soi, que c'est normal d'être un peu fou. C'est normal d'écrire de ce point de vue. C’est quelque chose que je n’ai pas exploité ni exploré sur le premier album. Les quatre premières chansons sont juste angoissantes, sombres, mais se terminent en quelque sorte par "Au revoir, je vais découvrir qui je suis maintenant." Le milieu est juste en train de s'installer dans qui je suis à 23 ans et de savoir que cela va changer demain, mais aujourd'hui, c'est qui je suis. Et puis, arrive à ce moment où tu te dis : « Je ne m'attendais pas à ça, mais le voici. L’amour est la façon dont cela va se terminer. Pour faire simple, c'est la perte, la vie et l'amour. Si vous l’écoutez vraiment comme une histoire, c’est chronologique. C'est comme ça que ça s'est passé.
Allez-vous vous marier avant la sortie de l'album ?
Non, après.
Mais les gens savent que vous êtes fiancé. Tu as fait çatrès public. Avez-vous pensé à la manière dont cela affecterait le type de chansons que les gens s’attendent à entendre de votre part ?
Ça va être intéressant quand cet album sortira, de voir les gens comprendre de qui parlent les chansons. Honnêtement, je ne sais pas trop à quoi m'attendre.
Eh bien, vous êtes fiancé àun autre artiste.
Je sais. C'est cool. Morgan a cette harmonie très douce sur « Unapologeically ». Je voulais juste avoir ces moments et ces textures qui ajoutaient de la vraie vie à mon album. De toute évidence, il en fait partie intégrante, car il a inspiré toute la moitié arrière.
Que signifie pour vous l’idée de faire progresser la musique country ?
Je pense que tu le fais quand tu ne le veux pas. Je ne pense pas qu'on puisse essayer intentionnellement de faire avancer un genre. Je pense que si vous êtes fidèle à votre art et que ça marche, alors c'est Shania, c'est Taylor et c'est Garth. Vous savez ce que je veux dire? Ce sont des gens qui faisaient juste de la musique, c'était eux. C'était juste assez différent pour faire avancer le genre, mais ce n'était pas intentionnel.
En naviguant dans la sphère publique, je ne pense pas vous avoir jamais entendu vous plaindre de quoi que ce soit ou dire du mal de qui que ce soit, même si cela était justifié. Pourquoi évitez-vous cela si consciemment ?
Parce que je me souviens quand j'avais 15, 16, 17 ans et que j'étais au lycée et à l'université, j'essayais d'entrer dans l'industrie de la musique et je surveillais chaque interview de chaque artiste féminine. Et si jamais j'avais entendu l'un d'eux se plaindre, je lui aurais dit : « Vous ne pouvez pas vous plaindre. Vous n’y êtes pas autorisé. Vous pouvez faire ce que je veux faire. Je ne veux jamais qu'une fille qui suit un cours de chimie et qui veut devenir chanteuse lise une interview que je fais en disant que je suis fatiguée. Ce n'est pas juste.
Vous avez dit que vous aimeriez arriver au point où vous serez en tête d'affiche des arènes.
Oui! Avec un ascenseur hydraulique.
Qu'est-ce que ça va prendre ?
Je ne sais pas. Mais quand je le fais, je veux vraiment le faire correctement. Je ne veux pas le faire trop tôt et je ne veux pas le faire quand je ne peux pas le faire exactement comme je le pense. Alors un ou deux autres « Peter Pan » ?
Cette interview a été éditée et condensée.
