Annaleigh Ashford et Jake Gyllenhaal dans le rôle de Dot et Georges.Photo : Matthieu Murphy
Marie, une femme de 98 ans, assise dans un fauteuil roulant, examine le tableau de Georges Seurat.Un dimanche après-midi sur l'Île de La Grande Jatteà l'Art Institute of Chicago en 1984. Elle est, insiste-t-elle, la fille de l'artiste et d'un modèle nommé Dot qui apparaît au premier plan de la composition. «L'enfant est si douce et les filles sont si ravies», chante Marie à propos des personnages que Seurat a rassemblés à perpétuité. « N'est-ce pas merveilleux de voir comment les artistes peuvent nous capturer ? »
Eh bien, oui et non, comme le dit la comédie musicale Stephen Sondheim-James LapineDimanche au parc avec Georgele démontre encore magnifiquement. Oui, nous aimons être captivés par l’expérience de regarder l’art, mais peut-être moins par le processus de transformation en cet art. Cela s'applique à la fois aux personnages du tableau, qui sont désormais si complètement anonymes qu'ils permettent cette fiction musicale à leur sujet, et au peintre lui-même, qui, dans le portrait de l'exposition (également fictif), renonce aux plaisirs et aux compensations de la vie ordinaire - son connexion à Dot, entre autres choses – en échange d’une revendication sur l’éternité.
Dimanche au parc avec George, qui s'ouvre ce soir dans un renouveau de Broadway simple mais assez beau avec Jake Gyllenhaal et Annaleigh Ashford, est à la fois une déconstruction et un exemple de cette dualité. Une déconstruction car le livre de Lapine, parmi les plus intelligents jamais écrits pour une comédie musicale, propose d'innombrables variations tranchantes sur le thème du sacrifice pour l'art. Le spectacle est également une démonstration de ce thème, car les chansons de Sondheim sont si profondes qu'elles donnent l'impression, même lorsqu'elles se déroulent dans des fils ininterrompus de désir humain, d'avoir quitté le domaine de l'expérience vécue et d'entrer dans un plan keatsien de vérité-beauté absolue. bien au-dessus du nôtre. Les paroles ravissent constamment l’oreille tout en dramatisant, dans ce même délice, la manière dont l’art exalte et efface à la fois. « Rapturous » et « capturez-nous » sont comme les mâchoires d'un piège qui se ferment.
Mais vous voulez entendre parler de Gyllenhaal, qui joue, dans le premier acte, Seurat, et, dans le second, l'arrière-petit-fils putatif de Seurat, George. Ce George est également un artiste, aux prises avec les mêmes problèmes liés à l'art de la vie que l'autre, bien que dans un siècle différent, un pays différent et un médium différent. Son œuvre majeure, habilement créée ici par les concepteurs de projection Tal Yarden et Christopher Ash, est un spectacle de lumière sculptural appeléChromolume n°7.(Seurat a appelé sa technique de séparation des couleurs « chromoluminarisme ».) Les propres couleurs de Gyllenhaal sont quelque peu séparées : sur scène, il est à la fois extrêmement chaleureux – comme ne l'était pas l'auteur du rôle, Mandy Patinkin – et extrêmement intense. Le résultat, comme l'approuverait Seurat, est une luminosité supplémentaire : il est difficile de le quitter des yeux. Mais la performance n’est pas aussi simple qu’elle pourrait l’être. Bien que Gyllenhaal aitune jolie voix pour çaet a reçu une formation formidable, le rôle est très difficile à chanter et c'est parfois le travail qui brille à la place du personnage.
Que cet effort rende son Seurat plus sympathique est peut-être une bonne chose ; cela nous choque d'autant plus lorsque ce type apparemment empathique est durement dédaigneux envers Dot (elle interfère avec sa concentration) et bêtement impoli envers son seul collègue amical. Mais une fois que l'histoire de Seurat s'est conclue de manière si transcendante à la fin du premier acte avec l'achèvement du grand tableau sous forme de tableau vivant, la douceur innée de Gyllenhaal devient un léger handicap. Il est incapable, dans le deuxième acte, d'échapper à l'intériorité de l'écriture de George des temps modernes, et ainsi le drame, toujours ténu à ce stade, s'échappe.
Ou le serait-il, sans les talents compensatoires d'Annaleigh Ashford dans le rôle de Dot dans la fleur de l'âge et de Marie dans sa jeunesse. Ashford, à juste titre, est une interprète analytique, décomposant chaque ligne en micro-moments et y insérant autant d'informations sur les personnages que possible. En tant qu'actrice, elle est pointilliste. Le résultat est une performance acidulée, drôle et délicieusement confiante qui contribue à donner forme à Gyllenhaal. Plus que la volcanique émotive Bernadette Peters, qui jouait aux côtés de Patinkin, elle suggère le savoir-faire et la fierté qui permettraient à Dot de se refaire une vie après avoir quitté Seurat, et minimise la gentillesse gênante de Marie. Elle essaie toujours de faire quelque chose, même si le scénario n'est pas clair.
La production elle-même, qui avait pour origine un gala de quatre représentations l'automne dernier au City Center, ne corrige jamais ces défauts relativement mineurs. C'est peut-être compréhensible ; la réalisatrice, Sarna Lapine, est la nièce de James Lapine. Sa mise en scène est boueuse par endroits, notamment dans les transitions et lorsque notre attention doit se déplacer avec agilité d'une partie de la scène à une autre. (Il y a beaucoup d'activité dans les scènes d'ensemble, pour mieux équilibrer l'ampleur et l'intensité des relations centrales.) Le réalisateur n'est pas aidé ici par la conception scénique extrêmement minimale conservée du gala, composée d'à peine plus de une plate-forme surélevée et une toile de protection sur laquelle sont projetés des détails de l'œuvre de Seurat. Mais il semble judicieux, à d’autres égards, que la place d’honneur sur scène soit accordée à l’orchestre, étendu derrière ce tissu et souvent visible à travers celui-ci. (Les orchestrations exceptionnelles de Michael Starobin pour la production originale ont été légèrement étendues, passant de neuf à onze musiciens — tous produisant des sons magnifiques sous la direction musicale de Chris Fenwick.) Malgré les excentricités auxquelles j'ai fait allusion dans le livre de Lapine, celui-ci est au moins excellent. en partie parce que cela a fourni à Sondheim une charogne si magnifique avec laquelle concocter son festin d'une vingtaine.
Mais plus encore, cela a aidé Sondheim, après le désastre deJoyeux nous roulonsen 1981 et la rupture de son long partenariat créatif avec Hal Prince, pour « passer à autre chose » – tout comme Dot encourage George à le faire dans la chanson de ce nom. (« Arrêtez de vous inquiéter si votre vision est nouvelle. / Laissez les autres prendre cette décision – ils le font habituellement. ») Après avoir menacé d'abandonner le théâtre musical pour écrire des romans policiers ou des jeux vidéo, il a plutôt été revigoré par la pureté et l'audace formelle du centre-ville. de l'écriture de Lapine, qui a libéré en lui une voix différente. L’essentiel de cette voix est qu’elle n’offre aucune excuse pour elle-même : ni pour son intelligence, ni pour sa foi dans l’art, ni pour sa soif de sang et de ravissement. Le résultat est la déclaration la plus personnelle de Sondheim et donc, avec tous ses recoins étranges et ses errances occasionnelles, sa plus émouvante.
Ce qu'il n'est pas est d'actualité, pas dans le sens où nous utilisons ce mot au théâtre aujourd'hui. Il n’a rien à dire sur le fascisme, sauf peut-être en ce qui concerne les galeristes, les salonistes et les critiques. Cela ne pèse pas sur la race ou la religion, bien qu’il touche au sexe et à la classe sociale. (Le batelier en bas à gauche du tableau de Seurat a des opinions salées sur le sujet.) Tant de grandes comédies musicales abordent de tels sujets qu'il est facile de penser qu'elles sont les seules, à part les comédies pures, qui méritent d'être chéries ; dans le propre catalogue de Sondheim,Sweeney Toddjoue comme un récit édifiant sur l’injustice de classe etAssassinsest toujours à la veille des informations du soir. Mais à l'heure où l'art et la politique se confondent, où la seconde est si souvent évoquée comme un prétexte nécessaire à la première, il peut être utile, voire crucial, de rappeler que certains grands artistes ont tout fait dans leur considérable le pouvoir de séparer les deux. La beauté peut être une vertu publique. Quand un personnage chante à sa femme : « Le travail, c'est ce que tu fais pour les autres, Liebchen ; l'art est ce que vous faites pour vous-même », fait-il rire en reconnaissance. Mais dansDimanche au parc avec George, Sondheim et Lapine nous demandent de considérer que le contraire peut aussi être vrai.
Dimanche au parc avec George est au Théâtre Hudson jusqu'au 23 avril.
