Cynthia Erivo dans le rôle de Celie dans La couleur pourpre.Photo de : Nobby Clark
Comment la privation peut-elle devenir de la joie ? Ce n'est pas seulement la question animée deLa couleur violette, le roman d'Alice Walker de 1982 transformé en comédie musicale en 2005, mais aussi le principe de fonctionnement derrière la reprise triomphale de cette comédie musicale par John Doyle, mettant en vedette la prodigieuse Cynthia Erivo pour ses débuts à Broadway. Pour une fois, le mot « revival » est approprié : l'intervention de Doyle s'apparente à une sorte de RCR théâtrale, relançant le cœur d'un spectacle qui, dans sa production originale, semblait mourir sous vos yeux. Il était alors difficile de diagnostiquer la cause sous-jacente ; les chansons, du trio composé de Brenda Russell, Allee Willis et Stephen Bray, étaient exceptionnellement bonnes, et le livre de Marsha Norman a parfaitement réussi le travail difficile de remodeler un texte épistolaire pour la scène. Les performances étaient bonnes. Mais quelque chose a miné ces qualités, transformant une histoire électrisante sous forme imprimée en un gros travail énergivore duquel très peu d’émotions pouvaient s’échapper.
Nous pouvons maintenant voir que le problème était une mauvaise adéquation du contenu et du style. Comme le roman, auquel il est pour l'essentiel fidèle,La couleur violettecouvre environ 40 ans de la vie d'une pauvre femme noire nommée Celie, survivant à peine dans le sud de Jim Crow du début du 20e siècle. Ce n’est pas, pour la plupart, une vie heureuse. Son beau-père la viole et se débarrasse des enfants qui en résultent ; le mari à qui elle est essentiellement vendue (mais seulement lorsqu'une vache est ajoutée au marché) la viole également, même si cela s'appelle un mariage. (Comme pour souligner que le problème est systémique, Célie ne le connaît que sous le nom de « Monsieur ».) À toutes fins pratiques, elle est une esclave, tout sentiment d'autodétermination ou d'estime de soi lui est retiré par un monde qui récapitule, à l'intérieur. les rouages plus vastes du racisme, toutes les formes d’assujettissement sur lesquelles il peut mettre la main. Célie n'est pas seulement noire, mais pauvre ; pas seulement pauvre mais une femme ; pas seulement une femme mais « laide ». La petite étincelle de liberté qu'elle parvient à entretenir est alimentée par la réflexion sur les femmes qui sont son seul réconfort : Nettie, sa sœur, qui a fui ; Sophia, sa belle-fille, qui ne se laisse contrôler par aucun homme ; et Shug Avery, un chanteur de jazz, qui l'excite tout simplement. Finalement, en s'inspirant de l'exemple de chacun de ces trois, elle renaît, renversant Monsieur, découvrant sa capacité d'amour sexuel et utilisant ses talents de manière à opérer un rapprochement tendu avec le monde.
Une comédie musicale à Broadway ne semble pas être le moyen idéal pour exprimer les horreurs de Celie, ni pour dramatiser un protagoniste qui passe la majeure partie de l'histoire incarcérée. Les chansons offrent trop de plaisir direct et les interprètes sont rarement découragés d’exploiter leur désir naturel de ravir. La production de 2005 a surcompensé le matériel en se livrant à ces plaisirs et tendances : c'était trop bruyant, trop brillant, trop engagé dans une forme désespérée de vente. Doyle, qui a réalisé une version de cette reprise pour la Chocolaterie Menier à Londres en 2013, n'allait clairement pas commettre la même erreur ; c'est l'homme qui nous a apporté le dépouilléSweeney ToddetEntreprise, avec des acteurs jouant de leurs propres instruments sur des décors minimaux. Mais quoiétaitil fait ? En consultant le scénario et la pile musicale de sa nouvelle version, vous ne pourriez pas conclure grand-chose : les chansons et les dialogues ont été coupés, et une grande partie de la musique de danse a été supprimée, mais rien d'important n'a été éliminé. C’est encore, sur le papier, ce que l’on a vu en 2005.
Et pourtant, sur scène, il n’en est rien. Doyle commence sonCouleur Violet, comme il a souvent commencé ses spectacles, les acteurs se rassemblant et reconnaissant notre présence alors qu'ils se préparent à mettre en scène l'histoire. L'ensemble, qu'il a conçu, est une construction simple de chaises en bois vieilli suspendues à un fond de planches de bois vieillies. Si cela semble spartiate, voire aléatoire, cela signale immédiatement que notre attention ne sera pas attirée par de gros effets de marchandage. Le volume théâtral, pour ainsi dire, a été considérablement réduit (tout comme le volume littéral). Les costumes d'Ann Hould-Ward sont appropriés et attrayants, mais il n'y en a pas des centaines ; les changements de scène sont indiqués avec du tissu ou simplement des lumières ; la naissance d'un enfant est mise en scène avec une simple vanité de théâtre d'histoires. Bien sûr, il faut des acteurs qui ont la subtilité pour travailler à ce niveau, comblant les vides dont une production plus complète pourrait vous distraire avec des décors, des clins d'œil et toutes sortes d'accents excessifs. (Le nombre initial de 28 personnes a été réduit à 17 personnes.) Le résultat paradoxal est une portée bien plus grande ; le spectacle n’atteint pas constamment le plafond. Erivo, qui a également joué dans la version londonienne, se révèle particulièrement habile à calibrer les gradations de l'émergence de Celie, d'une sorte de curiosité sourde lorsqu'elle rencontre Shug Avery, à la rage réprimée de sa rébellion naissante contre Monsieur, en passant par le sourire timide et exquis qui » apparaît sur son visage lorsqu'elle s'autorise à croire qu'elle est belle, avec tout le plaisir que le succès (en tant que couturière) lui procure enfin. Au moment où elle arrive à son numéro de 11 heures – qui, grâce aux coupures de Doyle, est en réalité vers 10 h 25 – vous aurez peut-être l'impression d'avoir assisté à une transformation aussi grande et complète que n'importe quelle autre auparavant mise sur la scène musicale.
Vous pourriez également ressentir cela à propos de la série.La couleur violettea encore ses éléments gênants : lorsque le deuxième acte s'éloigne de Celie, il perd sa concentration et son élan ; et la décision de permettre à Monsieur une plus grande part de sympathie (et de la dramatiser avec une chanson qui « explique » son mal) peut paraître aux fans du roman comme une édulcoration de Broadway. Mais la production de Doyle plaide mieux en faveur de ces deux choix que la production précédente en les ancrant dans la réalité du jeu, et les acteurs, depuis Erivo jusqu'en bas, savent comment (ou ont été montrés comment) tirer le meilleur parti de l'opportunité. Le grand nom ici est, bien sûr, Jennifer Hudson, qui apporte une intelligence dramatique surprenante aux propres transformations de Shug Avery et un éclat vocal sans surprise à sa série de numéros formidables. Mais Danielle Brooks (Taystee dansL'orange est le nouveau noir) est tout aussi bon que l'indomptable Sophia, avec un terrible grondement sismique de voix, et Joaquina Kalukango (une charmante Cléopâtre au Public l'année dernière) fait de Nettie quelque chose de plus complet et de plus fort que ce que le scénario semble offrir. (Existe-t-il un quatuor de rôles féminins aussi puissants dans une autre comédie musicale ?) Il est également impressionnant que les principaux acteurs masculins – Isaiah Johnson dans le rôle de Mister et Kyle Scatliffe dans le rôle de son fils ambivalent, Harpo – soient capables d'humaniser ce qui pourrait être des dessins animés sans se contenter de rien. leurs rôles méchants et comiques et, finalement, rédempteurs dans l'histoire.
Je ne veux pas dire que le style simple de Doyle a réduit une grande histoire à une petite histoire ou l'a vidée de ces plaisirs qui justifient en premier lieu qu'elle soit une comédie musicale. Au contraire, il a élargi les effets et augmenté les plaisirs en ne les visant pas directement. Le numéro de juke-joint sale de Shug Avery, « Push Da Button », peut être considéré comme un simple coup de théâtre en matière d'autonomisation sexuelle : « Vous voulez que votre dame coure avec vous / Vous devez la mettre en marche. » Mais Doyle le met en scène pour son contenu thématique, séparant les femmes et les hommes de manière à clarifier les paroles, puis les réunissant sur un pied d'égalité. Il obtient le clou du spectacle presque comme un effet secondaire.
De la même manière, il tire tout deLa couleur violetteque n'importe qui aurait pu penser à y mettre. Et si cela reste, comme Walker l’a écrit, une histoire de renaissance aussi gratifiante qu’improbable, cette production – l’une des meilleures reprises de tous les temps – prouve que parfois gratifiant et improbable sont en réalité la même chose.
La couleur violetteest au Théâtre Bernard B. Jacobs.
